Malarstwo holenderskie z XVII wieku martwa natura. Martwa natura w sklepie rybnym. Motywy i obrazy obrazkowe

Pierwsze sztalugowe martwe natury pojawiły się w XVII wieku w pracach Jana Brueghela i Ambrosiusa Bosschaerta i były to umiejętnie ułożone kompozycje wielu kwiatów, często umieszczanych w cennym wazonie ze szkła weneckiego lub chińskiej porcelany.


Aksamit Jana Brueghela. "Martwa natura". 1598. Kunsthistorisches Museum, Wiedeń.

Ambrosius Bosschaert „Kwiaty w wazonie” 1619.Rijksmuseum w Amsterdamie.

Balthasara van der Asta. „Martwa natura z kwiatami”. 1632. Rijksmuseum w Amsterdamie.

Natalia MARKOWA,
kierownik działu grafiki Muzeum Puszkina im. A, S, Puszkin

Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Można powiedzieć, że czas działał jak obiektyw aparatu: wraz ze zmianą ogniskowej zmieniała się skala obrazu, aż w kadrze pozostały tylko obiekty, a wnętrze i postacie zostały wypchnięte z obrazu. „Ramki” z martwą naturą można znaleźć na wielu obrazach artystów holenderskich XVI wieku. Łatwo jest przedstawić w formie samodzielne malowanie nakryć stół od portret rodzinny» Martin van Heemskerk (ok. 1530. Muzea Państwowe, Kassel) lub wazon z kwiatami z kompozycji Jana Brueghela Starszego. Sam Jan Brueghel zrobił coś takiego, pisząc na samym początku XVII wieku. pierwsze niezależne martwe natury kwiatowe. Pojawiły się one około 1600 roku – ten czas uważany jest za datę narodzin gatunku.

Martina van Hemskerka. Portret rodzinny. Fragment. OK. 1530. Muzea Państwowe, Kassel.

W tym momencie O va, aby go zdefiniować, jeszcze nie istniał. Termin „martwa natura” powstał we Francji w XVIII wieku. i dosłownie przetłumaczone oznacza „martwą naturę”, „martwą naturę” (naturę morte). W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „martwą naturą”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, model”, jak i „spokojne życie”, co znacznie dokładniej oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury. Ale to ogólna koncepcja wszedł do użytku dopiero od 1650 roku i do tego czasu obrazy nazywano zgodnie z fabułą obrazu: b lumentopf - wazon z kwiatami, banketje - nakryty stół, fruytage - owoce, toebackje - martwe natury z akcesoriami do palenia, doodshoofd - obrazy przedstawiające czaszkę. Już z tego wyliczenia widać, jak wielka była różnorodność przedstawianych obiektów. Rzeczywiście, cały otaczający ich obiektywny świat zdawał się rozlewać na obrazy holenderskich artystów.

Abrahama van Beurena. Martwa natura z homarami. XVII w. Kunsthaus, Zurych

W sztuce oznaczało to rewolucję nie mniejszą niż ta, której dokonali Holendrzy w sferze gospodarczej i społecznej, uniezależniając się od władzy katolickiej Hiszpanii i tworząc pierwsze demokratyczne państwo. Podczas gdy ich współcześni we Włoszech, Francji, Hiszpanii koncentrowali się na tworzeniu ogromnych kompozycji religijnych na ołtarze kościelne, obrazów i fresków o tematyce starożytnej mitologii dla sale pałacowe, Holendrzy malowali małe obrazki z widokami zakątków rodzimego krajobrazu, tańce na wiejskim święcie lub domowym koncercie w domu mieszczańskim, sceny w wiejskiej karczmie, na ulicy lub w kawalerce, nakrywane do stołu przy śniadaniu lub deserze, czyli charakter „niski”, bezpretensjonalny, nie przyćmiony antyczną czy renesansową tradycją poetycką, może z wyjątkiem współczesnej poezji holenderskiej. Kontrast z resztą Europy był uderzający.

Obrazy rzadko powstawały na zamówienie, ale najczęściej były swobodnie sprzedawane na targowiskach dla wszystkich i miały ozdabiać pokoje w domach mieszczan, a nawet mieszkańców wsi – tych bogatszych. Później, w XVIII w XIX wieku, kiedy życie w Holandii stało się trudniejsze i rzadsze, te rodzime kolekcje malarstwa były szeroko sprzedawane na aukcjach i chętnie nabywane w kolekcjach królewskich i arystokratycznych w całej Europie, skąd ostatecznie migrowały do główne muzea pokój. Kiedy w połowa dziewiętnastego V. artyści na całym świecie zwrócili się ku przedstawianiu otaczającej ich rzeczywistości, malarstw holenderskich mistrzów XVII wieku. służył jako wzór dla nich we wszystkich gatunkach.

Jana Venixa. Martwa natura z białym pawiem. 1692. Ermitaż państwowy, Sankt Petersburg

funkcja Malarstwo holenderskie istniała specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury istniał nawet podział na odrębne tematy, a różne miasta miały swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarzowi zdarzało się przeprowadzać do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją twórczość i zaczynał malować te odmiany gatunku, które były w tym miejscu popularne.

Haarlem stał się kolebką tzw charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Pietera Claesza przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Cynowy talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – oszczędny i precyzyjny dobór przedmiotów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby. Na obecność człowieka wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy oraz atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana dzięki przepuszczalności światła i powietrza otoczenia. Dominujący szaro-brązowy ton łączy przedmioty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych upodobań osoby, jej stylu życia.

W tym samym duchu co Klas pracował inny Harleman, Willem Heda. Kolor jego obrazów jest nieruchomy więcej podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej tonacja szaro-srebrna, osadzona przez wizerunek srebrnych lub cynowych naczyń. Z powodu tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

Abrahama van Beurena. Śniadanie. XVII wiek. Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura z kwiatami. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który słynie przede wszystkim ze skrupulatnego pisania i jasnej kolorystyki.

W Hadze, centrum przemysłu morskiego, Pieter de Putter i jego uczeń Abraham van Beyeren udoskonalili wizerunek ryb i innych mieszkańców morza; Uniwersytet Leiden stworzył i udoskonalił typ filozoficznej martwej natury „vanitas” (próżność marności). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsza de Heema, z przedmiotami ucieleśniającymi ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, drogocenne przybory) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce), czaszka lub klepsydra jako przypomnienie przemijania życia. Bardziej demokratyczna „kuchenna” martwa natura powstała w Rotterdamie w twórczości Florisa van Schotena i Francoisa Reykhalsa, a jego najlepsze osiągnięcia związane są z nazwiskami braci Cornelisa i Hermana Saftlevena.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” zostaje przekształcony w pracach Willema van Aelsta, Uriana van Strecka, a zwłaszcza Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena, w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowe obrusy, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do elegancji i bogactwa, które ukształtowało się w holenderskim społeczeństwie w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania wypierane są przez soczyste, barwnie nasycone, złoto-ciepłe barwy. Wpływ światłocienia Rembrandta sprawia, że ​​kolory na obrazach Kalfa jarzą się od wewnątrz, poetyzując obiektywny świat.

Willema Kalfa. Martwa natura z kielichem - nautilusem i misą z chińskiej porcelany. Muzeum Thyssen - Bornemisza, Madryt

Mistrzami obrazu „trofeów myśliwskich” i „ptaszków” byli Jan-Baptiste Veniks, jego syn Jan Veniks i Melchior de Hondekuter. Ten typ martwej natury rozpowszechnił się szczególnie w drugiej połowie - końcu wieku w związku z arystokratyzacją mieszczan: urządzaniem majątków i rozrywką łowiecką. W malarstwie ostatnich dwóch artystów widoczny jest wzrost dekoracyjności, koloru, dążenie do efektów zewnętrznych.

Niesamowita zdolność holenderskich malarzy do przekazywania świata materialnego w całym jego bogactwie i różnorodności została doceniona nie tylko przez współczesnych, ale także przez Europejczyków w XVIII i XIX wieku, którzy widzieli przede wszystkim w martwych naturach i tylko to genialne mistrzostwo w przekazywaniu rzeczywistości. Jednak dla siebie holenderski XVII przez wieki te obrazy były pełne znaczeń, dawały pożywienie nie tylko oczom, ale i umysłowi. Obrazy weszły w dialog z odbiorcą, przekazując mu ważne prawdy moralne, przypominając o ułudzie ziemskich radości, daremności ludzkich aspiracji, kierując myśli ku refleksje filozoficzne o sensie życia człowieka.

Niezwykłe zjawisko w historii światowych sztuk pięknych miało miejsce w Północy Europa XVII wiek. Jest znany jako holenderska martwa natura i jest uważany za jeden ze szczytów malarstwa olejnego.

Znawcy i profesjonaliści mają mocne przekonanie, jaka jest kwota wielcy mistrzowie, który posiadał najwyższą technologię i stworzył tak wiele światowej klasy arcydzieł, mieszkając na niewielkim skrawku kontynentu europejskiego, nie widziano nigdy w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, jakie zawód artysty nabrał od tego czasu w Holandii początek XVII wieku, był wynikiem wyłonienia się po pierwszych antyfeudalnych rewolucjach zaczątków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy kształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderskie martwe natury stały się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.

Na północnych ziemiach Niderlandów najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Między innymi ta okoliczność sprawiła, że ​​martwa natura holenderska stała się głównym gatunkiem całych warsztatów plastycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, a zwłaszcza kalwini, zaprzeczali zbawczej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, wypędzali nawet muzykę z cerkwi, co zmuszało malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka rozwijały się według innych praw, ale bliskość terytorialna powodowała nieuniknione wzajemne oddziaływanie. Uczeni - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą Holendrów i Flamandzka martwa natura, zwracając uwagę na ich kardynalne różnice i unikalne cechy.

Martwa natura z wczesnymi kwiatami

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, przybiera w Holandii szczególne formy, a symboliczną nazwę „cicha natura” - stilleven. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem brutalna działalność Kompanii Wschodnioindyjskiej, która sprowadziła ze Wschodu luksusowe towary, których wcześniej nie widziano w Europie. Z Persji firma przywiozła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii, a to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych biur, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobre samopoczucie ich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebulek tulipanów były tym, co dziś nazywa się wizualnym produktem reklamowym: plakatami i broszurami. Holenderska martwa natura z kwiatami jest więc przede wszystkim botanicznie dokładnym przedstawieniem kwiatów i owoców, jednocześnie wypełnionym wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na czele z Ambrosiusem Bosschaertem Starszym, Jakobem de Heinem Młodszym, Janem Baptistą van Fornenburgiem, Jacobem Woutersem Vosmarem i innymi.

Nakryte stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uciec przed wpływem nowego public relations i rozwoju gospodarczego. Holenderska martwa natura z XVII wieku była towarem dochodowym, a do „produkcji” obrazów zorganizowano duże warsztaty. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy pod obrazy – deski lub płótna, gruntowali, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdej relacji rynkowej, doprowadziła do podniesienia jakości martwych natur do bardzo wysokiego poziomu.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. kompozycja kwiatowa powstały w wielu holenderskich miastach - Utrecht, Delft, Haga, ale to Haarlem stał się centrum rozwoju martwych natur przedstawiających serwowane stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą być zróżnicowane pod względem skali i charakteru, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Były „śniadania” – martwe natury holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełne aluzji i moralizatorskich symboli wspólnych dla ówczesnego malarstwa. Za szczególnie znaczące uważane są obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda

Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy były podobne w treści do wielostronicowych książek i były za to szczególnie cenione. Ale istnieje koncepcja, która jest nie mniej imponująca zarówno dla współczesnych koneserów, jak i miłośników sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze w nim są najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność transmisji. subtelne niuanse oświetlenie.

Cechy te korespondują pod każdym względem z płótnami dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady martwej natury tonalnej: Pietera Claesza i Willema Claesza Heada. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby przedmiotów pozbawionych żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w tworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z upływem czasu.

Próżność

Temat przemijania życia, równości wobec śmierci króla i żebraka był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. A w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „próżności marności”. Popularności martwych natur, podobnie jak traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Leiden.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych. Najlepsze próbki„vanitas” nie są prostymi opowieściami grozy, nie wywołują niewyjaśnionego przerażenia, ale spokojną i mądrą kontemplację, przepełnioną myślami o tym, co najbardziej ważne sprawy istnienie.

Sztuczne obrazy

Malowidła są od późnego średniowiecza najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz, na którą stać było rosnącą populację miast. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki” lub „trompley” z francuskiego trompe-l „oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, aby typowa holenderska martwa natura – kwiaty i owoce, połamany ptak i ryba, czy przedmioty związane z nauką – książki, instrumenty optyczne itp. – zawierała kompletną iluzję rzeczywistości.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” - Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych - często przedstawiają niszę wpuszczoną w ścianę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Zręczność techniczna artysty w przekazywaniu faktur i płaszczyzn, światła i cienia była tak wielka, że ​​ręka sama sięgała po książkę lub szklankę.

Czas kwitnienia i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach mistrzów holenderskich osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, bo bogacenie się mieszczan rośnie, a bogate naczynia, szlachetne tkaniny i obfitość pożywienia nie wydają się obce we wnętrzach kamienicy czy bogatego wiejskiego majątku.

Obrazy powiększają się, zadziwiają ilością różnych faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjna holenderska martwa natura - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - jest uzupełniona egzotycznymi owadami lub małymi zwierzętami i ptakami. Oprócz tworzenia zwykłych skojarzeń alegorycznych, artysta często wprowadzał je po prostu pozytywne emocje, aby zwiększyć komercyjną atrakcyjność działki.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, w którym ważna stała się wzmożona dekoracyjność, wywołująca imponujące wrażenie.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów przez malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, którą znało malarstwo holenderskie, odchodziła w przeszłość. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących kart.

Dziś poznamy jedną z najlepsi rzemieślnicy Holenderska luksusowa martwa natura WILLEM KALF 1619-1693

Willem Kalf był szóstym dzieckiem bogatego handlarza suknem z Rotterdamu i członkiem rady miejskiej Rotterdamu. Ojciec Willema zmarł w 1625 roku, gdy chłopiec miał 6 lat. Matka kontynuowała rodzinny biznes, ale bez większych sukcesów.

Nie zachowały się żadne dane o tym, z którym z artystów studiował Kalf; być może jego nauczycielem był Hendrik Pot z Haarlemu, gdzie mieszkali krewni Kalfów. Krótko przed śmiercią matki w 1638 roku Willem wyjechał rodzinne miasto i przeniósł się do Hagi, a następnie w latach 1640-41. osiadł w Paryżu.

Tam, dzięki ich chłopskie wnętrza ”, napisany w tradycji flamandzkiej, bliskiej twórczości Davida Teniersa i innych artyści XVII in., Kalf szybko zdobył uznanie.

O jego rustykalnych wnętrzach postacie ludzkie były raczej w tle, a cała uwaga widza skupiała się na dobrze oświetlonych, kolorowych i umiejętnie rozłożonych owocach, warzywach i różnych artykułach gospodarstwa domowego.

Stworzył tu nową formę kunsztownie pogrupowanych martwych natur z drogimi, bogato zdobionymi przedmiotami (głównie butelkami, talerzami, kieliszkami) wykonanymi z materiałów odbijających światło - złota, srebra, cyny czy szkła. To mistrzostwo artysty osiągnęło swój szczyt w amsterdamskim okresie jego twórczości w czarowaniu” LUKSUSOWA MARTWA NATURA»

Martwa natura z rogiem do picia należącym do cechu strzelców św. Sebastiana, homarem i szklankami - Willem Kalf. około 1653 r.

Ta martwa natura jest jedną z najbardziej znanych.

Powstał w 1565 roku dla cechu amsterdamskich łuczników. Kiedy artysta pracował nad tą martwą naturą, róg był jeszcze używany podczas zebrań cechowych.

To wspaniałe naczynie wykonane jest z bawolego rogu, oprawa wykonana jest ze srebra, jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz miniaturowe postacie ludzi w projekcie rogu - ta scena opowiada o cierpieniu św. Sebastiana, patrona łuczników.

Tradycja dodawania obranej cytryny do reńskiego wina wzięła się stąd, że Holendrzy uważali ten rodzaj wina za zbyt słodki.

Homar, róg do wina w mieniącej się filigranowej srebrnej oprawie, przezroczyste kieliszki, cytryna i turecki dywan są odwzorowane z tak niesamowitą starannością, że istnieje złudzenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką.

Miejsce umieszczenia każdego elementu dobierane jest z taką starannością, aby całość jako całość tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło otulając przedmioty, nadając im godność drogocenności biżuteria, a ich rzadkość, przepych i dziwactwa odzwierciedlają wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów w XVII wieku, w czasach, gdy martwe natury były niezwykle popularne.

Martwa natura z dzbanem i owocami. 1660

W 1646 Willem Kalf powrócił na jakiś czas do Rotterdamu, następnie przeniósł się do Amsterdamu i Hoorn, gdzie w 1651 ożenił się Kornelia Plouvier, córka pastora protestanckiego.

Kornelia była znaną kaligrafką i poetką, przyjaźniła się z Konstantinem Huygensem, osobistym sekretarzem trzech namiestników młodej Republiki Holenderskiej, szanowanym poetą i chyba najbardziej doświadczonym znawcą światowej sztuki teatralnej i sztuka muzyczna swojego czasu.

w 1653 r małżonkowie przeprowadzili się do Amsterdamu, gdzie mieli czwórkę dzieci. Pomimo swojego bogactwa Kalf nigdy nie dostał własnego domu.

Martwa natura z czajnikiem.

W okresie amsterdamskim Kalf zaczął włączać egzotyczne przedmioty do swoich doskonałych martwych natur: chińskie wazony, muszle i niespotykane dotąd owoce tropikalne - na wpół obrane pomarańcze i cytryny. Przedmioty te sprowadzono do Holandii z Ameryki, były ulubionymi przedmiotami prestiżu zamożnych mieszczan, którzy obnosili się ze swoim dobrobytem.

Martwa natura z nautilusem i chińską misą.

Holendrzy kochali i rozumieli dobre wnętrze, wygodne nakrycie stołu, gdzie wszystko, czego potrzeba, jest pod ręką, w wygodnych naczyniach – w materialnym świecie, który otacza człowieka.

Na środku elegancki puchar nautilus wykonany z muszli, a także piękna chińska waza.Na zewnątrz ozdobiony ośmioma płaskorzeźbionymi postaciami przedstawiającymi ośmiu nieśmiertelnych w taoizmie, wybrzuszenie na wieczku to zarys buddyjskiego lwa.
Uzupełnieniem tej martwej natury jest tradycyjny perski dywan Kalf i cytryna z cienką spiralną skórką.

Piramida obiektów tonie we mgle zmierzchu, czasem tylko odbicia światła wskazują na kształt rzeczy. Natura stworzyła muszlę, rzemieślnik zrobił z niej kielich, artysta namalował martwą naturę, a my cieszymy się całym tym pięknem. W końcu umiejętność dostrzegania piękna to także talent.

Martwa natura ze szklanym kielichem i owocami, 1655 r

Jak wszystkie martwe natury tamtych czasów, kreacje Kalfa miały wyrażać ikonograficzną ideę kruchości – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”), służyć jako ostrzeżenie, że wszystko, co żywe i nieożywione, jest ostatecznie przemijające.

Martwa natura z owocami i filiżanką nautilusa.1660g

Kalf był jednak kimś innym. Przez całe życie żywo interesowała się grą światła i efektami świetlnymi na różnych materiałach, począwszy od faktury wełnianych dywanów, jasnego połysku metalowych przedmiotów wykonanych ze złota, srebra czy cyny, miękkiego połysku porcelany i wielobarwnych muszli, a skończywszy na tajemniczym połysku krawędzi najpiękniejszych kieliszków i wazonów w stylu weneckim.

Martwa natura z chińską wazą.

Deser Ermitaż.

Przed przybyciem do Ermitażu w 1915 roku obraz „Deser” był częścią kolekcji słynnego rosyjskiego geografa i podróżnika P.P. Semenov-Tyan-Shansky, wielkiego znawcy i miłośnika sztuki holenderskiej i flamandzkiej.

Jasny promień światła wydobywa z półmroku miskę owoców, brzoskwinię na srebrnej tacy i pomięty biały obrus. Szklane i srebrne kielichy nadal odbijają światło, a cienki kieliszek wypełniony winem niemal wtapia się w tło.

Artysta umiejętnie oddaje fakturę każdego przedmiotu: szkła, talerza pomalowanego fajansem, złoconego kielicha, orientalnego dywanu, śnieżnobiałej serwetki. Obraz ukazuje silny wpływ, jaki wywarł obraz Rembrandta na Cielę: przedmioty ukazane są na ciemnym tle, jasne światło jakby je ożywia, otulając ciepłem złotych promieni.

Martwa natura z porcelanową wazą, pozłacanym dzbanem i okularami

Pronk Martwa natura z miską Holbeina, filiżanką Nautilus, szklanym kielichem i półmiskiem na owoce

Kompozycję martwych natur Kalfa, przemyślaną w najdrobniejszych szczegółach, zapewniają nie tylko określone zasady, ale także unikalny i złożony kierunek.Swieta.

Wartościowe przedmioty - fasetowane, często do połowy wypełnione kielichy z winem, wyłaniają się stopniowo z mroku tła, po chwili. Często ich kształt jest zaskakująco odgadywany dopiero w odbiciu promieni światła. Nikomu poza Kalfem nie udało się tak realistycznie pokazać światła przenikającego przez skorupę łodzika. Kalf jest absolutnie słusznie nazywany „Wermeerem malarstwa martwej natury”, aw niektórych miejscach Kalf go przewyższał.

Od 1663 Kalf mniej pisał, zajął się handlem dziełami sztuki i stał się rozchwytywanym znawcą sztuki.

Willem Kalf zmarł w wieku 74 lat po urazie spowodowanym upadkiem w drodze do domu z wizyty.

Dzięki swoim wyjątkowym zdolnościom wizualnym, połączonym z doskonałym wykształceniem i rozległą wiedzą nt nauki przyrodnicze znacznie rozszerzył iluzjonistyczne możliwości martwej natury. Jego kreacje są niezrównanymi przykładami tej sztuki.

Pojawienie się gatunku „martwa natura” w Holandii jest darem protestantyzmu. W czasach katolickich głównym odbiorcą artystów był Kościół, a malarstwo oczywiście ograniczało się do tematów religijnych i budujących. Kalwinizm nie uznawał ikon i sztuki sakralnej w ogóle. Malarze szukali nowy rynek sprzedaż i znalazł ją w domach karczmarzy, kupców i rolników.

W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „martwą naturą”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, model”, jak i „spokojne życie”, co bardzo trafnie oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury.
W centrum uwagi artystów, którzy zstąpili z nieba na ziemię, byli teraz zainteresowani nie pobożnymi refleksjami, ale dokładnym badaniem szczegółów materialnego świata. Ale w Stworzeniu szukali Stwórcy.

„Pan dał nam dwie księgi: Księgę Pisma i Księgę Stworzenia. Z pierwszego dowiadujemy się o Jego łasce Zbawiciela, z drugiego – o wielkości Stwórcy” – pisał średniowieczny filozof Alan z Lille. Stworzenie uczestniczy także w historii zbawienia: człowiek upadł przez jabłko, a poprzez chleb i wino odzyskuje zbawienie. Symbolika zawarta w obrazie również pozostała z poprzednich tradycji.

Pierwsze stilleven są proste - chleb, kieliszek wina, owoce, ryby, bekon. Ale wszystkie przedmioty w nich zawarte są symboliczne: ryba jest symbolem Jezusa Chrystusa; mięso - śmiertelne mięso; nóż - symbol ofiary; cytryna - symbol nieugaszonego pragnienia; kilka orzechów w łupinie - dusza skrępowana grzechem; jabłko przypomina jesień; wino lub winogrona - symbol Krwi; chleb jest symbolem Ciała Chrystusa. O kruchości ziemskiej egzystencji przypominają owady, ludzkie czaszki, potłuczone naczynia i martwa zwierzyna, często wchodząca w skład płócien. Skorupa to skorupa pozostawiona przez stworzenie, które kiedyś w niej żyło, zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci. Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie.

W wyniku działalności Holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, która wyposażyła statki handlowe na Daleki Wschód, przyprawy, chińska porcelana, jedwab i inne egzotyczne towary były sprzedawane w holenderskich sklepach. Ponadto kolonie holenderskie powstały na Przylądku Dobrej Nadziei, w Indonezji, Surinamie, na Antylach, w całej Azji. Kolonie wzbogaciły kraj, a martwe natury zaczęły wypełniać się ziemskim bogactwem: dywanowymi obrusami, srebrnymi kielichami, masą perłową. Proste jedzenie zostało zastąpione ostrygami, szynką, egzotyczne owoce. Symbolika ustępuje miejsca naiwnemu zachwytowi nad stworzeniem ludzkich rąk.

Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W ramach gatunku martwej natury istniał nawet podział na osobne tematy, aw różne miasta martwa natura miała swoje ulubione typy, a jeśli malarz przeprowadzał się do innego miasta, często radykalnie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować popularne w tym miejscu odmiany gatunku.

Haarlem stał się kolebką najbardziej charakterystycznego holenderskiego typu martwej natury – „śniadania”. Obrazy Pietera Claesza przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Cynowy talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – oszczędny i precyzyjny dobór przedmiotów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby.

Na obecność człowieka wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy oraz atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana dzięki przepuszczalności światła i powietrza otoczenia. Dominujący szaro-brązowy ton łączy przedmioty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych upodobań osoby, jej stylu życia.

W tym samym duchu co Klas pracował inny Harleman, Willem Heda. Kolorystyka jego obrazów jeszcze bardziej podporządkowana jest jedności tonalnej, dominuje w niej ton szaro-srebrny, wyznaczany przez wizerunek srebrnych lub cynowych naczyń. Z powodu tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.

W Utrechcie rozwinęła się bujna i elegancka martwa natura z kwiatami. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który słynie przede wszystkim ze skrupulatnego pisania i jasnej kolorystyki.

Uniwersytet Leiden stworzył i udoskonalił typ filozoficznej martwej natury „vanitas” (próżność marności). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsza de Heem przedmioty ucieleśniające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, drogocenne przybory) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) obok czaszki lub klepsydry jako przypomnienie przemijania życia.

W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” przekształca się w twórczości Willema van Elsta, Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowe obrusy, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do elegancji i bogactwa, które ukształtowało się w holenderskim społeczeństwie w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania wypierane są przez soczyste, barwnie nasycone, złoto-ciepłe barwy.