پس از فروپاشی امپراتوری بزرگ روم، بخش شرقی آن - بیزانس - رونق گرفت، در حالی که بخش غربی در حال زوال بود. شروع از قرن پنجم رم مرتباً توسط بربرها مورد حمله و غارت قرار می گرفت.
امپراتوری شکست ناپذیر توسط قبایل وندال درهم شکسته و تحقیر شد. برای مقاومت در برابر تهاجم هون ها به رهبری آتیلا نترس، رومی ها مجبور شدند با ویزیگوت ها، فرانک ها و بورگوندی ها ائتلاف کنند. در سال 451، آتیلا متوقف شد، اما امپراتوری روم دیگر نتوانست از ویرانی ها و آشوب ها بهبود یابد. قسمت غربی آن در سال 476 به پایان رسید.
بنابراین آغاز تاریخ قرون وسطیبا تخریب و نابودی تقریباً کامل فرهنگ قبلی مرتبط است. این امر بدوی گرایی خام هنر اولیه اروپا را توضیح می دهد. اما نمی توان چنین گفت سنت های باستانیمطلقاً بر کار استادان بربر تأثیری نداشت. زیور آلات رومی، و همچنین اشکال مکان های عبادت رومی، گسترده شد. این در درجه اول به این دلیل است که فاتحان دین مسیحیت را از رومیان شکست خورده پذیرفتند.
بربرها به طور قابل توجهی موضوع را غنی کردند آثار هنریاستادان رومی، تفکر اساطیری و نقوش اصیل ملی را وارد هنر خود کردند. قبایل آنها از مغولستان دوردست آمده بودند، جایی که در نتیجه حفاری های انجام شده در ناحیه نوین-اولا (1924-1925)، دفن اشراف هون کشف شد که احتمالاً به ابتدای دوران ما بازمی گردد. مطالعات اقلام خانگی و محصولات کاربردی که در آنجا یافت شد، نمونه های عالی از تصاویر تصویری را نشان داد. فرش‌هایی که صحنه‌هایی از مبارزه حیوانات خارق‌العاده و پیکره‌های اسب‌ها و انسان‌ها در تپه پیدا شده‌اند، با واقع‌گرایی و ظرافت اجرایی خود شگفت‌زده می‌کنند.
از مردم استپ بود که سبک حیوانی یا تترالوژیک معروف سرچشمه گرفت که برای چندین قرن جایگاه شایسته ای را در هنر اروپایی.
نقاشی مسیحیت اولیه
به این ترتیب، نقاشی در این عصر البته وجود نداشت، اما با پذیرش مسیحیت، می توان از مینیاتورهای کتاب صحبت کرد که در صومعه هایی که به مراکز زندگی معنوی تبدیل شدند، سرچشمه و توسعه یافتند. اروپای غربی. در کارگاه های صومعه - scriptoria - نسخه های خطی ایجاد و تزئین شد. مواد برای آنها پوسته پوستی بود - پوست بره و بچه.
روند خلق یک کتاب بسیار طولانی بود و گاهی چندین دهه و گاهی یک کل طول می کشید زندگی انسان. راهبان با پشتکار کتاب مقدس و سایر کتاب های مذهبی را بازنویسی کردند. برای نوشتن از رنگ قرمز استفاده می شد که از نام آن - مینیوم - کلمه "مینیاتور" آمده است.
برای یک مسیحی، کتاب یک ارزش ویژه، نمادی از عهد الهی بود. کتاب ها با دقت در صومعه ها نگهداری می شدند، بنابراین بیشتر آنها به شکل اصلی خود به ما رسیده اند. نسخه های خطی بسیار تزئین شده بودند و تزئینات انتزاعی حیوانات به طور گسترده ای مورد استفاده قرار می گرفت - درهم آمیختگی مداوم خطوط، همراه با تصویر پرندگان و حیوانات.
قبایل بربر پیوسته جنگ های فتوحانه ای را بین خود به راه انداختند که در نتیجه آن پادشاهی های قدیمی از هم پاشیدند و پادشاهی های جدیدی ایجاد شدند. مقاوم ترین دولت در برابر ضربه ها دولت بزرگ فرانک بود که حدود پنج قرن (از قرن پنجم تا اواسط قرن دهم) وجود داشت.
هنر این دوره را می توان به طور مشروط به عصر مرووینگ در قرن های 5-8 تقسیم کرد. (به عنوان پادشاهان فرانک نامیده می شد که رهبر افسانه ای مرووی را جد خود می دانستند) و عصر کارولینگی ها در قرون VIII-IX. (بعد از امپراتور شارلمانی)
نقاشی دوره مرووینگ
در دوران مرووینگ، انگلیسی-ایرلندی کتاب مینیاتور، با بناهای باشکوه نقاشی مسیحیت اولیه که به ما رسیده است نشان داده شده است. در صومعه های ایرلند، که در آن زمان یکی از توسعه یافته ترین مناطق اروپا از نظر فرهنگی بود، انجیل هایی با تزئینات شگفت انگیز ایجاد شد. استادان ایرلندی با استفاده از یک خودکار، نقاشی‌های پویا و شگفت‌انگیزی نوشتند که مردم و حیوانات را به تصویر می‌کشیدند.
توجه زیادی به کتیبه حروف شد، آنها به قدری با انواع فرها تزئین شده بودند که خود خط به شکل یک زینت درآمد. یک حرف بزرگ تزئین شده - حرف اول - گاهی یک صفحه کامل را اشغال می کرد.
تکنیک نگارش مینیاتورهای قرن 5-8. هنوز به کمالی که در آثار استادان کارولینژی نهفته است نرسیده است. فقدان پرسپکتیو و حجم، سبک سازی و بدوی بودن تصاویر از ویژگی های بارز نقاشی مرووینگ است.
نقاشی دوره کارولینژ
در پایان قرن هشتم - آغاز قرن نهم. دوران اوج دولت فرانک ها سقوط می کند که با فعالیت های حاکم شارلمانی همراه است. قدرت او قلمروها را متحد کرد فرانسه مدرن، جنوب و غرب آلمان، شمال و مرکز ایتالیا، شمال اسپانیا، هلند و بلژیک.
کارل از آنجایی که شخصیت برجسته ای بود، به گسترش آموزش در سرزمین های تابع خود کمک کرد. او مدرسه ای را تأسیس کرد که در آن پسرانش همراه با فرزندان اشراف به مبانی بلاغت، شعر، نجوم و سایر علوم تسلط داشتند. خود چارلز که یونانی را کامل می دانست و زبان های لاتین، در جوانی آموزش ندید، بنابراین سعی کرد در بزرگسالی خواندن و نوشتن را بیاموزد، اگرچه موفقیت خوبی نداشت.
چارلز در تلاش برای ساختن روم دوم از کشورش و اعلام سرزمین های متعلق به او به عنوان امپراتوری مقدس روم، به آشنایی مردم با هنر اواخر دوران باستان کمک کرد، بنابراین دوره او اغلب "رنسانس کارولینژی" نامیده می شود. .
در زمان شارلمانی، نقاشی معبد از اهمیت ویژه ای برخوردار بود، این یک نوع کتاب مقدس برای افراد بی سواد بود، زیرا اغلب این کنجکاوی بود که مردم عادی کلیسا را به خود جذب می کرد. در فرمان های شاه می توان خواند که «نقاشی در کلیساها جایز است تا بی سواد آنچه را که از کتاب ها نمی تواند بیاموزد، بر دیوار بخواند».
در دوره کارولینگ، مینیاتورهای کتاب توسعه یافت. متون بر اساس الگوهای بیزانسی و انگلیسی-ایرلندی به تصویر کشیده شده اند. چندین مکتب وجود دارد که در تکنیک اجرا با یکدیگر تفاوت دارند، محلول ترکیبیو موضوع اما وجود دارند ویژگی های مشترکمشترک در همه مدارس بدون استثنا. این میل به وضوح و وضوح در ساخت ترکیب، به تصویر واقعیو استفاده از تزیینات معماری به عنوان پس زمینه منظره.
اشیای اصلی تصویر در مینیاتورهای مکتب آدا (اسامی دیگر مدرسه ابی آدا، مدرسه نسخه خطی آدا، مدرسه گودسکالک، مکتب شارلمانی) انجیلیان بودند. ویژگی های متمایز کنندهآثار خلق شده توسط هنرمندان این مکتب - وجود تزیینات، تذهیب و رنگ آمیزی ارغوانی کاغذ. تقریباً در همه جا، ساختمان هایی از دوران باستان به عنوان پس زمینه عمل می کنند. نمادهای مرقس، متی، یوحنا و لوقا - یک شیر، یک فرشته، یک گوساله و یک عقاب - بالای سر انجیلیان قرار دارد. اصالت قانع کننده تصویر با کمک فرم های حجمی و استفاده ماهرانه از نور و سایه به دست می آید.
مشتریان کتاب هایی که استادان این مکتب خلق می کردند اغلب از اعضا بودند خانواده سلطنتی(بر اساس برخی منابع، ابی جهنم خواهر شارلمانی بود).
صحنه هایی از زندگی عیسی مسیح. به مزمور پانزدهم. مزار اوترخت. قرن 9
مینیاتورهای مکتب ریمز به صورت گرافیکی و با استفاده از جوهر قهوه ای ساخته شده است. ناپایدار، گویی خطوط ارتعاشی چهره ها را به طرز شگفت انگیزی زنده و پویا می کند. برجسته ترین بنای یادبود هنرهای زیبا این جهتو مینیاتور کارولینگی به طور کلی - Psalter Utrecht (به نام محل ذخیره - در کتابخانه دانشگاه در اوترخت). این شامل 165 نقاشی با صحنه های جشن، شکار، جنگ، زمین های خانگیو همچنین مناظر. نویسنده مینیاتور حتی به بیشترین اهمیت می دهد جزئیات کوچک. در پنجره یک خانه کوچک می توانید یک پرده عقب کشیده را ببینید، در معبد - یک در کمی باز.
در مینیاتورهای مکتب ترکی می توان تصاویر تلطیف شده از پادشاهان را دید. این آثار با نسبت نامتناسبی از چهره ها مشخص می شوند: پادشاه همیشه بسیار بالاتر از بقیه شخصیت ها است.
تصویرگری انجیل تخصص مستقیم استادان تورانی بود که برای کتاب مقدس الکوین، انجیل چارلز طاس و انجیل لوتیر مینیاتور اجرا می کردند.
فرهنگ ایالت کارولینگ برای حدود دو قرن وجود داشت، اما در این مدت کوتاه آثار هنری شگفت‌انگیزی خلق شد و در زمان ما باعث می‌شود که مهارت هنرمندان قرون وسطی تحسین شود.
در نتیجه تهاجمات ویرانگر دشمنان، امپراتوری شارلمانی نابود شد و با آن بسیاری از بناهای زیبای فرهنگ کارولینژ از بین رفت.
مرحله بعدی در توسعه هنر اروپای غربی با هزاره جدید، یعنی در قرن یازدهم آغاز خواهد شد.
در قرون وسطی، نقاشی به یکی از مهمترین اشکال هنر تبدیل شد. تغییرات در زندگی جامعه و تکنیک های جدید به هنرمندان این فرصت را داد تا آثار واقع گرایانه آغشته به انسان گرایی عمیق را خلق کنند که قرار بود انقلابی واقعی در هنر اروپای غربی ایجاد کنند.
در پایان دوران رومانسک، نقاشی داده شد نقش کم اهمیتمالاریا اما با ظهور قرن سیزدهم، توسعه سریع تمدن اروپایی آغاز شد که چشم اندازهای جدیدی را برای هنرمندان گشود. کاخ ها و قلعه های بالاترین اشراف با شکوه بی سابقه ای تزئین شدند، پاریس، پراگ، لندن، شهرهای ایتالیا و فلاندر شکوفا شدند. تمام نقاشی های جدید - در ابتدا فقط در مورد موضوعات مذهبی - نه تنها توسط اشراف و خادمان کلیسا، بلکه توسط شهروندان ثروتمند نیز مورد علاقه بود. با گسترش سواد، تقاضا برای ادبیات سکولار نیز افزایش یافت. بهترین نمونه ها هنر کتاب، که بسیار با مینیاتور تزئین شده است، برای پادشاهان و شاهزادگان در نظر گرفته شده بود و نه تنها در صومعه ها، بلکه توسط هنرمندان حرفه ای که کارگاه های خود را داشتند نیز ایجاد شدند. با وجود موقعیت اجتماعی نسبتاً پایین در طول زندگی او، نام بسیاری از هنرمندان و زندگی نامه آنها بخشی از تاریخ شده است.
فرصت های تازه
تعدادی از نوآوری های مذهبی نیز به نگرش جدید نسبت به نقاشی کمک کرد. که در اوایل سیزدهمقرون متمادی، محراب های کلیسا با یک محراب تزئین شده بود که در برابر آن خدمات الهی انجام می شد. اغلب شامل دو (دوپیچ)، سه (سه بال) یا بیشتر بود، اما یک گروه از شخصیت ها یا یک صحنه را توصیف می کرد. به خصوص تصویر اهدا کننده (کسی که هزینه تولید محراب را پرداخت و آن را به کلیسا اهدا کرد) بود که قدیس حامی او را به مدونا معرفی می کند. با قرار دادن وظایف پیچیده خلاقانه پیش روی هنرمند، تصویر محراب در عین حال فرصت های گسترده جدیدی را برای بیان خود در طراحی فضای محراب باز کرد که قرار بود کانون توجه و احساسات مذهبی گله شود.
شکوفایی نقاشی دیواری نیز به وجود آمد - تا حدی در نتیجه استحکام بخشی تاسیس شده سنت. فرانسیس آسیزی از نظم فرانسیسکن، که همه چیز برای او ساخته شده بود مقدار زیادکلیساها رنگ آمیزی مناسب ترین راه برای تزئین آنها بود، زیرا ایجاد موزاییک یا به زمان زیادی نیاز داشت، یا برای نظمی که فقر و فروتنی را ادعا می کرد، تجملاتی غیرقابل دسترس تلقی می شد.
تاثیر قوی بر سرنوشت بیشترنقاشی توسط زندگی و کار St. فرانسیس آسیزی (1182-1226). عشق خالصانه قدیس به دنیای حیات وحش به معاصرانش کمک کرد تا زیبایی وجود زمینی را درک کنند و از قرن سیزدهم نقاشی قرون وسطاییمسلط شد یک نگاه جدیدبه جهان هنرمندان از این پس بدون کنار گذاشتن مضامین دینی، دنیای مادی را با لذتی آشکار به تصویر می‌کشیدند و به شیوه‌ای جدید واقع‌گرایانه و انسان‌گرایانه خلق می‌کردند.
مدونا در درخت رز 1440 استفان لوچنر، کلن، موزه والراف
پرستش تصویر عمیقاً انسانی مدونا نیز تأثیر انسانی قدرتمندی بر دین و از طریق آن بر هنر داشت، جایی که این موضوعات دائماً مورد استفاده قرار می گرفتند.
استادان ایتالیایی
بسیاری از روندها خیلی زودتر از سایر کشورهای اروپایی در ایتالیا ایجاد شد. دو استاد اواخر قرن سیزدهم - Cimabue و Duccio - عموماً به عنوان بنیانگذاران سنت رئالیسم قابل مشاهده در نقاشی شناخته می شوند که قرار بود تا قرن بیستم بر هنر اروپا تسلط یابد. هر دو تصاویر معروف محراب را به آیندگان واگذار کردند، جایی که شخصیت های اصلی مدونا و کودک هستند.
هر دو نقاش به زودی تحت الشعاع جوان معاصر خود، جوتو دی بوندون (حدود 1267-1337) قرار گرفتند. او اولین نفر از استادان بزرگ فلورانسی بود که در زمان حیات خود به شهرت رسید و به افتخار و ثروت دست یافت. با این حال، او آنقدر از زمان خود جلوتر بود که بسیاری از نوآوری های او تنها پس از صد سال خوب توسط هنرمندان دیگر درک و پذیرفته شد. شخصیت‌های گوشتی و خونی او محکم روی زمین ایستاده‌اند، با این حال به نظر می‌رسد که می‌توانند در محیط و فضای طبیعی یا معماری خود حرکت کنند و با مقداری عمق وجود داشته باشند. اما مهمتر از همه، ما افراد زنده با آنها داریم احساسات عمیقو احساسات تسلط شگفت انگیز در انتقال تمام سایه های تجربیات انسانی، جوتو را به یک هنرمند نمایشی بزرگ تبدیل کرد.
نقاشی های دیواری
جوتو با ایجاد پانل های خود، تکنیکی را که تا آن زمان توسط ایتالیایی ها اختراع شده بود، به کار برد. نقاشی دیواری. امروزه ما نقاشی های دیواری را هم نقاشی های ایجاد شده در این تکنیک و هم به طور کلی هر نقاشی دیواری می نامیم. اما یک نقاشی دیواری واقعی همیشه نقاشی روی گچ تازه و مرطوب است که به عنوان آغازگر لایه ای از رنگ است. خود کلمه ایتالیایی «فرسکو» به معنای «تازه» است. در یک جلسه فقط آن قسمت از دیوار را با رنگ آمیزی کردند که استاد وقت داشت روی گچ که هنوز خشک نشده بود پر کند. در اینجا عامل زمان نقش تعیین کننده ای داشت، زیرا رنگدانه های اعمال شده بر روی لایه مرطوب گچ با آن تماس پیدا می کرد. واکنش شیمیاییبرای تشکیل پیوندهای پایدار نقاشی های دیواری خشک شده پوسته یا خرد نشد و زیبایی اصلی و روشنایی رنگ خود را برای قرن ها حفظ کرد. به لطف این پیشرفت عظیم فنی، سال ها بعد بزرگترین شاهکارهای نقاشی دیواری، از جمله نقاشی های دیواری، خلق شدند. کلیسای سیستیندر واتیکان توسط میکل آنژ.
عمق دادن
برای استادانی که برای اولین بار با این کار روبرو شدند، ایجاد توهم واقعیت صحنه به تصویر کشیده شده آسان نبود. در اینجا نه تنها به انتقال دقیق خطوط بیرونی نیاز بود، بلکه به ارقام حجم اجسام واقعی و سطح صاف تصویر را نیز می داد - حسی از عمق، به طوری که به نظر می رسید منظره در دوردست گم شده است ( ما داریم صحبت می کنیمدر مورد هنر چشم انداز). بیش از یک نسل از هنرمندان ایتالیایی این تکنیک را به کمال رسانده اند که اغلب حواسشان به کارهایی مانند ایجاد زیور آلات تزئینی پرت می شود. همین مشکل باید توسط اربابان بقیه اروپا حل می شد زمان متفاوتبه شدت تحت تاثیر هنر ایتالیایی
در پایان قرن چهاردهم، نقاشانی که در دربار فرمانروایان اروپایی کار می کردند، سبکی کم و بیش یکپارچه از نقاشی ایجاد کردند که اغلب گوتیک بین المللی نامیده می شود. با انعکاس فضای تصفیه شده زندگی درباری، به دور از زندگی واقعی، آثار آنها بیشتر با پیچیدگی و ظرافت متمایز بود تا قدرت درونی. به شخصیت‌ها ژست‌های برازنده داده می‌شد، و اگرچه چشم‌انداز اغلب تنها با یک اشاره نشان داده می‌شد، کوچک‌ترین جزئیات اطرافیان با دقت جواهرات نوشته می‌شد.
همه این ویژگی ها با درخشندگی خاصی در نسخه های خطی تزئین شده با مینیاتورها که به دستور خانواده های حاکم ساخته شده بود، جلوه گر شد. مشهورترین استادان این ژانر پل لیمبورگ و دو برادرش بودند که تنها 16 سال (1400-1616) کار کرده بودند، ناگهان ناپدید شدند. صحنه تاریخی. حامی و مشتری آنها گردآورنده برجسته و خبره آثار هنری آن دوران، دوک ژان بری، برادر کوچکتر پادشاه فرانسه چارلز پنجم بود. نام او با کتابی که در تاریخ با عنوان "معظم" ثبت شد، تجلیل شد. ساعات کار دوک بری».
لیمبورگ، برادران (پل، ارمن و ژانکن). "کتاب مجلل ساعات دوک ژان بری. ماه ژانویه. قطعه"
کتاب ساعت ها شهرت خود را مدیون مینیاتورهای عالی است که توسط برادران لیمبورگ برای آن خلق شده اند. این کارکه تاج واقعی کار آنها شد، در سال 1416 ناتمام ماند، اما 12 مینیاتور معروف با موضوع فصول به دست ما رسیده است. آنها صحنه هایی از کاشت، برداشت یا شکار را به تصویر می کشند که با یک فصل خاص مطابقت دارد.
ظهور رنگ روغن
در دهه 1430. در آن زمان فلاندر، که متعلق به دوک بورگوندی (بلژیک و هلند کنونی) بود، به طور کامل شروع به توسعه کرد. یک سبک جدیدرنگ آمیزی. فلاندر نیز مانند ایتالیا سرزمین شهرهای آباد بود. به همین دلیل است که بسیاری یک سبک واقع گرایانه و عاری از سبک اشرافی برجسته هنر محلی را نسبت می دهند. و درست مانند ایتالیا، من شکوفا خواهم شد نقاشی فلاندریبه مهم ترین نوآوری فنی کمک کرد - رنگ روغن. رنگدانه های آسیاب شده با روغن نباتی بسیار روشن تر از مزاج رایج در نقاشی در آن زمان بود که بر پایه زرده تخم مرغ به سرعت خشک می شد. و اگر لازم بود با مزاج بنویسید و نقاشی های دیواری را به سرعت و بدون وارد شدن به جزئیات کوچک ایجاد کنید، می توان رنگ روغن را لایه به لایه اعمال کرد و جلوه های تصویری شگفت انگیزی به دست آورد. از آن زمان، هر هنرمندی که برای کمال تلاش می کند، به طور مداوم نقاشی رنگ روغن را ترجیح می دهد.
مدرسه فلاندری
بنیانگذار مکتب نقاشی فلاندری رابرت کمپین بود، اما مشهورترین نمایندگان آن متعلق به نسل بعدی است. اولین استاد بزرگ نقاشی رنگ روغن اروپایی، نقاش بی‌نظیر پرتره یان ون ایک (حدود 1390-1441) بود. او با کمک رنگ روغن به انتقال عالی بازی نور و سایه بر روی اجسام مختلف دست یافت.
پرتره زوج آرنولفینی، یان ون ایک
هنرمندی با استعداد غیرمعمول نیز جوان معاصر او روژیر وان در ویدن (حدود 1399-1464) بود. او به اندازه ون آیک به جزئیات اهمیت نمی داد، او رنگ های غنی، پر جنب و جوش، خطوط تیز و مدل سازی ظریف حجم ها را ترجیح می داد و سبک بی نظیر خود را ایجاد می کرد که قادر به انتقال طیف گسترده ای از احساسات - از آرامش آرام گرفته تا اندوه بی حد و حصر است.
ایزابلا بورگوندی، روگیگ ون در ویدن
مدرسه فلاندریبیش از یک نسل از استادان درخشان نقاشی را به هنر داد و در طول قرن پانزدهم بسیاری از ویژگی‌های ذاتی آن توسط هنرمندان سراسر اروپا پذیرفته شد. فقط از سال 1500 آنها با یک روند جدید جایگزین شدند و به تدریج در پشت پشته های آلپ - رنسانس ایتالیایی - قدرت گرفتند.
ظاهراً در نیمه اول قرن دوازدهم، کار تئوفیلوس ظاهر شد "De Diversis Artibus"، که بیشتر فنون و روش های کار نقاش، هنرمند ویترای و طلا و نقره را به تفصیل شرح داده است. نوشته تئوفیلوس گواهی گرانبهایی برای دولت است تمرین هنریقرن دوازدهم، آگاهی هنرمند از خودش.
شخصیت Twophilus، که گاه با Rogier Helmarshausen شناخته می‌شود، بسیار مورد توجه است (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. by Dodwell C. B. London, 1961. نگاه کنید به: مقدمه Dodwell, pp. XXIII-XLIV.). یک راهب تحصیل کرده که تمرین هنری را با دانش هنرهای لیبرال ترکیب می کند، پدیده نادری در دوران رمانسک نیست. قابل توجه وسعت دانش عملی تئوفیلوس در آشنایی با آخرین گرایشات اندیشه کلامی و فلسفی است که در هنر خود به کار می برد. البته مهارت هنرمند توسط تئوفیلوس به عنوان هدیه ای از جانب خداوند تلقی می شود. اگر استعداد - ingenium - با تفکر اوایل قرون وسطی اغلب با الهام الهی همراه بود و به عنوان وابستگی مستقیم خلاقیت هنرمند به خدا تلقی می شد، در قرن دوازدهم مشارکت الهی در کار هنرمند به طور غیرمستقیم درک می شود. قیاس خلاقیت انسان با الهی. تئوفیلوس در مقدمه کار خود می نویسد که یک شخص «آفریده شده به صورت و شباهت خداوند، متحرک از نفخه الهی، برخوردار از عقل، سزاوار مشارکت در خرد و استعداد ذهن الهی است»..
اما اگر چه انسان با اراده و نافرمانی، امتیاز جاودانگی را از دست داده است، «اما او به نسل‌های بعدی احترام به علوم و دانش‌ها را منتقل کرد تا کسانی که در همه هنرها کوشا هستند بتوانند استعدادها و توانایی‌هایی را به دست آورند، مثلاً به حق ارثی».. هر هفت فایده ای که توسط روح القدس بر شخص ریخته می شود - خرد، درک، استعداد نصیحت، قدرت معنوی، دانش، تقوا، ترس از خدا - به هنرمند اشاره می کند.
- هنرمند راهب در حال نقاشی مجسمه. مینیاتوری از نسخه خطی آخرالزمان. ربع آخر قرن سیزدهم.
- هنرمندی که مجسمه ای را نقاشی می کند. مینیاتور از نسخه خطی "فرمان گریگوری نهم". اواسط قرن 14 نقاش در محل کار برگه ای از کتاب نمونه های اوایل قرن سیزدهم.
مسئله ارتباط هدایای مقدس با فضایل انسانی موضوع بحث در نیمه اول قرن دوازدهم در نوشته های آنسلم کانتربری، ایو چارتر، هونوریوس آتون، روپرت دویتسکی، آبلار، برنارد نلروس و دیگران بود. فیلسوفان و متکلمان قرن دوازدهم. هنرمند را وارث حکمت الهی می دانند. هنرمند با کار مداوم، ارتقاء دانش و مهارت، می تواند به بالاترین خرد و مهارتی که انسان قبل از سقوط داشته است، نزدیک شود. اشتیاق واقعی به هنر، تمام راه های دیگر شناخت خدا را از تئوفیلوس پنهان می کند. او ارتباط مستقیمی بین کار هنرمند و هدیه های هفت گانه روح القدس می بیند و عملاً مشکل هدایای مقدس را درک می کند. "بنابراین، پسرم لرزان،- نویسنده با خطاب به خواننده-دانشجوی آینده می نویسد. هنگامی که خانه خداوند را با این زیبایی و تنوع محصولات آراسته اید، شک نکنید، بلکه سرشار از ایمان باشید، بدانید که روح خداوند است که دل شما را سیراب کرده است..
افسانه هنرمند. مینیاتور نسخه خطی "آوازهای آلفونس دهم". نیمه دوم قرن سیزدهم
نوشته‌های تئوفیلوس نشان می‌دهد که خود هنرمند تا چه اندازه برای مهارت خود ارزش زیادی قائل بوده و آن را مظهر فیض الهی می‌داند. فیلسوفان، مانند هیو سنت ویکتور، می توانستند دانش را طبقه بندی کنند و نظم سلسله مراتبی آن را برقرار کنند. اما برای هنرمند، هنر تنها راه ممکن برای معرفت خدا بود و ارزش زیادی داشت.
تئوفیلوس هنر را اختصاص می دهد نقش مهمدر اجرای انسان هدف اصلی خود - ستایش خداوند و میل به دانش او. این هنرمند، به گفته تئوفیلوس، کار خود را در زمینه تزئین معبد به نمازگزاران تقدیم کرد «بهشت خداوند شکوفا رنگهای متفاوتاز شاخ و برگ سبز شد و ارواح اولیاء الهی را با تاج هایی با کرامات گوناگون تاج گذاری کرد و به آنها فرصت داد تا «خلق را در خلقتش ستایش کنند و شگفتی آنچه را که آفرید سرودند»..
آثار تئوفیلوس نشان می دهد که آثار این هنرمند در قرن دوازدهم تا چه اندازه ارزش بالایی داشته است. او بارها تکرار می کند که مقاله خود را برای ستایش خداوند نوشته است و نه برای غرور و غرور زمینی. کار او به ما این فرصت را می دهد تا به درک فضای معنوی که این هنرمند در نیمه اول قرن دوازدهم زندگی می کرد نزدیک شویم. تواضع عمیق نسبت به خالق همه چیز، آمیخته با احساس روشنی از اهمیت و ارزش کار خلاقانه، نگرش هنرمند آن زمان به جهان را مشخص می کند که در نظم هماهنگ آن خود را پیوند ضروری می داند و جایگاه شایسته خود را اشغال می کند.
کتاب تئوفیلوس سیستم افکار و احساساتی را که این هنرمند در آستانه ظهور گوتیک زندگی می کرد برای ما آشکار می کند. قابل ذکر است که نظریات مربوط به تئوفیلوس در مورد تزیین معبد به عنوان یک عمل مورد رضایت خداوند، ستایش خالق و امکان صعود مؤمنان به روح او، در سطح فلسفی متفاوتی توسط سوگر، الهام بخش سبک گوتیک و سازنده اولین معبد گوتیک در دهه 40 قرن دوازدهم - کلیسای کلیسای سلطنتی سنت دنیس در نزدیکی پاریس.
- ورق از یک دست نوشته آلزاس. ربع آخر قرن دوازدهم
- برگی از نسخه خطی فرانسوی اوایل قرن دهم.
- ورقی از نسخه خطی آدمار چابانی. خوب. 1025
اثر باقی مانده بعدی در مورد تکنیک هنرهای زیبا، آلبوم معروف معمار فرانسوی ویلار دو هانکور است که قدمت آن به دهه 30 قرن سیزدهم می رسد و در پاریس نگهداری می شود. کتابخانه ملی. این آلبوم منبع ارزشمندی برای مطالعه صنایع دستی گوتیک است. این مجموعه ای بسیار کنجکاو از نمونه هایی برای هنرمند و مجسمه ساز، طرح هایی از زندگی، تصاویر مکانیسم ها، نقشه هایی از جزئیات معماری، پلان ها و نمایش شماتیک"رازها" هنر گوتیک.
اگرچه کتاب تئوفیلوس و آلبوم ویلارد دو هانکور از نظر سنت، شخصیت و سطح تحصیلات نویسندگان کاملاً متفاوت هستند، اما وسوسه مقاومت ناپذیری برای مقایسه نوشته ها با یکدیگر وجود دارد. از آنجایی که دست‌نوشته‌ها توسط هنرمندان حرفه‌ای، دست اندرکاران هنرهای زیبا خلق شده‌اند، این مشابهت چندان مصنوعی نخواهد بود. آنها اشتراکات زیادی با یکدیگر دارند، هر کدام برای زمان خود کاملاً معمولی هستند. کتاب تئوفیلوس اثر یک راهب تحصیل کرده قرن دوازدهم است که در عین حال هنرمند و صنعتگر بود. نسخه خطی ساده و واضح و به زبان لاتین خوب نوشته شده است و بحث های مفصل تئوفیلوس در مورد هدف و هدف هنرها نشان دهنده آشنایی با جهت گیری های اصلی اندیشه فلسفی آن دوران است. راهب هدف هنر را به عنوان هدف از انشاء خود در خدمت و حمد خداوند می بیند. نویسنده در ابتدای هر بخش از کتاب، با سخنانی طولانی خطاب به دانش آموزان، تقوای کار هنرمند را آشکار می کند، به خدمت، صبر و آگاهی دعوت می کند که دانش و توانایی هایی که به آنها داده شده از رحمت خداوند است. آلبوم ویلارد، برخلاف اثر تئوفیلوس، یک مقاله نیست، بلکه آلبومی از طرح‌های کاری است، دفترچه‌ای از یک معمار حرفه‌ای گوتیک که به محیط رهبانی تعلق ندارد، همراه با توضیحات مختصری به زبان فرانسوی باستان.
مقدمه طولانی و مفصل و با ذوق تئوفیلوس بر کتاب اول با خطاب به شاگردانش به پایان می رسد: «اگر بارها این را از نو بخوانی و آن را در حافظه خود محکم نگه داری، به من پاداش خواهی داد، که چند بار از کار من برای خودت سود خواهی برد، چند بار برای من به درگاه خدای مهربان که می داند من دعا می کنی. کارم را نه از روی عشق به ستایش انسان، نه از روی طمع پاداش در این دنیا که گذرا است، و نه از روی حسادت چیز ارزشمند و نادری را پنهان کرده، نه برای شخص خود چیزی ذخیره نکرده، بلکه به نیازهای بسیاری کمک کرده است. و با نصیحت به افزایش عزت و جلال نام خدا کمک کرد..
آلبوم Villard de Honnecourt: صفحات 14، 27; ورق 15 - طرح گروه کر ایده آل یک کلیسای گوتیک (طرح کلیسای جامع در Meaux)؛ ورق 17 - طرح گروه کر کلیسا در ووسل و شکل.
مقدمه ویلارد بیشتر شبیه رونوشتی مختصر و مختصر از اندیشه پایانی تئوفیلوس در مقدمه‌اش است که به‌علاوه توسط دومی در قالب ادبی ظریف ارائه شده است: ویلارز دو هانکور به شما سلام می‌رساند و از همه کسانی که با وسایل ذکر شده در این کتاب کار می‌کنند می‌خواهد برای روح او دعا کنند و او را به یاد آورند. زیرا در این کتاب می‌توانید توصیه‌های بسیار خوبی در مورد مهارت بزرگ سنگ‌سازی و نجاری بیابید. در اینجا هنر طراحی و همچنین مبانی مورد نیاز و آموزش علم هندسه". لحن مختصر و تجاری، هیچ چیز اضافی نیست، ما فقط در مورد مهمترین چیز صحبت می کنیم، محتوا و هدف کل کتاب در چند عبارت مختصر بیان شده است، جذابیت سنتی برای دانش آموزان بسیار مختصر و محدود به یک سلام و احوالپرسی است. درخواست دعا برای قدردانی از نویسنده آلبوم. چه تضاد با لحن آموزنده مثبت تئوفیلوس، تأکید مداوم بر پیوند هنر با خدا، توضیحات جزئی جزئی از دستور العمل ها. شاید دیدن این تفاوت نه تنها نتیجه تفاوت بین این دو، کشش باشد انواع خاصیکتابچه راهنمای فنی قرون وسطی - یک رساله و یک آلبوم از نمونه ها - نه تنها نتیجه این واقعیت است که نویسندگان به لایه های مختلف تعلق دارند. جامعه قرون وسطی، اما، با این حال، به نظر می رسد این تضاد ناشی از قرنی است که بین خلق دو اثر تحلیل شده سپری شده است.
همانطور که تئوفیلوس در کار خود نگرش هنرمند رمانسک و ایده او را در مورد جایگاه او در زندگی و هدف هنرش بیان کرد، ویلارد دو هانکور نیز در آلبوم خود ویژگی های معمول معمار گوتیک را با ایده های خود در مورد معماری منعکس کرد. جهان اولاً، حرفه ای بودن، دانش عمل هنری از جمله معماری، مجسمه سازی و مهندسی که در قرون وسطی رایج و سنتی بود. علاوه بر این، متن ویلارد از آشنایی او با گرایش های اندیشه کلامی یا فلسفی چیزی نمی گوید. سپس - دموکراسی، وضوح طرح ها، نقشه ها و نمونه ها، متن همراه به زبان لاتین نیست، بلکه به زبان فرانسوی قدیمی است.
ویژگی بعدی کنجکاوی شدید برای همه چیزهای بی سابقه، خنده دار، کمیاب، جالب است که او را مجبور می کند یک شیر را به همراه سایر حیوانات کمیاب بکشد. سپس - مشاهده، مشغله ذهنی با تأثیرات بصری، شاید جایگزین آموزش جامد. آشنایی با کشورهای مختلف، سفرهایی که ویلارد انجام داد، تجربه، شناخت عمیق از تمرین هنر خود. یکی از ویژگی های به همان اندازه بارز، ذهنیت قضاوت ها در مورد هنر، انتخاب طرح هایی از جزئیات معماری، صحنه ها و چهره ها مطابق با سلیقه شخصی ویلارد است که استاد چندین بار از اعلام آن کوتاهی نکرد. مورد دوم مورد توجه خاصی است که بیانگر خودآگاهی فزاینده هنرمند گوتیک است.
آلبوم ویلار که آلبومی از نمونه ها و راهنمای فنی برای اساتید دیگر بود، به عنوان یک دفترچه یادداشت شخصی باقی ماند، یک آلبوم سفر، که در آن هر چیزی که جالب به نظر می رسید، ترسیم می شد. "اینجا نقشه گروه کر کلیسای ما است باکره مقدسمری در کامبری. "من این پنجره ها را کشیدم زیرا آنها را بیشتر از دیگران دوست داشتم". در نهایت، تقوای سنتی و تا حدودی رسمی او مشخصه است که در یک عبارت بیان شده و به شدت با تقوای مفصل و مفصل تئوفیلوس متفاوت است.
مفهوم حمایت خداوند از هنرمند، یاری خداوند به شخصی که «دست راست الهی او را در فعالیتش هدایت می‌کند»، در واقع با گذشت زمان تا حدودی سایه‌ای رسمی پیدا می‌کند، اگرچه در کشورهای فراآلپی معنای سابق خود را حفظ می‌کند. به طور غیر قابل مقایسه ای طولانی تر از ایتالیا. تا قرن شانزدهم همچنان در رساله‌های استادان گوتیک متاخر، که مشتاقانه در مورد جنبه‌های فنی و هنری هنرشان بحث می‌کنند، احساس می‌شود. او رساله های آلبرت دورر و نیکلاس هیلیارد را مشخص کرد.
سبک سریع، تند و پویا توضیحات مختصر ویلارد کم اهمیت نیست. من می خواهم در آن تجلی روح فضای تجاری را ببینم که در اطراف ساخت کلیسای جامع گوتیک ایجاد شده است. برای شخصیت‌پردازی هنرمند قرون وسطایی بسیار مهم است که دفتر و آلبوم طرح‌های سفر ویلارد بعدها به یک کتاب نمونه برای کل کارگاه تبدیل شد. ظاهراً پس از مرگ ویلار ، آلبوم با نقاشی ها و ضبط های دو استاد دیگر که ناشناس ماندند تکمیل شد. آنها معمولاً به عنوان "Master 2" و "Master 3" شناخته می شوند.
اگرچه روند جداسازی فرد هنرمند از محیط صنفی به آرامی اما مطمئناً در طول قرن‌های 13 تا 14 توسعه یافت، هنرمند گوتیک خود و مهارت‌هایش را تنها در یک ارتباط شرکتی، محدود به چارچوب‌ها و هنجارهایی می‌دانست که توسط آنها ارائه شده بود. جامعیت هنر گوتیک و دنیای گوتیک که او را با آن احاطه کرده است.
بنابراین از صفحات دستورالعمل های فنیدر مورد هنر، مجموعه ای از دستور العمل ها، قوانین و آلبوم های نمونه، ما با چهره های هنرمندان قرون وسطی - نویسندگان آنها، با ایده های خود در مورد خود و اهداف کارشان، با درک خود از جهان و جایگاه خود در آن روبرو هستیم.
برچسب: نظریه هنر (فلسفه)
قرون وسطی اغلب تاریک و تاریک توصیف می شود. این توسط جنگ های مذهبی، اعمال تفتیش عقاید، پزشکی توسعه نیافته تسهیل شد. با این حال، آنها آثار فرهنگی زیادی به جا گذاشتند، قابل تحسینفرزندان معماری و مجسمه سازی ثابت نمی ماند: با جذب ویژگی های زمان، سبک ها و گرایش های جدیدی را به وجود آوردند. همراه با آنها بی وقفه نقاشی قرون وسطی رفت. در مورد آن و امروز مورد بحث قرار خواهد گرفت.
در مشارکت نزدیک
از قرن 11 تا 12، سبک رومانسک بر تمام هنرهای اروپایی حاکم بود. او بیان اصلی خود را در معماری دریافت کرد. معبدهای آن زمان با ساختار سه و به ندرت پنج شبستانی باسیلیکا مشخص می شوند، پنجره های باریکی که نور زیادی نمی دهد. اغلب به معماری این دوره تیره و تار می گویند. سبک رومانسک در نقاشی قرون وسطی نیز با شدت خاصی متمایز بود. تقریبا به طور کامل فرهنگ هنراختصاص به موضوعات مذهبی علاوه بر این، اعمال الهی به شیوه ای نسبتاً مهیب و مطابق با روح زمان به تصویر کشیده شد. استادان وظیفه انتقال جزئیات برخی رویدادها را بر عهده خود قرار ندادند. تمرکز آنها بود معنای مقدسبنابراین، نقاشی قرون وسطی، با پرداختن کوتاه به جزئیات، قبل از هر چیز معنای نمادینی را منتقل می کند و نسبت ها و نسبت ها را برای این امر مخدوش می کند.
لهجه ها
هنرمندان آن زمان پرسپکتیو نمی دانستند. در بوم های آنها، شخصیت ها در یک خط قرار دارند. با این حال، حتی با یک نگاه زودگذر، به راحتی می توان فهمید که کدام شکل در تصویر اصلی است. برای ایجاد یک سلسله مراتب واضح از شخصیت ها، استادان برخی از آنها را به طور قابل توجهی از نظر رشد نسبت به دیگران برتری دادند. بنابراین، شخصیت مسیح همیشه بر فرشتگان سربلند بوده است و آنها نیز به نوبه خود بر مردم عادی تسلط داشتند.
این رویکرد داشت سمت عقب: در به تصویر کشیدن محیط و جزئیات پس زمینه آزادی زیادی قائل نبود. در نتیجه نقاشی قرون وسطی آن دوره فقط به نکات اصلی توجه داشت، بدون اینکه خود را به خود اختصاص دهد. نقاشی ها نوعی طرح بودند که ماهیت را منتقل می کردند، اما تفاوت های ظریف را نداشتند.
توطئه ها
رنگ آمیزی قرون وسطی اروپادر سبک رومانسک مملو از تصاویری از وقایع و شخصیت های خارق العاده بود. غالباً به توطئه های تیره و تار که در مورد مجازات آینده بهشت یا اعمال هیولا آمیز دشمن نسل بشر می گوید ترجیح داده می شد. صحنه های آخرالزمان بسیار مورد استفاده قرار گرفت.
مرحله انتقالی
هنرهای زیبای دوره رومانسک از نقاشی پیشی گرفت اوایل قرون وسطی، زمانی که تحت فشار وقایع تاریخی بسیاری از گونه های آن عملا ناپدید شدند و نمادگرایی غالب شد. نقاشی های دیواری و مینیاتورهای سده های 11-12 که بیانگر برتری معنوی بر مادی است، راه را برای پیشرفتهای بعدیجهت های هنری نقاشی آن دوره یک مرحله انتقالی مهم از هنر نمادین تاریک روزگار و یورش های مداوم بربرها به سطح کیفی جدیدی بود که از دوران گوتیک سرچشمه می گیرد.
تغییرات مطلوب
ایدئولوگ نظم، فرانسیس آسیزی، نه تنها در زندگی مذهبی، بلکه در جهان بینی نیز تغییراتی ایجاد کرد مرد قرون وسطایی. با هدایت نمونه او از عشق به زندگی در تمام مظاهر آن، هنرمندان شروع به توجه بیشتر به واقعیت کردند. بر بوم های هنریهنوز محتوای مذهبی، جزئیات وضعیت شروع به نمایان شدن کرد که به دقت شخصیت های اصلی نوشته شده بود.
گوتیک ایتالیایی
نقاشی در قلمرو وارث امپراتوری روم خیلی زود ویژگی های مترقی را به دست آورد. در اینجا Cimabue و Duccio، دو بنیانگذار رئالیسم مرئی، که تا قرن بیستم گرایش اصلی در هنرهای زیبای اروپا باقی ماندند، زندگی و کار کردند. محراب‌های آنها اغلب مدونا و کودک را به تصویر می‌کشیدند.
جوتو دی باندونه که کمی بعد زندگی کرد، به خاطر نقاشی هایش که مردمان کاملاً زمینی را به تصویر می کشد به شهرت رسید. شخصیت های روی بوم های او زنده به نظر می رسند. جوتو از بسیاری جهات جلوتر از دوران بود و تنها پس از مدتی به عنوان یک هنرمند بزرگ دراماتیک شناخته شد.
نقاشی های دیواری
نقاشی قرون وسطی در دوره رمانسکبا رویکردی جدید غنی شده است. استادان شروع به اعمال رنگ در بالای آن کردند گچ خام. این تکنیک با مشکلات خاصی همراه بود: هنرمند باید به سرعت کار می کرد و در مکان هایی که پوشش هنوز مرطوب بود، قطعه پس از قطعه را می نوشت. اما چنین تکنیکی به ثمر نشست: رنگی که در گچ فرو می‌رفت، خرد نشد، روشن‌تر شد و می‌توانست برای مدت طولانی دست نخورده بماند.
چشم انداز
نقاشی قرون وسطی در اروپا کم کم عمق پیدا کرد. میل به انتقال واقعیت در تصویر با تمام حجم آن نقش مهمی در این روند داشت. به آهستگی، با تقویت مهارت های خود در طول سال ها، هنرمندان یاد گرفتند که پرسپکتیو را به تصویر بکشند، به اجسام و اشیاء شباهتی به اصل بدهند.
این تلاش‌ها در آثار مربوط به گوتیک بین‌المللی یا بین‌المللی که در اواخر قرن چهاردهم توسعه یافتند، به وضوح قابل مشاهده است. نقاشی قرون وسطی آن دوره دارای ویژگی های خاصی بود: توجه به جزئیات کوچک، کمی ظرافت و ظرافت در انتقال تصویر، تلاش برای ساختن پرسپکتیو.
کتاب مینیاتور
ویژگی های بارز نقاشی این دوره در تصاویر کوچکی که کتاب ها را آراسته اند به وضوح نمایان است. در میان همه استادان مینیاتور، برادران لیمبورگ که در آغاز قرن پانزدهم زندگی می کردند، شایسته ذکر ویژه هستند. آنها تحت نظارت دوک ژان بری، که برادر کوچکتر پادشاه فرانسه، چارلز پنجم بود، کار می کردند. آثار معروفهنرمندان "کتاب باشکوه ساعات دوک بری" بود. او هم برادران و هم حامی آنها را جلال بخشید. با این حال، تا سال 1416، زمانی که ردپای لیمبورگ ها گم شد، ناتمام ماند، اما حتی آن دوازده مینیاتوری که استادان موفق به نوشتن آن شدند، هم استعداد و هم تمام ویژگی های این ژانر را مشخص می کند.
تحول کیفیت
کمی بعد، در دهه 30 قرن پانزدهم، نقاشی با سبک جدیدی غنی شد که متعاقباً تأثیر زیادی بر تمام هنرهای زیبا گذاشت. رنگ روغن در فلاندر اختراع شد. روغن سبزیجاتمخلوط با رنگها، خواص جدیدی به ترکیب داد. رنگ ها بسیار اشباع تر و زنده تر هستند. علاوه بر این، نیاز به عجله، که نقاشی را با مزاج همراه می کرد، ناپدید شد: زرده ای که اساس آن را تشکیل می داد، خیلی سریع خشک شد. حالا نقاش می‌توانست به اندازه‌گیری کار کند و به همه جزئیات توجه کند. لایه‌های ضربه‌ای که روی هم اعمال می‌شوند، امکاناتی را که تاکنون ناشناخته بودند برای بازی رنگ باز می‌کردند. بنابراین، رنگهای روغنی، دنیای کاملاً جدید و ناشناخته‌ای را به روی استادان گشودند.
هنرمند معروف
رابرت کامپین را بنیانگذار گرایش جدیدی در نقاشی در فلاندر می دانند. با این حال، دستاوردهای او تحت الشعاع یکی از پیروانش قرار گرفت که امروزه تقریباً برای همه علاقه مندان به هنرهای زیبا شناخته شده است. جان ون آیک بود. گاهی اختراع رنگ روغن را به او نسبت می دهند. به احتمال زیاد، Jan van Eyck تنها فناوری توسعه یافته را بهبود بخشید و با موفقیت شروع به استفاده از آن کرد. به لطف بوم های او، رنگ روغن محبوب شد و در قرن پانزدهم فراتر از مرزهای فلاندر - به آلمان، فرانسه و سپس به ایتالیا گسترش یافت.
یان ون آیک یک نقاش پرتره عالی بود. رنگهای روی بوم‌های او آن بازی نور و سایه را ایجاد می‌کنند که بسیاری از پیشینیان او برای انتقال واقعیت فاقد آن بودند. از جمله آثار معروف این هنرمند می توان به "مدونای صدراعظم رولین"، "پرتره آرنولفینی ها" اشاره کرد. اگر به مورد دوم دقت کنید، مشخص می شود که مهارت یان ون ایک چقدر قابل توجه بوده است. فقط تا زدن لباس ها به دقت تجویز شده است!
اما اثر اصلی استاد محراب گنت است که از 24 تابلو تشکیل شده و بیش از دویست مجسمه را به تصویر می کشد.
یان ون آیک به درستی یک نماینده نامیده می شود رنسانس اولیهنسبت به اواخر قرون وسطی مکتب فلاندری در مجموع به نوعی مرحله میانی تبدیل شد که ادامه منطقی آن هنر رنسانس بود.
نقاشی قرون وسطی که به اختصار در مقاله به آن پرداخته شده است، هم از نظر زمانی و هم از نظر اهمیت یک پدیده فرهنگی عظیم است. او پس از گذشتن از خاطرات جذاب، اما غیرقابل دسترس از عظمت دوران باستان به اکتشافات جدید رنسانس، آثار زیادی به جهان داد، تا حد زیادی نه در مورد شکل گیری نقاشی، بلکه در مورد جستجوی ذهن انسان، درک آن از جایگاه آن در جهان و رابطه آن با طبیعت. درک عمق آمیختگی روح و بدن، مشخصه رنسانس، اهمیت اصول اومانیستی و برخی بازگشت به قوانین اساسی هنرهای زیبای یونان و روم بدون مطالعه دوره قبل از آن ناقص خواهد بود. در قرون وسطی بود که حسی از عظمت نقش انسان در کیهان متولد شد، بسیار متفاوت از تصویر معمول یک حشره، که سرنوشت آن کاملاً در قدرت یک خدای مهیب است.