هنر تئاتر هند در دوره قرن دوم قبل از میلاد آغاز شد. - قرن اول پس از میلاد، که در قرن X پس از میلاد به اوج پیشرفت خود رسید. در این زمان، صدها نمایشنامه خلق شد که بعداً به عنوان کلاسیک تئاتر هند شناخته شد. پس از قرن دهم، با ورود فاتحان اسلامی به هند، تئاتر کلاسیک رو به افول گذاشت. نمایش‌های تئاتری به شکلی بدوی در گوشه‌های دورافتاده روستا به حیات خود ادامه می‌دهند. در دوره قرون XV-XIX. هنر تئاتر احیا می شود. در اواسط قرن نوزدهم. صحنه تئاتر به وسیله ای برای مبارزه با حکومت استعماری بریتانیا تبدیل می شود که بریتانیایی ها را وادار می کند تا کنترل شدیدی بر فعالیت های تئاتری در هند اعمال کنند و نمایش های سیاسی را ممنوع کنند و فقط نمایش های کلاسیک را مجاز کنند. از زمان استقلال هند در سال 1947، تئاترها آزادانه در سراسر کشور ظهور کردند و به حلقه مهمی در صنعت سرگرمی تبدیل شدند.
هنرهای تئاتر هند به سه شکل تقسیم می شوند: درام کلاسیک سانسکریت، تئاتر سنتی سنتی و تئاتر مدرن.

درام کلاسیک سانسکریت

درام کلاسیک هندی سانسکریت - یکی از قدیمی ترین اشکال هنر نمایشی که در قرن اول شروع به رشد کرد. آگهی درباره وجود نمایشنامه سانسکریتدر چنین مدت طولانی منابع معتبری مانند: "ناتیا شاسترا" - رساله ای در مورد هنر نمایشی، گردآوری شده توسط بهاراتا مونی (قرن چهارم قبل از میلاد - قرن چهارم پس از میلاد) و "مهابهاشیا" - تفسیری بر دستور زبان هندی متعلق به پاتانجلی (II) قرن قبل از میلاد).
درام هندی بالاترین دستاورد ادبیات هند است. به گونه ای ساخته شده است که تجارب عاطفی قوی مرتبط با شخصیت و کردار شخصیت ها را در بیننده برانگیزد. برخی از شخصیت ها باعث ایجاد احساس تحسین و احترام می شوند، برخی دیگر برعکس انزجار و برخی دیگر باعث خنده و سرگرمی می شوند. شخصیت ها نمایشنامه سانسکریتبه وضوح بر اساس موقعیت اجتماعی تقسیم شده است.
دو نوع نمایشنامه در نمایشنامه هندی وجود دارد: لوکادرمیکه در آن شخصیت ها به شکلی واقع گرایانه ارائه می شوند و ناتیادرمیدرام سبکی است که از زبان اشاره استفاده می کند.
اولین نمایشنامه نویسی که به زبان سانسکریت نوشت، آشواغوشا (قرن دوم میلادی) است. این فرد فرهیخته و با استعداد با آثار خود به تبلیغ فلسفه بودیسم پرداخت. سه شعر معروف آشواگوشا عبارتند از «بوداچاریتا»، «سونداراندا» و درام «شارینوتراکارانا».
اما شاخص ترین شخصیت در نمایشنامه هندی شاعر کالیداسا (قرن 4-5) است که نمایشنامه هایی را به زبان سانسکریت بر اساس داستان هایی از پوراناها سروده است. معروف ترین آثار کالیداسا درام های Malavikagnimitram، Vikramorvashi، Abhijnana-Shakuntala هستند. طرح اصلی در آنها عشق قهرمان و قهرمان است. پس از غلبه بر موانع متعدد، عاشقان با فرصتی برای اتحاد مجدد با یکدیگر پاداش می گیرند.

کالیداسا

شخص مهم دیگر، نمایشنامه نویس سانسکریت باوابوتی (قرن هشتم) است. از آثار متعدد نویسنده، تنها سه درام باقی مانده است: Mahaviracharita (درباره زندگی قهرمانانه راما)، Malatimadhava (داستان عشق) و Uttaramacharita (زندگی بعدی راما).
بر اساس مطالعات داشارادا شارما هند شناس (1903-1976)، هر دو آخرین نمایشنامه نویس هنگام نوشتن آثار خود بر متونی از آرتاشاسترا (رساله سیاسی و اقتصادی هند باستانی که گردآورنده آن کاوتیلیا، رئیس آن است) تکیه کرده اند. مشاور امپراتور چاندراگوپتا ماوریا (321-297 قبل از میلاد). e.)). در آثار آنها تشابه آشکاری در کنش و سیاست شخصیت ها وجود دارد. علاوه بر این، باوابوتی در نمایشنامه عاشقانه خود Malatimadhava از کلمات و ایده های Arthashastra استفاده می کند.
همچنین قابل ذکر است حاکم هند شمالی هارشا (606-647 سال سلطنت) از خانواده پوشیابهوتی است که نویسنده نمایشنامه های راتناوالی، پریادارشیکا و ناگاناندا و همچنین شاعران شدراکا و باسا هستند که نمایشنامه های زیادی در سانسکریت
درام سانسکریتکه در زمان های قدیم در هند سرچشمه گرفته است، به یکی از هنرهایی تبدیل شده است که تمام واقعیت های زندگی را بدون تزیین منعکس می کند. بعداً با رقص کلاسیک تکمیل شد. ترکیبی از موسیقی، حرکات و رقص به درام هندی اجازه داده است تا جنبه جدیدی پیدا کند و به آن تبدیل شود درام رقص کلاسیک.

درام رقص کلاسیک
این مسیر تازه ساخته شده بر اساس نمونه های الهی که در حماسه های باستانی آورده شده است، تمام زیبایی های زندگی را منتقل می کند. نمونه های برجسته درام رقص کلاسیک هندی عبارتند از: kudiatt، krishnanatta، ramanatt و kathakali (). همچنین، تقریباً تمام رقص های کلاسیک هند را می توان به درام رقص نسبت داد، زیرا امروزه آنها یک اجرای موسیقی تئاتری هستند که در مورد رابطه عشقی بین قهرمان و قهرمان می گوید.

تئاتر بومی سنتی

تئاتر سنتی هندی ، که به وضوح در قرون وسطی شکل گرفته است، ترکیبی از درام کلاسیک و تولیدات فی البداهه آزاد بر اساس رویدادهای تاریخی و همچنین مضامینی از پوراناها و حماسه ها است. تئاتر مردمی منعکس کننده افکار، عقاید و احساسات مردم عادی است. در واقع تئاتر بومی سنتی را می‌توان به آثاری با ماهیت مذهبی و سکولار تقسیم کرد. اولی ها در خدمت تبلیغ ارزش های دینی، اخلاقی و در واقع تاملاتی درباره معنای زندگی هستند. هدف دوم سرگرمی است.
جایگاه مهمی در تئاتر فولکلور هند به آهنگ اختصاص دارد که نقش اصلی را ایفا می کند.
تئاتر محلی سنتی هند به طرز شگفت انگیزی متنوع است. هر ایالت این کشور چند ملیتی با نمایش‌های دیدنی و درخشانی نشان داده می‌شود که آداب و رسوم و آداب و رسوم محلی را منعکس می‌کند. اما همه آنها با واقع گرایی زندگی، عشق، فضیلت و رذیلت متحد شده اند که اغلب با ایده ای عاشقانه تزئین شده اند.
ناوتانکی- یکی از محبوب ترین اجراهای تئاتر کمدی-موسیقی در شمال هند. داستان ها ناوتانکیبر اساس داستان های عامیانه، داستان های قهرمانان افسانه ای و داستان های حماسی. موسیقی محلی، آواز و رقص در هم آمیخته است ناوتانکی. اجراها مانند زبان برگزار می شود هندی، به زودی اردو. قبل از معرفی صنعت فیلم ناوتانکیوسیله تفریحی بسیار رایج در تمام شهرها و روستاهای شمال هند بود. طبق سنت، ارائه ناوتانکیاز اواخر عصر شروع می شود و بدون وقفه تمام شب تا سحر ادامه می یابد. همچنین نسخه‌های کوتاهی از اجراها به مدت دو ساعت در مورد مسائل اجتماعی معاصر مانند خانواده، سلامت و زنانه‌سازی (رهایی زنان) وجود دارد.

ناوتانکی

سوانگ/سانگ- شکلی از تئاتر رقص-موسیقی رایج در هاریانا، اوتار پرادش، راجستان و مادهیا پرادش. در حقیقت تاب دادنبسیار شبیه به ناوتانکی. فقط تفاوت های جزئی وجود دارد. ناوتانکیاین یک نمایش کاملاً کمدی است. درحالیکه در تاب دادنهم طنز و هم عاشقانه قهرمانانه وجود دارد. نمایندگی تاب دادنمجذوب رپرتوار گسترده ای از آهنگ ها و رقص های محلی. به طور سنتی، همه نقش ها را مردان بازی می کنند. برای ایجاد فضای مناسب، یک ساعت قبل از اجرا، کنسرتی شروع می شود و مخاطب را برای اجرا آماده می کند.
باند پاترشکلی از تئاتر فولکلور است که در ایالت جامو و کشمیر رایج است. توطئه ها باند پاتربرگرفته از داستان‌ها و سنت‌های اساطیری منطقه هستند و بیشتر ماهیت طنز دارند. نمایش ها به وضوح عناصر شیویسم کشمیری و سنت های تصوف کشمیری را نشان می دهد. اما خط اصلی داستان مخالفت مردم محلی با مهاجمان خارجی است. اگرچه مضامین تولیدات حول محور داستان‌های دیرینه پادشاهان می‌چرخد، اما مضامین اجتماعی مدرن نیز به آن وارد می‌شود. زبان اصلی بازیگران اجراها باند پاترکشمیری است . اما برای تاکید بر موقعیت‌های مضحک طنز و برجسته کردن عبارات ناسازگار، از پنجابی، گجری، دوگری، فارسی و انگلیسی نیز در تولیدات استفاده شده است. برای به تصویر کشیدن حیوانات در اجراها باند پاتربازیگران لباس های حجیم می پوشند و ماسک می زنند.

باند پاتر

یاتراشکل محبوبی از تئاتر آواز محلی سنتی است که از بنگال غربی و اوریسا تا آسام، تریپورا و بیهار گسترش یافته است. در قرون IX-XII. این اجرای موسیقی در قلمرو بنگال (بنگال غربی و بنگلادش امروزی) با نام توزیع شده است. چاریا. بعدها در قرن شانزدهم در طول جنبش باکتی، چاریامعروف شد یاترا(یک موکب مذهبی واعظان) و شخصیت مذهبی و تبلیغی داشت. اما قبلاً در قرن نوزدهم. محتوای اجراها از نظر اخلاقی آموزنده شد. و در قرن بیستم یاتراتبدیل به یک اجرای سرگرمی معمولی به مدت چهار ساعت و قبل از آن یک مقدمه موسیقی طولانی است. امروزه مضامین اجراها گسترده است و شامل حماسه های سنتی و داستان های پورانی، افسانه های تاریخی و فولکلور محلی است. به طور سنتی در یاترهمه نقش ها را مردان بازی می کردند، اما از قرن 19. زنان شروع به پیوستن به گروه های مردانه کردند. امروزه از تمام وسایل مدرن برای ایجاد جلوه های زنده در تولیدات استفاده می شود.

یاترا

همخوانی داشتنیک تئاتر محلی سنتی در مادیا پرادش است. این یک شکل نسبتاً جوان از تئاتر مردمی است که در اواخر قرن 18 - اوایل قرن 19 بوجود آمد. همخوانی داشتنتوسط بازیگران مشهور آن زمان مانند Guru Gopalji و Kaluram Ustad طراحی شده است. آنها نه تنها فیلمنامه را نوشتند، بلکه اجراها را نیز کارگردانی کردند. همخوانی داشتنبه طور سنتی توسط مردان اجرا می شود. اجراها به زبان هندی است. مضامین اجراها همخوانی داشتنگسترده است و به موضوعات مذهبی، تاریخی و اجتماعی می پردازد.

تماشا- یک فرم تئاتر موسیقی و رقص که در قرن شانزدهم بوجود آمد. در قلمرو ماهاراشترا قلب همه اجراها تماشاآهنگ های عاشقانه نامیده می شوند لاوانیکه با رقص های سنتی تکمیل می شود. علاوه بر رقص در اجراها تماشااعداد آکروباتیک نیز غالب هستند.

تماشا

یاکشاگاناشکلی از درام رقص سنتی است که در قرن 16 و 17 ایجاد شد. در کارناتاکا مدت، اصطلاح یاکشاگانادر لغت به معنای "آواز ارواح طبیعت" است و ترکیبی از اشکال مختلف درام رقص مانند aata, بایالاتا, kelikeو داساواتارا. یاکشاگانااز موسیقی محلی، رقص و تئاتر کارناتاکا در جریان جنبش باکتی هند جنوبی شکل گرفت. از آنجایی که باکتی یا ویشناویسم دین را از طریق نمایش های ساده تئاتر رواج می دهد، یاکشاگانابه سرعت در سراسر جنوب هند به رسمیت شناخته شد. توطئه ها یاکشاگان هاقسمت هایی از مهابهاراتا، رامایانا و پورانا هستند. طبق سنت، اجرا از شب شروع می شود. قبل از ورود بازیگران به صحنه، یک اورتور موسیقایی طولانی (حدود یک ساعت) صورت می گیرد. تمام نقش ها منحصرا توسط مردان ایفا می شود. بازیگری با آواز راوی (بهاگاواتی) همراه است. شخصیت تغییر ناپذیر همه اجراها شوخی است که به آن می گویند کدانگی. لباس و گریم شگفت انگیز بازیگران حال و هوای خاصی ایجاد می کند و مخاطب را در دنیایی شگفت انگیز از تخیل غرق می کند.

تروککوتو- شکلی از تئاتر خیابانی آیینی، رایج در تامیل نادو و سریلانکا همسایه. اجراها به زبان تامیل است. تروککوتوترکیبی از موسیقی، رقص و نمایش است. موضوع گسترده است. اما اساساً، تمام خطوط داستانی بر اساس داستان‌هایی از مهابهاراتا، یا بهتر است بگوییم آن بخش‌هایی از حماسه است که دروپادی شخصیت اصلی آن است. در جشنواره سالانه Maryamman که به الهه همنام باران اختصاص دارد، نمایش هایی از رامایانا اجرا می شود.

مودیتا- یک تئاتر آیینی سنتی در ایالت کرالا، که نمایش های آن فقط در معابد اختصاص داده شده به الهه کالی برگزار می شود. در اجراها، نبرد الهه بهدراکالی با آسورا داریکا پخش می شود که در آن نفر اول برنده می شود. این نمایش های آیینی پس از برداشت محصول بین فوریه و می برگزار می شود. خود اجرا در یک زمان فرخنده شروع می شود و 41 روز طول می کشد.

تئاتر عروسکی سنتی هندی

تئاتر عروسکی (تئاتر عروسکی هندی) یکی از قدیمی ترین انواع سرگرمی در هند به ویژه در مناطق روستایی است. قرن هاست که به یک شکل شکوفا شده است و بخشی جدایی ناپذیر از فرهنگ عامه است. در دستان ماهرانه عروسک‌باز، عروسک‌ها زنده می‌شوند و صحنه‌هایی از مهابهاراتا و رامایانا را زنده می‌کنند و همچنین از زندگی واقعی تقلید می‌کنند. تئاتر عروسکی در گجرات، راجستان، کرالا، کارناتاکا و آندرا پرادش محبوبیت بیشتری دارد. در هند، انواع مختلفی از عروسک‌ها استفاده می‌شود - عروسک‌های چوبی، چرمی یا پارچه‌ای که با چوب یا نخ کنترل می‌شوند، عروسک‌های دستکشی، و همچنین عروسک‌های تخت که در تئاتر سایه‌ها استفاده می‌شوند.
کاتپوتلی- تئاتر عروسکی راجستانی. ترجمه از زبان راجستانی کاتبه معنی "درخت" پوتلی- عروسک بی جان تئاتر در نظر گرفته شده است کاتپوتلیدر راجستان حدود دو هزار سال پیش سرچشمه گرفته است، همانطور که ذکر عروسک های چوبی در افسانه ها و آهنگ های محلی نشان می دهد. هیچ جشنواره مذهبی و حتی یک نمایشگاه در راجستان بدون نمایش عروسکی خنده دار برگزار نمی شود.

خانواده‌های حاکم راجستان به هر طریق ممکن از این نوع هنر حمایت می‌کردند. نه تنها نوعی سرگرمی، بلکه منبعی برای تربیت اخلاقی، کاتپوتلیتا زمان ورود مغول ها به راجستان شکوفا شد. در این دوره کاتپوتلیبه تدریج اهمیت خود را از دست داد. اما امروز، مثل قدیم، تئاتر کاتپوتلیباز هم تماشاگران را با اجراهای محرک خود خشنود می کند.
به طور سنتی کاتپوتلییک حرفه ارثی برای یک جامعه عشایری است bhatزندگی در راجستان غربی مانند خود عروسک‌بازان، کارگاه‌های متعدد دولتی عروسک می‌سازند: سر عروسک‌ها را از چوب می‌تراشند، آن‌ها را رنگ می‌کنند و با لباس‌های درخشان با پولک دوزی، قیطان طلا و آینه تکمیل می‌کنند. به عنوان یک قاعده، رنگ عروسک تصویر شخصیت را تعیین می کند. چهره های نجیب با رنگ های روشن نقاشی شده اند، سبیل های چشمگیری دارند و لباس های رنگارنگ پوشیده شده اند. شخصیت های منفی معمولاً رنگ تیره دارند. عروسک های زن همیشه در لباس های رنگارنگ و روشن هستند.
با کشیدن سیم متصل به عروسک ها، عروسک گردان به طرز ماهرانه ای آنها را وادار به رقصیدن در صحنه ای بداهه می کند. سواران اسب و شتر، افسونگران مار، جنگجویان شمشیردار، زنان رقصنده و خیلی چیزهای دیگر تماشاگران را مجذوب خود می کنند.

تغییر عروسک ها نیز بسیار محبوب هستند، زمانی که در حین اجرا، یک زن رقصنده ناگهان به یک مرد ریشو تبدیل می شود. هر نمایش عروسکی مملو از طنز است و با همراهی موسیقی همراه است. توطئه های اجرا کاتپوتلیمعمولاً آنها در یک موضوع آزاد هستند که گاهی از افسانه ها و افسانه های محلی گرفته شده است. اما رپرتوار اصلی شامل تصنیف‌هایی درباره عمار سینگ راثور (1613-1644) شجاع است، شاهزاده راجپوت که در دربار مغول خدمت می‌کرد و شجاعت افسانه‌ای و قدرت رزمی او به او اجازه داد تا به شناخت شخصی امپراتور دست یابد. این اجراها با صحنه های نبرد طولانی نه تنها برای بینندگان جوان، بلکه برای نسل بزرگسال نیز بسیار الهام بخش است.

عوض کردن عروسک ها

پوتول زود- نوع دیگری از تئاتر عروسکی که از بنگال غربی تا تریپورا و آسام رایج است. عروسک ها پوتول زودبسیار بزرگ، حدود 1.5 متر ارتفاع. آنها از چوب حکاکی شده اند و لباس های زیبایی به تن دارند. گروه هنرمندان شامل عروسک‌بازانی است که آواز می‌خوانند و شعر می‌خوانند، نوازندگانی که هارمونیوم می‌نوازند، طبل‌ها و سنج‌های متال. نمایش ها اغلب در نمایشگاه های روستایی برگزار می شود. آن‌ها داستان‌هایی درباره کریشنا یا بداهه‌پردازی‌هایی با موضوعی آزاد پخش می‌کنند، جایی که عروسک‌ها فقط می‌رقصند.

پاواکاتاکالییک نمایش عروسکی درام رقص محبوب در کرالا است. کاتاکالی. این اجرا با کمک عروسک های دستکشی به ابعاد 30 تا 50 سانتی متر اجرا می شود.داستان های مختلف از مهابهاراتا طرح های اجراهایی هستند که در شب در زیر نور چراغ نفتی اجرا می شوند. مدت زمان اجرا از یک ساعت تا دو ساعت و گاهی بیشتر متغیر است. در درام رقص کاتاکالیداستان از طریق ژست ها و حالات چهره بیان می شود. اما این زبان در دسترس عروسک های چوبی نیست و به همین دلیل نقش اصلی در اجرا به کلمه داده می شود که خواننده ها به کمک آن محتوای اجرا را منتقل می کنند. در گذشته، اجراها منحصراً ماهیت مذهبی داشتند و در زمان خشکسالی و بیماری های همه گیر به عنوان پیشکش به خدایان ترتیب داده می شدند. همچنین پاواکاتاکالیدر جشنواره شیواراتری پخش شد. در دهه 80 قرن بیستم، سنت پاواکاتاکالیتقریبا ناپدید شد اما به همت وزارت فرهنگ هند، این تئاتر عروسکی سنتی احیا شده و به سطح بین المللی کشیده شده است. اجراهای امروز پاواکاتاکالیرا می توان در جشنواره های بین المللی هنر مشاهده کرد.

نمایش سایه ها

اعتقاد بر این است که تئاتر سایه سه هزار سال پیش در آسیای جنوب شرقی پدید آمد و به تدریج به هندوستان نفوذ کرد. تئاتر سایه در آندرا پرادش، کارناتاکا، کرالا و اوریسا بسیار محبوب است. به طور سنتی، عروسک های سایه اوریسا و کرالا سیاه و سفید هستند. و در کارناتاکا و آندرا پرادش رنگی هستند.
تولو بوممالاتاشکل سنتی هنر تئاتر در آندرا پرادش است. کلمه به کلمه تولوبه معنی "پوست" bommalatu- رقص عروسک. بدون محل سکونت دائمی، عروسک گردان های دوره گرد تولو bommalataآنها در سراسر ایالت پرسه می زنند، اجرا می کنند، اعداد آکروباتیک نشان می دهند، و همچنین جواهرات را حدس می زنند، می فروشند و ظروف تعمیر می کنند. مردم محلی آنها را صدا می زنند گومبرام.
عروسک های کلاسیک کلاسیک tholou bommalata از چرم رنگ آمیزی شده با رنگ های گیاهی ساخته شده اند. امروزه حتی از فیلم اشعه ایکس بریده می شوند. اندازه شکل های تمام شده به ارتفاع تقریباً یک متر می رسد. دست ها و پاهای عروسک ها متحرک هستند. خود عروسک ها با چوب هایی که به آن ها متصل است کنترل می شوند. یک صفحه سفید ساده به مرکز نمایشی تبدیل می‌شود که داستان‌هایی از رامایانا، مهابهاراتا و فرهنگ محلی را روایت می‌کند.

تولو بوممالاتا

توگالو گومبیاتا/توگالو بمبیاتا- اجرای تئاتر سایه در کارناتاکا. پیش از این، این یک مراسم مذهبی بود که به خدایان همراه با دعا برای باران یا محافظت از بیماری ها ارائه می شد. امروز توگالو گومبیاتافقط وسیله ای برای سرگرمی طرح اصلی داستان هایی از رامایانا و مهابهاراتا است. طبق سنت، اجراها از اواخر عصر شروع می شود و تا صبح ادامه می یابد. عروسک های نمایشی از پوست بز ساخته شده و با رنگ های روشن رنگ آمیزی می شوند. این تئاتر سایه را می توان در بسیاری از روستاهای کارناتاکا مشاهده کرد، اما هنوز، مانند هر چیز سنتی، اهمیت خود را از دست می دهد و جای خود را به روندهای مدرن مانند تلویزیون، اینترنت و غیره می دهد.

تولپاواکوتوشکلی از تئاتر سایه در کرالا است. اعتقاد بر این است که این هنر در قرن نهم آغاز شد. تولپاواکوتو- یک مراسم صرفاً مذهبی اختصاص داده شده به بهادراکالی که در معابد متعدد دیوی (دورگا) انجام می شود. این اجرا نسخه کاملی از کامبا رامایانا، نسخه تامیلی رامایانا است. اجرا به دو زبان تامیل و سانسکریت و همچنین مالایایی است و 21 روز به مدت 9 ساعت ادامه دارد. اما نسخه‌های طولانی‌تری نیز وجود دارد که بسته به سنت‌های معبدی که این اجراها در آن برگزار می‌شود، تا 70 روز طول می‌کشد. طبق سنت، اجرا از عصر شروع می شود و در سحر به پایان می رسد. این آیین نمایشی شامل 180 تا 200 عروسک است که نیاز به حضور حدود 40 مجری دارد. عروسک هایی با دست و پاهای متحرک معمولاً کمی بیش از یک متر ارتفاع دارند. آنها از پوست بز ساخته شده اند. تولپاواکوتومانند بسیاری از هنرهای سنتی در خطر انقراض است. تا همین اواخر، تنها چند خانواده از جامعه پولاوراین سنت را ادامه داد تنها به لطف حمایت دولت، ورود مضامین مدرن به کارنامه و کاهش زمان اجرا، امکان بهبود اندکی این وضعیت فراهم شد. امروزه اجراها نه تنها در معابد، بلکه در کالج ها و همچنین در جشنواره بین المللی فیلم در کرالا اجرا می شود.

تولپاواکوتو

راوانا چایا
تئاتر سایه اوریسا نامیده می شود راوانا چایاکه در لغت به معنای "سایه راوانا" است. این بدوی ترین تئاتر سایه ای است که در هند باقی مانده است. راوانا چایادر مناطق روستایی که ساکنان آن به عنوان آیینی که می تواند از بلایای طبیعی و بیماری ها جلوگیری کند، به طور گسترده ای رواج داشت. طرح اجرا نسخه کوتاهی از حماسه معروف "رامایانا" به گفته شاعر قرون وسطایی اوریسا ویشوانات خونتیا است. عروسک های کوچک از پوست آهو ساخته شده و بر روی چوب های بامبو نصب می شوند. عروسک ها تک رنگ هستند، اندام آنها بی حرکت است. در اجرا از حدود 700 فیگور استفاده شده است. اغلب در تولیدات، وقایع توصیف شده در حماسه ها با زمان ما تلاقی می کنند. این اجرا که 7 روز به طول می انجامد، شب ها با موسیقی فولکلور موزون، قصه خوانی و خوانندگی دو خواننده به نمایش در می آید. آخرین بار راوانا چایامحبوبیت خود را به سرعت از دست داد. در این راستا، مرکز ملی هنر ایندیرا گاندی تلاش های قابل توجهی برای حفظ و احیای این هنر انجام داده است.

تئاتر مدرن

در دوره تسلط بریتانیا، مسیر جدیدی در تئاتر هند شکل می گیرد. صحنه های تئاتر به ابزار مبارزه با حکومت استعماری تبدیل می شود. در این راستا انگلیسی ها کنترل تمامی فعالیت های تئاتری کشور را در دست می گیرند. تمام بداهه‌پردازی‌های رسواکننده‌ای که اکتسابی بودن سیاست استعماری را محکوم می‌کنند، تحت تحریم قرار می‌گیرند. اما در دویست سال حضور بریتانیا، تبادل فرهنگی مهمی صورت گرفته است. آمیختگی فرهنگ های شرقی و غربی شکل مدرن تئاتر هندی را به وجود آورده است. با گذشت زمان، داستان‌هایی درباره خدایان، حکیمان و قهرمانان افسانه‌ای در پس‌زمینه محو شدند و جای خود را به داستان‌هایی درباره مردم عادی با مشکلات مبرمشان دادند.
کلکته و مدرس اولین مناطق شهری بودند که در آن تئاتر به سبک غربی شروع به توسعه کرد.
در آغاز قرن بیستم. تئاتر هند وارد دور جدیدی از توسعه می شود. در سال 1922 حزب کمونیست هند ایجاد شد که در سال 1942 شاخه فرهنگی خود را در کلکته تشکیل داد. انجمن تئاتر مردمی هند (IPTA / انجمن تئاتر مردمی هند). فعالیت های سازمان تاثیر بسزایی در توسعه فرهنگ نمایشی در کشور داشت. فعالیت های IPTA عمدتاً از سوی افرادی که الگوی توسعه اجتماعی اروپای غربی و آمریکایی را ترجیح می دهند، از حمایت زیادی برخوردار است.
تئاتر مدرن هندی در سال 1953 پس از افتتاح آکادمی Sangeet Natak (آکادمی دولتی موسیقی، رقص و درام هند) جایگاه جدیدی پیدا کرد.
امروزه، هند یکی از معدود کشورهایی است که دارای تعداد قابل توجهی مدرسه تئاتر حرفه ای است که بزرگترین آنها در شهرهای بزرگی مانند دهلی، کلکته، بمبئی واقع شده اند.

وجود نمایش در هند به عنوان یک هنر مجزا دوام چندانی نداشت. اما در این مدت کوتاه، تئاتر هند خود را به عنوان درخشان ترین، رنگارنگ ترین و رنگارنگ ترین نماینده هنرهای نمایشی تثبیت کرد.

نظریه های متعددی در مورد ظهور دراماتورژی در این کشور خارق العاده وجود دارد. اولین مورد از وام گرفتن سنت های نمایشی در فرهنگ یونان باستان صحبت می کند. نظریه دوم نشان می دهد که دراماتورژی هند در جامعه خود در نتیجه توسعه و دگرگونی آیین ها و آیین های باستانی سرچشمه گرفته است. اما هیچ یک از این نظریه ها شواهد قابل اعتمادی ندارند. بنابراین، منتقدان هنری فرض خود را مبنی بر ظهور هنر نمایشی ترویج می‌کنند که مبتنی بر امکان ظهور تئاتر از ترکیب چند نمای تماشایی است. به عنوان مثال، یک اجرای رسمی بداهه به افتخار خدای ایندرا با شخصیت مذهبی و سنتی، و همچنین یک رمز و راز فرقه، که بر اساس متون وداها ساخته شده بود. تمام تولیدات با شکوه و زیبایی بی‌نظیر منظره متمایز شدند. چنین جشن هایی با اجرای طناب بازان، نوازندگان و بازیگران و تنظیم صحنه های خنده دار همراه بود.

طبقه بندی تئاتر هند

در فرهنگ هندی، تئاتر به چند نوع تقسیم می شود:

• مردم. این نوع هنر صحنه دارای خط داستانی مبتنی بر حماسه و اساطیر هندی بود. حرفه بازیگری در هند رعایت نمی شد. این به این دلیل است که این هنرمند خدایان را به شیوه ای خنده دار و ناپسند به تصویر کشیده است. بازیگران تحقیر شده و قشر فرودست جامعه محسوب می شدند. اما برای کسب تسلط در این حرفه، باید فردی نسبتاً تحصیل کرده بود.
• درباری. نمایش هایی در صحن اعیانی به منظور سرگرمی برگزار می شد.

گروه‌های تئاتر هندی شامل مردان و زنان بودند. مدام از شهری به شهر دیگر پرسه می زدند و برای مردم نمایش می دادند.

عناصر اصلی تولیدات تئاتر در هند رقص و موسیقی بود. تمام اقدامات شرکت کنندگان در اجرا تابع صداهای موسیقی بود. رقص اساس تمام تئاترهای هندی است. منشأ خود را مدیون رقص های آیینی است که پس از توسعه و بهبود، دقیقاً به آنچه امروز می بینیم تبدیل شده است.

به خصوص در هند تئاتر ملی کاتاکالی است که در قسمت جنوبی این کشور سرچشمه گرفته است. کاتاکالی بر اساس یک آیین مذهبی است و موسیقی دستگاهی، حالات چهره و ژست ها فقط یک اضافه است. این ژانر از هنر نمایشی دارای چندین ویژگی است. اولاً همیشه از غروب آفتاب شروع می شود و ثانیاً حداقل شش ساعت طول می کشد.

هیچ کشور فرهنگی بدون تئاتر قابل تصور نیست. و هند نیز از این قاعده مستثنی نیست. بنابراین، هنگام رزرو هتل در هند، فراموش نکنید که در تمام شهرهای بزرگ هند می توانید به اجرای تئاتر برسید. علاوه بر این، قوانین و سبک تئاتر هندی بسیار متفاوت از درام ها و کمدی های داخلی است و بنابراین کمتر جالب و حتی درخشان نیست.

تئاتر از یونان باستان به هند آمد. اگرچه بسیاری از کارشناسان این نظریه را مورد مخالفت قرار می‌دهند، با این حال، بسیاری از ویژگی‌های تئاتر هندی ذاتی تراژدی‌ها و کمدی‌های یونانی بود.

با این حال، مانند هر کشور دیگری، در هند نیز افراد با استعدادی وجود داشتند که به طور مستقل شروع به تهیه فیلمنامه برای آثار هندی کردند. در همان زمان، سنت ها و آداب و رسوم محلی بر اساس یونانی قرار گرفتند.

در سپیده دم تئاتر، فقط حاکمان محلی و افراد بسیار ثروتمند می توانستند چنین تجملی را بپردازند. از این رو خادمان آنها بازیگران اول شدند. با گسترش تئاتر، بازیگران حرفه ای نیز ظاهر شدند.

در مورد نمایشنامه های هندی، آنها کاملاً متنوع هستند، اگرچه بسیاری از قوانین برای آنها مشترک باقی مانده است. دامنه کار بسیار متفاوت بود. در میان درام‌های هندی، هم می‌توان طرح‌ها و طرح‌های کوچک چند دقیقه‌ای را پیدا کرد و هم آثاری در مقیاس بزرگ، که اکشن‌های آن‌ها برای روزها به طول می‌انجامد.

بیشتر کارگردانان صحنه و نمایشنامه نویسان هندی از قوانین سختگیرانه ای پیروی می کردند. چند وجود دارد. اولاً بدون توجه به ایده و نقشه، خشونت روی صحنه ها مجاز نبود. در هند باستان، حتی بدون تئاتر نیز کافی بود، بنابراین مرسوم نبود که صحنه های ظلم را به صحنه منتقل کنند.

قانون دوم که به شدت رعایت شد مربوط به پایان کار بود. بنابراین نباید فکر کنید که پایان خوش یک نمایش یا یک فیلم اختراع هالیوود است. چندین قرن قبل از میلاد در هند باستان شناخته شده و مورد استفاده قرار می گرفته است. بنابراین تمام نمایشنامه های هندی اعم از باستانی و مدرن به شدت از این قاعده پیروی می کنند. در عین حال، طرح می تواند غم انگیز و حتی دلخراش باشد، با این حال، در پایان، همه چیز به خوبی پایان خواهد یافت.

موضوع خاص، چیدمان تئاتر است. توجه زیادی به این قسمت از اجرای تئاتر شد. لباس های شخصیت ها با دقت انتخاب شده بودند. برای آنها از گران ترین ماده استفاده می شد و جواهرات هزینه زیادی داشت. هر چند که وسایل نمایشی متعلق به بازیگران نبود.

قوانین اجرای نمایش های هندی در مورد وسایل صحنه نیز اعمال می شد. هیچ پرده یا پرده ای بین تماشاگران و بازیگران وجود نداشت. بنابراین، بازیگران با رفتن به صحنه، بلافاصله نظر تماشاگران را جلب کردند. همچنین مناظر کمی در تئاتر هند وجود داشت. و فراوانی وسایل با افزایش حرکات، حالات چهره و رقص جایگزین شد.

جالب اینجاست که بازیگران هندی تقریبا چیزی نگفتند. تمام اعمال با حرکات و رقص بیان می شد. و عموم مردم تنها با درک نمادهای خاصی که با حرکات بیان می شد، می توانستند حدس بزنند که چه اتفاقی می افتد.

تماشای تئاتر هندی با چشمان خود مطلوب است. این یک منظره بسیار جالب و گیرا است.

تئاتر هند
هنر تئاتر هند چندین هزار سال پیش پدید آمد. مجسمه برنزی یک دختر رقصنده که در حفاری در شهر موهنجو دارو پیدا شد، مربوط به هزاره سوم قبل از میلاد است. ه. این رقص آیینی بود که به هسته ای تبدیل شد که تئاتر کلاسیک هند حول آن شکل گرفت. در هند باستان، اجراهای تئاتری جزء اجباری تعطیلات اختصاص داده شده به خدایان بود. به عنوان مثال، رویداد مرکزی تعطیلات به افتخار ایندرا (خدای رعد و برق) برافراشتن "پرچم" ایندرا بود. نماد این بنر با درختی بود که از جنگل آورده شده و تزئین شده بود. پس از پایان مراسم، درخت به طور رسمی در رودخانه غرق شد تا به آب و زمین قوت بخشد. کشتی گیران، شعبده بازان، طناب بازان، نوازندگان و مجریانی که «ناتا» نامیده می شدند (بعداً یک بازیگر حرفه ای به این نام خوانده می شد) در این اقدام شرکت داشتند. ذکر ناتا در آثار ادبی هند از نیمه دوم هزاره اول پیش از میلاد آمده است. ه. مدت ها قبل از دوره جدید، یک تئاتر فولکلور در هند توسعه یافت که نمایش های آن هنوز در این کشور بسیار محبوب است.

یکی از رایج‌ترین شکل‌های چنین تئاتری در شمال هند، نمایش موزیکال-رقصی به نام لیلا است. اجراها گاهی بیش از یک ماه طول می کشد. شخصیت های اجباری لیلا شیاطین بد و خوب، حیوانات هستند. بنابراین ، در نبرد با شیاطین شیطانی ، قهرمان راما همیشه توسط میمون شجاع و حیله گر خانوما کمک می کرد. اجراکنندگان نمایش ها با لباس ها و ماسک های رنگارنگ اجرا می کنند. اکشن بدون منظره اتفاق می افتد. میان قسمت های خنده دار - شوم - گاهی اوقات بین قسمت ها پخش می شود. بازیگران در حال آماده شدن برای اجرا در قسمت های بعدی، لباس عوض می کنند یا در مقابل تماشاگران استراحت می کنند. در جنوب کشور، شکل دیگری توسعه یافت - تئاتر رمز و راز. تا حدودی شبیه لیلاهای شمالی است، اما تفاوت هایی دارد. اجراهای تئاتری جنوب با هنر داستان سرایان معبد مرتبط است - چاکیارها که آیات را به زبان سانسکریت (زبان کلاسیک دوران باستان) می خواندند و سپس متن را به زبان ساکنان محلی توضیح می دادند. در همان زمان، چاکیار از حالات و حرکات صورت استفاده می کرد. با گذشت زمان، بازیگران شروع به اجرای همراه با خواننده در معبد کردند. آنها متون سانسکریت را می خواندند و تلاوت را با رقص همراهی می کردند. این اجرا کوتیاتام (سانسکریت "رقص جمعی") نام داشت. در کوتیاتاما، کلمه و رقص به یک اندازه مهم بودند. در اواسط هزاره اول ق.م. ه. تئاتر کلاسیک هند بسیاری از اجراها نمایشی از اسطوره ها و افسانه ها هستند. با این حال، در هند، درام کلاسیک به زبان سانسکریت نیز ساخته شد. اوج شکوفایی آن در قرون 1-9 بود. معروف ترین نمایشنامه نویسان بهسا، کالیداسا و شدراکا هستند. تاریخ زندگی آنها بسیار تقریبی است، اطلاعات محققان گاهی برای قرن ها متفاوت است. از میان سیزده اثر باسا (قرن دوم یا سوم)، واساواداتا در رویا ظاهر می‌شود، بهترین نمایشنامه در مورد عشق پادشاه به همسرش واساواداتا است.

نویسندگی «گاری سفالی» معروف به شاه شدراک (احتمالاً قرن چهارم) نسبت داده می شود. این نمایشنامه بسیار از خالق خود عمر کرد: حتی در قرن بیستم روی صحنه های تئاترهای جهان رفت. این انشا نه در مورد خدایان و شیاطین، نه در مورد پادشاهان و همسران وفادار آنها (که سنتی است) بلکه در مورد یک زن هنرپیشه می گوید. قهرمان عاشق برهمین چاروداتا شد - مردی که به بالاترین طبقه تعلق داشت و علاوه بر این ، ازدواج کرد. آزمايش هاي زيادي بر عاشقان وارد شد تا اينكه دوباره به هم پيوستند.

گروه تئاتر کلاسیک هند مطمئناً شامل سوهتراهارا (بازیگر اصلی، در عین حال کارگردان و کارگردان تئاتر)، ناتی (همسر بازیگر اول و بازیگر نقش اول زن)، استاپاکا (دستیار اول، هنرمند گریم و طراح صحنه و لباس) بود. پریپرسویکا (دستیار دوم که وظایف مختلفی را انجام می‌داد) شکل خاصی از تئاتر هندی رقص کلاسیک است. در اصل، این یک رقص در خالص ترین شکل آن نیست، بلکه یک رقص نمایشی است که در آن رقص، کلمه و گاهی آواز با هم ترکیب می شود. یکی از باستانی ترین سبک ها، بهاراتناتیام، به لطف رقصندگان معبدی که زندگی خود را وقف خدمت به خدا کردند، تا به امروز باقی مانده است. رقصندگان آینده از کودکی آموزش می بینند: آنها به معبد فرستاده می شوند و دختران در آنجا تحت نظارت هوشیار کشیش بزرگ می شوند. رقصنده با لباسی درخشان و گلدوزی شده، ابتدا به استاد (معلم) و حضار تعظیم می کند، سپس برای مدت کوتاهی به نظر می رسد یخ می زند، به صدای سنج و آواز گوش می دهد و در نهایت خود اجرای رقص آغاز می شود. این ترکیبی از نریتا (رقص اسکاز) با نریتا (رقص خالص) است. پس از آن یک میان‌آهنگ - دادن دنبال می‌شود: خواننده آهنگ را اجرا می‌کند و رقصنده محتوای آن را با حالات چهره و حرکات دست بیان می‌کند. همان خط بارها و بارها به صدا در می‌آید و هر بار رقصنده تعبیر متفاوتی به او می‌دهد. در قرن شانزدهم، سبک کاتاک در شمال هند شکوفا شد.در آن زمان، یک دولت مسلمان ایجاد شده بود که در آن هنر هندو و مسلمان با هم تعامل داشتند. کاتاک حاصل آمیختگی دو فرهنگ است: رقص‌ها با لباس‌های ایرانی اجرا می‌شد، اما افسانه‌های هندی درباره عشق رادا و کریشنا همزمان گفته می‌شد. در قرن هفدهم در جنوب هند، در سرزمین دریاچه ها و تالاب های شفاف، سواحل شنی، مزارع برنج و مزارع ادویه، یک درام رقص پانتومیک در حال شکل گیری است - کاتاکالی.

اجرا یا در حیاط معبد یا در فضای باز اجرا می شود. درامی که در مورد خدایان و شیاطین، عشق و نفرت آنها می گوید، معمولاً در پس زمینه سیاه شب پخش می شود. بازیگران با گریم روشن (سبز، قرمز و سیاه) و نقاب از تاریکی ظاهر می شوند و در تاریکی ناپدید می شوند. آنها در تمام طول عمل یک کلمه نمی گویند. پیش درآمد اجرا یک طبل خشمگین است که برای پر کردن انرژی بازیگر طراحی شده است. مهارت یک نوازنده کاتاکالی از دوران کودکی و تحت راهنمایی یک گورو آموخته می شود. بازیگر باید جوهر درونی تصویر را درک کند - چه مردم، گل ها، پرندگان و غیره. توجه ویژه ای به دقت و بیان دارد.

تئاتر آسیا.تئاترهای کشورهای آسیایی شبیه هم نیستند. هر کشوری زبان، فرهنگ و سنت های ملی خود را دارد. با این وجود، وجه اشتراکی وجود دارد که هنر تئاتر این کشورها را به هم مرتبط می کند.

فرهنگ هند، چین و ژاپن طی هزاران سال تکامل یافته است و ویژگی های اصلی فرهنگ های قبلی را در مراحل بعدی حفظ کرده است. به همین دلیل است که هنر تئاتر سنتی نامیده می‌شود و ویژگی‌های دوران پیشین را در زمان حاضر آشکار می‌کند.

در هند، چین، ژاپن و سایر کشورها، در سپیده دم بشر، تعدادی ایده مشابه در مورد جهان اطراف و در مورد انسان شکل گرفت. سپس بهشت، زمین و انسان به عنوان یک کل واحد درک شدند، جایی که قوانین کیهان شرایط خود را دیکته می کردند، که شخص به دنبال درک و پیروی از آنها بود. با پیروی از این قوانین، هنر نمایشی نیز شکل گرفت. در آغوش کشیدن بیکران، نشان دادن وحدت، کل جهان کار آسانی نیست. این امر مستلزم سیستم خاصی از وسایل بیانی بود که بر اساس اصل نمادسازی بود. ژست صحنه، همراهی موسیقی، فضای صحنه، گریم و دکور لباس صحنه نمادین بود. اتحاد همچنین با شکل خاصی از تئاتر - یک درام موسیقیایی که در آن کلمه، آواز و رقص با هم ترکیب می شد، بیان شد. این سنتز ابزار سبکی گروتسک را تشکیل داد و حرکت صحنه، رقص، شیوه آواز و گفتار را تابع کرد.

نقش ویژه ای را نظام باورهای دینی به ویژه بودیسم ایفا کرد که از هند ابتدا به چین و سپس به ژاپن آمد و ادبیات و شعر چینی و ژاپنی و البته دراماتورژی را با داستان های بودایی غنی کرد. بودیسم بر سبک ژست نمادین تأثیر گذاشت و پالت معنایی آن را گسترش داد.

خاستگاه هنر نمایشی در هند، چین و ژاپن ارتباط تنگاتنگی با آیین مذهبی دارد که بر شکل گیری کانون تئاتر تأثیر گذاشت. او قوانین سخت هنر تئاتر و مهارت بازیگر را تعیین کرد و از مجری خواست تا بر همه انواع تکنیک های بازیگری تسلط داشته باشد.

تئاتر هند

شواهد اولیه از تولد هنر تئاتر، مجسمه برنزی یک دختر رقصنده بود که در حفاری در شهر موهنجو-دارو در هزاره سوم قبل از میلاد یافت شد. این رقص آیینی بود که به هسته ای تبدیل شد که تئاتر کلاسیک هند حول آن شکل گرفت. الگوی رقصنده، تصویر شیوا رقصنده بود که در رقصش انرژی خلاق و مخرب کیهان متجلی شد.

در هند باستان، نمایش های تئاتر بخشی از جشنواره ای است که به خدایان، به عنوان مثال، خدای رعد و برق ایندرا اختصاص داده شده است. یک "بنر" به افتخار او برافراشته شد که نماد درختی بود که از جنگل آورده شده بود. پس از پایان مراسم او را در رودخانه غرق کردند تا به زمین و آب نیرو بدهد. در این جشنواره نوازندگان، شعبده بازان، کشتی گیران، طناب بازان، هنرمندانی که به نام « ناتا". بعدها این نام بازیگران حرفه ای بود که نام آنها در ادبیات هند از نیمه دوم هزاره اول قبل از میلاد آمده است.

مدتها قبل از دوره جدید، یک تئاتر مردمی در هند توسعه یافت که هنوز هم محبوب است. یکی از رایج ترین اشکال این گونه تئاترها در شمال هند، نمایش موزیکال-رقص است. لیلا- ترجمه از سانسکریت "بازی"). از نظر هندوها تمام اعمال خدا یک بازی است. در هسته لیلدو حماسه هندی گذاشته شد مهابهاراتاو رامایانا، متشکل از مجموعه ای از افسانه ها در مورد اعمال خدایان قدرتمند، مبارزه آنها با شیاطین شیطانی. در کنار خدای راما همیشه دستیار اوست - پادشاه میمون هانومان. بوم قومی مهابهاراتادر مورد مبارزه دو قبیله متخاصم - پانداواها و کائوراواها می گوید. این مبارزه تا زمانی ادامه می یابد که خدای کریشنا در کنار افراد رنجیده دخالت می کند و با پیروزی عدالت به دشمنی پایان می دهد. اجراکنندگان نمایش ها با لباس ها و ماسک های رنگارنگ اجرا می کنند. اکشن بدون منظره اتفاق می افتد. Ramalila و Krishnalila در هند و در دوره مدرن محبوب هستند.

در جنوب کشور، شکل دیگری از تئاتر رمز و راز توسعه یافت که با هنر داستان نویسان معبد مرتبط است - چاکیارها. آنها آیاتی را به زبان سانسکریت خواندند و سپس متن را به زبان مردم محلی توضیح دادند. راوی از حالات و حرکات صورت استفاده می کرد. بعداً یک بازیگر جایگزین او شد و تلاوت را با رقص همراهی کرد. نمایش نامگذاری شد کوتیاتام(سانسکریت "رقص جمعی").

در اواسط هزاره 1 ق.م. تئاتر کلاسیک هند اوج شکوفایی آن به قرن 1-9 می رسد، زمانی که آثار معروف نمایشنامه سانسکریت خلق شد. معروف ترین نمایشنامه نویسان بهسا، کالیداسا، شدراکا هستند. تاریخ زندگی آنها تقریبی است، اطلاعات محققان گاهی برای قرن ها متفاوت است. از سیزده اثر باسا (قرن دوم یا سوم) بهترین آنها در نظر گرفته شده است واساواداتا که در خواب ظاهر شد- نمایشنامه ای در مورد عشق پادشاه به همسرش واساواداتا.

تألیف معروف واگن سفالی(احتمالاً قرن چهارم) به پادشاه شدراکا نسبت داده می شود. این نمایشنامه حتی در قرن بیستم در بسیاری از تئاترهای جهان به روی صحنه رفت. این نمایش در مورد عشق یک بازیگر زن متاهل به برهمین چاروداتا، مردی از بالاترین طبقه و همچنین متاهل، می گوید. این طرح فراتر از سنتی بود. پس از آزمایش های طولانی، عاشقان دوباره به هم رسیدند.

اوج دراماتورژی هند باستان - درام شکونتالا Kalidases (در برخی منابع شکونتالا). طرح نمایشنامه درباره وفاداری و عشق شکونتالا به شاه دوشیانتا از آن سرچشمه می گیرد مهابهاراتا، اما برای درام بیشتر در توسعه خط داستان توسط Kalidasa تکمیل و گسترش یافت. این اجرا نه تنها در تئاترهای مدرن هندوستان باقی مانده است، بلکه در صحنه های تئاترهای جهان نیز دیده می شود: در برلین به روی صحنه رفت. در سال 1914 در تئاتر مجلسی A. Tairov; در سال 1957 - در پکن.

شکل خاصی از تئاتر در هند رقص کلاسیک است که شامل کلمه و گاهی آواز می شود. در رقص بود که خدای شیوا جهان را آفرید. در یکی از معابد تصویر معروفی از رقص شیوا وجود دارد. ستون ها 108 ژست رقص او را به تصویر می کشند که در رساله نمایشی Natyashastra ذکر شده است.

یکی از قدیمی ترین سبک ها بهارات ناتابه لطف ما آمد دواسی -رقصندگان معبد که زندگی خود را وقف خدا کردند. با گذشت زمان، رقص وسیله ای برای سرگرمی اشراف فئودال شد و نام «دواسی» مترادف با کورتزن شد. رقص ترکیبی بود نریتیا(داستان رقص) و اسنریتا(رقص در خالص ترین شکل آن). سپس اینترلود پخش شد ( پادام) که در آن رقصنده با اشاره محتوای آهنگ اجرا شده به زبان سانسکریت را منتقل می کند. چند صدایی معنایی میان‌آهنگ از تکرار خواننده همان ردیف که تعابیر متفاوتی از آن ارائه می‌کرد و از برداشت‌های گوناگون رقصنده از یک متن زاده شد.

Bharat Natya - رقص کلاسیک جنوب هند

اودیسی - رقص کلاسیک شرق هند

در قرن 15 در شمال هند، یک سبک رقص کلاسیک در حال ظهور است کاتاکدر آن زمان، دولتی شکل گرفت که در آن فاتحان مسلمان جذب شدند و انگیزه ای برای ادغام هنر مسلمان و هندو ایجاد کردند. کاتاکنتیجه ادغام دو فرهنگ بود. این رقص با لباس ایرانی اجرا می شد، اما ادامه افسانه های عشق وادی و کریشنا بود. بر خلاف بهارات ناتیامجایی که حرکات پاها با حرکت دست ها و چشم ها هماهنگ است، کاتاکبر اساس بداهه سازی ساخته شده است. با حرکات ماهرانه پا، تنوع و پیچیدگی ریتم مشخص می شود. برای آزمایش هنر رقصنده، نوازنده درام هر از گاهی ریتم اصلی را می پوشاند. به نوبه خود، رقصنده به دنبال تغییر ریتم خود است و سعی می کند درامر را از ریتم خارج کند. بازی ریتم ها با توافق کلی رقص و همراهی ریتمیک به پایان می رسد که همیشه با لذت تماشاگران همراه است.

مانیپوری - رقص کلاسیک شمال شرق هند

در قرن هفدهم تئاتر در جنوب هند متولد شده است کاتاکالیدرام رقص پانتومیک درباره خدایان و شیاطین، عشق و نفرت آنها می گوید. اجرا یا در حیاط معبد یا در فضای باز اجرا می شود. تماشاگران آن دهقانان روستاهای اطراف هستند که به سختی صدای طبل را می شنوند، عنایت و کارهای شبانگاهی خود را رها می کنند. اجرای تئاتر در زمینه سیاه شب اجرا می شود. بازیگران با گریم روشن - سبز، قرمز و سیاه - از تاریکی ظاهر می شوند و در تاریکی ناپدید می شوند. گریم و طراحی او معنایی نمادین دارد که برای بیننده کاملاً شناخته شده است.

رقص کلاسیک هندی جنوبی

شخصیت ها کاتاکالیبه هفت نوع طبقه بندی می شود: پاسیا- قهرمانان نجیب؛ برنده -متکبر و متکبر; ریش قرمز- افراد شرور و جاه طلب؛ ریش سفید, اغلب اینها مشاوران پادشاه میمون هانومان هستند، تصویری نجیب و قهرمان. ریش سیاه- مردم جنگل و شکارچیان؛ ادویه کاری -غول زن شیطانی و شیاطین زن؛ مینوکو -حکیمان، زاهدان، برهمنان و زنان.

شخصیت کاتاکالی - پادشاه میمون هانومان

تسلط کاتاکالیاز کودکی تحت هدایت یک مرشد درک کنید. بازیگر یاد می گیرد که جوهر درونی تصویر شده را درک کند، خواه یک شخص باشد، یک گل یا یک پرنده.

در مورد نظریه تئاتر، اولین رساله سانسکریت در مورد تئاتر اثر حکیم باستانی بهاراتا بود. ناتیاشاسترا (رساله هنر بازیگر). دانشمندان ظاهر این رساله را به قرون 3-4 نسبت می دهند. تاکنون قوانین وضع شده در این کتاب برای بازیگران هندی همه نسل ها قانون باقی مانده است.

طبق این رساله، چهار وسیله بیانی اصلی وجود دارد - آنژیکا,مودرا,واچیکا,آچاریا.آنژیکا -زبان حرکات مرسوم دست ها، انگشتان، لب ها، گردن و پاها. سیزده حرکت سر، هفت حرکت برای ابرو، سی و شش حرکت برای چشم تجویز شده است. شش برای بینی، شش برای گونه ها، هفت برای چانه، سی و دو برای پاها. موقعیت های مختلف پاها و راه رفتن های مختلفی وجود دارد - راه رفتن باشکوه، قیچی کردن یا قیطان کردن و غیره. عاقل -ژستی که معنایی نمادین دارد. بیست و چهار حرکت اساسی وجود دارد که هر کدام بیش از سی معنی متفاوت دارند. . واچیکا- دیکشنری، لحن و سرعت گفتار که حالت خاصی را ایجاد می کند. آچاریا -رنگ متعارف و جزئیات لباس، آرایش. برای خدایان و دختران آسمانی - آرایش نارنجی، برای خورشید و برهما - طلا، برای هیمالیا و گنگ - سفید. شیاطین و کوتوله ها شاخ می پوشند - گوزن، قوچ یا بوفالو. در افراد، آرایش بستگی به موقعیت اجتماعی آنها، تعلق به یک طبقه دارد. نمایندگان کاست های بالاتر - برهمن ها و کشتریاها - آرایش قرمز دارند، شدراها آبی تیره، پادشاهان صورتی کم رنگ، و گوشه نشین ها ارغوانی دارند.

MUDRA - ژستی که معنای نمادین دارد

جزء تئاتری ساتویکاحالت های ذهنی هستند که بازیگر منتقل می کند (بهاوا), و حال و هوای تماشاگران پس از آنچه روی صحنه دیدند ( نژاد). بازیگر باید به احساسات شخصیت خود عادت کند و بتواند لطیف ترین تجربیات را منتقل کند که برای این کار باید بر تکنیک بازیگری مسلط باشد. توانایی اشک ریختن، برای نشان دادن اینکه چگونه پوست صورت از سرما سفت می شود، چگونه لرزی از ترس در تمام بدن جاری می شود، یعنی. تسلط بر تکنیک بازیگری می تواند حال و هوای خاصی را در بیننده ایجاد کند. کل مفهوم زیبایی شناختی هنرهای نمایشی هند بر اساس آموزش است بهاواو نژاد. رسا در لغت به معنای ذائقه یا مزه است، یعنی. خلق و خوی که پس از اجرا با تماشاگران باقی می ماند. مسابقهنه نوع وجود دارد: شهوانی، کمیک، غمگین، عصبانی، قهرمانانه، ترسناک، منزجر کننده، شگفت انگیز، آرامش بخش. هر یک نژادبا رنگ خاصی مشخص می شود: به ترتیب - سبز شفاف، سفید، خاکستری خاکستری، قرمز، نارنجی روشن، سیاه، آبی، زرد. نه نژادمطابقت نهم بهاوا، که به نوبه خود می تواند پایدار یا گذرا باشد.

ناتیاشاسترابه شکلی باستانی نوشته شده که خواندن آن دشوار است و در طول قرن ها با تفسیرهای زیادی همراه بوده است.

در نیمه دوم قرن نوزدهم در هند یک دراماتورژی جدید و یک تئاتر دراماتیک جدید متولد می شود. اولین تلاش برای خلق یک درام جدید متعلق به نمایشنامه نویسان بنگالی Dinobondhu Mitro، Modhuschudon Dotto، Ramcharinou Tarkorotn است. آثار آنها از نظر عمق اجتماعی و جهت گیری ضد انگلیسی متمایز بود. همزمان گروه های نمایشی در سایر استان های کشور نیز حضور پیدا کردند. شکل‌گیری درام هندی با نام بهاراتندو هاریش‌چاندرا مرتبط است که آثارش سنت‌های دراماتورژی ملی و اروپای غربی را ترکیب کرده است.

ایده های مبارزات آزادیبخش ملی، خواست استقلال در آثار اس. گووینداس منعکس شده است. مسیر خدمت, چرا رنجو غیره.). در دهه 1940، زندگی تئاتری کشور بسیار فعال تر شد. انجمن تئاترهای مردمی هند در حال ایجاد است که فعالیت های آن تأثیر بسزایی در توسعه فرهنگ نمایشی در کشور داشته است. پس از استقرار استقلال در سال 1947 در هند، شرایط برای توسعه هر دو شکل سنتی هنر تئاتر و برای تئاتر دراماتیک فراهم شد. آکادمی موسیقی و نمایش هند تاسیس شده است که در زمینه هنر تئاتر فعالیت علمی انجام می دهد. تئاترهای هند بهترین آثار نمایشی جهان از جمله شکسپیر، ایبسن، مولیر، تورگنیف، گورکی، چخوف را به نمایش گذاشتند.