نقاشی فلاندری. تکنیک نقاشی فلاندری مکتب نقاشی فلاندری رنگ آمیزی نقاشی های هنرمندان مشهور: رازهای تکنیک های رنگ روغن تکنیک های قدیمی نقاشی رنگ روغن

امروز می خواهم بیشتر به شما بگویم در مورد روش نقاشی فلاندری، که اخیراً در سری اول دوره خود مطالعه کردیم و همچنین می خواهم گزارش کوچکی از نتایج و روند یادگیری آنلاین خود را به شما نشان دهم.

در این دوره، من در مورد روش های باستانی نقاشی صحبت کردم، در مورد آغازگرها، لاک ها و رنگ ها، اسرار زیادی را که ما در عمل به کار بردیم، فاش کردم - ما یک طبیعت بی جان را بر اساس کار هلندی های کوچک نقاشی کردیم. از همان ابتدا، ما با در نظر گرفتن تمام تفاوت های ظریف تکنیک نقاشی فلاندری کار کرده ایم.

این روش جایگزین tempera که قبلا نوشته شده بود شد. اعتقاد بر این است که مانند اصول اولیه نقاشی رنگ روغن، این روش توسط هنرمند فلاندری توسعه داده شد رنسانس اولیه - یان ون ایک.اینجاست که نقاشی رنگ روغن تاریخ خود را آغاز می کند.

بنابراین. این روش نقاشی است که به گفته ون مندر توسط نقاشان فلاندر استفاده می شود:ون ایکی، دورر، لوک لیدن و پیتر بروگل. روش به شرح زیر است: روی یک زمین چسب سفید و صاف صیقلی، نقاشی با باروت یا به روش دیگری منتقل می شود که قبلاً در اندازه کامل به طور جداگانه روی کاغذ ("مقوا") اجرا می شد ، زیرا از کشیدن مستقیم روی زمین اجتناب می شد. تا سفیدی آن که در نقاشی فلاندری اهمیت زیادی داشت، بر هم نخورد.

سپس نقاشی با رنگ قهوه ای شفاف سایه زده شد تا زمین از طریق آن نمایان شود.

سایه زنی نام برده یا با مزاج ساخته شده استو سپس مانند حکاکی، با خط یا رنگ روغن انجام می شد، در حالی که کار با نهایت دقت انجام می شد و قبلاً به این شکل یک اثر هنری بود.

بر اساس طرحی که با رنگ روغن سایه زده شده بود، پس از خشک شدن، نقاشی را یا با نیم‌تن‌های سرد می‌نوشتند و به پایان می‌رسانند، سپس رنگ‌های گرم را اضافه می‌کنند (که ون ماندر آن را «تن‌های مرده» می‌گوید)، یا کار را با لعاب‌های رنگی در یک مرحله، نیمه تمام می‌کنند. پوسته پوسته شده، اجازه می دهد تا آماده سازی قهوه ای در رنگ های میانی و سایه ها بدرخشد. ما دقیقا از این روش استفاده کردیم.

فلمینگ ها همیشه رنگ ها را در لایه ای نازک و یکنواخت می زدند تا از شفافیت زمین سفید استفاده کنند و سطح صافی به دست آورند که در صورت لزوم می توان چندین بار روی آن لعاب زد.

با رشد مهارت تصویرگری هنرمندانروش های شرح داده شده در بالا دستخوش تغییرات یا ساده سازی هایی شده اند، هر هنرمند از روش خود کمی متفاوت از دیگران استفاده می کند.

اما اساس برای مدت طولانی ثابت ماند: نقاشی فلاندری همیشه روی زمین چسبنده سفید (که از رنگ ها روغن نمی کشید) انجام می شد. , یک لایه نازک از رنگ، به گونه ای که نه تنها تمام لایه های نقاشی، بلکه زمین سفید نیز که به عنوان منبع نوری بود که تصویر را از داخل روشن می کرد، در ایجاد کلیت تصویری شرکت داشتند. اثر

امید شما ایلینا.

در حین مطالعه تکنیک برخی از استادان قدیمی به روش موسوم به «روش فلاندری» نقاشی رنگ روغن برمی خوریم. این یک روش نوشتن لایه لایه و از نظر فنی پیچیده است که برعکس تکنیک "a la prima" است. طبیعت چند لایه حاکی از عمق خاصی از تصویر، درخشش و درخشندگی رنگ ها بود. با این حال، در توصیف این روش، همیشه با مرحله مرموزی مانند "لایه مرده" مواجه می شود. با وجود نام جذاب، عرفانی در آن نیست.

اما برای چه استفاده می شد؟

اصطلاح "رنگ های مرده" (doodverf - nid. death of paint) برای اولین بار در اثر کارل ون مندر "کتاب هنرمندان" یافت می شود. او می‌توانست رنگ را از یک سو به معنای واقعی کلمه، به دلیل مردگی که به تصویر می‌دهد، از سوی دیگر به صورت استعاری نامید، زیرا این رنگ پریدگی، همانطور که بود، در زیر رنگ بعدی «می‌میرد». چنین رنگ هایی شامل رنگ های زرد، سیاه و قرمز سفید شده در نسبت های مختلف بود. به عنوان مثال، خاکستری سرد با مخلوط کردن سفید و سیاه به دست می‌آید و سیاه و زرد وقتی با هم ترکیب می‌شوند، رنگ زیتونی را تشکیل می‌دهند.

لایه ای که با "رنگ های مرده" رنگ آمیزی شده باشد، "لایه مرده" در نظر گرفته می شود.

تبدیل شدن به یک نقاشی رنگی از یک لایه مرده به لطف لعاب

مراحل نقاشی "لایه مرده"

سریع به کارگاه یک هنرمند هلندی قرون وسطی بروید و دریابید که او چگونه نقاشی می کرد.

ابتدا نقاشی به سطح آماده شده منتقل شد.

گام بعدی مدل سازی حجم با نیم سایه شفاف بود که به طور نامحسوس به نور زمین تبدیل می شد.

سپس imprimatura اعمال شد - یک لایه رنگ مایع. این امکان حفظ نقاشی را فراهم می کند و از ورود ذرات زغال چوب یا مداد به لایه های رنگی بالایی جلوگیری می کند و همچنین رنگ ها را از محو شدن بیشتر محافظت می کند. به لطف imprimatura است که رنگ های اشباع شده در نقاشی های Van Eyck، Rogier van der Weyden و دیگر استادان رنسانس شمالی تا به امروز تقریباً بدون تغییر باقی مانده است.

مرحله چهارم «لایه مرده» بود که در آن رنگ‌های سفید شده روی لایه‌های زیرین انبوه اعمال می‌شد. هنرمند نیاز داشت که شکل اشیاء را بدون نقض کنتراست نور-سایه حفظ کند، که منجر به کسل‌شدن نقاشی بیشتر می‌شود. «رنگ‌های مرده» فقط به قسمت‌های روشن تصویر اعمال می‌شد، گاهی اوقات، با تقلید از پرتوهای سرخورده، رنگ سفید در سکته‌های نقطه‌دار کوچک اعمال می‌شد. تصویر حجم اضافی و رنگ پریدگی شوم مرگباری به دست آورد که قبلاً در لایه بعدی به لطف لعاب رنگی چند لایه "زنده شد". چنین نقاشی پیچیده ای به طور غیرعادی عمیق و درخشان به نظر می رسد، زمانی که نور از هر لایه، مانند یک آینه سوسوزن منعکس می شود.

امروزه، این روش اغلب مورد استفاده قرار نمی گیرد، با این حال، مهم است که در مورد اسرار استادان قدیمی بدانید. با استفاده از تجربیات آنها، می توانید در کار خود آزمایش کنید و راه خود را در انواع سبک ها و تکنیک ها پیدا کنید.

در این بخش می‌خواهم میهمانان خود را با تلاش‌های خود در زمینه تکنیک بسیار قدیمی نقاشی لایه‌ای که اغلب تکنیک نقاشی فلاندری نیز نامیده می‌شود آشنا کنم. با دیدن آثار استادان قدیمی، هنرمندان رنسانس: یان ون ایک، پیتر پل روبنس، به این تکنیک علاقه مند شدم.
پتروس کریستوس، پیتر بروگل و لئوناردو داوینچی. بی شک این آثار به ویژه از نظر تکنیک اجرا همچنان الگو هستند.
تجزیه و تحلیل اطلاعات در مورد این موضوع به من کمک کرد تا اصولی را برای خودم فرموله کنم که کمک می کند، اگر تکرار نشود، حداقل سعی کنم و به نوعی به آنچه تکنیک نقاشی فلاندری نامیده می شود نزدیک شوم.

پیتر کلاسز، طبیعت بی جان

در اینجا چیزی است که اغلب در مورد او در ادبیات و اینترنت نوشته می شود:
به عنوان مثال، چنین ویژگی در وب سایت http://www.chernorukov.ru/ به این فناوری داده شده است.

"از نظر تاریخی، این اولین روش کار با رنگ روغن است و افسانه ها اختراع آن و همچنین اختراع خود رنگ ها را به برادران ون ایک نسبت می دهند. مطالعات مدرن آثار هنری نشان می دهد که نقاشی فلاندرزهای قدیمی مسترها همیشه روی پرایمر چسب سفید انجام می‌شد، رنگ‌ها با یک لایه لعاب نازک و به‌گونه‌ای اجرا می‌شد که نه تنها تمام لایه‌های نقاشی، بلکه رنگ سفید زمین نیز که شفاف از روی رنگ می‌شود، رنگ را روشن می‌کند. تصویر از داخل در ایجاد جلوه تصویری کلی نقش داشته است.همچنین فقدان عملی رنگ سفید در نقاشی قابل توجه است، به استثنای مواردی که لباس‌های سفید یا پارچه‌ها رنگ می‌شدند. گاهی اوقات هنوز در شدیدترین نور یافت می‌شوند، اما حتی در آن زمان فقط به شکل نازک ترین لعاب ها. تمام کارهای روی تصویر به ترتیب دقیق انجام می شد. با طراحی روی کاغذ ضخیم به اندازه تصویر آینده شروع شد. به این شکل به نام "مقوا" معلوم شد. نمونه ای از این مقواها، طراحی لئوناردو داوینچی برای پرتره ایزابلا دی استه است. مرحله بعدی کار انتقال الگو به زمین است. برای انجام این کار، آن را با یک سوزن در امتداد کل کانتور و مرزهای سایه ها سوراخ کردند. سپس مقوا را روی یک پرایمر صیقلی سفید که روی تخته اعمال می شود قرار داده و نقاشی را با پودر زغال چوب منتقل می کنیم. با وارد شدن به سوراخ های ساخته شده در مقوا، زغال چوب یک طرح کلی از الگوی بر اساس تصویر به جا گذاشت. برای رفع آن، ردی از زغال سنگ با مداد، خودکار یا نوک تیز قلم مو ترسیم شد. در این مورد یا از جوهر یا نوعی رنگ شفاف استفاده می شد. هنرمندان هرگز مستقیماً روی زمین نقاشی نمی‌کشیدند، زیرا می‌ترسیدند سفیدی آن را به هم بزنند، همانطور که قبلاً ذکر شد، نقش روشن‌ترین لحن را در نقاشی داشت. پس از انتقال نقاشی، آنها شروع به سایه زدن با رنگ قهوه ای شفاف کردند و مطمئن شدند که زمین همه جا از لایه آن می درخشد. سایه زدن با تمپر یا روغن انجام می شد. در حالت دوم، برای اینکه چسب رنگ ها جذب خاک نشود، آن را با یک لایه چسب اضافی می پوشانند. در این مرحله از کار، هنرمند تقریباً تمام وظایف تصویر آینده را به استثنای رنگ حل کرد. در آینده هیچ تغییری در طراحی و ترکیب بندی ایجاد نشد و قبلاً در این شکل کار یک اثر هنری بود. گاهی اوقات، قبل از اتمام یک تصویر رنگی، کل نقاشی به اصطلاح «رنگ‌های مرده» یعنی رنگ‌های سرد، روشن و کم‌شدت آماده می‌شد. این آماده سازی لایه نهایی لعاب رنگ ها را به خود اختصاص داد و به کمک آن به کل کار جان بخشیدند.
نقاشی های ساخته شده به روش فلاندری به خوبی حفظ شده است. ساخته شده بر روی تخته های چاشنی، خاک جامد، آنها به خوبی در برابر آسیب مقاومت می کنند. فقدان مجازی رنگ سفید در لایه تصویری که هر از چند گاهی قدرت پنهان خود را از دست می دهد و در نتیجه رنگ کلی اثر را تغییر می دهد، باعث شد که نقاشی ها را تقریباً به همان شکلی ببینیم که از کارگاه سازندگانشان بیرون آمده اند.
شرایط اصلی که باید هنگام استفاده از این روش رعایت شود، ترسیم دقیق، بهترین محاسبه، ترتیب صحیح کار و صبر زیاد است.

اولین تجربه من البته طبیعت بی جان بود. من یک نمایش گام به گام از پیشرفت کار ارائه می دهم
لایه 1 امپریماتورا و طراحی جالب نیست، بنابراین از آن صرف نظر می کنم.
لایه 2 ثبت نام تخم طبیعی است

لایه سوم می تواند اصلاح و فشرده سازی لایه قبلی باشد یا یک "لایه مرده" ساخته شده با رنگ سفید و سیاه و اضافه کردن اخر، عرق سوخته و اولترامارین برای کمی گرما یا سردی.

لایه چهارم اولین و ضعیف ورود رنگ به تصویر است.

لایه 5 رنگ اشباع تری را معرفی می کند.

لایه ششم محل ثبت نهایی مشخصات می باشد.

لایه هفتم را می توان برای شفاف کردن لعاب ها، به عنوان مثال، برای "بی صدا کردن" پس زمینه استفاده کرد.

او در تکنیک کیاروسکورو (نور-سایه) کار کرد که در آن تضاد متضادی بین نواحی تاریک تصویر و مناطق روشن وجود دارد. قابل ذکر است که حتی یک طرح از کاراواجو پیدا نشده است. او بلافاصله روی نسخه نهایی کار کار کرد.

نقاشی قرن هفدهم در ایتالیا، اسپانیا و هلند روندهای جدید را به عنوان نفس تازه ای گرفت. دی فیوری و جنتیلسکی ایتالیایی، ریبرا اسپانیایی، تربروگن و باربورن در تکنیک مشابهی کار کردند.
کارواگیسم همچنین تأثیر زیادی بر مراحل خلاقیت استادانی چون پیتر پل روبنس، ژرژ دو لاتور و رامبراند داشت.

بوم های حجیم کارواگیست ها با عمق و توجه به جزئیات شگفت زده می شود. بیایید بیشتر در مورد نقاشان هلندی که با این تکنیک کار کرده اند صحبت کنیم.

اولین ایده ها توسط هندریک تربروگن اتخاذ شد. او در آغاز قرن هفدهم از رم دیدن کرد و در آنجا با مانفردی، ساراسینی و جنتیلسکی ملاقات کرد. این هلندی بود که مکتب نقاشی اوترخت را با این تکنیک آغاز کرد.

توطئه های بوم ها واقع گرایانه هستند، آنها با طنز ملایم صحنه های به تصویر کشیده شده مشخص می شوند. تربروگن نه تنها لحظات فردی از زندگی معاصر خود را نشان داد، بلکه طبیعت گرایی سنتی را نیز بازاندیشی کرد.

Honthorst در توسعه مدرسه بیشتر پیش رفت. او به داستان های کتاب مقدس روی آورد، اما طرح را از دیدگاه روزمره هلندی های قرن هفدهم ساخت. بنابراین، در نقاشی های او تأثیر آشکار تکنیک کیاروسکورو را می بینیم. آثار او تحت تأثیر کارواژگان بود که او را در ایتالیا به شهرت رساند. برای صحنه های ژانر خود در نور شمع، او لقب "شب" را دریافت کرد.

برخلاف مکتب اوترخت، نقاشان فلاندری مانند روبنس و ون دایک به حامیان سرسخت کارواژیسم تبدیل نشدند. این سبک در آثار آنها تنها به عنوان مرحله ای جداگانه در شکل گیری یک سبک شخصی نشان داده شده است.

آدریان بروور و دیوید تنیرز

برای چندین قرن، نقاشی استادان فلاندری دستخوش تغییرات قابل توجهی شده است. ما بررسی خود را از هنرمندان از مراحل بعدی آغاز خواهیم کرد، زمانی که از نقاشی‌های یادبود فاصله گرفتیم و به موضوعاتی با تمرکز محدود روی آوردیم.

ابتدا بروور، و سپس تنیرز جوان، بر اساس صحنه هایی از زندگی روزمره مردم هلندی معمولی. بنابراین، آدریان، در ادامه انگیزه های پیتر بروگل، تا حدودی تکنیک نوشتن و تمرکز نقاشی هایش را تغییر می دهد.

روی غیرجذاب ترین جنبه زندگی تمرکز می کند. انواع بوم هایی که او در میخانه ها و میخانه های دودی و نیمه تاریک به دنبال آن است. با این وجود، نقاشی های بروور با بیان و عمق شخصیت هایشان شگفت زده می شوند. این هنرمند شخصیت های اصلی را در اعماق پنهان می کند و طبیعت های بی جان را در معرض دید قرار می دهد.

دعوا بر سر بازی تاس یا ورق، سیگاری خوابیده یا مستان رقصنده. این موضوعات بود که نقاش را مورد توجه قرار داد.

اما آثار بعدی بروور نرم می شوند، در آنها طنز بر غوغا و بی بند و باری غلبه دارد. اکنون بوم ها حاوی حالات فلسفی هستند و کندی شخصیت های متفکر را منعکس می کنند.

محققان می گویند که در قرن هفدهم، هنرمندان فلاندری در مقایسه با نسل قبلی استادان شروع به کوچک شدن کردند. با این حال، ما صرفاً شاهد گذار از بیان روشن موضوعات اسطوره‌ای روبنس و بورلسک جوردن به زندگی آرام دهقانان توسط تنیرس جوان هستیم.

دومی، به ویژه، بر لحظات بی دغدغه تعطیلات روستا متمرکز بود. او سعی داشت عروسی ها و جشن های کشاورزان عادی را به تصویر بکشد. علاوه بر این، توجه ویژه ای به جزئیات بیرونی و ایده آل سازی سبک زندگی شد.

فرانس اسنایدرز

او مانند آنتون فن دایک که بعداً در مورد او صحبت خواهیم کرد، تمرینات خود را با هندریک فن بالن آغاز کرد. علاوه بر این، پیتر بروگل جوان نیز مربی او بود.

با توجه به آثار این استاد، با جنبه دیگری از خلاقیت آشنا می شویم که در نقاشی فلاندری بسیار غنی است. نقاشی های اسنایدر با بوم های نقاشی های هم عصر او کاملاً متفاوت است. فرانس موفق شد جایگاه خود را پیدا کند و در آن به ارتفاعات یک استاد بی نظیر پیشرفت کند.

او در به تصویر کشیدن طبیعت بی جان و حیوانات بهترین شد. به عنوان یک نقاش حیوانات، او اغلب توسط نقاشان دیگر، به ویژه روبنس، دعوت می شد تا بخش هایی از شاهکارهای خود را خلق کند.

آثار اسنایدر نشان دهنده گذار تدریجی از طبیعت بی جان در سال های اولیه به صحنه های شکار در دوره های بعدی است. با تمام بیزاری از پرتره ها و تصاویر مردم، آنها همچنان روی بوم های او حضور دارند. چگونه از این وضعیت خارج شد؟

ساده است، فرانس از Janssens، Jordaens و دیگر استادان آشنا از انجمن دعوت کرد تا تصاویری از شکارچیان خلق کنند.

بنابراین، می بینیم که نقاشی قرن هفدهم در فلاندر منعکس کننده مرحله ناهمگونی از گذار از تکنیک ها و نگرش های قبلی است. مانند ایتالیا به آرامی پیش نرفت، اما خلاقیت های کاملاً غیرمعمولی از استادان فلاندری به جهان داد.

جیکوب جردن

نقاشی فلاندری قرن هفدهم با آزادی بیشتری نسبت به دوره قبل مشخص می شود. در اینجا می توانید نه تنها صحنه های زنده زندگی، بلکه آغاز طنز را نیز ببینید. به ویژه، او اغلب به خود اجازه می داد تا یک تکه بورلسک را به بوم هایش اضافه کند.

او در کار خود به عنوان یک نقاش پرتره به ارتفاعات قابل توجهی نرسید، اما با این وجود، شاید در انتقال شخصیت در تصویر بهترین بود. بنابراین، یکی از سریال های اصلی او - "جشن های پادشاه لوبیا" - بر اساس تصویرسازی فولکلور، گفته های عامیانه، جوک ها و گفته ها ساخته شده است. این بوم ها زندگی شلوغ، شاد و شلوغ جامعه هلند را در قرن هفدهم به تصویر می کشند.

در مورد هنر نقاشی هلندی این دوره، اغلب نام پیتر پل روبنس را ذکر می کنیم. این تأثیر او بود که در آثار اکثر هنرمندان فلاندری منعکس شد.

جردنس نیز از این سرنوشت در امان نماند. او مدتی در کارگاه های روبنس کار کرد و طرح هایی را برای نقاشی خلق کرد. با این حال، جیکوب در ایجاد تنبریسم و ​​کیاروسکورو در این تکنیک بهتر بود.

اگر به شاهکارهای جوردن با دقت نگاه کنید، آنها را با آثار پیتر پل مقایسه کنید، تأثیر آشکار دومی را خواهیم دید. اما بوم های جیکوب با رنگ های گرمتر، آزادی و نرمی متمایز می شوند.

پیتر روبنس

هنگام بحث درباره شاهکارهای نقاشی فلاندری، نمی توان از روبنس نام برد. پیتر پل در طول زندگی خود استاد شناخته شده ای بود. او را یک هنرپیشه مضامین مذهبی و اسطوره ای می دانند، اما این هنرمند در تکنیک منظره و پرتره استعداد کمتری از خود نشان نداد.

او در خانواده‌ای بزرگ شد که در جوانی به خاطر حیله‌های پدرش به آبروی رفت. به زودی پس از مرگ یکی از والدین، شهرت آنها احیا می شود و روبنس و مادرش به آنتورپ باز می گردند.

در اینجا مرد جوان به سرعت ارتباطات لازم را به دست می آورد ، او صفحه ای از کنتس د لالن ساخته می شود. علاوه بر این، پیتر پل با توبیاس، ورهاخت، ون نورت ملاقات می کند. اما اتو ون وین به عنوان یک مربی تأثیر ویژه ای روی او گذاشت. این هنرمند بود که نقش تعیین کننده ای در شکل گیری سبک استاد آینده داشت.

پس از چهار سال کارآموزی با اتو روبنس، آنها در انجمن صنفی هنرمندان، حکاکی‌ها و مجسمه‌سازان به نام انجمن سنت لوک پذیرفته می‌شوند. پایان تمرین طبق سنت دیرینه استادان هلندی سفر به ایتالیا بود. در آنجا پیتر پل بهترین شاهکارهای این دوران را مطالعه و کپی کرد.

جای تعجب نیست که نقاشی های هنرمندان فلاندری در ویژگی های خود شبیه تکنیک برخی از استادان ایتالیایی رنسانس است.

روبنس در ایتالیا با نیکوکار و مجموعه دار معروف وینچنزو گونزاگا زندگی و کار می کرد. محققان این دوره از کار او را دوره مانتو می نامند، زیرا املاک حامی پیتر پل در این شهر قرار داشت.

اما مکان استانی و تمایل گونزاگا به استفاده از آن، روبنس را خوشحال نکرد. او در نامه ای می نویسد که با همین موفقیت، ویچنزو می تواند از خدمات پرتره نگاران صنعتگر استفاده کند. دو سال بعد، مرد جوان حامیانی پیدا می کند و در رم دستور می دهد.

دستاورد اصلی دوره روم نقاشی سانتا ماریا در والیسلا و محراب صومعه در فرمو بود.

پس از مرگ مادرش، روبنس به آنتورپ باز می گردد، جایی که به سرعت به پردرآمدترین استاد تبدیل می شود. دستمزدی که در دربار بروکسل دریافت می کرد به او اجازه می داد به سبک بزرگ زندگی کند، یک کارگاه بزرگ و شاگردان زیادی داشته باشد.

علاوه بر این، پیتر پل با نظم یسوعی که او را در کودکی پرورش داد، رابطه داشت. از آنها او سفارشات دکوراسیون داخلی کلیسای سنت چارلز بورومئو آنتورپ را دریافت می کند. در اینجا بهترین دانش آموز - آنتون ون دایک - به او کمک می کند که بعداً در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

روبنس نیمه دوم عمر خود را در مأموریت های دیپلماتیک گذراند. اندکی قبل از مرگش، او برای خود ملکی خرید و در آنجا ساکن شد، مناظری را به تصویر کشید و زندگی دهقانان را به تصویر کشید.

در آثار این استاد بزرگ به ویژه تأثیر تیتیان و بروگل به چشم می خورد. از معروف ترین آثار می توان به بوم های «سامسون و دلیله»، «شکار کرگدن»، «ربودگی دختران لوکیپوس» اشاره کرد.

روبنس چنان تأثیر شدیدی بر نقاشی اروپای غربی داشت که در سال 1843 بنای یادبودی برای او در میدان سبز آنتورپ ساخته شد.

آنتون ون دایک

یک نقاش پرتره دربار، استاد موضوعات اسطوره ای و مذهبی در نقاشی، یک هنرمند - همه اینها ویژگی های آنتون ون دایک، بهترین شاگرد پیتر پل روبنس است.

تکنیک های نقاشی این استاد در حین تحصیل نزد هندریک ون بالن شکل گرفت که به عنوان شاگرد به او سپرده شد. سالهای گذراندن در کارگاه این نقاش بود که به آنتون اجازه داد به سرعت شهرت محلی به دست آورد.

در چهارده سالگی اولین شاهکار خود را نوشت و در پانزده سالگی اولین کارگاه خود را افتتاح کرد. بنابراین در سن جوانی، ون دایک به یک سلبریتی آنتورپ تبدیل می شود.

در سن هفده سالگی، آنتون در انجمن صنفی سنت لوک پذیرفته شد و در آنجا نزد روبنس شاگردی کرد. ون دایک به مدت دو سال (از سال 1918 تا 1920) پرتره هایی از عیسی مسیح و دوازده رسول را روی سیزده تخته می کشد. امروزه این آثار در بسیاری از موزه های جهان نگهداری می شوند.

هنر نقاشی آنتون ون دایک بیشتر بر مضامین مذهبی متمرکز بود. او در کارگاه روبنس نقاشی های معروف خود "تاج گذاری با تاج" و "بوسه یهودا" را می نویسد.

از سال 1621، دوره سفر آغاز می شود. ابتدا این هنرمند جوان در لندن زیر نظر پادشاه جیمز کار می کند، سپس به ایتالیا می رود. در سال 1632، آنتون به لندن بازگشت، جایی که چارلز اول به او لقب شوالیه داد و منصب نقاش دربار را به او داد. در اینجا او تا زمان مرگش کار کرد.

بوم های او در موزه های مونیخ، وین، لوور، واشنگتن، نیویورک و بسیاری از تالارهای دیگر جهان به نمایش گذاشته شده است.

بنابراین، امروز ما، خوانندگان عزیز، با نقاشی فلاندری آشنا شده ایم. شما ایده ای در مورد تاریخچه شکل گیری آن و تکنیک ایجاد بوم دارید. علاوه بر این، به طور مختصر با بزرگترین استادان هلندی این دوره دیدار کردیم.

در اینجا آثار هنرمندان رنسانس: یان ون ایک، پتروس کریستوس، پیتر بروگل و لئوناردو داوینچی وجود دارد. این آثار نویسندگان مختلف و از نظر طرح متفاوت با یک روش نوشتن - روش نقاشی فلاندری - متحد می شوند. از نظر تاریخی، این اولین روش کار با رنگ روغن است و افسانه ها اختراع آن و همچنین اختراع خود رنگ ها را به برادران ون ایک نسبت می دهند. روش فلاندری نه تنها در شمال اروپا محبوب بود. به ایتالیا آورده شد، جایی که تمام هنرمندان بزرگ رنسانس تا تیسیان و جورجیونه به آن متوسل شدند. این عقیده وجود دارد که هنرمندان ایتالیایی مدت ها قبل از برادران ون ایک آثار خود را به این روش نقاشی می کردند. ما به تاریخ نخواهیم پرداخت و روشن خواهیم کرد که چه کسی اولین کسی بود که آن را اعمال کرد، اما سعی خواهیم کرد در مورد خود روش صحبت کنیم.

مطالعات مدرن آثار هنری به ما این امکان را می دهد که به این نتیجه برسیم که نقاشی استادان قدیمی فلاندری همیشه بر روی زمین چسبنده سفید انجام می شده است. رنگ ها در یک لایه لعاب نازک و به گونه ای اعمال می شدند که نه تنها تمام لایه های نقاشی، بلکه رنگ سفید زمین که از طریق رنگ نیمه شفاف، تصویر را از داخل روشن می کند، در ایجاد آن شرکت داشتند. اثر تصویری کلی همچنین عدم وجود عملی رنگ سفید در نقاشی قابل توجه است، به استثنای مواردی که لباس های سفید یا پرده ها رنگ می شدند. گاهی اوقات آنها هنوز در قوی ترین نورها یافت می شوند، اما حتی در آن زمان فقط به شکل نازک ترین لعاب ها.

تمام کارهای روی تصویر به ترتیب دقیق انجام شد. با طراحی روی کاغذ ضخیم به اندازه تصویر آینده شروع شد. معلوم شد به اصطلاح "مقوا". نمونه ای از این مقواها، طراحی لئوناردو داوینچی برای پرتره ایزابلا d'Este است.

مرحله بعدی کار انتقال نقاشی به زمین است. برای انجام این کار، آن را با یک سوزن در امتداد کل کانتور و مرزهای سایه ها سوراخ کردند. سپس مقوا را روی یک پرایمر صیقلی سفید که روی تخته اعمال می شود قرار داده و نقاشی را با پودر زغال چوب منتقل می کنیم. با وارد شدن به سوراخ های ساخته شده در مقوا، زغال چوب یک طرح کلی از الگوی بر اساس تصویر به جا گذاشت. برای رفع آن، ردی از زغال سنگ با مداد، خودکار یا نوک تیز قلم مو ترسیم شد. در این مورد یا از جوهر یا نوعی رنگ شفاف استفاده می شد. هنرمندان هرگز مستقیماً روی زمین نقاشی نمی‌کشیدند، زیرا می‌ترسیدند سفیدی آن را به هم بزنند، همانطور که قبلاً ذکر شد، نقش روشن‌ترین لحن را در نقاشی داشت.

پس از انتقال نقاشی، آنها شروع به سایه زدن با رنگ قهوه ای شفاف کردند و مطمئن شدند که زمین همه جا از لایه آن می درخشد. سایه زدن با تمپر یا روغن انجام می شد. در حالت دوم، برای اینکه چسب رنگ ها جذب خاک نشود، آن را با یک لایه چسب اضافی می پوشانند. در این مرحله از کار، هنرمند تقریباً تمام وظایف تصویر آینده را به استثنای رنگ حل کرد. در آینده هیچ تغییری در طراحی و ترکیب بندی ایجاد نشد و قبلاً در این شکل کار یک اثر هنری بود.

گاهی اوقات، قبل از اتمام یک تصویر رنگی، کل نقاشی به اصطلاح «رنگ‌های مرده» یعنی رنگ‌های سرد، روشن و کم‌شدت آماده می‌شد. این آماده سازی لایه نهایی لعاب رنگ ها را به خود اختصاص داد و به کمک آن به کل کار جان بخشیدند.

لئوناردو داوینچی. "کارتن برای پرتره ایزابلا دی" استه.
زغال سنگ، سانگویین، پاستل. 1499.

البته یک طرح کلی از روش نقاشی فلاندری ترسیم کرده ایم. طبیعتاً هر هنرمندی که از آن استفاده می‌کرد، چیزی از خودش به همراه داشت. به عنوان مثال، ما از زندگی نامه هنرمند هیرونیموس بوش می دانیم که او با استفاده از روش ساده فلاندری یکباره نقاشی کرده است. در عین حال نقاشی های او بسیار زیبا هستند و رنگ ها به مرور زمان تغییر رنگ نداده اند. او مانند همه معاصران خود، زمین سفید نازکی را آماده کرد که دقیق ترین نقاشی را روی آن منتقل کرد. او آن را با رنگ تمپر قهوه ای سایه زد و پس از آن تصویر را با لایه ای از لاک شفاف به رنگ گوشت پوشاند که پرایمر را از نفوذ روغن از لایه های رنگ بعدی جدا می کند. پس از خشک شدن تصویر، باقی ماند تا پس زمینه با لعاب هایی از زنگ های از پیش ساخته شده ثبت شود و کار به پایان رسید. فقط گاهی اوقات برخی مکان ها با لایه دوم برای افزایش رنگ تجویز می شدند. پیتر بروگل آثار خود را به شیوه ای مشابه یا بسیار نزدیک نوشته است.

تنوع دیگری از روش فلاندری را می توان در آثار لئوناردو داوینچی مشاهده کرد. اگر به کار ناتمام او، ستایش مجوس، نگاه کنید، می بینید که در زمین سفید شروع شده است. نقاشی ترجمه شده از مقوا با رنگ شفاف مانند زمین سبز ترسیم شده بود. این نقاشی با یک تن قهوه ای، نزدیک به قهوه ای، از سه رنگ تشکیل شده است: سیاه، مداد رنگی و اخرایی قرمز. کل کار سایه زده است، زمین سفید هیچ جا نانوشته باقی نمانده است، حتی آسمان با همان لحن قهوه ای آماده شده است.

در کارهای تمام شده لئوناردو داوینچی، نورها به لطف زمین سفید به دست می آیند. او پس‌زمینه آثار و لباس‌ها را با نازک‌ترین لایه‌های شفاف رنگ روی هم می‌کشید.

لئوناردو داوینچی با استفاده از روش فلاندری توانست به رندر فوق العاده ای از کیاروسکورو دست یابد. در عین حال لایه رنگ یکنواخت و بسیار نازک است.

روش فلاندری برای مدت کوتاهی توسط هنرمندان مورد استفاده قرار گرفت. بیش از دو قرن به شکل خالص خود وجود نداشت، اما بسیاری از آثار بزرگ به این ترتیب خلق شدند. علاوه بر استادانی که قبلاً ذکر شد، هنرمندان Holbein، Dürer، Perugino، Rogier van der Weyden، Clouet و سایر هنرمندان از آن استفاده کردند.

نقاشی های ساخته شده به روش فلاندری به خوبی حفظ شده است. ساخته شده بر روی تخته های چاشنی، خاک جامد، آنها به خوبی در برابر آسیب مقاومت می کنند. فقدان مجازی رنگ سفید در لایه تصویری که هر از چند گاهی قدرت پنهان خود را از دست می دهد و در نتیجه رنگ کلی اثر را تغییر می دهد، باعث شد که نقاشی ها را تقریباً به همان شکلی ببینیم که از کارگاه سازندگانشان بیرون آمده اند.

شرایط اصلی که در استفاده از این روش باید رعایت شود ترسیم دقیق، بهترین محاسبه، ترتیب صحیح کار و صبر زیاد است.