Svaka zemlja ima svoje heroje savremena umetnost, čija su imena poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim kolekcijama.
U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim savremeni umetnici Japan.
Keiko Tanabe
Rođena u Kjotu, Keiko je pobjeđivala na mnogim likovnim konkursima kao dijete, ali više obrazovanje uopšte nije primljen u oblasti umetnosti. Radio u odeljenju međunarodnih odnosa na japanskom trgovinska organizacija samouprava u Tokiju, velika advokatska firma u San Francisku i privatna konsultantska firma u San Dijegu, mnogo su putovali. Počevši od 2003. godine napustila je posao i nakon što je naučila osnove akvarela u San Diegu, posvetila se isključivo umjetnosti.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete moderne žene u drevnim Japanska tradicija slikanje Menso četkom, mineralnim pigmentima, čađom, tušem i platnom kao podlogom. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući stilu Nihonga, postoji osjećaj da su nam došli iz davnih vremena.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je ovladao tehnika akvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutrašnja stanja osoba koja ih posmatra.
Hiroko Sakai
Karijera umjetnika Hiroko Sakaija započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirao na Univerzitetu Seinan Gakuin i francuska škola Dizajn enterijera Nihon u oblasti dizajna i vizuelizacije, osnovala je „Atelje Yume-Tsumugi doo“. i uspješno vodi ovaj studio 5 godina. Mnogi njeni radovi krase predvorja bolnica, kancelarije velikih korporacija i neke opštinske zgrade u Japanu. Nakon preseljenja u Sjedinjene Države, Hiroko je počeo da slika u ulju.
Riusuke Fukahori
Trodimenzionalna djela Ryuusukija Fukahorija su poput holograma. Oni su gotovi akrilne boje nanesena u nekoliko slojeva i tečnost prozirne smole - sve to, ne isključujući tradicionalne metode kao što su crtanje senki, omekšavanje ivica, kontrola transparentnosti, omogućava Ryusukiju da kreira skulpturalno slikarstvo i daje radu dubinu i realizam.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentovani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu je kao osnovu svog rada odabrao win-win temu - crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku slagalica.
Tetsuya Mishima
Većina slika moderne Japanski umetnik Mishima se pravi u ulju. Slikarstvom se profesionalno bavi od 90-ih, ima ih nekoliko lične izložbe I veliki broj kolektivne izložbe, japanske i strane.
Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju istoriju pretrpeo je veliki broj promena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Zajedno sa neverovatna priča Japansko slikarstvo je takođe spremno da predstavi mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.
drevni japan
Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim istorijski period zemlje prije pne. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koji su rađeni na grnčariji sa štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na bronzanim zvonima pripada kasnijem vremenu.
Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e., pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su unutar kripta, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.
U 7. veku nove ere. e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle potiču i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.
edo
Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali upravo je ona donijela mnogo novih stvari u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani poznatoj tehnici izvedenoj u crno-bijeloj tehnici. sivih tonova. Većina izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. On je stvorio klasične slike ali njegovi likovi su bili veoma šareni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina pejzaža je rađena na pozadini pozlate.
Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne evropske i kineske tehnike, koje su bile isprepletene sa tradicionalnim japanskim stilovima.
I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici prvo u potpunosti oponašaju ili čak kopiraju djela Kineski majstori. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.
Period modernizacije
Edo period zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno da uđe nova faza razvoj. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dato vrijeme stvari su bile veoma različite od onoga što se dešavalo u drugim zemljama. Ovdje se naglo rasplamsava konkurencija između evropskih i domaćih tehničara.
Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji obećavaju da će unaprijediti svoje vještine u zapadnim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Evropi i Americi.
Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da zapaženih kritičara prilično kritikovana zapadna umetnost. Kako bi se izbjegla velika pomutnja oko ovog pitanja, europski stilovi i tehnike počeli su biti zabranjeni na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.
Pojava evropskih stilova
Zatim dolazi Taisho period. U to vrijeme mladi umjetnici koji su otišli da studiraju stranim školama vrate u svoju domovinu. Naravno, sa sobom donose nove stilove. Japansko slikarstvo koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.
U ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima su antičke japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili i ljubitelji klasike i ljubitelji modernog europskog slikarstva.
Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu su očuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci su, s druge strane, prisiljeni slijediti primjer potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.
WWII painting
Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvija se zasebno i nezavisno. Ali nije moglo ovako zauvek.
Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih, još na početku rata, počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali počinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.
Shodno tome, japanska likovna umjetnost tokom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razvijati. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.
Eternal Suibokuga
Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". Ovo definira stil i tehniku ovu umjetnost. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da mu daju svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, u početku su crtali slike, a kasnije su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve što se naziva monohromatskim.
Slikanje japanskim tušem uprkos velika raznolikost slika i tehnika nije tako komplikovana kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:
- Krizantema.
- Orhideja.
- Grana šljive.
- Bambus.
Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.
Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, već je rasprostranjena i daleko izvan njenih granica.
Moderni period
Nakon završetka Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu doživjela je procvat samo u glavni gradovi, seljani i seljani imali su dosta briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa gubicima ratnih vremena i prikazati savremenu umjetnost na platnu. gradski život sa svim svojim ukrasima i karakteristikama. evropski i američke ideje ali ovakvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.
Tradicionalni stil je oduvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.
Da ne spominjem moderno moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju brisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Classics and tradicionalnim žanrovima u stvari, ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.
Zaključak
Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica vizualna umjetnost. Možda je dotična država ostala jedina koja nije pratila zapadne trendove, nije se prilagođavala modi. Uprkos brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su uspjeli odbraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno se zbog toga u moderno doba slike rađene u klasičnim stilovima visoko cijene na izložbama.
Jedno od njih je jednobojno slikarstvo Japana jedinstvene pojave umjetnost istoka. Njemu je posvećeno mnogo radova i studija, ali se često doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako, duhovni svijet japanskog umjetnika je veoma bogat i njemu nije stalo toliko do estetske komponente, koliko do duhovne. Umetnost Istoka je sinteza spoljašnjeg i unutrašnjeg, eksplicitnog i implicitnog.
U ovom postu želim da obratim pažnju ne na istoriju monohromatskog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome će se raspravljati.
Ekran "Pine" Hasegawa Tohaku, 1593.
Ono što vidimo na monohromatskim slikama rezultat je umetnikove interakcije sa trijadom bora: papir, kist, mastilo. Stoga, da bi se pravilno razumjelo djelo, potrebno je razumjeti samog umjetnika i njegov stav.
"Pejzaž" Sesshu, 1398
Papir Za Japanski majstor Nije lako improvizovanog materijala, koju on podređuje svom hiru, već je, naprotiv, „brat“, pa se shodno tome razvio i odnos prema njoj. papir je deo okolna priroda, kojoj su Japanci oduvijek imali strahopoštovanje i pokušavali su da se ne potčine, već da s njom mirno koegzistiraju. Papir je u prošlosti drvo koje je stajalo na određenom prostoru, određeno vrijeme, nešto oko sebe “vidjelo” i sve to pohranjuje. Ovako japanski umjetnik doživljava materijal. Često su majstori, prije početka rada, dugo gledali Prazan list(razmišljao o tome) i tek onda prešao na slikanje. Čak i danas, savremeni japanski umjetnici koji prakticiraju Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju svoj papir. Kupuju ga po narudžbini iz fabrika papira. Za svakog umjetnika određene debljine, propusnosti vlage i teksture (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor sa vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) – dakle, svaka slika se doživljava kao nešto jedinstveno i živo.
"Čitanje u bambusovom gaju" Shubun, 1446.
Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedno je spomenuti takve poznati spomenici Japanska književnost, kao što su "Beleške uz uzglavlje" Seija Šonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Šikibua: i u "Beleškama" i u "Genjiju" možete pronaći scene kada dvorjani ili ljubavnici razmenjuju poruke. Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajuće sezone, nijanse, a način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.
"Murasaki Shikibu u hramu Ishiyama" Kyosen
Četka- druga komponenta je nastavak majstorove ruke (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se i kistovi izrađivali po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Odabrao je dlačice potrebne dužine, odabrao veličinu četke i najudobniju dršku. Majstor piše samo svojom četkicom i ničim drugim. (Od lično iskustvo: bio na majstorskoj klasi kineskog umjetnika Jiang Shiluna, publika je zamoljena da pokaže šta njegovi učenici koji su bili prisutni na majstorskoj klasi mogu da urade, a svaki od njih je, uzimajući majstorovu četku, rekao da se neće pokazati šta su očekivali, pošto četkica nije njih, nisu navikli na to i ne znaju kako da je pravilno koriste).
Skica tušem "Fuji" od Katsushike Hokusaija
mastilo- treći važan element. Mastilo se dešava različite vrste: može dati sjajni ili mat efekat nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, stoga pravi izbor maskara takođe nije nevažna.
Yamamoto Baitsu, kasno 18- XIX vek.
Glavni predmeti monohromatskog slikarstva su pejzaži. Zašto nemaju boju?
Dvostruki ekran "Pines", Hasegawa Tohaku
Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam predmet, već njegova suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Dakle, slika je uvijek nagoveštaj, upućena je našim osjećajima, a ne viziji. Potcenjivanje je podsticaj za dijalog, a time i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici - one se formiraju umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je, gdje je htio, tamo ostavio mastan trag, a na drugom mjestu, naprotiv, nije dobro nacrtao - na slici sve ima svoje značenje i značaj, i ne nosi nasumičan lik.
Drugo, boja uvijek nosi nešto emocionalno obojenje i drugačije percipirano. različiti ljudi u različitim stanjima, dakle, emocionalna neutralnost omogućava gledaocu da najadekvatnije uđe u dijalog, pozicionira ga za percepciju, kontemplaciju i razmišljanje.
Treće, ovo je interakcija jina i janga, svaka jednobojna slika je harmonična u smislu omjera tinte i netaknute površine papira u njoj.
Zašto večina prostor za papir nije iskorišten?
"Pejzaž" Syubuna, sredina 15. vijeka.
Prvo, praznina prostora uranja gledaoca u sliku; drugo, slika se stvara kao da je na trenutak isplivala na površinu i da će nestati - to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, u onim područjima gdje nema mastila dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali u stvarnosti je to uvijek interakcija dva materijala - papira i mastila).
Sesshu, 1446
Zašto pejzaž?
"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478
Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on mora učiti od nje, štititi je na svaki mogući način, a ne uništavati ili pokoravati. Stoga se u mnogim pejzažima mogu vidjeti male slike ljudi, ali su one uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje se uklapaju u prostor oko njih i nisu uvijek uočljive - sve su to simboli pogled na svet.
"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481
U zaključku, želim reći da jednobojno japansko slikarstvo nije nasumično prskano mastilo, nije hir umjetnikovog unutrašnjeg ega – to je cijeli sistem slika i simbola, to je skladište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i harmonizacije sebe i svijeta oko sebe.
Evo, mislim, odgovora na glavna pitanja koja gledalac ima kada se suoči sa monohromatskim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam pomoći da to najispravnije shvatite i uočite kada se sretnete.
Japansko slikarstvo je apsolutno jedinstven pravac u svjetskoj umjetnosti. Postoji od davnina, ali kao tradicija nije izgubila svoju popularnost i sposobnost da iznenadi.
Pažnja na tradicije
Istok nisu samo pejzaži, planine i izlazeće sunce. To su i ljudi koji su stvarali njenu istoriju. Upravo su ti ljudi održali tradiciju japanskog slikarstva dugi niz stoljeća, razvijajući i umnožavajući svoju umjetnost. Oni koji su dali značajan doprinos istoriji Japanski umjetnici. Zahvaljujući njima moderni su zadržali sve kanone tradicionalnog japanskog slikarstva.
Slikarski stil
Za razliku od Evrope, japanski umetnici su radije slikali bliže grafici nego slikarstvu. Na takvim slikama nećete naći grube, nemarne poteze ulja, koji su tako karakteristični za impresioniste. Kakva je grafička priroda takve umjetnosti kao što su japansko drveće, kamenje, životinje i ptice - sve je na ovim slikama nacrtano što je moguće jasnije, čvrstim i sigurnim linijama mastila. Svi objekti u kompoziciji moraju imati obris. Ispunjavanje unutar konture obično se radi u akvarelu. Boja se ispere, dodaju se druge nijanse, a negdje se ostavi boja papira. Dekorativnost je upravo ono što razlikuje japanske slike od umjetnosti cijelog svijeta.
Kontrasti u slikarstvu
Kontrast je još jedna karakteristična tehnika koju koriste japanski umjetnici. To može biti razlika u tonu, boji ili kontrast toplih i hladnih nijansi.
Umetnik pribegava tehnici kada želi da istakne neki element subjekta. To može biti vena na biljci, jedna latica ili stablo na nebu. Zatim se prikazuju svijetli, osvijetljeni dio objekta i sjena ispod njega (ili obrnuto).
Prijelazi i boje
Prilikom crtanja japanskih slika često se koriste prijelazi. Oni su različiti: na primjer, od jedne boje do druge. Na laticama lokvanja, božura, možete primijetiti prijelaz iz svijetle nijanse u bogatu, svijetlu neku boju.
Prijelazi se također koriste na slici vodena površina, nebo. Lagani prijelaz od zalaska sunca u tamni, produbljivi sumrak izgleda vrlo lijepo. Oblaci se takođe crtaju sa prelazima iz različite nijanse i reflekse.
Glavni motivi japanskog slikarstva
U umetnosti je sve povezano sa pravi zivot, sa osjećajima i emocijama onih koji su u to uključeni. Kao iu književnosti, muzici i drugim manifestacijama kreativnosti, u slikarstvu ih ima nekoliko vječne teme. To su istorijski zapleti, slike ljudi i prirode.
Japanski pejzaži su raznoliki. Često se na slikama nalaze slike ribnjaka - omiljeni predmet unutrašnjosti Japanaca. Ukrasni ribnjak, nekoliko lokvanja i bambus u blizini - ovako izgleda tipična slika iz 17.-18. stoljeća.
Životinje u japanskom slikarstvu
Životinje su takođe stalni element u azijskom slikarstvu. Tradicionalno, to je tigar koji čuči ili domaća mačka. Općenito, Azijci jako vole i stoga se njihovi predstavnici nalaze u svim oblicima orijentalne umjetnosti.
Svet faune je još jedna tema koju prati japansko slikarstvo. Ptice - ždralovi, ukrasni papagaji, luksuzni paunovi, laste, neprimjetni vrapci, pa čak i pijetlovi - sve se to nalaze na crtežima orijentalnih majstora.
Riba - ništa manje aktuelna tema za japanske umjetnike. Koi su japanska verzija zlatne ribice. Ova stvorenja žive u Aziji u svim ribnjacima, čak i u malim parkovima i baštama. Koi šaran je vrsta tradicije koja posebno pripada Japanu. Ove ribe simboliziraju borbu, odlučnost, postizanje cilja. Nije ni čudo što su prikazani kako plutaju tokom, uvijek sa ukrasnim vrhovima valova.
Japanske slike: prikaz ljudi
Ljudi u japanskom slikarstvu su posebna tema. Umjetnici su prikazivali gejše, careve, ratnike i starješine.
Gejše su prikazane okružene cvećem, uvek u raskošnim haljinama sa mnogo nabora i elemenata.
Mudraci su prikazani kako sjede ili nešto objašnjavaju svojim učenicima. Slika starog naučnika simbol je istorije, kulture i filozofije Azije.
Ratnik je prikazan kao strašni, ponekad zastrašujući. Duge su bile detaljno nacrtane i izgledale su kao žica.
Obično su svi detalji oklopa dotjerani tintom. Često su goli ratnici ukrašeni tetovažama koje prikazuju orijentalnog zmaja. Simbol je snage i vojnu moć Japan.
Vladari su prikazani za carskih porodica. Prekrasne haljine, ukrasi u kosi muškaraca - da takvih umjetničkih djela ima na pretek.
pejzaži
Tradicionalno japanski pejzaž- planine. Azijski slikari uspjeli su prikazati različite pejzaže: mogu prikazati isti vrh u različite boje, sa drugačijom atmosferom. Jedino što ostaje nepromijenjeno je obavezno prisustvo cvijeća. Obično, uz planine, umjetnik prikazuje neku biljku u prvom planu i detaljno je crta. Planine izgledaju predivno i trešnjini cvetovi. A ako nacrtate padajuće latice - slici se divi tužna ljepota. Kontrast u atmosferi slike je još jedan izuzetan kvalitet japanske kulture.
Hijeroglifi
Često se kompozicija slike u japanskom slikarstvu kombinira sa slovima. Hijeroglifi su raspoređeni tako da kompozicijski izgleda lijepo. Obično se crtaju na lijevoj ili desnoj strani slike. Hijeroglifi mogu ukazivati na ono što je prikazano na slici, njeno ime ili ime umjetnika.
Japan je jedna od najbogatijih zemalja u istoriji i kulturi. U cijelom svijetu uobičajeno je smatrati Japance pedantičnim ljudima koji pronalaze estetiku u apsolutno svim manifestacijama života. Stoga su japanske slike uvijek vrlo skladne u boji i tonu: ako postoje inkluzije neke svijetle boje, onda samo u semantičkim centrima. Na primjeru slika azijskih umjetnika može se proučavati teorija boja, ispravan prijenos forme pomoću grafike i kompozicija. Tehnika izvođenja japanskih slika je toliko visoka da može poslužiti kao primjer za rad s akvarelima i izvođenje "pranja" grafičkih radova.