Ako mislite da su svi veliki umjetnici u prošlosti, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom članku ćete naučiti o najpoznatijim i najtalentovanijim umjetnicima našeg vremena. I, vjerujte, njihova djela će vam ostati u sjećanju ništa manje od djela maestra iz prošlih vremena.
Wojciech Babski
Wojciech Babski je savremeni poljski umjetnik. Diplomirao je na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao sa. U posljednje vrijeme slika uglavnom žene. Fokusira se na ispoljavanje emocija, nastoji postići najveći mogući učinak jednostavnim sredstvima.
Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive kako bi postigao najbolji utisak. Ne plašite se eksperimentisanja sa novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve je popularniji u inostranstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kosmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.
Warren Chang
Warren Chang je savremeni američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je s velikim uspjehom na Art Center College of Design u Pasadeni 1981. godine sa diplomom likovnih umjetnosti u oblasti likovnih umjetnosti. Sljedeće dvije decenije radio je kao ilustrator za različite kompanije u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je započeo svoju karijeru kao profesionalni umjetnik 2009. godine.
Njegove realističke slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutrašnje slike i slike koje prikazuju radne ljude. Njegovo interesovanje za ovaj stil slikanja je ukorenjeno u stvaralaštvu slikara iz 16. veka Jana Vermera, a proteže se na predmete, autoportrete, portrete članova porodice, prijatelja, učenika, ateljea, učionica i enterijera doma. Njegov cilj je da stvori raspoloženje i emocije u svojim realističnim slikama kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.
Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalne vizualne umjetnosti. U proteklih 12 godina stekao je brojne nagrade i priznanja, od kojih je najprestižnija Master Signature od američkih uljanih slikara, najveće zajednice slikanja ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 je počastvovana mogućnošću da dobije ovu nagradu. Trenutno, Voren živi u Montereju i radi u svom studiju, a takođe predaje (poznat kao talentovani učitelj) na Akademiji umetnosti u San Francisku.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni je italijanski umjetnik. Rođen u Blairu, 15. oktobra 1955. godine. Diplomirao scenografiju na Umetničkom institutu u Spoletu. Kao umjetnik, on je samouk, jer je samostalno „sagradio kuću znanja“ na temeljima postavljenim još u školi. Počeo je slikati uljem sa 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.
Brunijevo rano slikarstvo je ukorijenjeno u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje fokusirati na bliskost lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju izuzetnom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Živi i neživi predmeti dobijaju jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zavjese, već vam omogućavaju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i harmonijom muzike.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos je savremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikarstvo ulja. Rođen 1970. godine u Glivicama, Poljska, ali od 1989. godine živi i radi u SAD-u, u gradu Shasta u Kaliforniji.
U djetinjstvu je učio umjetnost pod vodstvom oca Jana, samoukog umjetnika i vajara, pa je od malih nogu umjetnička djelatnost dobila punu podršku oba roditelja. Godine 1989, u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je njegova učiteljica i honorarna umjetnica Cathy Gaggliardi ohrabrila Alcasandera da se upiše u umjetničku školu. Balos je potom dobio punu stipendiju na Univerzitetu Milwaukee Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.
Nakon završenih studija 1995. godine sa diplomom, Balos se preselio u Čikago da bi studirao na Školi lepih umetnosti, čije su metode zasnovane na delu Jacques-Louis Davida. Figurativni realizam i portret činili su najveći dio Balosovog rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos koristi ljudsku figuru kako bi istakao karakteristike i nedostatke ljudske egzistencije, ne nudeći nikakva rješenja.
Kompozicije radnje njegovih slika namijenjene su samostalnom tumačenju gledatelja, tek tada će platna dobiti svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Umjetnik se 2005. preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se opseg njegovog rada značajno proširio i sada uključuje slobodnije metode slikanja, uključujući apstrakciju i različite multimedijalne stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala bića kroz slikarstvo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks je savremena američka umjetnica. Rođena je 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Za slikanje se zainteresovala još kao dete. Pohađala je New School u New Yorku i Montclair State University, a diplomirala je na Bostonskom koledžu 1999. godine sa diplomom. Istovremeno je studirala slikarstvo na Akademiji Lorenco Medici u Firenci.
Potom je nastavila studije po programu za magisterij na Akademiji umetnosti u Njujorku, na Odseku za figurativnu umetnost, koji je diplomirala 2001. godine. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Kratko je predavala na univerzitetima i obrazovnim institucijama širom zemlje, a predavala je slikarstvo na Akademiji umjetnosti u Njujorku, kao i na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
“Koristeći filtere poput stakla, vinila, vode i pare, iskrivljujem ljudsko tijelo. Ovi filteri vam omogućavaju da kreirate velike površine apstraktnog dizajna, kroz koje proviruju ostrva boja - delovi ljudskog tela.
Moje slike mijenjaju moderni pogled na već ustaljene, tradicionalne poze i gestove kupaćih žena. Oni bi pažljivom gledaocu mogli reći mnogo o takvim naizgled samorazumljivim stvarima kao što su prednosti plivanja, plesa i tako dalje. Moji likovi su pritisnuti na staklo prozora tuš kabine, izobličujući vlastito tijelo, shvaćajući da time utiču na ozloglašeni muški pogled na golu ženu. Debeli slojevi boje su pomešani zajedno da imitiraju staklo, paru, vodu i meso izdaleka. Međutim, izbliza, zadivljujuća fizička svojstva uljane boje postaju očigledna. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boja, pronalazim trenutak kada apstraktni potezi postaju nešto drugo.
Kada sam prvi put počeo da slikam ljudsko telo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsednut njime i osetio sam da moram da svoje slike učinim što realnijim. Ja sam "ispovijedao" realizam sve dok se nije počeo sam rasplitati i dekonstruirati. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikarstva u kojem se susreću reprezentativno slikarstvo i apstrakcija – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku, ja ću to učiniti.”
Antonio Finelli
italijanski umetnik - posmatrač vremena” – Antonio Finelli rođen je 23. februara 1985. godine. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inostranstvu: Rim, Firenca, Novara, Đenova, Palermo, Istanbul, Ankara, Njujork, a nalaze se iu privatnim i javnim kolekcijama.
Crteži olovkom" Čuvar vremena” Antonio Finelli nas šalje na vječno putovanje kroz unutrašnji svijet ljudske temporalnosti i rigorozne analize ovog svijeta koji je s njim povezan, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ono ostavlja na koži.
Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, spola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se nada i da će na telima svojih likova pronaći dokaze o nemilosrdnosti vremena. Antonio svoje radove definiše jednim opštim naslovom: „Autoportret“, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledaocu da sagleda stvarne rezultate protoka vremena unutar osobe.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-godišnja italijanska umjetnica, kćerka diplomate. Ima troje djece. Dvanaest godina je živjela u Rimu, tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirao historiju umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu na specijalnosti restaurator umjetničkih djela. Prije nego što je pronašla svoj poziv i potpuno se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristkinja, dizajnerica i glumica.
Flaminijina strast za slikanjem nastala je u detinjstvu. Njen glavni medij je ulje jer voli “coiffer la pate” i igra se sa materijalom. Sličnu tehniku naučila je u radovima umjetnika Pascal Torua. Flaminia je inspirisana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i raznim umjetničkim pokretima: uličnom umjetnošću, kineskim realizmom, nadrealizmom i renesansnim realizmom. Njen omiljeni umetnik je Caravaggio. Njen san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.
Denis Chernov
Denis Černov je talentovani ukrajinski umetnik, rođen 1978. godine u Sambiru, oblast Lavov, Ukrajina. Nakon što je 1998. diplomirao na Harkovskom umjetničkom koledžu, ostao je u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i na Harkovskoj državnoj akademiji za dizajn i umjetnost, odsjek za grafiku, diplomirao 2004.
Redovno učestvuje na umjetničkim izložbama, trenutno ih je bilo više od šezdeset, kako u Ukrajini, tako iu inostranstvu. Većina radova Denisa Černova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španiji, Grčkoj, Francuskoj, SAD, Kanadi i Japanu. Neka dela su prodata na Christie's.
Denis radi u širokom spektru grafičkih i slikarskih tehnika. Crteži olovkom jedan su od njegovih omiljenih slikarskih metoda, lista tema njegovih crteža olovkom je također vrlo raznolika, slika pejzaže, portrete, aktove, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književne i istorijske rekonstrukcije i fantazije.
Japansko slikarstvo je najstariji oblik umjetnosti. Uključuje različite forme, žanrove i raznolik sadržaj.
Japansko slikarstvo je najstariji oblik umjetnosti. Uključuje različite forme, žanrove i raznolik sadržaj. Elegantna umjetnost predstavlja svijetu slike koje su ekrani, zidne slike, svitke od svile ili papira, lepeze, štafelajne slike i gravure.
Japansko slikarstvo odlikuje se velikom raznolikošću žanrova i stilova. Vodeće mjesto u japanskom slikarstvu, kao i u književnosti, zauzima priroda. Ona je predstavljena kao čuvar božanskog principa. Japansko slikarstvo potječe iz kineske umjetnosti, pa su njeni žanrovi vrlo slični onima iz Nebeskog carstva. Danas mnogi japanski umjetnici radije studiraju u Kini.
Slikarstvo u Japanu ima nekoliko faza u svojoj istoriji. Svaki od njih ima svoje karakteristike i posebne karakteristike.
Početnom etapom razvoja smatra se vremenski period od sredine sedmog veka do kraja osmog veka, tzv. Nara. U tom periodu oslikan je hram Horyuji, koji je odličan dokaz uticaja indijske i kineske tradicije na japansku kulturu.
Sljedeće razdoblje u razvoju japanskog slikarstva naziva se heian. Poznat je po aktivnom procvatu hramskog slikarstva i primjerima svjetovne imidž umjetnosti. U tom periodu stvorene su ilustracije za romane i priče osmišljene da zabavljaju plemenitu gospodu.
Period Kamakura(zauzima vremenski period od kraja 12. veka do prve polovine 14. veka), koji je zauzimao vremenski period od kraja XII veka do prve polovine XIV veka, karakteriše promena stilova. , potraga za novim načinima prikazivanja života. Raspoloženje japanskog slikarstva dramatično se mijenja. Ranije su slike prenosile optimističnu, laganu i radosnu atmosferu. U tom periodu napravljen je veliki korak ka realističnoj slici, kao i davanju gotovo vojnog karaktera. Karakteristični predmeti slikarstva su bitke iz mitova i istorije, religiozne scene iz budističke tradicije. Slika portreta značajnih državnika je široko rasprostranjena.
Tokom Muromachi(vremenski period od prve polovine 14. veka do druge polovine 16. veka), dolazi do izražaja trend koji je veličao japansko slikarstvo u celom svetu. Filozofija zen budizma imala je značajan utjecaj na slikarstvo, što je rezultiralo popularnošću pejzažne umjetnosti. Monohromna tehnika dobila je posebnu eleganciju. Tokom ovog perioda, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem Kine. Najpoznatiji japan artist U to vrijeme, Toyo Oda, koji se specijalizirao za slikanje pejzaža, stvorio je prve slike kada je putovao po Srednjem kraljevstvu. Smjer je razvio već kod kuće.
Navedeni trend se aktivno razvijao i dopunjavao tokom naredna dva perioda u razvoju japanskog slikarstva - Monoyama I edo. Jednobojna tehnika je bila sofisticiranija opcija. Pažljivo razrađeni i ofarbani detalji. Umjetnici se nisu bojali eksperimenata i počeli su primjenjivati tehnike koje su se ranije koristile u slikanju na svicima i ekranima, u zidnom slikarstvu. Pejzaži i scene gužve počeli su se dopunjavati psihološkim pričama koje prikazuju junaka u trenutku snažnog emocionalnog stresa. Osim tradicionalnog slikarstva u Japanu, drvorez se aktivno širi. Podijeljena je na dvije vrste: pozorišnu gravuru i svakodnevnu gravuru pisanja. Najpoznatiji majstor pozorišne grafike je Choshusai Syaraku. Graviranje svakodnevnog života aktivno se razvijalo u radu Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro.
Hokusai, japanski umjetnik iz 18. stoljeća, stvorio je vrtoglavu lepezu umjetničkih djela. Hokusai je dobro radio do starosti, neprestano je tvrdio da "sve što je uradio pre 70. godine nije bilo vredno truda i pažnje".
Verovatno najpoznatiji japanski umetnik na svetu, oduvek se izdvajao od svojih kolega savremenih umetnika svojim interesovanjem za svakodnevni život. Umjesto glamuroznih gejša i herojskih samuraja, Hokusai je slikao radnike, ribare, urbane žanrovske scene koje još nisu bile predmet interesovanja japanske umjetnosti. Takođe je zauzeo evropski pristup kompoziciji.
Evo kratke liste ključnih pojmova koji će vam pomoći da se malo snađete u Hokusaijevom radu.
1 Ukiyo-e su grafike i slike popularne u Japanu od 1600-ih do 1800-ih. Trend u vizuelnoj umetnosti Japana koji se razvio od Edo perioda. Ovaj izraz potiče od riječi "ukiyo", što znači "svijet koji se mijenja". Wickie je aluzija na hedonističke radosti rastuće trgovačke klase. U tom pravcu, Hokusai je najpoznatiji umjetnik.
Hokusai je tokom svog života koristio najmanje trideset pseudonima. Uprkos činjenici da je upotreba pseudonima bila uobičajena praksa među japanskim umjetnicima tog vremena, on je po broju pseudonima znatno nadmašio druge velike autore. Hokusaijevi pseudonimi se često koriste za periodizaciju faza njegovog rada.
2 Edo period je period između 1603. i 1868. godine u japanskoj istoriji, kada je zabeležen ekonomski rast i novo interesovanje za umetnost i kulturu.
3 Shunrō je prvi Hokusaijev pseudonim.
4 Shunga doslovno znači "slika proljeća", a "proljeće" je japanski žargon za seks. Dakle, radi se o gravurama erotske prirode. Kreirali su ih najcjenjeniji umjetnici, uključujući Hokusaija.
5 Surimono. Posljednji "surimono" - kako su se zvali ovi otisci po mjeri - bili su veliki uspjeh. Za razliku od ukiyo-e printova, koji su bili dizajnirani za masovnu publiku, surimono se rijetko prodavao široj javnosti.
6 Planina Fuji je simetrična planina koja je najviša u Japanu. Tokom godina inspirirala je mnoge umjetnike i pjesnike, uključujući Hokusaija, koji je producirao ukiyo-e seriju Trideset šest pogleda na planinu Fuji. Ova serija uključuje Hokusaijeve najpoznatije grafike.
7 Japanizam je trajan uticaj koji je Hokusai imao na sledeće generacije zapadnih umetnika. Japanizam je stil inspirisan jarkim bojama ukiyo-e printova, nedostatkom perspektive i kompozicionim eksperimentisanjem.
Zdravo, dragi čitaoci - tragači za znanjem i istinom!
Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, koji su usavršavale generacije majstora. Danas ćemo govoriti o najsjajnijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih vremena do modernih vremena.
Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.
Rođenje umjetnosti
Drevna slikarska umjetnost u Japanu prvenstveno je povezana s posebnostima pisanja i stoga se zasniva na osnovama kaligrafije. Prvi primjeri uključuju fragmente bronzanih zvona, posuđa i kućnih predmeta pronađenih tokom iskopavanja. Mnogi od njih su obojeni prirodnim bojama, a istraživanja sugeriraju da su proizvodi napravljeni prije 300. godine prije Krista.
Nova etapa u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne papirne svitke - primijenjene su slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.
Prevlast religijskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, odnosno od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba do danas, nažalost, nisu sačuvana.
U periodu 15-18 stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika sa razvijenim individualnim stilom. Oni su označili vektor daljeg razvoja likovne umjetnosti.
Svijetli predstavnici prošlosti
Napeti Shubun (početak 15. stoljeća)
Kako bi postao izvanredan majstor, Xubong je proučavao tehnike pisanja kineskih Sung umjetnika i njihov rad. Potom je postao jedan od osnivača slikarstva u Japanu i tvorac sumi-ea.
Sumi-e je umjetnički stil koji se zasniva na crtežu tušem, što znači jedna boja.
Šubun je učinio mnogo da se novi stil ukorijeni u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti i druge talente, uključujući buduće poznate slikare, kao što je Sesshu.
Shubunova najpopularnija slika zove se "Čitanje u gaju bambusa".
"Čitanje u gaju bambusa" Tense Shubuna
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Postao je tvorac škole, nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone Kano škole, ali postepeno se njegov individualni "rukopis" počeo pratiti u njegovim djelima. Tohakua je vodila Sesshova grafika.
Osnova rada bili su jednostavni, sažeti, ali realistični pejzaži s nekompliciranim imenima:
- "Borovi";
- "Javor";
- Borovi i cvjetnice.
Pines, Hasegawa Tohaku
Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Braća su bili vrsni zanatlije 18. veka. Najstariji, Ogata Korin, u potpunosti se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.
Ogata Korin slikala je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:
- "Cvijet šljive crveno-bijeli";
- "Talasi Matsushime";
- "Hrizanteme".
Waves of Matsushima, Korin Ogata
Mlađi brat - Ogata Kenzan - imao je mnogo alijasa. Barem se bavio slikarstvom, ali je bio poznatiji kao divan keramičar.
Ogata Kenzan je savladao mnoge grnčarske tehnike. Odlikovao ga je nestandardni pristup, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.
Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je bila i njegova posebnost. Voleo je da stavlja kaligrafiju na proizvode poput svitka ili odlomaka iz poezije. Ponekad su radili zajedno sa svojim bratom.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Radio je u stilu ukiyo-e - vrsta drvoreza, drugim riječima, graviranja. Za sve vreme stvaralaštva promenio je oko 30 imena. Najpoznatije djelo je Veliki val kod Kanagave, zahvaljujući kojem je postao poznat i van svoje domovine.
"Veliki talas od Kanagave" Hokusai Katsushika
Posebno naporno Hokusai je počeo da radi nakon 60 godina, što je donelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir su bili upoznati sa njegovim radom, i donekle je uticao na rad evropskih majstora.
Ando Hirošige (1791-1858)
Jedan od najvećih umetnika 19. veka. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio Hokusaijev rad, bio inspirisan njegovim radom. Način na koji je prikazao prirodu gotovo je jednako upečatljiv kao i broj samih djela.
Edo je nekadašnji naziv Tokija.
Evo nekoliko figura o njegovom radu, koje su predstavljene ciklusom slika:
- 5,5 hiljada - broj svih gravura;
- “100 pogleda na Edo;
- "36 pogleda na Fudži";
- "69 Kisokaido stanica";
- "53 Tokaido stanice".
Slika Ando Hiroshige
Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko kopija svojih gravura.
Modernost
Takashi Murakami
Slikar, vajar, modni dizajner, ime je stekao već krajem 20. veka. U svom radu se pridržava modnih trendova sa elementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtanih filmova.
Slika Takashi Murakamija
Radovi Takashija Murakamija svrstavaju se u subkulturu, ali su u isto vrijeme nevjerovatno popularni. Na primjer, 2008. godine jedno od njegovih djela kupljeno je na aukciji za više od 15 miliona dolara. Svojevremeno je moderni kreator radio zajedno sa modnim kućama "Marc Jacobs" i "Louis Vuitton".
Tycho Asima
Saradnica prethodnog umjetnika, stvara savremene nadrealne slike. Oni prikazuju poglede na gradove, ulice megagradova i stvorenja kao iz drugog svemira - duhove, zle duhove, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se može vidjeti netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.
Njene slike dostižu velike veličine i rijetko su ograničene na papir. Prebacuju se na kožu, plastične materijale.
2006. godine, u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih konstrukcija koje su danju i noću odražavale ljepotu prirode sela i grada. Jedan od njih je ukrasio stanicu podzemne željeznice.
Hej Arakawa
Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom u klasičnom smislu te riječi – on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, kao i rada cijelog tima.
Ei Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer, u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini i zasluženo prima razne nagrade.
Ikenaga Yasunari
Moderni slikar Ikenaga Yasunari uspio je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnoj formi i tradicionalne tehnike Japana potiču iz antike. U svom radu slikar koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugalj. Umjesto uobičajenog lana - lanena tkanina.
Ikenaga Yasunari slika
Ova tehnika suprotstavljanja prikazanog doba i izgleda junakinja stvara utisak da su nam se vratile iz prošlosti.
Seriju slika o složenosti života krokodila, koja je nedavno postala popularna u internet zajednici, kreirao je i japanski karikaturist Keigo.
Zaključak
Dakle, japansko slikarstvo je nastalo oko 3. veka pre nove ere, i od tada se mnogo promenilo. Prve slike su primijenjene na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.
U eri novog doba, majstori kista sve više dobijaju individualnost, stvaraju različite pravce, škole. Današnja vizualna umjetnost nije ograničena samo na tradicionalno slikarstvo – koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne strukture.
Hvala vam puno na pažnji, dragi čitaoci! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetničke umjetnosti omogućile su da ih bolje upoznate.
Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak ka poznavanju japanskog slikarstva.
I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!
Umjetnost i dizajn
2904
01.02.18 09:02
Današnja umjetnička scena u Japanu je vrlo raznolika i provokativna: gledajući radove majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, pomislit ćete da ste sletjeli na drugu planetu! Dom je inovatora koji su promijenili pejzaž industrije na globalnoj razini. Evo liste 10 savremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerovatnih stvorenja Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do živopisnog svemira Kusame.
Od futurističkih svjetova do isprekidanih sazviježđa: savremeni japanski umjetnici
Takashi Murakami: tradicionalist i klasik
Počnimo od junaka prilike! Takashi Murakami je jedan od najpoznatijih japanskih savremenih umjetnika, koji radi na slikama, skulpturama velikih razmjera i modi. Murakamijev stil je pod utjecajem mange i animea. Osnivač je pokreta Superflat, koji podržava japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje kolege savremenike, neke od njih ćemo također upoznati danas. "Subkulturni" radovi Takashi Murakamija predstavljeni su na tržištu mode i umjetnosti. Njegov provokativni film Moj usamljeni kauboj (1998.) prodat je u Njujorku na Sotheby's 2008. za rekordnih 15,2 miliona dolara. Murakami je sarađivao sa svjetski poznatim brendovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i njen nadrealni univerzum
Članica umjetničke produkcijske kuće Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oba osnovao Takashi Murakami), Chiho Ashima poznata je po svojim fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealističke snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice prikazane u pozadini neobične prirode. Njeni radovi su obično velikih razmera i štampani na papiru, koži, plastici. Ova savremena japanska umjetnica je 2006. godine učestvovala na Art on the Underground u Londonu. Ona je stvorila 17 uzastopnih lukova za platformu - magični pejzaž se postepeno pretvarao iz dana u noć, iz urbanog u ruralni. Ovo čudo je procvjetalo na stanici metroa Gloucester Road.
Chiharu Shima i beskonačne niti
Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Centralne teme njenog rada su zaborav i sećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, kao i suočavanje sa anksioznošću. Najpoznatija djela Čiharua Šiote su neprobojne mreže crnih niti koje obavijaju mnoge kućne i lične predmete kao što su stare stolice, vjenčanica, izgorjeli klavir. U ljeto 2014. Shiota je povezala više od 300 cipela i čizama koje su joj donirane nitima od crvenog prediva i objesila ih na kuke. Čiharuova prva izložba u njemačkoj prijestolnici održana je tokom Berlinske sedmice umjetnosti 2016. godine i izazvala je senzaciju.
Hej Arakawa: svuda, ne bilo gdje
Ei Arakawa je inspirisan stanjima promjena, periodima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i timskog rada. Kredo savremenog japanskog umetnika definisan je performativnim neodređenim "svuda ali nigde". Njegove kreacije pojavljuju se na neočekivanim mjestima. Godine 2013. Arakavin rad je bio izložen na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanske savremene umjetnosti u Mori Art Museum (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014) nastala je u saradnji sa umjetnicom Carissom Rodriguez iz New Yorka i predstavljena je na Whitney Biennaleu. Takođe 2014. godine, Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući kao duet pod nazivom United Brothers, ponudili su posetiocima Frieze London njihov "rad" "The This Soup Taste Ambivalent" sa "radioaktivnim" Fukushima daikon korenima.
Koki Tanaka: Odnos i ponavljanje
Koki Tanaka je 2015. godine proglašen za umjetnika godine. Tanaka istražuje zajedničko iskustvo kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između učesnika u projektu i zalaže se za nova pravila za saradnju. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od video zapisa objekata koji pretvaraju prostor u platformu za razmjenu umjetnosti. Instalacije Kokija Tanake (ne treba ih brkati s njegovim punim imenom glumca) ilustruju odnos između objekata i radnji, na primjer, video sadrži snimak jednostavnih gesta izvedenih običnim predmetima (nož rezanje povrća, pivo koje se sipa u čašu, otvaranje kišobrana). Ne dešava se ništa značajno, ali opsesivno ponavljanje i pažnja na najsitnije detalje čine da gledalac ceni svakodnevicu.
Mariko Mori i aerodinamičnim oblicima
Još jedna savremena japanska umjetnica, Mariko Mori, "dočara" multimedijalne objekte, kombinirajući video zapise, fotografije, objekte. Ima minimalističku futurističku viziju i uglađene, nadrealne forme. Tema koja se ponavlja u Mauryjevom radu je suprotstavljanje zapadnjačke legende sa zapadnom kulturom. Godine 2010. Mariko je osnovala Fau fondaciju, obrazovnu kulturnu neprofitnu organizaciju, za koju je proizvela niz svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. Nedavno je stalna instalacija Fondacije, Prsten: Jedno s prirodom, podignuta iznad slikovitog vodopada u Resendeu blizu Rio de Janeira.
Ryoji Ikeda: Sinteza zvuka i videa
Ryoji Ikeda je novi medijski umjetnik i kompozitor čiji se rad uglavnom odnosi na zvuk u različitim "sirovim" stanjima, od sinusoidnih zvukova do šumova koji koriste frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove instalacije koje oduzimaju dah uključuju kompjuterski generisane zvukove koji se vizuelno pretvaraju u video projekcije ili digitalne šablone. Ikedini audiovizuelni umetnički objekti koriste razmeru, svetlost, senku, jačinu zvuka, elektronske zvukove i ritam. Umetnikov čuveni testni objekat sastoji se od pet projektora koji osvetljavaju prostor dužine 28 metara i širine 8 metara. Jedinica pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u bar kod i binarne obrasce nula i jedinica.
Tatsuo Miyajima i LED brojači
Moderni japanski vajar i montažer Tatsuo Miyajima u svojoj umjetnosti koristi električna kola, video zapise, kompjutere i druge sprave. Glavni koncepti Miyajima inspirisani su humanističkim idejama i budističkim učenjima. LED brojila u njegovoj postavci neprekidno trepću u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koja je predstavljena 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovom radu). Sveprisutni brojevi u mrežama, tornjevima i dijagramima izražavaju Miyajimovo zanimanje za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Ne tako davno, Miyajimin objekat Strela vremena prikazan je na inauguracionoj izložbi "Nepotpune misli vidljive u Njujorku".
Nara Yoshimoto i zla djeca
Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa, teme koje odražavaju dječji osjećaj dosade i frustracije i žestoku nezavisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotoovog rada podsjeća na tradicionalne ilustracije knjiga, mješavinu nemirne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. Godine 2011. Muzej Azijskog društva u Njujorku bio je domaćin Yoshitomove prve samostalne izložbe pod nazivom "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", koja pokriva dvadesetogodišnju karijeru savremenog japanskog umjetnika. Izložbe su bile usko povezane sa svjetskim omladinskim subkulturama, njihovom otuđenošću i protestom. .
Yayoi Kusama i prostor koji raste u čudnim oblicima
Neverovatna kreativna biografija Yayoi Kusame obuhvata sedam decenija. Za to vreme, neverovatna Japanka uspela je da prouči oblasti slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, bioskopa, graviranja, ekološke umetnosti, instalacije, kao i književnosti, mode i modnog dizajna. Kusama je razvila vrlo prepoznatljiv stil dot art koji je postao njen zaštitni znak. Iluzorne vizije predstavljene u radovima 88-godišnje Kusame - kada se čini da je svijet prekriven čudnim oblicima koji se razmnožavaju - rezultat su halucinacija koje je iskusila od djetinjstva. Prepoznatljive su sobe sa šarenim tačkama i "beskonačnim" ogledalima koja odražavaju njihove nakupine, ne mogu se pobrkati ni sa čim drugim.
