Rene Magritte ความหมายของภาพวาด “การทรยศต่อภาพ” หรือนี่ไม่ใช่…. ลักษณะเด่นของสถิตยศาสตร์

28.02.2019

หนึ่งใน ศิลปินที่โดดเด่นศตวรรษที่ผ่านมา Rene Magritte (พ.ศ. 2441-2510) มาจากเบลเยียม ในปี 1912 แม่ของเขาจมน้ำตายในแม่น้ำซึ่งเห็นได้ชัดว่าสร้างความประทับใจให้กับศิลปินในอนาคตซึ่งตอนนั้นยังเป็นวัยรุ่นอยู่ อย่างไรก็ตาม ตรงกันข้ามกับความเชื่อที่นิยม ไม่ควรประเมินอิทธิพลของเหตุการณ์นี้ต่องานของผู้เขียนสูงเกินไป Magritte นำความทรงจำอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งกลับมาจากวัยเด็กของเขา ซึ่งไม่น่าเศร้านัก แต่ก็ไม่น้อยไปกว่าความทรงจำที่ลึกลับซึ่งเขาบอกว่าสะท้อนให้เห็นในงานของเขา

เขาได้รับการศึกษาที่ Academy of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์ ในตอนแรกเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Dada และ Cubism ปี พ.ศ. 2468 เป็นจุดเปลี่ยนในงานของเขา: ภาพวาด "Roses of Picardy" ถือเป็นรูปแบบใหม่และทัศนคติใหม่ - "ความสมจริงของบทกวี" ศิลปินย้ายไปที่ "ศูนย์กลางของสถิตยศาสตร์" - ปารีสซึ่งเขาเข้าร่วมในนิทรรศการสถิตยศาสตร์ทั้งหมด และในปี พ.ศ. 2481 หอศิลป์ลอนดอนได้จัดนิทรรศการสำคัญครั้งแรกของปรมาจารย์ชาวเบลเยียม

ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 งานศิลปะของ Magritte มีเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ การยอมรับในระดับสากลตามหลักฐานของเขา นิทรรศการขนาดใหญ่ในโรม ลอนดอน นิวยอร์ก ปารีส บรัสเซลส์ ในปี 1956 Magritte ได้รับรางวัล Guggenheim Prize อันทรงเกียรติในฐานะตัวแทนที่โดดเด่นของวัฒนธรรมเบลเยียม

ลักษณะสำคัญของ Magritte คือบรรยากาศแห่งความลึกลับในผลงานของเขา อย่างที่เราทราบความรู้สึกลึกลับนั้นมีอยู่ในงานศิลปะที่แท้จริง “ฉันถือว่า Magritte เป็นศิลปินในจินตนาการมาโดยตลอด เป็นผู้เชี่ยวชาญในระดับเดียวกับ Giorgione” เฮอร์เบิร์ต รีด เขียน คำเหล่านี้มีกุญแจสำคัญในบทกวีของ Magritte

ในภาพวาด "False Mirror" (1929) ซึ่งแสดงถึงลัทธิความเชื่อทางอุดมการณ์ของศิลปิน พื้นที่ทั้งหมดถูกครอบครองโดยภาพของดวงตาขนาดใหญ่ แทนที่จะเห็นม่านตา ผู้ชมจะเห็นท้องฟ้าสีฟ้าในฤดูร้อนและมีเมฆโปร่งใสลอยอยู่เหนือท้องฟ้า ชื่ออธิบายแนวคิดของภาพวาด: ความรู้สึกสะท้อนเฉพาะรูปลักษณ์ภายนอกของสิ่งต่าง ๆ เท่านั้นโดยไม่ถ่ายทอดความลับที่ซ่อนอยู่ของโลก ตามข้อมูลของ Magritte มีเพียงความช่วยเหลือที่เข้ากันไม่ได้เท่านั้นที่จะเข้าใจความหมายของการดำรงอยู่ ภาพสามารถเกิดจากการบรรจบกันของความเป็นจริงที่อยู่ห่างไกลสองแห่งไม่มากก็น้อยเท่านั้น

Magritte จะปฏิบัติตามวิธีนี้ตลอด เส้นทางที่สร้างสรรค์ซึ่งเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพวาด "เชิงปรัชญา" ของเขา หนึ่งในนั้นคือ "Hegel's Vacation" (1958)

“ ภาพวาดครั้งสุดท้ายของฉัน” เขาเขียน“ เริ่มด้วยคำถาม: จะวาดภาพแก้วน้ำในภาพในลักษณะที่จะไม่แยแสกับเราได้อย่างไร แต่ในขณะเดียวกัน ในลักษณะที่มัน จะไม่แปลกประหลาดเป็นพิเศษโดยพลการหรือไม่มีนัยสำคัญ หนึ่ง. ในคำที่สามารถพูดได้: ยอดเยี่ยม (ปล่อยให้ความอับอายที่ไม่จำเป็นออกไป)
ฉันเริ่มวาดแว่นตาทีละอัน (สามภาพร่าง) แต่ละครั้งด้วยการขีดขวาง (ภาพร่าง) หลังจากหนึ่งร้อยหรือร้อยห้าสิบ
การวาดภาพ จังหวะค่อนข้างกว้างขึ้น (ร่าง) ตอนแรกร่มยืนอยู่ในกระจก (ร่าง) แต่สุดท้ายก็ไปอยู่ใต้กระจก (ร่าง)
ฉันจึงพบวิธีแก้ปัญหาสำหรับคำถามเดิมที่ว่า จะสามารถถ่ายทอดแก้วน้ำออกมาได้อย่างยอดเยี่ยมได้อย่างไร ในไม่ช้าฉันก็รู้ว่าวิชานี้อาจเป็นที่สนใจของ Hegel อย่างมาก (เขาก็เป็นอัจฉริยะเช่นกัน) เพราะวิชาของฉันผสมผสานสองสิ่งที่ขัดแย้งกันเข้าด้วยกัน
ความปรารถนา: ไม่ต้องการน้ำ (ขับไล่มัน) และต้องการน้ำ (หยิบมันขึ้นมา) ฉันคิดว่าเขาคงจะชอบหรือคิดว่ามันตลก (เช่น ในช่วงวันหยุด) นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันเรียกภาพวาดนี้ว่า "วันหยุดของเฮเกล"

Magritte โดดเด่นอย่างมากในหมู่นักสถิตยศาสตร์: ต่างจากพวกเขา เขาใช้องค์ประกอบที่ไม่น่าอัศจรรย์ แต่เป็นองค์ประกอบในชีวิตประจำวันซึ่งเกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ที่แปลกประหลาด นั่นคือของเขา ภาพวาดที่มีชื่อเสียง"ทรัพย์สินส่วนบุคคล" (2495)

“กุญแจ” ในที่นี้ก็กลายเป็นชื่อเช่นกัน “ส่วนบุคคล” นั้นมีมากเกินไปจนมีขนาดมหึมา ห้องกลายเป็น "พิภพเล็ก ๆ" ปิดและบีบแม้จะมีท้องฟ้าที่มีเมฆลอยข้ามแทนที่จะเป็นผนังก็ตาม ทุกสิ่งที่นี่เปลี่ยนไปอย่างน่าประหลาด ราวกับว่าพวกมันมีชีวิตขึ้นมา ได้รับรูปลักษณ์ที่ไม่เป็นประโยชน์ แม้ว่าเช่นเคยกับ Magritte วัตถุต่างๆ จะไม่เปลี่ยนรูปลักษณ์ พื้นผิว สี และ "จดจำได้" อย่างสมบูรณ์แบบ ผู้ชมต่างชื่นชมความแวววาวสีน้ำเงินของกระจก พื้นผิวของเฟอร์นิเจอร์ไม้ และทักษะในการถ่ายทอดภาพสะท้อนของกระจก ราวกับกำลังผ่านไป แต่ผ่านไปอย่างแม่นยำเพราะวัตถุดูเหมือนจะได้รับอิสรภาพราวกับว่าพวกมันพูดในนามของเจ้าของโดยแย่งชิงบทบาท "ผู้นำ" ของเขาโดยสิ้นเชิง พวกเขาเองได้กลายเป็น "บุคลิก" และดูเหมือนว่าจะมีการสนทนากันเอง

คุณลักษณะอย่างหนึ่งของภาพวาดของ Magritte ในยุคแรกคือ "วรรณกรรม" ในตัว ในทางที่ดีคำ. Magritte เคลื่อนไหวอยู่ในแวดวงกวี นักปรัชญา นักเขียน และการศึกษา งานเชิงทฤษฎีโรแมนติกที่มีชื่อเสียงของศตวรรษที่ 19 เขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของกวีและนักปรัชญาแนวโรแมนติกชาวอังกฤษในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 ซามูเอล เทย์เลอร์ โคเลอริดจ์ ผู้ซึ่งเป็นคนแรกที่ได้รับความเคารพนับถือในเชิงสัญลักษณ์ในงานศิลปะ - เช่น "การอยู่ใต้บังคับบัญชาของสสารต่อจิตวิญญาณโดยสมบูรณ์ซึ่งสสารจะกลายเป็นสัญลักษณ์ที่วิญญาณจะเปิดเผยตัวเอง"

โดยเฉพาะอย่างยิ่งแนวคิดนี้แสดงให้เห็นโดยภาพวาดชื่อดังของ Magritte เรื่อง "Liberation" ("Flight into the Fields") ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1933

ภูมิทัศน์ที่แปลกประหลาดเปิดออก หน้าต่างแตก. เนินเขาเขียวขจียามเย็น ต้นไม้สีฟ้าทรงกลม ท้องฟ้าใสดุจไข่มุก ระยะห่างสีน้ำเงิน ศิลปินสร้างอารมณ์แห่งความอิ่มเอมใจ ความคาดหวังในสิ่งที่ไม่ธรรมดาและมหัศจรรย์โดยใช้เทคนิคการวาดภาพโทนสีอย่างชาญฉลาด ม่านบังแสงอันอบอุ่นที่อยู่เบื้องหน้าช่วยเพิ่มความรู้สึกโปร่งสบายของทิวทัศน์ที่น่าหลงใหลนี้... ภาพวาดของ Magritte ดูเหมือนจะทำด้วยมือที่สงบและกล้าหาญ ผู้เชี่ยวชาญด้านสี Magritte ใช้มันเท่าที่จำเป็นและเท่าที่จำเป็น ใน "การปลดปล่อย" สัญลักษณ์ของสีใช้เพื่อแสดงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อน จุดสีน้ำเงิน ชมพู เหลือง และดำทำให้ภาพมีความสมบูรณ์และมีชีวิตชีวาอย่างน่าทึ่ง

ความคิดริเริ่มของงานของ Rene Magritte จะถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่มากขึ้นหากเราหันไปที่หัวข้อ "สถิตยศาสตร์และลัทธิฟรอยด์" นักทฤษฎีหลักของสถิตยศาสตร์ Andre Breton จิตแพทย์โดยอาชีพให้ความสำคัญกับการวิเคราะห์จิตวิเคราะห์ของ Freud อย่างเด็ดขาดเมื่อประเมินผลงานของศิลปิน มุมมองของฟรอยด์ไม่เพียงแต่ถูกนำมาใช้โดยนักสถิตยศาสตร์จำนวนมากเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นวิธีคิดของพวกเขาอีกด้วย ตัวอย่างเช่น สำหรับซัลวาดอร์ ดาลี โลกแห่งความคิดของฟรอยด์มีความหมายพอๆ กับโลกแห่งพระคัมภีร์สำหรับซัลวาดอร์ ดาลี ศิลปินยุคกลางหรือความสงบสุข ตำนานโบราณ- สำหรับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

"วิธีการสมาคมอย่างอิสระ" เสนอโดยซิกมันด์ ฟรอยด์ "ทฤษฎีข้อผิดพลาด" ของเขา และ "การตีความความฝัน" มีวัตถุประสงค์หลักเพื่อระบุความผิดปกติทางจิตอันเจ็บปวดเพื่อจุดประสงค์ในการรักษา การตีความงานศิลปะที่เสนอโดยฟรอยด์ก็มุ่งเป้าไปที่สิ่งนี้เช่นกัน แต่ด้วยความเข้าใจนี้ ศิลปะจึงถูกจำกัดให้เป็นเพียงปัจจัยส่วนตัว หรือพูดง่ายๆ ก็คือปัจจัย "การรักษา" นี่คือความเข้าใจผิดของแนวทางของนักทฤษฎีเกี่ยวกับสถิตยศาสตร์ต่องานศิลปะ Magritte ตระหนักดีถึงเรื่องนี้ โดยระบุไว้ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาในปี 1937 ว่า “อย่างที่ฉันเข้าใจ ศิลปะนั้นไม่ได้ขึ้นอยู่กับจิตวิเคราะห์ มันเป็นปริศนาเสมอ” ศิลปินปฏิบัติต่อความพยายามที่จะตีความภาพวาดของเขาด้วยความช่วยเหลือของจิตวิเคราะห์อย่างแดกดัน:“ พวกเขาตัดสินใจว่า "โมเดลสีแดง" ของฉันเป็นตัวอย่างของการตอนที่ซับซ้อน หลังจากฟังคำอธิบายประเภทนี้หลายครั้งฉันก็วาดภาพตาม " กฎ” ของจิตวิเคราะห์ โดยธรรมชาติแล้ว พวกเขาวิเคราะห์ในลักษณะเดียวกันอย่างเลือดเย็น มันแย่มากที่เห็นว่าคนที่วาดภาพไร้เดียงสาเพียงภาพเดียวสามารถถูกเยาะเย้ยได้อย่างไร... บางทีจิตวิเคราะห์เอง - ธีมที่ดีที่สุดสำหรับนักจิตวิเคราะห์”

นี่คือสาเหตุที่ Magritte ดื้อรั้นปฏิเสธที่จะเรียกตัวเองว่า "เซอร์เรียลลิสต์" เขายินดียอมรับลักษณะนิสัย” สัจนิยมที่มีมนต์ขลัง" ทิศทางนี้เป็นลักษณะของ "ยุคเบลเยียม" ของงานของเขา - เริ่มต้นในปี 1930 เมื่อ Magritte กลับจากปารีสไปบรัสเซลส์อย่างดี

ประเพณีของศิลปะดัตช์โบราณมีอิทธิพลอย่างดีต่องานของ Magritte ในภาพวาด "การลอกเลียนแบบ" (1960) รายละเอียดเชิงสัญลักษณ์หลายประการดึงดูดความสนใจ

ทางด้านซ้ายบนโต๊ะเราเห็นรูปรังและไข่สามฟองซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของตรีเอกานุภาพ เช่นเดียวกับพ่อมด ดูเหมือนว่าศิลปินจะสร้างภาพจินตนาการของเขาให้ปรากฏต่อหน้าต่อตาเรา และพวกเขาก็กลายเป็นสวนผลไม้ที่สวยงามซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของจินตนาการที่สร้างสรรค์ที่มีชีวิต Magritte สร้างสรรค์จิตวิญญาณอันละเอียดอ่อน ภาพบทกวี. เมื่อไตร่ตรองภาพใคร ๆ ก็สามารถชื่นชมเฉดสีชมพูฟ้าและมุกที่ละเอียดอ่อนที่สุดเท่านั้นซึ่งเป็นภาพที่น่าอัศจรรย์อย่างแท้จริง

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Magritte พร้อมด้วยศิลปะของ Bosch ศึกษาอย่างลึกซึ้งในผลงานของเพื่อนร่วมชาติ นักเขียนบทละคร และนักปรัชญา Maurice Maeterlinck ซึ่งย้อนกลับไปในปี 1889 ในคอลเลกชัน "เรือนกระจก" เขียนว่า: "สัญลักษณ์คือพลังแห่งธรรมชาติ แต่จิตใจมนุษย์ไม่สามารถต้านทานได้ กฎของมัน... หากไม่มีสัญลักษณ์ ก็ไม่มีงานศิลปะ"

Magritte เป็นหนี้ Maeterlinck ความสามารถในการพัฒนาการเปรียบเทียบในเครือข่ายภาพที่จินตนาการของศิลปินแปลงเป็นโลกแห่งความเป็นจริง ในภาพวาด "ความบ้าคลั่งแห่งความยิ่งใหญ่" (พ.ศ. 2491) มีภาพเทียนที่กำลังลุกไหม้อยู่บนเชิงเทินหินโดยมีฉากหลังเป็นทะเลสีฟ้าอันไม่มีที่สิ้นสุด - เป็นสัญลักษณ์ของความเปราะบาง ชีวิตมนุษย์. บริเวณใกล้เคียงมีลำตัวผู้หญิงหลายตัวงอกออกมาจากกัน (สัญลักษณ์ของราคะ) และบนท้องฟ้าที่มีเมฆเยือกแข็งสวยงาม (สำหรับ Magritte - สัญลักษณ์แห่งความอมตะ) ผู้ชมจะเห็นรูปทรงเรขาคณิตสีน้ำเงินที่ "ไม่มีตัวตน" ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของ "ความคิดที่บริสุทธิ์" และ บอลลูน- สัญลักษณ์ของนามธรรม "ความคิดบริสุทธิ์"

ด้วยความช่วยเหลือของการคิดอย่างประณีต ช่วงสีศิลปิน “ชี้แจง” แนวคิดหลัก “ราคะ” ของเขาเป็นสีเนื้ออบอุ่น “Pure Forms” ได้รับการออกแบบด้วยโทนสีฟ้าเย็นๆ ซึ่งสอดคล้องกับสัญลักษณ์และในขณะเดียวกันก็สร้างความรู้สึกถึงพื้นที่ที่ไร้ขีดจำกัด

“เราเดินไปตามหุบเขาอย่างสุ่มๆ โดยไม่รู้ว่าการเคลื่อนไหวทั้งหมดของเรานั้นถูกสร้างขึ้นมาและได้รับการเคลื่อนไหวเหล่านั้นเอง ความหมายที่แท้จริง“ บนยอดเขา” Maeterlinck เขียนในบทความของเขาเรื่อง "สมบัติของผู้ต่ำต้อย" "และจำเป็นต้องมีคนมาหาเราเป็นครั้งคราวและพูดว่า: เงยหน้าขึ้นมองสิ่งที่คุณเป็นดูว่าคุณเป็นอย่างไร กำลังทำ." เราไม่ได้อยู่ที่นี่ ชีวิตของเราอยู่บนนั้น ที่เราสบตากันในความมืด ถ้อยคำที่ไม่มีความหมาย ณ ตีนเขา จงมองดูว่ามันกลายเป็นอะไร และมีความหมายอย่างไร เหนือความสูงของหิมะ

ความคิดของ Maeterlinck นี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของ Magritte เรื่อง "The Possession of Arnheim" (1962)

ศิลปินเชื่อโดยทุบกระจกที่มีภาพปลอมวาดอยู่เท่านั้นจึงจะมองเห็นความเป็นจริงในความงดงามอันเจิดจ้าของมัน ที่นี่ บนยอดเขาที่ Maeterlinck พูดถึง มีความจริงแฝงตัวอยู่

ภาพวาด "An Unexpected Answer" (1933) รวบรวมความคิดอีกประการหนึ่งของ Maeterlinck: "ไม่มีวันไม่สำคัญในชีวิต ไป กลับมา ออกไปอีกครั้ง - คุณจะพบสิ่งที่คุณต้องการในยามพลบค่ำ แต่อย่าลืมว่าคุณเป็น ใกล้ประตู นี่"บางทีอาจเป็นรอยแตกแคบ ๆ ในประตูแห่งความมืดซึ่งเรามีโอกาสได้เห็นทุกสิ่งที่กำลังจะเกิดขึ้นในถ้ำสมบัติที่ยังไม่มีใครค้นพบสักครู่ ”

ภาพวาดดูเหมือนเป็นสัญลักษณ์ของความลึกลับที่น่าตื่นเต้น - ทุกสิ่งที่นี่มีความสำคัญ "เป็นธรรมชาติ" หากคำจำกัดความนี้สามารถนำมาประกอบกับองค์ประกอบที่ลึกลับและลึกลับที่สุดชิ้นหนึ่งของ Magritte “ประตูที่ถูกแฮ็ก” ที่เปิดอยู่เป็นสัญลักษณ์ของอีกมิติหนึ่งซึ่งเต็มไปด้วยความลึกลับมากมาย

นักเขียนบางคนที่เขียนเกี่ยวกับ Magritte ประกาศว่าเขาเป็น "ศิลปินแห่งความไร้สาระ" ซึ่งภาพวาดไม่มีความหมายใดๆ หากเป็นกรณีนี้ หากเป้าหมายของศิลปินคือการพรรณนาเพียง "ความไร้สาระของการดำรงอยู่ในแต่ละวันของเรา" เท่านั้น คงจะเป็นความคิดสร้างสรรค์ในระดับปริศนา ไม่ใช่งานศิลปะที่จริงจัง Magritte เขียนว่า “เราสุ่มถามรูปภาพ แทนที่จะฟัง และเราก็แปลกใจเมื่อคำตอบที่เราได้รับไม่ตรงไปตรงมา”

งานศิลปะของเขามักถูกเรียกว่า "ฝันกลางวัน" ศิลปินชี้แจงว่า “ภาพวาดของฉันไม่ใช่ความฝันที่ทำให้คุณหลับ แต่เป็นความฝันที่ปลุกคุณ” ไม่ใช่เพื่ออะไร Max Ernst นักเหนือจริงผู้โด่งดังซึ่งได้เห็นนิทรรศการของเขาในนิวยอร์กเมื่อต้นทศวรรษ 1950 กล่าวว่า: "Magritte ไม่หลับและไม่ตื่น เขาส่องสว่าง เขาพิชิตโลกแห่งความฝัน"

“หากปราศจากความลึกลับ ทั้งโลกและความคิดก็เป็นไปไม่ได้” Magritte ไม่เคยเบื่อที่จะพูดซ้ำ และเพื่อเป็นการบรรยายถึงหนึ่งในภาพเหมือนตนเอง เขาจึงหยิบยกเรื่องขึ้นมา กวีชาวฝรั่งเศสศตวรรษที่สิบเก้า Lautreamont: “บางครั้งฉันก็ฝัน แต่ฉันไม่เคยสูญเสียความรู้สึกถึงตัวตนของตัวเองเลยแม้แต่วินาทีเดียว”

ดังนั้นการตีความ "ภายในและภายนอก" อย่างไม่คาดคิดในผลงานของ Magritte

นี่คือคำอธิบายของศิลปินเกี่ยวกับภาพวาดของเขา “Frames of Life” (1934): “ที่ด้านหน้าของหน้าต่างซึ่งเราเห็นจากภายในห้องฉันวางภาพวาดที่แสดงถึงส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์ที่มันครอบคลุม ดังนั้น ต้นไม้ในภาพบดบังต้นไม้ที่ยืนอยู่ด้านหลังซึ่งอยู่ด้านนอก สำหรับผู้ดู ต้นไม้จะอยู่ในห้องในภาพและด้านนอกพร้อมกันในภูมิทัศน์ที่แท้จริง นี่คือวิธีที่เราเห็นโลก เราเห็นมันภายนอกเราและที่ ขณะเดียวกันเราก็เห็นความเป็นตัวแทนในตัวเราเอง ด้วยเหตุนี้ บางครั้งเราจึงวางอดีตถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในปัจจุบัน ดังนั้น เวลาและอวกาศจึงหลุดพ้นจากความหมายอันเล็กน้อยซึ่งจิตสำนึกธรรมดามอบให้"

Herbert Read ตั้งข้อสังเกตว่า: “Magritte โดดเด่นด้วยความรุนแรงของรูปแบบของเขาและการมองเห็นที่ชัดเจน สัญลักษณ์ของเขานั้นบริสุทธิ์และโปร่งใสเหมือนกระจกหน้าต่างที่เขาชอบวาดภาพ Rene Magritte เตือนเกี่ยวกับความเปราะบางของโลก กระจกแตก: กลายเป็นน้ำแข็งอย่างเห็นได้ชัดขณะบิน ภาพตกลงมาเรียงกันเป็นแถวเหมือนน้ำแข็งลอย" นี่เป็นตัวอย่างหนึ่งของการตีความคำอุปมาอุปมัยแบบหลายมิติของ Magritte ที่เป็นไปได้ ลวดลายหน้าต่างกระจกของศิลปินคนนี้ยังมองเห็นได้ว่าเป็นเส้นแบ่งระหว่างสองโลก - ของจริงกับของเหนือจริง บทกวีและของในชีวิตประจำวัน ระหว่างจิตสำนึกและจิตไร้สำนึก

ในภาพวาด “Son of Man” (1964) มีการแสดงภาพชายสมัยใหม่โดยมีฉากหลังเป็นกำแพงที่แยกเขาออกจากมหาสมุทรและท้องฟ้าอันกว้างใหญ่ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไม่มีที่สิ้นสุด แอปเปิ้ลห้อยอยู่ตรงหน้าบุคคลเพิ่มความลึกลับให้กับภาพ แอปเปิ้ลนี้สามารถรับรู้ได้ทั้งว่าเป็นผลไม้จากต้นไม้แห่งความรู้และเป็นสัญลักษณ์ของธรรมชาติที่มนุษย์พยายามทำความเข้าใจ ในขณะเดียวกันรายละเอียดนี้ให้ความกลมกลืนกับรูปลักษณ์ที่น่าเบื่อของชนชั้นกลางที่เรียบร้อย

ภาพวาด "Golconda" (1953) ถือได้ว่าเป็นอุปมาอุปไมย: คนที่ "มีน้ำหนัก" กลายเป็นคนไร้น้ำหนัก มีการประชดที่ซ่อนอยู่ในชื่อ: Golconda เป็นเมืองกึ่งตำนานในอินเดียซึ่งมีชื่อเสียงในด้านแหล่งสะสมทองคำและเพชร และดูเหมือนว่าคนเหล่านี้จะถูกดึงดูดด้วยทองคำ ศิลปินแขวนอยู่ในพื้นที่ไร้ขอบเขตของผู้เช่าที่แต่งตัวเรียบร้อยหลายสิบคนพร้อมหมวกกะลา เนคไท และเสื้อโค้ททันสมัย ในขณะที่ยังคงรักษาความสงบเรียบร้อย

บนหนึ่งใน ภาพวาดตอนปลาย Magritte, “Ready Bouquet” (1956) ชายสวมหมวกกะลาและหางแบบเดียวกัน ยืนหันหลังให้ผู้ชมบนระเบียง ครุ่นคิดถึงสวนสาธารณะยามเย็น และบนหลังของเขามีภาพ "ฤดูใบไม้ผลิ" โดยบอตติเชลลีกำลังเดินอยู่ในดอกไม้และสีสันอันสดใส นี่คืออะไร? ตระหนักถึงคำพังเพยที่ว่า “มนุษย์ผ่านไป ศิลปะยังคงอยู่”? หรือบางทีคนที่ชื่นชมสวนสาธารณะอาจจำภาพวาดของบอตติเชลลีได้? คำตอบไม่ชัดเจน

ศิลปินพยายามที่จะทำลายความคิดปกติของสิ่งที่เป็นที่รู้จักและไม่เปลี่ยนแปลงเพื่อให้เขามองเห็นวัตถุในมิติใหม่ซึ่งทำให้ผู้ชมเกิดความสับสน ในภาพเขียนของเขา เขาสร้างโลกแห่งจินตนาการและความฝันจากของจริง ทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับบรรยากาศแห่งความฝันและความลึกลับ ศิลปินรู้วิธี "กำกับ" ความรู้สึกของตนอย่างชาญฉลาด ดูเหมือนว่าโลกที่สร้างโดยศิลปินนั้นคงที่และแข็งแกร่ง แต่สิ่งไม่จริงก็บุกรุกเข้ามาทุกวันโดยทำลายโลกที่คุ้นเคยนี้ (แอปเปิ้ลธรรมดาในห้อง เติบโต ขับไล่ผู้คน หรือรถจักรไอน้ำกระโดดออกจากเตาผิงที่ ความเร็วเต็ม - "เจาะเวลา", 2482)

ภาพวาดที่ถูกคัดลอกบ่อยที่สุดคือ The Creation of Man (1935) ภาพท้องทะเลในภาพวาดบนขาตั้งที่ยืนอยู่หน้าหน้าต่างที่เปิดอยู่ ผสมผสานกับวิวทะเล “ของจริง” จากหน้าต่างได้อย่างน่าอัศจรรย์

แก่นของภาพวาดหลายชิ้นของ Magritte คือสิ่งที่เรียกว่า "ความจริงที่ซ่อนอยู่" ตัวอย่างเช่น ส่วนหนึ่งของภาพ เช่น ใบหน้าของตัวละครหลัก ถูกปกคลุมไปด้วยบางสิ่งบางอย่าง (แอปเปิ้ล ช่อดอกไม้ นก) Magritte อธิบายความหมายของผลงานเหล่านี้: “สิ่งที่น่าสนใจในภาพเขียนเหล่านี้คือการมีอยู่ของสิ่งที่เปิดอยู่และสิ่งที่ซ่อนอยู่ซึ่งจู่ๆ ก็ระเบิดเข้ามาในจิตสำนึกของเรา ซึ่งโดยธรรมชาติแล้วไม่เคยแยกจากกัน”

ในภาพวาด “The Lovers” เรอเน มากริตต์แสดงให้เห็นว่าเมื่อเรามีความรักอย่างแท้จริง ดวงตาของเราจะปิดลง

พยายามที่จะเข้าใจความหมายที่เข้าใจยากของภาพวาดของ Magritte เพื่อ "อธิบาย" พวกเขา จิตใจของผู้ชมก็คว้าทั้งสองอย่างเมามัน ศิลปิน "โยน" ชื่อภาพให้เขา (โดยปกติจะปรากฏหลังจากงานเสร็จสิ้น) Magritte ให้ชื่อนี้มีบทบาทชี้ขาดในการรับรู้ของภาพวาด ตามความทรงจำของญาติและเพื่อน ๆ เมื่อพูดถึงชื่อเขามักจะพูดคุยกับเพื่อนวรรณกรรม นี่คือสิ่งที่ศิลปินเองพูดเกี่ยวกับเรื่องนี้: "ชื่อเป็นตัวบ่งชี้การทำงานของภาพวาด" "ชื่อควรมีอารมณ์ที่มีชีวิต" "ชื่อที่ดีที่สุดสำหรับภาพวาดคือบทกวี ไม่ควรสอนอะไรเลย แต่กลับทำให้ประหลาดใจและหลงใหลแทน”

ชื่อภาพเขียนหลายชื่อเป็นวิทยาศาสตร์โดยเจตนาและมีการประชดอยู่ในนั้น: "ตะเกียงปรัชญา" (2480), "การสรรเสริญวิภาษวิธี" (2480), "ความรู้ทางธรรมชาติ" (2481), "บทความเกี่ยวกับความรู้สึก" (2487 ). ชื่ออื่นสร้างบรรยากาศของบทกวีลึกลับ: “บทสนทนาที่ถูกสายลมขัดจังหวะ” (1928), “กุญแจสู่ความฝัน” (1930), “ระยะเวลาที่เจ็บปวด” (1939), “อาณาจักรแห่งแสงสว่าง” (1950), “การดำรงอยู่ของพระเจ้า ห้อง” (1958)

ภาพวาด "Empire of Light" ถูกวาดโดย Magritte ใน ทศวรรษที่ผ่านมาชีวิต แต่บางทีก็กลายเป็นผลงานยอดนิยมของเขาในทันที เป็นที่นิยมมากจนนักสะสมจำนวนมากยอมจ่ายเงินเพียงเพื่อให้ได้แบบจำลองสักชิ้นไว้ในคอลเลกชันของตน

แล้วภาพนี้ล่ะที่โดนใจคนทั่วโลกคืออะไร? เมื่อมองดูอย่างรวดเร็ว ดูเหมือนว่าง่ายและไม่อวดดีด้วยซ้ำ บ้านริมทะเลสาบเล็กๆ หลังหนึ่งซ่อนอยู่ใต้ร่มเงาของต้นไม้ที่แผ่กระจาย หน้าต่างบนชั้น 2 สว่างไสวด้วยแสงอันอบอุ่น โดยมีโคมไฟอันโดดเดี่ยวส่องสว่าง แสงที่เป็นมิตรถึงนักเดินทางที่อาจอยู่ที่นี่ คืนที่มืดมิด. มันดูเหมือนเป็นค่ำคืนธรรมดาๆ ที่สมจริงสุดๆ ศิลปิน "ดั้งเดิม" คนไหนก็สามารถวาดภาพแบบนี้ได้

แต่นี่เป็นเรื่องจริงเหรอ? แล้วเหตุใดจึงเกิดความไม่สบายใจที่คลุมเครือขึ้น ทำให้ผู้ชมต้องเพ่งดูรูปภาพมากขึ้นเรื่อยๆ? ความวิตกกังวลนี้จะไม่หายไปจนกว่าจะชัดเจน - ท้องฟ้านั่นคือสิ่งที่เป็นทั้งหมด! ท้องฟ้าซึ่งมีเมฆปุยสีขาวลอยอยู่อย่างสนุกสนาน และนี่ ตอนดึก! อย่าถามว่าสิ่งนี้เป็นไปได้อย่างไร เพราะในโลกของ Magritte ไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้ ไม่เหมือนใคร ศิลปินคนนี้ชอบที่จะเชื่อมโยงสิ่งที่เข้ากันไม่ได้ โดยแนะนำรายละเอียดภาพวาดของเขาที่ตัดกันอย่างรุนแรงจนผู้ชมรู้สึกตกใจเล็กน้อยในครั้งแรก แต่แล้วจิตใจของเขาก็เริ่มทำงานอย่างเข้มข้นเป็นทวีคูณ พยายามค้นหาวิธีแก้ปัญหา ปริศนาที่นำเสนอ

Magritte พูดเรื่องนี้เอง: "ฉันรวมกันใน "อาณาจักรแห่งแสง" แนวคิดที่แตกต่างกล่าวคือ - ภูมิทัศน์ตอนกลางคืนและท้องฟ้าในเวลากลางวันอันรุ่งโรจน์ ภูมิทัศน์ทำให้เรานึกถึงกลางคืน ท้องฟ้า และกลางวัน ในความคิดของฉัน ปรากฏการณ์ที่เกิดขึ้นทั้งกลางวันและกลางคืนพร้อมกันนี้มีพลังที่สร้างความประหลาดใจและน่าหลงใหล และฉันเรียกสิ่งนี้ว่าบทกวีแห่งพลัง”

เรเน่ มากริตต์ นั่นเอง

“ภาพเหมือนตนเอง” (“Clear Eye”)

เมื่อนึกถึงวัยเด็ก เขาเขียนว่า “ฉันจำความประหลาดใจของฉันได้เมื่อเห็นกระดานหมากรุกและตัวหมากบนนั้นเป็นครั้งแรก ความประทับใจสยอง! แผ่นเพลงที่มีสัญญาณลึกลับแทนเสียงและไม่ใช่คำพูด!” นี่อันเล็กอันหนึ่ง ทำงานช่วงแรกศิลปิน - "The Lost Jockey" ซึ่งกลายเป็นแถลงการณ์ที่สร้างสรรค์ของเขา

นักขี่ม้าคนหนึ่งซึ่งเร่งรีบด้วยความเร็วสูงสุดบนหลังม้าที่ทำด้วยฟอง หลงอยู่ในดงหมากรุกขนาดใหญ่ที่เหนือจริงซึ่งวาดด้วยโน้ตดนตรี

จิตรกรรม “Carte Blanche” หรือ “อุปสรรคแห่งความว่างเปล่า”

Magritte เขียนเกี่ยวกับเธอ: “สิ่งที่มองเห็นได้ก็มองไม่เห็น ตัวอย่างเช่น หากบางคนกำลังขี่ม้าอยู่ในป่า อันดับแรกที่คุณเห็นพวกเขา คุณจะไม่เห็นพวกเขา แต่คุณรู้ว่าพวกเขาอยู่ที่นั่น ในภาพวาด “Carte Blanche” ผู้ขับขี่ปิดบังต้นไม้และพวกเขาบดบังเธอ อย่างไรก็ตาม พลังแห่งการคิดของเราครอบคลุมทั้งสิ่งที่มองเห็นและมองไม่เห็น และด้วยความช่วยเหลือของการวาดภาพ ฉันทำให้ความคิดปรากฏให้เห็น”

จิตรกรรม “การแยกต้องห้าม”

เป็นที่น่าสนใจที่จะทราบว่าใน Magritte มีเพียงภาพนกเท่านั้นที่ปราศจากความซับซ้อนในการเชื่อมโยง นกมีพลังบวกในการบิน ไม่มีอะไรมากไปกว่านั้น ไม่มีนกตาย นกร่วง ปีกหัก นกยังมีชีวิตอยู่ และปีกของพวกมันก็เต็มไปด้วยเมฆขนสีฟ้าและสีขาวสดใสของ Magritte (Big Family, 1963)

เมื่อวันที่ 15 สิงหาคม พ.ศ. 2510 Rene Magritte เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็ง ศิลปินนักมายากลคนหนึ่งแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งในชีวิตดูเหมือนเภสัชกรผู้น่านับถือเสียชีวิตแล้ว
เขาใช้ชีวิตที่เงียบสงบของชายชาวเบลเยียมบนถนน ห่างไกลจากความพลุกพล่านของชาวโบฮีเมียน ซึ่งเป็นชายที่ยากจะแยกออกจากฝูงชน ความฝัน ความขัดแย้ง ความกลัว อันตรายลึกลับ มีเพียงภาพวาดของเขาเท่านั้น ไม่ใช่ชีวิตของเขา ศิลปินต่อสู้กับความเบื่อหน่ายด้วยความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น ความสม่ำเสมอของแต่ละวันเหมาะกับเขาค่อนข้างดี เขาวาดภาพส่วนใหญ่ในห้องอาหารด้วยซ้ำ และจนถึงบั้นปลายชีวิตเขาชอบรถรางมากกว่าการเดินทางประเภทอื่น
ครั้งหนึ่ง ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Magritte ปรมาจารย์ผู้ชาญฉลาดผู้นี้กล่าวว่า “ฉันยังไม่เข้าใจเหตุผลว่าทำไมเราถึงมีชีวิตอยู่และตาย” บางทีศิลปินอาจเข้ารหัสเบาะแสถึงสาเหตุและความลึกลับของการดำรงอยู่ในภาพวาด Rebus ของเขา? อะไรก็เกิดขึ้นได้. ถ้าอย่างนั้นก็ควรพิจารณาดูพวกเขาให้ละเอียดยิ่งขึ้น!

เปิดทำการในกรุงบรัสเซลส์เมื่อวันที่ 2 มิถุนายน พ.ศ. 2552 พิพิธภัณฑ์ใหม่, ทุ่มเทให้กับความคิดสร้างสรรค์ Rene Magritte ศิลปินเซอร์เรียลิสต์ชื่อดัง พิพิธภัณฑ์รอยัล ศิลปกรรมจัดสรรห้องให้มีเนื้อที่ 2.5 พันไว้แล้ว ตารางเมตร. นิทรรศการของพิพิธภัณฑ์ Rene Magritte มีผลงานของผู้แต่งมากกว่า 200 ชิ้นซึ่งมากที่สุด คอลเลกชันขนาดใหญ่ในโลก.

18.07.2017 ออคซานา โคเปนคินา

เรเน่ มากริตต์. การมีญาณทิพย์ (ภาพเหมือนตนเอง) 54 x 64.9 ซม. 2479 คอลเลกชันส่วนตัว. Artchive.ru

งานศิลปะของ Rene Magritte ไม่มีแม้แต่หยดเดียว เขาไม่ "สนใจ" ผู้ชมด้วยความช่วยเหลือของเขา ภาพวาดลึกลับ. เขากลับกระตุ้นให้คิด

ภาพวาดที่ดึงดูดสายตาไม่ใช่งานศิลปะสำหรับ Magritte เธอว่างเปล่าสำหรับเขาโดยสิ้นเชิง

ปัจจุบัน สารานุกรมระบุว่า Magritte เป็นนักเหนือจริงที่โดดเด่น อาจารย์คงไม่ชอบหรอก เขาละทิ้งจิตวิเคราะห์และไม่ชอบฟรอยด์

หลังจากตัดความสัมพันธ์เชิงสร้างสรรค์กับ Andre Bretton (นักทฤษฎีสถิตยศาสตร์) ครั้งหนึ่ง เขาห้ามไม่ให้เรียกตัวเองว่าสถิตยศาสตร์

เขากลายเป็นผู้บุกเบิกความสมจริงที่มีมนต์ขลัง โดยทั่วไปแล้ว Magritte เป็นศิลปินอิสระ ไม่พร้อมที่จะสละอิสรภาพในนามของการยอมรับ ดังนั้นเขาจึงเขียนเฉพาะสิ่งที่สำคัญสำหรับเขาเท่านั้น

จุดเริ่มต้นความขัดแย้ง

เรเน่เกิดเมื่อวันที่ 21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2441 ในเมืองเลสซีน (เบลเยียม) หลังจากนั้นไม่นาน ก็มีพี่น้องอีกสามคนเกิดขึ้น

วัยเด็กที่มีความสุขจบลงสำหรับศิลปินในอนาคตเมื่ออายุ 14 ปี ในปี 1912 แม่ของเขาจมน้ำตายในแม่น้ำ เมื่อเห็นว่าชาวเมืองดึงร่างที่ไร้ชีวิตของแม่ของเขาออกมาได้อย่างไร เรเน่ในวัยเยาว์จึงพยายามเข้าใจสาเหตุของสิ่งที่เกิดขึ้น เขาเชื่อในพลังแห่งความคิดมาโดยตลอด คุณแค่ต้องพยายามให้มาก แล้วจิตใจก็จะพบคำตอบ

ทุกวันนี้นักประวัติศาสตร์ศิลปะโต้แย้งเกี่ยวกับอิทธิพลของโศกนาฏกรรมในวัยเด็กที่มีต่อจิตรกร บางคนเชื่อว่าละครเรื่องนี้มีภาพวาดชุดนางเงือกปรากฏขึ้นภายใต้การอุปถัมภ์ จริงอยู่ นางเงือกของ Magritte นั้นตรงกันข้าม โดยมีท่อนบนเป็นปลาและก้นมนุษย์

เรเน่ มากริตต์. การประดิษฐ์ร่วมกัน 2477 สะสมงานศิลปะนอร์ดไรน์-เวสต์ฟาเลีย, ดึสเซลดอร์ฟ วิกิอาร์ต.org

คนอื่น ๆ โดยไม่ปฏิเสธอิทธิพลของชีวประวัติหน้ามืดนี้ยังคงมีแนวโน้มที่จะเห็นธรรมชาติของพรสวรรค์ในบุคลิกภาพของศิลปิน

อาร์. มากริตต์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2478 โมมา นิวยอร์ก

เขาเป็นคนช่างฝันจริงๆ เขามาพร้อมกับเกมและความบันเทิงที่ไม่เคยมีมาก่อน แต่ความคิดโรแมนติกของ Rene นั้นแปลกสำหรับพี่น้องของเขา พวกเขาไม่เคยกลายเป็นครอบครัวเลย

ใครจะรู้บางทีนี่อาจเป็นภาพเหมือนของพี่ชายคนหนึ่งของเขา ซึ่งสะท้อนถึงความสัมพันธ์อันดีงามระหว่างผู้ที่เกี่ยวข้องทางสายเลือด

คุณเห็นตาในเบคอนไหม? ฉันคิดว่าคุณต้องไม่ชอบใครสักคน พูดง่ายๆ เพื่อที่จะวาดภาพเหมือนของเขาได้

รักตลอดชีวิต

แต่ภรรยาของเขา Georgette Berger กลายเป็นคนที่สนิทสนมกับเขาอย่างแท้จริง พวกเขาพบกันตั้งแต่ยังเป็นวัยรุ่น และได้พบกันโดยบังเอิญในสวนพฤกษศาสตร์เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่แล้วพวกเขาก็ไม่เคยพรากจากกันอีกเลย

Georgette เป็นรำพึงของเขาและ เพื่อนที่ดีที่สุด. Magritte อุทิศภาพวาดของเขามากกว่าหนึ่งภาพให้กับเธอ และเธอก็อุทิศทั้งชีวิตให้กับเขา

มีเพียงเรื่องราวเดียวเท่านั้นที่ทำให้พวกเขามืดมน ชีวิตครอบครัว. หลังจากแต่งงานมา 13 ปี Magritte ก็เริ่มสนใจผู้หญิงอีกคน Georgette แก้แค้นเขาด้วยการมีสัมพันธ์สวาทกับเพื่อนของเขา พวกเขาแยกกันอยู่เป็นเวลา 5 ปี

ด้วยเหตุผลบางประการ Magritte จึงวาดภาพเหมือนของ Georgette ในช่วงเวลานี้

เรเน่ มากริตต์. จอร์เก็ตต์. พ.ศ. 2480 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ บรัสเซลส์ วิกิอาร์ต.org

ภาพนี้ดูเหมือนโปสการ์ดเป็นพิเศษ ความเปิดกว้างนี้เป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดเกือบทั้งหมดของ Magritte

ในปี 1940 ทั้งคู่กลับมาพบกันอีกครั้ง และพวกเขาไม่เคยแยกจากกัน

หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต Georgette เล่าว่าจนถึงทุกวันนี้เมื่อดูภาพวาดของเขาเธอก็คุยกับเขาและมักจะโต้เถียงกัน

Magritte ไม่ต้องการที่จะรวบรวมความรักของเขาเป็นความคิดโบราณ ในความพยายามที่จะเข้าถึงแก่นแท้ของความรู้สึกนี้ เขาจึงสร้างผืนผ้าใบ "คู่รัก" ในนั้นใบหน้าของคนหนุ่มสาวถูกห่อหุ้มด้วยผ้าปูที่นอน

เรเน่ มากริตต์. คนรัก. 54 x 73.4 ซม. 2471 พิพิธภัณฑ์ ศิลปะร่วมสมัย(โมมา), นิวยอร์ก. Renemagritte.org

งานนี้โดดเด่นในเรื่องที่ไม่เปิดเผยตัวตน เราไม่เห็นใบหน้าของตัวละคร การไม่มีตัวตนดังกล่าวเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานเกือบทั้งหมดของศิลปิน

แม้ว่าจะไม่มีผ้าคลุมบนใบหน้า แต่ลักษณะใบหน้าก็ถูกบล็อกด้วยวัตถุธรรมดา ตัวอย่างเช่น แอปเปิ้ล

เรเน่ มากริตต์. บุตรของมนุษย์. 116 x 89 ซม. 2507. ของสะสมส่วนตัว. Artchive.ru

การรับรู้และหน้าที่พลเมือง

ในปี 1918 ชายหนุ่มสำเร็จการศึกษาจาก Royal Academy of Fine Arts เมื่อออกจากธรณีประตูของ "โรงเรียนเก่า" เขาเริ่มค้นหาปัจจัยยังชีพอย่างเจ็บปวด

เขาไม่สามารถขัดกับความคิดของเขาได้โดยปรับให้เข้ากับรสนิยมของสาธารณชน ดังนั้นฉันจึงได้งานเวิร์คช็อปการทาสีวอลเปเปอร์

เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงความขัดแย้งที่น่าเศร้ายิ่งขึ้น: ศิลปินที่พยายามจับความคิดส่วนใหญ่ถูกบังคับให้วาดดอกไม้บนวอลล์เปเปอร์

แต่เรเน่ยังคงเขียนต่อไป เวลาว่าง. วีรบุรุษในภาพวาดของเขาเป็นวัตถุธรรมดา หรือมากกว่านั้นคือแนวคิดที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังพวกเขา

มีภาพวาดของการปฏิเสธหลายชุดซึ่งศิลปินจงใจวาดไปป์และทิ้งลายเซ็นไว้: "นี่ไม่ใช่ไปป์" ดังนั้นการดึงความสนใจไปที่สิ่งที่อยู่ด้านหลังเปลือกปกติของวัตถุ

เรเน่ มากริตต์. การทรยศต่อภาพ (นี่ไม่ใช่ท่อ) 63.5 x 93.9 ซม. 2491 ของสะสมส่วนตัว วิกิอาร์ต.org

ภาพวาดแต่ละชิ้นของ Magritte เป็นเรื่องราวอิสระที่มีไหวพริบ ส่วนประกอบของผืนผ้าใบไม่กระจายหรือทำให้เสียรูป มีความสมจริงและเป็นที่จดจำได้

แต่ในจำนวนทั้งสิ้นของการเรียบเรียง พวกมันก่อให้เกิดความคิดใหม่โดยสิ้นเชิง ปรมาจารย์อ้างว่าภาพวาดแต่ละภาพของเขามีความหมายพิเศษว่า "มีสาย" อยู่ในนั้น ไม่มีเรื่องยุ่งวุ่นวายไร้สาระ

ตัวอย่างเช่น อะไรคือประเด็นของฝนที่ตกใส่ผู้คน? ศิลปินเองไม่เคยถอดรหัสภาพวาดของเขาเลย ทุกคนกำลังมองหาข้อความย่อยที่ซ่อนอยู่สำหรับตนเอง

เรเน่ มากริตต์. กอลคอนด้า. 100 x 81 ซม. 2496. ของสะสมส่วนตัว, ฮูสตัน Artchive.ru

ในปีพ.ศ. 2470 นิทรรศการครั้งแรกของ Rene เปิดขึ้น ซึ่งไม่ประสบผลสำเร็จแต่อย่างใด และคู่รัก Magrittes ออกเดินทางสู่ปารีส เมืองหลวงของศิลปะแนวหน้า

หลังจากร่วมมือสั้นๆ กับแวดวง Bretton ศิลปินก็เลือกเส้นทางของตัวเองและประสบความสำเร็จอย่างรวดเร็ว

ผู้ร่วมสมัยจำได้ว่า Rene แตกต่างจากศิลปินทุกคน เขาไม่เคยมีเวิร์คช็อปของตัวเอง และในบ้านที่ Magritte อาศัยอยู่ไม่มีลักษณะของจิตรกรที่ไม่เป็นระเบียบ Magritte กล่าวว่าสีถูกสร้างขึ้นเพื่อใช้บนผืนผ้าใบ และไม่ทาบนพื้น

อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของเขายังคง "สะอาด" และแม้จะแห้งไปสักหน่อยก็ตาม เส้นคม, รูปร่างที่สมบูรณ์แบบ. ความสมจริงขั้นสุดกลายเป็นภาพลวงตา

เรเน่ มากริตต์. เงื่อนไข การดำรงอยู่ของมนุษย์. พ.ศ. 2477 ของสะสมส่วนตัว Artchive.ru

เมื่อเริ่มสงคราม Magritte เริ่มวาดภาพที่ไม่เป็นไปตามสไตล์ของเขา นักประวัติศาสตร์ศิลปะจะเรียกช่วงเวลานี้ว่า “”

เรเน่เชื่อว่าเป็นหน้าที่พลเมืองของเขาในการวาดภาพที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิต ทำให้ผู้ชมมีความหวัง นกพิราบแห่งสันติภาพที่มีหางเป็นดอกไม้เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของงานศิลปะ "การทหาร" ของ Magritte

เรเน่ มากริตต์. สัญญาณที่ดี พ.ศ. 2487 ของสะสมส่วนตัว วิกิอาร์ต.org

บรรลุถึงความเป็นอมตะ

หลังสงคราม Magritte กลับมาสู่สไตล์ปกติของเขาโดยคิดมากเกี่ยวกับหัวข้อความตายและชีวิต

เพียงพอที่จะนึกถึงการล้อเลียนภาพวาดชื่อดังของศิลปินคนอื่น ๆ ซึ่งเขาแทนที่ฮีโร่ทั้งหมดด้วยโลงศพ นี่คือลักษณะของภาพวาด "ระเบียง" ในการตีความของ Magritte

เรเน่ มากริตต์. มุมมองที่ 2: ระเบียงของมาเนตร 80 x 60 ซม. 2493 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์เกนต์ Artchive.ru

Magritte ตระหนักถึงความยิ่งใหญ่ของความตายก่อนที่จะคิด คนเหล่านี้ คนจริงซึ่งครั้งหนึ่งเคยโพสต์ให้ Edouard Manet ไม่มีชีวิตอีกต่อไป และความคิดทั้งหมดก็หายไปตลอดกาล

แต่ Magritte สามารถโกงความตายได้หรือไม่? Georgette ภรรยาของเขาอ้างว่าใช่! เขายังมีชีวิตอยู่ในภาพวาดของเขา ในการไขปริศนาที่แต่ละภาพมีอยู่ในตัวมันเอง และเรียกร้องให้ผู้ชมค้นหาคำตอบ

หลังจากศิลปินเสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งตับอ่อนในปี 2510 Georgette จนกระทั่งสิ้นอายุของเธอยังคงรักษาทุกสิ่งที่เป็นของสามีผู้มีความสามารถของเธอไว้จนถึงสิ้นอายุขัย - แปรงจานสีสี และบนขาตั้งยังมีภาพวาด "จักรวรรดิแห่งแสง" ที่ยังสร้างไม่เสร็จ

เรเน่ มากริตต์. อาณาจักรแห่งแสง 146 x 114 ซม. 1950s. คอลเลกชัน Peggy Guggenheim ในเวนิส

สำหรับผู้ที่ไม่อยากพลาดสิ่งที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับศิลปินและภาพวาด ฝากอีเมลของคุณ (ในแบบฟอร์มด้านล่างข้อความ) และคุณจะเป็นคนแรกที่รู้เกี่ยวกับบทความใหม่ในบล็อกของฉัน

ติดต่อกับ

Alogism, ความไร้สาระ, การรวมกันของความแปรปรวนของภาพและตัวเลขที่ไม่เข้ากันและขัดแย้งกัน - นี่คือพื้นฐานของรากฐานของสถิตยศาสตร์ ผู้ก่อตั้งขบวนการนี้ถือเป็นศูนย์รวมของทฤษฎีจิตใต้สำนึกของซิกมันด์ ฟรอยด์ บนพื้นฐานของสถิตยศาสตร์ บนพื้นฐานนี้เองที่ตัวแทนของขบวนการหลายคนสร้างผลงานชิ้นเอกที่ไม่ได้สะท้อนให้เห็น ความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์แต่เป็นเพียงรูปลักษณ์ของภาพแต่ละภาพที่ได้รับแรงบันดาลใจจากจิตใต้สำนึก ผืนผ้าใบที่วาดโดยนักสถิตยศาสตร์ไม่สามารถเป็นผลจากความดีหรือความชั่วได้ ล้วนแต่ทำให้เกิดอารมณ์ที่แตกต่างกันออกไป ผู้คนที่หลากหลาย. ดังนั้นเราจึงสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าทิศทางของสมัยใหม่นี้ค่อนข้างขัดแย้งซึ่งส่งผลให้ภาพวาดและวรรณกรรมแพร่กระจายอย่างรวดเร็ว

สถิตยศาสตร์เป็นภาพลวงตาและวรรณกรรมแห่งศตวรรษที่ 20

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes และ Dorothy Tanning คือเสาหลักของลัทธิเหนือจริงที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ผ่านมา เทรนด์นี้ไม่ได้จำกัดอยู่เฉพาะในฝรั่งเศส แต่ได้แพร่กระจายไปยังประเทศและทวีปอื่นๆ สถิตยศาสตร์ช่วยอำนวยความสะดวกในการรับรู้ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและนามธรรมอย่างมาก

หลักสมมุติฐานประการหนึ่งของนักสถิตยศาสตร์คือการระบุพลังงานของผู้สร้างด้วยจิตใต้สำนึกของมนุษย์ ซึ่งแสดงออกในการนอนหลับ ภายใต้การสะกดจิต ในอาการเพ้อระหว่างเจ็บป่วย หรือในความเข้าใจเชิงสร้างสรรค์แบบสุ่ม

ลักษณะเด่นของสถิตยศาสตร์

สถิตยศาสตร์เป็นการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนในการวาดภาพ ซึ่งศิลปินหลายคนเข้าใจและเข้าใจในแบบของตนเอง ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่สถิตยศาสตร์พัฒนาขึ้นในสองทิศทางที่แตกต่างกันทางแนวคิด สาขาแรกสามารถนำมาประกอบกับ Miro, Max Ernst, Jean Arp และ Andre Masson ได้อย่างง่ายดายซึ่งผลงานหลักถูกครอบครองโดยภาพที่กลายเป็นนามธรรมได้อย่างราบรื่น สาขาที่สองเป็นพื้นฐานของการสร้างภาพเหนือจริงที่สร้างโดยจิตใต้สำนึกของมนุษย์ด้วยความแม่นยำลวงตา Salvador Dali ทำงานในลักษณะนี้และเป็นตัวแทนในอุดมคติ จิตรกรรมเชิงวิชาการ. ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการแสดงภาพไคอาโรสคูโรที่แม่นยำและลักษณะการวาดภาพอย่างระมัดระวัง วัตถุที่มีความหนาแน่นสูงจะมีความโปร่งใสที่จับต้องได้ ในขณะที่วัตถุแข็งแผ่กระจายออกไป มีขนาดใหญ่และ ตัวเลขปริมาตรได้รับความเบาและไร้น้ำหนักและสามารถรวมสิ่งที่เข้ากันไม่ได้เข้าด้วยกันได้

ชีวประวัติของเรอเน มากริตต์

ควบคู่ไปกับผลงานของ Salvador Dali ยังเป็นผลงานของ Rene Magritte ศิลปินชาวเบลเยียมผู้โด่งดังซึ่งเกิดที่เมือง Lesin ในปี พ.ศ. 2441 ในครอบครัวยกเว้นเรเน่ มีลูกอีกสองคนและในปี 1912 เกิดเหตุร้ายซึ่งส่งผลต่อชีวิตและผลงานของศิลปินในอนาคต - แม่ของเขาเสียชีวิต สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของ Rene Magritte เรื่อง “In Memory of Mack Sennett” ซึ่งวาดในปี 1936 ศิลปินเองก็อ้างว่าสถานการณ์ไม่มีอิทธิพลต่อชีวิตและงานของเขา

ในปี 1916 Rene Magritte เข้าเรียนที่สถาบันศิลปะบรัสเซลส์ ซึ่งเขาได้พบกับท่วงทำนองในอนาคตและ Georgette Berger ภรรยาของเขา หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy แล้ว Rene ก็ทำงานเกี่ยวกับการสร้างสื่อโฆษณา และค่อนข้างเมินเฉยต่อเรื่องนี้ ลัทธิลัทธิลัทธิลัทธิลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และดาด้ามีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปิน แต่ในปี 1923 Rene Magritte ได้เห็นผลงานของ Giorgio de Chirico เรื่อง "เพลงแห่งความรัก" เป็นครั้งแรก มันเป็นช่วงเวลานี้ที่กลายเป็น จุดเริ่มสำหรับการพัฒนาของเรอเน มากริตต์ นักเหนือจริง ในเวลาเดียวกัน การก่อตัวของการเคลื่อนไหวเริ่มขึ้นในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่ง Rene Magritte กลายเป็นตัวแทนของ Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger และ Camille Gemans

ผลงานของเรอเน มากริตต์

ผลงานของศิลปินคนนี้มักเป็นที่ถกเถียงและดึงดูดความสนใจเป็นอย่างมาก

เมื่อมองแวบแรก ภาพวาดของ Rene Magritte ก็เต็มไปด้วย ภาพแปลกๆซึ่งไม่เพียงแต่ลึกลับเท่านั้น แต่ยังคลุมเครืออีกด้วย Rene Magritte ไม่ได้กล่าวถึงประเด็นของรูปแบบในสถิตยศาสตร์ แต่เขาใส่วิสัยทัศน์เข้าไปในความหมายและความสำคัญของภาพวาด

ศิลปินหลายคนจ่ายเงิน เอาใจใส่เป็นพิเศษชื่อ โดยเฉพาะเรเน่ แม็กริตต์ ภาพวาดที่มีชื่อว่า "นี่ไม่ใช่ท่อ" หรือ "บุตรมนุษย์" ปลุกนักคิดและนักปรัชญาในตัวผู้ชม ในความเห็นของเขา ไม่เพียงแต่รูปภาพควรกระตุ้นให้ผู้ชมแสดงอารมณ์เท่านั้น แต่ชื่อเรื่องควรสร้างความประหลาดใจและทำให้คุณคิดด้วย
สำหรับคำอธิบายนั้น นักเซอร์เรียลลิสต์หลายคนให้ไว้ สรุปโดยย่อสู่ผืนผ้าใบของคุณ Rene Magritte ก็ไม่มีข้อยกเว้น ภาพวาดพร้อมคำอธิบายปรากฏอยู่ในกิจกรรมโฆษณาของศิลปินมาโดยตลอด

ศิลปินเองก็เรียกตัวเองว่าเป็น "นักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง" เป้าหมายของเขาคือการสร้างความขัดแย้ง และผู้ชมควรหาข้อสรุปของตนเอง Rene Magritte ในงานของเขาวาดเส้นแบ่งระหว่างภาพอัตนัยกับความเป็นจริงไว้อย่างชัดเจนเสมอ

จิตรกรรม "คู่รัก"

Rene Magritte วาดภาพชุดที่เรียกว่า "Lovers" ในปี 1927-1928 ในปารีส

ภาพแรกแสดงชายและหญิงที่จูบกัน ศีรษะของพวกเขาถูกพันด้วยผ้าขาว ภาพวาดที่สองเป็นภาพชายและหญิงคนเดียวกันในชุดผ้าขาว มองออกจากภาพไปยังผู้ชม

ผ้าขาวในงานของศิลปินทำให้เกิดและก่อให้เกิดการถกเถียงกันอย่างดุเดือด มีสองรุ่น ตามที่กล่าวไว้ในตอนแรก ผ้าสีขาวในผลงานของ Rene Magritte ปรากฏขึ้นโดยเกี่ยวข้องกับการตายของแม่ของเขาใน วัยเด็ก. แม่ของเขากระโดดลงจากสะพานลงไปในแม่น้ำ เมื่อเอาร่างของเธอขึ้นจากน้ำ ก็พบผ้าขาวพันรอบศีรษะของเธอ สำหรับเวอร์ชันที่สอง หลายคนรู้ดีว่าศิลปินเป็นแฟนตัวยงของ Fantômas ฮีโร่ของภาพยนตร์ยอดนิยม ดังนั้นจึงอาจเป็นไปได้ว่าผ้าขาวเป็นเครื่องบรรณาการให้กับความหลงใหลในการชมภาพยนตร์

ภาพนี้เกี่ยวกับอะไร? หลายคนคิดว่าภาพวาด "คู่รัก" แสดงถึงความรักที่ตาบอด: เมื่อผู้คนตกหลุมรักพวกเขาจะหยุดสังเกตเห็นใครบางคนหรือสิ่งอื่นที่ไม่ใช่เนื้อคู่ของพวกเขา แต่ผู้คนยังคงเป็นปริศนากับตัวเอง ในทางกลับกันเมื่อมองดูการจูบของคู่รักก็บอกได้เลยว่าพวกเขาเสียสติไปแล้วด้วยความรักและความหลงใหล ภาพวาดของ Rene Magritte เต็มไปด้วยความรู้สึกและประสบการณ์ร่วมกัน

“บุตรมนุษย์”

ภาพวาดของ Rene Magritte "The Son of Man" กลายเป็น นามบัตร“ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง” และภาพเหมือนตนเองของ Rene Magritte งานนี้ถือเป็นผลงานที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดชิ้นหนึ่งของอาจารย์

ศิลปินซ่อนใบหน้าของเขาไว้ด้านหลังแอปเปิ้ลราวกับบอกว่าทุกอย่างไม่เป็นไปตามที่เห็นและผู้คนต้องการเข้าไปในจิตวิญญาณของบุคคลและเข้าใจแก่นแท้ของสิ่งต่าง ๆ อยู่ตลอดเวลา ภาพวาดของ Rene Magritte ทั้งซ่อนและเผยให้เห็นแก่นแท้ของปรมาจารย์เอง

เรเน่ มากริตต์เล่นด้วย บทบาทสำคัญในการพัฒนาลัทธิเหนือจริงและผลงานของเขายังคงปลุกจิตสำนึกของคนรุ่นต่อ ๆ ไป

เบลล่า แอดเซวา

ศิลปินชาวเบลเยี่ยม Rene Magritte แม้ว่าเขาจะมีความเกี่ยวข้องอย่างไม่ต้องสงสัยกับสถิตยศาสตร์ แต่ก็ยังโดดเด่นในการเคลื่อนไหวอยู่เสมอ ประการแรกเขาสงสัยเกี่ยวกับงานอดิเรกหลักของกลุ่ม Andre Breton ทั้งหมด - จิตวิเคราะห์ของฟรอยด์ ประการที่สอง ภาพวาดของ Magritte เองก็ไม่เหมือนกับแผนการอันบ้าคลั่งของ Salvador Dali หรือทิวทัศน์ที่แปลกประหลาดของ Max Ernst Magritte ใช้รูปภาพธรรมดาๆ ในชีวิตประจำวันเป็นส่วนใหญ่ เช่น ต้นไม้ หน้าต่าง ประตู ผลไม้ ร่างมนุษย์ แต่ภาพวาดของเขาก็ดูไร้สาระและลึกลับไม่น้อยไปกว่าผลงานของเพื่อนร่วมงานที่แปลกประหลาดของเขา โดยไม่ต้องสร้างวัตถุและสิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์จากส่วนลึกของจิตใต้สำนึก ศิลปินชาวเบลเยียมทำสิ่งที่ Lautreamont เรียกว่าศิลปะ - จัด "การประชุมร่มและ เครื่องพิมพ์ดีดบนโต๊ะผ่าตัด" ซึ่งเป็นการผสมผสานสิ่งซ้ำซากเข้าด้วยกันด้วยวิธีที่ไม่ธรรมดา นักวิจารณ์ศิลปะและผู้เชี่ยวชาญยังคงเสนอการตีความภาพวาดและชื่อบทกวีของเขาในรูปแบบใหม่ ซึ่งแทบไม่เคยเกี่ยวข้องกับภาพนั้นเลย ซึ่งยืนยันอีกครั้งว่า ความเรียบง่ายของ Magritte นั้นหลอกลวง

Rene Magritte เองก็เรียกงานศิลปะของเขาว่าไม่ใช่สถิตยศาสตร์ด้วยซ้ำ ความสมจริงที่มีมนต์ขลังและไม่ไว้วางใจความพยายามในการตีความมากนัก แทบไม่ต้องค้นหาสัญลักษณ์เลย โดยอ้างว่าสิ่งเดียวที่จะทำกับภาพวาดคือการมองดูสัญลักษณ์เหล่านั้น

ตั้งแต่นั้นมา Magritte ก็กลับมาที่ภาพของคนแปลกหน้าลึกลับในหมวกกะลาเป็นระยะ ๆ โดยวาดภาพเขาบนหาดทรายหรือบนสะพานเมืองหรือในป่าสีเขียวหรือเผชิญหน้า ภูมิทัศน์ภูเขา. อาจมีคนแปลกหน้าสองหรือสามคน พวกเขายืนหันหลังให้ผู้ชมหรือกึ่งไปด้านข้าง และบางครั้ง - เช่นในภาพวาด High Society (1962) (แปลเป็น " สังคมชั้นสูง" - หมายเหตุบรรณาธิการ) - ศิลปินสรุปเฉพาะโครงร่างของชายคนหนึ่งในหมวกกะลาซึ่งเต็มไปด้วยเมฆและใบไม้ ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดที่แสดงถึงคนแปลกหน้าคือ "Golconda" (1953) และแน่นอน "Son of Man" (1964) - ผลงานที่ทำซ้ำมากที่สุดของ Magritte การล้อเลียนและการพาดพิงซึ่งพบบ่อยมากจนภาพนั้นแยกจากผู้สร้างอยู่แล้ว ในขั้นต้น Rene Magritte วาดภาพเป็นภาพเหมือนตนเองโดยที่ร่างของชายคนหนึ่งเป็นสัญลักษณ์ คนทันสมัยผู้ซึ่งสูญเสียความเป็นตัวตนไป แต่ยังคงเป็นลูกชายของอดัม ผู้ไม่สามารถต้านทานสิ่งล่อใจได้ ด้วยเหตุนี้จึงมีแอปเปิ้ลมาปกคลุมใบหน้าของเขา

"คู่รัก"

Rene Magritte มักจะแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับภาพวาดของเขา แต่ทิ้งหนึ่งในสิ่งที่ลึกลับที่สุด - "Lovers" (1928) โดยไม่มีคำอธิบายทำให้เหลือพื้นที่สำหรับการตีความให้กับนักวิจารณ์ศิลปะและแฟน ๆ ภาพแรกเห็นอีกครั้งในภาพวาดที่อ้างอิงถึงวัยเด็กของศิลปินและประสบการณ์ที่เกี่ยวข้องกับการฆ่าตัวตายของแม่ของเธอ (เมื่อร่างของเธอถูกนำขึ้นจากแม่น้ำ ศีรษะของผู้หญิงคนนั้นถูกคลุมด้วยชุดราตรีของเธอ - บันทึกของบรรณาธิการ) ที่ง่ายที่สุดและชัดเจนที่สุด รุ่นที่มีอยู่- “ความรักทำให้คนตาบอด” - ไม่ได้สร้างความมั่นใจให้กับผู้เชี่ยวชาญ ซึ่งมักตีความภาพนี้ว่าเป็นความพยายามที่จะสื่อถึงความโดดเดี่ยวระหว่างผู้คนที่ไม่สามารถเอาชนะความแปลกแยกได้แม้ในช่วงเวลาแห่งความหลงใหล คนอื่นๆ มองตรงนี้ว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจและทำความรู้จักกับคนใกล้ชิดจนถึงที่สุด ในขณะที่คนอื่นๆ เข้าใจว่า "คู่รัก" เป็นคำอุปมาอุปไมยสำหรับ "การสูญเสียศีรษะจากความรัก"

ในปีเดียวกันนั้น Rene Magritte วาดภาพที่สองที่เรียกว่า "คู่รัก" - ใบหน้าของชายและหญิงก็ถูกปิดเช่นกัน แต่ท่าทางและพื้นหลังของพวกเขาเปลี่ยนไปและอารมณ์ทั่วไปเปลี่ยนจากตึงเครียดเป็นสงบ

อาจเป็นไปได้ว่า "The Lovers" ยังคงเป็นหนึ่งในภาพวาดที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของ Magritte ซึ่งเป็นบรรยากาศลึกลับที่ศิลปินในปัจจุบันยืมมา - ตัวอย่างเช่นปกอัลบั้มเปิดตัวของเขาอ้างถึงมัน กลุ่มอังกฤษงานศพของเพื่อนที่แต่งตัวสบายๆ และสนทนาอย่างลึกซึ้ง (2546)

“การทรยศต่อภาพ” หรือนี่ไม่ใช่...

ชื่อของภาพวาดของ Rene Magritte และความเกี่ยวข้องกับภาพนั้นเป็นหัวข้อสำหรับการศึกษาแยกต่างหาก "กุญแจแก้ว", "บรรลุสิ่งที่เป็นไปไม่ได้", "ชะตากรรมของมนุษย์", "อุปสรรคแห่งความว่างเปล่า", " โลกที่สวยงาม", "จักรวรรดิแห่งแสง" เป็นบทกวีและลึกลับพวกเขาแทบไม่เคยบรรยายสิ่งที่ผู้ชมเห็นบนผืนผ้าใบและในแต่ละกรณีเราสามารถเดาได้เพียงว่าศิลปินต้องการใส่ความหมายอะไรในชื่อ "ชื่อถูกเลือกใน วิธีที่พวกเขาไม่อนุญาตให้ฉันวางภาพวาดของฉันไว้ในขอบเขตของความคุ้นเคย ซึ่งความคิดอัตโนมัติจะทำงานเพื่อป้องกันความวิตกกังวลอย่างแน่นอน” Magritte อธิบาย

ในปี พ.ศ. 2491 เขาได้สร้างภาพวาด "The Treachery of Images" ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง Magritte ต้องขอบคุณคำจารึกบนนั้น: จากความไม่สอดคล้องกันศิลปินจึงปฏิเสธโดยเขียนว่า "นี่ไม่ใช่ไปป์" ใต้รูปไปป์ “ไปป์อันโด่งดังนี้ คนเอามันมาเยาะเย้ยฉันได้ยังไง! แล้วนายก็เติมยาสูบได้ไม่ใช่เหรอ มันเป็นแค่รูปภาพไม่ใช่เหรอ? ดังนั้นถ้าฉันเขียนใต้ภาพว่า 'นี่คือไปป์' ฉัน คงจะโกหก!” - ศิลปินกล่าว

ท้องฟ้าของ Magritte

ท้องฟ้าที่มีเมฆลอยอยู่เป็นภาพที่ใช้ในชีวิตประจำวันจนดูเหมือนเป็นไปไม่ได้ที่จะทำให้เป็น "บัตรโทรศัพท์" ของศิลปินคนใดคนหนึ่ง อย่างไรก็ตาม ท้องฟ้าของ Magritte ไม่สามารถสับสนกับท้องฟ้าของคนอื่นได้ - บ่อยกว่านั้นเนื่องจากในภาพวาดของเขานั้นสะท้อนอยู่ในกระจกแฟนซีและดวงตาขนาดใหญ่ เติมเต็มรูปทรงของนก และเมื่อรวมกับเส้นขอบฟ้าแล้วส่งผ่านจาก ภูมิทัศน์บนขาตั้ง (ซีรีส์ “ Human Destiny” ") ท้องฟ้าอันเงียบสงบทำหน้าที่เป็นฉากหลังให้กับคนแปลกหน้าในหมวกกะลา (Decalcomania, 1966) แทนที่ผนังสีเทาของห้อง (Personal Values, 1952) และหักเหเป็นกระจกสามมิติ (Elementary Cosmogony, 1949)

ดูเหมือนว่า "Empire of Light" ที่มีชื่อเสียง (1954) จะไม่เหมือนกับผลงานของ Magritte เลย - ในทิวทัศน์ยามเย็นเมื่อมองแวบแรกไม่มีสถานที่สำหรับวัตถุแปลก ๆ และการรวมกันที่ลึกลับ แต่การรวมกันดังกล่าวยังคงมีอยู่และทำให้ภาพ "Magritte" - ท้องฟ้าในเวลากลางวันที่ชัดเจนเหนือทะเลสาบและบ้านที่จมอยู่ในความมืด

(ฝรั่งเศส: Rene Francois Ghislain Magritte; เกิด - 21 พฤศจิกายน พ.ศ. 2441 Lessines เสียชีวิต - 15 สิงหาคม พ.ศ. 2510 บรัสเซลส์) - ศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ชาวเบลเยียม เป็นที่รู้จักในฐานะผู้เขียนภาพเขียนที่มีไหวพริบและในขณะเดียวกันก็มีภาพเขียนลึกลับเชิงกวี

Rene Magritte ถูกมองด้วยความสงสัย โดยเฉพาะแพทย์ โดยเฉพาะนักจิตวิเคราะห์ ผู้ที่ไม่สังเกตเห็นความผิดปกติทางจิตใด ๆ ในศิลปินคนนี้ก็เปลี่ยนความคิดเห็นไปในทางตรงกันข้ามอย่างรวดเร็วหลังจากนั้น คุณรู้จักงานของเขาได้อย่างไร?

แต่เพื่อตอบสนองต่อการบุกรุกศิลปินเองก็แย้งว่าผู้ป่วยที่ดีที่สุดสำหรับนักจิตวิเคราะห์คือนักจิตวิเคราะห์อีกคน และเขาไม่ได้จริงจังกับซิกมันด์ ฟรอยด์ ผู้โด่งดังที่สุดในสมัยนั้นเลย แต่เขายังคงวาดแอปเปิ้ลสำหรับใบหน้า กระจกเงาที่มีภาพสะท้อนอันน่าอัศจรรย์ โลงศพสำหรับนั่งคนตาย และสิ่งแปลกประหลาดอื่น ๆ และสิ่งที่ไม่สามารถเข้าใจได้

Rene ใช้ชีวิตวัยเด็กและวัยเยาว์ในเมืองอุตสาหกรรมเล็กๆ อย่างชาร์เลอรัว ชีวิตเป็นเรื่องยาก

เรเน แม็กริตต์ “บุตรมนุษย์”, 1964

ในปี 1912 แม่ของเขาจมน้ำตายในแม่น้ำ Sambre ซึ่งเห็นได้ชัดว่ามี อิทธิพลใหญ่เกี่ยวกับศิลปินในอนาคตซึ่งตอนนั้นยังเป็นวัยรุ่นอยู่ เมื่อพบศพ ศีรษะของมันก็ถูกพันด้วยผ้ากอซสีอ่อนอย่างระมัดระวัง

นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมใบหน้าหรือถ้าให้เจาะจงกว่านั้น การไม่มีตัวตนของพวกเขา จึงเข้ามาครอบครองสถานที่พิเศษในงานของ Magritte บ่อยครั้งที่ใบหน้าในแนวตั้งถูกคลุมด้วยวัตถุแปลกปลอมหรือพันด้วยผ้า หรือแม้แต่ด้านหลังศีรษะหรือส่วนอื่นของร่างกายก็เป็นเพียงการแสดงแทนใบหน้า

Magritte นำความทรงจำอื่น ๆ อีกมากมายกลับมาจากวัยเด็กของเขาซึ่งไม่น่าเศร้า แต่ก็ไม่ลึกลับน้อยกว่าซึ่งเขาเองก็บอกว่าสิ่งเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในงานของเขา

เริ่มต้นในปี 1916 Magritte ศึกษาที่ Royal Academy of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์ และออกจาก Academy ในปี 1918 ในเวลาเดียวกัน เขาได้พบกับ Georgette Berger ซึ่งเขาแต่งงานในปี 1922 และอาศัยอยู่ด้วยจนกระทั่งเสียชีวิตในปี 1967

นักฆ่าที่ถูกคุกคาม - 1927

ภาพวาดของ Magritte มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสไตล์ที่แยกจากกันและดูเหมือนไม่อาจรบกวนได้ พวกเขาพรรณนาถึงวัตถุธรรมดาๆ ซึ่งใน Magritte ซึ่งแตกต่างจากนักสถิตยศาสตร์หลักอื่น ๆ (Dali, Ernst) แทบไม่เคยสูญเสีย "ความเป็นกลาง" ของพวกเขาเลย: พวกมันไม่แพร่กระจายไม่กลายเป็นเงาของตัวเอง อย่างไรก็ตาม การผสมผสานที่แปลกประหลาดของวัตถุเหล่านี้เองก็น่าทึ่งและทำให้คุณคิดได้ ความใจเย็นของสไตล์ยิ่งทำให้ความประหลาดใจนี้รุนแรงขึ้นและทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการมึนงงเชิงกวีที่เกิดจากความลึกลับของสิ่งต่าง ๆ

เมื่ออายุ 14 ปี เรเน่ได้พบกับหญิงสาวชื่อจอร์เจ็ตต์ ไม่กี่ปีต่อมาเธอก็กลายเป็นภรรยาของเขา คนรัก รำพึง เพื่อนร่วมงานและเพื่อนของเขา ซึ่งเป็นนางแบบเพียงคนเดียวของศิลปิน ไม่มีผู้หญิงคนอื่นในชีวิตของเขา ใบหน้าที่สวยงามของ Georgette นั้นหาได้ยากในภาพวาดของ Magritte มันคลุมเครือและเข้ารหัส เหมือนกับความงามที่เข้าใจยาก

ความหมายของกลางคืน 2470

เป้าหมายของ Magritte จากการยอมรับของเขาเองคือการทำให้ผู้ชมคิด ด้วยเหตุนี้ภาพวาดของศิลปินจึงมักมีลักษณะคล้ายกับปริศนาที่ไม่สามารถแก้ไขได้อย่างสมบูรณ์เนื่องจากทำให้เกิดคำถามเกี่ยวกับแก่นแท้ของการดำรงอยู่: Magritte มักจะพูดถึงความหลอกลวงของสิ่งที่มองเห็นได้เกี่ยวกับความลึกลับที่ซ่อนอยู่ซึ่งเรามักจะไม่สังเกตเห็น มีผลงานชุดที่รู้จักกันดีของศิลปินที่เขาเขียนภายใต้วัตถุธรรมดา: นี่ไม่ใช่เขา ภาพวาดที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษคือ "The Treachery of Images" ซึ่งแสดงภาพไปป์สูบบุหรี่พร้อมคำบรรยายว่า "นี่ไม่ใช่ไปป์" ดังนั้น Magritte จึงเตือนผู้ชมอีกครั้งว่าภาพของวัตถุไม่ใช่ตัววัตถุเอง

เขาถ่ายทอดความฝันและความคิดลงบนผืนผ้าใบเช่นเดียวกับต้าหลี่และนักเหนือจริงคนอื่นๆ แต่เขาทนไม่ได้เมื่อนักวิจารณ์เรียกเขาว่าลัทธิเหนือจริง “ฉันเป็นนักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง” Magritte พูดกับตัวเอง

เมื่ออายุ 18 ปี เรเน่ไปเรียนที่สถาบันวิจิตรศิลป์แห่งบรัสเซลส์ ซึ่งเขาตระหนักได้อย่างรวดเร็วว่าเป็นหน้าที่ของเขาที่จะต้องถ่ายโอนรายละเอียดไปยังแคนวาส ชีวิตจริง- ความเศร้าโศกของมนุษย์ ที่นี่เขา "ล้มป่วย" ด้วยลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิอนาคตนิยมในจิตวิญญาณของ Fernand Léger แต่หายขาดหลังจากคุ้นเคยกับผลงานของ Max Ernst และ Giorgio de Chirico

เวลาที่เปลี่ยนแปลง 2481

โดยทั่วไปแล้ว ชื่อของภาพวาดมีบทบาทพิเศษในตัว Magritte เกือบจะเป็นบทกวีเสมอและเมื่อมองแวบแรกก็ไม่เกี่ยวข้องกับภาพเลย และนี่คือจุดที่ศิลปินมองเห็นความสำคัญของสิ่งเหล่านี้: เขาเชื่อว่าความเชื่อมโยงทางบทกวีที่ซ่อนอยู่ระหว่างชื่อภาพกับภาพวาดมีส่วนทำให้เกิดความประหลาดใจอันน่าอัศจรรย์ที่ Magritte มองว่าเป็นจุดประสงค์ของศิลปะ

ในปีพ.ศ. 2464 Magritte ถูกเกณฑ์เข้ากองทัพ และอีกหนึ่งปีต่อมาเมื่อกลับมา ชีวิตพลเรือนได้งานเป็นช่างเขียนแบบที่โรงงานวอลเปเปอร์ซึ่งเขาใช้เวลาหลายชั่วโมงในการเขียนดอกกุหลาบบนกระดาษ รายละเอียดที่เล็กที่สุด(ต่อมาดอกกุหลาบได้กลายเป็นหนึ่งในผลงานภาพวาดของเขาซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความงามที่อันตรายถึงชีวิต - "The Grave of a Fighter", 1961) จากนั้นเขาได้เปิดเอเจนซี่โฆษณาร่วมกับน้องชาย ซึ่งในไม่ช้าพวกเขาก็ลืมปัญหาเร่งด่วนไปได้

ในปีพ. ศ. 2473 มีการเลิกรากับเบรอตง Magritte กลับมาที่บรัสเซลส์และร่วมกับ Paul Delvaux ได้กลายเป็นหนึ่งในผู้นำของขบวนการเหนือจริงที่นี่ ในนั้น ช่วงเวลาที่มีผล Magritte สร้างสรรค์ผลงานภาพวาดจำนวนหนึ่งที่มีเนื้อหาลึกลับและเป็นบทกวี รวมถึงภาพวาดที่ถูกคัดลอกบ่อยที่สุดของเขาเรื่อง “The Human Condition” (1935) ภาพท้องทะเลในภาพวาดบนขาตั้งที่ยืนอยู่หน้าหน้าต่างที่เปิดอยู่ ผสมผสานกับวิวทะเล “ของจริง” จากหน้าต่างได้อย่างน่าอัศจรรย์

เมื่อชาวเยอรมันยึดครองเบลเยียมในปี พ.ศ. 2483 มากริตเตใช้เวลาลี้ภัยอยู่ที่เมืองการ์กาซอน (ฝรั่งเศส) เป็นเวลาสามเดือนก่อน จากนั้นจึงเดินทางกลับไปยังบรัสเซลส์ ซึ่งเขารอดชีวิตจากช่วงเวลาที่ยากลำบากของสงคราม ทันทีหลังสงคราม Magritte ตัดสินใจวาดภาพด้วยลายเส้นแบบเรอนัวร์และมาตีส โดยอธิบายเรื่องนี้โดยไม่จำเป็นต้องค้นหาความสุขซึ่งตรงข้ามกับการมองโลกในแง่ร้ายโดยทั่วไปในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ช่วงเวลานี้ในงานของ Magritte มักเรียกว่าช่วงเวลาของ "ดวงอาทิตย์ที่สดใส" ("plein Soleil") แต่ลวดลายของอิมเพรสชั่นนิสต์และลัทธิโฟวิสม์ในผลงานของปรมาจารย์ด้านภาพเขียนลึกลับไม่ได้โน้มน้าวใจสาธารณชนและนักวิจารณ์และในปี 1948 ศิลปินก็กลับมาใช้สไตล์ของเขาเอง

“ฉันถือว่าวัตถุหรือหัวข้อใดๆ เป็นคำถาม” เขาเขียน “แล้วจึงเริ่มค้นหาวัตถุอื่นที่อาจทำหน้าที่เป็นคำตอบ ในการเป็นผู้สมัครชิงคำตอบ วัตถุที่กำลังค้นหาจะต้องเชื่อมต่อกับวัตถุคำถามด้วยการเชื่อมต่อที่เป็นความลับมากมาย หากคำตอบแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน การเชื่อมต่อระหว่างวัตถุทั้งสองก็ถูกสร้างขึ้น” และอีกครั้ง: “สำหรับฉัน ความคิดในตอนแรกประกอบด้วยสิ่งที่มองเห็นได้เท่านั้น และมันเองก็สามารถมองเห็นได้ด้วยการวาดภาพ” เรเน่ มากริตต์

ในช่วงทศวรรษที่ 50 ศิลปินได้สร้างสรรค์ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดหลายชิ้นของเขา ผลงานที่มีชื่อเสียง. หนึ่งในนั้นคือภาพวาด "Golconda" (1953) ศิลปินวาดภาพผู้เช่าที่แต่งตัวเรียบร้อยหลายสิบคน (พร้อมหมวกกะลา เนคไท และเสื้อโค้ททันสมัย) แขวนอยู่ในพื้นที่อันไร้ขอบเขต ในขณะที่ยังคงรักษาความสงบเรียบร้อย Golconda เป็นเมืองโบราณในอินเดียที่มีความหมายเหมือนกัน สมบัตินับไม่ถ้วนและความมั่งคั่งเพราะที่นี่มีเพชรอันโด่งดังและอัญมณีล้ำค่าอื่นๆ มากมาย ผู้คนในภาพดูเหมือนจะถูกดึงดูดโดยสมบัติของกอลคอนดา

ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 ภาพวาดของ Rene Magritte สร้างความตกตะลึงให้กับตลาดงานศิลปะในสหรัฐฯ โดยมีเพียงนิทรรศการของเขาเท่านั้นที่จัดขึ้นตลอดทั้งฤดูกาล เงินหลั่งไหลเข้ามาจากทุกทิศทุกทาง แต่ชายคนนี้ซึ่งมีหน้าตาเป็นเภสัชกรใจดีตามที่ญาติของเขาอ้างว่ายังคงซื่อสัตย์กับตัวเอง: ไม่มีโบฮีเมีย, บ้านที่เรียบง่าย, การประชุมเชิงปฏิบัติการที่เงียบสงบและการขี่ยานพาหนะที่เขาชื่นชอบ - รถราง

Magritte เสียชีวิตเมื่อวันที่ 15 สิงหาคม พ.ศ. 2510 ขณะอายุ 69 ปีด้วยโรคมะเร็ง ทิ้งภาพวาด Empire of Light เวอร์ชันใหม่ที่อาจโด่งดังที่สุดของเขาไว้ซึ่งยังไม่เสร็จ เธอยังคงอยู่ในห้องของพวกเขาบนขาตั้งตลอดไป Georgette พูดแล้วหันไปหาสามีของเธอ: “คุณคิดผิดเรื่องหนึ่ง - เกี่ยวกับแขนขา” ชีวิตของตัวเองในชัยชนะแห่งความตายเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับทุกคน คุณยังมีชีวิตอยู่ไม่เพียง แต่สำหรับฉันเท่านั้น แต่สำหรับทุกคนที่ดูภาพเขียนของคุณด้วย: ท้ายที่สุดคุณก็อยู่ในนั้นทั้งหมด ฉันมองพวกเขาและพูดคุยกับคุณและเถียงเช่นเคย ในที่สุดคุณก็ได้ทำสิ่งที่คุณฝันไว้ คุณเข้าไปในกระจกมอง แต่ยังคงอยู่ คุณได้พิชิตความตายแล้ว”

เขาพยายามที่จะทำลายความคิดปกติของสิ่งที่เป็นที่รู้จักและไม่เปลี่ยนแปลงเพื่อให้เขามองเห็นวัตถุในมิติใหม่ซึ่งทำให้ผู้ชมเกิดความสับสน ในภาพเขียนของเขา เขาสร้างโลกแห่งจินตนาการและความฝันจากของจริง ทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับบรรยากาศแห่งความฝันและความลึกลับ ศิลปินรู้วิธี "กำกับ" ความรู้สึกของตนอย่างชาญฉลาด ดูเหมือนว่าโลกที่สร้างโดยศิลปินนั้นคงที่และแข็งแกร่ง แต่สิ่งไม่จริงก็บุกรุกเข้ามาทุกวันโดยทำลายโลกที่คุ้นเคยนี้ (แอปเปิ้ลธรรมดาในห้อง เติบโต ขับไล่ผู้คน หรือรถจักรไอน้ำกระโดดออกจากเตาผิงที่ ความเร็วเต็ม - "เจาะเวลา", 2481)