ซิมโฟนีเป็นรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เพลงบรรเลง. ยิ่งกว่านั้น ข้อความนี้ใช้ได้กับทุกยุคสมัย ทั้งงานคลาสสิกของเวียนนา งานโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงในขบวนการต่อมา...
อเล็กซานเดอร์ ไมกาปาร์
แนวดนตรี: ซิมโฟนี
คำว่าซิมโฟนีมาจากภาษากรีกว่า "ซิมโฟเนีย" และมีความหมายหลายประการ นักศาสนศาสตร์เรียกสิ่งนี้ว่าเป็นแนวทางในการใช้คำที่พบในพระคัมภีร์ คำนี้แปลโดยพวกเขาว่าเป็นข้อตกลงและข้อตกลง นักดนตรีแปลคำนี้ว่าสอดคล้องกัน
หัวข้อของบทความนี้คือ ซิมโฟนีในฐานะแนวดนตรี ปรากฎว่าในบริบททางดนตรี คำว่าซิมโฟนีมีความหมายที่แตกต่างกันหลายประการ ดังนั้น บาคจึงเรียกผลงานอันยอดเยี่ยมของเขาสำหรับซิมโฟนีคลาเวียร์ ซึ่งหมายความว่าพวกมันเป็นตัวแทนของการผสมผสานฮาร์มอนิก การรวมกัน - ความสอดคล้อง - ของเสียงหลาย ๆ เสียง (ในกรณีนี้คือสาม) แต่การใช้คำนี้เป็นข้อยกเว้นในสมัยของบาคในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ยิ่งไปกว่านั้นในผลงานของบาคเองยังแสดงถึงดนตรีที่มีสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง
และตอนนี้เราเข้าใกล้หัวข้อหลักของเรียงความของเราแล้ว - ซิมโฟนีเป็นงานออเคสตราหลายส่วนขนาดใหญ่ ในแง่นี้ ซิมโฟนีปรากฏขึ้นราวปี ค.ศ. 1730 เมื่อบทนำของวงออเคสตราสำหรับโอเปร่าแยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็นอิสระ งานออเคสตราโดยใช้การทาบทามแบบอิตาลีสามส่วนเป็นพื้นฐาน
ความเป็นเครือญาติของซิมโฟนีกับการทาบทามนั้นไม่เพียงปรากฏให้เห็นในความจริงที่ว่าแต่ละส่วนของการทาบทามทั้งสามส่วนเท่านั้น: เร็ว - ช้า - เร็ว (และบางครั้งก็เป็นการแนะนำอย่างช้าๆ) ได้กลายเป็นซิมโฟนีอิสระ แยกส่วนแต่ในความจริงที่ว่าการทาบทามทำให้ซิมโฟนีมีความคิดที่จะตัดกันธีมหลัก (โดยปกติจะเป็นชายและหญิง) และมอบซิมโฟนีให้กับสิ่งที่จำเป็นสำหรับดนตรี รูปร่างใหญ่ความตึงเครียดอันน่าทึ่ง (และดราม่า) การวางอุบาย
หลักการสร้างสรรค์ของซิมโฟนี
หนังสือและบทความทางดนตรีมากมายอุทิศให้กับการวิเคราะห์รูปแบบของซิมโฟนีและวิวัฒนาการ วัสดุศิลปะซึ่งแสดงโดยแนวซิมโฟนีนั้นมีจำนวนมหาศาลทั้งในด้านปริมาณและรูปแบบที่หลากหลาย ที่นี่เราสามารถอธิบายลักษณะหลักการทั่วไปส่วนใหญ่ได้
1. ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ยิ่งกว่านั้น ข้อความนี้ใช้ได้กับทุกยุคทุกสมัย - สำหรับผลงานคลาสสิกของเวียนนา และสำหรับโรแมนติก และสำหรับนักประพันธ์เพลงที่มีการเคลื่อนไหวในภายหลัง ตัวอย่างเช่น The Eighth Symphony (1906) โดยกุสตาฟ มาห์เลอร์ มีความยิ่งใหญ่ในด้านการออกแบบทางศิลปะ เขียนขึ้นสำหรับกลุ่มใหญ่ - แม้ตามแนวคิดของต้นศตวรรษที่ 20 - นักแสดง: วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ได้รับการขยายให้รวมเครื่องเป่าลมไม้ 22 เครื่องและ 17 เครื่องดนตรีทองเหลืองคะแนนยังรวมถึงนักร้องประสานเสียงผสมสองคนและนักร้องประสานเสียงชายหนึ่งคน ในนี้มีการเพิ่มศิลปินเดี่ยวแปดคน (โซปราโนสามคน อัลโตสองตัว เทเนอร์ บาริโทนและเบส) และวงออเคสตราหลังเวที มักเรียกกันว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน" เพื่อที่จะแสดงได้ จำเป็นต้องสร้างเวทีคอนเสิร์ตฮอลล์ขนาดใหญ่ขึ้นใหม่
2. เนื่องจากซิมโฟนีเป็นงานที่มีการเคลื่อนไหวหลายรูปแบบ (สาม มักจะสี่ และบางครั้งมีการเคลื่อนไหวห้าการเคลื่อนไหว เช่น เพลง "Pastoral" ของ Beethoven หรือ "Fantastique" ของ Berlioz) จึงเป็นที่ชัดเจนว่ารูปแบบดังกล่าวจะต้องซับซ้อนอย่างยิ่ง เพื่อขจัดความซ้ำซากจำเจและความซ้ำซากจำเจ (ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียวนั้นหายากมาก ตัวอย่างคือ Symphony No. 21 โดย N. Myaskovsky)
ซิมโฟนีประกอบด้วยภาพดนตรี แนวคิด และธีมมากมายเสมอ พวกมันไม่ทางใดก็ทางหนึ่งกระจายระหว่างส่วนต่าง ๆ ซึ่งในทางกลับกันตรงกันข้ามกันและอีกด้านหนึ่งก่อให้เกิดความสมบูรณ์ที่สูงกว่าโดยที่ซิมโฟนีจะไม่ถูกมองว่าเป็นงานเดียว .
เพื่อให้ทราบถึงองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวของซิมโฟนี เราจึงมีข้อมูลเกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกหลายชิ้น...
โมสาร์ท. ซิมโฟนีหมายเลข 41 “จูปิเตอร์” ซีเมเจอร์
I. อัลเลโกร วีวาซ
ครั้งที่สอง อันดันเต้ กันตาบิเล
สาม. เมนูเอตโต อัลเลเกรตโต - ทริโอ
IV. โมลโต อัลเลโกร
เบโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 3, E-flat major, Op. 55 ("วีรบุรุษ")
ไอ. อัลเลโกร คอน บริโอ
ครั้งที่สอง มาร์เซีย ฟูเนเบร: อาดาจิโอ อัสไซ
สาม. เชอร์โซ: อัลเลโกร วีวาซ
IV. ตอนจบ : อัลเลโกร โมลโต, โปโก อันดันเต้
ชูเบิร์ต. ซิมโฟนีหมายเลข 8 ในบีไมเนอร์ (หรือที่เรียกว่า “ยังไม่เสร็จ”)
I. อัลเลโกร ผู้ดูแล
ครั้งที่สอง อันดันเต้ คอน โมโต
แบร์ลิออซ. ซิมโฟนีมหัศจรรย์
I. ความฝัน. ความหลงใหล: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - ศาสนา
ครั้งที่สอง บอล: วาลเซ่. อัลเลโกร ไม่ใช่ ทรอปโป
สาม. ฉากในทุ่งนา: Adagio
IV. ขบวนสู่การประหารชีวิต: Allegretto non troppo
V. ความฝันในคืนวันสะบาโต: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - ตาย irae
โบโรดิน. ซิมโฟนีหมายเลข 2 "Bogatyrskaya"
ไอ. อัลเลโกร
ครั้งที่สอง เชอร์โซ. เพรสติสซิโม่
สาม. อันดันเต้
IV. ตอนจบ อัลเลโกร
3. ส่วนแรกเป็นส่วนที่ซับซ้อนที่สุดในการออกแบบ ในซิมโฟนีคลาสสิกมักจะเขียนในรูปแบบของโซนาตาที่เรียกว่า อัลเลโกร. ลักษณะเฉพาะของรูปแบบนี้คืออย่างน้อยสองประเด็นหลักปะทะกันและพัฒนาในนั้น ซึ่งในแง่ทั่วไปที่สุดสามารถพูดได้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความเป็นชาย (ธีมนี้มักเรียกว่า พรรคหลักเนื่องจากเป็นครั้งแรกที่เกิดขึ้นในคีย์หลักของงาน) และหลักการของผู้หญิง (สิ่งนี้ ปาร์ตี้ด้านข้าง- เสียงจะดังขึ้นในคีย์หลักที่เกี่ยวข้องปุ่มใดปุ่มหนึ่ง) หัวข้อหลักทั้งสองนี้มีความเชื่อมโยงกันและเรียกว่าการเปลี่ยนจากหัวข้อหลักไปเป็นหัวข้อรอง เชื่อมต่อฝ่ายการนำเสนอเนื้อหาดนตรีทั้งหมดนี้มักจะมีบทสรุปที่แน่นอนเรียกว่าตอนนี้ เกมสุดท้าย.
หากเราฟังซิมโฟนีคลาสสิกด้วยความเอาใจใส่ซึ่งช่วยให้สามารถแยกแยะองค์ประกอบโครงสร้างเหล่านี้จากการรู้จักครั้งแรกกับงานที่กำหนดได้ทันที จากนั้นเราจะค้นพบการเปลี่ยนแปลงของธีมหลักเหล่านี้ในระหว่างการเคลื่อนไหวครั้งแรก ด้วยการพัฒนารูปแบบโซนาต้าผู้แต่งบางคน - และเบโธเฟนคนแรก - สามารถระบุองค์ประกอบที่เป็นผู้หญิงในรูปแบบของตัวละครชายและในทางกลับกันและในระหว่างการพัฒนาธีมเหล่านี้ "ส่องสว่าง" พวกเขาในรูปแบบต่างๆ วิธี นี่อาจเป็นสิ่งที่สว่างที่สุด - ทั้งเชิงศิลปะและเชิงตรรกะ - เป็นศูนย์รวมของหลักการวิภาษวิธี
ส่วนแรกของซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นในรูปแบบสามส่วน โดยส่วนแรกจะถูกนำเสนอแก่ผู้ฟัง ราวกับว่าจัดแสดงไว้ (นั่นคือเหตุผลว่าทำไมส่วนนี้จึงเรียกว่านิทรรศการ) จากนั้นพวกเขาก็จะได้รับการพัฒนาและเปลี่ยนแปลง (ส่วนที่สอง คือการพัฒนา) และในที่สุดก็กลับมา - ไม่ว่าจะในรูปแบบดั้งเดิม หรือในความสามารถใหม่ (การบรรเลงใหม่) นี่เป็นแผนการทั่วไปที่สุดที่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แต่ละคนได้มีส่วนร่วมในบางสิ่งของตนเอง ดังนั้นเราจะไม่พบสิ่งก่อสร้างที่เหมือนกันสองชิ้นไม่เพียงแต่ในหมู่ผู้แต่งที่แตกต่างกันเท่านั้น แต่ยังพบสิ่งก่อสร้างเดียวกันด้วย (แน่นอนว่าหากเรากำลังพูดถึงผู้สร้างที่ยิ่งใหญ่)
4. หลังจากช่วงแรกของซิมโฟนีที่มีพายุบ่อยครั้ง จะต้องมีสถานที่สำหรับดนตรีที่มีโคลงสั้น ๆ สงบ และไพเราะอย่างแน่นอน กล่าวอีกนัยหนึ่งคือไหลแบบสโลว์โมชั่น ในตอนแรก นี่เป็นส่วนที่สองของซิมโฟนี และถือเป็นกฎที่ค่อนข้างเข้มงวด ในซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart การเคลื่อนไหวช้าๆ คือจังหวะวินาที หากมีการเคลื่อนไหวเพียงสามการเคลื่อนไหวในซิมโฟนี (เช่นในยุค 1770 ของ Mozart) การเคลื่อนไหวช้าๆ จะกลายเป็นการเคลื่อนไหวตรงกลาง หากซิมโฟนีมีการเคลื่อนไหวสี่การเคลื่อนไหว ในซิมโฟนียุคแรกจะมีการวางท่วงทำนองไว้ระหว่างการเคลื่อนไหวช้าและตอนจบที่รวดเร็ว ต่อมา เริ่มต้นด้วย Beethoven มินูเอตก็ถูกแทนที่ด้วย Scherzo ที่รวดเร็ว อย่างไรก็ตามเมื่อถึงจุดหนึ่งผู้แต่งก็ตัดสินใจเบี่ยงเบนไปจากกฎนี้จากนั้นการเคลื่อนไหวช้าๆก็กลายเป็นครั้งที่สามในซิมโฟนีและเชอร์โซก็กลายเป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สองดังที่เราเห็น (หรือค่อนข้างได้ยิน) ใน "Bogatyr" ของ A. Borodin ซิมโฟนี
5. ตอนจบของซิมโฟนีคลาสสิกมีลักษณะเป็นการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวาพร้อมกับการเต้นรำและการร้องเพลง มักเป็นจิตวิญญาณพื้นบ้าน บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีก็กลายเป็นการถวายความอาลัยอย่างแท้จริง ดังเช่นใน Ninth Symphony (บทที่ 125) ของ Beethoven ซึ่งมีการนำนักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยวเข้ามาในซิมโฟนี แม้ว่านี่จะเป็นนวัตกรรมสำหรับแนวซิมโฟนี แต่ไม่ใช่สำหรับ Beethoven เอง ก่อนหน้านี้เขาแต่งเพลง Fantasia สำหรับเปียโน นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา (Op. 80) ซิมโฟนีประกอบด้วยบทกวี "To Joy" โดย F. Schiller ตอนจบมีความโดดเด่นมากในซิมโฟนีนี้จนทั้งสามการเคลื่อนไหวที่อยู่ข้างหน้าถูกมองว่าเป็นการแนะนำที่ยิ่งใหญ่ การแสดงตอนจบนี้พร้อมเรียกร้องให้ “กอด ล้าน!” ในการเปิดการประชุมสามัญของสหประชาชาติ - การแสดงออกที่ดีที่สุดความปรารถนาทางจริยธรรมของมนุษยชาติ!
ผู้สร้างซิมโฟนีผู้ยิ่งใหญ่
โจเซฟ ไฮเดินมีอายุยืนยาว (1732–1809) ครึ่งศตวรรษของมัน กิจกรรมสร้างสรรค์สรุปด้วยสถานการณ์สำคัญสองประการ: การเสียชีวิตของ J. S. Bach (1750) ซึ่งสิ้นสุดยุคแห่งพหุโฟนี และการเปิดตัวซิมโฟนี Third (“ Eroic”) ของ Beethoven ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติก ในช่วงห้าสิบปีนี้ รูปแบบดนตรีเก่าๆ ได้แก่ มิสซา ออราโตริโอ และ คอนแชร์โตกรอสโซ- ถูกแทนที่ด้วยอันใหม่: ซิมโฟนี, โซนาต้าและ วงเครื่องสาย. สถานที่หลักที่ได้ยินผลงานที่เขียนในประเภทเหล่านี้ไม่ใช่โบสถ์และมหาวิหารเหมือนเมื่อก่อน แต่เป็นพระราชวังของขุนนางและขุนนางซึ่งในทางกลับกันก็นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในคุณค่าทางดนตรี - บทกวีและการแสดงออกเชิงอัตนัยเข้ามา แฟชั่น.
ทั้งหมดนี้ Haydn เป็นผู้บุกเบิก บ่อยครั้ง - แม้ว่าจะไม่ถูกต้องนัก - เขาถูกเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนี" นักแต่งเพลงบางคน เช่น Jan Stamitz และตัวแทนคนอื่นๆ ของโรงเรียน Mannheim (เมือง Mannheim ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นป้อมปราการของการแสดงดนตรีซิมโฟนีในยุคแรกๆ) ได้เริ่มแต่งเพลงซิมโฟนีสามจังหวะเร็วกว่า Haydn มากแล้ว อย่างไรก็ตาม ไฮเดินยกระดับฟอร์มนี้ขึ้นไปอีกระดับหนึ่งและชี้ทางไปสู่อนาคต ผลงานในยุคแรกของเขาได้รับอิทธิพลจาก C.F.E. Bach และผลงานชิ้นหลังของเขาคาดหวังถึงสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - Beethoven
เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาเริ่มสร้างผลงานเพลงที่มีความสำคัญทางดนตรีเมื่อเขาอายุครบสี่สิบปี ภาวะเจริญพันธุ์ ความหลากหลาย ความคาดเดาไม่ได้ อารมณ์ขัน ความคิดสร้างสรรค์ นี่คือสิ่งที่ทำให้ Haydn อยู่เหนือระดับของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน
ซิมโฟนีของ Haydn หลายเพลงได้รับชื่อ ผมขอยกตัวอย่างบางส่วนให้คุณฟัง
อ. อาบาคูมอฟ เพลย์ ไฮเดิน (1997)
ซิมโฟนีอันโด่งดังหมายเลข 45 ถูกเรียกว่า "อำลา" (หรือ "ซิมโฟนีใต้แสงเทียน"): ในหน้าสุดท้ายของตอนจบของซิมโฟนีนักดนตรีหยุดเล่นทีละคนและออกจากเวทีเหลือเพียงไวโอลินสองตัวจบ ซิมโฟนีพร้อมคอร์ดคำถาม ลา - เอฟ ชาร์ป. Haydn เล่าถึงต้นกำเนิดของซิมโฟนีในเวอร์ชันกึ่งตลก: เจ้าชาย Nikolai Esterhazy ไม่ยอมให้สมาชิกวงออเคสตราออกจาก Eszterhazy ไปยัง Eisenstadt ซึ่งครอบครัวของพวกเขาอาศัยอยู่เป็นเวลานานมาก ด้วยความปรารถนาที่จะช่วยเหลือผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา Haydn จึงแต่งบทสรุปของซิมโฟนี "อำลา" ในรูปแบบของคำใบ้ที่ละเอียดอ่อนต่อเจ้าชาย - คำร้องขอลาที่แสดงเป็นภาพดนตรี เข้าใจคำใบ้แล้ว และเจ้าชายก็ออกคำสั่งที่เหมาะสม
ในยุคแห่งความโรแมนติกลักษณะตลกขบขันของซิมโฟนีถูกลืมไปและเริ่มมีสาเหตุมาจากเรื่องนี้ ความหมายที่น่าเศร้า. ชูมันน์เขียนในปี พ.ศ. 2381 เกี่ยวกับนักดนตรีที่กำลังดับเทียนและออกจากเวทีในช่วงสุดท้ายของซิมโฟนี: "และไม่มีใครหัวเราะในเวลาเดียวกันเนื่องจากไม่มีเวลาหัวเราะ"
ซิมโฟนีหมายเลข 94“ With a Timpani Strike หรือ Surprise” ได้รับชื่อเนื่องจากเอฟเฟกต์ตลกในการเคลื่อนไหวช้าๆ - อารมณ์สงบของมันถูกรบกวนด้วยการตีกลองอันแหลมคม หมายเลข 96 “ปาฏิหาริย์” เริ่มถูกเรียกเช่นนั้นเนื่องจากสถานการณ์สุ่ม ในคอนเสิร์ตที่ Haydn จะแสดงซิมโฟนีนี้ ผู้ชมต่างรีบวิ่งจากกลางห้องโถงไปยังแถวแรกที่ว่างเปล่าพร้อมกับการปรากฏตัวของเขา และตรงกลางก็ว่างเปล่า ทันใดนั้นโคมระย้าก็พังลงมาตรงกลางห้องโถง มีผู้ฟังเพียงสองคนเท่านั้นที่ได้รับบาดเจ็บเล็กน้อย ได้ยินเสียงอุทานในห้องโถง:“ ปาฏิหาริย์! ความมหัศจรรย์!" ไฮเดินเองก็รู้สึกประทับใจอย่างยิ่งกับความรอดของผู้คนจำนวนมากโดยไม่สมัครใจ
ในทางกลับกันชื่อของซิมโฟนีหมายเลข 100 "ทหาร" นั้นไม่ได้ตั้งใจเลย - ส่วนที่รุนแรงพร้อมสัญญาณและจังหวะทางทหารวาดภาพดนตรีของค่ายอย่างชัดเจน แม้แต่ Minuet ที่นี่ (ขบวนการที่สาม) ก็มีประเภท "กองทัพ" ที่ค่อนข้างห้าวหาญ รวมภาษาตุรกีด้วย เครื่องเพอร์คัชชันในโน้ตของซิมโฟนีสร้างความพึงพอใจให้กับผู้รักดนตรีในลอนดอน (เทียบกับเพลง "Turkish March" ของ Mozart)
หมายเลข 104 “ซาโลมอน”: นี่ไม่ใช่การแสดงความเคารพต่อนักแสดงจอห์น ปีเตอร์ ซาโลมอน ผู้ซึ่งทำสิ่งต่างๆ มากมายให้กับไฮเดินไม่ใช่หรือ? จริงอยู่ ซาโลมอนเองกลายเป็นผู้มีชื่อเสียงมากเนื่องจากไฮเดินถึงขนาดที่เขาถูกฝังไว้ในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์ “เพื่อนำไฮเดินไปลอนดอน” ตามที่ระบุไว้บนหลุมศพของเขา. ดังนั้นจึงควรเรียกซิมโฟนีว่า "ด้วย" กโลมอน” ไม่ใช่ “โซโลมอน” ดังที่บางครั้งพบใน โปรแกรมคอนเสิร์ตซึ่งทำให้ผู้ฟังหันไปทางกษัตริย์ในพระคัมภีร์อย่างไม่ถูกต้อง
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท
โมสาร์ทเขียนซิมโฟนีครั้งแรกเมื่อเขาอายุแปดขวบ และครั้งสุดท้ายเมื่ออายุได้สามสิบสอง จำนวนทั้งหมดของพวกเขามากกว่าห้าสิบ แต่คนอายุน้อยหลายคนยังไม่รอดหรือยังไม่ถูกค้นพบ
หากคุณทำตามคำแนะนำของ Alfred Einstein ผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Mozart และเปรียบเทียบตัวเลขนี้กับซิมโฟนีเพียงเก้าเพลงของ Beethoven หรือสี่เพลงของ Brahms ก็จะชัดเจนทันทีว่าแนวคิดของแนวซิมโฟนีนั้นแตกต่างออกไปสำหรับผู้แต่งเหล่านี้ แต่ถ้าเราเลือกซิมโฟนีของโมสาร์ทออกมาโดยเฉพาะ ซึ่งก็เหมือนกับเพลงของเบโธเฟน ที่สามารถถ่ายทอดถึงผู้ชมในอุดมคติได้จริงๆ กล่าวคือ มนุษยชาติทุกคน ( มนุษยธรรม) ปรากฎว่าโมสาร์ทเขียนซิมโฟนีดังกล่าวไม่เกินสิบเพลงด้วย (ไอน์สไตน์เองก็พูดถึง "สี่หรือห้า"!) "ปราก" และซิมโฟนีสามวงในปี 1788 (หมายเลข 39, 40, 41) มีส่วนช่วยที่น่าทึ่งในคลังซิมโฟนีโลก
ในสามซิมโฟนีหลังนี้ ซิมโฟนีหมายเลขกลางคือหมายเลข 40 เป็นที่รู้จักดีที่สุด มีเพียง "A Little Night Serenade" และการทาบทามให้กับโอเปร่า "The Marriage of Figaro" เท่านั้นที่สามารถแข่งขันกับความนิยมได้ แม้ว่าเหตุผลของความนิยมนั้นยากที่จะระบุได้เสมอ แต่หนึ่งในนั้นในกรณีนี้อาจเป็นการเลือกโทนเสียง ซิมโฟนีนี้เขียนด้วยภาษา G minor ซึ่งเป็นสิ่งที่หายากสำหรับ Mozart ที่ชื่นชอบคีย์หลักที่ร่าเริงและสนุกสนาน จากซิมโฟนีสี่สิบเอ็ดบท มีเพียงสองบทเท่านั้นที่ถูกเขียน ไมเนอร์คีย์(ไม่ได้หมายความว่าโมซาร์ทไม่ได้แต่งเพลงรองในซิมโฟนีเมเจอร์)
เปียโนคอนแชร์โตของเขามีสถิติคล้ายกัน: จากยี่สิบเจ็ด มีเพียงสองคนเท่านั้นที่มีคีย์รอง เมื่อพิจารณาถึงยุคมืดมนซึ่งซิมโฟนีนี้ถูกสร้างขึ้น อาจดูเหมือนว่าการเลือกโทนเสียงถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าแล้ว อย่างไรก็ตาม สิ่งสร้างนี้มีอะไรมากกว่าความเศร้าโศกในแต่ละวันของคนๆ หนึ่ง เราต้องจำไว้ว่าในยุคนั้น คีตกวีชาวเยอรมันและออสเตรียพบว่าตัวเองตกอยู่ภายใต้ความเมตตาของแนวคิดและภาพของการเคลื่อนไหวทางสุนทรียศาสตร์ในวรรณคดีที่เรียกว่า "Sturm and Drang" มากขึ้นเรื่อยๆ
ชื่อของขบวนการใหม่นี้มาจากละครของ F. M. Klinger เรื่อง “Sturm and Drang” (1776) มีละครจำนวนมากเกิดขึ้นพร้อมกับฮีโร่ที่มีความหลงใหลและมักจะไม่สอดคล้องกัน นักแต่งเพลงยังรู้สึกทึ่งกับความคิดในการแสดงออกถึงความหลงใหลอันน่าทึ่งการต่อสู้อย่างกล้าหาญและมักจะโหยหาอุดมคติที่ไม่สามารถบรรลุได้ จึงไม่น่าแปลกใจที่ในบรรยากาศเช่นนี้ โมสาร์ทก็หันไปใช้คีย์รองเช่นกัน
ต่างจาก Haydn ที่มั่นใจมาโดยตลอดว่าจะแสดงซิมโฟนีของเขา - ไม่ว่าจะต่อหน้าเจ้าชาย Esterhazy หรือเช่นเดียวกับ "London people" ต่อหน้าสาธารณชนในลอนดอน - Mozart ไม่เคยรับประกันเช่นนี้ และถึงกระนั้นเขาก็เป็น อุดมสมบูรณ์อย่างน่าอัศจรรย์ หากซิมโฟนีในยุคแรกของเขามักจะให้ความบันเทิง หรืออย่างที่เราเรียกกันว่าดนตรี "เบาๆ" ในตอนนี้ ซิมโฟนีรุ่นหลังของเขาก็คือ "จุดเด่นของรายการ" ของคอนเสิร์ตซิมโฟนีใดๆ
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
เบโธเฟนสร้างซิมโฟนีเก้าเพลง อาจมีหนังสือที่เขียนเกี่ยวกับพวกเขามากกว่าที่มีบันทึกไว้ในมรดกนี้ ซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาคือวงที่สาม (E-flat major, “Eroica”), วงที่ห้า (C minor), วงที่หก (F major, “Pastoral”) และวงที่เก้า (D minor)
...เวียนนา 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2367 รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีที่เก้า เอกสารที่รอดชีวิตเป็นพยานถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในขณะนั้น การประกาศเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ที่กำลังจะมาถึงนี้เป็นเรื่องที่น่าสังเกต: “The Grand Academy of Music ซึ่งจัดโดยคุณลุดวิก ฟาน เบโธเฟน จะมีขึ้นในวันพรุ่งนี้วันที่ 7 พฤษภาคม<...>ศิลปินเดี่ยว ได้แก่ Ms. Sontag และ Ms. Unger รวมถึง Messrs Heitzinger และ Seipelt หัวหน้าคอนเสิร์ตของวงออเคสตราคือ Mr. Schuppanzig วาทยากรคือ Mr. Umlauf<...>มิสเตอร์ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนจะมีส่วนร่วมในการกำกับคอนเสิร์ตเป็นการส่วนตัว”
ทิศทางนี้ส่งผลให้เบโธเฟนเป็นผู้แสดงซิมโฟนีด้วยตัวเองในที่สุด แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร? ท้ายที่สุด เมื่อถึงเวลานั้นเบโธเฟนก็หูหนวกแล้ว มาดูบัญชีของผู้เห็นเหตุการณ์กันดีกว่า
“เบโธเฟนแสดงท่าทีของตัวเอง หรือพูดง่ายๆ ก็คือ เขายืนอยู่หน้าอัฒจันทร์ของผู้ควบคุมวงและแสดงท่าทางอย่างบ้าคลั่ง” โจเซฟ โบห์ม นักไวโอลินของวงออเคสตราที่เข้าร่วมในคอนเสิร์ตประวัติศาสตร์ครั้งนั้นเขียน - ขั้นแรกเขาเหยียดตัวขึ้นไปจากนั้นก็เกือบจะนั่งยองๆ โบกแขนและกระทืบเท้าราวกับว่าเขาต้องการเล่นเครื่องดนตรีทั้งหมดพร้อมกันและร้องเพลงให้ทั้งคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริง Umlauf รับผิดชอบทุกอย่าง และนักดนตรีอย่างพวกเราก็ดูแลแค่กระบองของเขาเท่านั้น เบโธเฟนรู้สึกตื่นเต้นมากจนเขาไม่รู้เลยถึงสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขา และไม่ได้ใส่ใจกับเสียงปรบมือที่ดังกึกก้อง ซึ่งแทบจะไม่รู้ตัวเลยเนื่องจากความบกพร่องทางการได้ยิน ในตอนท้ายของแต่ละหมายเลข พวกเขาต้องบอกเขาอย่างชัดเจนว่าควรหันกลับเมื่อใด และขอบคุณผู้ชมสำหรับเสียงปรบมือ ซึ่งเขาทำอย่างงุ่มง่ามมาก”
ในตอนท้ายของซิมโฟนีเมื่อเสียงปรบมือดังสนั่นแล้ว Caroline Unger เข้าหา Beethoven และหยุดมือเบา ๆ - เขายังคงดำเนินการต่อไปโดยไม่รู้ว่าการแสดงจบลงแล้ว! - และหันหน้าไปทางห้องโถง จากนั้นทุกคนก็เห็นได้ชัดว่า Beethoven หูหนวกสนิท...
ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก ตำรวจต้องเข้าแทรกแซงเพื่อยุติเสียงปรบมือ
ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี
ในรูปแบบของซิมโฟนี P.I. ไชคอฟสกีสร้างผลงานหกชิ้น ลาสต์ซิมโฟนี - ซิกธ์ บีไมเนอร์ สหกรณ์ 74 - เขาเรียกว่า "น่าสงสาร"
ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2436 ไชคอฟสกีได้วางแผนสำหรับซิมโฟนีชุดใหม่ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นซิมโฟนีชุดที่หก ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาเขากล่าวว่า: "ในระหว่างการเดินทางฉันมีความคิดเรื่องซิมโฟนีอื่น... ด้วยรายการที่ยังคงเป็นปริศนาสำหรับทุกคน... โปรแกรมนี้ตื้นตันใจอย่างมากกับความเป็นตัวตนและ บ่อยครั้งระหว่างการเดินทาง จิตใจสงบ ร้องไห้หนักมาก”
ซิมโฟนีที่หกถูกบันทึกโดยผู้แต่งอย่างรวดเร็ว ในเวลาเพียงหนึ่งสัปดาห์ (4–11 กุมภาพันธ์) เขาบันทึกช่วงแรกและครึ่งวินาทีทั้งหมด จากนั้นงานก็หยุดชะงักไประยะหนึ่งด้วยการเดินทางจาก Klin ซึ่งนักแต่งเพลงอาศัยอยู่ ณ ขณะนั้นไปมอสโคว์ เมื่อกลับมาที่ Klin เขาทำงานในส่วนที่สามตั้งแต่วันที่ 17 ถึง 24 กุมภาพันธ์ จากนั้นก็มีการหยุดพักอีกครั้งและในช่วงครึ่งหลังของเดือนมีนาคมผู้แต่งก็จบตอนจบและส่วนที่สอง การจัดวงดนตรีต้องเลื่อนออกไปบ้างเนื่องจากไชคอฟสกีมีการวางแผนการเดินทางอีกหลายครั้ง เมื่อวันที่ 12 สิงหาคม การจัดวงดนตรีเสร็จสิ้น
การแสดงครั้งแรกของ Sixth Symphony จัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 16 ตุลาคม พ.ศ. 2436 ดำเนินการโดยผู้เขียน ไชคอฟสกีเขียนหลังการฉายรอบปฐมทัศน์: “มีบางอย่างแปลกเกิดขึ้นกับซิมโฟนีนี้! ไม่ใช่ว่าฉันไม่ชอบมัน แต่มันทำให้เกิดความสับสน สำหรับฉัน ฉันภูมิใจในสิ่งนี้มากกว่าองค์ประกอบอื่นๆ ของฉัน” เหตุการณ์ต่อไปเป็นเรื่องน่าเศร้า: เก้าวันหลังจากการแสดงซิมโฟนีรอบปฐมทัศน์ P. Tchaikovsky เสียชีวิตกะทันหัน
V. Baskin ผู้แต่งชีวประวัติเรื่องแรกของ Tchaikovsky ซึ่งปรากฏตัวทั้งรอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีและการแสดงครั้งแรกหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลงเมื่อ E. Napravnik แสดง (การแสดงนี้ได้รับชัยชนะ) เขียนว่า: "เราจำ อารมณ์เศร้าที่ครอบงำในห้องโถงของสมัชชาขุนนาง เมื่อวันที่ 6 พฤศจิกายน เมื่อมีการแสดงซิมโฟนี "น่าสงสาร" ซึ่งไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่ในการแสดงครั้งแรกภายใต้กระบองของไชคอฟสกีเองถูกแสดงเป็นครั้งที่สอง ในซิมโฟนีนี้ซึ่งน่าเสียดายที่กลายเป็นเพลงหงส์ของผู้แต่งของเรา เขาปรากฏตัวใหม่ไม่เพียง แต่ในเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในรูปแบบด้วย แทนที่จะเป็นปกติ อัลเลโกรหรือ เพรสโตมันเริ่มต้น อดาจิโอ ลาเมนโตโซ่ทำให้ผู้ฟังรู้สึกเศร้าใจที่สุด ในนั้น อาดาจิโอนักแต่งเพลงดูเหมือนจะบอกลาชีวิต ค่อยเป็นค่อยไป โมเรนโด(อิตาลี - ซีดจาง) ของวงออเคสตราทั้งหมดทำให้เรานึกถึงจุดสิ้นสุดอันโด่งดังของ Hamlet: “ ที่เหลือก็เงียบ"(ต่อไป - ความเงียบ)"
เราสามารถพูดคุยสั้น ๆ เกี่ยวกับผลงานดนตรีซิมโฟนิกชิ้นเอกเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้น ยิ่งไปกว่านั้น โดยไม่คำนึงถึงโครงสร้างทางดนตรีที่แท้จริง เนื่องจากการสนทนาดังกล่าวต้องใช้เสียงดนตรีที่แท้จริง แต่จากเรื่องราวนี้ ก็ชัดเจนว่าซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงและซิมโฟนีในฐานะการสร้างสรรค์ของจิตวิญญาณมนุษย์เป็นแหล่งความสุขอันล้ำค่าอันล้ำค่า โลกแห่งดนตรีไพเราะนั้นกว้างใหญ่และไม่สิ้นสุด
อ้างอิงจากวัสดุจากนิตยสาร Art ฉบับที่ 08/2009
บนโปสเตอร์: Great Hall of the St. Petersburg Academic Philharmonic ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich Tory Huang (เปียโน สหรัฐอเมริกา) และ Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)
ในบรรดาหลาย ๆ คน แนวดนตรีและรูปแบบซึ่งเป็นสถานที่อันทรงเกียรติที่สุดแห่งหนึ่งของซิมโฟนี จากการที่กลายเป็นแนวบันเทิงตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน มีความละเอียดอ่อนและครบถ้วนที่สุด ไม่เหมือนใคร ศิลปะดนตรีสะท้อนถึงเวลาของมัน ซิมโฟนีของ Beethoven และ Berlioz, Schubert และ Brahms, Mahler และ Tchaikovsky, Prokofiev และ Shostakovich เป็นการสะท้อนในวงกว้างเกี่ยวกับยุคสมัยและบุคลิกภาพ ประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติและวิถีชีวิตของโลก
วัฏจักรซิมโฟนิกดังที่เราทราบจากตัวอย่างคลาสสิกและสมัยใหม่มากมาย ก่อตัวขึ้นเมื่อประมาณสองร้อยห้าสิบปีก่อน อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลาสั้นๆ ในอดีต แนวซิมโฟนีได้พัฒนาไปไกลมาก ความยาวและความสำคัญของเส้นทางนี้ถูกกำหนดอย่างแม่นยำจากข้อเท็จจริงที่ว่าซิมโฟนีดูดซับปัญหาทั้งหมดในยุคนั้น สามารถสะท้อนยุคสมัยที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันซึ่งเต็มไปด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ และรวบรวมความรู้สึก ความทุกข์ทรมาน และการดิ้นรนของผู้คน ก็เพียงพอแล้วที่จะจินตนาการถึงชีวิตของสังคมในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 - และจดจำซิมโฟนีของ Haydn; การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 - และซิมโฟนีของเบโธเฟนที่สะท้อนถึงสิ่งเหล่านี้ ปฏิกิริยาในสังคม ความผิดหวัง และซิมโฟนีโรแมนติก ในที่สุดความน่าสะพรึงกลัวทั้งหมดที่มนุษยชาติต้องอดทนในศตวรรษที่ 20 - และเปรียบเทียบซิมโฟนีของเบโธเฟนกับซิมโฟนีของโชสตาโควิชเพื่อที่จะเห็นเส้นทางอันยิ่งใหญ่และบางครั้งก็น่าเศร้านี้อย่างชัดเจน ทุกวันนี้ มีเพียงไม่กี่คนที่จำได้ว่าจุดเริ่มต้นเป็นอย่างไร ต้นกำเนิดของแนวดนตรีล้วนๆ ที่ซับซ้อนที่สุดที่ไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะอื่นๆ คืออะไร
เรามาดูละครเพลงยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 กันดีกว่า
ในอิตาลี ประเทศแห่งศิลปะคลาสสิก ผู้นำเทรนด์ของทุกสิ่ง ประเทศในยุโรปโอเปร่าครองราชย์สูงสุด สิ่งที่เรียกว่าโอเปร่าซีรีส์ (“จริงจัง”) มีอิทธิพลเหนือ ไม่มีภาพที่สดใสในนั้น ไม่มีของแท้ การกระทำที่น่าทึ่ง. Opera seria เป็นการสลับสภาวะทางจิตที่แตกต่างกันซึ่งรวมอยู่ในตัวละครทั่วไป ของเธอ ส่วนที่สำคัญที่สุด- เพลงที่สื่อถึงสถานะเหล่านี้ มีอาเรียแห่งความโกรธและการแก้แค้น อาเรียแห่งการบ่น (ลาเมนโต) อาเรียอันช้าที่โศกเศร้า และอาเรียที่สนุกสนาน อาเรียเหล่านี้มีการแพร่หลายมากจนสามารถถ่ายโอนจากโอเปร่าหนึ่งไปยังอีกโอเปร่าหนึ่งได้โดยไม่เกิดความเสียหายต่อการแสดง ในความเป็นจริง ผู้แต่งมักทำเช่นนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาต้องเขียนโอเปร่าหลายเรื่องต่อฤดูกาล
องค์ประกอบของโอเปร่าซีรีส์คือทำนอง ศิลปะอันโด่งดังของอิตาลี bel canto ได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างสูงสุดที่นี่ ในอาเรียส ผู้แต่งถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงของสภาวะของรัฐหนึ่งๆ ความรักและความเกลียดชัง ความสุขและความสิ้นหวัง ความโกรธและความโศกเศร้าถูกถ่ายทอดผ่านดนตรีได้อย่างสดใสและน่าเชื่อจนคุณไม่จำเป็นต้องฟังเนื้อเพลงเพื่อทำความเข้าใจว่านักร้องร้องเพลงเกี่ยวกับอะไร โดยพื้นฐานแล้ว สิ่งนี้ได้เตรียมพื้นฐานสำหรับดนตรีไร้ข้อความที่ออกแบบมาเพื่อรวบรวมไว้ในที่สุด ความรู้สึกของมนุษย์และความหลงใหล
จากการแสดงสลับฉาก - แทรกฉากที่แสดงระหว่างการแสดงของโอเปร่าซีรีส์และไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหา - น้องสาวผู้ร่าเริงผู้ชื่นชอบโอเปร่าการ์ตูนเกิดขึ้น เนื้อหาที่เป็นประชาธิปไตย (ตัวละครไม่ใช่วีรบุรุษในตำนาน กษัตริย์และอัศวิน แต่เป็นคนธรรมดาจากประชาชน) เขาจงใจต่อต้านตัวเองกับศิลปะในศาล Opera buffa มีความโดดเด่นด้วยความเป็นธรรมชาติ ความมีชีวิตชีวาของการแสดง และความเป็นธรรมชาติของภาษาดนตรี ซึ่งมักเกี่ยวข้องโดยตรงกับนิทานพื้นบ้าน มีรูปแบบเสียงร้อง สีล้อเลียนการ์ตูน และเพลงเต้นรำที่มีชีวิตชีวาและเบา ตอนจบของการแสดงคลี่ออกเป็นวงดนตรีซึ่งบางครั้งตัวละครก็ร้องเพลงทั้งหมดในคราวเดียว บางครั้งตอนจบดังกล่าวถูกเรียกว่า "ยุ่งเหยิง" หรือ "สับสน" เพราะการกระทำพุ่งเข้าหาพวกเขาอย่างรวดเร็วและการวางอุบายกลายเป็นความสับสน
ดนตรีบรรเลงยังได้รับการพัฒนาในอิตาลี และเหนือสิ่งอื่นใด แนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่ามากที่สุดก็คือการทาบทาม เนื่องจากเป็นการแนะนำวงดนตรีออเคสตราสำหรับการแสดงโอเปร่า โดยยืมมาจากโอเปร่าที่สดใส ธีมดนตรีที่แสดงออกถึงอารมณ์ คล้ายกับท่วงทำนองของอาเรีย
การทาบทามของอิตาลีในยุคนั้นประกอบด้วยสามส่วน - เร็ว (Allegro), ช้า (Adagio หรือ Andante) และเร็วอีกครั้งซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นเพลงท่วงทำนองทั้งหมด พวกเขาเรียกมันว่าซินโฟเนีย - แปลจากภาษากรีก - ความสอดคล้อง เมื่อเวลาผ่านไป การทาบทามเริ่มดำเนินการไม่เพียงแต่ในโรงละครก่อนที่ม่านจะเปิดเท่านั้น แต่ยังแยกจากกันในฐานะงานออเคสตราอิสระ
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 กาแล็กซีนักไวโอลินอัจฉริยะที่เก่งกาจปรากฏตัวในอิตาลีซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เช่นกัน วิวาลดี, โยเมลลี, โลกาเตลลี, ทาร์ตินี, คอเรลลี่ และคนอื่น ๆ ที่เชี่ยวชาญด้านไวโอลิน - เครื่องดนตรีที่สามารถเปรียบเทียบการแสดงออกได้กับเสียงของมนุษย์ - ได้สร้างละครไวโอลินที่กว้างขวางโดยส่วนใหญ่มาจากชิ้นที่เรียกว่าโซนาตาส (จากโซนาเร่ของอิตาลี - เสียง ). ในพวกเขาเช่นเดียวกับโซนาตาคีย์บอร์ดของ Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ คุณสมบัติโครงสร้างทั่วไปบางอย่างได้รับการพัฒนาซึ่งต่อมากลายเป็นซิมโฟนี
ก่อตัวแตกต่างออกไป ชีวิตดนตรีฝรั่งเศส. พวกเขามีเพลงรักที่เกี่ยวข้องกับคำพูดและการกระทำมายาวนาน ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาอย่างสูง มีการปลูกฝังโอเปร่าประเภทพิเศษ - โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ซึ่งคล้ายกับโศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine ซึ่งมีรอยประทับของชีวิตที่เฉพาะเจาะจงของราชสำนักมารยาทและการเฉลิมฉลอง
คีตกวีชาวฝรั่งเศสยังสนใจโครงเรื่อง โปรแกรม และคำจำกัดความของดนตรีเมื่อสร้างสรรค์ผลงานดนตรี "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - นี่คือชื่อของชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเป็นภาพร่างประเภทหรือภาพบุคคลทางดนตรี - "สง่างาม", "อ่อนโยน", "ทำงานหนัก", "เจ้าชู้"
ผลงานขนาดใหญ่ซึ่งประกอบด้วยหลายส่วนมีต้นกำเนิดมาจากการเต้นรำ อัลเลมองด์ของชาวเยอรมันผู้เคร่งครัด โมบาย เช่น เสียงระฆังฝรั่งเศสแบบเลื่อน ซาราบานเดของสเปนอันโอ่อ่า และจิ๊กที่รวดเร็ว ซึ่งเป็นการเต้นรำที่เร่าร้อนของกะลาสีเรือชาวอังกฤษ เป็นที่รู้จักมายาวนานในยุโรป เป็นพื้นฐานของประเภทเครื่องดนตรี (จากชุดภาษาฝรั่งเศส - ซีเควนซ์) บ่อยครั้งที่มีการเต้นรำอื่น ๆ รวมอยู่ในห้องชุด: minuet, gavotte, Polonaise ก่อนการแสดงอัลเลมองด์ เสียงโหมโรงเบื้องต้นอาจดังขึ้น ในช่วงกลางของห้องสวีท บางครั้งท่าเต้นที่วัดได้ก็ถูกขัดจังหวะด้วยเพลงอิสระ แต่แก่นแท้ของชุดคือการเต้นที่แตกต่างกันสี่แบบ ชาติต่างๆ- มีอยู่ในลำดับที่ไม่เปลี่ยนแปลงอย่างแน่นอน โดยสรุปอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่แบบ นำผู้ฟังจากการเคลื่อนไหวที่สงบของจุดเริ่มต้นไปสู่ตอนจบที่น่าตื่นเต้นและรวดเร็ว
นักแต่งเพลงหลายคนเขียนห้องสวีทและไม่ใช่แค่ในฝรั่งเศสเท่านั้น โยฮันน์เซบาสเตียนบาคผู้ยิ่งใหญ่ยังจ่ายส่วยให้พวกเขาด้วยชื่อของเขารวมถึงวัฒนธรรมดนตรีเยอรมันในยุคนั้นโดยทั่วไปมีแนวดนตรีหลายประเภทที่เกี่ยวข้องกัน
ในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน ได้แก่ อาณาจักร อาณาเขต และบาทหลวงของเยอรมันหลายแห่ง (ปรัสเซียน บาวาเรีย แซ็กซอน ฯลฯ) รวมถึงในภูมิภาคต่างๆ ของจักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ ซึ่งต่อมารวมถึง "ผู้คนของนักดนตรี" - สาธารณรัฐเช็กตกเป็นทาสของ Habsburgs - ดนตรีบรรเลงได้รับการปลูกฝังมายาวนาน เมืองเล็กๆ ทุกเมือง หรือแม้แต่หมู่บ้านต่างก็มีนักไวโอลินและนักเล่นเชลโลเป็นของตัวเอง และในตอนเย็นก็มีการแสดงเดี่ยวและวงดนตรีที่เล่นโดยมือสมัครเล่นอย่างกระตือรือร้น โบสถ์และโรงเรียนมักกลายเป็นศูนย์กลางของการทำดนตรี ตามกฎแล้วครูยังเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ซึ่งแสดงดนตรีแฟนตาซีในวันหยุดอย่างสุดความสามารถ ในศูนย์โปรเตสแตนต์ขนาดใหญ่ในเยอรมนี เช่น ฮัมบวร์กหรือไลพ์ซิก การทำดนตรีรูปแบบใหม่ก็ได้พัฒนาขึ้นเช่นกัน นั่นคือ คอนเสิร์ตออร์แกนในมหาวิหาร คอนเสิร์ตเหล่านี้นำเสนอการแสดงโหมโรง จินตนาการ รูปแบบต่างๆ การร้องเพลงประสานเสียง และที่สำคัญที่สุดคือความทรงจำ
Fugue เป็นดนตรีโพลีโฟนิกประเภทที่ซับซ้อนที่สุด ซึ่งมาถึงจุดสูงสุดในผลงานของ I.S. บาคและฮันเดล ชื่อของมันมาจากภาษาละติน fuga - วิ่ง นี่คือผลงานโพลีโฟนิกที่มีธีมเดียว ซึ่งจะเคลื่อน (วิ่งข้าม!) จากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่ง ทำนองแต่ละบรรทัดเรียกว่าเสียง ความทรงจำอาจเป็นสาม, สี่, ห้าเสียง ฯลฯ ขึ้นอยู่กับจำนวนบรรทัดดังกล่าว ในส่วนตรงกลางของความทรงจำหลังจากที่ธีมฟังครบทุกเสียงแล้วก็เริ่มพัฒนา: อันดับแรกเป็นจุดเริ่มต้น จะปรากฏขึ้นแล้วหายไปอีกครั้ง จากนั้นจะขยาย (แต่ละโน้ตที่ประกอบขึ้นจะยาวเป็นสองเท่า) จากนั้นจึงย่อขนาดลง เรียกว่า ธีมเพิ่มขึ้น และธีมลดลง อาจเกิดขึ้นได้ว่าภายในธีม การเคลื่อนไหวอันไพเราะจากมากไปน้อยจะกลายเป็นจากน้อยไปหามาก และในทางกลับกัน (ธีมในการหมุนเวียน) การเคลื่อนไหวอันไพเราะจะย้ายจากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง และในส่วนสุดท้ายของความทรงจำ - การบรรเลง - ธีมฟังดูไม่เปลี่ยนแปลงอีกครั้งเหมือนในตอนแรกที่กลับไปสู่โทนเสียงหลักของการเล่น
เราขอเตือนคุณอีกครั้ง: เรากำลังพูดถึงกลางศตวรรษที่ 18 การระเบิดกำลังก่อตัวขึ้นในส่วนลึกของชนชั้นสูงในฝรั่งเศส ซึ่งจะกวาดล้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในไม่ช้า เวลาใหม่จะมา และในขณะที่ความรู้สึกในการปฏิวัติยังคงถูกจัดเตรียมไว้อย่างแฝงเร้น นักคิดชาวฝรั่งเศสกำลังพูดออกมาต่อต้านระเบียบที่มีอยู่ พวกเขาเรียกร้องความเท่าเทียมกันของทุกคนภายใต้กฎหมายและประกาศแนวคิดเรื่องเสรีภาพและภราดรภาพ
ศิลปะที่สะท้อนการเปลี่ยนแปลงในชีวิตทางสังคมมีความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในบรรยากาศทางการเมืองของยุโรป ตัวอย่างนี้คือคอเมดีอมตะของ Beaumarchais สิ่งนี้ใช้ได้กับดนตรีด้วย ในเวลานี้ ในช่วงเวลาที่ยากลำบาก เต็มไปด้วยเหตุการณ์ใหญ่โต ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ในส่วนลึกของแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีเก่าที่มีมายาวนาน แนวเพลงใหม่ที่ปฏิวัติวงการอย่างแท้จริงถือกำเนิดขึ้น นั่นก็คือ ซิมโฟนี มันแตกต่างในเชิงคุณภาพและพื้นฐาน เพราะมันรวบรวมความคิดรูปแบบใหม่
เราต้องคิดว่าไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในที่สุดเมื่อมีข้อกำหนดเบื้องต้นในภูมิภาคต่างๆ ของยุโรป แนวซิมโฟนีก็ถูกสร้างขึ้นในประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมัน ในอิตาลี โอเปร่าเป็นศิลปะประจำชาติ ในอังกฤษ จิตวิญญาณและความหมายของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นที่นั่นสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดในคำปราศรัยของจอร์จ ฮันเดล ชาวเยอรมันโดยกำเนิดและกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษประจำชาติ ในฝรั่งเศส ศิลปะอื่นๆ เข้ามามีบทบาทโดยเฉพาะวรรณกรรมและการละครซึ่งเป็นรูปธรรมมากขึ้น นำเสนอแนวคิดใหม่ๆ ที่สร้างความตื่นเต้นให้กับโลกได้โดยตรงและชัดเจน ผลงานของวอลแตร์ เรื่อง “The New Heloise” โดยรุสโซ “The Persian Letters” ของมงเตสกีเยอ ในรูปแบบที่ปิดบังแต่ค่อนข้างเข้าใจได้ ทำให้ผู้อ่านได้รับการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงต่อระเบียบที่มีอยู่ และเสนอทางเลือกของตนเองสำหรับโครงสร้างของสังคม .
หลายทศวรรษต่อมา ในวงการดนตรี ซ่งได้เข้าร่วมกองกำลังปฏิวัติ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของเรื่องนี้คือบทเพลงแห่งกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์ ซึ่งแต่งขึ้นในชั่วข้ามคืนโดยเจ้าหน้าที่ Rouget de Lisle ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลกภายใต้ชื่อ Marseillaise หลังจากร้องเพลง ดนตรีก็ปรากฏขึ้นเพื่อการเฉลิมฉลองมวลชนและพิธีไว้ทุกข์ และในที่สุดสิ่งที่เรียกว่า "ละครแห่งความรอด" ซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับการตามล่าฮีโร่หรือนางเอกโดยเผด็จการและความรอดของพวกเขาในตอนจบของโอเปร่า
ซิมโฟนีต้องการเงื่อนไขที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงทั้งในด้านรูปแบบและการรับรู้เต็มรูปแบบ “จุดศูนย์ถ่วง” ของความคิดเชิงปรัชญาที่สะท้อนได้อย่างเต็มที่ที่สุด แก่นแท้อันล้ำลึกการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในยุคนั้นพบว่าตัวเองอยู่ในเยอรมนีห่างไกลจากพายุทางสังคม
ที่นั่น คานท์คนแรกและต่อมาเฮเกลได้สร้างระบบปรัชญาใหม่ของพวกเขา เช่นเดียวกับระบบปรัชญา ซิมโฟนีซึ่งเป็นประเภทความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีที่มีปรัชญาและกระบวนการวิภาษวิธีมากที่สุดก็ถูกสร้างขึ้นในที่สุดซึ่งมีเพียงเสียงสะท้อนที่ห่างไกลของพายุฝนฟ้าคะนองที่กำลังจะมาถึง ยิ่งกว่านั้นประเพณีดนตรีบรรเลงอันแข็งแกร่งได้พัฒนาไปที่ไหน
หนึ่งในศูนย์กลางหลักสำหรับการเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่คือเมืองมันน์ไฮม์ ซึ่งเป็นเมืองหลวงของเขตเลือกตั้งบาวาเรียแห่งพาลาทิเนต ที่นี่ที่ศาลอันยอดเยี่ยมของผู้มีสิทธิเลือกตั้งคาร์ล ธีโอดอร์ ในยุค 40 และ 50 ของศตวรรษที่ 18 มีวงออเคสตราที่ยอดเยี่ยมบางทีอาจเป็นวงที่ดีที่สุดในยุโรปในเวลานั้น
เมื่อถึงเวลานั้น วงซิมโฟนีออร์เคสตราก็เพิ่งเป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา และในโบสถ์ของศาลและในมหาวิหารไม่มีกลุ่มออเคสตราที่มีองค์ประกอบที่มั่นคง ทุกอย่างขึ้นอยู่กับวิธีการในการกำจัดของผู้ปกครองหรือผู้พิพากษา และรสนิยมของผู้ที่สามารถออกคำสั่งได้ ในตอนแรกวงออเคสตราแสดงเพียงบทบาทที่ประยุกต์เท่านั้น ร่วมกับการแสดงของศาลหรือเทศกาลและ พิธีการ. และประการแรกก็ถือเป็นโอเปร่าหรือวงดนตรีในโบสถ์ ในขั้นต้น วงออเคสตราประกอบด้วยไวโอลิน ลูต ฮาร์ป ฟลุต โอโบ เขาสัตว์ และกลอง องค์ประกอบค่อยๆขยายออกจำนวน เครื่องสาย. เมื่อเวลาผ่านไป ไวโอลินเข้ามาแทนที่การละเมิดแบบโบราณและในไม่ช้าก็เข้ามาเป็นผู้นำในวงออเคสตรา ทองเหลือง เครื่องมือไม้- ฟลุต, โอโบ, บาสซูน - รวมเป็นกลุ่มแยกกันและยังมีทองแดงอีกด้วย - ทรัมเป็ต, ทรอมโบน เครื่องดนตรีบังคับในวงออเคสตราคือฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งสร้างพื้นฐานฮาร์มอนิกของเสียง ข้างหลังเขามักจะเป็นผู้นำของวงออเคสตราซึ่งขณะเล่นก็ให้คำแนะนำในการแนะนำพร้อมกัน
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 วงดนตรีบรรเลงซึ่งมีอยู่ในราชสำนักของขุนนางก็แพร่ขยายออกไป เจ้าชายองค์เล็กๆ จำนวนมากจากเยอรมนีที่กระจัดกระจายต่างต้องการมีโบสถ์เป็นของตัวเอง การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวงออเคสตราเริ่มต้นขึ้น และเทคนิคการเล่นออเคสตราแบบใหม่ก็เกิดขึ้น
วงออเคสตรามันน์ไฮม์ประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง, ขลุ่ย 2 อัน, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต, บาสซูน 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, แตร 4 อัน, ทิมปานี นี่คือแกนหลักของวงออเคสตราสมัยใหม่ ซึ่งเป็นผลงานที่นักประพันธ์เพลงหลายคนในยุคต่อมาสร้างผลงานขึ้นมา วงออเคสตรานำโดยนักดนตรี นักแต่งเพลง และนักไวโอลินชาวเช็กที่โดดเด่น Jan Vaclav Stamitz ในบรรดาศิลปินของวงออเคสตรายังเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ไม่เพียงแต่นักดนตรีที่เก่งกาจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อย่าง Franz Xaver Richter, Anton Filz และคนอื่นๆ ด้วย พวกเขากำหนดระดับทักษะการแสดงที่ยอดเยี่ยมของวงออเคสตราซึ่งมีชื่อเสียงในด้านคุณสมบัติที่น่าทึ่ง - ความสม่ำเสมอของจังหวะไวโอลินที่ไม่สามารถบรรลุได้ก่อนหน้านี้การไล่เฉดสีไดนามิกที่ดีที่สุดที่ไม่เคยใช้มาก่อนเลย
ตามที่นักวิจารณ์ร่วมสมัย Bossler กล่าวว่า "การปฏิบัติตามเปียโน ฟอร์เต้ รินฟอร์ซานโด การขยายเสียงอย่างค่อยเป็นค่อยไปและความเข้มข้นของเสียง จากนั้นความแรงของมันลดลงอีกครั้งจนแทบไม่ได้ยิน - ทั้งหมดนี้ได้ยินเฉพาะในมันน์ไฮม์เท่านั้น" เบอร์นี ผู้รักดนตรีชาวอังกฤษซึ่งเดินทางไปยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 สะท้อนเขาว่า “วงออเคสตราที่ไม่ธรรมดานี้มีพื้นที่และแง่มุมเพียงพอที่จะแสดงความสามารถทั้งหมดและสร้างเอฟเฟกต์ที่ยอดเยี่ยม ที่นี่เป็นที่ที่ Stamitz ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากงานเขียนของ Yomelli ก้าวไปไกลกว่าการทาบทามโอเปร่าตามปกติในตอนแรก... ได้มีการลองใช้เอฟเฟกต์ทั้งหมดที่เสียงจำนวนมากสามารถสร้างได้ ที่นี่เป็นที่ที่ Crescendo และ Diminuendo ถือกำเนิดขึ้น และเปียโนซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เป็นเสียงสะท้อนเป็นหลักและมักจะมีความหมายเหมือนกันกับมัน และมือขวาก็ได้รับการยอมรับ สีดนตรีมีเฉดสีเป็นของตัวเอง..."
ในวงออเคสตรานี้มีการได้ยินซิมโฟนีสี่ตอนเป็นครั้งแรก - ผลงานที่ถูกสร้างขึ้นตามประเภทเดียวและมีหลักการทั่วไปที่ซึมซับคุณสมบัติหลายประการของแนวดนตรีและรูปแบบดนตรีที่มีอยู่ก่อนแล้วหลอมละลายเป็นสิ่งที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ ความสามัคคีใหม่
คอร์ดแรก เด็ดขาด เปล่งเสียงเต็มที่ราวกับเรียกร้องความสนใจ จากนั้นจึงเคลื่อนไหวกว้างไกล อีกครั้งที่คอร์ด ถูกแทนที่ด้วยการเคลื่อนไหวแบบอาร์เพจจิเอต และจากนั้นเป็นทำนองที่มีชีวิตชีวาและยืดหยุ่น ราวกับสปริงที่กางออก ดูเหมือนว่ามันสามารถเปิดเผยได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุด แต่มันหายไปเร็วกว่าที่ข่าวลือต้องการ: เหมือนแขกที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับเจ้าของบ้านในระหว่างการเลี้ยงรับรองครั้งใหญ่ เขาย้ายออกไปจากพวกเขา และเปิดทางให้คนอื่นตามมาข้างหลัง หลังจากนั้นครู่หนึ่ง การเคลื่อนไหวทั่วไปปรากฏขึ้น หัวข้อใหม่- นุ่มนวลเป็นผู้หญิงโคลงสั้น ๆ แต่ฟังไม่นานก็ละลายเป็นตอนๆ หลังจากนั้นสักพัก เราจะเห็นธีมแรกอีกครั้ง ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในคีย์ใหม่ กระแสดนตรีไหลอย่างรวดเร็ว กลับสู่ต้นฉบับ โทนเสียงหลักของซิมโฟนี ธีมที่สองไหลเข้าสู่โฟลว์นี้อย่างเป็นธรรมชาติ โดยตอนนี้มีลักษณะและอารมณ์ใกล้เคียงกับธีมแรกมากขึ้น ช่วงแรกของซิมโฟนีจบลงด้วยเสียงคอร์ดที่สนุกสนานเต็มเปี่ยม
การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง อันดันเต จะค่อยๆ คลี่คลายอย่างช้าๆ และไพเราะ ดึงเอาความหมายของเครื่องสายออกมา นี่เป็นเพลงสำหรับวงออเคสตราซึ่งมีการแต่งเนื้อร้องและการสะท้อนที่สง่างามครอบงำ
การเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 เป็นท่วงทำนองอันสง่างาม มันสร้างความรู้สึกผ่อนคลายและผ่อนคลาย จากนั้นเหมือนลมบ้าหมูที่ลุกเป็นไฟตอนจบที่ร้อนแรงก็ระเบิดเข้ามา โดยทั่วไปแล้วนี่คือซิมโฟนีในสมัยนั้น สามารถตรวจสอบต้นกำเนิดได้อย่างชัดเจน ส่วนแรกคล้ายกับการทาบทามโอเปร่ามากที่สุด แต่ถ้าการทาบทามเป็นเพียงเกณฑ์ของการแสดงการกระทำก็จะเผยออกมาเป็นเสียง โดยทั่วไปแล้วภาพดนตรีโอเปร่าของการทาบทาม - การประโคมอย่างกล้าหาญ, ความโศกเศร้าที่สัมผัสได้, ความสนุกสนานอย่างพายุของตัวตลก - ไม่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์บนเวทีที่เฉพาะเจาะจงและไม่มีลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล (โปรดจำไว้ว่าแม้แต่การทาบทามที่มีชื่อเสียงของ "The Barber of Seville" โดย Rossini ไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อหาของโอเปร่าและโดยทั่วไปแล้วมันถูกเขียนขึ้นสำหรับโอเปร่าอื่น!) แยกตัวออกจากการแสดงโอเปร่าและเริ่มชีวิตอิสระ พวกเขาสามารถจดจำได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก - น้ำเสียงที่เด็ดขาดและกล้าหาญของอาเรียที่กล้าหาญในธีมแรกเรียกว่าธีมหลักการถอนหายใจอย่างอ่อนโยนของอาเรียโคลงสั้น ๆ ในวินาทีที่เรียกว่าธีมรอง
หลักการของโอเปร่ายังสะท้อนให้เห็นในเนื้อสัมผัสของซิมโฟนีด้วย หากก่อนหน้านี้ดนตรีบรรเลงถูกครอบงำโดยพฤกษ์นั่นคือพฤกษ์ซึ่งมีท่วงทำนองอิสระหลายท่วงทำนองประสานกันฟังพร้อมกันที่นี่พฤกษ์ประเภทต่าง ๆ ก็เริ่มพัฒนา: ท่วงทำนองหลักหนึ่งเพลง (ส่วนใหญ่มักเป็นไวโอลิน) แสดงออกความหมายสำคัญพร้อมด้วย ดนตรีประกอบที่ทำให้มันดูโดดเด่น เน้นความเป็นตัวตนของเธอ พฤกษ์ประเภทนี้เรียกว่าโฮโมโฟนิก มีอิทธิพลเหนือซิมโฟนียุคแรกโดยสิ้นเชิง ต่อมาในซิมโฟนี เทคนิคที่ยืมมาจากความทรงจำก็ปรากฏขึ้น อย่างไรก็ตาม ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ค่อนข้างจะตรงกันข้ามกับความทรงจำ ตามกฎแล้วมีหนึ่งธีม (มีความทรงจำสองสามครั้งและมากกว่านั้น แต่ในธีมเหล่านั้นไม่ได้ขัดแย้งกัน แต่เปรียบเทียบกัน) ซ้ำหลายครั้งแต่ไม่มีอะไรขัดแย้งกัน โดยพื้นฐานแล้ว มันเป็นสัจพจน์ ซึ่งเป็นวิทยานิพนธ์ที่มีการกล่าวซ้ำๆ กันโดยไม่ต้องมีการพิสูจน์ ตรงกันข้ามในซิมโฟนี: ในลักษณะที่ปรากฏและการเปลี่ยนแปลงที่แตกต่างกันออกไป ธีมดนตรีและภาพที่ได้ยินข้อโต้แย้งและข้อขัดแย้ง บางทีนี่อาจเป็นจุดที่สัญญาณของเวลาปรากฏชัดเจนที่สุด ความจริงไม่ใช่สิ่งที่มอบให้อีกต่อไป จะต้องแสวงหา พิสูจน์ ให้เหตุผล เปรียบเทียบความคิดเห็นต่าง ๆ ชี้แจงมุมมองที่ต่างกัน นี่คือสิ่งที่นักสารานุกรมทำในฝรั่งเศส ปรัชญาเยอรมันถูกสร้างขึ้นจากสิ่งนี้โดยเฉพาะ วิธีวิภาษวิธีเฮเกล. และจิตวิญญาณแห่งยุคแห่งการแสวงหาก็สะท้อนให้เห็นในดนตรี
ดังนั้นซิมโฟนีจึงได้ประโยชน์อย่างมากจากการทาบทามของโอเปร่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งการทาบทามได้สรุปหลักการของการสลับส่วนที่ตัดกันซึ่งในซิมโฟนีกลายเป็นส่วนที่เป็นอิสระ ในส่วนแรกประกอบด้วยด้านที่แตกต่างกัน ความรู้สึกที่แตกต่างกันของบุคคล ชีวิตในการเคลื่อนไหว การพัฒนา การเปลี่ยนแปลง ความแตกต่าง และความขัดแย้ง ในส่วนที่สองเป็นการไตร่ตรอง สมาธิ และบางครั้งก็เป็นเนื้อเพลง ในประการที่สาม - การพักผ่อนความบันเทิง และสุดท้ายตอนจบ - รูปภาพแห่งความสนุกสนาน ความรื่นเริง และในเวลาเดียวกัน - ผลของการพัฒนาทางดนตรี ความสมบูรณ์ของวงจรซิมโฟนิก
ซิมโฟนีจะออกมาเป็นเช่นนี้ ต้น XIXศตวรรษ กล่าวโดยทั่วไปที่สุด จะเป็นเช่น ในภาษาบราห์มส์หรือบรัคเนอร์ และตอนที่เธอเกิด เห็นได้ชัดว่าเธอยืมการเคลื่อนไหวหลายอย่างจากห้องสวีท
Allemande, courante, sarabande และ gigue เป็นการเต้นรำแบบบังคับสี่แบบ ซึ่งมีอารมณ์ที่แตกต่างกันสี่อารมณ์ที่สามารถเห็นได้ง่ายในซิมโฟนียุคแรก คุณภาพการเต้นในตัวมันแสดงออกมาอย่างชัดเจน โดยเฉพาะในตอนจบซึ่งในแง่ของธรรมชาติของทำนอง จังหวะ และแม้แต่ขนาดของจังหวะ มักจะมีลักษณะคล้ายกับละครเพลง จริงอยู่ที่บางครั้งตอนจบของซิมโฟนีนั้นใกล้เคียงกับตอนจบที่เปล่งประกายของโอเปร่าบัฟฟา แต่ถึงอย่างนั้นความเกี่ยวพันของมันกับการเต้นรำเช่นทารันเทลลาก็ไม่อาจปฏิเสธได้ ส่วนส่วนที่สามนั้นเรียกว่ามินูเอต เฉพาะในงานของเบโธเฟนเท่านั้นที่การเต้นรำ - สง่างามอย่างสุภาพหรือหยาบคาย - จะถูกแทนที่ด้วยเชอร์โซ
ซิมโฟนีแรกเกิดจึงซึมซับคุณลักษณะของแนวดนตรีหลายประเภทและแนวเพลงที่เกิดในนั้น ประเทศต่างๆโอ้. และการก่อตัวของซิมโฟนีไม่เพียงเกิดขึ้นในเมืองมันไฮม์เท่านั้น มีโรงเรียนเวียนนาซึ่งเป็นตัวแทนโดย Wagenseil โดยเฉพาะ ในอิตาลี Giovanni Battista Sammartini เขียนผลงานออเคสตราซึ่งเขาเรียกว่าซิมโฟนีและมีไว้สำหรับการแสดงคอนเสิร์ตที่ไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงโอเปร่า ในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงหนุ่มชาวเบลเยียมโดยกำเนิด François-Joseph Gossec ได้หันมาใช้แนวเพลงใหม่ ซิมโฟนีของเขาไม่ได้รับการตอบรับและการยอมรับ เนื่องจากรายการแพร่หลายในดนตรีฝรั่งเศส แต่งานของเขามีบทบาทในการสร้างซิมโฟนีฝรั่งเศสในการต่ออายุและการขยายตัว วงซิมโฟนีออร์เคสตรา. นักแต่งเพลงชาวเช็ก Frantisek Micha ซึ่งครั้งหนึ่งเคยรับใช้ในกรุงเวียนนาได้ทดลองมากมายและประสบความสำเร็จในการค้นหารูปแบบไพเราะ Josef Myslewicz เพื่อนร่วมชาติผู้โด่งดังของเขามีการทดลองที่น่าสนใจ อย่างไรก็ตามนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ทั้งหมดเป็นคนโดดเดี่ยว แต่ในเมือง Mannheim ทั้งโรงเรียนได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งมี "เครื่องดนตรี" ชั้นหนึ่งนั่นคือวงออเคสตราที่มีชื่อเสียง ต้องขอบคุณโอกาสอันน่ายินดีที่ผู้มีสิทธิเลือกตั้งแห่งพาลาทิเนตเป็นคนรักดนตรีที่ยิ่งใหญ่และมีเงินเพียงพอที่จะจ่ายค่าใช้จ่ายจำนวนมาก นักดนตรีหลักจากประเทศต่าง ๆ มารวมตัวกันในเมืองหลวงของพาลาทิเนต - ชาวออสเตรียและเช็ก ชาวอิตาลีและปรัสเซีย - แต่ละคน ซึ่งมีส่วนสนับสนุนในการสร้างสรรค์แนวเพลงใหม่ ในผลงานของ Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ซิมโฟนีเกิดขึ้นในคุณสมบัติหลัก ๆ ซึ่งส่งต่อไปยังผลงานของคลาสสิกเวียนนา - Haydn, Mozart, Beethoven
ดังนั้น ในช่วงครึ่งศตวรรษแรกของการมีอยู่ของประเภทใหม่ จึงได้มีการสร้างโมเดลเชิงโครงสร้างและดราม่าที่ชัดเจนขึ้น ซึ่งสามารถรองรับเนื้อหาที่หลากหลายและมีความสำคัญมากได้ พื้นฐานของแบบจำลองนี้คือรูปแบบที่เรียกว่าโซนาตาหรือโซนาตาอัลเลโกร เนื่องจากส่วนใหญ่มักเขียนในจังหวะนี้ และต่อมาเป็นแบบอย่างสำหรับทั้งซิมโฟนีและโซนาตาและคอนแชร์โต ลักษณะเฉพาะของมันคือการวางแนวของธีมดนตรีที่แตกต่างกันและมักจะตัดกัน สามส่วนหลักของรูปแบบโซนาต้า - การแสดงออก, การพัฒนาและการบรรเลง - มีลักษณะคล้ายกับจุดเริ่มต้น, การพัฒนาของการกระทำและการไขเค้าความเรื่อง ละครคลาสสิก. หลังจากการแนะนำสั้น ๆ หรือทันทีที่เริ่มนิทรรศการ “ตัวละคร” ของละครจะถูกนำเสนอต่อผู้ชม
ดนตรีแนวแรกที่ฟังในคีย์หลักของงานเรียกว่าธีมหลัก บ่อยกว่า - ธีมหลัก แต่ถูกต้องมากกว่า - ส่วนหลักเนื่องจากภายในส่วนหลักนั่นคือบางส่วน รูปแบบดนตรีรวมตัวกันด้วยโทนเสียงเดียวและความเหมือนกันที่เป็นรูปเป็นร่างเมื่อเวลาผ่านไปไม่ใช่หนึ่งเดียว แต่มีธีมและท่วงทำนองที่แตกต่างกันหลายอย่างเริ่มปรากฏขึ้น หลังจากชุดหลัก ในตัวอย่างแรกๆ โดยการเปรียบเทียบโดยตรง และต่อมาผ่านชุดงานเชื่อมต่อขนาดเล็ก ชุดรองจะเริ่มต้นขึ้น ธีมของเธอหรือสองหรือสาม หัวข้อที่แตกต่างกันตรงกันข้ามกับตัวหลัก ส่วนใหญ่แล้วส่วนด้านข้างจะมีโคลงสั้น ๆ นุ่มนวลและเป็นผู้หญิงมากกว่า เสียงเป็นคีย์ที่แตกต่างจากคีย์หลัก ซึ่งเป็นคีย์รอง (จึงเป็นชื่อของส่วน) ความรู้สึกไม่มั่นคงและบางครั้งก็เกิดความขัดแย้ง นิทรรศการจบลงด้วยส่วนสุดท้ายซึ่งขาดไปในซิมโฟนียุคแรกหรือมีบทบาทเสริมเพียงอย่างเดียวเป็นจุดม่านหลังจากการแสดงครั้งแรกของละครและต่อมาโดยเริ่มจาก Mozart ได้รับความสำคัญของ ภาพที่สามที่เป็นอิสระ พร้อมด้วยภาพหลักและภาพรอง
ส่วนตรงกลางของรูปแบบโซนาต้าคือการพัฒนา ตามชื่อเรื่อง ธีมดนตรีที่ผู้ฟังคุ้นเคยในนิทรรศการ (ซึ่งก็คือจัดแสดงก่อนหน้านี้) ได้รับการพัฒนาขึ้นอาจมีการเปลี่ยนแปลงและพัฒนาได้ ในขณะเดียวกันก็แสดงจากอันใหม่ด้วยบางครั้ง ด้านที่ไม่คาดคิดได้รับการแก้ไขและแรงจูงใจส่วนบุคคลจะถูกแยกออกจากแรงจูงใจเหล่านั้น - แรงจูงใจที่กระตือรือร้นที่สุดซึ่งจะปะทะกันในภายหลัง การพัฒนาเป็นส่วนที่มีประสิทธิผลอย่างมาก ในตอนท้ายมีไคลแม็กซ์ซึ่งนำไปสู่การบรรเลง - ส่วนที่สามของรูปแบบซึ่งเป็นข้อไขเค้าความเรื่องของละคร
ชื่อของส่วนนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศส reprendre - to renew เป็นการต่ออายุ ซึ่งเป็นการทำซ้ำนิทรรศการ แต่มีการปรับเปลี่ยน: ทั้งสองส่วนตอนนี้ใช้เสียงในคีย์หลักของซิมโฟนี ราวกับว่าได้รับความยินยอมจากเหตุการณ์การพัฒนา บางครั้งอาจมีการเปลี่ยนแปลงอื่นๆ ในการบรรเลงใหม่ ตัวอย่างเช่น สามารถตัดทอนได้ (โดยไม่มีเสียงธีมใดๆ ในงานแสดง) มิเรอร์ (ส่วนแรกจะส่งเสียงด้านข้าง จากนั้นจึงส่งเฉพาะส่วนหลักเท่านั้น) ส่วนแรกของซิมโฟนีมักจะจบลงด้วยท่อนโคดา ซึ่งเป็นบทสรุปที่สร้างโทนเสียงหลักและภาพลักษณ์หลักของโซนาตาอัลเลโกร ในซิมโฟนียุคแรก โคดามีขนาดเล็กและโดยพื้นฐานแล้วเป็นส่วนสุดท้ายที่มีการพัฒนาค่อนข้างมาก ตัวอย่างเช่นต่อมาในเบโธเฟนได้รับสัดส่วนที่สำคัญและกลายเป็นการพัฒนาครั้งที่สองซึ่งการยืนยันทำได้อีกครั้งผ่านการต่อสู้
แบบฟอร์มนี้กลายเป็นสากลอย่างแท้จริง นับตั้งแต่สมัยซิมโฟนีจนถึงปัจจุบัน ก็สามารถรวบรวมเนื้อหาที่ลึกที่สุดได้สำเร็จ ถ่ายทอดภาพ ความคิด และปัญหามากมายไม่สิ้นสุด
ส่วนที่สองของซิมโฟนีช้า โดยปกติจะเป็นจุดศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ ของวงจร รูปร่างของมันแตกต่างกันไป ส่วนใหญ่มักเป็นสามส่วน กล่าวคือ มีส่วนภายนอกที่คล้ายกันและส่วนตรงกลางที่ตัดกัน แต่ก็สามารถเขียนในรูปแบบของรูปแบบหรือรูปแบบอื่น ๆ ก็ได้ จนถึงโซนาตาซึ่งมีโครงสร้างแตกต่างจากอัลเลโกรแรก เฉพาะในจังหวะที่ช้าลงและการพัฒนาที่มีประสิทธิภาพน้อยลงเท่านั้น
การเคลื่อนไหวที่สามเป็นเพลงย่อยในซิมโฟนียุคแรก และตามกฎแล้ว เชอร์โซจากเบโธเฟนถึงยุคปัจจุบันเป็นรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน เนื้อหาของส่วนนี้ได้รับการแก้ไขและซับซ้อนตลอดหลายทศวรรษ ตั้งแต่การเต้นรำในชีวิตประจำวันหรือในศาล ไปจนถึงการแสดงเชอร์โซอันทรงพลังของศตวรรษที่ 19 และต่อๆ ไป ไปจนถึงภาพอันน่าหวาดกลัวของความชั่วร้ายและความรุนแรงในวงจรซิมโฟนิกของโชสตาโควิช, โฮเนกเกอร์ และนักซิมโฟนีคนอื่นๆ ของศตวรรษที่ 20 เริ่มจากวินาทีที่ ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ Scherzo เปลี่ยนสถานที่มากขึ้นด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆซึ่งตามแนวคิดใหม่ของซิมโฟนีกลายเป็นปฏิกิริยาทางจิตวิญญาณไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์ในส่วนแรกเท่านั้น แต่ยังรวมถึง โลกที่เป็นรูปเป็นร่าง scherzo (โดยเฉพาะในซิมโฟนีของมาห์เลอร์)
ตอนจบซึ่งเป็นผลมาจากวัฏจักรในซิมโฟนียุคแรกมักเขียนในรูปแบบของรอนโดโซนาตา การสลับตอนที่ร่าเริงเป็นประกายด้วยความสนุกสนานพร้อมการละเว้นการเต้นรำอย่างต่อเนื่อง - โครงสร้างดังกล่าวเป็นไปตามธรรมชาติของภาพตอนจบจากความหมาย เมื่อเวลาผ่านไป ด้วยปัญหาซิมโฟนีที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น รูปแบบของโครงสร้างของตอนจบก็เริ่มเปลี่ยนไป ตอนจบเริ่มปรากฏในรูปแบบโซนาต้าในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลงใน แบบฟอร์มอิสระในที่สุดก็มีคุณสมบัติของ oratorio (พร้อมคณะนักร้องประสานเสียง) ภาพลักษณ์ของเขาเปลี่ยนไปเช่นกัน: ไม่เพียง แต่การยืนยันชีวิตเท่านั้น แต่บางครั้งก็เป็นผลที่น่าเศร้าด้วย (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี) การคืนดีกับความเป็นจริงที่โหดร้ายหรือการหลบหนีจากมันไปสู่โลกแห่งความฝันภาพลวงตาได้กลายเป็นเนื้อหาของตอนจบของวงจรไพเราะใน ร้อยปีที่ผ่านมา
แต่ขอกลับไปสู่จุดเริ่มต้นของเส้นทางอันรุ่งโรจน์ของประเภทนี้ โดยเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 งานของ Haydn ผู้ยิ่งใหญ่ก็เสร็จสมบูรณ์แบบคลาสสิก
อ่านยาว" ดนตรีซิมโฟนี”ในบริการทิลด้า
http://โครงการ134743. ทิลด้า. ส/ หน้าหนังสือ621898.html
ดนตรีไพเราะ
ผลงานดนตรีที่มุ่งหมายให้แสดงโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา
กลุ่มเครื่องมือวงซิมโฟนีออร์เคสตรา:ทองเหลือง: ทรัมเป็ต, ทูบา, ทรอมโบน, ฮอร์น
เครื่องเป่าลมไม้: โอโบ, คลาริเน็ต, ฟลุต, บาสซูน
เครื่องสาย: ไวโอลิน, วิโอลา, เชลโล, ดับเบิลเบส
เครื่องเคาะจังหวะ: กลองเบส, กลองสแนร์, Tamtam, Timpani, Celesta, แทมบูรีน, ฉาบ, คาสตาเนต, มาราคัส, ฆ้อง, สามเหลี่ยม, ระฆัง, ไซโลโฟน
เครื่องดนตรีอื่นๆ ของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา: ออร์แกน เซเลสตา ฮาร์ปซิคอร์ด ฮาร์ป กีตาร์ เปียโน (รอยัล เปียโน)
ลักษณะเสียงของเครื่องดนตรี
ไวโอลิน : ละเอียดอ่อน เบา สดใส ไพเราะ ชัดเจน อบอุ่น
วิโอลา: เนื้อแมท นุ่มนวล
เชลโล: รวยหนา
ดับเบิ้ลเบส : ทื่อ, รุนแรง, มืดมน, หนา
ขลุ่ย: ผิวปากเย็น
ปี่: จมูก, จมูก
คลาริเน็ต: แปรง, จมูก
บาสซูน : อัดแน่นหนา
ทรัมเป็ต: แวววาว สว่าง เบา เป็นโลหะ
ฮอร์น: กลมนุ่ม
ทรอมโบน : โลหะ แหลม ทรงพลัง
ทูบา: รุนแรง, หนา, หนัก
แนวเพลงหลักดนตรีไพเราะ:
ซิมโฟนี, สวีท, ทาบทาม, บทกวีไพเราะ
ซิมโฟนี
- (จากภาษากรีก ซิมโฟเนีย -
"ความสอดคล้อง", "ความสามัคคี")
ประเภทชั้นนำ เพลงออเคสตราซึ่งเป็นงานหลายส่วนที่ซับซ้อนและได้รับการพัฒนาอย่างมั่งคั่ง
คุณสมบัติของซิมโฟนี
นี่คือแนวเพลงที่สำคัญ
— เวลาเล่น: จาก 30 นาทีถึงหนึ่งชั่วโมง
พื้นฐาน นักแสดงชายและนักแสดง - วงซิมโฟนีออร์เคสตรา
โครงสร้างของซิมโฟนี (รูปแบบคลาสสิก)
ประกอบด้วย 4 ส่วนที่รวบรวมแง่มุมต่างๆ ของชีวิตมนุษย์
1 ส่วน
รวดเร็วและดราม่าที่สุด บางครั้งมีการแนะนำอย่างช้าๆ ก่อน เขียนในรูปแบบโซนาตา ด้วยจังหวะเร็ว (อัลเลโกร)
ส่วนที่ 2
สงบ มีน้ำใจ ทุ่มเทให้กับภาพธรรมชาติอันเงียบสงบ ประสบการณ์บทกวี โศกเศร้าหรือโศกเศร้าในอารมณ์
เสียงเป็นแบบสโลว์โมชัน เขียนเป็นเสียงรอนโด มักออกเสียงเป็นโซนาต้าหรือรูปแบบแปรผันน้อยกว่า
ส่วนที่ 3
มีเกมสนุกๆ รูปภาพชีวิตของผู้คน นี่คือเชอร์โซหรือมินูเอตในรูปแบบไตรภาคี
ส่วนที่ 4
ตอนจบอย่างรวดเร็ว ผลจากทุกส่วนทำให้มีบุคลิกที่ได้รับชัยชนะและเคร่งขรึมและรื่นเริง เขียนในรูปโซนาตาหรือรูปรอนโด รอนโดโซนาตา
แต่มีซิมโฟนีที่มีท่อนน้อยกว่า (หรือมากกว่า) นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว
ซิมโฟนีในผลงานของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ
- ฟรานซ์ โจเซฟ ไฮเดิน (1732 - 1809)
108 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 103 “พร้อมลูกคอกลอง”
ชื่อของมัน " กับลูกคอทิมปานี“ ซิมโฟนีได้รับการขอบคุณจากบาร์แรกซึ่งทิมปานีเล่นเครื่องสั่น (เครื่องสั่นของอิตาลี - ตัวสั่น) ชวนให้นึกถึงเสียงฟ้าร้องดังก้องอยู่ห่างไกล
บนโทนิคเสียง E-flat นี่คือจุดเริ่มต้นของการเริ่มต้นพร้อมเพรียงกันอย่างช้าๆ (Adagio) ซึ่งมีลักษณะเฉพาะที่มุ่งเน้นอย่างลึกซึ้ง
- โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท (1756-1791)
56 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 40
หนึ่งในซิมโฟนีเพลงสุดท้ายที่โด่งดังที่สุดของโมสาร์ท ซิมโฟนีได้รับความนิยมอย่างมากเนื่องจากมีดนตรีที่จริงใจเป็นพิเศษและเข้าใจได้ด้วยตัวเอง สู่วงกว้างผู้ฟัง
ส่วนแรกของซิมโฟนีไม่มีการแนะนำ แต่เริ่มทันทีด้วยการนำเสนอธีมของส่วนอัลเลโกรหลัก หัวข้อนี้มีลักษณะปั่นป่วน ในขณะเดียวกันก็โดดเด่นด้วยความไพเราะและความจริงใจ
- ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770—1827)
9 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 5
ซิมโฟนีสร้างความประหลาดใจด้วยการนำเสนอที่กระชับ ความกระชับของรูปแบบ ความมุ่งมั่นในการพัฒนา และดูเหมือนว่าจะเกิดมาจากแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์เพียงอย่างเดียว
“นี่คือวิธีที่โชคชะตามาเคาะประตูบ้านเรา” เบโธเฟนกล่าว
เกี่ยวกับแถบเปิดของงานนี้ ดนตรีที่แสดงออกอย่างสดใสของแรงจูงใจหลักของซิมโฟนีทำให้สามารถตีความได้ว่าเป็นภาพการต่อสู้ของบุคคลกับโชคชะตา การเคลื่อนไหวทั้งสี่ของซิมโฟนีถูกนำเสนอเป็นขั้นตอนของการต่อสู้ครั้งนี้
- ฟรานซ์ ชูเบิร์ต(1797—1828)
9 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 8 "ยังไม่เสร็จ"
หนึ่งในหน้าบทกวีที่ดีที่สุดในคลังซิมโฟนีโลกซึ่งเป็นคำใหม่ที่เป็นตัวหนาในแนวดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดนี้ซึ่งเปิดทางสู่แนวโรแมนติก นี่เป็นละครแนวโคลงสั้น ๆ-จิตวิทยาเรื่องแรกในประเภทไพเราะ
ไม่มี 4 ส่วนเหมือนกับซิมโฟนีของนักประพันธ์เพลงคลาสสิก แต่มีเพียง 2 ส่วนเท่านั้น อย่างไรก็ตาม การเคลื่อนไหวทั้งสองของซิมโฟนีนี้ทิ้งความรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความอ่อนล้าอย่างน่าทึ่ง
ซิมโฟนีในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย
- เซอร์เก เซอร์เกวิช โปรโคเฟียฟ (1891— 1953)
7 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 1 "คลาสสิก"
ที่เรียกว่า “คลาสสิค” เพราะว่า มันยังคงความเข้มงวดและตรรกะของรูปแบบคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 และในขณะเดียวกันก็โดดเด่นด้วยภาษาดนตรีสมัยใหม่
ดนตรีเต็มไปด้วยธีมที่คมชัดและ "เต็มไปด้วยหนาม" เนื้อเรื่องที่รวดเร็วโดยใช้คุณสมบัติของแนวเต้นรำ (polonaise, minuet, gavotte, gallop) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่องค์ประกอบการออกแบบท่าเต้นถูกสร้างขึ้นตามดนตรีซิมโฟนี
- มิทรี ดมิตรีวิช โชสตาโควิช(1906—1975)
15 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 7 "เลนินกราด"
ในปีพ. ศ. 2484 ด้วยซิมโฟนีหมายเลข 7 นักแต่งเพลงตอบสนองต่อเหตุการณ์เลวร้ายของสงครามโลกครั้งที่สองซึ่งอุทิศให้กับการปิดล้อมเลนินกราด (เลนินกราดซิมโฟนี)
“ The Seventh Symphony เป็นบทกวีเกี่ยวกับการต่อสู้ของเรา เกี่ยวกับชัยชนะที่กำลังจะมาถึง” โชสตาโควิชเขียน ซิมโฟนีได้รับการยอมรับทั่วโลกว่าเป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์
ทำนองที่แห้งและกะทันหันของเพลงหลักและการตีกลองอย่างต่อเนื่องทำให้เกิดความรู้สึกตื่นตัวและคาดหวังอย่างวิตกกังวล
- วาซิลี เซอร์เกวิช คาลินนิคอฟ (1866-1900)
2 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 1
Kalinnikov เริ่มเขียนซิมโฟนีครั้งแรกในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2437 และเสร็จสิ้นในอีกหนึ่งปีต่อมาในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2438
ซิมโฟนีรวบรวมคุณลักษณะของพรสวรรค์ของผู้แต่งไว้อย่างชัดเจนที่สุด - การเปิดกว้างทางจิตวิญญาณ, ความเป็นธรรมชาติ, ความรู้สึกที่ไพเราะมากมาย ในซิมโฟนีของเขาผู้แต่งยกย่องความงามและความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติชีวิตชาวรัสเซียโดยแสดงภาพลักษณ์ของรัสเซียวิญญาณรัสเซียผ่านดนตรีรัสเซีย
- ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี (1840—1893)
7 ซิมโฟนี
ซิมโฟนีหมายเลข 5
การเปิดซิมโฟนีเป็นการเดินขบวนศพ “ชื่นชมโชคชะตาอย่างเต็มเปี่ยม... ต่อหน้าโชคชะตาที่ไม่อาจหยั่งรู้ได้” ไชคอฟสกีเขียนไว้ในร่างของเขา
ด้วยวิธีนี้ ผ่านกระบวนการที่ยากลำบากในการเอาชนะและการต่อสู้ภายใน นักแต่งเพลงได้รับชัยชนะเหนือตัวเอง เหนือความสงสัย ความไม่ลงรอยกันทางจิต และความสับสนในความรู้สึก
ผู้ให้บริการของแนวคิดหลักคือธีมที่ยืดหยุ่นและเป็นจังหวะที่บีบอัดโดยมีการดึงดูดเสียงต้นฉบับอย่างต่อเนื่องซึ่งไหลผ่านทุกส่วนของวงจร
“จุดประสงค์ของดนตรีคือสัมผัสหัวใจ”
(โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค).
“ดนตรีควรจุดไฟจากใจผู้คน”
(ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน).
“ดนตรี แม้ในสถานการณ์ดราม่าที่เลวร้ายที่สุด ควรจะดึงดูดหูเสมอ และยังคงเป็นดนตรีอยู่เสมอ”
(โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท)
“เนื้อหาทางดนตรี ได้แก่ ทำนอง ความสามัคคี และจังหวะ เป็นสิ่งที่ไม่มีวันสิ้นสุดอย่างแน่นอน
ดนตรีเป็นคลังสมบัติที่ทุกเชื้อชาติมีส่วนร่วมเพื่อผลประโยชน์ส่วนรวม"
(ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี)
รักและศึกษาศิลปะดนตรีอันยิ่งใหญ่ มันจะเปิดเผยแก่คุณ ทั้งโลกความรู้สึกสูงตัณหาความคิด มันจะทำให้คุณร่ำรวยทางจิตวิญญาณมากขึ้น ต้องขอบคุณดนตรีที่ทำให้คุณค้นพบจุดแข็งใหม่ๆ ในตัวเองที่คุณไม่เคยรู้จักมาก่อน คุณจะได้เห็นชีวิตในโทนสีและสีสันใหม่ๆ”
(ดมิทรี ดมิตรีวิช ชอสตาโควิช)
ในช่วงปลายยุคบาโรก คีตกวีจำนวนหนึ่ง เช่น Giuseppe Torelli (1658–1709) เขียนผลงานให้กับวงเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องในสามการเคลื่อนไหว โดยมีลำดับจังหวะเร็ว-ช้า-เร็ว แม้ว่างานดังกล่าวมักเรียกว่า "คอนเสิร์ต" แต่ก็เป็นเช่นนั้น ก็ไม่ต่างจากงานที่เรียกว่า "ซิมโฟนี"; ตัวอย่างเช่น มีการใช้ธีมการเต้นรำในตอนจบของทั้งคอนเสิร์ตและซิมโฟนี ความแตกต่างเกี่ยวข้องกับโครงสร้างของส่วนแรกของวงจรเป็นหลัก: ในซิมโฟนีมันง่ายกว่า - ตามกฎแล้วนี่คือรูปแบบไบนารีสองส่วนของการทาบทามบาร็อค, โซนาต้าและสวีท (AA BB) คำว่า "ซิมโฟนี" มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 หมายถึงความสอดคล้องที่กลมกลืนกัน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ผู้เขียนเช่น J. Gabrieli ใช้แนวคิดนี้กับความสอดคล้องของเสียงและเครื่องดนตรี ต่อมาในดนตรีของนักประพันธ์เช่น Adriano Banchieri (1568–1634) และ Salomone Rossi (ประมาณปี 1570–1630) คำว่า “ซิมโฟนี” ได้เข้ามาหมายถึงเสียงของเครื่องดนตรีที่รวมกันโดยไม่มี โหวต คีตกวีชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 คำว่า "ซิมโฟนี" (ซินโฟเนีย) มักหมายถึงการบรรเลงโอเปร่า โอราโตริโอ หรือแคนตาตา และคำในความหมายก็ใกล้เคียงกับแนวคิดของ "โหมโรง" หรือ "ทาบทาม" ประมาณปี 1680 ในงานโอเปร่าของ A. Scarlatti ประเภทของซิมโฟนีได้รับการจัดตั้งขึ้นเพื่อเป็นเครื่องมือในสามส่วน (หรือบางส่วน) ซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการของ "เร็ว - ช้า - เร็ว"
ซิมโฟนีคลาสสิค
ผู้ฟังในศตวรรษที่ 18 ฉันชอบผลงานออเคสตราในหลายส่วนที่มีจังหวะต่างกัน ซึ่งแสดงทั้งในการสังสรรค์ที่บ้านและในคอนเสิร์ตสาธารณะ หลังจากสูญเสียหน้าที่ในการแนะนำ ซิมโฟนีก็พัฒนาเป็นงานออเคสตราอิสระ โดยปกติจะมีการเคลื่อนไหว 3 จังหวะ (“เร็ว – ช้า – เร็ว”) นักแต่งเพลงจำนวนหนึ่งโดยเฉพาะ G.B. Sammartini ได้สร้างแบบจำลองของซิมโฟนีคลาสสิกซึ่งเป็นงานที่มีการเคลื่อนไหวสามจังหวะสำหรับวงเครื่องสายโดยใช้คุณลักษณะของชุดเต้นรำบาโรก โอเปร่า และคอนแชร์โต โดยที่ท่อนที่เร็วมักจะอยู่ในรูปแบบของ rondo ง่าย ๆ หรือรูปแบบโซนาตายุคแรก เครื่องดนตรีอื่นๆ ได้ถูกเพิ่มเข้าไปในสายอย่างค่อยเป็นค่อยไป เช่น โอโบ (หรือฟลุต) เขาสัตว์ ทรัมเป็ต และกลองทิมปานี สำหรับผู้ฟังแห่งศตวรรษที่ 18 ซิมโฟนีถูกกำหนดโดยบรรทัดฐานคลาสสิก: เนื้อโฮโมโฟนิก, ความสามัคคีแบบไดโทนิก, ความแตกต่างอันไพเราะ, ลำดับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกและใจความที่กำหนด ศูนย์กลางที่ปลูกฝังซิมโฟนีคลาสสิกคือเมืองมันไฮม์ของเยอรมัน (ที่นี่ Jan Stamitz และนักเขียนคนอื่น ๆ ขยายวงจรไพเราะเป็นสี่ส่วนโดยแนะนำการเต้นรำสองชุดจากชุดบาโรก - มินูเอต์และทรีโอ) และเวียนนาที่ซึ่งไฮเดิน โมสาร์ท , เบโธเฟน (เช่นเดียวกับรุ่นก่อนซึ่ง Georg Monn และ Georg Wagenseil โดดเด่นในหมู่พวกเขาได้ยกระดับแนวซิมโฟนีไปสู่ระดับใหม่
ซิมโฟนีของ J. Haydn และ W. A. Mozart เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของสไตล์คลาสสิก ชิ้นส่วนต่างๆ ถูกแยกออกจากกันอย่างชัดเจน โดยแต่ละชิ้นมีเนื้อหาเฉพาะเรื่องที่เป็นอิสระ ความเป็นเอกภาพของวงจรเกิดขึ้นได้จากการเปรียบเทียบโทนเสียงและการสลับจังหวะและธรรมชาติของธีมอย่างรอบคอบ เครื่องสาย เครื่องลมไม้ ทองเหลือง และกลองทิมปานีเป็นการผสมผสานเครื่องดนตรีที่หลากหลาย จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ มาจากการเขียนเสียงร้องโอเปร่า แทรกซึมเข้าไปในแก่นของการเคลื่อนไหวช้า ๆ ทั้งสามส่วนในการเคลื่อนไหวครั้งที่สาม และแก่นเรื่องรองของการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ลวดลายอื่นๆ ของต้นกำเนิดโอเปร่า (การกระโดดแบบอ็อกเทฟ การทำซ้ำของเสียง ท่อนที่มีลักษณะคล้ายสเกล) กลายเป็นพื้นฐานเฉพาะของการเคลื่อนไหวที่รวดเร็ว ซิมโฟนีของ Haydn โดดเด่นด้วยความเฉลียวฉลาดและความคิดสร้างสรรค์ การพัฒนาเฉพาะเรื่องความคิดริเริ่มของการใช้ถ้อยคำ เครื่องมือวัด เนื้อสัมผัส และสาระสำคัญ ซิมโฟนีของโมสาร์ทโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่ไพเราะ ความเป็นพลาสติก ความสง่างามของความสามัคคี และความแตกต่างที่เชี่ยวชาญ
ตัวอย่างอันยอดเยี่ยมของซิมโฟนีคลาสสิกจากปลายศตวรรษที่ 18 – ซิมโฟนีหมายเลข 41 ของโมสาร์ท (K. 551, C Major (1788) หรือที่รู้จักในชื่อ ดาวพฤหัสบดี. โน้ตเพลงประกอบด้วยฟลุต โอโบสองตัว บาสซูนสองตัว แตรสองตัว ทรัมเป็ตสองตัว กลองทิมปานี และกลุ่มเครื่องสาย (ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สอง วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) ซิมโฟนีประกอบด้วยสี่การเคลื่อนไหว ประการแรก Allegro vivace เขียนด้วยจังหวะที่มีชีวิตชีวาในคีย์ C Major ในเวลา 4/4 ในรูปแบบโซนาตา (ที่เรียกว่ารูปแบบโซนาต้าอัลเลโกร: ธีมปรากฏขึ้นครั้งแรกในนิทรรศการ จากนั้นจึงพัฒนาในการพัฒนา ตามด้วยการบรรเลงซึ่งมักจะลงท้ายด้วยบทสรุป - coda) ส่วนที่สองของซิมโฟนีของโมสาร์ทเขียนด้วยจังหวะปานกลาง (ปานกลาง) ในคีย์รองของ F Major อีกครั้งในรูปแบบโซนาตาและมีบุคลิกที่ไพเราะ (Andante cantabile)
การเคลื่อนไหวที่สามประกอบด้วย minuet ที่ใช้งานปานกลางและทั้งสามใน C major แม้ว่าการเต้นรำทั้งสองนี้จะเขียนในรูปแบบไบนารี่เหมือนรอนดา (minuet - AAVABA; trio - CCDCDC) การกลับมาของ minuet หลังจากทั้งสามทำให้โครงสร้างโดยรวมมีโครงสร้างไตรภาคี ตอนจบเป็นอีกครั้งในรูปแบบโซนาต้าด้วยจังหวะที่เร็วมาก (Molto allegro) ในคีย์หลักของ C Major ธีมตอนจบสร้างขึ้นจากลวดลายที่กระชับ เปล่งพลังและความแข็งแกร่ง ในตอนจบของตอนจบ เทคนิคที่แตกต่างของ Bach ผสมผสานกับความสามารถพิเศษของสไตล์คลาสสิกของ Mozart
ในงานของแอล. ฟาน เบโธเฟน ส่วนของซิมโฟนีมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดมากขึ้น และวงจรก็มีเอกภาพมากขึ้น หลักการของการใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องที่เกี่ยวข้องกันในการเคลื่อนไหวทั้งสี่ซึ่งดำเนินการในซิมโฟนีที่ห้าของเบโธเฟนนำไปสู่การเกิดขึ้นของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนีวัฏจักร เบโธเฟนเข้ามาแทนที่มินิเอตอันเงียบสงบด้วยเชอร์โซที่มีชีวิตชีวาและมักจะวุ่นวาย เขายกระดับการพัฒนาธีมขึ้นไปอีกระดับ โดยกำหนดให้ธีมของเขาเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทุกประเภท รวมถึงการพัฒนาที่ขัดแย้งกัน การแยกส่วนของธีม การเปลี่ยนโหมด (หลัก - รอง) และการเปลี่ยนแปลงจังหวะ การใช้ทรอมโบนของเบโธเฟนในซิมโฟนีชุดที่ห้า หกและเก้า และการรวมเสียงในตอนจบของชุดที่เก้านั้นน่าประทับใจมาก ในเบโธเฟน จุดศูนย์ถ่วงในวงจรจะเปลี่ยนจากการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปสู่ตอนจบ ในรอบที่สาม ห้า และเก้า ไม่ต้องสงสัยเลยว่าตอนจบคือจุดสุดยอดของรอบ เบโธเฟนมี "ลักษณะเฉพาะ" และซิมโฟนีแบบเป็นโปรแกรม - ที่สาม ( วีรชน) และที่หก ( อภิบาล).
ซิมโฟนีโรแมนติก
ด้วยผลงานของเบโธเฟน ซิมโฟนีได้เข้าสู่ศตวรรษใหม่ การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของลักษณะจังหวะในสไตล์ของเขา, ความกว้างของช่วงไดนามิก, ความสมบูรณ์ของภาพ, ความสามารถพิเศษและการละคร, บางครั้งรูปลักษณ์ที่ไม่คาดคิดและความคลุมเครือของธีม - ทั้งหมดนี้ทำให้ผู้แต่งในยุคโรแมนติกเคลียร์หนทาง เมื่อตระหนักถึงความยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน พวกเขาจึงพยายามเดินตามเส้นทางของเขาโดยไม่สูญเสียความเป็นตัวของตัวเอง นักแต่งเพลงแนวโรแมนติก เริ่มต้นด้วย F. Schubert ทดลองกับโซนาตาและรูปแบบอื่น ๆ มักจะจำกัดหรือขยายให้แคบลง ซิมโฟนีแห่งความโรแมนติกเต็มไปด้วยบทกวี การแสดงออกตามอัตนัย และโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของเสียงต่ำและสีที่ประสานกัน ชูเบิร์ตร่วมสมัยของเบโธเฟนมีพรสวรรค์พิเศษในการสร้างธีมที่เป็นโคลงสั้น ๆ และลำดับฮาร์มอนิกที่แสดงออกอย่างผิดปกติ เมื่อตรรกะและความเป็นระเบียบเรียบร้อยของศิลปะคลาสสิกได้เปิดทางให้กับลักษณะเฉพาะตัวและความไม่แน่นอนของศิลปะแนวโรแมนติก รูปแบบของซิมโฟนีจำนวนมากก็กว้างขวางมากขึ้นและมีเนื้อสัมผัสที่หนักขึ้น
ในบรรดานักซิมโฟนีโรแมนติกชาวเยอรมัน ได้แก่ F. Mendelssohn, R. Schumann และ J. Brahms Mendelssohn ที่มีความคลาสสิกในด้านรูปแบบและสัดส่วน ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในช่วงที่สาม ( ชาวสก็อต) และที่สี่ ( ภาษาอิตาลี) ซิมโฟนีที่สะท้อนถึงความประทับใจของผู้เขียนในการไปเยือนประเทศเหล่านี้ ซิมโฟนีของ Schumann ซึ่งได้รับอิทธิพลจาก Beethoven และ Mendelssohn มีแนวโน้มที่จะเป็นวัฏจักรและในเวลาเดียวกันก็แรพโซดิก โดยเฉพาะเพลงที่สาม ( ไรน์แลนด์) และที่สี่ ในซิมโฟนีทั้งสี่ของเขา Brahms ได้ผสมผสานความแตกต่างอย่างมีสไตล์ของ Bach วิธีการพัฒนาของ Beethoven บทเพลงของ Schubert และอารมณ์ของ Schumann ด้วยความเคารพ P.I. Tchaikovsky หลีกเลี่ยงแนวโน้มทั่วไปของโรแมนติกแบบตะวันตกไปสู่รายการซิมโฟนีที่มีรายละเอียดรวมถึงการใช้เสียงร้องในประเภทนี้ ซิมโฟนีของไชคอฟสกีเป็นนักดนตรีออร์เคสตราและนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ สะท้อนถึงความชื่นชอบในจังหวะการเต้นของผู้เขียน ซิมโฟนีของนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อีกคนหนึ่งคือ A. Dvorak มีความโดดเด่นด้วยแนวทางที่ค่อนข้างอนุรักษ์นิยมในรูปแบบไพเราะซึ่งนำมาใช้จากชูเบิร์ตและบราห์มส์ ซิมโฟนีของ A.P. Borodin มีเนื้อหาระดับชาติอย่างลึกซึ้งและมีรูปแบบที่ยิ่งใหญ่
ผู้เขียนซึ่งมีผลงานโปรแกรมซิมโฟนีประเภทหนึ่งในศตวรรษที่ผ่านมาซึ่งแตกต่างหลายประการจากนามธรรมหรือพูดได้ว่าซิมโฟนีที่แท้จริงของยุคคลาสสิกคือ G. Berlioz ในโปรแกรมซิมโฟนี มีการเล่าเรื่อง หรือมีการวาดภาพ หรือพูดโดยทั่วไปแล้ว มีองค์ประกอบของ "ดนตรีพิเศษ" ที่อยู่นอกเหนือตัวดนตรีเอง ได้รับแรงบันดาลใจจากซิมโฟนีหมายเลข 9 ของเบโธเฟน พร้อมท่อนขับร้องท่อนสุดท้ายของบทเพลงของชิลเลอร์ บทกวีถึงจอย Berlioz ก้าวต่อไปในยุคของเขา ซิมโฟนีมหัศจรรย์(ค.ศ. 1831) โดยแต่ละส่วนเป็นเพียงเศษเสี้ยวของการเล่าเรื่องอัตชีวประวัติที่ดูเหมือนมีเนื้อหาเกี่ยวกับอัตชีวประวัติ และบทเพลงเตือนใจดำเนินไปตลอดทั้งวงจร ในบรรดาโปรแกรมซิมโฟนีอื่นๆ ของผู้แต่งได้แก่ ฮาโรลด์ในอิตาลีตามคำกล่าวของ Byron และ โรมิโอและจูเลียตตามเช็คสเปียร์ซึ่งนอกจากเครื่องดนตรีแล้วยังมีการใช้เสียงร้องอย่างกว้างขวางอีกด้วย เช่นเดียวกับ Berlioz, F. Liszt และ R. Wagner ต่างก็เป็น "ผู้เปรี้ยวจี๊ด" ในยุคของพวกเขา แม้ว่าความปรารถนาของวากเนอร์ในการสังเคราะห์คำและดนตรี เสียงและเครื่องดนตรีนำเขาจากซิมโฟนีไปสู่โอเปร่า แต่ความเชี่ยวชาญอันงดงามของผู้เขียนคนนี้มีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงชาวยุโรปเกือบทั้งหมดในรุ่นต่อ ๆ ไป รวมถึงชาวออสเตรีย A. Bruckner เช่นเดียวกับวากเนอร์ ลิซท์เป็นหนึ่งในผู้นำของแนวโรแมนติกทางดนตรีตอนปลาย และความหลงใหลในการเขียนโปรแกรมของเขาทำให้เกิดผลงานเช่นซิมโฟนี เฟาสท์และ ดันเต้ตลอดจนบทกลอนไพเราะ 12 รายการ เทคนิคของ Liszt ในการแปลงรูปแบบเป็นรูปเป็นร่างของธีมในกระบวนการพัฒนามีอิทธิพลอย่างมากต่องานของ S. Frank และ R. Strauss ผู้เขียนในยุคต่อมา
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ผลงานของนักซิมโฟนิสต์ที่มีความสามารถจำนวนหนึ่ง ซึ่งแต่ละคนมีสไตล์เฉพาะตัวที่สดใส ถือเป็นขั้นตอนสุดท้ายของประเพณีโรแมนติกคลาสสิกที่มีความโดดเด่นในรูปแบบโซนาต้าและความสัมพันธ์ทางโทนเสียงบางอย่าง จี. มาห์เลอร์ชาวออสเตรียได้เติมแต่งซิมโฟนีด้วยธีมเฉพาะเรื่องที่มีต้นกำเนิดจากเพลงและลวดลายการเต้นของเขาเอง บ่อยครั้งที่เขาอ้างโดยตรงจากดนตรีพื้นบ้าน ศาสนา หรือการทหาร ซิมโฟนีทั้งสี่ของมาห์เลอร์ใช้นักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยว และวงซิมโฟนีทั้งสิบรอบของเขาโดดเด่นด้วยความหลากหลายที่ไม่ธรรมดาและความซับซ้อนของการเขียนออร์เคสตรา Finn J. Sibelius แต่งเพลงซิมโฟนีที่มีลักษณะเป็นนามธรรม เปี่ยมไปด้วยความรู้สึกลึกซึ้ง สไตล์ของเขามีลักษณะเฉพาะคือชอบเสียงต่ำและเบส แต่โดยทั่วไปแล้วเนื้อสัมผัสของดนตรีออเคสตราของเขายังคงชัดเจน ชาวฝรั่งเศส C. Saint-Saens เขียนซิมโฟนีสามเพลงซึ่งเพลงที่โด่งดังที่สุดคือเพลงสุดท้าย (พ.ศ. 2429) - สิ่งที่เรียกว่า ออร์แกนซิมโฟนี. ซิมโฟนีฝรั่งเศสที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในช่วงเวลานี้อาจเรียกได้ว่าเป็นซิมโฟนีเดียวของเอส. แฟรงก์ (พ.ศ. 2429–2431)
ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของซิมโฟนีหลังโรแมนติกจากปลายศตวรรษที่ 19 เป็นซิมโฟนีเพลงซีไมเนอร์ของมาห์เลอร์ สร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2437 (บางครั้งเรียกว่า การฟื้นคืนชีพที่เกี่ยวข้องกับเนื้อหาการร้องประสานเสียงในส่วนสุดท้าย) วงจรห้าตอนขนาดยักษ์เขียนขึ้นสำหรับนักแสดงออเคสตราขนาดใหญ่: ขลุ่ย 4 อัน (รวมปิคโคโล), โอโบ 4 อัน (รวมคอร์แองเกลส์ 2 อัน), คลาริเน็ต 5 อัน (รวมเบสหนึ่งตัว), บาสซูน 4 อัน (รวมคอนทราบาสซูน 2 อัน), แตร 10 แตร, 10 ทรัมเป็ต, ทรอมโบน 4 อัน, ทูบา, ออร์แกน, ฮาร์ป 2 อัน, นักร้องเดี่ยวสองคน - คอนทรัลโตและโซปราโน, นักร้องประสานเสียงผสมและใหญ่ กลุ่มนัดหยุดงานได้แก่กลองทิมปานี 6 ใบ กลองเบส ฉาบ ฆ้อง และระฆัง การเคลื่อนไหวครั้งแรกมีลักษณะที่เคร่งขรึม (Allegro maestoso) เหมือนการเดินขบวน (ลายเซ็นเวลา 4/4 ในคีย์ C minor); ในแง่ของโครงสร้าง เป็นรูปแบบโซนาต้าแบบขยายที่มีการเปิดรับแสงสองเท่า ส่วนที่สองแผ่ออกไปด้วยจังหวะปานกลาง (Andante moderato) และชวนให้นึกถึงลักษณะของการเต้นรำ Ländler ของออสเตรียที่สง่างาม การเคลื่อนไหวนี้เขียนด้วยคีย์ย่อย (A-flat major) ในเวลา 3/8 และในรูปแบบ ABABA ธรรมดา การเคลื่อนไหวครั้งที่สามนั้นโดดเด่นด้วยความลื่นไหลของดนตรีซึ่งเขียนด้วยคีย์หลักและในเวลา 3/8 Scherzo แบบสามการเคลื่อนไหวนี้เป็นการพัฒนาแบบซิมโฟนิกของเพลงที่แต่งพร้อมๆ กันโดย Mahler คำเทศนาของนักบุญ แอนโทนี่กับราศีมีน.
ในส่วนที่สี่ "แสงนิรันดร์" ("Urlicht") ปรากฏขึ้น เสียงของมนุษย์. เพลงออเคสตรานี้สดใสและเต็มไปด้วยความรู้สึกทางศาสนาอันลึกซึ้ง เขียนขึ้นสำหรับวิโอลาเดี่ยวและวงออเคสตราแบบลดขนาด มีรูปแบบ ABCB ลายเซ็นเวลา 4/4 คีย์ของ D-flat major ฉากสุดท้ายที่ "ดุเดือด" ที่ดุเดือดตามจังหวะของเชอร์โซมีการเปลี่ยนแปลงมากมายในด้านอารมณ์ โทนเสียง จังหวะ และมาตรวัด นี่คือรูปแบบโซนาต้าที่มีขนาดใหญ่มากพร้อมโคดาอันยิ่งใหญ่ ฉากสุดท้ายประกอบด้วยลวดลายของการเดินขบวน การร้องประสานเสียง และเพลงที่ชวนให้นึกถึงภาคก่อนๆ ในตอนท้ายของตอนจบเสียงก็เข้ามา (โซปราโนเดี่ยวและคอนทราลโตรวมถึงคณะนักร้องประสานเสียง - พร้อมเพลงสวดเกี่ยวกับพระคริสต์ผู้ฟื้นคืนพระชนม์ตามคำพูดของกวีชาวเยอรมัน F. Klopstock ในศตวรรษที่ 18 ในบทสรุปของวงออเคสตราแสงออเคสตราที่ไพเราะ สีและโทนสีของ E-flat major ขนานกับสีหลักปรากฏ C minor: แสงแห่งศรัทธาขับไล่ความมืด
ศตวรรษที่ยี่สิบ
ในทางตรงกันข้ามอย่างชัดเจนกับวงจรโรแมนติกตอนปลายที่แผ่กิ่งก้านสาขาของมาห์เลอร์คือซิมโฟนีนีโอคลาสสิกที่แต่งขึ้นอย่างพิถีพิถันของนักเขียนชาวฝรั่งเศสเช่น D. Milhaud และ A. Honegger นักเขียนชาวรัสเซีย I.F. Stravinsky เขียนในสไตล์นีโอคลาสสิก (หรือนีโอบาโรก) ซึ่งเติมเต็มรูปแบบซิมโฟนิกแบบดั้งเดิมด้วยวัสดุที่ไพเราะและโทนเสียงฮาร์โมนิกใหม่ ชาวเยอรมัน P. Hindemith ยังรวมรูปแบบที่มาจากอดีตด้วยภาษาที่ไพเราะและฮาร์โมนิกของแต่ละบุคคลอย่างชัดเจน (เขามีลักษณะเฉพาะโดยชอบช่วงที่สี่ในเนื้อหาและคอร์ด)
นักซิมโฟนีชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุด ได้แก่ S.V. Rachmaninov, S.S. Prokofiev และ D.D. Shostakovich ซิมโฟนีทั้งสามของรัคมานินอฟยังคงสานต่อประเพณีโรแมนติกระดับชาติที่มาจากไชคอฟสกี ซิมโฟนีของ Prokofiev ยังเกี่ยวข้องกับประเพณี แต่มีการตีความใหม่ ผู้เขียนคนนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยจังหวะการเคลื่อนไหวที่เข้มงวด การเปลี่ยนโทนเสียงที่ไม่คาดคิด และมีธีมที่มาจากนิทานพื้นบ้าน ชีวิตที่สร้างสรรค์โชสตาโควิชไหลเข้ามา ยุคโซเวียตประวัติศาสตร์รัสเซีย "ขั้นสูง" ที่สุดถือได้ว่าเป็นซิมโฟนีที่หนึ่ง, สิบ, สิบสามและสิบห้าของเขาในขณะที่ซิมโฟนีที่สาม, แปด, สิบเอ็ดและสิบสองมีความเกี่ยวข้องกับ "สไตล์รัสเซีย" แบบดั้งเดิมมากกว่า ในอังกฤษ นักซิมโฟนีที่โดดเด่น ได้แก่ อี. เอลการ์ (สองซิมโฟนี) และอาร์. ดับเบิลยู. วิลเลียมส์ (เก้าซิมโฟนีที่เขียนระหว่างปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2500 รวมทั้งองค์ประกอบเสียงร้องด้วย) ในบรรดานักเขียนคนอื่น ๆ ซึ่งแต่ละคนมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีของประเทศของเขา ใคร ๆ ก็สามารถตั้งชื่อโปแลนด์ Witold Lutoslawski (เกิดปี 1913) และ K. Penderecki, Czech Boguslav Martinu (1890–1959), ชาวบราซิล E. Villa-Lobos และชาวเม็กซิกัน คาร์ลอส ชาเวซ (พ.ศ. 2442–2519)
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ชาวอเมริกัน ชาร์ลส์ ไอฟส์ ประพันธ์ซิมโฟนีแนวหน้าจำนวนหนึ่งซึ่งใช้วงดนตรีออเคสตรา ช่วงเวลาควอเตอร์โทน จังหวะหลายจังหวะ การเขียนฮาร์มอนิกที่ไม่สอดคล้องกัน และเทคนิคการจับแพะชนแกะ ในรุ่นต่อๆ ไป นักแต่งเพลงหลายคน (ทุกคนศึกษาที่ปารีสในช่วงทศวรรษ 1920 กับ Nadia Boulanger) ได้สร้างโรงเรียนซิมโฟนีของอเมริกา: A. Copland, Roy Harris (1898–1981) และ W. Piston ในรูปแบบของพวกเขาด้วยองค์ประกอบของนีโอคลาสสิกนิยมอิทธิพลของฝรั่งเศสจึงเห็นได้ชัด แต่ซิมโฟนีของพวกเขายังคงสร้างภาพลักษณ์ของอเมริกาด้วยพื้นที่เปิดโล่งความน่าสมเพชและความงามตามธรรมชาติ ซิมโฟนีของ Roger Sessions โดดเด่นด้วยความซับซ้อนและความแปลกประหลาดของแนวทำนองที่มีสี ความตึงเครียดของการพัฒนาเนื้อหา และความแตกต่างมากมาย Wallingford Rigger ใช้เทคนิคต่อเนื่องของ A. Schoenberg ในซิมโฟนีของเขา; เฮนรี โคเวลล์ใช้แนวคิดเชิงทดลองดังกล่าวในซิมโฟนีของเขาเป็นท่วงทำนองเพลงสวด เครื่องดนตรีแปลกใหม่ กลุ่มเสียง และสีที่ไม่สอดคล้องกัน
ในบรรดานักซิมโฟนีชาวอเมริกันคนอื่นๆ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 เราสามารถเน้น H. Hanson, W. Schumann, D. Diamond และ V. Persichetti ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ E. Carter, J. Rochberg, W. G. Still, F. Glass, E. T. Zwilich และ G. Corigliano ได้สร้างซิมโฟนีที่น่าสนใจ ในอังกฤษ ไมเคิล ทิปเพตต์ (ค.ศ. 1905–1998) ประเพณีซิมโฟนิกยังคงดำเนินต่อไป ในช่วงทศวรรษที่ 1990 เกิดปรากฏการณ์ที่ไม่ธรรมดา: ซิมโฟนีสมัยใหม่กลายเป็น "ยอดฮิต" ของสาธารณชนทั่วไป เรากำลังพูดถึงซิมโฟนีที่สาม ( ซิมโฟนี เพลงเศร้า ) โพล ไฮน์ริช โกเรคกี ในช่วงเปลี่ยนผ่านของสหัสวรรษที่สาม นักแต่งเพลงจากประเทศต่างๆ ได้สร้างซิมโฟนีที่สะท้อนถึงความดึงดูดใจของผู้แต่งต่อปรากฏการณ์ที่หลากหลาย เช่น ความเรียบง่าย ลัทธิอนุกรมนิยมโดยรวม การแสดงดนตรี ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ นีโอโรแมนติกนิยม แจ๊ส และวัฒนธรรมดนตรีที่ไม่ใช่ยุโรป
เพลงบรรเลง. มักประกอบด้วย 4 ส่วน ซิมโฟนีคลาสสิกได้รับการพัฒนาในท้ายที่สุด 18 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 19 (เจ. ไฮเดิน, ดับเบิลยู. เอ. โมสาร์ท, แอล. เบโธเฟน). ในบรรดานักประพันธ์เพลงโรแมนติก ซิมโฟนีเนื้อเพลง (F. Schubert, F. Mendelssohn) และซิมโฟนีของรายการ (G. Berlioz, F. Liszt) มีความสำคัญอย่างยิ่ง คีตกวีชาวยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 19 และ 20 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนี (I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvorak, J. Sibelius ฯลฯ ) สถานที่สำคัญของซิมโฟนีในรัสเซีย (A. P. Borodin, P. I. Tchaikovsky, A. K. Glazunov, A. N. Scriabin, S. V. Rachmaninov, N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian และคนอื่น ๆ )
พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่. 2000 .
คำพ้องความหมาย:ดูว่า "SYMPHONY" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:
ดูข้อตกลง... พจนานุกรมคำพ้องความหมายภาษารัสเซียและสำนวนที่คล้ายกัน ภายใต้. เอ็ด N. Abramova, M.: พจนานุกรมรัสเซีย, 1999. ความสามัคคีของซิมโฟนี, ข้อตกลง; ความสอดคล้อง, ดัชนีพจนานุกรม, พจนานุกรม Symphonietta ของคำพ้องความหมายภาษารัสเซีย ... พจนานุกรมคำพ้อง
- (พยัญชนะกรีก) ดนตรีชิ้นใหญ่ที่เขียนขึ้นสำหรับวงออเคสตรา พจนานุกรมคำต่างประเทศที่รวมอยู่ในภาษารัสเซีย Chudinov A.N. , 2453 ซิมโฟนีกรีก ซิมโฟเนีย จากซิน ร่วมกัน และโทรศัพท์ เสียง ความสามัคคี ความกลมกลืนของเสียง… … พจนานุกรมคำต่างประเทศในภาษารัสเซีย
ซิมโฟนีหมายเลข 17: ซิมโฟนีหมายเลข 17 (ไวน์เบิร์ก) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (โมสาร์ท), จีเมเจอร์, KV129 ซิมโฟนีหมายเลข 17 (Myaskovsky) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (คารามานอฟ) "อเมริกา" ซิมโฟนีหมายเลข 17 (สโลนิมสกี้) ซิมโฟนีหมายเลข 17 (โฮวาเนส), ซิมโฟนีสำหรับเมทัลออร์เคสตรา, Op. 203... ...วิกิพีเดีย
ซิมโฟนี ซิมโฟนี ผู้หญิง (กรีกซิมโฟเนียความสามัคคีของเสียงความสอดคล้อง) 1. งานดนตรีขนาดใหญ่สำหรับวงออเคสตรา มักประกอบด้วย 4 การเคลื่อนไหว โดยท่อนแรกและมักจะเขียนในรูปแบบโซนาต้า (ดนตรี) “ซิมโฟนีสามารถเป็นได้… ... พจนานุกรมอธิบายของ Ushakov
ซิมโฟนี- และฉ. ซิมโฟนี ฉ. , มัน. ซินโฟเนีย lat. ซิมโฟเนีย กรัม ความสอดคล้องของซิมโฟเนีย Krysin 2541 1. ดนตรีชิ้นใหญ่สำหรับวงออเคสตราประกอบด้วย 3-4 ส่วนซึ่งแตกต่างกันในลักษณะของดนตรีและจังหวะ ซิมโฟนีที่น่าสมเพช...... พจนานุกรมประวัติศาสตร์ Gallicisms ของภาษารัสเซีย
ผู้หญิง กรีก ดนตรี ความสอดคล้องของเสียง ความสอดคล้องของเสียงโพลีโฟนิก | การประพันธ์ดนตรีแบบโพลีโฟนิกชนิดพิเศษ เฮย์เดน ซิมโฟนี. | Symphony on the Old, ในพันธสัญญาใหม่, รหัส, บ่งชี้สถานที่ที่มีการกล่าวถึงคำเดียวกัน ฉลาด... ... พจนานุกรมอธิบายของดาห์ล
- (ภาษาลาติน ซิมโฟเนีย จากภาษากรีก ซิมโฟเนีย สอดคล้องกัน, ข้อตกลง) ทำงานให้กับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกได้รับการพัฒนาโดยนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา J.... ... สารานุกรมสมัยใหม่
ซิมโฟนี- (ละตินซิมโฟเนียจากกรีกซิมโฟเนีย - ความสอดคล้องข้อตกลง) งานสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หนึ่งในประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ซิมโฟนีประเภทคลาสสิกได้รับการพัฒนาโดยผู้แต่งของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา - เจ ... ... พจนานุกรมสารานุกรมภาพประกอบ
ซิมโฟนี และเพศหญิง 1. ดนตรีชิ้นใหญ่สำหรับวงออเคสตรา 2. การโอน สารประกอบฮาร์มอนิก การรวมกันของบางสิ่ง n (หนังสือ). ส.ดอกไม้. ส.สี. ส.เสียง. | คำคุณศัพท์ ไพเราะ, aya, oe (ถึง 1 ค่า) เอส.ออร์เคสตรา...... พจนานุกรมอธิบายของ Ozhegov
- (พยัญชนะกรีก) ชื่อขององค์ประกอบออเคสตราในหลายส่วน ส. รูปแบบที่กว้างขวางที่สุดในสาขาดนตรีออเคสตราคอนเสิร์ต เนื่องจากมีความคล้ายคลึงกันในการก่อสร้างกับโซนาต้า ส. สามารถเรียกได้ว่าเป็นแกรนด์โซนาต้าสำหรับวงออเคสตรา ยังไง…… สารานุกรมของ Brockhaus และ Efron
หนังสือ
- ซิมโฟนี 2, อ. โบโรดิน. ซิมโฟนี 2, คะแนน, สำหรับวงออเคสตรา ประเภทสิ่งพิมพ์: เครื่องดนตรีคะแนน: วงออเคสตรา ทำซ้ำด้วยการสะกดของผู้เขียนต้นฉบับฉบับปี 1869...