เกี่ยวกับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

,เชลโล,ดับเบิ้ลเบส รวบรวมเข้าด้วยกันในมือของนักดนตรีที่มีประสบการณ์ซึ่งอยู่ภายใต้ความประสงค์ของผู้ควบคุมวงพวกเขาสร้างเครื่องดนตรีที่สามารถแสดงออกและถ่ายทอดเนื้อหาทางดนตรีภาพใด ๆ และความคิดใด ๆ ผ่านเสียง การผสมผสานเครื่องดนตรีออเคสตราหลายอย่างเข้าด้วยกันทำให้เกิดเสียงที่หลากหลายจนแทบจะไม่มีวันหมด ตั้งแต่เสียงฟ้าร้อง หูหนวก ไปจนถึงเสียงแทบไม่ได้ยิน ตั้งแต่การตัดหูอย่างแหลมคมไปจนถึงเสียงที่นุ่มนวล และคอร์ดหลายชั้นของความซับซ้อนใด ๆ และลวดลายและคดเคี้ยวของเครื่องประดับอันไพเราะที่แตกต่างกันและผ้าใยแมงมุมบาง ๆ เสียงเล็ก ๆ "แตกเป็นชิ้น" เมื่อตาม เปรียบเปรย S.S. Prokofiev“ ราวกับว่าพวกเขากำลังเช็ดฝุ่นออกจากวงออเคสตรา” และการประสานอันทรงพลังของเครื่องดนตรีหลาย ๆ อันที่เล่นเสียงเดียวกันพร้อมกัน - ทั้งหมดนี้ขึ้นอยู่กับวงออเคสตรา กลุ่มออเคสตราใด ๆ - เครื่องสาย, ลม, เครื่องเพอร์คัชชัน, สายดึง, คีย์บอร์ด - สามารถแยกออกจากกลุ่มอื่นและดำเนินการเล่าเรื่องทางดนตรีของตัวเองท่ามกลางความเงียบของผู้อื่น แต่ทั้งหมดทั้งหมด บางส่วนหรือเป็นตัวแทนรายบุคคล เมื่อรวมเข้ากับกลุ่มอื่นหรือบางส่วน ก่อให้เกิดโลหะผสมเสียงที่ซับซ้อน เป็นเวลากว่าสองศตวรรษแล้วที่ความคิดอันเป็นที่รักที่สุดของนักประพันธ์เพลง ซึ่งเป็นเหตุการณ์สำคัญที่โดดเด่นที่สุดในประวัติศาสตร์ของศิลปะแห่งเสียง มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีที่คิดขึ้น เขียนขึ้น และบางครั้งก็เรียบเรียงสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

แผนผังเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ทุกคนที่รักดนตรีรู้จักและจดจำชื่อของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin M. P. Mussorgsky, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ซึ่งมีซิมโฟนีห้องสวีททาบทามไพเราะ บทกวี ภาพวาด จินตนาการ คอนเสิร์ตบรรเลงพร้อมวงออเคสตรา และในที่สุด แคนตาตา ออราทอริโอ โอเปร่าและบัลเล่ต์ก็เขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราหรือเกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วม ความสามารถในการเขียนให้เขาแสดงถึงงานศิลปะที่สูงที่สุดและซับซ้อนที่สุด การประพันธ์ดนตรีต้องใช้ความรู้เฉพาะทางอย่างลึกซึ้ง ประสบการณ์ที่กว้างขวาง การฝึกฝน และที่สำคัญที่สุดคือความสามารถพิเศษทางดนตรี พรสวรรค์ และความสามารถพิเศษ

ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของวงดุริยางค์ซิมโฟนีคือประวัติศาสตร์ของการปรับโครงสร้างเครื่องดนตรีเก่าอย่างค่อยเป็นค่อยไปและการประดิษฐ์เครื่องดนตรีใหม่เพิ่มองค์ประกอบประวัติความเป็นมาของการปรับปรุงวิธีการใช้เครื่องดนตรีผสมเช่น ประวัติของพื้นที่นั้น ของวิทยาศาสตร์ดนตรีที่เรียกว่า orchestration หรือเครื่องดนตรีและสุดท้ายคือประวัติความเป็นมาของดนตรีไพเราะโอเปร่าและออราทอริโอ องค์ประกอบทั้งสี่นี้ ซึ่งเป็นแนวคิดทั้งสี่ด้านของ “ซิมโฟนีออร์เคสตรา” มีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด อิทธิพลของพวกเขาที่มีต่อกันมีและยังคงมีความหลากหลาย

คำว่า "วงออเคสตรา" ในภาษากรีกโบราณหมายถึงพื้นที่ครึ่งวงกลมด้านหน้าเวทีละครซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียง - ผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ในการแสดงละครในยุคของ Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes ประมาณปี ค.ศ. 1702 คำนี้ถูกใช้ครั้งแรกเพื่อระบุพื้นที่เล็กๆ ที่มีไว้สำหรับวงดนตรีบรรเลงประกอบละครโอเปร่า นี่คือชื่อที่ตั้งให้กับกลุ่มเครื่องดนตรีในแชมเบอร์มิวสิค ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 พวกเขานำเสนอความแตกต่างที่ชัดเจนสำหรับประวัติศาสตร์ของวงออเคสตรา - วงออเคสตราขนาดใหญ่เปรียบเทียบกับแชมเบอร์มิวสิคขนาดเล็ก - วงดนตรี จนถึงขณะนี้ ยังไม่มีเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างแชมเบอร์มิวสิคและดนตรีออเคสตรา

แนวคิดของ "ซิมโฟนีออร์เคสตรา" ปรากฏในยุคของลัทธิคลาสสิกเมื่อ K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn และ Mozart อาศัยและทำงานอยู่ มันเกิดขึ้นหลังจากที่ผู้แต่งเริ่มจดชื่อเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นที่เล่นเสียงนี้หรือเสียงนั้นบรรทัดของโน้ตนี้หรือบรรทัดนั้นอย่างถูกต้อง ย้อนกลับไปเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 ในเพลง “Orpheus” ของ C. Monteverdi ก่อนแต่ละหมายเลข ระบุเฉพาะเครื่องดนตรีที่สามารถทำได้เท่านั้น คำถามว่าใครควรเล่นแนวไหนยังคงเปิดอยู่ ดังนั้นในโรงละครโอเปร่า 40 แห่งในเมืองเวนิสบ้านเกิดของเขา การแสดงหนึ่งของ Orpheus อาจแตกต่างจากที่อื่น เจ. บี. ลัลลี่ นักแต่งเพลง นักไวโอลิน วาทยากร อาจเป็นคนแรกที่เขียนบทเครื่องดนตรีเฉพาะสำหรับสิ่งที่เรียกว่า "24 ไวโอลินแห่งราชา" - วงดนตรีเครื่องสายที่ก่อตั้งขึ้นในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และนำโดยลุลลี่เอง . เสียงบนของเขาในกลุ่มเครื่องสายยังได้รับการสนับสนุนจากโอโบ และเสียงล่างโดยบาสซูน โอโบและบาสซูนที่ไม่มีสาย ตรงกันข้ามกับวงดนตรีเต็ม มีส่วนร่วมในการแต่งเพลงตรงกลาง

ตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 พื้นฐานเริ่มต้นของวงออเคสตราถูกสร้างขึ้น - กลุ่มเครื่องสาย ตัวแทนของตระกูลลมจะถูกเพิ่มเข้ามาทีละน้อย - ฟลุต, โอโบและบาสซูนแล้วก็แตร คลาริเน็ตเข้าสู่วงออเคสตราในเวลาต่อมาเนื่องจากความไม่สมบูรณ์อย่างมากในขณะนั้น M.I. Glinka ใน "หมายเหตุเกี่ยวกับการใช้เครื่องมือ" เรียกเสียงของคลาริเน็ตว่า "เหนียว" ยัง กลุ่มทองเหลืองประกอบด้วยฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และแตร (อย่างละ 2 อัน) ปรากฏในเพลง “Prague Symphony” ของโมสาร์ท และก่อนหน้านั้นในผลงานร่วมสมัยชาวฝรั่งเศสของเขา F. Gossec ในลอนดอนซิมโฟนีของ Haydn และซิมโฟนียุคแรกๆ ของแอล. บีโธเฟน มีทรัมเป็ตสองตัวปรากฏขึ้นเช่นเดียวกับกลองทิมปานี ในศตวรรษที่ 19 ส่วนทองเหลืองในวงออเคสตราจะแข็งแกร่งยิ่งขึ้น นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีออเคสตราที่ท่อนสุดท้ายของซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟนประกอบด้วยขลุ่ยพิคโคโล คอนทราบาสซูน และทรอมโบน 3 อัน ซึ่งก่อนหน้านี้ใช้ในโอเปร่าเท่านั้น R. Wagner เพิ่มทูบาอีกอันและทำให้จำนวนไปป์เป็นสี่ไปป์ วากเนอร์เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าเป็นหลัก แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นนักซิมโฟนีและนักปฏิรูปวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่โดดเด่น

ความปรารถนาของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19-20 การเพิ่มคุณค่าของชุดเสียงนำไปสู่การแนะนำเครื่องดนตรีจำนวนหนึ่งที่มีความสามารถด้านเทคนิคและจังหวะพิเศษเข้าสู่วงออเคสตรา

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 องค์ประกอบของวงออเคสตรามีสัดส่วนที่น่าประทับใจและบางครั้งก็ใหญ่โต ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ซิมโฟนีที่ 8 ของ G. Mahler ถูกเรียกว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมหนึ่งพันคน" เครื่องดนตรีประเภทลมหลายประเภทปรากฏในซิมโฟนีและโอเปร่าของ R. Strauss: ฟลุตอัลโตและเบส, บาริโทนโอโบ (แฮคเคลโฟน), คลาริเน็ตขนาดเล็ก, คลาริเน็ตดับเบิลเบส, ทรัมเป็ตอัลโตและเบส ฯลฯ

ในศตวรรษที่ 20 วงออเคสตราเต็มไปด้วยเครื่องเพอร์คัชชันเป็นหลัก ก่อนหน้านี้สมาชิกตามปกติของวงออเคสตรา ได้แก่ กลองทิมปานี 2-3 อัน ฉาบ กลองใหญ่และเล็ก กลองสามเหลี่ยม น้อยกว่ากลองแทมบูรีนและทอมทอม ระฆัง และระนาด ปัจจุบันผู้แต่งเพลงใช้ชุดระฆังออเคสตราที่สร้างสเกลสีที่เรียกว่าเซเลสต้า พวกเขาแนะนำเครื่องดนตรีเช่นเฟล็กซาโทน, ระฆัง, คาสทาเนตสเปน, กล่องไม้ที่มีเสียงดังคลิก, เสียงสั่น, แครกเกอร์ (การเป่าก็เหมือนกับการยิง), ไซเรน, เครื่องลมและฟ้าร้อง, แม้แต่การร้องเพลงของ นกไนติงเกลบันทึกในบันทึกพิเศษ (ใช้ V บทกวีไพเราะนักแต่งเพลงชาวอิตาลี O. Respighi “ Pineas of Rome”)

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่ดนตรีแจ๊สไปจนถึงกลองซิมโฟนีออร์เคสตรา เช่น ไวบราโฟน, ทอมทอม, บองโกรวมกัน กลองชุด- กับ “Charleston” (“hi-hat”), maracas

สำหรับกลุ่มเครื่องสายและสายลม การก่อตั้งโดยพื้นฐานแล้วในปี 1920 ก็เสร็จสมบูรณ์ บางครั้งวงออเคสตราประกอบด้วยตัวแทนแต่ละกลุ่มของกลุ่มแซกโซโฟน (ในผลงานของ Wiese, Ravel, Prokofiev), วงดนตรีทองเหลือง (คอร์เน็ตใน Tchaikovsky และ Stravinsky), ฮาร์ปซิคอร์ด, ดอมราสและบาลาไลกา, กีตาร์, แมนโดลิน ฯลฯ นักแต่งเพลงกำลังสร้างมากขึ้น ใช้งานได้สำหรับการเรียบเรียงบางส่วนของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา: สำหรับเครื่องสายเพียงอย่างเดียว, สำหรับเครื่องสายและเครื่องทองเหลือง, สำหรับกลุ่มลมที่ไม่มีเครื่องสายและเครื่องเคาะจังหวะ, สำหรับเครื่องสายที่มีการเคาะ

นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 เขียนเพลงมากมายเพื่อ แชมเบอร์ออร์เคสตรา. ประกอบด้วยสาย 15–20 สาย เครื่องเป่าลมไม้ 1 อัน แตร 1-2 อัน กลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันพร้อมนักแสดง 1 คน พิณ (อาจเป็นเปียโนหรือฮาร์ปซิคอร์ดแทน) นอกจากนี้ยังมีผลงานสำหรับวงดนตรีเดี่ยวปรากฏขึ้นโดยมีตัวแทนหนึ่งคนจากแต่ละวาไรตี้ (หรือจากบางส่วน) ซึ่งรวมถึงซิมโฟนีในห้องและบทละครของ A. Schoenberg, A. Webern, ชุด "The History of a Soldier" ของ Stravinsky ผลงานของนักแต่งเพลงชาวโซเวียต - ผู้ร่วมสมัยของเรา M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov และคนอื่น ๆ ผู้เขียนหันไปหาสารประกอบที่ผิดปกติมากขึ้นหรืออย่างที่พวกเขาพูดกันว่าเป็นสิ่งฉุกเฉิน พวกเขาต้องการเสียงที่แปลกและหายาก เนื่องจากบทบาทของเสียงต่ำในดนตรีสมัยใหม่เพิ่มมากขึ้นกว่าที่เคย

แต่เพื่อที่จะได้มีโอกาสแสดงดนตรีทั้งเก่า ใหม่ และใหม่ล่าสุดอยู่เสมอ องค์ประกอบของวงซิมโฟนีออร์เคสตราจึงยังคงมีเสถียรภาพ วงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่แบ่งออกเป็นวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ (นักดนตรีประมาณ 100 คน) วงกลาง (70–75 คน) และวงเล็ก (50–60 คน) บนพื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ สำหรับงานแต่ละชิ้น คุณสามารถเลือกองค์ประกอบที่จำเป็นสำหรับการแสดงได้: หนึ่งเพลงสำหรับ "Eight Russian Folk Songs" โดย A.K. Lyadov หรือ "String Serenade" โดย Tchaikovsky และอีกเพลงสำหรับผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ของ Berlioz, Scriabin, Shostakovich สำหรับ "Petrushka" » Stravinsky หรือ "Bolero" ที่ร้อนแรงโดย Ravel

นักดนตรีอยู่บนเวทีอย่างไร? ในศตวรรษที่ XVIII-XIX ไวโอลินตัวแรกนั่งอยู่ทางด้านซ้ายของผู้ควบคุมวง และตัวที่สองไปทางขวา วิโอลานั่งอยู่ด้านหลังไวโอลินตัวแรก และเชลโลอยู่ด้านหลังไวโอลินตัวที่สอง ด้านหลังกลุ่มเครื่องสายนั่งเป็นแถว ด้านหน้าเป็นกลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ ด้านหลังเป็นกลุ่มเครื่องทองเหลือง ดับเบิ้ลเบสจะอยู่ด้านหลังทางขวาหรือซ้าย พื้นที่ที่เหลือมีไว้สำหรับฮาร์ป เซเลสต้า เปียโน และเครื่องเคาะจังหวะ ในประเทศของเรา นักดนตรีจะนั่งตามรูปแบบที่ L. Stokowski วาทยากรชาวอเมริกันแนะนำในปี 1945 ตามรูปแบบนี้ แทนที่จะวางไวโอลินตัวที่สอง เชลโลจะถูกวางไว้เบื้องหน้าทางด้านขวาของผู้ควบคุมวง สถานที่เดิมของพวกเขาตอนนี้ถูกครอบครองโดยไวโอลินคนที่สอง

วงซิมโฟนีออร์เคสตรานำโดยวาทยากร เขารวมนักดนตรีของวงออเคสตราและควบคุมความพยายามทั้งหมดของพวกเขาในการดำเนินการตามแผนการแสดงของพวกเขาในระหว่างการซ้อมและในคอนเสิร์ต การดำเนินการจะขึ้นอยู่กับระบบการเคลื่อนไหวของมือที่พัฒนาขึ้นเป็นพิเศษ ผู้ควบคุมวงมักจะถือกระบองในมือขวา บทบาทที่สำคัญที่สุดคือใบหน้าการจ้องมองการแสดงออกทางสีหน้า ตัวนำจะต้องเป็นบุคคลที่มีการศึกษาสูง เขาต้องการความรู้ด้านดนตรี ยุคที่แตกต่างกันและสไตล์ เครื่องดนตรีออเคสตราและความสามารถ หูที่แหลมคม ความสามารถในการเจาะลึกเจตนาของผู้แต่ง ความสามารถของนักแสดงจะต้องรวมกับความสามารถขององค์กรและการสอน

เครื่องเป่าลมไม้

ฟลุต (ฟลุตอิตาลี, ฟลุตฝรั่งเศส, โฟลตเยอรมัน, ฟลุตอังกฤษ)

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก เป็นที่รู้จักในสมัยโบราณในอียิปต์ กรีซ และโรม ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนได้เรียนรู้ที่จะแยกเสียงดนตรีออกจากไม้อ้อที่ตัดและปิดไว้ที่ปลายด้านหนึ่ง เห็นได้ชัดว่าเครื่องดนตรีดึกดำบรรพ์นี้เป็นบรรพบุรุษของฟลุตที่ห่างไกล ในยุโรปในยุคกลาง ขลุ่ยสองประเภทเริ่มแพร่หลาย: ขลุ่ยตรงและขลุ่ยขวาง ขลุ่ยตรงหรือ "ขลุ่ยปลาย" จะถูกจัดขึ้นตรงหน้าคุณ เหมือนโอโบหรือคลาริเน็ต เฉียงหรือขวาง - เป็นมุม ขลุ่ยขวางนั้นใช้งานได้ดีกว่าเนื่องจากง่ายต่อการปรับปรุง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ในที่สุดมันก็เข้ามาแทนที่ขลุ่ยโดยตรงจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ในเวลาเดียวกัน ฟลุต ฮาร์ป และฮาร์ปซิคอร์ด กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ชื่นชอบมากที่สุด กำลังเล่นเพลงที่บ้าน. ตัวอย่างเช่น ขลุ่ยเล่นโดยศิลปินชาวรัสเซีย Fedotov และกษัตริย์ปรัสเซียน Frederick II

ฟลุตเป็นเครื่องดนตรีที่ปราดเปรียวที่สุดในกลุ่มเครื่องเป่าลมไม้: ในแง่ของความสามารถ มันเหนือกว่าเครื่องลมอื่นๆ ทั้งหมด ตัวอย่างนี้คือชุดบัลเล่ต์ "Daphnis and Chloe" ของ Ravel ซึ่งฟลุตทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวจริงๆ

ขลุ่ยเป็นท่อทรงกระบอก ไม้หรือโลหะ ปิดด้านหนึ่ง - ที่ส่วนหัว นอกจากนี้ยังมีรูด้านข้างสำหรับฉีดอากาศ การเล่นฟลุตต้องใช้อากาศเป็นจำนวนมาก เมื่อเป่าเข้าไป บางส่วนจะแตกที่ขอบคมของรูและหลุดออกไป สิ่งนี้ทำให้เกิดเสียงฟู่ที่เป็นลักษณะเฉพาะ โดยเฉพาะในทะเบียนเสียงต่ำ ด้วยเหตุผลเดียวกัน โน้ตที่ต่อเนื่องและท่วงทำนองกว้างๆ จึงเล่นบนฟลุตได้ยาก

ริมสกี-คอร์ซาคอฟ บรรยายถึงความดังของฟลุตดังนี้: “เสียงต่ำนั้นเย็น เหมาะที่สุดสำหรับท่วงทำนองที่มีลักษณะสง่างามและไร้สาระในเมเจอร์ และสัมผัสได้ถึงความโศกเศร้าเพียงผิวเผินในไมเนอร์”

บ่อยครั้งที่ผู้แต่งใช้ขลุ่ยสามชุด ตัวอย่างคือการเต้นรำของคนเลี้ยงแกะจากเรื่อง "The Nutcracker" ของไชคอฟสกี.

โอโบ (เยอรมัน: โอโบ)

โอโบมีต้นกำเนิดเทียบเท่ากับขลุ่ยในสมัยโบราณ โดยสืบเชื้อสายมาจากท่อโบราณ ในบรรดาบรรพบุรุษของโอโบนั้นแพร่หลายมากที่สุดคือออลอสของกรีกโดยที่ชาวกรีกโบราณไม่สามารถจินตนาการถึงงานเลี้ยงหรือการแสดงละครได้ บรรพบุรุษของโอโบเดินทางมายังยุโรปจากตะวันออกกลาง

ในศตวรรษที่ 17 โอโบถูกสร้างขึ้นจากบอมบาร์ดาซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทท่อ ซึ่งได้รับความนิยมในวงออเคสตราในทันที ในไม่ช้ามันก็กลายเป็นเครื่องดนตรีคอนเสิร์ต เป็นเวลาเกือบหนึ่งศตวรรษที่โอโบเป็นไอดอลของนักดนตรีและผู้รักดนตรี นักประพันธ์เพลงที่เก่งที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 และ 18 - Lully, Rameau, Bach, Handel - จ่ายส่วยให้กับงานอดิเรกนี้: ตัวอย่างเช่น Handel เขียนคอนแชร์โตสำหรับโอโบซึ่งความยากลำบากอาจทำให้แม้แต่นักโอโบสมัยใหม่สับสนได้ อย่างไรก็ตาม ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 "ลัทธิ" ของโอโบในวงออเคสตราได้จางหายไปบ้าง และบทบาทนำในกลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ก็ส่งต่อไปยังคลาริเน็ต

ในโครงสร้างของมัน โอโบมีลักษณะเป็นท่อทรงกรวย ปลายด้านหนึ่งมีระฆังทรงกรวยเล็ก ๆ อีกด้านหนึ่งมีไม้เท้าซึ่งนักแสดงถืออยู่ในปาก

ด้วยคุณสมบัติการออกแบบบางอย่าง โอโบไม่เคยสูญเสียการปรับแต่ง ดังนั้นจึงกลายเป็นประเพณีในการปรับแต่งวงออเคสตราทั้งหมดให้เข้ากับมัน ก่อนการแสดงซิมโฟนีออร์เคสตรา เมื่อนักดนตรีมารวมตัวกันบนเวที คุณมักจะได้ยินนักโอโบเล่น A ในอ็อกเทฟแรก ในขณะที่นักแสดงคนอื่นๆ ปรับแต่งเครื่องดนตรีของพวกเขา

โอโบมีเทคนิคที่ยืดหยุ่น แม้ว่าจะด้อยกว่าขลุ่ยก็ตาม มันเป็นเครื่องดนตรีที่ร้องเพลงมากกว่าเครื่องดนตรีอัจฉริยะ ตามกฎแล้วพื้นที่ของมันคือความโศกเศร้าและความสง่างาม นี่คือเสียงของหงส์ตั้งแต่ช่วงพักจนถึงองก์ที่สอง" ทะเลสาบสวอน"และในท่วงทำนองเศร้าโศกเรียบง่ายของการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี บางครั้งโอโบถูกกำหนดให้เป็น "บทบาทการ์ตูน": ใน "เจ้าหญิงนิทรา" ของไชคอฟสกี ตัวอย่างเช่น ในรูปแบบ "แมวและแมวเหมียว" โอโบอย่างขบขัน เลียนแบบเสียงร้องของแมว

บาสซูน (ฟากอตโตอิตาลี, ฟาโกต์เยอรมัน, บาสซูนฝรั่งเศส, บาสซูนอังกฤษ)

บรรพบุรุษของบาสซูนถือเป็นท่อเบสโบราณ - บอมบาร์ดา ปี่ที่เข้ามาแทนที่ถูกสร้างขึ้นโดย Canon Afranio degli Albonesi ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 ท่อไม้ขนาดใหญ่งอครึ่งหนึ่งมีลักษณะคล้ายมัดฟืนซึ่งสะท้อนให้เห็นในชื่อของเครื่องดนตรี (คำภาษาอิตาลี fagotto แปลว่า "faggot") ปี่ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันหลงใหลด้วยเสียงอันไพเราะซึ่งตรงกันข้ามกับเสียงแหบแห้งของเสียงระเบิดเริ่มเรียกเขาว่า "โดลซิโน" - หวาน

ต่อจากนั้น ในขณะที่ยังคงรักษาโครงร่างภายนอกไว้ บาสซูนได้รับการปรับปรุงอย่างจริงจัง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 เขาได้เข้าร่วมวงซิมโฟนีออร์เคสตราและตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 - ไปจนถึงวงออเคสตราทหาร กระบอกไม้ทรงกรวยของบาสซูนมีขนาดใหญ่มากจึง "พับ" ลงครึ่งหนึ่ง ท่อโลหะโค้งติดอยู่ที่ด้านบนของเครื่องดนตรีซึ่งวางไม้เท้าไว้ ขณะเล่นบาสซูนจะห้อยไว้ด้วยเชือกจากคอของนักแสดง

ในศตวรรษที่ 18 มีการใช้เครื่องดนตรี ความรักที่ยิ่งใหญ่ผู้ร่วมสมัย: บางคนเรียกเขาว่า "ภูมิใจ" คนอื่น ๆ - "อ่อนโยนเศร้าโศกเคร่งศาสนา" ริมสกี-คอร์ซาคอฟ กำหนดสีของบาสซูนด้วยวิธีที่ไม่เหมือนใคร: “เสียงต่ำเป็นการล้อเลียนในวัยชราในเพลงหลัก และเศร้าอย่างเจ็บปวดในเพลงรอง” การเล่นบาสซูนต้องใช้การหายใจมาก และการเล่นบาสซูนในระดับต่ำอาจทำให้นักแสดงเหนื่อยล้ามาก ฟังก์ชั่นของเครื่องมือมีความหลากหลายมาก จริง​อยู่ ใน​ศตวรรษ​ที่ 18 มัก​มี​การ​จำกัด​ให้​สนับสนุน​เครื่อง​สาย​เบส​เท่า​นั้น. แต่ในศตวรรษที่ 19 บาสซูนกลายเป็นเสียงของวงออเคสตราร่วมกับเบโธเฟนและเวเบอร์ และปรมาจารย์ต่อมาแต่ละคนก็พบคุณสมบัติใหม่ในนั้น เมเยอร์เบียร์ในภาพยนตร์เรื่อง "Robert the Devil" ทำให้บาสซูนพรรณนาถึง "เสียงหัวเราะแห่งความตาย ซึ่งน้ำค้างแข็งคืบคลานลงมาตามผิวหนัง" (คำพูดของ Berlioz) Rimsky-Korsakov ใน "Scheherazade" (เรื่องราวของ Kalender the Tsarevich) ค้นพบผู้บรรยายบทกวีในบาสซูน บาสซูนแสดงบ่อยครั้งในบทบาทสุดท้ายนี้ - ซึ่งอาจเป็นสาเหตุว่าทำไม Thomas Mann จึงเรียกบาสซูนว่า "กระเต็น" ตัวอย่างสามารถพบได้ใน Humorous Scherzo สำหรับบาสซูนสี่ตัว และใน Peter and the Wolf ของ Prokofiev ซึ่งบาสซูนได้รับมอบหมายให้เป็น "บทบาท" ของคุณปู่ หรือในตอนต้นของตอนจบของ Ninth Symphony ของ Shostakovich

ตรงกันข้ามบาสซูน

บาสซูนพันธุ์ต่างๆ ในยุคของเรานั้นจำกัดอยู่เพียงตัวแทนเพียงคนเดียวเท่านั้น - บาสซูน นี่คือเครื่องดนตรีที่ต่ำที่สุดในวงออเคสตรา เฉพาะเสียงเบสแบบเหยียบของออร์แกนเท่านั้นที่ให้เสียงต่ำกว่าเสียงสุดขีดของเคาเตอร์บาสซูน

ความคิดที่จะลดระดับบาสซูนลงต่อไปนั้นปรากฏเมื่อนานมาแล้ว - บาสซูนตัวแรกถูกสร้างขึ้นในปี 1620 แต่มันก็ไม่สมบูรณ์แบบเสียจนจนกระทั่งปลายศตวรรษที่ 19 เมื่อมีการปรับปรุงเครื่องดนตรีนี้ จึงมีผู้นำไปใช้น้อยมาก: เป็นครั้งคราวโดย Haydn, Beethoven, Glinka

ไวโอลินสมัยใหม่เป็นเครื่องดนตรีที่โค้งงอสามครั้ง: ความยาวเมื่อกางออกคือ 5 ม. 93 ซม. (!); ในทางเทคนิคแล้ว มีลักษณะคล้ายบาสซูน แต่มีความคล่องตัวน้อยกว่า และมีเสียงร้องที่หนาเกือบเหมือนอวัยวะ นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 - Rimsky-Korsakov, Brahms - มักจะหันไปหาไวโอลินเพื่อเพิ่มเสียงเบส แต่บางครั้งก็เขียนโซโลที่น่าสนใจสำหรับเขา ตัวอย่างเช่น Ravel ใน "การสนทนาระหว่างความงามกับสัตว์ร้าย" (บัลเล่ต์ "My Mother Goose") มอบหมายเสียงของสัตว์ประหลาดให้เขา

คลาริเน็ต (คลาริเน็ตของอิตาลี, คลาริเน็ตของเยอรมัน, คลาริเน็ตของฝรั่งเศส)

แม้ว่าโอโบ ฟลุต และบาสซูนจะอยู่ในวงออเคสตรามานานกว่าสี่ศตวรรษ แต่คลาริเน็ตก็ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น บรรพบุรุษของคลาริเน็ตเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านในยุคกลาง - ไปป์ Chalumeau เชื่อกันว่าในปี 1690 เดนเนอร์ปรมาจารย์ชาวเยอรมันสามารถปรับปรุงได้ ทะเบียนด้านบนของเครื่องดนตรีสร้างความประหลาดใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยเสียงที่แหลมและแหลมคม - มันทำให้พวกเขานึกถึงเสียงทรัมเป็ตทันทีซึ่งเรียกว่า "คลาริโน" ในเวลานั้น เครื่องดนตรีชนิดใหม่นี้เรียกว่าคลาริเนตโต ซึ่งแปลว่า "แตรเล็ก"

ในลักษณะที่ปรากฏ คลาริเน็ตมีลักษณะคล้ายโอโบ เป็นท่อไม้ทรงกระบอกที่มีระฆังรูปกลีบดอกอยู่ที่ปลายด้านหนึ่งและมีปลายอ้อยอยู่อีกด้านหนึ่ง

ในบรรดาเครื่องลมไม้ทั้งหมด มีเพียงคลาริเน็ตเท่านั้นที่สามารถเปลี่ยนความแรงของเสียงได้อย่างยืดหยุ่น สิ่งนี้และคุณสมบัติอื่นๆ มากมายของคลาริเน็ตทำให้เสียงของมันเป็นหนึ่งในเสียงที่แสดงออกมากที่สุดในวงออเคสตรา เป็นที่น่าแปลกใจที่นักแต่งเพลงชาวรัสเซียสองคนที่เกี่ยวข้องกับพล็อตเรื่องเดียวกันทำหน้าที่ในลักษณะเดียวกัน: ใน "The Snow Maidens" ทั้งสอง - โดย Rimsky-Korsakov และ Tchaikovsky - เพลงคนเลี้ยงแกะของ Lel ได้รับความไว้วางใจให้กับคลาริเน็ต

เสียงต่ำของคลาริเน็ตมักเกี่ยวข้องกับสถานการณ์ที่มืดมนและดราม่า พื้นที่แห่งการแสดงออกนี้ถูก "ค้นพบ" โดยเวเบอร์ ในฉาก "Wolf Valley" จาก "The Magic Shooter" เขาเดาได้ก่อนว่าเอฟเฟกต์โศกนาฏกรรมที่ซ่อนอยู่ในเครื่องดนตรีระดับต่ำคืออะไร ต่อมาไชคอฟสกีใช้เสียงคลาริเน็ตต่ำที่น่าขนลุกใน The Queen of Spades เมื่อผีของเคาน์เตสปรากฏขึ้น

คลาริเน็ตขนาดเล็ก

คลาริเน็ตตัวเล็กมาจากวงดุริยางค์ทองเหลืองของทหารมาที่วงซิมโฟนีออร์เคสตรา Berlioz ใช้มันเป็นครั้งแรกโดยมอบหมายให้เขาใช้ "ธีมอันเป็นที่รัก" ที่บิดเบี้ยวในการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้ายของ Symphony Fantastique Wagner, Rimsky-Korsakov และ R. Strauss มักจะหันไปหาคลาริเน็ตตัวเล็ก โชสตาโควิช.

บาสเซธอร์น.

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ครอบครัวคลาริเน็ตมีสมาชิกอีกคนหนึ่งเข้ามามากมาย ได้แก่ แตรบาสเซ็ต ซึ่งเป็นอัลโตคลาริเน็ตแบบโบราณที่ปรากฏในวงออเคสตรา มันมีขนาดใหญ่กว่าเครื่องดนตรีหลักและเสียงต่ำ - สงบเคร่งขรึมและด้าน - ครอบครองตำแหน่งตรงกลางระหว่างคลาริเน็ตปกติและเบส เขาอยู่ในวงออเคสตราเพียงไม่กี่ทศวรรษและเป็นหนี้โมสาร์ทในช่วงที่รุ่งเรือง มันเป็นสำหรับแตรบาสเซ็ตสองตัวที่มีบาสซูนที่เขียนจุดเริ่มต้นของ "บังสุกุล" (ปัจจุบันแตรบาสเซ็ตถูกแทนที่ด้วยคลาริเน็ต)

ความพยายามที่จะฟื้นฟูเครื่องดนตรีนี้ภายใต้ชื่ออัลโตคลาริเน็ตเกิดขึ้นโดย R. Strauss แต่ตั้งแต่นั้นมาก็ดูเหมือนว่าจะไม่มีการทำซ้ำอีก ปัจจุบัน แตรบาสเซ็ทรวมอยู่ในวงดนตรีทหาร

คลาริเน็ตเบส

คลาริเน็ตเบสเป็นตัวแทนที่ “น่าประทับใจ” ที่สุดในตระกูล สร้างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 และได้รับความนิยมอย่างมากในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา รูปร่างของเครื่องดนตรีนี้ค่อนข้างแปลก: กระดิ่งของมันโค้งงอขึ้นเหมือนไปป์ และปากเป่าติดตั้งอยู่บนแกนโค้ง - ทั้งหมดนี้เพื่อลดความยาวของเครื่องดนตรีที่สูงเกินไปและทำให้ใช้งานได้ง่ายขึ้น เมเยอร์เบียร์เป็นคนแรกที่ "ค้นพบ" พลังอันน่าทึ่งของเครื่องดนตรีชิ้นนี้ วากเนอร์ เริ่มต้นด้วยโลเฮนกริน ทำให้เขาเป็นเบสถาวรของเครื่องเป่าลมไม้

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมักใช้คลาริเน็ตเบสในการทำงาน ด้วยเหตุนี้จึงได้ยินเสียงคลาริเน็ตเบสเศร้าหมองในฉากที่ 5 ของ “ราชินีโพดำ” ขณะที่เฮอร์แมนอ่านจดหมายของลิซ่า ปัจจุบันคลาริเน็ตเบสเป็นสมาชิกถาวรของวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ และหน้าที่ของมันก็มีความหลากหลายมาก

ดูตัวอย่าง:

ทองเหลือง

แซ็กโซโฟน

ผู้สร้างแซ็กโซโฟนคือ Adolphe Sax ปรมาจารย์เครื่องดนตรีชาวฝรั่งเศส - เบลเยียมที่โดดเด่น แซ็กโซโฟนมาจากสมมติฐานทางทฤษฎี: เป็นไปได้ไหมที่จะสร้างเครื่องดนตรีที่จะครองตำแหน่งกลางระหว่างเครื่องเป่าลมไม้และทองเหลือง? วงดนตรีทองเหลืองทางทหารที่ไม่สมบูรณ์ของฝรั่งเศสต้องการเครื่องดนตรีดังกล่าวอย่างมาก ซึ่งสามารถผสมผสานเสียงร้องของทองแดงและไม้ได้ เพื่อดำเนินการตามแผน A. Sachs ใช้หลักการก่อสร้างใหม่: เขาเชื่อมต่อท่อทรงกรวยกับกกคลาริเน็ตและกลไกวาล์วโอโบ ตัวเครื่องทำจากโลหะ โครงร่างภายนอกคล้ายคลาริเน็ตเบส ท่อบานที่ปลาย งอขึ้นอย่างแรง โดยมีไม้เท้าติดอยู่กับปลายโลหะที่โค้งงอเป็นรูปตัว "S" แนวคิดของ Sax ประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยม เครื่องดนตรีชนิดใหม่นี้กลายเป็นความเชื่อมโยงระหว่างทองเหลืองและเครื่องลมไม้ในวงดนตรีทหารอย่างแท้จริง ยิ่งไปกว่านั้น เสียงร้องของมันยังน่าสนใจมากจนดึงดูดความสนใจของนักดนตรีหลายคน สีของเสียงแซ็กโซโฟนชวนให้นึกถึงแตรภาษาอังกฤษ คลาริเน็ต และเชลโลในเวลาเดียวกัน แต่พลังของเสียงแซกโซโฟนนั้นยิ่งใหญ่กว่าพลังเสียงของคลาริเน็ตมาก

หลังจากเริ่มดำรงอยู่ในวงดนตรีทองเหลืองของกองทัพฝรั่งเศส แซกโซโฟนก็ถูกนำมาใช้ในวงโอเปร่าและวงซิมโฟนีออเคสตร้าในไม่ช้า เป็นเวลานานมาก - หลายทศวรรษ - มีเพียงนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสเท่านั้นที่หันมาหาเขา: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (เครื่องดนตรี "Katrinok at an Exhibition" โดย Mussorgsky) . จากนั้นนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ๆ ก็เชื่อในตัวเขาเช่นกัน ตัวอย่างเช่น Rachmaninov มอบความไว้วางใจให้แซ็กโซโฟนด้วยท่วงทำนองที่ดีที่สุดเพลงหนึ่งของเขาในช่วงแรกของ Symphonic Dances

เป็นเรื่องที่น่าสงสัยว่าบนเส้นทางที่ผิดปกติแซกโซโฟนต้องเผชิญกับความสับสน: ในเยอรมนีในช่วงหลายปีของลัทธิฟาสซิสต์มันถูกห้ามในฐานะเครื่องดนตรีที่ไม่ใช่ต้นกำเนิดของอารยัน

ในช่วงปีที่สิบของศตวรรษที่ 20 นักดนตรีจากวงดนตรีแจ๊สดึงความสนใจไปที่แซกโซโฟน และในไม่ช้าแซกโซโฟนก็กลายเป็น "ราชาแห่งดนตรีแจ๊ส"

นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 หลายคนชื่นชมเครื่องดนตรีที่น่าสนใจนี้ Debussy เขียน Rhapsody สำหรับแซ็กโซโฟนและวงออเคสตรา Glazunov เขียนคอนแชร์โต้สำหรับแซ็กโซโฟนและวงออเคสตรา Prokofiev, Shostakovich และ Khachaturian กล่าวถึงเขาซ้ำแล้วซ้ำอีกในงานของพวกเขา

ฮอร์น (คอร์โนของอิตาลี, วัลด์ฮอร์นของเยอรมัน, คอร์ของฝรั่งเศส, เฟรนช์ฮอร์นของอังกฤษ)

บรรพบุรุษของเขาสมัยใหม่คือเขา ตั้งแต่สมัยโบราณ สัญญาณแตรประกาศการเริ่มการต่อสู้ ในยุคกลาง และต่อมาจนถึงต้นศตวรรษที่ 18 ได้ยินเสียงในระหว่างการล่าสัตว์ การแข่งขัน และพิธีศาลอันศักดิ์สิทธิ์ ในศตวรรษที่ 17 เขาสัตว์ล่าสัตว์เริ่มถูกนำมาใช้ในโอเปร่าเป็นครั้งคราว แต่ในศตวรรษหน้าเท่านั้นที่ได้กลายเป็นสมาชิกถาวรของวงออเคสตรา และชื่อของเครื่องดนตรี - แตร - ชวนให้นึกถึงบทบาทในอดีต: คำนี้มาจากภาษาเยอรมัน "Waldhorn" - "เขาป่า" ในภาษาเช็ก เครื่องดนตรีชนิดนี้ยังคงเรียกว่าแตรป่า

ท่อโลหะของเขาโบราณนั้นยาวมาก: เมื่อกางออกบางส่วนก็สูงถึง 5 ม. 90 ซม. เป็นไปไม่ได้ที่จะถือเครื่องดนตรีดังกล่าวไว้ในมือโดยตรง ดังนั้นท่อแตรจึงโค้งงอและให้รูปทรงสวยงามคล้ายเปลือกหอย

เสียงแตรโบราณนั้นไพเราะมาก แต่เครื่องดนตรีกลับกลายเป็นว่ามีความสามารถด้านเสียงอย่างจำกัด มันสร้างได้เฉพาะสิ่งที่เรียกว่ามาตราส่วนธรรมชาติเท่านั้น นั่นคือเสียงที่เกิดจากการแบ่งคอลัมน์อากาศที่ล้อมรอบอยู่ใน ท่อเป็น 2, 3, 4, 5, 6 ฯลฯ ส่วน ตามตำนานเล่าว่า ในปี 1753 กัมเปล ผู้เล่นฮอร์นของเดรสเดน บังเอิญเอามือเข้าไปในกระดิ่ง และพบว่าการปรับเสียงของแตรลดลง ตั้งแต่นั้นมาเทคนิคนี้ก็ได้ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย เสียงที่ได้รับในลักษณะนี้เรียกว่า "ปิด" แต่พวกมันดูทื่อและแตกต่างอย่างมากจากอันที่เปิดกว้าง นักประพันธ์เพลงบางคนไม่เสี่ยงที่จะหันไปหาพวกเขาบ่อยๆ โดยมักจะพอใจกับเพลงประโคมสั้นๆ ที่ฟังดูไพเราะซึ่งสร้างจากเสียงที่เปิดกว้าง

ในปี 1830 กลไกวาล์วถูกประดิษฐ์ขึ้น ซึ่งเป็นระบบถาวรของท่อเพิ่มเติมที่ช่วยให้แตรสร้างสเกลสีที่สมบูรณ์และฟังดูดี หลังจากผ่านไปหลายทศวรรษ ในที่สุดเขาสัตว์ที่ได้รับการปรับปรุงก็เข้ามาแทนที่แตรตามธรรมชาติแบบเก่าในที่สุด ครั้งสุดท้ายถูกใช้โดย Rimsky-Korsakov ในโอเปร่า May Night ในปี พ.ศ. 2421

แตรถือเป็นเครื่องดนตรีที่มีบทกวีมากที่สุดในกลุ่มทองเหลือง ในทะเบียนเสียงต่ำ เสียงแตรค่อนข้างมืดมน ในทะเบียนเสียงสูงจะตึงเครียดมาก แตรสามารถร้องเพลงหรือบรรยายได้ช้าๆ วงแตรส่งเสียงเบามาก - คุณสามารถได้ยินได้ใน "Waltz of the Flowers" จากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" ของ Tchaikovsky

ทรัมเป็ต (ทรอมบาอิตาลี, ทรอมเปตเยอรมัน, ทรอมเปตฝรั่งเศส, ทรัมเป็ตอังกฤษ)

ตั้งแต่วันที่ สมัยโบราณ- ในอียิปต์ ทางตะวันออก ในกรีซและโรม - พวกเขาไม่ได้ทำโดยไม่มีแตรทั้งในสงครามหรือในพิธีทางศาสนาหรือในศาล ทรัมเป็ตเป็นส่วนหนึ่งของวงโอเปร่าออร์เคสตราตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง Orpheus ของ Monteverdi มีแตรห้าตัวอยู่แล้ว

ในช่วงคริสต์ศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของคริสต์ศตวรรษที่ 18 มีการเขียนท่อนที่มีความสามารถพิเศษและมีเทสสิทูราสูงสำหรับทรัมเป็ต โดยต้นแบบของท่อนดังกล่าวคือท่อนโซปราโนในงานร้องและบรรเลงในยุคนั้น ในการแสดงท่อนที่ยากที่สุดเหล่านี้ นักดนตรีในสมัยของ Purcell, Bach และ Handel ใช้เครื่องมือธรรมชาติที่พบเห็นได้ทั่วไปในยุคนั้นด้วยท่อยาวและกระบอกเสียงพิเศษที่ทำให้สามารถดึงเสียงหวือหวาสูงสุดออกมาได้อย่างง่ายดาย ทรัมเป็ตที่มีกระบอกเสียงดังกล่าวเรียกว่า "คลาริโน" รูปแบบการเขียนของแตรได้รับชื่อเดียวกันในประวัติศาสตร์ดนตรี

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มีการเปลี่ยนแปลงในการเขียนออร์เคสตรา สไตล์คลาริโนถูกลืม และทรัมเป็ตกลายเป็นเครื่องดนตรีประโคมเป็นหลัก มันถูกจำกัดด้วยความสามารถเช่นแตร และพบว่าตัวเองอยู่ในตำแหน่งที่แย่ยิ่งกว่าเดิม เนื่องจากไม่ได้ใช้ "เสียงปิด" ที่ขยายขอบเขตเนื่องจากเสียงที่ไม่ดี แต่ในทศวรรษที่สามสิบของศตวรรษที่ 19 ด้วยการประดิษฐ์กลไกวาล์ว ยุคใหม่ในประวัติศาสตร์ของท่อ มันกลายเป็นเครื่องดนตรีที่มีสีและหลังจากนั้นไม่กี่ทศวรรษก็เข้ามาแทนที่ทรัมเป็ตธรรมชาติจากวงออเคสตรา

เสียงของทรัมเป็ตไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับการแต่งเนื้อเพลง แต่จะประสบความสำเร็จในความกล้าหาญในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ในบรรดาดนตรีคลาสสิกของเวียนนา ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีที่ใช้เพื่อการประโคมเท่านั้น พวกเขามักจะทำหน้าที่เดียวกันในดนตรีของศตวรรษที่ 19 โดยประกาศการเริ่มต้นของขบวนแห่ การเดินขบวน เทศกาลอันศักดิ์สิทธิ์ และการล่าสัตว์ วากเนอร์ใช้ท่อมากกว่าท่ออื่นๆ ในรูปแบบใหม่ เสียงต่ำของพวกเขามักจะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าของเขาด้วยความโรแมนติกและความกล้าหาญของอัศวิน

ทรัมเป็ตมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในด้านพลังเสียงเท่านั้น แต่ยังมีความโดดเด่นอีกด้วยคุณสมบัติอัจฉริยะ

ทูบา (ทูบาของอิตาลี)

ซึ่งแตกต่างจากตัวแทนอื่น ๆ ของกลุ่มเครื่องลมทองเหลือง ทูบาเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างใหม่ สร้างขึ้นในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 ในประเทศเยอรมนี ทูบาแรกนั้นไม่สมบูรณ์และเริ่มแรกใช้ในวงออเคสตร้าทางการทหารและสวนเท่านั้น ทูบาเริ่มสนองความต้องการอันสูงส่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตราเมื่อมาถึงฝรั่งเศสเท่านั้น โดยอยู่ในมือของปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรี Adolphe Sax

ทูบาเป็นเครื่องดนตรีเบสที่สามารถครอบคลุมช่วงต่ำสุดของวงดนตรีทองเหลือง ในอดีต ฟังก์ชั่นของมันดำเนินการโดยงู ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่มีรูปทรงแปลกประหลาดซึ่งเป็นชื่อของมัน (ในภาษาโรมานซ์ทั้งหมด งู แปลว่า "งู") ตามด้วยทรอมโบนเบสและคอนทราเบส และโอฟิเคิลด์ที่มีเสียงต่ำป่าเถื่อน แต่คุณภาพเสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้ทั้งหมดไม่ได้ทำให้วงทองเหลืองมีเสียงเบสที่ดีและมั่นคง จนกระทั่งทูบาปรากฏขึ้น เหล่าปรมาจารย์ก็ค้นหาเครื่องดนตรีใหม่อย่างต่อเนื่อง

ขนาดของทูบานั้นใหญ่มาก โดยท่อจะยาวเป็นสองเท่าของท่อทรอมโบน ขณะเล่น นักแสดงจะถือเครื่องดนตรีไว้ข้างหน้าโดยให้กระดิ่งหงายขึ้น

ทูบาเป็นเครื่องดนตรีที่มีสี ปริมาณการใช้อากาศบนท่อมีมหาศาล บางครั้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในความเข้มแข็งในทะเบียนต่ำ นักแสดงถูกบังคับให้เปลี่ยนการหายใจในแต่ละเสียง ดังนั้นโซโลของเครื่องดนตรีนี้มักจะค่อนข้างสั้น ในทางเทคนิคแล้ว ท่อสามารถเคลื่อนย้ายได้ แม้ว่าจะหนักก็ตาม ในวงออเคสตรา เธอมักจะทำหน้าที่เป็นเบสในทรอมโบนทรีโอ แต่บางครั้งทูบาก็ทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวในบทบาทของตัวละคร ดังนั้นเมื่อเรียบเรียง "Pictures at an Exhibition" ของ Mussorgsky ในละครเรื่อง "Cattle" Ravel ได้มอบหมายให้เบสทูบาเป็นภาพตลกขบขันของเกวียนแสนยานุภาพลากไปตามถนน ส่วนทูบาเขียนไว้ที่นี่ด้วยคะแนนที่สูงมาก

ทรอมโบน (อิตาลี อังกฤษ ฝรั่งเศส)

ทรอมโบนได้ชื่อมาจากชื่อภาษาอิตาลีสำหรับทรัมเป็ต - ทรอมบา - โดยมีคำต่อท้ายขยายว่า "หนึ่ง" ทรอมโบนแปลว่า "ทรัมเป็ต" อย่างแท้จริง และแน่นอน: ท่อทรอมโบนนั้นยาวเป็นสองเท่าของทรัมเป็ต ในศตวรรษที่ 16 ทรอมโบนได้รับรูปแบบที่ทันสมัยและตั้งแต่เริ่มก่อตั้งก็เป็นเครื่องดนตรีที่มีสี สเกลสีเต็มรูปแบบนั้นไม่ได้ผ่านกลไกวาล์ว แต่ใช้สิ่งที่เรียกว่าหลังเวที ตัวต่อเป็นท่อเพิ่มเติมยาว มีรูปร่างเหมือนตัวอักษร U โดยจะสอดเข้าไปในท่อหลักและขยายให้ยาวขึ้นหากต้องการ ในกรณีนี้ ระดับเสียงของเครื่องดนตรีจะลดลงตามไปด้วย นักแสดงดันสไลด์ลงด้วยมือขวาและรองรับเครื่องดนตรีด้วยมือซ้าย

ทรอมโบนเป็น "ตระกูล" ของเครื่องดนตรีขนาดต่างๆ มานานแล้ว เมื่อไม่นานมานี้ ตระกูลทรอมโบนประกอบด้วยเครื่องดนตรีสามชิ้น แต่ละคนสอดคล้องกับหนึ่งในสามเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงและได้รับชื่อ: อัลโตทรอมโบน, ทรอมโบนเทเนอร์, ทรอมโบนเบส

การเล่นทรอมโบนต้องใช้อากาศปริมาณมาก เนื่องจากการเลื่อนสไลด์ใช้เวลานานกว่าการกดวาล์วบนแตรหรือทรัมเป็ต ในทางเทคนิคแล้ว ทรอมโบนมีความคล่องตัวน้อยกว่าเพื่อนบ้านในกลุ่ม: สเกลของมันไม่เร็วและชัดเจนนัก มือขวาก็หนักนิดหน่อย ส่วนเลกาโตก็ยาก Cantilena บนทรอมโบนต้องใช้ความพยายามอย่างมากจากนักแสดง อย่างไรก็ตาม เครื่องดนตรีนี้มีคุณสมบัติที่ทำให้ขาดไม่ได้ในวงออเคสตรา: เสียงของทรอมโบนนั้นมีพลังและเป็นผู้ชายมากกว่า Monteverdi ในโอเปร่า "Orpheus" อาจเป็นครั้งแรกที่รู้สึกถึงตัวละครที่น่าเศร้าที่มีอยู่ในเสียงของวงดนตรีทรอมโบน และเริ่มต้นด้วย Gluck ทรอมโบนสามตัวกลายเป็นสิ่งจำเป็นในวงออเคสตราโอเปร่า มักจะปรากฏในช่วงไคลแม็กซ์ของละคร

ทรอมโบนทั้งสามคนเก่งในการพูดสุนทรพจน์ ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 วงดนตรีทรอมโบนได้รับการเสริมด้วยเครื่องดนตรีเบส - ทูบา ทรอมโบนสามตัวและทูบารวมกันรวมกันเป็นวงสี่ "ทองเหลืองหนัก"

ทรอมโบนสามารถสร้างเอฟเฟกต์พิเศษที่ไม่เหมือนใครได้ - กลิสซานโด ทำได้โดยเลื่อนหลังเวทีไปที่ตำแหน่งหนึ่งของริมฝีปากของนักแสดง เทคนิคนี้เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วสำหรับ Haydn ซึ่งในบทเพลงของเขา "The Seasons" ได้ใช้เทคนิคนี้เพื่อเลียนแบบเสียงเห่าของสุนัข ในดนตรีสมัยใหม่ กลิสซานโดถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย กลิสซานโด้ที่จงใจหอนและหยาบของทรอมโบนใน "Sabre Dance" จากบัลเล่ต์ "Gayane" โดย Khachaturian เป็นเรื่องที่น่าสงสัย สิ่งที่น่าสนใจก็คือเอฟเฟกต์ของทรอมโบนที่มีการปิดเสียงซึ่งทำให้เครื่องดนตรีมีเสียงที่เป็นลางไม่ดีและแปลกประหลาด

ฟลูเกลฮอร์น (ภาษาเยอรมัน Flugelhorn จาก Flugel - "ปีก" และแตร - "เขา", "เขา")

เครื่องดนตรีทองเหลือง. ภายนอกมันชวนให้นึกถึงทรัมเป็ตหรือคอร์เน็ต - ลูกสูบมาก แต่แตกต่างจากพวกมันในขนาดที่กว้างกว่าและรูทรงกรวยโดยเริ่มจากส่วนปากเป่าของท่อทันที มี 3 หรือ 4 วาล์ว ใช้ในวงดนตรีแจ๊ส บางครั้งใช้ในวงซิมโฟนีออเคสตรา มักใช้ในวงดนตรีทองเหลือง นักเป่าแตรมักเล่นฟลูเกลฮอร์น โดยแสดงข้อความที่จำเป็นในเครื่องดนตรีนี้

ดูตัวอย่าง:

ไวโอลิน (ไวโอลินของอิตาลี, ไวโอลินฝรั่งเศส, ไวโอลินอังกฤษ, ไวโอลินเยอรมัน, Geige)

ไวโอลินได้รับการขนานนามอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้สืบเชื้อสายมาจากเครื่องสายรุ่นก่อนๆ

เครื่องดนตรีโค้งคำนับชิ้นแรกคือฟิเดล ปรากฏในยุโรปในศตวรรษที่ 10 และ 11อีกอัน - zhiga - กลายเป็นเครื่องดนตรียอดนิยมของนักร้องนักดนตรีและนักดนตรีชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 12 และ 13 หลังจากนั้นไม่นาน Fidels, Rebecs และ Gigs ก็หลีกทางให้กับการละเมิดในสมัยโบราณ: viol da gamba, viol da bardone, viol quinton - สถานที่ที่ไวโอลินยึดครอง พวกมันปรากฏตัวในฝรั่งเศสและอิตาลีเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 และหลังจากนั้นไม่นาน ศิลปะการทำคันธนูก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป เริ่มผลิตในทิโรล เวียนนา แซกโซนี ฮอลแลนด์ และอังกฤษ แต่อิตาลีมีชื่อเสียงในด้านไวโอลินที่ดีที่สุด ในเบรสเซียและเครโมนา - เมืองเล็ก ๆ สองแห่งทางตะวันออกเฉียงเหนือของประเทศ - กว่าห้าศตวรรษที่ผ่านมาปรมาจารย์ที่โดดเด่นทำงาน: Gasparo Bertolotti (ชื่อเล่น de Salo) ในเบรสเซียและ Andrea Amati ในเครโมนา ศิลปะการทำไวโอลินได้รับการสืบทอดจากรุ่นสู่รุ่น และเป็นเวลากว่าสองร้อยปีที่ตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari ได้สร้างเครื่องดนตรีที่ยังคงถือว่าเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ดีที่สุด

รูปร่างของไวโอลินถูกกำหนดย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16 และตั้งแต่นั้นมาก็มีการเปลี่ยนแปลงในรายละเอียดเท่านั้น

ทุกสิ่งที่ได้รับการกล่าวถึงเกี่ยวกับเทคนิคเครื่องสายนั้นใช้ได้กับไวโอลินโดยเฉพาะ นั่นคือที่สุดเครื่องดนตรีที่เคลื่อนย้ายได้และยืดหยุ่นในหมู่เครื่องดนตรีโค้งคำนับ ความสามารถทางเทคนิคของบริษัทเติบโตไปพร้อมกับศิลปะของอัจฉริยะอย่าง Vitali, Torelli และ Corelli ในศตวรรษที่ 17และต่อมา - ทาร์ตินีViotti, Spohr, Vietan, Berio, Wieniawski, Sarasate, Ysaï และแน่นอน N. Paganini เขาเชี่ยวชาญศิลปะอันน่าทึ่งในการเล่นดับเบิลโน้ต คอร์ด พิซซิกาโต และฮาร์โมนิกส์ เมื่อสายของเขาขาดระหว่างคอนเสิร์ต เขายังคงเล่นสายที่เหลือต่อไป

ไวโอลินเดี่ยวที่แสดงธีมหลักสามารถสร้างเอฟเฟกต์ที่ไม่อาจต้านทานได้ - ตัวอย่างเช่น เราสามารถอ้างอิงเพลง "Scheherazade" ของ Rimsky-Korsakov ได้

ด้วยคุณสมบัติทั้งหมด ไวโอลินและเปียโนมีบทบาทสำคัญในการแสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวมายาวนาน

ดูตัวอย่าง:

กลอง

ทิมปานี (ทิมปานีของอิตาลี, ทิมบาลีของฝรั่งเศส, เปาเกนของเยอรมัน)

ทิมปานีเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก ตั้งแต่สมัยโบราณพวกเขาแพร่หลายในหลายประเทศ: ในภาคตะวันออกและแอฟริกา, ในกรีซ, ในโรมและในหมู่ชาวไซเธียน ผู้คนเล่นกลองเพื่อประกอบเหตุการณ์สำคัญในชีวิต เช่น วันหยุดและสงคราม

กลองทิมปานีขนาดเล็กถือถือใช้กันมานานในยุโรป อัศวินยุคกลางใช้พวกมันขณะขี่ม้า กลองทิมปานีขนาดใหญ่เข้ามาในยุโรปเฉพาะในศตวรรษที่ 15 ผ่านตุรกีและฮังการี ในศตวรรษที่ 17 กลองทิมปานีได้เข้าสู่วงออเคสตรา

กลองทิมปานีสมัยใหม่มีลักษณะเหมือนหม้อทองแดงขนาดใหญ่บนขาตั้งหุ้มด้วยหนัง ผิวถูกดึงเข้ากับหม้อไอน้ำอย่างแน่นหนาโดยใช้สกรูหลายตัว พวกเขาตีผิวหนังด้วยไม้สองแท่งที่มีปลายสักหลาดกลมนุ่ม

กลองทิมปานีต่างจากเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่มีหนังตรงที่ให้เสียง ความสูงที่แน่นอน. กลองทิมปานีแต่ละชิ้นได้รับการปรับให้เข้ากับโทนเสียงเฉพาะ ดังนั้น เพื่อให้ได้เสียงสองเสียง วงออเคสตราจึงเริ่มใช้กลองกลองคู่หนึ่งในศตวรรษที่ 17 ทิมปานีสามารถสร้างขึ้นใหม่ได้ โดยในการทำเช่นนี้ นักแสดงจะต้องขันหรือคลายผิวด้วยสกรู ยิ่งแรงดึงมาก โทนเสียงก็จะยิ่งสูงขึ้น อย่างไรก็ตาม การดำเนินการนี้ใช้เวลานานและมีความเสี่ยงระหว่างการดำเนินการ ด้วยเหตุนี้ ในศตวรรษที่ 19 ช่างฝีมือจึงคิดค้นกลองกลองแบบกลไก ซึ่งสามารถปรับได้อย่างรวดเร็วโดยใช้คันโยกหรือแป้นเหยียบ

บทบาทของทิมปานีในวงออเคสตราค่อนข้างหลากหลาย จังหวะของพวกเขาเน้นจังหวะของเครื่องดนตรีอื่นๆ โดยสร้างเป็นจังหวะที่เรียบง่ายหรือซับซ้อน การสลับจังหวะของไม้ทั้งสองอย่างรวดเร็ว (ลูกคอ) จะทำให้เสียงหรือเสียงฟ้าร้องดังขึ้นอย่างมีประสิทธิภาพ ไฮเดินยังบรรยายภาพเสียงฟ้าร้องโดยใช้กลองกลองใน The Four Seasons Shostakovich ใน Ninth Symphony ทำให้กลองกลองเลียนแบบปืนใหญ่ บางครั้งกลองกลองจะถูกกำหนดให้เป็นโซโลทำนองเพลงเล็กๆ เช่น ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ 11 ของโชสตาโควิช

กลองสแนร์ (แทมบูโรของอิตาลี (ทหาร), แทมบูร์ฝรั่งเศส (ทหาร), ทรอมเมลเยอรมัน, กลองข้างอังกฤษ)

กลองสแนร์โดยพื้นฐานแล้วเป็นเครื่องดนตรีทางทหาร เป็นทรงกระบอกแบนหุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน เชือกจะขึงไว้ใต้ผิวหนังบริเวณด้านล่าง เมื่อตอบสนองต่อการตีของไม้ทำให้เสียงกลองมีลักษณะเป็นเสียงแตก กลองม้วนฟังดูน่าสนใจมาก - ลูกคอที่มีไม้สองแท่งซึ่งสามารถเร่งความเร็วได้สูงสุด ความแรงของเสียงในเครื่องลูกคอนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่เสียงกรอบแกรบจนถึงเสียงแตกดังสนั่น การทาบทามเพลง "The Thieving Magpie" ของรอสซินีเริ่มต้นด้วยการตีกลองบ่วง 2 ใบ จังหวะที่น่าเบื่อของกลองบ่วงจะได้ยินในช่วงเวลาของการประหารชีวิต Till Eulenspiegel ในบทกวีไพเราะของ Richard Strauss

บางครั้งสายใต้ผิวด้านล่างของถังซักจะลดระดับลงและหยุดตอบสนองต่อการตีของไม้ เอฟเฟกต์นี้เทียบเท่ากับการปิดเสียง: กลองสแนร์จะสูญเสียพลังของเสียง นี่คือเสียงในส่วนการเต้นรำ "Tsarevich and Princess" ใน "Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov

กลองสแนร์ปรากฏตัวครั้งแรกในโอเปร่าขนาดเล็กในศตวรรษที่ 19 และในตอนแรกถูกนำมาใช้เฉพาะในตอนทางทหารเท่านั้น เมเยอร์เบียร์เป็นคนแรกที่แนะนำกลองบ่วงนอกเหนือจากตอนทางทหารในโอเปร่าเรื่อง "The Huguenots" และ "The Prophet"

ในบางกรณี กลองสแนร์กลายเป็น "ตัวละครหลัก" ไม่เพียงแต่ในตอนซิมโฟนิกขนาดใหญ่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานทั้งหมดด้วย ตัวอย่าง ได้แก่ "ตอนบุกรุก" จาก Seventh Symphony ของ Shostakovich และ "Bolero" ของ Ravel ซึ่งมีกลองสแนร์หนึ่งและสองตัวจับจังหวะดนตรีทั้งหมด

กลองเบส (กรันคาสโซของอิตาลี, กราสโซของฝรั่งเศส, โกรบทรอมเมลของเยอรมัน, กลองเบสของอังกฤษ)

ปัจจุบันมีกลองเบสสองประเภท หนึ่งในนั้นคือกระบอกโลหะที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางขนาดใหญ่สูงถึง 72 ซม. หุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน กลองเบสประเภทนี้พบเห็นได้ทั่วไปในวงดนตรีทหาร วงดนตรีแจ๊ส และวงซิมโฟนีออเคสตร้าในอเมริกา กลองอีกประเภทหนึ่งคือห่วงที่มีหนังอยู่ด้านหนึ่ง มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและแพร่กระจายไปยังวงซิมโฟนีออเคสตร้าในยุโรปอย่างรวดเร็ว หากต้องการตีผิวของกลองเบส ให้ใช้แท่งไม้ที่มีค้อนนุ่มหุ้มด้วยผ้าสักหลาดหรือไม้ก๊อก

บ่อยครั้งที่จังหวะของกลองเบสจะมาพร้อมกับเสียงฉาบหรือสลับกับมันเช่นเดียวกับในการเต้นรำอย่างรวดเร็ว "In the Cave of the Mountain King" จาก "Peer Gynt" ของ Grieg บนดรัมเบส การสลับจังหวะอย่างรวดเร็ว - เทรโมโล - ก็สามารถทำได้เช่นกัน เมื่อต้องการทำเช่นนี้ ให้ใช้ไม้ที่มีค้อนสองอันที่ปลายทั้งสองข้างหรือไม้กลอง Rimksy-Korsakov ใช้กลองเบสประสบความสำเร็จอย่างมากในเครื่องดนตรีของภาพยนตร์ไพเราะเรื่อง Night on Bald Mountain ของ Mussorgsky

ตอนแรกกลองใหญ่ปรากฏเฉพาะใน " เพลงตุรกี" แต่ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 พวกเขามักจะเริ่มใช้เพื่อจุดประสงค์ในการเป็นตัวแทนเสียง: เพื่อเลียนแบบปืนใหญ่เสียงฟ้าร้อง Beethoven รวมกลองขนาดใหญ่สามใบไว้ใน "Battle of Vittoria" - เพื่อพรรณนาการยิงปืนใหญ่ ริมสกี- Korsakov ยังใช้เครื่องมือนี้เพื่อจุดประสงค์เดียวกันใน "The Tale of Tsar Saltan", Shostakovich ใน Eleventh Symphony, Prokofiev ในฉากที่แปดของโอเปร่า "War and Peace" (จุดเริ่มต้นของ Battle of Borodino) ในเวลาเดียวกัน เวลา กลองใหญ่ยังส่งเสียงโดยไม่มีการสร้างคำและโดยเฉพาะอย่างยิ่งมักจะมีเสียงดัง

ระนาด (ระนาดอิตาลี, ระนาดฝรั่งเศส)

เห็นได้ชัดว่าระนาดเกิดขึ้นเมื่อคนดึกดำบรรพ์ใช้ไม้ทุบท่อนไม้แห้งแล้วได้ยินเสียงบางอย่าง ใน อเมริกาใต้แอฟริกาและเอเชีย พบระนาดไม้โบราณจำนวนมาก ในยุโรปตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 เครื่องดนตรีนี้ตกไปอยู่ในมือของนักดนตรีที่เดินทางและเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่กลายเป็นเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ต เขาเป็นหนี้การพัฒนาของเขากับนักดนตรี Mogilev นักขิมที่เรียนรู้ด้วยตนเอง Mikhail Iosifovich Guzikov

ตัวเสียงในระนาดเป็นบล็อกไม้ขนาดต่างๆ (ไซลอนแปลว่า "ไม้" ในภาษากรีก โทรศัพท์แปลว่า "เสียง") จัดเรียงเป็นสี่แถวบนเส้นปู นักแสดงสามารถม้วนมันและวางบนโต๊ะพิเศษระหว่างเกม พวกเขาเล่นระนาดด้วยแท่งไม้สองอัน - "ขาแพะ" เสียงระนาดแห้ง คลิก และคมชัด มันเป็นสีที่มีลักษณะเฉพาะมากดังนั้นการปรากฏตัวในเพลงจึงมักเกี่ยวข้องกับสถานการณ์โครงเรื่องพิเศษหรืออารมณ์พิเศษ Rimsky-Korsakov ใน "The Tale of Tsar Saltan" มอบความไว้วางใจให้กับระนาดด้วยเพลง "ไม่ว่าจะอยู่ในสวนหรือในสวนผัก" ในช่วงเวลาที่กระรอกแทะถั่วสีทอง Lyadov ใช้เสียงระนาดเพื่อบรรยายถึงการบินของ Baba Yaga ในครก โดยพยายามถ่ายทอดเสียงแตกของกิ่งไม้ที่หัก บ่อยครั้งที่เสียงระนาดทำให้เกิดอารมณ์เศร้าหมองและสร้างภาพที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด วลีสั้น ๆ ของระนาดใน "ตอนการบุกรุก" จาก Seventh Symphony ของ Shostakovich ฟังดูเศร้าโศก

ระนาดเป็นเครื่องดนตรีที่เก่งมาก ช่วยให้เคลื่อนไหวได้คล่องมากขึ้นในการขับร้องเร็ว เครื่องสั่น และเอฟเฟกต์พิเศษ - กลิสซานโด: การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของไม้ตามแนวบาร์

ฉาบ (ปิอาตติของอิตาลี, ฉาบฝรั่งเศส, ฉาบเยอรมัน, ฉาบอังกฤษ)

แผ่นจารึกเป็นที่รู้จักในโลกยุคโบราณและตะวันออกโบราณ แต่ชาวเติร์กมีชื่อเสียงในด้านความรักที่พิเศษและศิลปะอันยอดเยี่ยมในการสร้างแผ่นจารึกเหล่านั้น ในยุโรป จานเริ่มได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 18 หลังสงครามกับออตโตมาน

แผ่นเป็นจานโลหะขนาดใหญ่ที่ทำจากโลหะผสมทองแดง ตรงกลางฉาบจะนูนออกมาเล็กน้อย - มีสายหนังติดอยู่ที่นี่เพื่อให้นักแสดงสามารถถือเครื่องดนตรีไว้ในมือได้ มีการเล่นฉาบโดยตั้งขึ้นเพื่อไม่ให้สิ่งใดรบกวนการสั่นสะเทือน และเสียงจึงลอยไปในอากาศได้อย่างอิสระ วิธีการเล่นเครื่องดนตรีชนิดนี้โดยทั่วไปคือการเป่าฉิ่งอันหนึ่งไปทางเฉียงและเลื่อนไปมา - หลังจากนั้นจะมีเสียงกระเด็นของโลหะที่ลอยอยู่ในอากาศเป็นเวลานาน หากนักแสดงต้องการหยุดการสั่นสะเทือนของฉาบ ให้นำฉาบไปที่หน้าอกแล้วการสั่นสะเทือนจะหยุดลง บ่อยครั้งที่ผู้แต่งมาพร้อมกับเสียงฉาบที่ชนกันพร้อมกับเสียงฟ้าร้องของกลองเบส เครื่องดนตรีเหล่านี้มักจะฟังพร้อมกัน เช่น ในท่อนแรกของท่อนสุดท้ายของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี นอกจากการตีแบบเฉียงแล้ว ยังมีวิธีเล่นฉาบอื่นๆ อีกหลายวิธี เช่น เมื่อตีฉาบที่แขวนอย่างอิสระด้วยไม้กลองหรือไม้ตีกลองสแนร์

วงซิมโฟนีออร์เคสตรามักจะใช้ฉาบคู่เดียว ในบางกรณีซึ่งเกิดขึ้นไม่บ่อยนัก เช่น ใน "Funeral-Triumphal Symphony" ของ Berlioz มีการใช้จานสามคู่

สามเหลี่ยม (triahgalo ของอิตาลี, สามเหลี่ยมฝรั่งเศส, สามเหลี่ยมเยอรมัน, สามเหลี่ยมภาษาอังกฤษ)

สามเหลี่ยมเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เล็กที่สุดในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เป็นเหล็กเส้นโค้งงอเป็นรูปสามเหลี่ยม พวกเขาแขวนมันไว้บนเชือกแล้วตีด้วยแท่งโลหะเล็ก ๆ - ได้ยินเสียงกริ่งที่ชัดมาก

วิธีการเล่นสามเหลี่ยมไม่หลากหลายมากนัก บางครั้งมีเสียงออกมาเพียงเสียงเดียว บางครั้งก็มีการสร้างรูปแบบจังหวะง่ายๆ ฟังดูดีบนเทรโมโลสามเหลี่ยม

สามเหลี่ยมนี้ถูกกล่าวถึงครั้งแรกในศตวรรษที่ 15 ในศตวรรษที่ 18 เพลงนี้ถูกใช้ในโอเปร่าโดยนักแต่งเพลง Grétry จากนั้นสามเหลี่ยมก็กลายเป็นผู้มีส่วนร่วมที่ไม่เปลี่ยนแปลงใน "ตุรกี" เช่น ดนตรีที่แปลกใหม่ ปรากฏพร้อมกับกลองเบสและฉาบ เครื่องเพอร์คัชชันกลุ่มนี้ถูกใช้โดย Mozart ใน "The Abduction from the Seraglio", Beethoven ใน "Turkish March" จาก "The Ruins of Athens" และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ที่พยายามสร้างภาพลักษณ์ทางดนตรีของตะวันออกขึ้นมาใหม่ รูปสามเหลี่ยมยังน่าสนใจในการเต้นรำที่สง่างาม: ใน "Anitra's Dance" จาก "Peer Gynt" ของ Grieg, "Waltz-Fantasy" ของ Glinka

ระฆัง (ระฆังอิตาลี, คาริลฝรั่งเศส, กล็อคเกนสปีลเยอรมัน)

ระฆังน่าจะเป็นเครื่องดนตรีที่มีบทกวีมากที่สุดในกลุ่มเครื่องเพอร์คัชชัน ชื่อของมันมาจากความหลากหลายในสมัยโบราณ โดยที่ลำตัวที่ส่งเสียงนั้นเป็นระฆังขนาดเล็กที่ปรับให้เข้ากับระดับเสียงที่แน่นอน ต่อมาพวกเขาถูกแทนที่ด้วยชุดแผ่นโลหะที่มีขนาดต่างกัน จัดเรียงเป็นสองแถวเหมือนคีย์เปียโน และติดตั้งไว้ในกล่องไม้ ระฆังเล่นโดยใช้ค้อนโลหะสองอัน เครื่องดนตรีนี้มีอีกหลากหลาย: ระฆังคีย์บอร์ด พวกเขามีคีย์บอร์ดเปียโนและค้อนที่ส่งแรงสั่นสะเทือนจากคีย์ไปยังแผ่นโลหะ อย่างไรก็ตาม กลไกแบบลูกโซ่นี้สะท้อนเสียงได้ไม่ดีนัก มันไม่สว่างและดังกริ่งเหมือนกับระฆังทั่วไป อย่างไรก็ตาม แม้ว่าความสวยงามของเสียงจะด้อยกว่าการตีระฆัง แต่คีย์บอร์ดก็มีความเหนือกว่าในทางเทคนิค ต้องขอบคุณคีย์บอร์ดเปียโนที่ทำให้สามารถส่งข้อความได้ค่อนข้างเร็วและคอร์ดโพลีโฟนิก เสียงระฆังเป็นสีเงิน อ่อนโยน และกริ่ง พวกเขาเล่นเพลง “The Magic Flute” ของโมสาร์ทระหว่างทางเข้าของ Papageno ในเพลงพร้อมระฆังใน “Lakmé” ของ Delibes ในภาพยนตร์ “The Snow Maiden” ของ Rimsky-Korsakov เมื่อ Mizgir ไล่ตาม Snow Maiden เห็นแสงหิ่งห้อยใน “กระทงทอง” เมื่อโหราจารย์ออก

ระฆัง (แคมเพนของอิตาลี, เสื้อคลุมฝรั่งเศส, กล็อคเกนของเยอรมัน)

ตั้งแต่สมัยโบราณ เสียงระฆังดังเรียกผู้คนให้มาประกอบพิธีทางศาสนาและวันหยุด และยังประกาศเรื่องโชคร้ายด้วย ด้วยการพัฒนาของโอเปร่าโดยมีเนื้อหาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และความรักชาติปรากฏอยู่ในนั้น ผู้แต่งจึงเริ่มนำระฆังเข้ามา โรงละครโอเปร่า. เสียงระฆังในโอเปร่ารัสเซียมีการนำเสนออย่างไพเราะเป็นพิเศษ: เสียงเรียกเข้าอันศักดิ์สิทธิ์ใน "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Woman of Pskov" และ "Boris Godunov" (ในฉากพิธีราชาภิเษก), สัญญาณเตือนภัยที่น่าตกใจ ระฆังใน "เจ้าชายอิกอร์" เสียงระฆังงานศพใน " บอริสโกดูนอฟ" โอเปร่าทั้งหมดนี้มีระฆังโบสถ์ของจริงซึ่งวางอยู่หลังเวทีในโรงอุปรากรขนาดใหญ่ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ทุกโรงอุปรากรจะมีหอระฆังเป็นของตัวเองได้ ดังนั้นผู้แต่งจึงนำระฆังเล็กๆ เข้ามาในวงออเคสตราเป็นครั้งคราวเท่านั้น ดังที่ไชคอฟสกีเคยทำใน Overture ปี 1812 ในขณะเดียวกันด้วยการพัฒนาโปรแกรมดนตรีความต้องการก็เพิ่มมากขึ้นในการเลียนแบบเสียงระฆังในวงซิมโฟนีออร์เคสตราดังนั้นหลังจากนั้นไม่นานก็มีการสร้างระฆังออร์เคสตราขึ้น - ชุดท่อเหล็กที่ห้อยลงมาจากกรอบ ในรัสเซียระฆังเหล่านี้เรียกว่าภาษาอิตาลี ท่อแต่ละท่อได้รับการปรับให้เข้ากับโทนเสียงเฉพาะ ตีด้วยค้อนโลหะพร้อมปะเก็นยาง

ปุชชินีใช้ระฆังออร์เคสตราในโอเปร่า "Tosca", Rachmaninov ในบทกวีร้องประสานเสียง "The Bells" Prokofiev ใน "Alexander Nevsky" แทนที่ท่อด้วยแท่งโลหะยาว

แทมบูรีน

แทมบูรีนเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก ปรากฏในวงซิมโฟนีออร์เคสตราในศตวรรษที่ 19 การออกแบบเครื่องดนตรีนี้เรียบง่ายมาก โดยทั่วไปแล้ว มันคือห่วงไม้ที่มีหนังขึงด้านหนึ่ง เครื่องประดับโลหะติดอยู่ที่ช่องห่วง (ด้านข้าง) และมีกระดิ่งเล็กๆ ร้อยอยู่ด้านในเป็นเชือกรูปดาว ทั้งหมดนี้ดังขึ้นเมื่อแทมบูรีนสั่นสะเทือนเพียงเล็กน้อย

ส่วนของแทมบูรีนเช่นเดียวกับกลองอื่น ๆ ที่ไม่มีระดับเสียงที่แน่นอนมักจะไม่ได้เขียนบนไม้เท้า แต่ใช้ไม้บรรทัดแยกต่างหากซึ่งเรียกว่า "ด้าย"

เทคนิคการเล่นแทมบูรีนมีความหลากหลายมาก ก่อนอื่นนี่คือการชกอย่างแหลมคมบนผิวหนังและเอาชนะรูปแบบจังหวะที่ซับซ้อน ในกรณีเหล่านี้ ทั้งผิวหนังและระฆังจะส่งเสียง เมื่อตีอย่างแรง รำมะนาก็จะดังก้อง เมื่อสัมผัสเบา ๆ ก็ได้ยินเสียงระฆังเล็กน้อย มีหลายวิธีที่ผู้แสดงส่งเสียงระฆังเพียงเสียงเดียว นี่คือการเขย่าแทมบูรีนอย่างรวดเร็ว - มันให้ลูกคอที่เจาะทะลุ นี่เป็นการสั่นเบา ๆ และสุดท้ายจะได้ยินเสียงไหลรินอันน่าทึ่งเมื่อนักแสดงใช้นิ้วหัวแม่มือเปียกเหนือผิวหนัง เทคนิคนี้ทำให้เกิดเสียงระฆังที่มีชีวิตชีวา

กลองเป็นเครื่องดนตรีลักษณะเฉพาะจึงไม่ได้ใช้ในทุกงาน โดยปกติแล้วเขาจะปรากฏตัวในที่ที่ตะวันออกหรือสเปนควรจะมีชีวิตชีวาด้วยดนตรี: ใน "Scheherazade" และใน "Capriccio Espagnol" โดย Rimsky-Korsakov ในการเต้นรำของเด็กชายชาวอาหรับในบัลเล่ต์ "Raymonda" โดย Glazunov ใน การเต้นรำเจ้าอารมณ์ Polovtsians ใน "Prince Igor" โดย Borodin ใน "Carmen" โดย Bizet

Castanets (สเปน: Castanetas)

ชื่อ "castanets" หมายถึง "เกาลัดเล็ก ๆ" ในภาษาสเปน สเปนน่าจะเป็นบ้านเกิดของพวกเขา ที่นั่นคาสทาเน็ตกลายเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติที่แท้จริง คาสทาเน็ตทำจากไม้เนื้อแข็ง เช่น ไม้มะเกลือหรือไม้บ็อกซ์ คาสตาเน็ตมีรูปร่างคล้ายเปลือกหอย

ในสเปน มีการใช้คาสทาเน็ตสองคู่ประกอบการเต้นรำและการร้องเพลง แต่ละคู่ถูกยึดไว้ด้วยกันด้วยเชือกที่รัดรอบนิ้วหัวแม่มือ นิ้วที่เหลือยังคงเป็นอิสระ แตะจังหวะที่ซับซ้อนบนเปลือกไม้ มือแต่ละข้างต้องการคาสทาเน็ตที่มีขนาดของตัวเอง โดยทางมือซ้ายนักแสดงถือเปลือกหอยที่มีเสียงดังมาก โดยส่งเสียงที่ต่ำลงและต้องแตะจังหวะหลัก คาสทาเน็ตสำหรับมือขวามีขนาดเล็กกว่า น้ำเสียงของพวกเขาสูงขึ้น นักเต้นและนักเต้นชาวสเปนเชี่ยวชาญเรื่องนี้อย่างสมบูรณ์แบบ ศิลปะที่ซับซ้อนซึ่งได้รับการสอนมาตั้งแต่เด็ก เสียงคลิกของคาสทาเนตที่แห้งและขี้เล่นมักจะมาพร้อมกับการเต้นรำแบบสเปนเจ้าอารมณ์เสมอ: โบเลโร, เซกิดิลโล, ฟานดังโก

เมื่อผู้แต่งต้องการนำคาสทาเน็ตเข้าสู่ดนตรีซิมโฟนิก เครื่องดนตรีนี้ได้รับการออกแบบในเวอร์ชันที่เรียบง่าย นั่นคือ คาสทาเน็ตแบบออร์เคสตรา นี่คือเปลือกหอยสองคู่ที่ติดตั้งอยู่ที่ปลายด้ามไม้ เมื่อพวกเขาถูกเขย่าจะได้ยินเสียงคลิก - สำเนาคาสทาเนตสเปนแท้ๆที่อ่อนแอ

ในวงออเคสตรา คาสตาเน็ตเริ่มถูกนำมาใช้เป็นหลักในดนตรีที่มีลักษณะเป็นภาษาสเปน: ในการทาบทามภาษาสเปนของ Glinka เรื่อง "The Aragonese Hunt" และ "Night in Madrid" ในเพลง "Capriccio Espagnol" ของ Rimsky-Korsakov ในการเต้นรำแบบสเปนจากบัลเล่ต์ของ Tchaikovsky และ ในดนตรีตะวันตก - ใน " Carmen" Bizet ใน งานไพเราะ"ไอบีเรีย" โดย Debussy, "Alborada del Gracioso" โดย Ravel นักแต่งเพลงบางคนได้นำคาสทาเน็ตไปไกลกว่านั้น เพลงสเปน: Saint-Saëns ใช้พวกมันในโอเปร่า Samson และ Dalida, Prokofiev - ในเปียโนคอนแชร์โตครั้งที่สาม

Tam-tam (ทัมทัมฝรั่งเศสและอิตาลี, ทัมทัมเยอรมัน)

ทัมทัมซึ่งเป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่มีต้นกำเนิดจากจีน มีรูปร่างคล้ายจานและมีขอบหนา ทำจากโลหะผสมชนิดพิเศษที่ใกล้เคียงกับทองแดง เวลาเล่นทัมตัม ตั้มจะถูกแขวนไว้จากกรอบไม้แล้วตีด้วยค้อนสักหลาด เสียงทัมทัมต่ำและหนา หลังจากกระทบก็ลามไปเนิ่นนาน ไหลเข้า เคลื่อนออกไป คุณลักษณะของเครื่องดนตรีนี้และลักษณะของเสียงต่ำทำให้เครื่องดนตรีมีลักษณะเป็นลางร้าย พวกเขากล่าวว่าบางครั้งการโจมตีแบบทอม-ทอมเพียงครั้งเดียวทั่วทั้งงานก็เพียงพอแล้วที่จะสร้างความประทับใจให้กับผู้ชม ตัวอย่างนี้คือตอนจบของ Sixth Symphony ของ Tchaikovsky

ในยุโรป ทัม-ตัมปรากฏตัวในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส หลังจากนั้นครู่หนึ่งเครื่องดนตรีนี้ก็ถูกนำเข้าสู่วงออเคสตราโอเปร่าและตั้งแต่นั้นมาก็ถูกใช้ในสถานการณ์ที่น่าเศร้าและ "ร้ายแรง" ตามกฎแล้ว การทุบตามทัมหมายถึงความตาย ความหายนะ การมีพลังวิเศษ คำสาป ลางบอกเหตุ และเหตุการณ์อื่นๆ ที่ "ไม่ธรรมดา" ใน "Ruslan และ Lyudmila" เสียง tam-tam ในช่วงเวลาของการลักพาตัว Lyudmila โดย Chernomor ใน "Robert the Devil" ของ Meyerberg - ในฉาก "การฟื้นคืนชีพของแม่ชี" ใน "Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov - ในขณะที่เรือของซินแบดชนโขดหิน จังหวะ Tam-tam ยังได้ยินในช่วงไคลแม็กซ์อันน่าเศร้าของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Seventh Symphony ของ Shostakovich

คลาฟส์.

claves เป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีต้นกำเนิดจากคิวบา โดยเป็นไม้กลม 2 อัน แต่ละอันยาว 15-25 ซม. แกะสลักจากไม้เนื้อแข็งมาก นักแสดงถือหนึ่งในนั้นด้วยมือซ้ายในลักษณะพิเศษ - เพื่อให้ฝ่ามือที่กำแน่นทำหน้าที่เป็นเครื่องสะท้อนเสียง - และตีด้วยไม้อีกอัน

เสียงของเคลฟนั้นคม สูง ดังกึกก้องเหมือนระนาดแต่ไม่มีระดับเสียงที่แน่นอน ระดับเสียงขึ้นอยู่กับขนาดของไม้ บางครั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตราก็ใช้ไม้ดังกล่าวสองหรือสามคู่ซึ่งมีขนาดต่างกัน

ฟรุสต้า.

Frusta ประกอบด้วยไม้กระดานสองแผ่นแผ่นหนึ่งมีที่จับและแผ่นที่สองได้รับการแก้ไขที่ปลายล่างเหนือที่จับบนบานพับ - เมื่อเหวี่ยงอย่างแหลมคมหรือด้วยความช่วยเหลือของสปริงที่แน่นหนามันจะตบมือด้วยปลายที่ว่าง ต่อต้านอีกฝ่าย ตามกฎแล้ว เฉพาะจุดแข็งส่วนบุคคลเท่านั้น fortissimo ที่ปรากฏขึ้น ซึ่งไม่ติดตามกันบ่อยเกินไปเท่านั้นที่ถูกดึงออกมาจากความหงุดหงิด

Frusta เป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่ไม่มีระดับเสียงเฉพาะ ดังนั้นส่วนของมันเหมือนกับส่วนของแทมบูรีนจึงไม่ได้เขียนบนคานไม้ แต่อยู่บน "สาย"

Frusta เป็นเรื่องปกติในเพลงสมัยใหม่ การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ "Lorelei" จาก Fourteenth Symphony ของ Shostakovich เริ่มต้นด้วยการตบมือสองครั้งบนเครื่องดนตรีนี้

บล็อกไม้.

บล็อกไม้เป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่มีต้นกำเนิดจากจีน ก่อนที่จะปรากฏตัวในส่วนเพอร์คัชชันของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา บล็อกไม้ดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากในดนตรีแจ๊ส

บล็อกไม้คือบล็อกไม้เนื้อแข็งสี่เหลี่ยมเล็กๆ ที่มีช่องเจาะลึกและแคบอยู่ด้านหน้า เทคนิคการเล่นบล็อกไม้คือการตีกลอง: เสียงเกิดจากการตีระนาบด้านบนของเครื่องดนตรีด้วยไม้ตีกลองสแนร์ ค้อนไม้ และไม้ที่มีหัวยาง ผลลัพธ์ที่ได้คือเสียงที่คมชัด แหลมสูง มีลักษณะเฉพาะและเสียงคลิกที่ไม่แน่นอน

เนื่องจากเป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงไม่แน่นอน บล็อกไม้จึงมีการระบุไว้บน "สาย" หรือไม้บรรทัดผสมกัน

บล็อกวิหารทาร์ทารูกา

บล็อกวัดเป็นเครื่องมือที่มีต้นกำเนิดจากเกาหลีหรือจีนเหนือ ซึ่งเป็นคุณลักษณะหนึ่งของศาสนาพุทธ เครื่องดนตรีมีลักษณะกลม กลวงภายใน มีรอยบากลึกตรงกลาง (เหมือนปากหัวเราะ) และทำจากไม้เนื้อแข็ง

เช่นเดียวกับเครื่องเพอร์คัชชันที่ “แปลกใหม่” อื่นๆ ส่วนใหญ่ ช่วงแรกเริ่มแพร่หลายในดนตรีแจ๊ส จากจุดที่เข้าสู่วงซิมโฟนีออร์เคสตรา

เสียงของ Temple Block นั้นเข้มกว่าและลึกกว่าเสียงของบล็อกไม้ที่เกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด และมีระดับเสียงที่ชัดเจน ดังนั้นเมื่อใช้ชุด Temple Block คุณจะได้รับวลีที่ไพเราะ - ตัวอย่างเช่น S. Slonimsky ใช้เครื่องมือเหล่านี้ใน "Concert buffe"

พวกเขาเล่นบล็อกวิหารโดยตีฝาครอบด้านบนด้วยไม้ที่มีหัวยาง ค้อนไม้ และไม้ตีกลองสแนร์

บางครั้งวงซิมโฟนีออร์เคสตราใช้ชุดกระดองเต่าซึ่งมีหลักการคล้ายกับการเล่นบล็อกเทมเพลต แต่ฟังดูแห้งกว่าและอ่อนกว่า กระดองเต่าชุดนี้ชื่อ Tartaruga ถูกใช้โดย S. Slonimsky ใน "Concert Buff" ของเขา

กีโร, เรโกะ-เรโกะ, ซาโป.

เครื่องดนตรีเหล่านี้มีต้นกำเนิดจากละตินอเมริกาและมีความคล้ายคลึงกัน หลักการสร้างสรรค์และโดยวิธีการเล่น

พวกเขาทำจากส่วนของไม้ไผ่ (reco-reco) จากฟักทองแห้ง (guiro) หรือจากวัตถุกลวงอื่นที่ทำหน้าที่เป็นเครื่องสะท้อนเสียง ด้านหนึ่งของเครื่องมือจะมีรอยบากหรือรอยบากหลายชุด ในบางกรณีจะติดตั้งแผ่นที่มีพื้นผิวลูกฟูก แท่งไม้พิเศษถูกส่งผ่านไปตามรอยบากเหล่านี้ ส่งผลให้ได้เสียงที่แหลมคมพร้อมเสียงแตกที่มีลักษณะเฉพาะ เครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องกันที่พบมากที่สุดคือกีโร I. Stravinsky เป็นคนแรกที่แนะนำเครื่องดนตรีนี้ในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - ใน The Rite of Spring Reco-reco พบได้ใน "Concert-bouffe" ของ Slonimski และ sapo ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่คล้ายกับ reco-reco ถูกใช้ในเพลง "Three Poems by Henri Michaud" โดย W. Lutoslawski

วงล้อ.

ในเครื่องดนตรี ชนชาติต่างๆมีวงล้อหลายรูปทรงและอุปกรณ์ต่างๆ ในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา วงล้อคือกล่องที่นักแสดงหมุนบนที่จับรอบล้อเฟือง ในเวลาเดียวกันแผ่นไม้ที่ยืดหยุ่นซึ่งกระโดดจากฟันหนึ่งไปอีกซี่หนึ่งทำให้เกิดรอยแตกที่มีลักษณะเฉพาะ

Maracas, chocalo (ทูโบ), คาเมโซ

เครื่องดนตรีทั้งหมดนี้มีต้นกำเนิดจากละตินอเมริกา มาราคาสเป็นเสียงสั่นไม้ทรงกลมหรือรูปไข่พร้อมด้ามจับ และเต็มไปด้วยกระสุน เมล็ดพืช กรวด หรือวัสดุอื่นๆ ที่เทอะทะ เครื่องดนตรีพื้นบ้านเหล่านี้มักทำจากมะพร้าวหรือมะระแห้งกลวงที่มีด้ามจับตามธรรมชาติ Maracas ได้รับความนิยมอย่างมากในวงออเคสตร้าดนตรีเต้นรำและดนตรีแจ๊ส S. Prokofiev เป็นคนแรกที่ใช้เครื่องดนตรีนี้เป็นส่วนหนึ่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ("Dance of the Antillean Girls" จากบัลเล่ต์ "Romeo and Juliet", cantata "Alexander Nevsky") ปัจจุบันมักใช้เครื่องดนตรีคู่หนึ่ง - นักแสดงถือมันไว้ในมือทั้งสองข้างแล้วเขย่าแล้วทำให้เกิดเสียง เช่นเดียวกับเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่ไม่มีระดับเสียงสูงต่ำ มาราคัสจะระบุไว้บน "เครื่องสาย" ตามหลักการของการสร้างเสียง มารากัสจะอยู่ใกล้กับโชคาลอสและคาเมโซ เหล่านี้เป็นกระบอกโลหะลายตารางหมากรุกหรือไม้ บรรจุด้วยสารเม็ดเล็กๆ คล้ายมาราคาส บางรุ่นมีผนังด้านข้างหุ้มด้วยเมมเบรนหนัง ทั้งเซกาลาและคาเมโซให้เสียงที่ดังและคมชัดกว่ามารากัส พวกเขาจะถือด้วยมือทั้งสองข้าง เขย่าในแนวตั้งหรือแนวนอน หรือหมุน

กะบัทซา.

ในตอนแรก เครื่องดนตรีที่มีต้นกำเนิดจากแอฟโฟร-บราซิลเลียนนี้ได้รับความนิยมในวงออเคสตราดนตรีละตินอเมริกา และได้รับการจำหน่ายต่อไป ภายนอก kabatsa มีลักษณะคล้ายมาราคาสที่ขยายใหญ่ขึ้นสองเท่า คลุมด้วยตาข่ายและมีลูกปัดขนาดใหญ่ร้อยอยู่ นักแสดงถือเครื่องดนตรีด้วยมือข้างหนึ่งแล้วใช้นิ้วมืออีกข้างตีมัน หรือเลื่อนผ่านตารางลูกปัดโดยใช้ฝ่ามือสัมผัสกัน ในกรณีหลังนี้จะมีเสียงกรอบแกรบยาวปรากฏขึ้นชวนให้นึกถึงเสียงมาราคัส Slonimsky เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ใช้คาบัตสึใน Concert Buff

บ้อง.

เครื่องดนตรีนี้มีต้นกำเนิดจากคิวบา หลังจากการปรับปรุงใหม่ บ้องเริ่มถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในวงออเคสตร้าดนตรีเต้นรำ แจ๊ส และแม้กระทั่งในงานดนตรีที่จริงจัง บ้องมีโครงสร้างดังต่อไปนี้: หนังขึงไว้บนตัวไม้ทรงกระบอก (สูง 17 ถึง 22 ซม.) และยึดด้วยห่วงโลหะ (ปรับความตึงจากด้านในด้วยสกรู) ขอบโลหะไม่สูงเกินระดับผิวหนัง: นี่คือสิ่งที่กำหนดลักษณะการเล่นบ้องด้วยฝ่ามือ - con le mani หรือนิ้ว - con le dita บ้องสองอันที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางต่างกันมักจะเชื่อมต่อกันโดยใช้ที่ยึดทั่วไป บ้องขนาดเล็กให้เสียงสูงกว่าอันที่กว้างประมาณหนึ่งในสาม เสียงบ้องจะดังสูง โดยเฉพาะ “ว่างเปล่า” และเปลี่ยนแปลงไปตามสถานที่และวิธีการกระแทก ด้วยเหตุนี้ ในแต่ละเครื่องดนตรี คุณสามารถได้รับเสียงสูงที่แตกต่างกันสองเสียง: การฟาดด้วยนิ้วชี้ที่ยื่นออกมาที่ขอบหรือนิ้วหัวแม่มือที่อยู่ตรงกลาง - และเสียงที่ต่ำกว่า (ที่ไหนสักแห่งภายในวินาทีหรือสามหลัก) - จาก ใช้ฝ่ามือหรือปลายนิ้วตีให้ชิดตรงกลางมากขึ้น

ดูตัวอย่าง:

เปียโน (เปียโนอิตาลี-ฟอร์เต้, เปียโนฝรั่งเศส, ป้อมเปียโนเยอรมัน, แฮมเมอร์คลาเวียร์, เปียโนอังกฤษ)

แหล่งกำเนิดเสียงเปียโน - สายโลหะซึ่งเริ่มส่งเสียงจากการกระแทกของค้อนไม้ที่หุ้มด้วยผ้าสักหลาด และค้อนจะทำงานโดยการกดนิ้วบนคีย์

เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดชนิดแรกซึ่งเป็นที่รู้จักเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 คือ ฮาร์ปซิคอร์ด และ คลาวิคอร์ด (clavicembalo ในภาษาอิตาลี) บนคลาวิคอร์ดนั้น สายถูกสั่นด้วยคันโยกโลหะ - แทนเจนต์, บนฮาร์ปซิคอร์ด - ด้วยขนอีกาและต่อมา - ด้วยตะขอโลหะ เสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้มีความซ้ำซากจำเจและจางหายไปอย่างรวดเร็ว

เปียโนค้อนตัวแรก ที่ได้รับการตั้งชื่อเพราะเล่นได้ทั้งเสียงมือขวาและเสียงเปียโน มีแนวโน้มว่าจะถูกสร้างโดย Bartolomeo Cristofori ในปี 1709 เครื่องดนตรีใหม่นี้ได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็ว และหลังจากการปรับปรุงหลายครั้ง ก็กลายเป็นแกรนด์เปียโนคอนเสิร์ตสมัยใหม่ เปียโนถูกสร้างขึ้นสำหรับการเล่นดนตรีในบ้านในปี พ.ศ. 2369

เปียโนเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางว่าเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวในคอนเสิร์ต แต่บางครั้งก็ทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีออร์เคสตราธรรมดาด้วย นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย เริ่มต้นด้วย Glinka เริ่มนำเปียโนเข้าสู่วงออเคสตรา บางครั้งก็ใช้ร่วมกับพิณ เพื่อสร้างเสียงก้องกังวานของ gusli ขึ้นมาใหม่ นี่คือวิธีการใช้ในเพลงของ Bayan ใน "Ruslan and Lyudmila" ของ Glinka ใน "Sadko" และใน "May Night" ของ Rimsky-Korsakov บางครั้งเปียโนก็สร้างเสียงระฆัง เช่นเดียวกับใน Boris Godunov ของ Mussorgsky โดยใช้เครื่องดนตรีของ Rimsky-Korsakov แต่มันไม่ได้เลียนแบบเสียงร้องอื่นๆ เสมอไป นักแต่งเพลงบางคนใช้สิ่งนี้ในวงออเคสตราเป็นเครื่องดนตรีตกแต่ง ซึ่งสามารถเพิ่มความดังและสีสันใหม่ๆ ให้กับวงออเคสตราได้ ดังนั้น Debussy จึงเขียนท่อนเปียโนสำหรับสี่มือในชุดซิมโฟนิก "Spring" สุดท้ายนี้บางครั้งก็ถูกมองว่าเป็นเครื่องเพอร์คัชชันชนิดหนึ่งที่มีน้ำเสียงหนักแน่นและแห้ง เชอร์โซที่ฉุนเฉียวและแปลกประหลาดในซิมโฟนีที่ 1 ของโชสตาโควิชคือตัวอย่างหนึ่งของสิ่งนี้

ดูตัวอย่าง:

ฮาร์ปซิคอร์ด

เครื่องดนตรีสายคีย์บอร์ด. นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดคือนักดนตรีที่แสดงผลงานดนตรีทั้งเกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ดและประเภทของฮาร์ปซิคอร์ด การกล่าวถึงเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดในช่วงแรกสุดปรากฏในแหล่งที่ 1397 จากปาดัว (อิตาลี) ที่เก่าแก่ที่สุด ภาพที่มีชื่อเสียง- บนแท่นบูชาใน Minden (1425) ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงใช้อยู่จนกระทั่ง ปลาย XVIII วี. เป็นเวลานานกว่าเล็กน้อยที่ใช้ในการแสดงเบสแบบดิจิทัลเพื่อประกอบการบรรยายในโอเปร่า ตกลง. 1810 แทบไม่ได้ใช้งานเลย การฟื้นตัวของวัฒนธรรมการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ฮาร์ปซิคอร์ดแห่งศตวรรษที่ 15 ยังไม่รอด ดูจากภาพแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีสั้นและมีน้ำหนักมาก ฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 16 ที่ยังมีชีวิตอยู่ส่วนใหญ่ผลิตในอิตาลี โดยมีเวนิสเป็นศูนย์กลางการผลิตหลัก สำเนาของฮาร์ปซิคอร์ดแบบเฟลมิช พวกเขามีรีจิสเตอร์ 8` (น้อยกว่าสองรีจิสเตอร์ คือ 8` และ 4`) และมีความโดดเด่นในด้านความสง่างาม ร่างกายของพวกเขาส่วนใหญ่มักทำจากไซเปรส การโจมตีฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ชัดเจนกว่าและเสียงที่คมชัดกว่าเครื่องดนตรีเฟลมิชรุ่นหลังๆ ศูนย์กลางการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดที่สำคัญที่สุดในยุโรปเหนือคือเมืองแอนต์เวิร์ป ซึ่งตัวแทนของตระกูล Ruckers ทำงานมาตั้งแต่ปี 1579 ฮาร์ปซิคอร์ดของพวกเขามีสายยาวและหนักกว่าเครื่องดนตรีของอิตาลี ตั้งแต่ปี 1590 เป็นต้นมา มีการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดพร้อมคู่มือสองชุดในเมืองแอนต์เวิร์ป ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาฝรั่งเศส อังกฤษ และเยอรมันในศตวรรษที่ 17 ผสมผสานคุณลักษณะของแบบจำลองเฟลมิชและดัตช์เข้าด้วยกัน ฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ดสองมือของฝรั่งเศสบางตัวที่มีตัววอลนัทรอดชีวิตมาได้ ตั้งแต่ปี 1690 เป็นต้นมา ฮาร์ปซิคอร์ดประเภทเดียวกับเครื่องดนตรีของ Ruckers ถูกผลิตขึ้นในฝรั่งเศส ในบรรดาปรมาจารย์ฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ราชวงศ์ Blanchet มีความโดดเด่น ในปี ค.ศ. 1766 เวิร์คช็อปของ Blanchet ได้รับการสืบทอดโดย Taskin ผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 18 คือ Shudys และตระกูล Kirkman เครื่องดนตรีของพวกเขามีลำตัวเป็นไม้โอ๊คบุด้วยไม้อัด และโดดเด่นด้วยเสียงที่หนักแน่นพร้อมเสียงร้องที่หนักแน่น ในเยอรมนีช่วงศตวรรษที่ 18 ศูนย์กลางการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดหลักคือฮัมบูร์ก ในบรรดาที่ผลิตในเมืองนี้มีเครื่องดนตรีที่มีรีจิสเตอร์ 2` และ 16` รวมถึงคู่มือ 3 อัน แบบจำลองฮาร์ปซิคอร์ดที่ยาวผิดปกติได้รับการออกแบบโดย J.D. Dulken ปรมาจารย์ชาวดัตช์ชั้นนำแห่งศตวรรษที่ 18 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เปียโนเริ่มเข้ามาแทนที่ฮาร์ปซิคอร์ด ตกลง. พ.ศ. 2352 บริษัทเคิร์กแมนปล่อยฮาร์ปซิคอร์ดชุดสุดท้าย ผู้ริเริ่มการฟื้นฟูเครื่องดนตรีคือ A. Dolmech เขาสร้างฮาร์ปซิคอร์ดตัวแรกในปี พ.ศ. 2439 ในลอนดอน และไม่นานก็ได้เปิดเวิร์คช็อปในบอสตัน ปารีส และเฮเซิลเมียร์ ฮาร์ปซิคอร์ดสมัยใหม่ การผลิตฮาร์ปซิคอร์ดยังเปิดตัวโดยบริษัท Pleyel และ Erard ในปารีสอีกด้วย Pleyel เริ่มผลิตแบบจำลองฮาร์ปซิคอร์ดที่มีโครงโลหะซึ่งมีสายหนาและตึง Wanda Landowska ฝึกฝนนักฮาร์ปซิคอร์ดทั้งรุ่นด้วยเครื่องดนตรีประเภทนี้ ปรมาจารย์ชาวบอสตัน Frank Hubbard และ William Dowd เป็นคนแรกที่เลียนแบบฮาร์ปซิคอร์ดโบราณ.

ดูตัวอย่าง:

ออร์แกน (ออร์แกนของอิตาลี, ออร์แกนฝรั่งเศส, ออร์เจลเยอรมัน, ออร์แกนอังกฤษ)

เครื่องดนตรีประเภทลมแบบคีย์บอร์ด - ออร์แกน - เป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยโบราณ ในอวัยวะโบราณ มีการสูบอากาศด้วยมือโดยใช้เครื่องสูบลม ในยุโรปยุคกลาง ออร์แกนกลายเป็นเครื่องมือในการนมัสการในโบสถ์ มันอยู่ในสภาพแวดล้อมทางจิตวิญญาณของศตวรรษที่ 17 ที่งานศิลปะโพลีโฟนิกออร์แกนเกิดขึ้นซึ่งตัวแทนที่ดีที่สุดคือ Frescobaldi, Bach และ Handel

ออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีขนาดยักษ์ที่มีโทนเสียงหลากหลาย

“ นี่คือวงออเคสตราทั้งหมดที่สามารถถ่ายทอดทุกสิ่งแสดงทุกสิ่งด้วยมือที่มีทักษะ” บัลซัคเขียนเกี่ยวกับเขา อันที่จริงระยะของออร์แกนนั้นเกินกว่าขอบเขตของเครื่องดนตรีออเคสตราทั้งหมดรวมกัน ออร์แกนประกอบด้วยเครื่องเป่าลมสำหรับจ่ายอากาศ ระบบท่อที่มีการออกแบบและขนาดต่างๆ (ในออร์แกนสมัยใหม่มีจำนวนท่อถึง 30,000 ท่อ) คีย์บอร์ดแบบแมนนวลหลายอันและแป้นเหยียบ ท่อที่ใหญ่ที่สุดมีความสูงตั้งแต่ 10 เมตรขึ้นไป ความสูงของท่อที่เล็กที่สุดคือ 8 มิลลิเมตร สีของเสียงนี้หรือนั้นขึ้นอยู่กับอุปกรณ์ของพวกเขา

ชุดท่อที่มีเสียงเดียวเรียกว่ารีจิสเตอร์ อวัยวะของมหาวิหารขนาดใหญ่มีทะเบียนมากกว่าร้อยรายการ: ในออร์แกนของมหาวิหารนอเทรอดามมีจำนวนถึง 110 รายการ สีของเสียงของทะเบียนแต่ละรายการมีลักษณะคล้ายกับเสียงของขลุ่ย โอโบ แตรภาษาอังกฤษ, คลาริเน็ต, คลาริเน็ตเบส, ทรัมเป็ต, เชลโล ยิ่งการลงทะเบียนมีความสมบูรณ์และหลากหลายมากเท่าใด นักแสดงก็จะยิ่งได้รับโอกาสมากขึ้นเท่านั้น เนื่องจากศิลปะการเล่นออร์แกนเป็นศิลปะแห่งการลงทะเบียนที่ดี กล่าวคือ การใช้ทรัพยากรทางเทคนิคทั้งหมดของเครื่องมืออย่างเชี่ยวชาญ

ในดนตรีออเคสตราสมัยใหม่ (โดยเฉพาะดนตรีละคร) ออร์แกนถูกใช้เพื่อวัตถุประสงค์ด้านภาพและเสียงเป็นหลัก ซึ่งจำเป็นต้องสร้างบรรยากาศในโบสถ์ขึ้นมาใหม่ ตัวอย่างเช่น Liszt ในบทกวีไพเราะ "Battle of the Huns" ใช้อวัยวะเพื่อเปรียบเทียบคนป่าเถื่อน โลกคริสเตียน.

ดูตัวอย่าง:

พิณ - เครื่องดนตรีเครื่องสายที่ดึงออกมา มีรูปร่างเป็นรูปสามเหลี่ยม ประกอบด้วย ประการแรก ตัวกล่องเรโซแนนซ์ยาวประมาณ 1 เมตร ขยายลงมาด้านล่าง รูปร่างก่อนหน้านี้เป็นรูปสี่เหลี่ยม แต่รูปร่างปัจจุบันจะโค้งมนด้านหนึ่ง มันมาพร้อมกับไวโอลินแบนซึ่งมักจะทำจากไม้เมเปิ้ลตรงกลางซึ่งมีไม้เนื้อแข็งแคบและบางติดไว้ตรงกลางตามความยาวของลำตัวซึ่งมีการเจาะรูเพื่อเจาะสายลำไส้ ประการที่สองจากส่วนบน (ในรูปของคอใหญ่) โค้งเหมือนงูติดอยู่ที่ด้านบนของลำตัวสร้างมุมแหลมด้วย หมุดติดอยู่กับส่วนนี้เพื่อเสริมความแข็งแรงให้กับสายและปรับจูน ประการที่สาม จากลำแสงด้านหน้าที่มีรูปร่างเหมือนเสา โดยมีจุดประสงค์เพื่อต้านทานแรงที่เกิดจากสายที่ยืดระหว่างฟิงเกอร์บอร์ดและตัวเสียงสะท้อน เนื่องจากในอดีตฮาร์ปมีระดับเสียงที่สำคัญอยู่แล้ว (ห้าอ็อกเทฟ) และพื้นที่สำหรับสายที่มีสเกลสีเต็มไม่เพียงพอ สายในพิณจึงถูกยืดออกเพียงเพื่อสร้างเสียงของสเกลไดโทนิกเท่านั้น บนฮาร์ปที่ไม่มีคันเหยียบ คุณสามารถเล่นได้เพียงสเกลเดียวเท่านั้น สำหรับการเพิ่มสีในสมัยก่อน สายจะต้องสั้นลงโดยการกดนิ้วกับฟิงเกอร์บอร์ด ต่อมาการกดนี้เริ่มดำเนินการโดยใช้ตะขอที่ขับเคลื่อนด้วยมือ พิณดังกล่าวไม่สะดวกอย่างยิ่งสำหรับนักแสดง ข้อบกพร่องเหล่านี้ส่วนใหญ่ถูกกำจัดโดยกลไกคันเหยียบที่คิดค้นโดย Jacob Hochbrucker ในปี 1720 ปรมาจารย์คนนี้ติดคันเหยียบเจ็ดคันไว้กับพิณโดยทำหน้าที่กับตัวนำที่ผ่านพื้นที่ว่างของคานไปยังฟิงเกอร์บอร์ดและนำตะขอเข้าไปในตำแหน่งที่ พวกเขายึดติดกับสายอย่างแน่นหนา พวกเขาสร้างการปรับปรุงสีตลอดทั้งระดับเสียงของเครื่องดนตรี

ได้ยินเสียงฟ้าร้องดังกึกก้องมาแต่ไกล ที่นี่ฟ้าร้องมากขึ้นเรื่อยๆ ฟ้าแลบวาบ ฝนเริ่มตก เสียงฝนดังขึ้น แต่พายุเฮอริเคนก็ค่อยๆ ลดลง ดวงอาทิตย์ก็ออกมา และเม็ดฝนก็ส่องลงมาภายใต้รังสีของมัน
กำลังเล่น Sixth Symphony ของ Beethoven
ฟัง! ฟ้าร้องแสดงด้วยกลองทิมปานี เสียงฝนถ่ายทอดโดยดับเบิ้ลเบสและเชลโล ไวโอลินและขลุ่ยเล่นจนดูเหมือนกับลมที่ส่งเสียงหอนอย่างบ้าคลั่ง
วงออเคสตราแสดงซิมโฟนี

ซิมโฟนีออร์เคสตรา. เรียกได้ว่าเป็นปาฏิหาริย์ทางเสียงที่สามารถถ่ายทอดได้มากที่สุด เฉดสีต่างๆเสียง
วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรามักจะมีเครื่องดนตรีมากกว่าร้อยชนิด นักดนตรีนั่งตามลำดับที่กำหนดไว้อย่างเคร่งครัด ทำให้ผู้ควบคุมวงดนตรีควบคุมวงออเคสตราได้สะดวกยิ่งขึ้น
เครื่องสายอยู่เบื้องหน้า อย่างที่เคยเป็นมา พวกมันถักทอพื้นฐานของผ้าดนตรี ซึ่งเครื่องดนตรีอื่นๆ ใช้สีและเฉดสีพร้อมกับเสียงของมัน: ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต บาสซูน ทรัมเป็ต เขาสัตว์ ทรอมโบน และเครื่องเคาะจังหวะ - กลอง กลองทิมปานี ฉิ่ง
คุณสามารถดูเครื่องดนตรีหลักของวงซิมโฟนีออร์เคสตราได้ในภาพ บางครั้งผู้แต่งแนะนำเครื่องดนตรีที่ปกติไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา นี่อาจเป็นออร์แกน เปียโน ระฆัง แทมบูรีน คาสทาเน็ต
คุณคงเคยได้ยิน "Sabre Dance" จากบัลเล่ต์ "Gayane" ของ Aram Khachaturian ท่วงทำนองหลักอย่างหนึ่งในการเต้นรำนี้คือแซกโซโฟน แซกโซโฟนเข้าสู่วงซิมโฟนีออร์เคสตราครั้งแรกเฉพาะในศตวรรษที่ 19 และตั้งแต่นั้นมาก็มักจะได้ยินในผลงานไพเราะ

เครื่องดนตรีปรากฏขึ้นเมื่อหลายศตวรรษก่อน ที่เก่าแก่ที่สุดคือกลอง - กลอง, ทอมทอม, กลองทิมปานี - อยู่ในหมู่คนดึกดำบรรพ์แล้ว แน่นอนว่าเครื่องมือก็เปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา กลองทิมปานีสมัยใหม่จึงแตกต่างจากบรรพบุรุษมาก หากก่อนหน้านี้เป็นหม้อเหล็กที่หุ้มด้วยหนังสัตว์ ตอนนี้กลองทิมปานีทำจากทองแดง ขันด้วยพลาสติก และมีการทำสกรูที่ช่วยให้ปรับจูนได้อย่างแม่นยำ
ในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา กลองเป็นพื้นฐาน จังหวะดนตรี. นอกจากนี้ยังใช้เพื่อพรรณนาถึงฟ้าร้อง ฝน การระดมยิงปืน การเดินขบวนอันศักดิ์สิทธิ์ของกองทหารในขบวนพาเหรด ฯลฯ สิ่งเหล่านี้ให้ความแข็งแกร่งและพลังแก่เสียงของวงออเคสตรา
บางคนคิดว่าการเล่นเครื่องเพอร์คัชชันไม่ใช่เรื่องยากเลย ฉันตีฉาบตรงจุดที่ต้องการ ก็แค่นั้นแหละ ที่จริงแล้ว การเล่นเครื่องดนตรีที่ดูเรียบง่ายนั้นต้องใช้ทักษะที่ยอดเยี่ยม เสียงฉาบจะแตกต่างออกไป ขึ้นอยู่กับว่าคุณตีพวกมันแรงแค่ไหน เสียงของพวกมันอาจดังทะลุทะลวงและคล้ายกับเสียงใบไม้ที่กรอบแกรบ ในบางงานฉาบจะแสดงท่อนเดี่ยว ตัวอย่างเช่นในการทาบทามแฟนตาซีของไชคอฟสกีเรื่อง "Romeo and Juliet" พวกเขานำทำนองที่สื่อถึงความเป็นปฏิปักษ์ของสองตระกูล - Montagues และ Capulets

ฉาบมักสับสนกับกลองทิมปานี แต่กลองทิมปานีเล่นในลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โดยตีด้วยไม้สักหลาด
บางทีคุณอาจคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีประเภทลมมากที่สุด คุณคงเคยเห็นมาหลายคนและได้ยินมาว่ามันฟังดูเป็นยังไง
จากนิทานและตำนานบางครั้งเราได้เรียนรู้ประวัติความเป็นมาของเครื่องดนตรี ดังนั้นตำนานกรีกโบราณเรื่องหนึ่งกล่าวว่าเทพเจ้าแห่งป่าไม้และทุ่งนาซึ่งเป็นนักบุญอุปถัมภ์ของคนเลี้ยงแกะแพนตกหลุมรักนางไม้ Syrinx แพนน่ากลัวมาก - มีกีบและเขาปกคลุมไปด้วยขน นางไม้แสนสวยหนีจากเขาไปหันไปขอความช่วยเหลือจากเทพเจ้าแห่งแม่น้ำ และเขาก็เปลี่ยน Syrinx ให้เป็นไม้อ้อ จากนั้นปานก็เป่าขลุ่ยที่มีเสียงไพเราะ
ไปป์ลิ้นของคนเลี้ยงแกะเป็นเครื่องมือลมชนิดแรกสุด เหลนของไปป์นี้คือ ฟลุต บาสซูน คลาริเน็ต และโอโบ เครื่องดนตรีเหล่านี้มีความแตกต่างกันในเรื่อง รูปร่างและฟังดูแตกต่างออกไป
โดยปกติแล้วในวงออเคสตราจะมีเครื่องดนตรีทองเหลืองอยู่ด้านหลัง
นานมาแล้ว ผู้คนสังเกตเห็นว่าหากพวกเขาเป่ากระดองหรือเขาของสัตว์ พวกเขาจะสามารถสร้างเสียงดนตรีได้ จากนั้นพวกเขาก็เริ่มสร้างเครื่องมือจากโลหะที่ดูเหมือนเขาและเปลือกหอย หลายปีผ่านไปก่อนที่จะกลายเป็นอย่างที่คุณเห็นในภาพ
นอกจากนี้ยังมีเครื่องดนตรีทองเหลืองมากมายในวงออเคสตรา ซึ่งรวมถึงทูบา เขา และทรอมโบน ที่ใหญ่ที่สุดคือทูบา เครื่องดนตรีประเภทร้องเบสนี้ยักษ์จริงๆ
ตอนนี้ดูที่ท่อ มันคล้ายกับการปลอมแปลงมาก กาลครั้งหนึ่งมีแตรเรียกทหารมาทำสงครามและเปิดวันหยุด และในวงออเคสตราเธอได้รับมอบหมายส่วนสัญญาณง่ายๆ เป็นครั้งแรก แต่แล้วกระบอกเสียงก็พัฒนาขึ้น และทรัมเป็ตก็เริ่มถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวมากขึ้นเรื่อยๆ ในบัลเล่ต์ "Swan Lake" ของ P. I. Tchaikovsky มี "การเต้นรำแบบเนเปิลส์" สังเกตว่าทรัมเป็ตเล่นเดี่ยวที่ยอดเยี่ยมมากที่นั่น

และถ้าเครื่องดนตรีทองเหลืองทั้งหมดประสานกัน ผลลัพธ์ที่ได้คือท่วงทำนองที่ทรงพลังและสง่างาม
แต่ที่สำคัญที่สุดคืออยู่ในวงออเคสตรา เครื่องสาย. มีไวโอลินหลายสิบตัวเพียงอย่างเดียว และยังมีไวโอลินตัวที่สอง เชลโล และดับเบิลเบสด้วย
เครื่องสายเป็นสิ่งสำคัญที่สุด พวกเขาเป็นผู้นำวงออเคสตราโดยแสดงทำนองหลัก
ไวโอลินเรียกว่าราชินีแห่งวงออเคสตรา คอนแชร์โตพิเศษหลายรายการได้รับการเขียนขึ้นสำหรับไวโอลิน แน่นอนว่าคุณคงเคยได้ยินเกี่ยวกับปากานินีนักไวโอลินผู้ยิ่งใหญ่มาแล้ว ในมือของนักดนตรีพ่อมดผู้นี้ ไวโอลินอันสง่างามขนาดเล็กฟังดูเหมือนวงดนตรีออร์เคสตราทั้งวง
ไวโอลินเกิดที่เมืองเครโมนาในอิตาลี ไวโอลินของปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่เก่งที่สุดอย่าง Amati, Guarneli, Stradivari และชาวรัสเซีย I. Batov, A. Lehman ถือว่าไม่มีใครเทียบได้จนถึงทุกวันนี้
ตอนนี้คุณรู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เมื่อคุณฟังเพลง พยายามแยกแยะเครื่องดนตรีด้วยเสียงของพวกเขา
แน่นอนว่าการดำเนินการนี้อาจเป็นเรื่องยากในทันที แต่จำไว้ว่าคุณเรียนรู้ที่จะอ่านได้อย่างไร คุณเริ่มต้นด้วยหนังสือเล่มเล็กๆ ง่ายๆ ได้อย่างไร จากนั้นเติบโตขึ้น เรียนรู้มากขึ้นเรื่อยๆ และเริ่มอ่านหนังสือที่จริงจังและฉลาด
คุณต้องเรียนรู้ที่จะเข้าใจดนตรีด้วย หากคุณไม่ได้เล่นด้วยตัวเอง พยายามฟังให้บ่อยขึ้น แล้วดนตรีจะเปิดเผยความลับของมันให้กับคุณ โลกแห่งเวทย์มนตร์และเทพนิยายของมัน

John Theodor Heintz Sr. “ปาร์ตี้ดนตรีที่ Melton Constable”, 1734

หัวหน้าวง State Orchestra แห่งรัสเซีย ซึ่งเป็นวาทยากร Vladimir Yurovsky อธิบายว่าวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้ามาจากไหน การเปลี่ยนแปลงเมื่อเวลาผ่านไป และการเปลี่ยนแปลงดนตรีคลาสสิก

พื้นหลัง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนรู้จักผลกระทบของเสียงเครื่องดนตรีที่มีต่ออารมณ์ของมนุษย์ เช่น การเล่นพิณ พิณ พิณ ซิทารา กามันชะ หรือฟลุตที่ทำจากกกที่เงียบแต่ไพเราะ ปลุกความรู้สึกเบิกบาน ความรัก หรือความสงบสุข และ เสียงเขาสัตว์ (เช่น โชฟาร์ภาษาฮีบรู ) หรือท่อโลหะมีส่วนทำให้เกิดความรู้สึกเคร่งขรึมและทางศาสนา

กลองและเครื่องเคาะอื่นๆ ที่เพิ่มเข้าไปในแตรและแตร ช่วยรับมือกับความกลัว และปลุกเร้าความก้าวร้าวและการสู้รบ

เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าการเล่นร่วมกันของเครื่องดนตรีที่คล้ายกันหลายอย่างไม่เพียงช่วยเพิ่มความสว่างของเสียงเท่านั้น แต่ยังส่งผลทางจิตวิทยาต่อผู้ฟังด้วย ซึ่งเป็นผลแบบเดียวกันที่เกิดขึ้นเมื่อคนจำนวนมากร้องเพลงทำนองเดียวกันด้วยกัน ดังนั้น ไม่ว่าผู้คนจะตั้งถิ่นฐานที่ไหน สมาคมนักดนตรีก็เริ่มปรากฏให้เห็น ควบคู่ไปกับการต่อสู้หรืองานพิธีสาธารณะด้วยการเล่นของพวกเขา: พิธีกรรมในวัด การแต่งงาน การฝังศพ พิธีราชาภิเษก ขบวนพาเหรดทหาร ความบันเทิงในพระราชวัง

การกล่าวถึงสมาคมดังกล่าวเป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกสามารถพบได้ใน Pentateuch ของโมเสสและในเพลงสดุดีของดาวิด: ในตอนต้นของเพลงสดุดีบางเพลงมีการอุทธรณ์ไปยังหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงพร้อมคำอธิบายว่าควรใช้เครื่องดนตรีใดประกอบ ข้อความเฉพาะ

เมโสโปเตเมียและฟาโรห์ของอียิปต์ จีนโบราณและอินเดีย กรีซและโรมมีกลุ่มนักดนตรีเป็นของตัวเอง

ในประเพณีการแสดงโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณ มีเวทีพิเศษที่นักดนตรีนั่งร่วมกับการแสดงของนักแสดงและนักเต้นด้วยการเล่นเครื่องดนตรี แท่นยกสูงดังกล่าวเรียกว่า "วงออเคสตรา" ดังนั้นสิทธิบัตรสำหรับการประดิษฐ์คำว่า "วงออเคสตรา" จึงยังคงอยู่กับชาวกรีกโบราณ แม้ว่าในความเป็นจริงแล้ววงออเคสตราจะมีอยู่ก่อนหน้านี้มากก็ตาม

ภาพเฟรสโกจากวิลล่าโรมันในเมืองบอสโกเรอาเล เมื่อ 50–40 ปีก่อนคริสตกาล จ. ภาพ – พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน

ในวัฒนธรรมยุโรปตะวันตก สมาคมนักดนตรีในฐานะวงออเคสตราไม่ได้เริ่มถูกเรียกในทันที ในตอนแรกในยุคกลางและยุคเรอเนซองส์เรียกว่าโบสถ์น้อย

ชื่อนี้เกี่ยวข้องกับสถานที่เฉพาะที่มีการแสดงดนตรี โบสถ์ดังกล่าวในตอนแรกเป็นโบสถ์ของโบสถ์ และจากนั้นก็เป็นโบสถ์ในศาล และยังมีโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่นด้วย

โบสถ์เหล่านี้แทบจะเป็นปรากฏการณ์ครั้งใหญ่ และถึงแม้ว่าระดับของนักแสดงในหมู่บ้านและเครื่องดนตรีของพวกเขาจะไม่สามารถเปรียบเทียบกับศาลมืออาชีพและโบสถ์ในวัดได้ แต่อิทธิพลของประเพณีของหมู่บ้านและดนตรีบรรเลงพื้นบ้านในเมืองในเวลาต่อมาที่มีต่อนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่และวัฒนธรรมดนตรียุโรปโดยรวมก็ไม่ควรถูกมองข้าม

ดนตรีของ Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ได้รับการปฏิสนธิตามประเพณีอย่างแท้จริง เครื่องดนตรีพื้นบ้านกำลังเล่นเพลงผ้าลินิน

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมโบราณ ในยุโรปไม่มีการแบ่งแยกระหว่างดนตรีร้องและดนตรีบรรเลง

เริ่มต้นตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น คริสตจักรคริสเตียนปกครองทุกสิ่ง และดนตรีบรรเลงในคริสตจักรพัฒนาเป็นเพลงประกอบ สนับสนุนพระวจนะซึ่งมีชัยเสมอ - ท้ายที่สุดแล้ว "ในปฐมกาลคือพระวาทะ" ดังนั้นโบสถ์ในยุคแรกจึงเป็นทั้งคนที่ร้องเพลงและคนที่ติดตามนักร้อง

เมื่อถึงจุดหนึ่งคำว่า "วงออเคสตรา" ก็ปรากฏขึ้น ถึงแม้จะไม่ใช่ทุกที่ในเวลาเดียวกันก็ตาม ตัวอย่างเช่น ในเยอรมนี คำนี้เกิดขึ้นช้ากว่าในประเทศโรมานซ์มาก ในอิตาลี วงออเคสตราหมายถึงเครื่องดนตรีเสมอ ไม่ใช่ส่วนที่เป็นเสียงร้องของดนตรี

คำว่าวงออเคสตรายืมมาจากประเพณีกรีกโดยตรง วงออเคสตราของอิตาลีถือกำเนิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16–17 พร้อมกับการถือกำเนิดของแนวโอเปร่า และเนื่องจากความนิยมเป็นพิเศษของประเภทนี้ คำนี้จึงเอาชนะคนทั้งโลกได้อย่างรวดเร็ว ดังนั้นจึงปลอดภัยที่จะกล่าวได้ว่าดนตรีออเคสตราสมัยใหม่มีสองแหล่งที่มา: วัดและโรงละคร

มิสซาคริสต์มาส ภาพย่อจาก Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry โดยพี่น้อง Limburg ศตวรรษที่ 15 รูปภาพ – R.-G. โอเจดา, พิพิธภัณฑ์กงเด. นางสาว. 65/1284 โฟล. 158r

และในประเทศเยอรมนี เป็นเวลานานยึดตามชื่อ "โบสถ์" ในยุคกลาง-เรอเนซองส์

จนถึงศตวรรษที่ 20 วงออร์เคสตร้าในศาลของเยอรมันจำนวนมากถูกเรียกว่าห้องสวดมนต์ หนึ่งในวงออเคสตราที่เก่าแก่ที่สุดในโลกคือโบสถ์ Saxon State (และในอดีตคือ Saxon Court) ในเมืองเดรสเดน

มีประวัติย้อนกลับไปมากกว่า 400 ปี เธอปรากฏตัวที่ศาลของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวแซ็กซอนซึ่งชื่นชมความงามมาโดยตลอดและนำหน้าเพื่อนบ้านในเรื่องนี้ นอกจากนี้ยังมีโบสถ์แห่งรัฐเบอร์ลินและไวมาร์ รวมถึงโบสถ์ Meiningen Court Chapel ที่มีชื่อเสียง ซึ่ง Richard Strauss เริ่มเป็น Kapellmeister (ปัจจุบันเป็นผู้ควบคุมวง)

อย่างไรก็ตามคำภาษาเยอรมัน "kapellmeister" (ปรมาจารย์แห่งโบสถ์) ในปัจจุบันบางครั้งนักดนตรียังคงใช้เทียบเท่ากับคำว่า "ผู้ควบคุมวง" แต่บ่อยครั้งในเชิงเสียดสีบางครั้งก็ถึงกับ ในแง่ลบ(ในความหมายของช่างฝีมือ ไม่ใช่ศิลปิน) และในสมัยนั้นคำนี้ออกเสียงด้วยความเคารพ เป็นชื่อของอาชีพที่ซับซ้อน: “ผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียงหรือวงออเคสตราที่แต่งดนตรีด้วย”

จริงอยู่ที่ในวงออเคสตราบางแห่งในเยอรมนีคำนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เพื่อใช้เป็นการกำหนดตำแหน่ง - ตัวอย่างเช่นใน Leipzig Gewandhaus Orchestra หัวหน้าวาทยากรยังคงเรียกว่า "Gewandhaus Kapellmeister"

ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องประดับราชสำนัก

วงออเคสตราของยุคเรอเนซองส์และต่อมาวงออเคสตร้าแบบบาโรกส่วนใหญ่เป็นวงออเคสตร้าในศาลหรือในโบสถ์ จุดประสงค์ของพวกเขาคือเพื่อติดตามการนมัสการหรือเพื่อเอาใจและให้ความบันเทิงกับพลังที่เป็นอยู่

อย่างไรก็ตาม ผู้ปกครองศักดินาหลายคนมีความรู้สึกด้านสุนทรียภาพที่ค่อนข้างพัฒนา และนอกจากนี้ พวกเขายังชอบที่จะอวดกันและกันอีกด้วย บางคนโอ้อวดเรื่องกองทัพ บางคนมีสถาปัตยกรรมที่หรูหรา บางคนจัดสวน และบางคนเปิดโรงละครหรือวงออเคสตราในศาล

พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ใน Royal Ballet of the Night โดย Jean Baptiste Lully ภาพร่างโดยอองรี เดอ กิสเซอ ค.ศ. 1653
ในการผลิต กษัตริย์รับบทเป็นพระอาทิตย์ขึ้น
ภาพถ่าย - วิกิมีเดียคอมมอนส์

ตัวอย่างเช่น กษัตริย์หลุยส์ที่ 14 แห่งฝรั่งเศสมีวงออร์เคสตราสองวง ได้แก่ วง Ensemble of the Royal Stable ซึ่งประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเคาะจังหวะ และวงที่เรียกว่า "24 Violins of the King" นำโดยนักแต่งเพลงชื่อดัง Jean Baptiste Lully ซึ่งร่วมมือกับ Moliere และลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้สร้างโอเปร่าฝรั่งเศสและเป็นผู้ควบคุมวงมืออาชีพคนแรก

ภายหลัง กษัตริย์อังกฤษ Charles II (บุตรชายของ Charles I ที่ถูกประหารชีวิต) ซึ่งกลับมาจากฝรั่งเศสในช่วงการฟื้นฟูสถาบันกษัตริย์ในปี 1660 ยังได้สร้างสรรค์ "ไวโอลินของกษัตริย์ 24 อัน" ของเขาใน Royal Chapel ตามแบบจำลองของฝรั่งเศส

Chapel Royal มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 และถึงจุดสูงสุดในรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 ผู้จัดพิธีในราชสำนัก ได้แก่ วิลเลียม เบิร์ด และโธมัส ทัลลิส และที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 เฮนรี่ เพอร์เซลล์ นักแต่งเพลงชาวอังกฤษผู้เก่งกาจรับหน้าที่ โดยรวมตำแหน่งออร์แกนในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์และในรอยัลชาเปล

ในช่วงศตวรรษที่ 16-17 ในอังกฤษ มีชื่อเฉพาะอีกชื่อหนึ่งสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งมักจะเป็นชื่อวงเล็กๆ ที่เรียกว่า "มเหสี" ในยุคบาโรกตอนหลัง คำว่า "มเหสี" เลิกใช้ และแนวคิดของแชมเบอร์มิวสิคซึ่งก็คือดนตรี "ในห้อง" ก็เข้ามาแทนที่

ความบันเทิงรูปแบบบาโรกจึงกลายเป็น ปลายศตวรรษที่ 17 - ต้น XVIIIศตวรรษที่หรูหรายิ่งขึ้น และเป็นไปไม่ได้อีกต่อไปที่จะใช้เครื่องมือจำนวนไม่มากนัก ลูกค้าต้องการ "เครื่องมือที่แพงขึ้นเรื่อยๆ" แม้ว่าแน่นอนว่าทุกอย่างขึ้นอยู่กับความมีน้ำใจของ “ผู้อุปถัมภ์ผู้มีชื่อเสียง”

หากบาคถูกบังคับให้เขียนจดหมายถึงอาจารย์ของเขา โดยชักชวนให้พวกเขาจัดสรรไวโอลินอย่างน้อยสองหรือสามตัวต่อเครื่องดนตรี จากนั้นที่ฮันเดล ในเวลาเดียวกัน นักโอโบ 24 คน นักบาสซูน 12 คน ผู้เล่นแตร 9 คนก็เข้าร่วมในการแสดงครั้งแรกของ “ ดนตรีสำหรับพลุดอกไม้ไฟ” , นักเป่าแตร 9 คนและนักเล่นกลอง 3 คน (นั่นคือนักดนตรี 57 คนสำหรับ 13 ส่วนที่กำหนด)

และการแสดงเพลง “Messiah” ของฮันเดลในลอนดอนในปี พ.ศ. 2327 มีผู้เข้าร่วม 525 คน (อย่างไรก็ตาม กิจกรรมนี้ย้อนกลับไปในยุคต่อมาเมื่อผู้แต่งเพลงไม่ได้มีชีวิตอยู่อีกต่อไป) นักเขียนสไตล์บาโรกส่วนใหญ่เขียนโอเปร่า และวงดุริยางค์โอเปร่าของโรงละครก็เป็นห้องทดลองสร้างสรรค์สำหรับนักประพันธ์เพลงมาโดยตลอด ซึ่งเป็นสถานที่สำหรับการทดลองทุกประเภท รวมถึงเครื่องดนตรีที่แปลกตาด้วย

ชุดนักรบจาก The Royal Ballet of the Night ภาพร่างโดยอองรี เดอ กิสเซอ ค.ศ. 1653 รูปถ่าย -
วิกิมีเดียคอมมอนส์

ตัวอย่างเช่น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 มอนเตเวร์ดีได้นำท่อนทรอมโบนมาใช้กับวงออร์เคสตราของโอเปร่า "Orpheus" ของเขา ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าเรื่องแรกๆ ในประวัติศาสตร์ เพื่อพรรณนาถึงความโกรธเกรี้ยวอันชั่วร้าย

ตั้งแต่สมัยของ Florentine Camerata (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16–17) วงออเคสตราใดๆ ก็ตามมีส่วนที่ต่อเนื่องแบบเบสโซ ซึ่งเล่นโดยนักดนตรีทั้งกลุ่มและบันทึกไว้ในบรรทัดเดียวในโน๊ตเบส

ตัวเลขที่อยู่ใต้เส้นเบสบ่งบอกถึงลำดับฮาร์มอนิกบางอย่าง และนักแสดงต้องปรับแต่งพื้นผิวดนตรีและการตกแต่งทั้งหมด กล่าวคือ สร้างใหม่อีกครั้งในการแสดงแต่ละครั้ง และองค์ประกอบก็แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับว่ามีเครื่องดนตรีอะไรบ้างในโบสถ์แห่งใดแห่งหนึ่ง

จำเป็นต้องมีเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดตัวเดียวซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นฮาร์ปซิคอร์ดในดนตรีของคริสตจักรเครื่องดนตรีดังกล่าวส่วนใหญ่มักเป็นออร์แกน สายธนูหนึ่งเส้น - เชลโล, วิโอลาดากัมบาหรือวิโอโลน (บรรพบุรุษของดับเบิลเบสสมัยใหม่); ดึงสายหนึ่งเส้น - ลูทหรือทฤษฎีออร์โบ

แต่บังเอิญว่าในกลุ่ม Basso Continuo มีผู้เล่นหกหรือเจ็ดคนเล่นพร้อมกัน รวมถึงฮาร์ปซิคอร์ดหลายตัว (Purcell และ Rameau มีสามหรือสี่ตัวในนั้น)

ในศตวรรษที่ 19 คีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาหายไปจากวงออเคสตรา แต่กลับปรากฏขึ้นอีกครั้งในศตวรรษที่ 20 และตั้งแต่ช่วงทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา วงซิมโฟนีออร์เคสตราก็เป็นไปได้ที่จะใช้เครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดที่มีอยู่ในโลก ซึ่งถือเป็นความยืดหยุ่นในแนวทางการเล่นเครื่องดนตรีแบบบาโรก ดัง​นั้น เรา​จึง​ถือ​ได้​ว่า​ยุค​บาโรก​ให้​กำเนิด​วง​ออเคสตรา​สมัยใหม่.

เครื่องมือวัด การปรับแต่ง สัญกรณ์

ผู้ฟังสมัยใหม่มักจะเชื่อมโยงคำว่า "วงออเคสตรา" กับข้อความที่ตัดตอนมาจากดนตรีของ Beethoven, Tchaikovsky หรือ Shostakovich ด้วยเสียงที่นุ่มนวลและยิ่งใหญ่ในเวลาเดียวกันซึ่งตราตรึงอยู่ในความทรงจำของเราจากการฟังออเคสตร้าสมัยใหม่ ทั้งการแสดงสดและการบันทึก

ภาพย่อจากคำอธิบายเรื่อง Apocalypse of Beatus of Lieban ในรายชื่ออาราม San Millan de la Cogoglia, 900-950 รูปภาพ – ห้องสมุด Serafín Estébanez Calderón de San Millán de la Cogolla

แต่วงออเคสตราไม่ได้ฟังแบบนี้เสมอไป ท่ามกลางความแตกต่างมากมายระหว่างออเคสตร้าโบราณและสมัยใหม่ สิ่งสำคัญคือเครื่องดนตรีที่นักดนตรีใช้

โดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องดนตรีทุกชนิดให้เสียงที่เงียบกว่าเครื่องดนตรีสมัยใหม่มาก เนื่องจากห้องที่ใช้แสดงดนตรี (โดยทั่วไป) มีขนาดเล็กกว่าห้องแสดงคอนเสิร์ตสมัยใหม่อย่างเห็นได้ชัด

และไม่มีเสียงนกหวีดจากโรงงาน ไม่มีกังหันนิวเคลียร์ ไม่มีเครื่องยนต์สันดาปภายใน ไม่มีเครื่องบินความเร็วเหนือเสียง - เสียงโดยรวมของชีวิตมนุษย์เงียบกว่าทุกวันนี้หลายเท่า ปริมาตรของมันยังวัดได้จากปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ ได้แก่ เสียงคำรามของสัตว์ป่า เสียงฟ้าร้องฟ้าร้อง เสียงคำรามของน้ำตก เสียงต้นไม้ล้มหรือเสียงดินถล่มบนภูเขา และเสียงคำรามของฝูงชนใน จัตุรัสกลางเมืองในวันงาน ดังนั้นดนตรีจึงสามารถแข่งขันกันด้วยความสดใสกับธรรมชาติเท่านั้น

สายที่ใช้ดึงเครื่องสายทำจากเอ็นวัว (ปัจจุบันทำจากโลหะ) ส่วนคันชักมีขนาดเล็กกว่า เบากว่า และมีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย ด้วยเหตุนี้ เสียงของสายจึง "อุ่นขึ้น" แต่ "นุ่มนวล" น้อยกว่าในปัจจุบัน

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ไม่มีวาล์วและอุปกรณ์ทางเทคนิคที่ทันสมัยทั้งหมดที่ช่วยให้เล่นได้อย่างมั่นใจและแม่นยำยิ่งขึ้น เครื่องเป่าลมไม้ในยุคนั้นฟังดูเป็นเสียงต่ำเป็นเอกเทศ บางครั้งก็ค่อนข้างผิด (ทุกอย่างขึ้นอยู่กับทักษะของนักแสดง) และเงียบกว่าเครื่องสมัยใหม่หลายเท่า

เครื่องดนตรีทองเหลืองล้วนเป็นธรรมชาติ กล่าวคือ สามารถสร้างเสียงได้ในระดับที่เป็นธรรมชาติเท่านั้น ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเพียงพอที่จะแสดงเสียงประโคมสั้นๆ เท่านั้น แต่ไม่ใช่ทำนองที่ขยายออกไป

หนังสัตว์ถูกขึงไว้บนกลองและกลองเคทเทิลดรัม (แนวทางปฏิบัตินี้ยังคงมีอยู่จนทุกวันนี้ แม้ว่าเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเยื่อหุ้มพลาสติกจะมีมานานแล้วก็ตาม)

โดยทั่วไปการปรับจูนวงออเคสตราจะต่ำกว่าปัจจุบัน - โดยเฉลี่ยครึ่งโทนเสียงและบางครั้งก็เป็นโทนเสียงทั้งหมด แต่ที่นี่ก็ไม่มีกฎตายตัว: สเกลของโทนเสียง A ของอ็อกเทฟแรก (ซึ่งออเคสตราได้รับการปรับตามธรรมเนียม) ที่ราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 คือ 392 ในระดับเฮิรตซ์

ที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 เสียง A ได้รับการปรับจาก 400 เป็น 408 เฮิรตซ์ ในเวลาเดียวกัน อวัยวะในวัดมักได้รับการปรับโทนเสียงให้สูงกว่าฮาร์ปซิคอร์ดที่ตั้งอยู่ในห้องพระราชวัง (อาจเป็นเพราะความร้อน เนื่องจากความร้อนแห้งทำให้เครื่องสายเร่งเสียงขึ้น และความเย็นบน ตรงกันข้าม จะลดระดับลง ในเครื่องมือลม มักสังเกตแนวโน้มย้อนกลับ)

ดังนั้นในสมัยของ Bach จึงมีสองระบบหลัก: ที่เรียกว่า kammer tone ("tuning fork" สมัยใหม่เป็นคำที่มาจากมัน) นั่นคือ "room tone" และ orgel tone นั่นคือ , “ระบบอวัยวะ” (หรือที่เรียกว่า “โทนเสียงประสานเสียง”) ") และการปรับจูนห้องของ A คือ 415 เฮิรตซ์ และการปรับจูนออร์แกนจะสูงกว่าเสมอและบางครั้งก็สูงถึง 465 เฮิรตซ์

และถ้าเราเปรียบเทียบกับสเกลคอนเสิร์ตสมัยใหม่ (440 เฮิรตซ์) อันแรกจะต่ำกว่าครึ่งโทนและอันที่สองสูงกว่าอันสมัยใหม่ครึ่งโทน

ดังนั้นในบทเพลงของบาคบางเพลงที่เขียนโดยคำนึงถึงระบบอวัยวะ ผู้เขียนจึงเขียนบทต่างๆ ของเครื่องลมโดยทันทีในการขนย้าย นั่นคือสูงกว่าท่อนของคณะนักร้องประสานเสียงและบาสโซต่อเนื่องครึ่งก้าว

นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าเครื่องลมซึ่งส่วนใหญ่ใช้ในดนตรีแชมเบอร์ในศาลไม่ได้ถูกปรับให้เข้ากับการปรับจูนออร์แกนที่สูงขึ้น (ฟลุตและโอโบอาจต่ำกว่าโทนคัมเมอร์เล็กน้อยด้วยซ้ำดังนั้นจึงมีหนึ่งในสามด้วยซ้ำ - เสียงคัมเมอร์ต่ำ) โทน) และหากวันนี้คุณพยายามเล่นแคนทาทาจากโน้ตโดยไม่รู้สิ่งนี้ คุณจะจบลงด้วยเสียงขรมที่ผู้เขียนไม่ได้ตั้งใจ

สถานการณ์นี้ด้วยระบบ "ลอยตัว" ยังคงมีอยู่ในโลกจนถึงสงครามโลกครั้งที่สองนั่นคือไม่เพียง แต่ในประเทศต่าง ๆ เท่านั้น แต่ยังอยู่ในเมืองต่าง ๆ ของประเทศเดียวกันด้วย ระบบอาจแตกต่างกันอย่างมาก

ในปีพ.ศ. 2402 รัฐบาลฝรั่งเศสได้พยายามครั้งแรกในการสร้างมาตรฐานการจูนโดยผ่านกฎหมายที่อนุมัติการปรับจูน A - 435 เฮิรตซ์ แต่ในประเทศอื่น ๆ การปรับจูนยังคงแตกต่างอย่างมาก

เฉพาะในปี 1955 เท่านั้นที่องค์การระหว่างประเทศเพื่อการมาตรฐานได้นำกฎหมายว่าด้วยสนามคอนเสิร์ต 440 เฮิรตซ์ ซึ่งยังคงใช้บังคับมาจนทุกวันนี้

ไฮน์ริช อิกนาซ บีเบอร์. แกะสลักจากปี 1681 ภาพถ่าย - วิกิมีเดียคอมมอนส์

นักเขียนสไตล์บาโรกและคลาสสิกยังได้ดำเนินการอื่นๆ ในสาขาโครงสร้างที่เกี่ยวข้องกับดนตรีสำหรับเครื่องสายอีกด้วย เรากำลังพูดถึงเทคนิคที่เรียกว่า "scordatura" ซึ่งก็คือ "การจัดเรียงสายใหม่" ในเวลาเดียวกัน เครื่องสายบางสาย เช่น ไวโอลินหรือวิโอลา ได้รับการปรับให้มีช่วงห่างที่แตกต่างจากปกติสำหรับเครื่องดนตรี

ด้วยเหตุนี้ผู้แต่งจึงสามารถใช้งานได้ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับโทนเสียงของการเรียบเรียง ปริมาณมากเครื่องสายแบบเปิด ซึ่งทำให้เสียงสะท้อนของเครื่องดนตรีดีขึ้น แต่สกอร์ทาทูร่านี้มักจะไม่ได้บันทึกด้วยเสียงจริง แต่เป็นการขนย้าย ดังนั้น หากไม่มีการเตรียมเครื่องดนตรีเบื้องต้น (และนักแสดง) จึงเป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงองค์ประกอบดังกล่าวอย่างเหมาะสม

ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของ scordatura คือวงจรของโซนาตาไวโอลิน "Rosary (Mysteries)" โดย Heinrich Ignaz Biber (1676)

ระหว่างยุคเรอเนซองส์และยุคบาโรกตอนต้น รูปแบบต่างๆ และคีย์ในยุคหลังๆ ที่ผู้แต่งสามารถเขียนได้นั้นถูกจำกัดด้วยอุปสรรคตามธรรมชาติ ชื่อของแผงกั้นนี้คือลูกน้ำพีทาโกรัส

พีทาโกรัส นักวิทยาศาสตร์ชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่เป็นคนแรกที่เสนอเครื่องมือปรับแต่งในห้าส่วนที่สมบูรณ์แบบ ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงแรกของมาตราส่วนธรรมชาติ แต่ปรากฎว่าหากคุณปรับเครื่องสายในลักษณะนี้หลังจากผ่านวงกลมที่ห้าเต็ม (สี่อ็อกเทฟ) โน้ตที่คมชัดของ B จะฟังดูสูงกว่า C มาก และตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีและนักวิทยาศาสตร์ได้พยายามค้นหาระบบที่เหมาะสำหรับการปรับแต่งเครื่องดนตรี ซึ่งสามารถเอาชนะข้อบกพร่องตามธรรมชาติในระดับธรรมชาติ - ความไม่สม่ำเสมอของมันได้ ซึ่งจะช่วยให้สามารถใช้โทนเสียงทั้งหมดได้อย่างเท่าเทียมกัน

แต่ละยุคมีระบบการก่อสร้างของตัวเอง และแต่ละระบบก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ซึ่งดูเหมือนไม่เข้ากับหูของเรา ซึ่งคุ้นเคยกับเสียงของเปียโนสมัยใหม่

นับตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดได้รับการปรับแต่งให้มีสเกลที่สม่ำเสมอ โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 12 เซมิโทนที่เท่ากันอย่างสมบูรณ์แบบ การปรับจูนที่สม่ำเสมอเป็นการประนีประนอมที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณสมัยใหม่ ซึ่งทำให้สามารถแก้ไขปัญหาลูกน้ำพีทาโกรัสได้ครั้งแล้วครั้งเล่า แต่เสียสละความงามตามธรรมชาติของเสียงในสามและห้าที่บริสุทธิ์ นั่นคือ ไม่มีช่วงใดเลย (ยกเว้นอ็อกเทฟ) ที่เล่นโดยเปียโนสมัยใหม่ที่สอดคล้องกับสเกลธรรมชาติ และในระบบการปรับแต่งจำนวนมากที่มีอยู่ตั้งแต่ยุคกลางตอนปลาย ช่วงเวลาบริสุทธิ์จำนวนหนึ่งยังคงอยู่ เนื่องจากโทนเสียงทั้งหมดได้รับเสียงที่คมชัดของแต่ละบุคคล

แม้กระทั่งหลังจากการประดิษฐ์อารมณ์ที่ดี (ดู Well-Tempered Clavier ของ Bach) ซึ่งทำให้สามารถใช้คีย์ทั้งหมดบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนได้ ตัวคีย์เองก็ยังคงมีสีของแต่ละบุคคลอยู่

ดังนั้นการเกิดขึ้นของพื้นฐาน ดนตรีพิสดารทฤษฎีผลกระทบตามที่วิธีการแสดงออกทางดนตรีทั้งหมด - ทำนอง, ความสามัคคี, จังหวะ, จังหวะ, พื้นผิวและการเลือกโทนเสียงนั้นมีความเกี่ยวข้องโดยธรรมชาติกับสภาวะทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจง ยิ่งกว่านั้น น้ำเสียงเดียวกันอาจฟังดูเป็นการอภิบาล ไร้เดียงสาหรือเย้ายวน น่าเศร้าโศกเศร้าหรือน่าสะพรึงกลัวอย่างเคร่งขรึม ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับระบบที่ใช้ในขณะนี้

สำหรับผู้แต่ง การเลือกโทนเสียงเฉพาะนั้นเชื่อมโยงกับอารมณ์บางชุดอย่างแยกไม่ออกจนกระทั่งถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18–19 ยิ่งไปกว่านั้น หากสำหรับ Haydn D major ฟังดูเหมือน “การขอบพระคุณอย่างยิ่งใหญ่ การสู้รบ” ดังนั้นสำหรับ Beethoven ก็ฟังดูเหมือน “ความเจ็บปวด ความเศร้าโศก หรือการเดินขบวน”

Haydn เชื่อมโยง E major กับ "ความคิดเรื่องความตาย" และสำหรับ Mozart มันหมายถึง "ความยิ่งใหญ่ที่เคร่งขรึมและประเสริฐ" (คำกล่าวทั้งหมดนี้เป็นคำพูดจากผู้แต่งเอง) ดังนั้นในบรรดาคุณธรรมบังคับของนักดนตรีที่แสดงดนตรีโบราณก็คือระบบความรู้ทางดนตรีและวัฒนธรรมทั่วไปหลายมิติซึ่งช่วยให้เราสามารถรับรู้โครงสร้างทางอารมณ์และ "รหัส" ของผลงานต่าง ๆ ของผู้เขียนต่าง ๆ และในขณะเดียวกันก็มีความสามารถในการทางเทคนิค ใช้สิ่งนี้ในเกม

นอกจากนี้ยังมีปัญหาเกี่ยวกับสัญกรณ์ด้วย: ผู้แต่งในศตวรรษที่ 17-18 จงใจเขียนข้อมูลเพียงบางส่วนที่เกี่ยวข้องกับผลงานที่กำลังจะมาถึง การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่างเล็กน้อย การเปล่งเสียง และการตกแต่งอันวิจิตรงดงามเป็นพิเศษ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์แบบบาโรก ทั้งหมดนี้เหลือไว้เพื่อ เลือกฟรีนักดนตรีที่กลายเป็นผู้ร่วมสร้างนักแต่งเพลงและไม่ใช่แค่ผู้ปฏิบัติตามพินัยกรรมของเขาเท่านั้น

ดังนั้น การแสดงดนตรีบาโรกและดนตรีคลาสสิกยุคแรกอย่างเชี่ยวชาญอย่างแท้จริงด้วยเครื่องดนตรีโบราณจึงเป็นงานที่ยากไม่น้อย (ถ้าไม่มากกว่า) กว่าความเชี่ยวชาญด้านดนตรีในยุคหลังด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่

เมื่อผู้ที่ชื่นชอบการแสดงเครื่องดนตรีโบราณกลุ่มแรก (“นักพิสูจน์ตัวจริง”) ปรากฏตัวเมื่อ 60 กว่าปีที่แล้ว พวกเขามักจะพบกับความเกลียดชังในหมู่เพื่อนร่วมงาน ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความเฉื่อยของนักดนตรีในโรงเรียนแบบดั้งเดิม และส่วนหนึ่งเป็นเพราะทักษะที่ไม่เพียงพอของผู้บุกเบิกความแท้จริงทางดนตรีเอง

ในแวดวงดนตรี มีทัศนคติที่น่าขันต่อพวกเขาในฐานะผู้แพ้ที่ไม่สามารถหาประโยชน์ให้กับตัวเองได้ดีไปกว่าการร้องคร่ำครวญอย่างคร่ำครวญบน "ไม้แห้ง" (เครื่องเป่าลมไม้) หรือ "เศษโลหะที่เป็นสนิม" (ทองเหลือง)

และท่าทีนี้ (น่าเสียใจอย่างแน่นอน) ยังคงอยู่จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้จนเป็นที่ชัดเจนว่าระดับการเล่นเครื่องดนตรีโบราณได้เพิ่มขึ้นเกินกว่า ทศวรรษที่ผ่านมามากเสียจนอย่างน้อยในสาขาดนตรีบาโรกและดนตรีคลาสสิกยุคแรกๆ บรรดาผู้เชื่อถือความถูกต้องได้ติดตามและก้าวข้ามวงออเคสตร้าสมัยใหม่ที่มีเสียงน่าเบื่อและครุ่นคิดมาเป็นเวลานานแล้ว

แนวเพลงและรูปแบบออเคสตรา

เช่นเดียวกับที่คำว่า "วงออเคสตรา" ไม่ได้หมายถึงสิ่งที่เราหมายถึงในปัจจุบันเสมอไป ดังนั้นคำว่า "ซิมโฟนี" และ "คอนเสิร์ต" ในตอนแรกจึงมีความหมายที่แตกต่างกันเล็กน้อย และเมื่อเวลาผ่านไปเท่านั้นที่พวกเขาได้รับความหมายสมัยใหม่

คอนเสิร์ต

คำว่า "คอนเสิร์ต" มีต้นกำเนิดที่เป็นไปได้หลายประการ นิรุกติศาสตร์สมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะแปลว่า "ตกลง" จากคอนเสิร์ตของชาวอิตาลี หรือ "ร้องเพลงร่วมกัน เพื่อสรรเสริญ" จากภาษาละติน concinere หรือ concino การแปลที่เป็นไปได้อีกอย่างหนึ่งคือ "ข้อพิพาทการแข่งขัน" จากคอนเสิร์ตละติน: นักแสดงแต่ละคน (ศิลปินเดี่ยวหรือกลุ่มศิลปินเดี่ยว) แข่งขันดนตรีกับกลุ่ม (วงออเคสตรา)

รายละเอียดภาพวาดของปิแอร์ มูเชรองกับครอบครัวของเขา ค.ศ. 1563 ไม่ทราบผู้เขียน ภาพถ่าย – Rijksmuseum อัมสเตอร์ดัม

ในช่วงต้นยุคบาโรก คอนแชร์โตมักถูกเรียกว่างานร้องและเครื่องดนตรี ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อแคนตาตา - จากภาษาละติน คันโต แคนตาเร (“ร้องเพลง”) เมื่อเวลาผ่านไป คอนแชร์โตก็กลายเป็นแนวเพลงบรรเลงล้วนๆ (แม้ว่าในบรรดาผลงานของศตวรรษที่ 20 ก็ยังพบสิ่งที่หายากเช่น Concerto for Voice and Orchestra ของ Reinhold Gliere)

ยุคบาโรกสร้างความแตกต่างระหว่างคอนเสิร์ตเดี่ยว (เครื่องดนตรีหนึ่งเครื่องและวงออเคสตราที่ประกอบขึ้นด้วย) และ "แกรนด์คอนแชร์โต" (คอนเสิร์ตกรอสโซ) ซึ่งดนตรีถูกส่งผ่านระหว่างศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็กๆ (คอนเสิร์ต) และกลุ่มที่มีเครื่องดนตรีมากกว่า ( ripianoนั่นคือ "การบรรจุ", "การเติม")

นักดนตรีของกลุ่ม Ripieno ถูกเรียกว่า Ripienistas เป็นนักริเปียนนิสต์เหล่านี้ที่กลายเป็นรุ่นก่อนของผู้เล่นออเคสตราสมัยใหม่ ริปิเอโนใช้เฉพาะเครื่องสายเท่านั้น เช่นเดียวกับบาสโซคอนตินูโอ และศิลปินเดี่ยวอาจแตกต่างกันมาก: ไวโอลิน, เชลโล, โอโบ, เครื่องบันทึก, บาสซูน, วิโอลาดามอเร, ลูต, แมนโดลิน ฯลฯ

คอนเสิร์ตคอนแชร์โตกรอสโซมีอยู่สองประเภท: concerto da chiesa (“คอนเสิร์ตของโบสถ์”) และ concerto da camera (“คอนเสิร์ตแชมเบอร์”) ทั้งสองถูกนำมาใช้โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Arcangelo Corelli ผู้แต่งวงคอนแชร์โต 12 ชุด (1714) วัฏจักรนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อฮันเดล ซึ่งทำให้เรามีคอนเสิร์ตคอนแชร์โตกรอสโซสองรอบซึ่งได้รับการยกย่องว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้ คอนแชร์โต Brandenburg ของ Bach ยังมีคุณลักษณะที่ชัดเจนของคอนแชร์โตกรอสโซ

ความรุ่งเรืองของการบรรยายแบบบาโรกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของอันโตนิโอ วิวัลดี ซึ่งในช่วงชีวิตของเขาได้แต่งคอนแชร์โตมากกว่า 500 รายการสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ พร้อมด้วยเครื่องสายและบาสโซต่อเนื่อง (แม้ว่าเขาจะเขียนโอเปร่ามากกว่า 40 รายการก็ตาม เพลงประสานเสียงของโบสถ์จำนวนมากและ ซิมโฟนีบรรเลง)

ตามกฎแล้วการแสดงดนตรีแบ่งเป็นสามส่วนโดยมีจังหวะสลับกัน: เร็ว - ช้า - เร็ว; โครงสร้างนี้มีความโดดเด่นในตัวอย่างคอนเสิร์ตบรรเลงในเวลาต่อมา - จนถึงต้นศตวรรษที่ 21

ที่สุด การสร้างที่มีชื่อเสียงวิวัลดีกลายเป็นวงจร "The Seasons" (1725) สำหรับไวโอลินและวงออเคสตราเครื่องสาย ซึ่งแต่ละคอนเสิร์ตจะมีบทกวีนำหน้า (อาจเขียนโดยวิวาลดีเอง) บทกวีบรรยายถึงอารมณ์และเหตุการณ์หลักๆ ในแต่ละฤดูกาล ซึ่งจากนั้นก็รวมอยู่ในดนตรีด้วย คอนเสิร์ตทั้งสี่นี้ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของคอนเสิร์ต 12 รายการที่เรียกว่า "การประกวดความสามัคคีและการประดิษฐ์" ถือเป็นรายการเพลงชุดแรกๆ ในปัจจุบัน

ฮันเดลและบาคยังคงสานต่อและพัฒนาประเพณีนี้ นอกจากนี้ ฮันเดลยังได้แต่งออร์แกนคอนแชร์โต 16 ชิ้น และบาคนอกเหนือจากคอนเสิร์ตแบบดั้งเดิมสำหรับไวโอลินหนึ่งและสองตัวในเวลานั้น ยังได้เขียนคอนเสิร์ตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งจนถึงขณะนี้เป็นเพียงเครื่องดนตรีของกลุ่มบาสโซคอนตินูโอเท่านั้น ดังนั้นบาคจึงถือได้ว่าเป็นต้นกำเนิดของเปียโนคอนแชร์โตสมัยใหม่

ซิมโฟนี

อเลสซานโดร สการ์ลัตติ.
ภาพถ่าย – วิกิมีเดียคอมมอนส์

ซิมโฟนีแปลจากภาษากรีกแปลว่า "ความสอดคล้อง", "เสียงร่วม" ในประเพณีกรีกโบราณและยุคกลาง ซิมโฟนีเป็นชื่อที่มอบให้กับความไพเราะของความสามัคคี (ในภาษาดนตรีในปัจจุบัน - ความสอดคล้อง) และในเวลาต่อมา เครื่องดนตรีต่าง ๆ เริ่มถูกเรียกว่าซิมโฟนี เช่น ขิม hurdy-gurdy, พิณหรือพรหมจารี

และเมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 คำว่า "ซิมโฟนี" ก็เริ่มถูกนำมาใช้เป็นชื่อของการเรียบเรียงเสียงและเครื่องดนตรี ตัวอย่างแรกสุดของซิมโฟนีดังกล่าวคืออะไร? ดนตรีซิมโฟนี Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies โดย Giovanni Gabrieli (1615) และ Sacred Symphonies (บทที่ 6, 1629 และบทที่ 10, 1649) โดย Heinrich Schütz

โดยทั่วไปตลอดยุคบาโรกทั้งหมดมีการเรียกว่าการเรียบเรียงเพลงซิมโฟนีทั้งเนื้อหาในโบสถ์และทางโลก ส่วนใหญ่แล้วซิมโฟนีจะเป็นส่วนหนึ่งของวงจรที่ใหญ่กว่า ด้วยการถือกำเนิดของประเภทของละครโอเปร่าอิตาลี ("โอเปร่าที่จริงจัง") ซึ่งสัมพันธ์กับชื่อของ Scarlatti เป็นหลัก ซิมโฟนีจึงเริ่มถูกเรียกว่าเป็นบทนำของโอเปร่าหรือที่เรียกว่าการทาบทามโดยปกติจะแบ่งออกเป็นสามส่วน: เร็ว - ช้าเร็ว.

นั่นคือ "ซิมโฟนี" และ "ทาบทาม" เป็นเวลานานมีความหมายใกล้เคียงกัน อย่างไรก็ตาม ในอุปรากรของอิตาลี ประเพณีการเรียกซิมโฟนีทาบทามยังคงมีอยู่จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 (ดูโอเปร่ายุคแรกของแวร์ดี เช่น "เนบูคัดเนสซาร์")

นับตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา แฟชั่นสำหรับซิมโฟนีที่มีการเคลื่อนไหวหลายรูปแบบได้ถือกำเนิดขึ้นทั่วยุโรป พวกเขามีบทบาทสำคัญในทั้งในชีวิตสาธารณะและในงานรับใช้ของคริสตจักร อย่างไรก็ตาม สถานที่หลักที่เกิดและแสดงซิมโฟนีคือที่ดินของขุนนาง

ภายในกลางศตวรรษที่ 18 (ช่วงเวลาของการปรากฏตัวของซิมโฟนีชุดแรกของ Haydn) มีศูนย์กลางหลักสามแห่งในการแต่งซิมโฟนีในยุโรป - มิลาน, เวียนนาและมันน์ไฮม์ ต้องขอบคุณกิจกรรมของศูนย์ทั้งสามแห่งนี้ โดยเฉพาะโบสถ์ Mannheim Court Chapel และนักประพันธ์เพลง ตลอดจนผลงานของ Joseph Haydn ที่ทำให้แนวซิมโฟนีได้รับความนิยมเป็นครั้งแรกในยุโรปในเวลานั้น

โบสถ์มันน์ไฮม์

โบสถ์แห่งนี้เกิดขึ้นภายใต้ผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาร์ลส์ที่ 3 ฟิลิปในไฮเดลเบิร์กและหลังจากปี 1720 ยังคงดำรงอยู่ในมันน์ไฮม์ก็ถือได้ว่าเป็นต้นแบบแรกของวงออเคสตราสมัยใหม่ แม้กระทั่งก่อนที่จะย้ายไปมันไฮม์ ห้องสวดมนต์นี้ก็มีจำนวนมากกว่าห้องอื่นๆ ในอาณาเขตโดยรอบ

ยาน สตามิทซ์. ภาพถ่าย – วิกิมีเดียคอมมอนส์

ในเมืองมันไฮม์มีการเติบโตมากยิ่งขึ้น และด้วยการดึงดูดความร่วมมือ นักดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สุดในเวลานั้นคุณภาพของผลงานก็ดีขึ้นอย่างมากเช่นกัน ตั้งแต่ปี 1741 โบสถ์แห่งนี้นำโดยนักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวเช็ก Jan Stamitz

ตั้งแต่เวลานี้เป็นต้นไปเราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการก่อตั้งโรงเรียนมันน์ไฮม์ได้ วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง, เครื่องลมคู่: ฟลุต 2 อัน, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน (ซึ่งตอนนั้นยังเป็นแขกรับเชิญในออเคสตร้าที่หายาก), บาสซูน 2 ตัว, เขา 2-4 เขา, ทรัมเป็ต 2 อันและทิมปานี - ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่สำหรับสมัยนั้น

ตัวอย่างเช่นในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy ซึ่ง Haydn ทำหน้าที่เป็นวาทยากรเกือบ 30 ปีในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขาจำนวนนักดนตรีไม่เกิน 13-16 คน Count Morcin ซึ่ง Haydn รับใช้เป็นเวลาหลายปีก่อน Esterhazy และเขียนซิมโฟนีครั้งแรกของเขา มีนักดนตรีน้อยลงไปอีก เมื่อพิจารณาจากผลงานของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ไม่มีแม้แต่ขลุ่ยด้วยซ้ำ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1760 โบสถ์ Esterhazy เติบโตขึ้นจนมีนักดนตรี 16–18 คน และถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1780 ปริมาณสูงสุด- นักดนตรี 24 คน และในเมืองมันไฮม์มีผู้เล่นเครื่องสายเพียง 30 คนเท่านั้น

แต่คุณธรรมหลักของอัจฉริยะ Mannheim ไม่ใช่ปริมาณของพวกเขา แต่เป็นคุณภาพที่น่าทึ่งและการเชื่อมโยงกันของผลงานโดยรวมในเวลานั้น

ยาน สตามิทซ์ และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ที่แต่งเพลงสำหรับวงออเคสตรานี้ พบว่ามีเอฟเฟ็กต์ที่ซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งไม่เคยมีใครเคยได้ยินมาก่อน ซึ่งต่อมามีความเกี่ยวข้องกับชื่อของโบสถ์มันน์ไฮม์: การเพิ่มขึ้นของเสียงร่วมกัน (เพิ่มขึ้น), การเสื่อมสลายของ เสียง (ลดลง) การหยุดชะงักของเกมอย่างกะทันหัน (การหยุดชั่วคราวทั่วไป) เช่นเดียวกับดนตรีประเภทต่าง ๆ เช่น จรวด Mannheim (การขึ้นอย่างรวดเร็วของทำนองตามเสียงของคอร์ดที่แตก) Mannheim นก (เลียนแบบเสียงร้องของนกในตอนเดี่ยว) หรือจุดไคลแม็กซ์ของ Mannheim (การเตรียมการเพิ่มขึ้นจากนั้นในช่วงเวลาสำคัญคือการหยุดเล่นเครื่องดนตรีประเภทลมทั้งหมดและการเล่นสายอย่างกระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉงเพียงอย่างเดียว)

ผลกระทบหลายอย่างเหล่านี้พบชีวิตที่สองของพวกเขาในผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์ของ Mannheimers - Mozart และ Beethoven และบางส่วนยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน

นอกจากนี้ Stamitz และเพื่อนร่วมงานของเขาก็ค่อยๆค้นพบ ประเภทในอุดมคติซิมโฟนีสี่การเคลื่อนไหวที่ได้มาจากต้นแบบของบาโรกของโซนาตาของโบสถ์และโซนาตาแชมเบอร์ เช่นเดียวกับการทาบทามโอเปร่าของอิตาลี ไฮเดินยังเข้าสู่วัฏจักรสี่ส่วนเดียวกันอันเป็นผลมาจากการทดลองหลายปีของเขา

โมสาร์ทวัยเยาว์มาเยือนมันน์ไฮม์ในปี พ.ศ. 2320 และรู้สึกประทับใจอย่างมากกับดนตรีและการเล่นออเคสตราที่เขาได้ยินที่นั่น Mozart มีมิตรภาพส่วนตัวกับ Christian Kannabich ซึ่งเป็นผู้นำวงออเคสตราหลังจาก Stamitz เสียชีวิต นับตั้งแต่ที่เขาไปเยือน Mannheim

นักดนตรีประจำศาล

ตำแหน่งนักดนตรีในราชสำนักซึ่งได้รับเงินเดือนนั้นทำกำไรได้มากในเวลานั้น แต่แน่นอนว่ามันต้องใช้มากเช่นกัน

พวกเขาทำงานหนักมากและต้องเติมเต็มทุกความต้องการทางดนตรีของปรมาจารย์ของพวกเขา พวกเขาอาจตื่นตอนตีสามหรือสี่โมงเช้าแล้วบอกว่าเจ้าของต้องการเพลงเพื่อความบันเทิง - เพื่อฟังเพลงเซเรเนดบางประเภท นักดนตรีที่ยากจนต้องเข้าไปในห้องโถง จุดตะเกียง และเล่นดนตรี

บ่อยครั้งที่นักดนตรีทำงานเจ็ดวันต่อสัปดาห์ - แน่นอนว่าไม่มีแนวคิดเช่นมาตรฐานการผลิตหรือวันทำงาน 8 ชั่วโมงสำหรับพวกเขา (ตามมาตรฐานสมัยใหม่นักดนตรีออเคสตราไม่สามารถทำงานได้เกิน 6 ชั่วโมงต่อวันเมื่อมาถึง) การซ้อมการแสดงคอนเสิร์ตหรือการแสดงละคร)

เราต้องเล่นทั้งวัน ดังนั้นเราจึงเล่นทั้งวัน อย่างไรก็ตาม เจ้าของที่รักดนตรีมักเข้าใจว่านักดนตรีไม่สามารถเล่นเป็นเวลาหลายชั่วโมงโดยไม่หยุดพัก - เขาต้องการทั้งอาหารและการพักผ่อน

Haydn และโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy

ตำนานเล่าว่า Haydn ซึ่งเขียนเพลง Farewell Symphony อันโด่งดัง จึงบอกเป็นนัยกับ Esterhazy ปรมาจารย์ของเขาเกี่ยวกับการพักผ่อนที่สัญญาไว้แต่ถูกลืม ในตอนจบนักดนตรีทุกคนก็ลุกขึ้นตามลำดับดับเทียนแล้วจากไป - คำใบ้ค่อนข้างชัดเจน และเจ้าของก็เข้าใจพวกเขาและปล่อยให้พวกเขาไปเที่ยวพักผ่อนซึ่งพูดถึงเขาว่าเป็นคนรอบรู้และมีอารมณ์ขัน

รายละเอียดของภาพวาดโดย Nicola Maria Rossi, 1732 ภาพถ่าย – รูปภาพของ Bridgeman / Fotodom

แม้ว่านี่จะเป็นนิยาย แต่ก็สื่อถึงจิตวิญญาณของยุคนั้นได้อย่างน่าอัศจรรย์ - ในเวลาอื่น ๆ การบอกเป็นนัยเกี่ยวกับข้อผิดพลาดของทางการอาจทำให้ผู้แต่งต้องเสียค่าใช้จ่ายอย่างมาก

เนื่องจากผู้อุปถัมภ์ของ Haydn เป็นคนค่อนข้างมีการศึกษาและมีเซนส์ด้านดนตรี เขาจึงสามารถวางใจได้ว่าการทดลองใดๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นซิมโฟนีในการเคลื่อนไหวหกหรือเจ็ดจังหวะ หรือความซับซ้อนของโทนเสียงที่น่าทึ่งในสิ่งที่เรียกว่าตอนการพัฒนา จะไม่เป็นเช่นนั้น จะถูกรับรู้ด้วยการประณาม ดูเหมือนตรงกันข้าม: ยิ่งรูปแบบซับซ้อนและแปลกตามากเท่าไหร่ก็ยิ่งฉันชอบมากขึ้นเท่านั้น

อย่างไรก็ตาม Haydn กลายเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากการดำรงอยู่ของข้าราชบริพารที่ดูสบายๆ แต่โดยทั่วไปแล้วเป็นทาส

เมื่อนิโคลัส เอสเตอร์ฮาซีเสียชีวิต ทายาทของเขาได้ยุบวงออเคสตรา แม้ว่าเขาจะคงตำแหน่งและ (ลด) เงินเดือนของไฮเดินในฐานะวาทยากรเอาไว้ก็ตาม ดังนั้น Haydn จึงได้รับการลาอย่างไม่มีกำหนดโดยไม่ได้ตั้งใจและใช้ประโยชน์จากคำเชิญของ Johann Peter Salomon ผู้แสดงบทเมื่ออายุมากแล้วเขาก็ไปลอนดอน

ที่นั่นเขาได้สร้างวงดนตรีออเคสตราสไตล์ใหม่ขึ้นมาจริงๆ ดนตรีของเขาแข็งแกร่งและเรียบง่ายยิ่งขึ้น การทดลองถูกยกเลิก นี่เป็นเพราะความจำเป็นทางการค้า: เขาค้นพบว่าประชาชนชาวอังกฤษทั่วไปได้รับการศึกษาน้อยกว่าผู้ฟังที่มีความซับซ้อนในคฤหาสน์ Esterhazy มาก - สำหรับพวกเขาจำเป็นต้องเขียนให้สั้นลง ชัดเจนยิ่งขึ้น และไพเราะมากขึ้น

แม้ว่าซิมโฟนีแต่ละเพลงที่เขียนโดย Esterhazy จะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แต่ซิมโฟนีในลอนดอนก็เป็นประเภทเดียวกัน ทั้งหมดเขียนขึ้นโดยเฉพาะในสี่การเคลื่อนไหว (ในเวลานั้นนี่เป็นรูปแบบซิมโฟนีที่พบบ่อยที่สุดซึ่งนักแต่งเพลงของโรงเรียน Mannheim และ Mozart ใช้กันอย่างแพร่หลายแล้ว): โซนาต้าอัลเลโกรบังคับในการเคลื่อนไหวครั้งแรกไม่มากก็น้อย การเคลื่อนไหววินาทีที่ช้า บทเพลงย่อย และตอนจบที่รวดเร็ว ประเภทของวงออเคสตราและ รูปแบบดนตรีเช่นเดียวกับการพัฒนาด้านเทคนิคของธีมที่ใช้ในซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn ก็กลายเป็นต้นแบบให้กับ Beethoven

ปลายศตวรรษที่ 18 - 19: โรงเรียนเวียนนาและเบโธเฟน

มันเกิดขึ้นที่ Haydn มีอายุยืนกว่า Mozart ซึ่งอายุน้อยกว่าเขา 24 ปี และได้เห็นจุดเริ่มต้นของเส้นทางที่สร้างสรรค์ของ Beethoven Haydn ทำงานเกือบทั้งชีวิตในประเทศที่ปัจจุบันคือฮังการี และในช่วงบั้นปลายของชีวิตเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในลอนดอน โมสาร์ทมาจากซาลซ์บูร์ก และเบโธเฟนเป็นชาวเฟลมิชที่เกิดในเมืองบอนน์

ภายในโรงละครอันเดอร์วีนในกรุงเวียนนาแกะสลักศตวรรษที่ 19 ภาพถ่าย - รูปภาพ Brigeman / Fotodom

แต่เส้นทางที่สร้างสรรค์ของดนตรียักษ์ใหญ่ทั้งสามนั้นเชื่อมโยงกับเมืองซึ่งในช่วงรัชสมัยของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซาและจากนั้นจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ลูกชายของเธอได้เข้ารับตำแหน่งเมืองหลวงทางดนตรีของโลก - กับเวียนนา ดังนั้นผลงานของ Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกจารึกไว้ในประวัติศาสตร์ว่าเป็น "สไตล์คลาสสิกของเวียนนา"

อย่างไรก็ตามควรสังเกตว่าผู้เขียนเองไม่คิดว่าตัวเองเป็น "คลาสสิก" เลยและเบโธเฟนก็ถือว่าตัวเองเป็นนักปฏิวัติผู้บุกเบิกและแม้แต่ผู้บ่อนทำลายประเพณี แนวคิดของ "สไตล์คลาสสิก" นั้นเป็นสิ่งประดิษฐ์ในยุคต่อมา (กลางศตวรรษที่ 19) คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือความสามัคคีของรูปแบบและเนื้อหาที่กลมกลืนเสียงที่สมดุลในกรณีที่ไม่มีความเกินสไตล์บาโรกและความกลมกลืนของสถาปัตยกรรมดนตรีแบบโบราณ

มงกุฎของสไตล์คลาสสิกเวียนนาในสาขาดนตรีออเคสตราถือเป็นซิมโฟนีลอนดอนของ Haydn ซิมโฟนีสุดท้ายของโมสาร์ทและซิมโฟนีทั้งหมดของเบโธเฟน ในซิมโฟนีในเวลาต่อมาของ Haydn และ Mozart ในที่สุดคำศัพท์ทางดนตรีและไวยากรณ์ของสไตล์คลาสสิกก็ถูกสร้างขึ้นเช่นเดียวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราซึ่งตกผลึกแล้วในโรงเรียน Mannheim และยังถือว่าเป็นคลาสสิก: กลุ่มเครื่องสาย (แบ่งออกเป็นกลุ่มแรก และไวโอลินตัวที่สอง วิโอลา เชลโล และดับเบิ้ลเบส) เครื่องเป่าลมไม้สองเท่า - โดยปกติจะมีสองฟลุต โอโบสองตัว และบาสซูนสองตัว

อย่างไรก็ตาม โดยเริ่มจาก ผลงานล่าสุดคลาริเน็ตของ Mozart ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในวงออเคสตรา ความหลงใหลในคลาริเน็ตของโมสาร์ทมีส่วนอย่างมากในการเผยแพร่เครื่องดนตรีนี้อย่างกว้างขวางโดยเป็นส่วนหนึ่งของแผนกเครื่องทองเหลืองของวงออเคสตรา

โมสาร์ทได้ยินคลาริเน็ตในปี 1778 ในเมืองมันน์ไฮม์ในซิมโฟนีของสตามิทซ์ และเขียนจดหมายถึงพ่อของเขาด้วยความชื่นชมว่า:

“โอ้ ถ้าเพียงแต่เรามีคลาริเน็ต!”

คำว่า “พวกเรา” หมายถึงโบสถ์ Salzburg Court Chapel ซึ่งเปิดตัวคลาริเน็ตในปี 1804 เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าตั้งแต่ปี ค.ศ. 1769 เป็นต้นมา คลาริเน็ตถูกนำมาใช้เป็นประจำในวงดนตรีทหารของเจ้าชายและราชาธิปไตย

สำหรับเครื่องเป่าลมไม้ที่กล่าวไปแล้ว มักจะเพิ่มเขาสองเขา เช่นเดียวกับบางครั้งมีทรัมเป็ตและกลองทิมปานีสองตัว ซึ่งเป็นเพลงไพเราะจากกองทัพ แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้ใช้เฉพาะในซิมโฟนีที่คีย์อนุญาตให้ใช้ทรัมเป็ตธรรมชาติได้ ซึ่งมีอยู่ในการปรับแต่งเพียงไม่กี่ครั้ง ซึ่งปกติจะเป็นคีย์ D หรือ C Major บางครั้งทรัมเป็ตก็ถูกนำมาใช้ในซิมโฟนีที่เขียนด้วย G Major แต่ก็ไม่เคยใช้ทรัมเป็ตเลย

ตัวอย่างของซิมโฟนีที่มีแตรแต่ไม่มีกลองกลองคือซิมโฟนีหมายเลข 32 ของโมสาร์ท ส่วนกลองถูกเพิ่มเข้าไปในคะแนนในภายหลังโดยบุคคลที่ไม่ปรากฏชื่อ และถือว่าไม่แท้

สันนิษฐานได้ว่าความไม่ชอบของนักเขียน G Major ในศตวรรษที่ 18 ที่เกี่ยวข้องกับกลองทิมปานีนั้น อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับกลองทิมปานีสไตล์บาโรก (ไม่ได้ปรับจูนด้วยแป้นเหยียบสมัยใหม่ที่สะดวก แต่ใช้สกรูปรับความตึงแบบแมนนวล) พวกเขามักจะเขียนดนตรีที่ประกอบด้วยโน้ตเพียงสองตัวเท่านั้น - โทนิค (ระดับคีย์ที่ 1) และโดมิแนนต์ (ระดับคีย์ที่ 5) ซึ่งได้รับการออกแบบมาเพื่อรองรับทรัมเป็ตที่เล่นโน้ตเหล่านี้ แต่โน้ตหลักของคีย์ G Major ในอ็อกเทฟบนบนกลองทิมปานีฟังดูคมเกินไป และใน ต่ำกว่า - น่าเบื่อเกินไป ดังนั้นจึงหลีกเลี่ยงกลองทิมปานีใน G major เนื่องจากมีเสียงขรม

เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมดถือว่าเป็นที่ยอมรับเฉพาะในโอเปร่าและบัลเล่ต์ และบางส่วนถูกเป่าในโบสถ์ (เช่น ทรอมโบนและแตรบาสเซ็ตในบังสุกุล ทรอมโบน แตรบาสเซต และพิคโคโลใน The Magic Flute กลองเพลง "Janissary" ใน The Abduction from Seraglio" หรือแมนโดลินใน "Don Giovanni" ของ Mozart, แตรบาสเซ็ตและพิณในบัลเล่ต์ของ Beethoven เรื่อง "The Works of Prometheus")

ความต่อเนื่องของบาสโซค่อยๆ เลิกใช้ไป โดยแรกหายไปจากดนตรีออเคสตรา แต่ยังคงอยู่ในโอเปร่าระยะหนึ่งเพื่อประกอบการบรรยาย (ดู The Marriage of Figaro, So All Women Do และ Don Giovanni ของ Mozart แต่ในภายหลัง - ในตอนต้นของ ศตวรรษที่ 19 ในละครการ์ตูนของ Rossini และ Donizetti)

หาก Haydn ลงไปในประวัติศาสตร์เช่น นักประดิษฐ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในสาขาดนตรีไพเราะ โมสาร์ททดลองกับวงออเคสตราในโอเปร่าของเขามากกว่าในซิมโฟนีของเขา อย่างหลังมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างไม่มีที่เปรียบในการปฏิบัติตามมาตรฐานของเวลานั้น

แม้ว่าแน่นอนว่าจะมีข้อยกเว้น: ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนีปรากหรือปารีสไม่มีเพลงย่อยนั่นคือประกอบด้วยการเคลื่อนไหวเพียงสามการเคลื่อนไหว มีแม้แต่ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวเดียว - หมายเลข 32 ใน G major (อย่างไรก็ตามมันถูกสร้างขึ้นจากรูปแบบของการทาบทามของอิตาลีในสามส่วนเร็ว - ช้า - เร็วนั่นคือมันสอดคล้องกับมาตรฐานเก่าก่อน Haydn ). แต่ซิมโฟนีนี้ใช้แตรมากถึงสี่แตร (เช่นในซิมโฟนีหมายเลข 25 ใน G minor และในโอเปร่า "Idomeneo")

Symphony No. 39 มีคลาริเน็ตด้วย (มีการกล่าวถึงความรักของโมสาร์ทต่อเครื่องดนตรีเหล่านี้แล้ว) แต่ไม่มีโอโบแบบดั้งเดิม และ Symphony No. 40 ยังมีอยู่ในสองเวอร์ชัน - มีและไม่มีคลาริเน็ต

ในแง่ของพารามิเตอร์ที่เป็นทางการ โมสาร์ทเคลื่อนไหวในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของเขาตามแผนของ Mannheim และ Haydn - แน่นอนว่าทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและปรับแต่งด้วยพลังแห่งอัจฉริยะของเขา แต่ไม่มีการเปลี่ยนแปลงสิ่งใดที่สำคัญในระดับโครงสร้างหรือองค์ประกอบ

อย่างไรก็ตามใน ปีที่ผ่านมาชีวิต โมสาร์ทเริ่มศึกษารายละเอียดและเจาะลึกผลงานของนักโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต - ฮันเดลและบาค ด้วยเหตุนี้ เนื้อสัมผัสของดนตรีของเขาจึงเต็มไปด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกประเภทต่างๆ มากขึ้น

ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างโครงสร้างโฮโมโฟนิกตามแบบฉบับของซิมโฟนีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เข้ากับความทรงจำแบบบาคคือซิมโฟนีลำดับที่ 41 ของโมสาร์ท "จูปิเตอร์" นับเป็นจุดเริ่มต้นของการฟื้นคืนชีพของโพลีโฟนีในฐานะวิธีการพัฒนาที่สำคัญที่สุดในประเภทซิมโฟนิก จริงอยู่ โมสาร์ทที่นี่ก็เดินตามเส้นทางที่คนอื่นก่อนหน้าเขาเหยียบย่ำเช่นกัน ตอนจบของซิมโฟนีสองเพลงของ Michael Haydn หมายเลข 39 (พ.ศ. 2331) และ 41 (พ.ศ. 2332) ซึ่งโมสาร์ทรู้จักอย่างแน่นอน ก็เขียนในรูปแบบของความทรงจำเช่นกัน

บทบาทของเบโธเฟนในการพัฒนาวงออเคสตรานั้นมีความพิเศษ

โจเซฟ คาร์ล สไตเลอร์. ภาพเหมือนของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ค.ศ. 1820 ภาพถ่าย - วิกิมีเดียคอมมอนส์

ดนตรีของเขาเป็นการผสมผสานระหว่างสองยุคสมัย: คลาสสิกและโรแมนติก หากใน First Symphony (1800) Beethoven เป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์และเป็นผู้ติดตาม Haydn และในบัลเล่ต์ "The Works of Prometheus" (1801) เขาเป็นผู้สืบทอดประเพณีของ Gluck จากนั้นใน Third, Heroic Symphony (1804) ) เป็นการทบทวนประเพณีของ Haydn-Mozart ในรูปแบบที่ทันสมัยยิ่งขึ้นและไม่อาจเพิกถอนได้

ซิมโฟนีที่สอง (1802) ภายนอกยังคงเป็นไปตามแบบจำลองคลาสสิก แต่มีนวัตกรรมมากมายในนั้นและสิ่งสำคัญคือการแทนที่ minuet แบบดั้งเดิมด้วย scherzo ชาวนาที่หยาบคาย ("ตลก" ในภาษาอิตาลี)

ตั้งแต่นั้นมา ไม่พบมินูเอตในซิมโฟนีของเบโธเฟนอีกต่อไป ยกเว้นการใช้คำว่า "มินูเอต์" อย่างน่าขันและชวนคิดถึงในชื่อการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนีที่แปด - "At the Tempo of a Minuet" (โดย เวลาที่แต่งเพลงที่แปด - พ.ศ. 2355 - มินูเอตเลิกใช้ไปแล้วทุกที่ และเบโธเฟนใช้การอ้างอิงประเภทนี้อย่างชัดเจนในที่นี้เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของ "อดีตที่สวยงามแต่ห่างไกล")

แต่ยังมีความแตกต่างแบบไดนามิกมากมาย และการถ่ายโอนธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปยังเชลโลและดับเบิลเบสอย่างมีสติ ในขณะที่ไวโอลินมีบทบาทที่ไม่ธรรมดาในการเป็นนักดนตรีสำหรับพวกเขา และการแบ่งหน้าที่ของเชลโลและบ่อยครั้ง ดับเบิ้ลเบส (นั่นคือ การปลดปล่อยดับเบิลเบสออกมาเป็นเสียงอิสระ) และขยายออกไป การพัฒนาโคดาในส่วนสุดขั้ว (ในทางปฏิบัติกลายเป็นการพัฒนาขั้นที่สอง) ล้วนเป็นร่องรอยของสไตล์ใหม่ ซึ่งพบว่ามีการพัฒนาที่น่าทึ่งในครั้งต่อไป - ซิมโฟนีที่สาม

ในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่สองประกอบด้วยจุดเริ่มต้นของซิมโฟนีของเบโธเฟนที่ตามมาเกือบทั้งหมด โดยเฉพาะอย่างยิ่งซิมโฟนีที่สามและหก รวมถึงซิมโฟนีที่เก้า ในการแนะนำส่วนแรกของส่วนที่สองจะมีแม่ลาย D-minor ซึ่งคล้ายกับธีมหลักของส่วนแรกของส่วนที่สองอย่างมากและส่วนที่เชื่อมโยงของตอนจบของส่วนที่สองนั้นเป็นภาพร่างของ "บทกวีถึง Joy” จากตอนจบของเพลง Ninth เดียวกัน แม้จะมีเครื่องดนตรีที่เหมือนกันก็ตาม

ซิมโฟนีที่สามเป็นทั้งซิมโฟนีที่ยาวที่สุดและซับซ้อนที่สุดในบรรดาซิมโฟนีทั้งหมดที่เขียนมาจนถึงปัจจุบัน ทั้งในแง่ของภาษาดนตรีและการเรียบเรียงเนื้อหาอย่างเข้มข้นที่สุด ประกอบด้วยความแตกต่างแบบไดนามิกอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนในขณะนั้น (จากเปียโน 3 ตัวไปจนถึง 3 ป้อม!) และไม่เคยมีมาก่อน แม้จะเปรียบเทียบกับ Mozart แล้ว ก็ยังทำงานเกี่ยวกับ "การเปลี่ยนแปลงระดับเซลล์" ของแรงจูงใจดั้งเดิม ซึ่งไม่เพียงปรากฏอยู่ในการเคลื่อนไหวแต่ละครั้งเท่านั้น แต่ยัง อย่างที่เคยเป็นมา แทรกซึมอยู่ในวัฏจักรทั้งสี่ส่วน สร้างความรู้สึกของการเล่าเรื่องเดียวและแยกไม่ออก

ซิมโฟนีที่กล้าหาญไม่ได้เป็นลำดับที่กลมกลืนกันของส่วนที่ตัดกันของวงจรเครื่องดนตรีอีกต่อไป แต่เป็นแนวเพลงใหม่ที่สมบูรณ์ อันที่จริงคือซิมโฟนี-โรแมนติกครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรี!

การใช้วงออเคสตราของเบโธเฟนไม่ใช่แค่ความสามารถพิเศษเท่านั้น แต่ยังบังคับให้นักเล่นเครื่องดนตรีต้องผลักดันตัวเองให้ถึงขีดจำกัด และบ่อยครั้งเกินกว่าข้อจำกัดทางเทคนิคที่เป็นไปได้ของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น วลีอันโด่งดังของ Beethoven ที่กล่าวถึง Ignaz Schuppanzig นักไวโอลินและผู้นำของวง Count Lichnowsky ซึ่งเป็นนักแสดงคนแรกของวง Beethoven หลายวง เพื่อตอบสนองต่อคำพูดเชิงวิพากษ์วิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับ "ความเป็นไปไม่ได้" ของข้อความหนึ่งของ Beethoven แสดงให้เห็นลักษณะทัศนคติของนักแต่งเพลงต่อปัญหาทางเทคนิคอย่างน่าทึ่ง ดนตรี:

“ฉันจะสนใจอะไรเกี่ยวกับไวโอลินที่น่าสงสารของเขาเมื่อพระวิญญาณตรัสกับฉัน!”

แนวคิดทางดนตรีต้องมาก่อนเสมอ และหลังจากนั้นจึงจะมีวิธีทำให้เป็นจริงได้ แต่ในขณะเดียวกันเบโธเฟนก็รู้ดีถึงความสามารถของวงออเคสตราในยุคของเขา

อย่างไรก็ตาม ความคิดเห็นที่แพร่หลายเกี่ยวกับผลเสียของอาการหูหนวกของ Beethoven ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการเรียบเรียงในภายหลังของเขา และด้วยเหตุนี้การอ้างเหตุผลในการบุกรุกเพลงของเขาในรูปแบบของการตกแต่งต่างๆ ในภายหลังจึงเป็นเพียงตำนาน

การฟังการแสดงที่ดีของซิมโฟนีหรือควอร์เตตที่ล่วงลับไปแล้วด้วยเครื่องดนตรีของแท้ก็เพียงพอแล้วที่จะมั่นใจได้ว่าไม่มีข้อบกพร่องในสิ่งเหล่านั้น มีแต่ทัศนคติที่มีอุดมคติสูงและไม่ประนีประนอมต่องานศิลปะของเขา โดยอาศัยความรู้โดยละเอียดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของ เวลาและความสามารถของเขา หากเบโธเฟนมีวงออเคสตราสมัยใหม่ที่มีความสามารถทางเทคนิคสมัยใหม่ เขาคงจะเขียนแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในแง่ของเครื่องดนตรี ในซิมโฟนีสี่เพลงแรกของเขา บีโธเฟนยังคงยึดมั่นในมาตรฐานของซิมโฟนีในยุคต่อมาของไฮเดินและโมสาร์ท แม้ว่า Eroica Symphony จะใช้เขาสามเขาแทนแบบปกติสองแบบหรือแบบสี่เขาที่หายากแต่เป็นที่ยอมรับตามธรรมเนียม นั่นคือเบโธเฟนตั้งคำถามถึงหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ในการปฏิบัติตามประเพณีใดๆ ก็ตาม: เขาต้องการเสียงแตรที่สามในวงออเคสตรา - และเขาก็แนะนำมัน

และใน Fifth Symphony (1808) เบโธเฟนได้แนะนำเครื่องดนตรีของวงออเคสตราทหาร (หรือละคร) ในตอนจบ ได้แก่ ขลุ่ยพิคโคโล คอนทราบาสซูน และทรอมโบน อย่างไรก็ตาม หนึ่งปีก่อนที่ Beethoven นักแต่งเพลงชาวสวีเดน Joachim Nicholas Eggert ใช้ทรอมโบนใน Symphony ของเขาใน E-flat major (1807) และในทั้งสามการเคลื่อนไหว ไม่ใช่แค่ในตอนจบเหมือนที่ Beethoven ทำ ดังนั้นในกรณีของทรอมโบน ฝ่ามือไม่ได้ไปหานักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ แต่กับเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าของเขา

Sixth Symphony (Pastoral) เป็นวงจรรายการแรกในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนี ซึ่งไม่เพียงแต่ซิมโฟนีเท่านั้น แต่แต่ละการเคลื่อนไหวยังนำหน้าด้วยคำอธิบายของโปรแกรมภายในบางอย่าง - คำอธิบายความรู้สึกของชาวเมือง ผู้ค้นพบตัวเองในธรรมชาติ

จริงๆ แล้ว คำอธิบายเกี่ยวกับธรรมชาติในดนตรีไม่ใช่เรื่องใหม่ตั้งแต่สมัยบาโรก แต่แตกต่างจาก "The Four Seasons" ของวิวาลดีและตัวอย่างดนตรีโปรแกรมสไตล์บาโรกอื่นๆ Beethoven ไม่ได้มีส่วนร่วมในการแต่งเสียงเป็นจุดจบในตัวมันเอง Sixth Symphony ในคำพูดของเขาเอง "เป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกมากกว่าการวาดภาพ"

ซิมโฟนีอภิบาลเป็นเพียงงานเดียวในงานของเบโธเฟนที่มีการละเมิดโครงสร้างสี่ส่วนของวงจรซิมโฟนิก: เชอร์โซตามมาโดยไม่หยุดชะงักด้วยการเคลื่อนไหวที่สี่รูปแบบอิสระซึ่งมีชื่อว่า "พายุฝนฟ้าคะนอง" และตามมาด้วย โดยไม่หยุดชะงักในตอนจบ ดังนั้นซิมโฟนีนี้มีห้าการเคลื่อนไหว

แนวทางของเบโธเฟนในการเรียบเรียงซิมโฟนีนี้น่าสนใจอย่างยิ่ง: ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งที่สองเขาใช้เฉพาะเครื่องสาย เครื่องเป่าลมไม้ และแตรสองตัวเท่านั้น ในเชอร์โซ ทรัมเป็ตสองตัวเชื่อมต่ออยู่กับพวกเขา ในทิมปานี “พายุฝนฟ้าคะนอง” มีขลุ่ยพิคโคโลและทรอมโบนสองตัวมาบรรจบกัน และในตอนจบกลองทิมปานีและพิคโคโลก็เงียบลงอีกครั้ง และทรัมเป็ตและทรอมโบนก็หยุดทำหน้าที่ประโคมแบบดั้งเดิม และเข้าร่วมคณะนักร้องประสานเสียงทั่วไปของลัทธิเทวนิยม

ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมของการทดลองของ Beethoven ในด้านการเรียบเรียงดนตรีคือ Ninth Symphony: ฉากสุดท้ายของมันไม่เพียงใช้ทรอมโบน, พิคโคโลฟลุตและคอนทราบาสซูนที่กล่าวถึงแล้วเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกลอง "ตุรกี" ทั้งชุดด้วย - กลองเบส, ฉิ่งและสามเหลี่ยมและ ที่สำคัญที่สุด - นักร้องประสานเสียงและนักร้องเดี่ยว!

อย่างไรก็ตาม ทรอมโบนในตอนจบของบทที่ 9 มักใช้เพื่อปรับปรุงส่วนการร้องประสานเสียง และนี่เป็นการอ้างอิงถึงประเพณีของดนตรีของคริสตจักรและดนตรีออราทอริโอทางโลกอยู่แล้ว โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการหักเหของ Haydn-Mozart (ดู "The Creation" ของโลก” หรือ “The Seasons” โดย Haydn, Mass before minor หรือ Mozart's Requiem) ซึ่งหมายความว่าซิมโฟนีนี้เป็นการผสมผสานระหว่างประเภทของซิมโฟนีและ oratorio ทางจิตวิญญาณ ซึ่งเขียนเป็นบทกวีทางโลกโดย Schiller เท่านั้น

นวัตกรรมอย่างเป็นทางการที่สำคัญอีกประการหนึ่งของ Ninth Symphony คือการแลกเปลี่ยนระหว่างการเคลื่อนไหวช้าๆ และ Scherzo Scherzo Ninth ซึ่งอยู่ในอันดับที่สองไม่ได้เล่นบทบาทของความแตกต่างที่ร่าเริงซึ่งทำให้ฉากสุดท้ายอีกต่อไป แต่กลายเป็นความต่อเนื่อง "ทางทหาร" ที่รุนแรงและสมบูรณ์ของการเคลื่อนไหวครั้งแรกที่น่าเศร้า และการเคลื่อนไหวช้าๆ ครั้งที่ 3 กลายเป็นศูนย์กลางทางปรัชญาของซิมโฟนี โดยตกลงไปอย่างแม่นยำในโซนส่วนสีทอง - ครั้งแรก แต่ไม่ใช่กรณีสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของดนตรีซิมโฟนี

Persimfans และ Dusseldorf Symphony Orchestra จะแสดงในมอสโก

ตลอดประวัติศาสตร์หลายพันปี มนุษยชาติได้สร้างเครื่องดนตรีและรวมเข้าด้วยกัน การรวมกันต่างๆ. แต่เมื่อประมาณสี่ร้อยปีที่แล้ว การผสมผสานเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้พัฒนาเป็นรูปแบบที่ใกล้เคียงกับวงออเคสตราสมัยใหม่อยู่แล้ว

ในสมัยก่อน เมื่อนักดนตรีมารวมตัวกันเพื่อเล่นดนตรี พวกเขาใช้เครื่องดนตรีอะไรก็ได้ที่อยู่รอบๆ หากมีผู้เล่นสามคนเล่นพิณ สองคนเล่นพิณและฟลุต นั่นคือวิธีการเล่นของพวกเขา ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ซึ่งเป็นยุคเรอเนซองส์ คำว่า "วงดนตรี" ใช้เพื่ออ้างถึงกลุ่มนักดนตรี ซึ่งบางครั้งเป็นนักร้องที่แสดงดนตรีร่วมกันหรือ "วงดนตรี"

ผู้ประพันธ์เพลงในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นมักไม่ได้ระบุว่าตนเขียนบทนี้ด้วยเครื่องดนตรีชนิดใด ซึ่งหมายความว่าสามารถเล่นท่อนต่างๆ ได้ด้วยเครื่องดนตรีใดๆ ที่มีอยู่ แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ในอิตาลีนักแต่งเพลง Claudio Monteverdi เลือกเครื่องดนตรีที่ควรใช้ร่วมกับโอเปร่า Orpheus ของเขา (1607) และระบุอย่างแม่นยำว่าเครื่องดนตรีชิ้นใดที่เขียนขึ้น: การละเมิดสิบห้าขนาดต่าง ๆ ไวโอลินสองตัว สี่ขลุ่ย ( ใหญ่สองตัวและขนาดกลางสองตัว), โอโบสองตัว, คอร์เนตสองตัว (แตรไม้เล็ก), แตรสี่ตัว, ทรอมโบนห้าอัน, พิณหนึ่งตัว, ฮาร์ปซิคอร์ดสองตัวและออร์แกนเล็ก ๆ สามอัน

ตามที่เห็น, " วงออเคสตรายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" มอนเตเวร์ดีมีความคล้ายคลึงกับสิ่งที่เราคิดว่าวงออเคสตราควรจะเป็นอยู่แล้ว: เครื่องดนตรีที่จัดเป็นกลุ่ม มีเครื่องสายโค้งมากมาย มีความหลากหลายมาก

ในศตวรรษหน้า (จนถึงปี 1700 ซึ่งเป็นสมัยของ J.S. Bach) วงออเคสตรามีการพัฒนามากยิ่งขึ้น ตระกูลไวโอลิน (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และเบส) เข้ามาแทนที่ไวโอลิน ในวงออเคสตราสไตล์บาโรก ตระกูลไวโอลินเป็นตัวแทนมากกว่าไวโอลินในวงออเคสตราเรอเนซองส์มาก ความเป็นผู้นำทางดนตรีในวงออเคสตราแบบบาโรกเป็นของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด นักดนตรีเล่นฮาร์ปซิคอร์ดหรือบางครั้งออร์แกนก็ทำหน้าที่เป็นผู้นำ เมื่อ J. S. Bach ทำงานร่วมกับวงออเคสตรา เขานั่งที่ออร์แกนหรือฮาร์ปซิคอร์ดและควบคุมวงออเคสตราจากที่นั่งของเขา

ในยุคบาโรก บางครั้งผู้ควบคุมดนตรีก็ยืนนำวงออเคสตราขณะยืน แต่นี่ยังไม่ใช่วาทยกรที่เรารู้จักในปัจจุบัน Jean-Baptiste Lully ซึ่งรับผิดชอบด้านดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์ฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1600 เคยใช้ในการตีจังหวะให้นักดนตรีของเขาใช้ไม้ค้ำยาวบนพื้น แต่วันหนึ่งเขาได้รับบาดเจ็บที่ขาโดยไม่ได้ตั้งใจ โรคเนื้อตายเน่าพัฒนาขึ้น และเขาก็ตาย!

ต่อมาในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นสมัยของไฮเดินและเบโธเฟน มีการเปลี่ยนแปลงวงออเคสตราอย่างลึกซึ้งมากยิ่งขึ้น เครื่องสายแบบโค้งคำนับมีความสำคัญมากขึ้นกว่าเดิม ในขณะที่เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดก็จางหายไปจนไม่เป็นที่รู้จัก นักประพันธ์เพลงเริ่มเขียนเครื่องดนตรีชนิดใดชนิดหนึ่ง นี่หมายถึงการรู้เสียงของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น การทำความเข้าใจว่าเพลงไหนฟังดูดีกว่าและเล่นง่ายกว่ากับเครื่องดนตรีที่เลือก นักประพันธ์เพลงมีอิสระมากขึ้นและยังกล้าเสี่ยงในการรวมเครื่องดนตรีเพื่อสร้างเสียงและความแตกต่างที่เข้มข้นและหลากหลายมากขึ้น

นักไวโอลินคนแรก (หรือนักเล่นดนตรีประกอบ) กำกับวงออเคสตราจากเก้าอี้ของเขา แต่บางครั้งเขาต้องให้คำแนะนำด้วยท่าทาง และเพื่อให้มองเห็นได้ชัดเจนขึ้น เขาใช้กระดาษขาวธรรมดาม้วนเป็นหลอดก่อน สิ่งนี้นำไปสู่การพัฒนากระบองสมัยใหม่ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1800 นักแต่งเพลง-วาทยกร เช่น Carl Maria von Weber และ Felix Mendelssohn เป็นผู้บุกเบิกการฝึกปฏิบัติของนักดนตรีชั้นนำจากแท่นกลางหน้าวงออเคสตรา

เมื่อวงออเคสตรามีขนาดใหญ่ขึ้นเรื่อยๆ ไม่ใช่นักดนตรีทุกคนจะมองเห็นและติดตามนักดนตรีได้ เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 19 วงออเคสตรามีขนาดและสัดส่วนที่เรารู้จักในปัจจุบันและเกินกว่าปัจจุบันด้วยซ้ำ นักแต่งเพลงบางคน เช่น Berlioz เริ่มแต่งเพลงสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่เช่นนี้เท่านั้น

การออกแบบ การก่อสร้าง และคุณภาพของเครื่องดนตรีได้รับการปรับปรุงและสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง เครื่องดนตรีใหม่ซึ่งพบที่ของตนในวงออเคสตรา เช่น ปิคโกโล (ขลุ่ยเล็ก) และทรัมเป็ต นักแต่งเพลงหลายคนรวมถึง Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler และ Richard Strauss มาเป็นวาทยากร การทดลองของพวกเขากับการเรียบเรียง (ศิลปะแห่งการกระจาย) วัสดุดนตรีระหว่างเครื่องดนตรีของวงออเคสตราเพื่อให้การใช้เครื่องดนตรีแต่ละชนิดเกิดประโยชน์สูงสุด) แสดงให้เห็นหนทางสู่ศตวรรษที่ 20

วากเนอร์ก้าวไปอีกขั้น เขาออกแบบและผลิตเบสทรัมเป็ต ( วากเนอร์ทรัมเป็ต) ผสมผสานองค์ประกอบของแตรเดี่ยวและทรัมเป็ตเพื่อนำเสนอเสียงพิเศษใหม่ให้กับโอเปร่าอมตะของเขา "The Ring of the Nibelung" เขาเป็นผู้ควบคุมวงออเคสตราคนแรกที่หันหลังให้ผู้ชมเพื่อควบคุมวงออเคสตราได้ดีขึ้น ในซิมโฟนีเพลงหนึ่งของเขาที่สเตราส์เขียน ส่วนแตรอัลไพน์เครื่องดนตรีพื้นบ้านไม้ยาว 12 ฟุต ตอนนี้แตรอัลไพน์ถูกแทนที่ด้วยทรัมเป็ต Arnold Schoenberg สร้างสรรค์ผลงานของเขา "Songs of Gurrelieder" สำหรับวงออเคสตราที่มีเครื่องดนตรี 150 ชิ้น

ศตวรรษที่ 20 เป็นศตวรรษแห่งอิสรภาพและการทดลองใหม่ๆ กับวงออเคสตรา วาทยกรกลายเป็นบุคคลโดยสมบูรณ์และมีซุปเปอร์สตาร์ของพวกเขาก็ลุกขึ้นมาในหมู่พวกเขา ความรับผิดชอบเพิ่มขึ้นหลายครั้ง แต่ก็ได้รับการยอมรับจากผู้ชมเช่นกัน

พื้นฐานของวงออเคสตราเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และบางครั้งผู้แต่งก็เพิ่มหรือถอดเครื่องดนตรีออกขึ้นอยู่กับเอฟเฟกต์ที่พวกเขาต้องการ บางครั้งนี่เป็นกลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันหรือเครื่องเป่าลมไม้และเครื่องทองเหลืองที่มีการขยายตัวอย่างมาก แต่องค์ประกอบของวงออเคสตรามีความเข้มแข็งและคงที่ส่วนใหญ่: เครื่องดนตรีโค้งจำนวนมากและกลุ่มลมขนาดเล็ก เครื่องเพอร์คัชชัน ฮาร์ป และคีย์บอร์ด

ผ่านมาหลายปีแล้วก็ยังใช้งานได้!