Obraz Mona Lisy zawsze był niesamowitym dziełem Leonarda da Vinci. Bardzo ciekawe historie związane z tą pracą. W tym artykule opowiemy Ci kilka fakty edukacyjne o obrazie Mona Lisa
Malarstwo Mony Lisy. Fakty, które zrobią na Tobie wrażenie:
Brwi i rzęsy Mony Lisy
Na obrazie Mona Lisa nie ma ani rzęs, ani brwi. Jednak w 2007 roku francuski inżynier użył aparatu o wysokiej rozdzielczości, aby odkryć delikatne pociągnięcia pędzlem w brwiach i rzęsach, które z czasem zniknęły, prawdopodobnie w wyniku nieostrożnej renowacji lub po prostu wyblakły.
Jest jeszcze jedna „Mona Lisa”
W Muzeum Prado w Hiszpanii znajduje się druga Mona Lisa, która prawdopodobnie została namalowana przez jednego z uczniów da Vinci. Jeśli nałożysz na siebie dwa obrazy Mony Lisy, pojawi się efekt 3D, który w rzeczywistości czyni ten obraz pierwszym stereoskopowym obrazem w historii.
Podejrzewano, że Pablo Picasso...
Kiedy w 1911 roku skradziono Mona Lisę, Pablo Picasso był przesłuchiwany w charakterze podejrzanego.
Delikatna praca..
Malując obraz Giocondy, Leonardo da Vinci stworzył około 30 warstw, z których wiele jest cieńszych niż ludzki włos.
Luźna atmosfera
Malując Monę Lisę artystka dbała o to, aby modelka była w doskonałym nastroju i aby się nie nudziła. W tym celu do występu specjalnie dla Mona Lisy zaproszono sześciu muzyków oraz a muzyczna fontanna, wymyślony przez samego da Vinci.
Odczytywano także na głos różne wspaniałe dzieła, a na miejscu obecny był kot perski i chart, na wypadek gdyby opiekunka chciała się z nimi pobawić.
Obraz nie został namalowany na płótnie
„Mona Lisa” została namalowana nie na płótnie, ale na płótnie trzy typy drewna o grubości około półtora cala.
12 długich lat...
Leonardo da Vinci wynalazł nożyczki, grał na altówce i spędził 12 lat malując usta Mony Lisy.
Mona Lisa i Napoleon
Obraz Mona Lisy wisiał w sypialni Napoleona.
Próba kubizmu...
Szwedzki projektant stworzył replikę Mony Lisy z pięćdziesięciu półprzezroczystych wielokątów.
Oszustwo stulecia...
Jak wiadomo, w 1911 roku z Luwru skradziono obraz „Mona Lisa”. Kradzieżą kierował argentyński oszust Eduardo de Valfierno, a wszystko po to, aby sprzedać sześć podróbek sześciu różnym kolekcjonerom na całym świecie. Nie postawiono mu żadnych zarzutów, ponieważ formalnie nie był zamieszany w porwanie.
Właśnie zabrałem to z muzeum...
W 1911 roku Vincenzo Perugia (pracownik Luwru i wytwórca luster) zapragnął zwrócić Mona Lisę z powrotem do Włoch po tym, jak obraz „został zdobyty przez Napoleona”. Perugia wszedł do Luwru, zdjął obraz ze ściany, zaniósł go na najbliższą klatkę schodową służbową, wyjął obraz z ramy, włożył pod płaszcz roboczy i opuścił muzeum, jakby nic się nie stało.
Bezczelny...
W 1956 roku boliwijski turysta rzucił kamieniem w Mona Lisę i uszkodził obraz.
Jaka jest cena Mona Lisy?
Koszt obrazu Mona Lisa szacuje się na około 782 miliony dolarów.
Mona Lisa z tostów..
W 1983 roku Tadahiko Ogawa stworzył kopię Mony Lisy składającą się w całości z O piec.
Uratuj przed nazistami
Podczas II wojny światowej Mona Lisa dwukrotnie była przenoszona z Luwru. A wszystko po to, aby nie wpadła ona w ręce nazistów.
Mona Lisa z wąsami
„Mona Lisa z wąsami” to dzieło autorstwa surrealistycznego artysty Marcela Duchampa. Nazwał obraz „L.H.O.O.Q.” , co po francusku oznacza „Mam gorącą dupę”.
Malowanie Mony Lisy z wąsami
Można kochać wiecznie...
W 1963 roku Mona Lisa była przez miesiąc wystawiana w Narodowej Galerii Sztuki. Obraz znajdował się pod całodobową ochroną amerykańskiej piechoty morskiej i pomimo wydłużenia godzin zwiedzania galerii, często zdarzało się, że ludzie stali w kolejce po około dwie godziny, aby chociaż rzucić okiem na obraz.
Najmniejsza kopia Mony Lisy
Najbardziej mikroskopijna kopia Mony Lisy ma rozmiar zaledwie 30 mikronów.
Autoportret
Istnieje wersja, według której portret Mony Lisy jest w rzeczywistości autoportretem da Vinci w kobiecym stroju.
Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura renesansu (renesans) Opublikowano 02.11.2016 16:14 Wyświetleń: 2542„Mona Lisa” („La Giaconda”) Leonarda da Vinci to do dziś jeden z najsłynniejszych obrazów sztuki zachodnioeuropejskiej.
Jego wielka sława związana jest zarówno z wysokimi walorami artystycznymi, jak i z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło. Tajemnicę tę zaczęto przypisywać obrazowi już nie za życia artysty, lecz w kolejnych wiekach, podsycając zainteresowanie nim sensacyjnymi doniesieniami i wynikami badań malarstwa.
Uważamy, że słuszna jest spokojna i wyważona analiza walorów tego obrazu i historii jego powstania.
Najpierw o samym zdjęciu.
Opis obrazu
Leonardo da Vinci „Portret Madame Lisy Giocondo. Mona Lisa” (1503-1519). Deska (topola), olej. 76x53 cm Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia kobietę (portret w połowie długości). Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opartą na podłokietniku, drugą na górze. Odwróciła się na krześle niemal twarzą do widza.
Jej gładkie włosy z przedziałkiem są widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon. Opadają na ramiona dwoma cienkimi, lekko falującymi pasmami. Żółta sukienka, ciemnozielona peleryna...
Niektórzy badacze (w szczególności Boris Vipper – Rosjanin, Łotysz, radziecki historyk sztuki, nauczyciel i działacz muzealny, jeden z założycieli rodzimej szkoły historyków sztuki zachodnioeuropejskiej) zwracają uwagę, że ślady mody Quattrocento widoczne są na obliczu Mona Lisa: ma ogolone brwi i włosy na czole.
Mona Lisa siedzi na krześle na balkonie lub loggii. Uważa się, że wcześniejsze zdjęcie mogłaby być szersza i pomieścić dwie boczne kolumny loggii. Być może sam autor zawęził to.
Za Mona Lisą znajduje się pusty teren z krętymi strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami; teren rozciąga się w kierunku linii wysokiego horyzontu. Krajobraz ten oddaje sam obraz kobiecego majestatu i duchowości.
V. N. Graszczenkow, rosyjski krytyk sztuki specjalizujący się w sztuce włoskiego renesansu, uważał, że Leonardo, między innymi dzięki krajobrazowi, zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: "W tym tajemniczy obraz stworzył coś więcej niż portret nieznanej florenckiej Mony Lisy, trzeciej żony Francesco del Giocondo. Wygląd i duchową strukturę konkretnej osoby oddaje on z niespotykaną dotąd syntetycznością... „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, widać całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.
Słynny uśmiech Giocondy
Uśmiech Mony Lisy uważany jest za jedną z najważniejszych tajemnic obrazu. Ale czy tak jest naprawdę?
Uśmiech Mony Lisy (fragment obrazu) – Leonardo da Vinci
Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu dziełach samego mistrza oraz wśród Leonardesków (artystów, których styl był testowany silny wpływ maniery Leonarda z okresu mediolańskiego, którzy należeli do jego uczniów lub po prostu przejęli jego styl). Oczywiście w Mona Lisie osiągnęła swoją doskonałość.
Spójrzmy na kilka zdjęć.
F. Melzi (uczeń Leonarda da Vinci) „Flora”
Ten sam lekki, błądzący uśmiech.
Obraz „Święta Rodzina”. Wcześniej przypisywano go Leonardowi, ale teraz nawet Ermitaż uznał, że jest to dzieło jego ucznia Cesare da Sesto
Ten sam lekki, błądzący uśmiech na twarzy Dziewicy Maryi.
Leonardo da Vinci „Jan Chrzciciel” (1513-1516). Luwr (Paryż)
Uśmiech Jana Chrzciciela również jest uważany za tajemniczy: dlaczego ten surowy Prekursor uśmiecha się i wskazuje w górę?
Kto był pierwowzorem La Giocondy?
Jest informacja od anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda da Vinci, do której nawiązuje Vasari. To właśnie ten anonimowy autor pisze o handlarzu jedwabiem Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony.
Ale ile było opinii na temat identyfikacji modelu! Założenia było wiele: był to autoportret samego Leonarda, portret matki artysty Kateriny, wymieniano różne nazwiska współczesnych artysty i współczesnych...
Jednak w 2005 roku naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu, studiując notatki na marginesach księgi florenckiego urzędnika, znaleźli notatkę: „...da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo była Lisa Gherardini. Obraz został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin drugiego syna. Ta zagadka jest już prawie rozwiązana.
Historia obrazu i jego przygody
Pełny tytuł obrazu brzmi „ Ritratto di Monna Lisa del Giocondo„(Włoski) - „Portret pani Lisy Giocondo”. Po włosku mam donnę Oznacza " moja pani”, w wersji skróconej wyrażenie to zostało przekształcone w monna Lub mona.
Obraz ten zajmował szczególne miejsce w twórczości Leonarda da Vinci. Po spędzeniu nad nim 4 lat i opuszczeniu w wieku dorosłym Włoch, artysta zabrał go ze sobą do Francji. Możliwe, że nie ukończył obrazu we Florencji, ale zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 r. Jeśli tak, ukończył go na krótko przed śmiercią w 1519 r.
Obraz stał się wówczas własnością jego ucznia i asystenta Salai.
Salai na rysunku Leonarda
Salai (zm. 1525) pozostawił obraz swoim siostrom mieszkającym w Mediolanie. Nie wiadomo, w jaki sposób portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Później przetransportował ją do Pałacu Wersalskiego rewolucja Francuska w 1793 obraz trafił do Luwru. Napoleon podziwiał La Giocondę w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wróciła do muzeum.
W czasie II wojny światowej obraz przewieziono z Luwru do zamku Amboise (gdzie zmarł i został pochowany Leonardo), następnie do opactwa Loc-Dieu, a następnie do Muzeum Ingres w Montauban. Po zakończeniu wojny La Gioconda wróciła na swoje miejsce.
W XX wieku obraz pozostał w Luwrze. Dopiero w 1963 odwiedziła USA, a w 1974 – Japonię. W drodze z Japonii do Francji w Muzeum wystawiono La Giocondę. A. S. Puszkina w Moskwie. Te wyjazdy zwiększyły jej sukces i sławę.
Od 2005 roku znajduje się w osobnym pomieszczeniu w Luwrze.
„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze
21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez pracownika Luwru, Włocha Vincenzo Perugię. Być może Perugia chciała przywrócić La Giocondę swojej historycznej ojczyźnie. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Była wystawiana w kilku Włoskie miasta a następnie wrócił do Paryża.
„La Gioconda” także doświadczyła aktów wandalizmu: oblano ją kwasem (1956), rzucono w nią kamieniem, po czym ukryto ją za kuloodporną szybą (1956), a także glinianym kubkiem (2009), próbowano spryskaj obraz czerwoną farbą z puszki (1974).
Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy oraz dzieł awangardowych artystów XX wieku. zaczął bezlitośnie wykorzystywać wizerunek Mony Lisy. Ale to zupełnie inna historia.
„La Gioconda” to jeden z najlepszych przykładów włoskiego gatunku portretu Wysoki renesans.
Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególnym sentymentem, a także wiele myślał w trakcie jego powstawania; w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach o technikach malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy””.
Wiadomość Vasariego
„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy
Ten rysunek z kolekcji Hyde'a w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.
Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.
Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.
Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.
Inny
Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).
Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:
O prawidłowej identyfikacji modelu Mony Lisy świadczyła notatka na marginesie.
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki
Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki w 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku uczeni, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.
Obraz
Opis
Kopia Mony Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć utracone kolumny
Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.
Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny
Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z której ten moment zachowały się dwie podstawy kolumn, których fragmenty widoczne są wzdłuż krawędzi attyki.
Loggia wychodzi na opuszczoną pustynię z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.
Kompozycja
Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.
Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak w prostej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym ruchu rąk, Mona Lisa należy do całkowicie do epoki klasyczny styl„. Michaił Ałpatow zauważa, że „Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”
Stan aktulany
„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.
Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już oddawać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy .”
Analiza
Technika
Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął sądzić, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania technika artystyczna zasługują na uwagę. A kiedy znalazł w osobie Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i trudne zadania techniki malarskiej, której jeszcze nie rozpracował. Chciał, za pomocą technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojej sławy sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, aby w pełni odsłoniły wewnętrzny świat człowieka. ”
Krajobraz za Mona Lisą
Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną, pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka otulająca twarz i sylwetkę, zmiękczająca kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.
Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienki tworzą ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.”
Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i choć krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”
Sceneria
Krytycy sztuki podkreślają, w jaki organiczny sposób artysta połączył cechy portretu osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.
Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy, gdy zostanie umieszczony na ciemnym, neutralnym tle
W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.
Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”
Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo także dzięki pejzażowi zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portretowy wizerunek nieznanej florenckiej Mony Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, widać całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.
„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, podobnie jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ręką człowieka, ale wewnętrzną siłą materii, która rodzi z roztworu kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz wyraźnie można dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodny” ton krajobrazu .
Miejsce malarstwa w rozwoju gatunku portretu
„Mona Lisa” jest uważana za jedną z najlepsze prace w gatunku portretu, który miał wpływ na dzieła Wysoki renesans i pośrednio przez nich - na cały dalszy rozwój gatunku, który „zawsze musi powracać do La Giocondy jako przykład nieosiągalny, ale obowiązkowy”.
Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV-wiecznych, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich”.
„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Nieznany artysta, koniec XVI wieku, Ermitaż
W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego narzędzia cechy psychologiczne. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz wydaje się prześwitywać wody morskie wydaje się takie odległe i nieuchwytne. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.
Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza.
Renoma obrazu
„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum
Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Do tego momentu zdjęcie nie zostało szczególnie zapamiętane połowa 19 wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli ją wychwalać, kojarząc ją ze swoimi wyobrażeniami na temat kobiecej mistyki. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .
Z nim wiąże się dalszy wzrost sławy obrazu tajemnicze zniknięcie początku XX w. i szczęśliwy powrót do muzeum kilka lat później (patrz poniżej rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuściła łamów gazet.
Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu, odkąd powrócił on do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski żony del Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.
Mona Lisa to jeden z najsłynniejszych obrazów współczesnej sztuki zachodnioeuropejskiej. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.
Wszyscy wiedzą, jaką nierozwiązywalną zagadkę zadaje Mona Lisa fanom tłoczącym się przed jej wizerunkiem już od niemal czterystu lat. Nigdy wcześniej artystka nie wyraziła istoty kobiecości (cytuję wersety wyrafinowanego pisarza ukrywającego się pod pseudonimem Pierre Corlet): „Czułość i bestialstwo, skromność i ukryta zmysłowość, wielka tajemnica powstrzymującego się serca, rozumowanie umysłu, osobowości zamkniętej w sobie, porzucającej innych, można jedynie kontemplować jej blask.” (Eugeniusz Muntz).
Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania dla wielu swoich kreatywne zadania(patrz sekcja Technika).
Uśmiech Giocondy
Uśmiech Mony Lisy to jedna z najbardziej znanych tajemnic obrazu. Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak dopiero w Mona Lisie osiągnął on swą doskonałość.
| Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter). |
Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.
Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „w całej sztuce światowej niewiele jest portretów, które pod względem siły wyrazu dorównują Mona Lisie”. osobowość człowieka ucieleśniającą się w jedności charakteru i intelektu. To właśnie niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od obrazy portretowe Quattrocento. Ta jego cecha jest postrzegana tym bardziej dotkliwie, że odnosi się do portret kobiety, w którym charakter modelki ujawnił się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”
Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „La Giocondy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że szukali tego, co indywidualne, subiektywne właściwości psychiczne na wzór Mony Lisy, choć nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do typowej duchowości. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.
Lazarev analizował to jako naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową receptą na psychologiczną rewitalizację, formułą, która niczym czerwona nić przebiega przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później stała się w rękach swoich uczniów i naśladowców, w tradycyjny znaczek. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególne części twarze. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Zdejmuje z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych, w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali biegnącej po wodzie.
Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zamrożony na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki widzieli najdoskonalszy obraz antagonizmu, jaki panuje kochać życie kobiety, powściągliwość i uwodzenie, ofiarna czułość i lekkomyślne żądanie zmysłowości, pochłaniające mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.”
Kopia z XVI w. znajdująca się w Ermitażu w Petersburgu
Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).
Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych
W chwili jego śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, zgodnie z wzmiankami w jego osobistych dokumentach, portretem kobiety o imieniu „La Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W odróżnieniu od innej wykadrowanej pracy Leonarda – „Portret Ginevry Benci”, której dolna część została wykadrowana w związku z uszkodzeniem przez wodę lub ogień, w w tym przypadku Przyczyny miały najprawdopodobniej charakter kompozycyjny. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.
Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni
Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.
W czasie II wojny światowej ze względów bezpieczeństwa obraz przewieziono z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a na koniec do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.
Wandalizm
W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził ją. warstwa farby w łokieć (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.
W sztuce
Kazimierz Malewicz. „Kompozycja z Mona Lisą”.
obraz:- Kazimierz Malewicz stworzył „Kompozycję z Moną Lisą” w 1914 roku.
- W 1919 roku Dadaista Marcel Duchamp stworzył dzieło „L.H.O.O.Q.”, które stało się punktem zwrotnym dla kolejnych dzieł artystów. , co było reprodukcją sławny obraz z zaciągniętymi wąsami.
- Fernand Léger namalował „Mona Lisę z kluczami” w 1930 roku.
- Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
- Andy Warhol w 1963 i 1978 stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisy” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
- Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.
- Przedstawiciel sztuki figuratywnej Fernando Botero napisał „Mona Lisa, 12 lat” w 1959 r., a w 1963 r. stworzył wizerunek Mony Lisy w charakterystyczny dla siebie sposób,
Prawdopodobnie nie ma już ich na świecie sławny obraz, Jak . Jest popularny we wszystkich krajach, szeroko powielany jako rozpoznawalny i chwytliwy obraz. W swojej czterostuletniej historii „Mona Lisa” była zarówno znakiem towarowym, jak i ofiarą porwania, została wymieniona w piosence Nat King Coli, jej imię cytowano w dziesiątkach tysięcy drukowanych publikacji i filmów , a wyrażenie „uśmiech Mony Lisy” stało się frazą trwałą, wręcz banalną.
Historia powstania obrazu „Mona Lisa”
Uważa się, że obraz przedstawia portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca tekstylnego Del Giocondo. Czas powstania ok. 1503-1505. Stworzył wspaniałe płótno. Być może, gdyby obraz namalował inny mistrz, nie byłby owiany tak gęstą zasłoną tajemnicy.
Ten mały kawałek sztuka o wymiarach 76,8 x 53 cm namalowana farbą olejną na desce z drewna topolowego. Obraz znajduje się w mieście, gdzie ma specjalne pomieszczenie nazwane jego imieniem. Sprowadził go na to miejsce sam artysta, który przeniósł się tu pod patronatem króla Franciszka I.
Mity i spekulacje
Trzeba powiedzieć, że aura legendy i niezwykłości otacza tylko to płótno ostatnie lata 100 plus, z lekka ręka Théophile Gautier, który pisał o uśmiechu Mony Lisy. Wcześniej współcześni podziwiali umiejętność artysty w przekazywaniu mimiki, wirtuozowskie wykonanie i dobór kolorów, żywotność i naturalność obrazu, ale nie widzieli w obrazie ukrytych znaków, podpowiedzi i zaszyfrowanych komunikatów.
W dzisiejszych czasach większość ludzi interesuje się słynną tajemnicą uśmiechu Mony Lisy. Jest tylko cieniem uśmiechu, lekkim ruchem kącików ust. Być może rozszyfrowanie uśmiechu zawarte jest w samym tytule obrazu – La Gioconda po włosku może oznaczać „wesoły”. Może przez te wszystkie stulecia Mona Lisa po prostu śmieje się z naszych prób rozwikłania jej tajemnicy?
Ten typ uśmiechu jest charakterystyczny dla wielu obrazów artysty, np. płótna przedstawiającego Jana Chrzciciela czy liczne Madonny (,).
Przez wiele lat przedmiotem zainteresowania była identyfikacja tożsamości prototypu, aż do momentu odnalezienia dokumentów potwierdzających realność istnienia prawdziwej Lisy Gherardini. Istnieją jednak twierdzenia, że obraz jest zaszyfrowanym autoportretem da Vinci, który zawsze miał nieszablonowe skłonności, czy nawet wizerunkiem jego młodego ucznia i kochanka, zwanego Salai – Małym Diabłem. Za tym ostatnim założeniem przemawiają m.in. fakt, że to Salai okazał się spadkobiercą Leonarda i pierwszym właścicielem La Giocondy. Ponadto imię „Mona Lisa” może być anagramem słowa „Mon Salai” (moje Salai po francusku).
Bardzo interesujące dla teoretyków spiskowych i zwolenników idei, że da Vinci należał do serii tajne stowarzyszenia reprezentuje także tajemniczy krajobraz w tle. Przedstawia dziwny teren, który do dziś nie został dokładnie zidentyfikowany. Został namalowany, podobnie jak cały obraz, techniką sfumato, tyle że w innej formie schemat kolorów, niebieskawo-zielonkawy i asymetryczny - Prawa strona nie pasuje do lewego. Poza tym w Ostatnio Pojawiły się zarzuty, że artysta zaszyfrował niektóre litery w oczach Giocondy i cyfry na wizerunku mostu.
Po prostu obraz lub arcydzieło
Nie ma sensu zaprzeczać wielkim walorom artystycznym tego obrazu. Jest to niekwestionowane arcydzieło renesansu i znaczące osiągnięcie w twórczości mistrza, nie bez powodu sam Leonardo wysoko cenił to dzieło i nie rozstawał się z nim przez wiele lat.
Większość ludzi przyjmuje masowy punkt widzenia i traktuje obraz jako obraz tajemniczy, arcydzieło przysłane nam z przeszłości przez jednego z najwybitniejszych i najbardziej utalentowanych mistrzów w historii sztuki. Mniejszość postrzega Mona Lisę jako obraz niezwykle piękny i utalentowany. Jego tajemnica polega jedynie na tym, że przypisujemy mu te cechy, które sami chcemy widzieć.
Na szczęście najbardziej ograniczoną grupę ludzi stanowią ci, którzy są oburzeni i zirytowani tym obrazem. Tak, to się zdarza, bo inaczej jak wytłumaczyć przynajmniej cztery przypadki wandalizmu, w wyniku których płótno jest teraz chronione grubą kuloodporną szybą.
Tak czy inaczej, „La Gioconda” nadal istnieje i zachwyca nowe pokolenia widzów swoim tajemniczym półuśmiechem i złożonymi nierozwiązanymi tajemnicami. Być może w przyszłości ktoś znajdzie odpowiedzi na istniejące pytania. Albo stworzy nowe legendy.
6 maja 2017 r
Jej tajemniczy uśmiech urzeka. Niektórzy widzą w tym boskie piękno, inni postrzegają to jako tajne znaki, a jeszcze inni postrzegają to jako wyzwanie dla norm i społeczeństwa. Ale wszyscy są zgodni co do jednego – jest w niej coś tajemniczego i atrakcyjnego.
Jaki jest sekret Mony Lisy? Istnieje niezliczona ilość wersji. Oto najpopularniejsze i najbardziej intrygujące.
To tajemnicze arcydzieło od wieków intryguje badaczy i historyków sztuki. Teraz włoscy naukowcy dodali kolejną warstwę intrygi, twierdząc, że da Vinci pozostawił na obrazie serię bardzo małych liter i cyfr. Patrząc pod mikroskopem, w prawym oku Mony Lisy widać litery LV.
A w lewym oku też widać jakieś symbole, ale nie tak zauważalne jak pozostałe. Przypominają litery CE lub literę B.
Na łuku mostu w tle obrazu znajduje się napis „72” lub „L2” albo litera L i cyfra 2. Również na obrazie znajduje się liczba 149 i czwarta wymazana cyfra po nich .
Dziś obraz ten o wymiarach 77x53 cm przechowywany jest w Luwrze za grubym, kuloodpornym szkłem. Obraz wykonany na desce topolowej pokryty jest siecią spękań. Przeszedł wiele niezbyt udanych renowacji i przez pięć stuleci wyraźnie pociemniał. Jednak im starszy staje się obraz, tym więcej ludzi przyciąga: Luwr odwiedza rocznie 8-9 milionów osób.
A sam Leonardo nie chciał rozstać się z Moną Lisą i być może jest to pierwszy raz w historii, kiedy autor nie oddał dzieła klientowi, mimo że pobrał za to wynagrodzenie. Portretem zachwycił się także pierwszy właściciel obrazu – po autorze – król Francji Franciszek I. Kupił go od da Vinci za niewiarygodne wówczas pieniądze – 4000 złotych monet i umieścił w Fontainebleau.
Napoleon również był zafascynowany Madame Lisą (jak nazywał Giocondę) i zabrał ją do swoich komnat w Pałacu Tuileries. A Włoch Vincenzo Perugia ukradł w 1911 roku arcydzieło z Luwru, zabrał je do domu i ukrywał się u niej przez całe dwa lata, aż do zatrzymania przy próbie przekazania obrazu dyrektorowi Galerii Uffizi... Jednym słowem: portret florenckiej damy przez cały czas przyciągał, hipnotyzował i zachwycał. ..
Jaki jest sekret jej atrakcyjności?
Wersja nr 1: klasyczna
Pierwszą wzmiankę o Mona Lisie znajdziemy u autora słynnych Żywotów, Giorgio Vasariego. Z jego twórczości dowiadujemy się, że Leonardo podjął się „wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, jego żony, a po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego”.
Pisarz podziwia kunszt artysty, umiejętność ukazywania „najdrobniejszych szczegółów, jakie potrafi przekazać subtelność malarstwa”, a co najważniejsze, uśmiech, który „jest tak przyjemny, że sprawia wrażenie, jakby kontemplowano boskość, a nie bóstwo”. istota ludzka." Historyk sztuki wyjaśnia tajemnicę jej uroku, stwierdzając, że „malując portret, on (Leonardo) trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli też błazny, którzy ją pocieszali i usuwali melancholię, jaką malarstwo zwykle wnosi portrety są malowane.” Nie ma wątpliwości: Leonardo jest niedoścignionym mistrzem, a koroną jego mistrzostwa jest ten boski portret. W obrazie jego bohaterki istnieje dwoistość związana z samym życiem: skromność pozy łączy się z odważnym uśmiechem, który staje się swego rodzaju wyzwaniem dla społeczeństwa, kanonów, sztuki...
Ale czy to naprawdę żona handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo, którego nazwisko stało się drugim imieniem tej tajemniczej damy? Czy to prawda, że historia o muzykach, którzy stworzyli odpowiedni nastrój naszej bohaterce? Sceptycy kwestionują to wszystko, powołując się na fakt, że Vasari miał 8 lat, gdy zmarł Leonardo. Nie mógł osobiście znać artysty ani jego modela, dlatego przedstawił jedynie informacje podane przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. Tymczasem pisarz napotyka także kontrowersyjne fragmenty w innych biografiach. Weźmy na przykład historię złamanego nosa Michała Anioła. Vasari pisze, że Pietro Torrigiani uderzył kolegę z klasy ze względu na swój talent, a Benvenuto Cellini tłumaczy tę urazę swoją arogancją i bezczelnością: kopiując freski Masaccio, podczas lekcji wyśmiewał każdy obraz, za co otrzymał od Torrigianiego cios w nos. Wersję Celliniego potwierdza złożona postać Buonarrotiego, o którym krążyły legendy.
Wersja nr 2: Matka Chińska
Lisa del Giocondo (z domu Gherardini) istniała naprawdę. Włoscy archeolodzy twierdzą nawet, że odnaleźli jej grób w klasztorze św. Urszuli we Florencji. Ale czy ona jest na zdjęciu? Wielu badaczy twierdzi, że Leonardo namalował portret z kilku modeli, ponieważ kiedy odmówił oddania obrazu handlarzowi tkanin Giocondo, pozostał on niedokończony. Mistrz całe życie udoskonalał swoje dzieło, dodając cechy innych modeli - uzyskując w ten sposób portret zbiorowy idealna kobieta swojej epoki.
Włoski naukowiec Angelo Paratico poszedł dalej. Jest pewien, że Mona Lisa to matka Leonarda, który w rzeczywistości był… Chińczykiem. Badacz spędził 20 lat na Wschodzie, studiując komunikację lokalne tradycje z włoskim renesansem i odkrył dokumenty świadczące o tym, że ojciec Leonarda, notariusz Piero, miał zamożnego klienta, a on miał niewolnika, którego sprowadził z Chin. Miała na imię Katerina - została matką geniusza renesansu. To właśnie fakt, że w żyłach Leonarda płynęła wschodnia krew, badacz wyjaśnia słynne „pismo Leonarda” – umiejętność pisania przez mistrza od prawej do lewej (tak dokonywano wpisów w jego pamiętnikach). Badacz dostrzegł także orientalne rysy na twarzy modelki i w krajobrazie za nią. Paratico sugeruje ekshumację szczątków Leonarda i przetestowanie jego DNA, aby potwierdzić jego teorię.
Oficjalna wersja mówi, że Leonardo był synem notariusza Piero i „miejscowej wieśniaczki” Kateriny. Nie mógł poślubić kobiety pozbawionej korzeni, ale wziął za żonę dziewczynę z rodziny szlacheckiej z posagiem, która okazała się jednak bezpłodna. Katerina wychowywała dziecko przez kilka pierwszych lat jego życia, a następnie ojciec przyjął syna do swojego domu. Prawie nic nie wiadomo o matce Leonarda. Ale rzeczywiście istnieje opinia, że artysta oddzielił się od matki wczesne dzieciństwo przez całe życie starał się odtworzyć na swoich obrazach wizerunek i uśmiech swojej matki. Założenie to przyjął Zygmunt Freud w swojej książce „Wspomnienia z dzieciństwa. Leonardo da Vinci” i zyskała wielu zwolenników wśród historyków sztuki.
Wersja nr 3: Mona Lisa jest mężczyzną
Widzowie często zauważają, że na wizerunku Mony Lisy, pomimo całej delikatności i skromności, jest pewien rodzaj męskości, a twarz młodej modelki, niemal pozbawiona brwi i rzęs, wydaje się chłopięca. Słynny badacz Mony Lisy, Silvano Vincenti, uważa, że to nie przypadek. Jest pewien, że Leonardo pozował… jako młody mężczyzna w kobiecej sukni. A to nie kto inny jak Salai – uczeń da Vinci, którego namalował na obrazach „Jan Chrzciciel” i „Anioł w ciele”, gdzie młody człowiek obdarzony jest tym samym uśmiechem co Mona Lisa. Historyk sztuki doszedł jednak do takiego wniosku nie tylko ze względu na zewnętrzne podobieństwo modeli, ale po przestudiowaniu fotografii w wysoka rozdzielczość, co pozwoliło zobaczyć Vincentiego w oczach modelki L i S – zdaniem eksperta – pierwszych liter imion autora zdjęcia i przedstawionego na nim młodego mężczyzny.
„Jan Chrzciciel” Leonarda Da Vinci (Luwr)
Za tą wersją przemawia także szczególna relacja – o której także wspomniał Vasari – pomiędzy modelką a artystą, która być może łączyła Leonarda i Salaia. Da Vinci nie był żonaty i nie miał dzieci. Jednocześnie istnieje dokument donosowy, w którym anonimowa osoba oskarża artystę o sodomię wobec pewnego 17-letniego chłopca Jacopo Saltarelliego.
Według wielu badaczy Leonardo miał kilku uczniów, a z niektórymi z nich był więcej niż blisko. Freud omawia także homoseksualizm Leonarda, potwierdzając tę wersję psychiatryczną analizą jego biografii i pamiętnika geniusza renesansu. Notatki Da Vinci na temat Salai są również uważane za argument na korzyść. Istnieje nawet wersja, że da Vinci pozostawił portret Salaia (ponieważ obraz jest wymieniony w testamencie ucznia mistrza), i od niego obraz trafił do Franciszka I.
Nawiasem mówiąc, ten sam Silvano Vincenti wysunął jeszcze jedno założenie: że obraz przedstawia pewną kobietę z orszaku Ludwika Sforzy, na którego dworze w Mediolanie Leonardo pracował w latach 1482–1499 jako architekt i inżynier. Wersja ta pojawiła się po tym, jak Vincenti zobaczył na odwrocie płótna cyfry 149. Jest to według badacza data namalowania obrazu, jedynie ostatnia cyfra została wymazana. Tradycyjnie uważa się, że mistrz zaczął malować Giocondę w 1503 roku.
Kandydatek do tytułu Mony Lisy konkurujących z Salaiem jest jednak wielu innych: są to Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, libertynka Caterina Sforza, pewna tajemnicza kochanka Lorenzo Medici a nawet pielęgniarka Leonarda.
Wersja nr 4: Gioconda to Leonardo
Kolejna nieoczekiwana teoria, na którą nawiązał Freud, znalazła potwierdzenie w badaniach Amerykanki Lillian Schwartz. Lilian jest pewna, że Mona Lisa to autoportret. Artystka i konsultantka graficzna w School of Visual Arts w Nowym Jorku w latach 80. XX wieku, porównała słynny „Autoportret Turyński” autorstwa artysty w średnim wieku z portretem Mony Lisy i stwierdziła, że proporcje twarzy ( kształt głowy, rozstaw oczu, wysokość czoła) były takie same.
A w 2009 roku Lilian wraz z historyczką-amatorką Lynn Picknett sprawiły społeczeństwu kolejną niesamowitą sensację: twierdzi, że Całun Turyński to nic innego jak odcisk twarzy Leonarda wykonany przy użyciu siarczanu srebra przy użyciu zasady Camera obscura.
Jednak niewielu wspierało Lilian w jej badaniach – teorie te nie należą do najpopularniejszych, wbrew poniższemu założeniu.
Wersja nr 5: arcydzieło z zespołem Downa
Gioconda cierpiał na chorobę Downa – do takiego wniosku doszedł w latach 70. angielski fotograf Leo Vala, gdy wymyślił sposób na „obrócenie” Mony Lisy z profilu.
W tym samym czasie duński lekarz Finn Becker-Christiansson zdiagnozował u Giocondy wrodzone porażenie twarzy. Jego zdaniem asymetryczny uśmiech mówi o odchyleniach psychicznych, aż do idiotyzmu włącznie.
W 1991 r Rzeźbiarz francuski Alain Roche zdecydował się na ucieleśnienie Mony Lisy w marmurze, ale nie wyszło. Okazało się, że z fizjologicznego punktu widzenia wszystko w modelu jest nie tak: twarz, ramiona i ramiona. Następnie rzeźbiarz zwrócił się do fizjologa, profesora Henri Greppo, i pozyskał specjalistę mikrochirurgii ręki, Jean-Jacquesa Conte. Wspólnie doszli do wniosku, że prawa ręka tajemniczej kobiety nie spoczywała na lewej, bo prawdopodobnie była krótsza i mogła powodować skurcze. Wniosek: prawa połowa ciała modelki jest sparaliżowana, co oznacza, że tajemniczy uśmiech to także tylko spazm.
Ginekolog Julio Cruz y Hermida zebrał pełną „dokumentację medyczną” Giocondy w swojej książce „Spojrzenie na Giocondę oczami lekarza”. Rezultatem był tak straszny obraz, że nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła. Według różnych badaczy cierpiała na łysienie (wypadanie włosów), wysoki poziom cholesterolu we krwi, odsłonięcia szyjek zębów, ich rozchwiania i utraty, a nawet alkoholizmu. Miała chorobę Parkinsona, tłuszczaka (łagodny guz tłuszczowy na prawym ramieniu), zeza, zaćmę i heterochromię tęczówki ( inny kolor oko) i astmę.
Kto jednak powiedział, że Leonardo był anatomicznie dokładny – a co jeśli tajemnica geniuszu tkwi właśnie w tej dysproporcji?
Wersja nr 6: dziecko pod sercem
Istnieje inna polarna wersja „medyczna” - ciąża. Amerykański ginekolog Kenneth D. Keel jest pewien, że Mona Lisa odruchowo skrzyżowała ręce na brzuchu, próbując chronić swoje nienarodzone dziecko. Prawdopodobieństwo jest wysokie, ponieważ Lisa Gherardini miała pięcioro dzieci (nawiasem mówiąc, pierworodny miał na imię Pierrot). Wskazówkę o słuszności tej wersji można odnaleźć w tytule portretu: Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (włoski) – „Portret pani Lisy Giocondo”. Monna to skrót od ma donna – Madonna, Matka Boża (choć oznacza także „moją panią”, panią). Krytycy sztuki często wyjaśniają geniusz obrazu właśnie dlatego, że przedstawia ziemską kobietę na obraz Matki Bożej.
Wersja nr 7: ikonograficzna
Jednak teoria, że Mona Lisa jest ikoną, nie ma miejsca Matka Boga zajmowane przez ziemską kobietę, popularną sama w sobie. Na tym polega geniusz dzieła i dlatego stało się ono symbolem początku Nowa era w sztuce. Kiedyś była sztuką służył kościołowi, rządowi i szlachcie. Leonardo udowadnia, że ponad tym wszystkim stoi artysta, że najcenniejsza jest twórcza idea mistrza. A świetnym pomysłem jest ukazanie dwoistości świata, a środkiem do tego jest wizerunek Mony Lisy, która łączy w sobie piękno boskie i ziemskie.
Wersja nr 8: Leonardo - twórca 3D
To połączenie zostało osiągnięte dzięki specjalnej technice wymyślonej przez Leonarda - sfumato (z włoskiego - „znikający jak dym”). Ten technika malownicza, kiedy farba jest nakładana warstwa po warstwie, co pozwoliło Leonardo stworzyć na obrazie perspektywę powietrzną. Artysta nałożył ich niezliczoną ilość warstw, a każda z nich była niemal przezroczysta. Dzięki tej technice światło odbija się i rozprasza na płótnie w różny sposób, w zależności od kąta patrzenia i kąta padania światła. Dlatego wyraz twarzy modelki ciągle się zmienia.
Naukowcy podsumowują, że Mona Lisa to pierwszy w historii obraz 3D. Kolejny przełom techniczny geniusza, który przewidział i próbował wdrożyć wiele wynalazków, które wdrożono wieki później (samolot, czołg, kombinezon do nurkowania itp.). Świadczy o tym wersja portretu przechowywana w Muzeum Prado w Madrycie, namalowana albo przez samego da Vinci, albo przez jego ucznia. Przedstawia ten sam model - tylko kąt jest przesunięty o 69 cm, dlatego eksperci uważają, że poszukiwano pożądanego punktu na obrazie, który da efekt 3D.
Wersja nr 9: tajne znaki
Sekretne znaki to ulubiony temat badaczy Mony Lisy. Leonardo to nie tylko artysta, to inżynier, wynalazca, naukowiec, pisarz i zapewne w swoim najlepszym obrazie zaszyfrował jakieś uniwersalne tajemnice. Najbardziej odważna i niesamowita wersja została wyrażona w książce, a następnie w filmie „Kod Da Vinci”. Jest to oczywiście powieść obyczajowa. Jednak badacze nieustannie wyciągają równie fantastyczne założenia w oparciu o pewne symbole znalezione na obrazie.
Wiele spekulacji wynika z faktu, że istnieje inny ukryty wizerunek Mony Lisy. Na przykład postać anioła lub pióro w rękach modelki. Istnieje również interesująca wersja Walerija Czudinowa, który odkrył w Mona Lisie słowa Yara Mara - imię rosyjskiej pogańskiej bogini.
Wersja nr 10: krajobraz przycięty
Wiele wersji nawiązuje także do krajobrazu, na tle którego ukazana jest Mona Lisa. Badacz Igor Ladov odkrył w nim cykliczność: wydaje się, że warto narysować kilka linii, aby połączyć krawędzie krajobrazu. Do złożenia wszystkiego brakuje zaledwie kilku centymetrów. Ale w wersji obrazu z Muzeum Prado znajdują się kolumny, które najwyraźniej były również w oryginale. Nikt nie wie, kto przyciął zdjęcie. Jeśli je zwrócisz, obraz rozwinie się w cykliczny pejzaż, który symbolizuje fakt, że życie ludzkie (w sensie globalnym) jest zaczarowane, tak jak wszystko w przyrodzie...
Wydaje się, że wersji rozwiązania zagadki Mony Lisy jest tyle, ilu ludzi próbuje zgłębić to arcydzieło. Na wszystko było miejsce: od podziwu nieziemskie piękno- przed rozpoznaniem pełna patologia. Każdy odnajduje w Mona Lisie coś swojego i być może właśnie tu manifestuje się wielowymiarowość i semantyczna wielowarstwowość płótna, która daje każdemu możliwość uruchomienia wyobraźni. Tymczasem tajemnica Mony Lisy pozostaje własnością tej tajemniczej pani, z lekkim uśmiechem na ustach...
Dziś eksperci twierdzą, że nieuchwytny półuśmiech Giocondy to celowo stworzony efekt, który Leonardo da Vinci wykorzystywał niejeden raz. Ta wersja powstała po niedawnym odkryciu wczesna praca„La Bella Principessa” Piękna księżniczka"), w którym artysta wykorzystuje podobną iluzję optyczną.
Tajemnica uśmiechu Mony Lisy polega na tym, że jest on zauważalny tylko wtedy, gdy widz patrzy ponad usta kobiety na portrecie, ale gdy tylko spojrzy na sam uśmiech, znika on. Naukowcy tłumaczą to złudzeniem optycznym, które powstaje w wyniku złożonej kombinacji kolorów i odcieni. Ułatwiają to cechy ludzkiego widzenia peryferyjnego.
Da Vinci stworzył efekt nieuchwytnego uśmiechu, stosując tzw. technikę „sfumato” („nieokreślony”, „nieokreślony”) – rozmyte kontury i specjalnie nałożone cienie wokół ust i oczu wizualnie zmieniają się w zależności od kąta, pod jakim patrzymy na obrazku. Dlatego uśmiech pojawia się i znika.
Naukowcy długo debatowali, czy efekt ten powstał świadomie i celowo. Portret „La Bella Principessa” odkryty w 2009 roku pozwala udowodnić, że da Vinci praktykował tę technikę na długo przed powstaniem „La Giocondy”. Na twarzy dziewczyny widać ten sam ledwo zauważalny półuśmiech, jak u Mony Lisy.
Porównując oba obrazy, naukowcy doszli do wniosku, że da Vinci również tam wykorzystał efekt widzenia peryferyjnego: kształt ust zmienia się wizualnie w zależności od kąta patrzenia. Jeśli spojrzysz bezpośrednio na usta, uśmiech nie będzie zauważalny, ale jeśli spojrzysz wyżej, kąciki ust wydają się unosić i uśmiech pojawia się ponownie.
Profesor psychologii i ekspert w tej dziedzinie percepcja wzrokowa Alessandro Soranzo (Wielka Brytania) pisze: „Uśmiech znika, gdy tylko widz próbuje go uchwycić”. Pod jego kierownictwem naukowcy przeprowadzili szereg eksperymentów.
Aby zademonstrować iluzję optyczną w działaniu, ochotnicy zostali poproszeni o spojrzenie na obrazy da Vinci z różnych odległości oraz dla porównania na obraz „Portret dziewczyny” jego współczesnego Pollaiuolo. Uśmiech był zauważalny tylko na obrazach Da Vinci, w zależności od określonego kąta widzenia. Ten sam efekt zaobserwowano podczas rozmywania obrazów. Profesor Soranzo nie ma wątpliwości, że zostało to celowo stworzone przez da Vinci złudzenie optyczne i rozwijał tę technikę przez kilka lat.
źródła