Krótki opis obrazu Powrót syna marnotrawnego. Esej na temat obrazu Rembrandta „Powrót syna marnotrawnego”. Obrazy: Otwarte źródła

25.02.2019

Wiek XVII słynie nie tylko z upadku Inkwizycji, ale także z tego, że spopularyzowała się fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym. Młody człowiek, który przejął swoją część spadku i ojca, udał się w podróż. Wszystko sprowadzało się do pijaństwa i hulanek, a później młody człowiek znalazł pracę jako pasterz świń. Po wielu trudach i trudnościach wrócił do domu, a jego ojciec przyjął go i zalał się łzami...

Artyści tamtych czasów zaczęli aktywnie wykorzystywać wizerunek pechowego syna, przedstawiając go grającego w karty lub oddającego się przyjemnościom z piękne damy. Była to aluzja do kruchości i znikomości przyjemności grzesznego świata.

Potem pojawił się Rembrandt Harmens van Rijn i w latach 1668-1669 stworzył płótno tak odmienne od ogólnie przyjętych kanonów. Aby zrozumieć i ujawnić najgłębszy sens tej fabuły artysta przeszedł trudny okres ścieżka życia– stracił wszystkich bliskich, ujrzał sławę i bogactwo, smutek i biedę.

"Powrót syn marnotrawny„- to żal po utraconej młodości, żal, że nie można zwrócić straconych dni i pożywienie dla umysłów wielu historyków i krytyków sztuki.

Spójrz na samo płótno - jest ponure, ale wypełnione specjalne światło skądś z głębin i demonstruje platformę przed bogatym domem. Zgromadziła się tu cała rodzina, niewidomy ojciec przytula klęczącego syna. To cała fabuła, ale płótno jest wyjątkowe przynajmniej pod względem technik kompozycyjnych.

Płótno jest bogate w specjalne wewnętrzne piękno, jest na zewnątrz brzydki, a nawet kanciasty. To tylko pierwsze wrażenie, które rozprasza tajemnicze światło wykraczające poza granice ciemności, zdolne przyciągnąć uwagę każdego widza i oczyścić jego duszę.

Rembrandt umieszcza główne postacie nie pośrodku, ale nieco przesunięte lewa strona– tak najlepiej oddaje się główna idea obrazu. Artysta podkreśla to, co najważniejsze, nie obrazami i szczegółami, ale światłem, które przenosi wszystkich uczestników wydarzenia na brzeg płótna.

Warto zauważyć, że saldo dla takich technika kompozytorska najstarszy syn staje w prawym rogu, a cały obraz podporządkowany jest złotej proporcji. Artyści wykorzystali to prawo do najlepszy obraz wszystkie proporcje. Ale Rembrandt okazał się pod tym względem wyjątkowy – zbudował płótno w oparciu o figury, które oddają głębię przestrzeni i ujawniają wzór reakcji, czyli reakcji na wydarzenie.

Głównym bohaterem biblijnej przypowieści jest syn marnotrawny, którego artysta przedstawił z ogoloną głową. W tamtych czasach łysi byli tylko skazani, dlatego młody człowiek spadał do najniższych warstw społecznych. Kołnierzyk jego garnituru jest oznaką luksusu, jaki kiedyś znał młody człowiek. Buty były wytarte niemal do dziur, a jeden spadł, gdy uklęknął – był to dość wzruszający i przejmujący moment.

Starzec, który obejmuje syna, jest przedstawiony w czerwonych szatach noszonych przez bogatych ludzi i sprawia wrażenie niewidomego. Co więcej, legenda biblijna o tym nie mówi, a badacze uważają, że cały obraz jest wizerunkiem samego artysty różne obrazy, które symbolizują duchowe odrodzenie.

Rembrandta

Wizerunek najmłodszego syna to wizerunek samego artysty, który postanowił odpokutować za swoje występki, oraz ziemskiego ojca i Boga, który wysłucha i być może przebaczy, to stary człowiek w czerwieni. Najstarszy syn, patrząc z wyrzutem na brata, jest sumieniem, a matka staje się symbolem miłości.

Na obrazku są jeszcze 4 postacie ukryte w cieniu. Ich sylwetki ukryte są w ciemnej przestrzeni, a badacze nazywają te obrazy braćmi i siostrami. Artysta przedstawiłby ich jako krewnych, gdyby nie jeden szczegół: przypowieść opowiada o zazdrości starszego brata wobec młodszego, ale Rembrandt wyklucza to, posługując się technika psychologiczna harmonia rodzinna. Liczby oznaczają wiarę, nadzieję, miłość, pokutę i prawdę.

Ciekawe jest również to, że sam mistrz pędzla nie jest uważany za osobę pobożną. Myślał i cieszył się ziemskie życie, posiadający samo myślenie zwyczajna osoba ze wszystkimi swoimi lękami i zmartwieniami. Najprawdopodobniej z tego powodu Powrót syna marnotrawnego jest ilustracją ludzkiej podróży do samopoznania, samooczyszczenia i duchowego wzrostu.

Ponadto środek obrazu jest uważany za odbicie wewnętrzny świat artysta, jego światopogląd. Jest obserwatorem stojącym z boku, chcącym uchwycić całą istotę tego, co się dzieje i wciągnąć widza w świat ludzkich losów i przeżyć.

Obraz przedstawia uczucie bezgranicznej radości z rodziny i ojcowskiej opieki. Pewnie dlatego głównym bohaterem można nazwać ojca, a nie syna marnotrawnego, który stał się powodem przejawów hojności.

Przyjrzyj się uważnie temu mężczyźnie - wydaje się starszy niż sam czas, a jego ślepe oczy są równie niewytłumaczalne, jak pomalowane na złoto łachmany młodzieńca. Dominującą pozycję ojca na obrazie potwierdza zarówno cichy triumf, jak i ukryty splendor. Odzwierciedla współczucie, przebaczenie i miłość.

... Rembrandt zmarł w wieku 63 lat. Był to stary, biedny, zły i chory starzec. Notariusz szybko spisał swój dobytek: parę bluz, kilka chusteczek do nosa, kilkanaście beretów, przybory malarskie i Biblię.

Mężczyzna westchnął i przypomniał sobie, że artysta urodził się w biedzie. Ten chłop wiedział wszystko, a jego życie przypominało żywioł, kołyszący jego duszę na falach triumfu i wielkości, sławy i bogactwa, prawdziwej miłości i niewiarygodnych długów, znęcania się, pogardy, bankructwa i biedy.

Przeżył śmierć dwóch kochanych kobiet, został porzucony przez uczniów i wyśmiewany przez społeczeństwo, ale Rembrandt pracował tak, jak robił to u szczytu swojego talentu i sławy. Artysta wciąż kreślił fabułę przyszłego płótna, dobierając kolory, światło i cień.

Jeden z najwięksi mistrzowie pędzel umarł zupełnie sam, ale odkrył malarstwo jako drogę do tego, co najlepsze, jako jedność istnienia obrazu i myśli. Jego praca ostatnie lata- to nie tylko refleksja nad znaczeniami opowieść biblijna o synu marnotrawnym, ale także o umiejętności zaakceptowania siebie bez niczego i przebaczenia najpierw sobie, zamiast szukać przebaczenia u Boga lub sił wyższych.

Działka

Obraz przedstawia końcowy epizod przypowieści, kiedy syn marnotrawny wraca do domu, „a gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i ucałował go”, a jego starszy prawy brat, który został z ojcem, rozgniewał się i nie chciał wejść.

Opis

To największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, Dürera i Łukasza z Lejdy, którzy przedstawiali syna marnotrawnego ucztującego albo w rozpustnym towarzystwie, albo ze świniami, Rembrandt skupił się na istocie przypowieści – spotkaniu ojca z synem i przebaczeniu.

Kilka osób zebrało się na niewielkim obszarze przed domem. Po lewej stronie obrazu ukazany jest klęczący syn marnotrawny, odwrócony tyłem do widza. Jego twarzy nie widać, głowa jest wpisana profil perdu. Ojciec delikatnie dotyka ramion syna, obejmując go. Obraz - klasyczny przykład kompozycje, w których najważniejsze jest mocno przesunięte od centralnej osi obrazu, aby jak najdokładniej ujawnić główną ideę dzieła. „Rembrandt podkreśla światłem to, co najważniejsze na obrazie, skupiając na tym naszą uwagę. Centrum kompozycji znajduje się niemal na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję z postacią swojego najstarszego syna stojącą po prawej stronie. Umiejscowienie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej odległości od wysokości odpowiada prawu złotego podziału, którym artyści posługiwali się od czasów starożytnych, aby osiągnąć jak największą wyrazistość swoich dzieł.

Głowa syna marnotrawnego, ogolona na wzór skazańca i podarte ubranie wskazują na jego upadek. Kołnierzyk zachowuje nutę dawnego luksusu. Buty są zniszczone, a wzruszającym szczegółem jest to, że jeden spadł, gdy syn uklęknął. W głębi widać ganek, a za nim dom ojca. Mistrz umieścił główne postacie na styku przestrzeni obrazowej i rzeczywistej (później płótno umieszczono na dole, ale zgodnie z planem autora jego dolna krawędź znajdowała się na wysokości palców u stóp klęczącego syna). „Głębia przestrzeni wyraża się poprzez konsekwentne osłabienie światła i cienia kontrasty kolorów, zaczynając od pierwszego planu. Właściwie budują go postacie świadków sceny przebaczenia, stopniowo rozpływające się w półmroku”. „Mamy zdecentralizowany skład główna grupa(węzeł zdarzenia) po lewej stronie i cezura oddzielająca go od grupy świadków zdarzenia po prawej stronie. Wydarzenie powoduje, że uczestnicy sceny reagują odmiennie. Fabuła zbudowana jest według schematu kompozycyjnego „odpowiedzi”.

Drobne postacie

Kobieta w lewym górnym rogu

Oprócz ojca i syna zdjęcie przedstawia jeszcze 4 postacie. Są to ciemne sylwetki, które trudno rozróżnić ciemne tło, ale kim oni są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami głównego bohatera”. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktów: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie zostaje w żaden sposób zakłócona.

Pracownica Ermitażu Irina Linnik uważa, że płótno Rembrandta ma pierwowzór w drzeworycie Cornelisa Antonissena (1541), na którym także klęczący syn i ojciec są przedstawieni w otoczeniu postaci. Ale na rycinie widnieją te postacie - Wiara, Nadzieja, Miłość, Pokuta i Prawda. Na niebie rycina głosi „Bóg” po grecku, hebrajsku i łacinie. Rentgen obrazu Ermitażu wykazał początkowe podobieństwo obrazu Rembrandta do szczegółów wspomnianej ryciny. Nie da się jednak przeprowadzić bezpośredniej analogii - obraz jedynie dalece przypomina jedną z alegorii Antonissena (najdalszą i niemal znikającą w ciemności), która przypomina alegorię Miłości, a na dodatek ma czerwony medalion w kształt serca. Być może jest to obraz matki syna marnotrawnego.

Drobne postacie po prawej stronie obrazu

Dwie postacie w tle, umieszczone pośrodku (najprawdopodobniej kobieta, być może służąca lub inna personifikowana alegoria oraz mężczyzna) są trudniejsze do odgadnięcia. Siedzący młodzieniec z wąsami, jeśli podążać za fabułą przypowieści, może być drugim, posłusznym bratem. Istnieją spekulacje, że tak naprawdę drugi brat to poprzednia „kobieca” postać przytulająca kolumnę. Co więcej, być może nie jest to zwykła kolumna - kształtem przypomina filar Świątyni Jerozolimskiej i może równie dobrze symbolizować filar Prawa, a fakt, że kryje się za nią sprawiedliwy brat, nabiera znaczenia symbolicznego.

Postać przyciąga uwagę badaczy ostatni świadek, znajdujący się po prawej stronie obrazu. Ona gra ważna rola w kompozycji i napisany prawie tak jasno, jak główny postacie. Jego twarz wyraża współczucie, a noszony przez niego płaszcz podróżny i laska w rękach sugerują, że podobnie jak syn marnotrawny jest samotnym wędrowcem. Izraelska badaczka Galina Lubań uważa, że obraz ten wiąże się z postacią Wiecznego Żyda. Według innych założeń jest on najstarszym synem, co nie pokrywa się z wiekowym opisem postaci Nowego Testamentu, chociaż jest też brodaty i ubrany jak ojciec. Jednak to bogate ubranie jest także zaprzeczeniem tej wersji, gdyż według Ewangelii, usłyszawszy o powrocie brata, pobiegł prosto z pola, gdzie najprawdopodobniej przebywał odzież robocza. Niektórzy badacze widzą na tej figurze autoportret samego Rembrandta.

Flecista

Istnieje również wersja, w której dwie postacie po prawej stronie obrazu: młodzieniec w berecie i stojący mężczyzna to ten sam ojciec i syn, którzy są przedstawieni na drugiej połowie, ale dopiero przed opuszczeniem domu przez syna marnotrawnego w stronę hulanek. Płótno zdaje się zatem łączyć w sobie dwa plany chronologiczne. Sugerowano, że te dwie postacie przedstawiają celnika i faryzeusza z przypowieści ewangelicznej.

Z profilu w formie płaskorzeźby z prawa strona Stały świadek przedstawia muzyka grającego na flecie. Być może jego postać przypomina muzykę, która za kilka chwil wypełni dom jego ojca dźwiękami radości.

Fabuła

Rysunek z 1642 roku

Rycina z 1636 roku

Autoportret z Saskią na kolanach

Okoliczności stworzenia

Nie jest to jedyna praca artysty o tej tematyce, choć stworzył prace o innym składzie. W 1636 r. stworzył rycinę, a w 1642 r. rysunek (Muzeum Teylera w Haarlemie). W 1635 roku stworzył obraz „Autoportret z Saskią na kolanach”, który odzwierciedlał epizod legendy o marnotrawnym synu, który roztrwonił spadek po ojcu.

Okoliczności powstania obrazu są tajemnicze. Uważa się, że powstał w ostatnim roku życia artysty. Zmiany i poprawki oryginalny plan malowidła widoczne na promieniach rentgenowskich wskazują na autentyczność płótna.

Tradycyjne datowanie na lata 1668-1669 przez niektórych uważane jest jednak za kontrowersyjne. Historycy sztuki G. Gerson i I. Linnik zaproponowali datowanie obrazu na rok 1661 lub 1663.

Temat żydowski

Rembrandt mieszkał w Amsterdamie, centrum handlu żydowskiego, i aktywnie komunikował się z miejscowymi Żydami. Wiele jego obrazów poświęconych jest Żydom, a on wykorzystywał Żydów jako modele swoich obrazów biblijnych.

Żydowska księga „Kol Bo”, starożytny zbiór rytuałów i zasad, rozdział „Teszuwa”, wykorzystująca alegorię spotkania ojca i syna, którzy stracili wiarę w Boga (odmiana przypowieści), ukazała się w Amsterdamie w latach XVII wiek. Podobno wydał ją pierwszy wydawca miasta – Menasze ben Izrael, przyjaciel i sąsiad Rembrandta, który ilustrował jego publikacje. Dla Żydów żyjących w tolerancyjnej religijnie Holandii po surowych krajach katolickich Teszuwa – powrót do judaizmu – stała się zjawiskiem masowym. Ciekawe, że Menasze ben Izrael wybrał Wiecznego Żyda na swoje godło.

Pochodzenie

Do Ermitażu wszedł z paryskiej kolekcji Andre d'Ansezena, ostatniego księcia de Cadrousse w 1766 r. (na rok przed śmiercią) - na polecenie Katarzyny kupił ją książę Dmitrij Aleksiejewicz Golicyn, Ansezen odziedziczył swoją kolekcję po żonie, która pochodziła z rodziny Colbertów, a jej dziadek Charles Colbert wykonywał dla Ludwika XIV ważne misje dyplomatyczne w Holandii, gdzie być może nabył obraz.

W kulturze

Literatura

Luban, Galina. Powrót syna marnotrawnego. Więcej niż oko może zobaczyć. M., 2007.

Spinki do mankietów

Notatki

Rembrandta Harmensa van Rijna
Obrazy	Portret Jakuba de Geyn III (1632) Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632) Syn marnotrawny w karczmie (1635) Kamienny most (1638) Portret Marii Trip (1639) Nocna straż (1642) Danae (1636- 1647) · Arystoteles z popiersiem Homera (1653) · Zaparcie się Piotra (1660) · Konspiracja Juliusa Civilisa (1661) · Syndycy (1662) · Żydowska panna młoda (1665) · Powrót syna marnotrawnego (1666-1669)
Ryciny	Chrystus uzdrawiający chorych (1643-1649) Trzy drzewa (1643) Faust (1652) Trzy krzyże (1653)

Fundacja Wikimedia. 2010.

Rembrandt Harmens van Rijn zmarł w październiku 1669 r. Miał 63 lata. Był stary, chory i biedny. Notariusz nie musiał poświęcać dużo czasu na sporządzenie inwentarza majątku artysty. Inwentarz był krótki: „trzy znoszone bluzy, osiem chusteczek, dziesięć beretów, przybory malarskie, jedna Biblia”.

Życie chłopa Rembrandta van Rijna, który dzięki swemu geniuszowi wyniósł się ponad swoje pochodzenie, można porównać do zmiennych żywiołów morza. Był triumf i wielkość, chwała i bogactwo, prawdziwa miłość i kolosalne długi, znęcanie się, bankructwo, pogarda, bieda.

Fantastyczna technika, wyrazista i cięty język obrazy urzekały współczesnych. Rembrandt jest innowatorem. To nie przypadek, że miał wielu uczniów, wielbicieli i jeszcze bardziej zazdrosnych ludzi. Jego autorytet w okresie rozkwitu twórczości był niekwestionowany i został zredukowany do zera przez dziką zazdrość kolegów po upadku amsterdamskiego malarza. Oczywiście kapryśna moda nie odegrała tutaj roli. ostatnia rola. Wielu jego uczniów, wstając, odwróciło się od Rembrandta i za jego plecami z pogardą nazywało go „starym czarnoksiężnikiem”.

Samotny, który przeżył śmierć dwóch ukochanych kobiet, bliskiego mu syna i synowej, opuszczony przez uczniów, wyśmiewany przez społeczeństwo, nie pamiętający siebie z ostatniego roku życia, pogrążony jest w pracy właśnie jak w czasach swojej chwały.

Malarstwo zawsze było dla Rembrandta inne, inny świat, w którym może istnieć tylko myśl i słowo. A jego twórczość jest długą i głęboką refleksją. Łącznie z Biblią. Podręcznik Rembrandta. Historia biblijna zawsze interesowała artystę, jakby znajdował w niej nie tylko temat do malowania, ale także pocieszenie dla swojej rozchwianej duszy.

1636 Akwaforta „Powrót syna marnotrawnego”

Początkowo były to ryciny małoformatowe (ryciny na metalu – przyp. red.). historie ewangeliczne, w którym artysta eksperymentował ze światłem i cieniem. Mogą to być albo szkice przyszłych obrazów, albo niezależna praca. Nawiasem mówiąc, ryciny Rembrandta cieszyły się ogromną popularnością wśród klientów i koneserów sztuki. Ryciny wykonane techniką suchego pędzla (wzór rysuje się twardą igłą bezpośrednio na metalowej desce, a nie na warstwie werniksu kwasoodpornego, jak w przypadku akwaforty) kupowano z przyjemnością (najsłynniejszy „Chrystus, który uzdrawiał Chory”, „Oto człowiek”, „Chrystus w Emaus”) i przyniósł Rembrandtowi poważne dochody. Jest to zaskakujące także dlatego, że w ówczesnej protestanckiej Holandii obrazy o tematyce religijnej nie były już popularne. Rembrandt był niemal jedynym holenderskim malarzem, do którego się zwrócił kluczowe historie Pismo Święte. Oczywiście nie tylko w akwafortach, ale także na dużych płótnach.

„Powrót syna marnotrawnego”

Słynny obraz „Powrót syna marnotrawnego”, jeden z najnowsze prace Rembrandta. Został napisany w roku jego śmierci i stał się szczytem jego talentu. A co jeszcze Rembrandt mógłby napisać poza tematem, który przez całe życie brzmiał jak refren?

Historia syna marnotrawnego w twórczości Rembrandta

Przypowieść o synu marnotrawnym znajdujemy w Ewangelii Łukasza. Opowiada o młodzieńcu, który opuścił dom ojca i roztrwonił swój spadek. Spędzał dni na bezczynności, rozpuście i pijaństwie, aż znalazł się na podwórzu, gdzie jadł z tego samego koryta co świnie. Znajdując się w rozpaczliwej sytuacji i całkowitym ubóstwie, młody człowiek wraca do ojca, gotowy zostać jego ostatnim niewolnikiem. Ale zamiast pogardy znajduje królewskie powitanie, zamiast gniewu - przebaczającą, głęboką i czułą ojcowską miłość.

Co najmniej trzy razy w życiu Rembrandt odwołuje się do przypowieści o synu marnotrawnym.

1633 „Autoportret z Saskią”

Po raz pierwszy w 1633 roku na płótnie „Autoportret z Saskią na kolanach”. Obraz został namalowany przez Rembrandta w szczęśliwym dla niego okresie. Właśnie poślubił córkę burmistrza Saskii van Uylenburch, którą bardzo kochał. I to był ich pierwszy i ostatni (poza rysunkami) wspólny portret. Na zdjęciu elegancki ubrana dziewczyna, młody i piękny. Zachowuje się wtedy dość niepoważnie, bo siedzi na kolanach młody człowiek, który przytulił jej giętką sylwetkę. Młody człowiek to dandys, beztroski dandys w aksamitnej kamizelce i kapeluszu z ogromnym strusim piórem. Jest pogodny i zadowolony z siebie: ma uwagę damy, w dłoni kieliszek wina musującego, na bogato zastawionym stole zastawiony jest obfity obiad. Rembrandt przedstawił siebie i swoją ukochaną w beztroskiej rozrywce, w radości, w ekstazie życia i ludzkiego szczęścia.

To prawda, że \u200b\u200bw lewym górnym rogu płótna widzimy tablicę łupkową. Takie tablice wisiały zwykle w tawernach i wypisywała na nich cenę tego, co wypito i zjedzono. Czy była to wskazówka dla widza, że za wszystko w życiu trzeba zapłacić, czy po prostu kompozycja obrazu wymagała miejsca w rogu. Przed współczesnymi obraz, na którym widzowie rozpoznali młodą parę, pojawił się pod tytułem „Syn marnotrawny w karczmie” („Święto syna marnotrawnego”). Tytuł ten wyraża zarówno dumną autoironię, jak i bunt młody artysta, który rzucił wyzwanie prymitywnym holenderskim mieszczanom. Jednak nie został zrozumiany. Gatunek portretu był popularny wśród bogaczy z Amsterdamu, a kolejny obraz Rembrandta uczynił go jeszcze bardziej sławnym i poszerzył krąg klientów.

W 1636 roku Rembrandt stworzył akwafortę „Syn marnotrawny”. Ręka mistrza buduje przestrzeń: nakreśla pejzaż, ukazuje drobne postacie bez zbędnych szczegółów i skupia całą uwagę na dwójce głównych bohaterów – ojcu i synu. W klęczącej postaci obdartusa, przyciskającego policzek do szaty ojca, w jego wyczerpanej próbami i zarośniętej twarzy, w jego niemal bezwładnych dłoniach i konwulsyjnie zakrzywionych palcach widać skruchę. A w ojcu, biegnącym do syna tak, że nawet but mu spadł z nogi, a laska stoczyła się po schodach, w brwiach ściągniętych z goryczy czytamy tylko miłość. Prawdziwa i żarliwa miłość przekazanego serca.

Tragedia artysty – „Umrzeć kilka razy”

Port w Amsterdamie roił się od statków handlowych, nad którymi powiewały flagi różnych krajów. Rembrandt często tu przyjeżdżał, bo był zapalonym kolekcjonerem. Kupował wszystko: obrazy, rysunki, koronki, jedwab, brokat, aksamit, broń, muszle, wazony, instrumenty muzyczne- wszystko, co wydawało mu się piękne, niesamowite, niepowtarzalne. Patrzyłem, wdychałem, pamiętałem i ucieleśniałem to wszystko w moich obrazach. Nigdy nie był za granicą ani nie widział mistrzów Włoch. Uważał, że to wszystko mu się nie przyda, bo ma własne wrażenia i kolekcję. A kolekcja Rembrandta była naprawdę wspaniała. Jaka jest wartość jednego teczki z rysunkami Leonarda da Vinci, który kupił albo w porcie w Amsterdamie, albo na aukcji, albo wymienił za sto guldenów na własną akwafortę od handlarza dziełami sztuki.

A teraz został pozbawiony tego, co cenił. Kolekcję rozkradzili wierzyciele niczym sępy. Pozostaje tylko zachować w pamięci to, co widziałeś. Śmierć odebrała mu Hendrikje, wierną służebnicę, która została jego żoną i matką sieroty Tytusa (syna z pierwszego małżeństwa z Saskią)… jego Hendrikje, która nie oddała Rembrandta (nie mógł się z nią ożenić, gdyż pozbawiłby syna dziedzictwa swojej naturalnej matki) i za to została ekskomunikowana z Kościoła. Konsumpcja dotknęła ukochanego syna Tytusa, jedynego, który był mu naprawdę bliski duchowo. Nadchodząca chwała zabrała ostatniego ucznia Aarta de Geldera, „dziedzica starego króla”. Szaleństwo i rozpacz zabiły młodą synową, która mieszkała z mężem zaledwie siedem miesięcy.

Po tych wszystkich stratach Rembrandt zdawał się nie mówić. Nieszczęścia zniechęcały, ogłuszały i raniły starca. Choroba nie pozwalała mu utrzymać pędzla, przywiązywał go do ręki lub brał szpachelkę. Jego oczy nie chciały widzieć, więc uzbroił się w szkło powiększające. Tworzył dalej, jakby malarstwo było dla niego życiodajnym źródłem, z którego nie mógł pić.

Obraz 1669 „Powrót syna marnotrawnego”

1669 Rembrandt rozgrywa na oczach widza ludzki dramat. Farby nakładają się na płótno grubymi pociągnięciami. Są ciemne. Artysta nie przejmuje się postaciami drugoplanowymi, nawet jeśli jest ich całkiem sporo. Uwaga ponownie skupia się na ojcu i synu. Stary ojciec, zgarbiony w żalu, zwraca się twarzą do widza. Na tej twarzy jest ból i oczy zmęczone płaczem, i szczęście. długo oczekiwane spotkanie. Syn jest do nas odwrócony tyłem. Zakopał się jak dziecko w królewskiej szacie swego ojca. Nie wiemy, co wyraża jego twarz. Ale popękane pięty, goła czaszka włóczęgi i biedne ubranie mówią wystarczająco dużo. Jak dłonie ojca ściskające ramiona młodego mężczyzny. Dzięki spokojowi tych rąk, przebaczających i wspierających, Rembrandt już jest w środku ostatni raz opowiada światu uniwersalną przypowieść o bogactwie, namiętnościach i występkach, pokucie i przebaczeniu. „...Wstanę, pójdę do mojego ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego ze swoich najemników. Wstał i poszedł do ojca. A gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się nad nim; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i pocałował go”. (Łukasz 15:18-21).

Znacznie później Van Gogh bardzo trafnie powiedział o Rembrandcie: „Aby tak malować, trzeba kilka razy umrzeć... Rembrandt wnika w tajemnicę tak głęboko, że mówi o przedmiotach, na które nie ma słów w żadnym języku. Dlatego Rembrandt nazywany jest: czarodziejem. A to nie jest proste rzemiosło.”

Powrót syna marnotrawnego, ok. 1666-69

„Powrót syna marnotrawnego” – sławny obraz Rembrandta na podstawie nowotestamentowej przypowieści o synu marnotrawnym.

Pewien człowiek miał dwóch synów; a najmłodszy z nich powiedział do ojca: Ojcze! daj mi następną część majątku. I ojciec podzielił dla nich majątek. Po kilku dniach młodszy syn Zebrawszy wszystko, udał się na drugi brzeg i tam roztrwonił swój majątek, żyjąc rozpustnie. A gdy już wszystko przeżył, nastał w owej krainie wielki głód i zaczął odczuwać niedostatek; i poszedł, zaczepił jednego z mieszkańców tej krainy i wysłał go na swoje pola, aby pasł świnie; i chętnie napełnił swój brzuch rogami, które jadły świnie, ale nikt mu tego nie dał. Kiedy opamiętał się, powiedział: „Ilu najemników mojego ojca ma pod dostatkiem chleba, a ja umieram z głodu; Wstanę, pójdę do mojego ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego ze swoich najemników.
Wstał i poszedł do ojca. A gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się nad nim; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i pocałował go. Syn mu rzekł: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem. I rzekł ojciec do swoich sług: Przynieście najlepszą szatę i ubierzcie go, i dajcie mu pierścień na rękę i sandały na nogi; i przyprowadź tuczne cielę, i zabij je; Jedzmy i bawmy się! Bo ten mój syn był umarły, a ożył, zaginął, a odnalazł się. I zaczęli się dobrze bawić.
Jego najstarszy syn był w polu; a gdy wrócił, zbliżył się do domu, usłyszał śpiew i radość; i zawoławszy jednego ze sług, zapytał: co to jest? Odpowiedział mu: «Przyszedł twój brat i twój ojciec zabił tuczne cielę, bo przyjął je zdrowe». Rozzłościł się i nie chciał wejść. Wyszedł jego ojciec i zawołał go. Ale on odpowiedział ojcu: Oto tyle lat ci służę i nigdy nie złamałem twoich poleceń, ale nie dałeś mi nawet koźlęcia, abym mógł się bawić z przyjaciółmi; a kiedy przyszedł ten twój syn, który roztrwonił swój majątek z nierządnicami, zabiłeś dla niego utuczone cielę. Powiedział mu: Mój synu! Ty zawsze jesteś ze mną i wszystko moje jest twoje, więc trzeba było się radować i cieszyć, że ten twój brat umarł, a ożył, zaginął i odnalazł się.

Łukasza 15:11-32

Fabuła obrazu

Opis

To największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, Durera i Łukasza z Lejdy, którzy przedstawiali syna marnotrawnego ucztującego albo w rozpustnym towarzystwie, albo ze świniami, Rembrandt skupił się na istocie przypowieści – spotkaniu ojca z synem i przebaczeniu.

Kilka osób zebrało się na niewielkim obszarze przed domem. Po lewej stronie obrazu ukazany jest klęczący syn marnotrawny, odwrócony tyłem do widza. Jego twarzy nie widać, jego głowa jest zapisana w profilu perdu. Ojciec delikatnie dotyka ramion syna, obejmując go. Obraz jest klasycznym przykładem kompozycji, w której to, co najważniejsze, jest mocno odsunięte od centralnej osi obrazu, aby jak najdokładniej oddać główną ideę dzieła. „Rembrandt podkreśla światłem to, co najważniejsze na obrazie, skupiając na tym naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się niemal na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję z postacią swojego najstarszego syna stojącą po prawej stronie. Umieszczenie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej odległości od wysokości odpowiada prawu złotego podziału, którym artyści posługiwali się od czasów starożytnych, aby osiągnąć jak największą wyrazistość swoich dzieł.”

Głowa syna marnotrawnego, ogolona na wzór skazańca i podarte ubranie wskazują na jego upadek. Kołnierzyk zachowuje nutę dawnego luksusu. Buty są zniszczone, a wzruszającym szczegółem jest to, że jeden spadł, gdy syn uklęknął. W głębi widać ganek, a za nim dom ojca. Mistrz umieścił główne postacie na styku przestrzeni obrazowej i rzeczywistej (później płótno umieszczono na dole, ale zgodnie z planem autora jego dolna krawędź znajdowała się na wysokości palców u stóp klęczącego syna). „Głębia przestrzeni oddana jest poprzez konsekwentne osłabienie kontrastów światła i cienia oraz kolorów, począwszy od pierwszego planu. Właściwie budują go postacie świadków sceny przebaczenia, stopniowo rozpływające się w półmroku”. „Przed nami zdecentralizowana kompozycja z grupą główną (węzłem wydarzenia) po lewej stronie i cezurą oddzielającą ją od grupy świadków zdarzenia po prawej stronie. Wydarzenie powoduje, że uczestnicy sceny reagują odmiennie. Fabuła zbudowana jest według schematu kompozycyjnego „odpowiedzi”.

Drobne postacie

Oprócz ojca i syna zdjęcie przedstawia jeszcze 4 postacie. To ciemne sylwetki, które trudno odróżnić na ciemnym tle, ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami głównego bohatera”. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktów: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie zostaje w żaden sposób zakłócona.

Uwagę badaczy przykuwa postać ostatniego świadka, znajdująca się po prawej stronie zdjęcia. Odgrywa ważną rolę w kompozycji i jest napisana niemal tak żywo, jak główni bohaterowie. Jego twarz wyraża współczucie, a noszony przez niego płaszcz podróżny i laska w rękach sugerują, że podobnie jak syn marnotrawny jest samotnym wędrowcem. Izraelska badaczka Galina Lubań uważa, że obraz ten wiąże się z postacią Wiecznego Żyda. Według innych założeń jest on najstarszym synem, co nie pokrywa się z wiekowym opisem postaci Nowego Testamentu, chociaż jest też brodaty i ubrany jak ojciec. Jednak to bogate ubranie jest jednocześnie zaprzeczeniem tej wersji, gdyż według Ewangelii, gdy usłyszał o powrocie brata, przybiegł prosto z pola, gdzie najprawdopodobniej był w ubraniu roboczym. Niektórzy badacze widzą na tej figurze autoportret samego Rembrandta.

Istnieje również wersja, w której dwie postacie po prawej stronie obrazu: młodzieniec w berecie i stojący mężczyzna to ten sam ojciec i syn, którzy są przedstawieni na drugiej połowie, ale dopiero przed opuszczeniem domu przez syna marnotrawnego w stronę hulanek. Płótno zdaje się zatem łączyć w sobie dwa plany chronologiczne. Sugerowano, że te dwie postacie są obrazem celnika i faryzeusza z przypowieści ewangelicznej.

Z profilu, w formie płaskorzeźby, po prawej stronie stojącego świadka przedstawiony jest muzyk grający na flecie. Być może jego postać przypomina muzykę, która za kilka chwil wypełni dom jego ojca dźwiękami radości.

Okoliczności stworzenia

Rycina z 1636 roku

Nie jest to jedyna praca artysty o tej tematyce, choć stworzył prace o innym składzie. W 1636 r. stworzył rycinę, a w 1642 r. rysunek (Muzeum Teylera w Haarlemie).

Rysunek z 1642 roku

W 1635 roku stworzył obraz „Autoportret z Saskią na kolanach”, który odzwierciedlał epizod legendy o marnotrawnym synu, który roztrwonił spadek po ojcu.

Okoliczności powstania obrazu są tajemnicze. Uważa się, że powstał w ostatnim roku życia artysty. Zmiany i poprawki w pierwotnej koncepcji obrazu, widoczne na zdjęciu rentgenowskim, wskazują na autentyczność płótna.

Tradycyjne datowanie na lata 1668-1669 przez niektórych uważane jest jednak za kontrowersyjne. Historycy sztuki G. Gerson i I. Linnik zaproponowali datowanie obrazu na rok 1661 lub 1663.

Autoportret z Saskią na kolanach

Chyba żaden inny obraz Rembrandta nie budzi tak wzniosłych uczuć jak ten obraz. W sztuce światowej niewiele jest dzieł o tak silnym oddziaływaniu emocjonalnym, jak monumentalny obraz Ermitażu „Powrót syna marnotrawnego”.

Fabuła została zaczerpnięta z Nowego Testamentu

Powrót syna marnotrawnego” – - to poczucie bezgranicznej radości z rodziny i ojcowskiej opieki. Pewnie dlatego głównym bohaterem można nazwać ojca, a nie syna marnotrawnego, który stał się powodem przejawów hojności. mipotem żal po utraconej młodości, żal, że nie można zwrócić straconych dni.

Ta historia przyciągnęła wielu znani poprzednicy Rembrandta: Durer, Bosch, Łukasz z Lejdy, Rubens.

Powrót syna marnotrawnego, 1669. Olej na płótnie, 262x206.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Jeden mężczyzna miał dwóch synów. Najmłodszy syn chciał przejąć swoją część majątku, więc ojciec podzielił majątek pomiędzy synów. Wkrótce najmłodszy syn zebrał wszystko, co miał i wyruszył w odległy kraj. Tam roztrwonił cały swój majątek na rozwiązłe życie. W końcu znalazł się w ogromnej potrzebie i został zmuszony do pracy jako pasterz świń.

Był tak głodny, że był gotowy napełnić żołądek pomyjami, które podano świniom. Ale i tego został pozbawiony, bo... w kraju zaczął się głód. I wtedy pomyślał: „Ilu sług jest w domu mojego ojca i czy wystarczy żywności dla nich wszystkich. A tu umieram z głodu. Wrócę do mojego ojca i powiem, że zgrzeszyłem przeciwko niebu i jemu”. I wrócił do domu. Gdy był jeszcze daleko, ujrzał go ojciec i współczuł synowi. Podbiegł do niego, przytulił go i zaczął całować.

Powiedział: „Ojcze, zgrzeszyłem przeciw niebu i tobie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem”. Ale ojciec powiedział swoim sługom: „Idźcie szybko, przynieście mu najlepsze ubrania i ubierzcie go. Włóż mu pierścień na rękę i włóż mu sandały. Przyprowadź utuczone cielę i zabij je. Zróbmy ucztę i świętujmy. W końcu mój syn nie żył, a teraz znów żyje! Zaginął, a teraz się odnalazł!” I zaczęli świętować.

Najstarszy syn był w tym czasie w polu. Kiedy zbliżył się do domu, usłyszał muzykę i tańce w domu. Zawołał jednego ze służących i zapytał, co się tam dzieje. „Przyszedł twój brat” – odpowiedział sługa, „a twój ojciec zabił utuczone cielę, ponieważ jego syn jest zdrowy i wszystko z nim w porządku”.

Najstarszy syn rozzłościł się i nawet nie chciał wejść do domu. Wtedy wyszedł ojciec i zaczął go błagać. Ale syn powiedział: „Przez te wszystkie lata pracowałem dla ciebie jako niewolnik i zawsze robiłem wszystko, co mówiłeś. Ale nigdy nie zamordowałeś dla mnie nawet dziecka, żebym mógł się bawić z przyjaciółmi.

Ale kiedy ten twój syn, który roztrwonił cały twój majątek na rozpustę, wrócił do domu, zabiłeś dla niego tuczne cielę!” "Mój syn! - powiedział wtedy ojciec: „Ty zawsze jesteś przy mnie i wszystko moje jest Twoje”. Ale powinniśmy się radować, że twój brat umarł, a teraz ożył. Zaginął, a odnalazł się!”

Religijne znaczenie tej przypowieści jest takie: bez względu na to, jak ktoś zgrzeszy, pokuta zawsze zostanie nagrodzona radosnym przebaczeniem.

O OBRAZIE

To zdjęcie jest niewątpliwie zwieńczeniem późniejsza twórczość Rembrandt, mówiąc o skruszonym powrocie syna, o bezinteresownym przebaczeniu ojca, jasno i przekonująco odsłania głębokie człowieczeństwo tej historii.

Rembrandt podkreśla światłem to, co najważniejsze na obrazie, skupiając na tym naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się niemal na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję z postacią stojącą po prawej stronie.

Jak zawsze wyobraźnia artysty ukazywała wszystko, co się działo, bardzo konkretnie. Nie ma miejsca na ogromnym płótnie, które nie byłoby wypełnione subtelnymi zmianami koloru. Akcja rozgrywa się u wejścia do domu stojącego po naszej prawej stronie, oplecionego bluszczem i spowitego ciemnością.

Syn marnotrawny, padający na kolana przed zniedołężniałym ojcem, który w swoich wędrówkach doszedł do ostatniego etapu biedy i upokorzenia, to obraz, który z niezwykłą siłą ucieleśnia tragiczną drogę poznawania życia. Wędrowiec ma na sobie ubrania, które kiedyś były bogate, ale teraz zamieniły się w szmaty. Lewy z podartych sandałów spadł mu z nogi.

Ale to nie elokwencja narracji decyduje o wrażeniu tego obrazu. W majestatycznych, surowych obrazach ujawnia się tutaj głębia i napięcie uczuć, a Rembrandt osiąga to przy całkowitym braku dynamiki - rzeczywistej akcji - w całym obrazie.

OJCIEC I SYN

W obrazie dominuje „tylko jedna postać – ojciec, ukazany od przodu, z szerokim, błogosławiącym gestem rąk, które kładzie niemal symetrycznie na ramionach syna.

Ojciec to dostojny starzec o szlachetnych rysach, ubrany w królewsko brzmiącą czerwoną szatę. Przyjrzyj się uważnie temu mężczyźnie - wydaje się starszy niż sam czas, a jego ślepe oczy są równie niewytłumaczalne, jak pomalowane na złoto łachmany młodzieńca. Dominującą pozycję ojca na obrazie potwierdza zarówno cichy triumf, jak i ukryty splendor. Odzwierciedla współczucie, przebaczenie i miłość.

Ojciec, który kładzie ręce na brudnej koszuli syna, jakby sprawował święty sakrament, przytłoczony głębią uczuć, powinien trzymać syna tak samo jak i przytulać go...

Od szlachetnej głowy ojca, od jego drogocennej szaty, nasz wzrok schodzi na ogoloną głowę, zbrodniczą czaszkę syna, na jego łachmany zwisające losowo z jego ciała, na podeszwy jego stóp, odważnie wystawione na widza, zasłaniając mu widok...

Mistrz umieścił główne postacie na styku malowniczego i rzeczywistego spacje (później płótno umieszczono na dole, ale zgodnie z planem autora jego dolna krawędź znajdowała się na wysokości palców klęczący syn

Obecnie obraz stał się bardzo ciemny, dlatego w normalnym świetle widać na nim tylko pierwszy plan, wąską przestrzeń sceniczną z grupą ojca i syna po lewej stronie oraz wysokim wędrowcem w czerwonym płaszczu, który stoi po naszej prawej stronie, na ostatnim – drugim – stopniu ganku. Z głębi ciemności za płótnem wylewa się tajemnicze światło.

Delikatnie spowija postać, jakby oślepioną na naszych oczach, starego ojca, który wyszedł z ciemności na nasze spotkanie, i syna, który tyłem do nas padł na kolana starca, prosząc o przebaczenie. Ale nie ma słów. Tylko ręce, widzące ręce ojca, czule dotykają drogiego ciała. Cicha tragedia uznania, odwzajemnionej miłości, tak mistrzowsko przekazana przez artystę.

LICZBY DRUGIE

Kobieta w lewym górnym rogu

Postać, który przypomina alegorię Miłości, a dodatkowo posiada czerwony medalion w kształcie serca. Być może jest to obraz matki syna marnotrawnego.

W tle, pośrodku, dwie postacie (najprawdopodobniej kobieta, prawdopodobnie służąca).Siedzący młodzieniec z wąsami, jeśli podążać za fabułą przypowieści, może być drugim, posłusznym bratem.

Istnieje inna wersja, w której dwie postacie po prawej stronie obrazu: młodzieniec w berecie i stojący mężczyzna to ten sam ojciec i syn, których przedstawiono na drugiej połowie, ale dopiero zanim syn marnotrawny opuści dom w kierunku ucztowanie. Płótno zdaje się zatem łączyć w sobie dwa plany chronologiczne. Sugerowano, że te dwie postacie są obrazem celnika i faryzeusza z przypowieści ewangelicznej.

Flecista

Okoliczności powstania obrazu są tajemnicze. Uważa się, że powstał w ostatnich latach życia artysty. Zmiany i poprawki w pierwotnej koncepcji obrazu widoczne na zdjęciu rentgenowskim wskazują na autentyczność płótna.

Rysunek z 1642 roku

Rembrandta „Powrót syna marnotrawnego”. Akwaforta na papierze, Muzeum Państwowe, Amsterdamie

Jak to zdjęcie trafiło do Rosji?

Książę Dmitrij Aleksiejewicz Golicyn kupił go w imieniu Katarzyny II dla Ermitażu w 1766 roku od Andre d'Ansezena, ostatniego księcia Cadrousse. A on z kolei odziedziczył obraz po swojej żonie, której dziadek, Charles Colbert, wykonywał misje dyplomatyczne dla Ludwika XIV w Holandii i najprawdopodobniej tam go nabył.

Rembrandt zmarł w wieku 63 lat zupełnie sam, ale odkrył malarstwo jako drogę do tego, co najlepsze, jako jedność istnienia obrazu i myśli.

Jego twórczość ostatnich lat to nie tylko refleksja nad znaczeniem biblijnej opowieści o synu marnotrawnym, ale także umiejętność akceptowania siebie bez niczego i przebaczania najpierw sobie, zamiast szukać przebaczenia u Boga czy sił wyższych.