Nella seconda metà del XVIII secolo, nell'arte russa si formò lo stile del classicismo, caratterizzato dal rigore del disegno, dal rispetto di determinate regole nella composizione, dalla convenzionalità del colore, dall'uso di scene della Bibbia, storia antica e mitologia. L'originalità del classicismo russo sta nel fatto che i suoi maestri si sono rivolti non solo all'antichità, ma anche alla loro storia nativa, che hanno cercato la semplicità, la naturalezza e l'umanità. Il classicismo come tendenza nella cultura artistica russa si affermò saldamente tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. Questo periodo del periodo di massimo splendore del classicismo nella storia della pittura russa è solitamente chiamato alto classicismo. Caratteristica per i pittori di quel tempo era l'affermazione romantica della bellezza dell'unico, individuale, insolito, ma il risultato più alto di questa era delle belle arti in Russia può essere considerato non un dipinto storico, ma un ritratto (A. Argunov, A Antropov, F. Rokotov, D. Levitsky, V Borovikovsky, O. Kiprensky).

O. A. Kiprensky (1782-1836) scoprì non solo nuove qualità umane, ma anche nuove possibilità di pittura. Ciascuno dei suoi ritratti ha una sua struttura pittorica speciale. Alcuni sono costruiti su un netto contrasto di luci e ombre. In altri, il mezzo pittorico principale è una sottile gradazione di colori vicini tra loro. I dipinti di K. P. Bryullov (1799-1852) sono caratterizzati da una fusione di classicismo accademico con romanticismo, novità di trame, effetto teatrale di plasticità e illuminazione, complessità della composizione, brillante virtuosismo del pennello. Il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei" (1830-1833) era ampiamente conosciuto. La sublime bellezza dell'uomo e l'inevitabilità della sua morte si riflettono nell'immagine in una tragica contraddizione. Carattere romantico inerente alla maggior parte dei ritratti di Bryullov. Il più grande maestro della pittura storica fu A.A. Ivanov ha dato alla sua pittura il carattere di un servizio sacrificale all'idea ed è riuscito a superare molti degli schemi inerenti alla tecnologia accademica.

Nelle sue opere anticipò molte delle ricerche della pittura realistica russa nei decenni successivi.

La svolta consapevole della nuova pittura russa verso il realismo democratico fu segnata alla fine degli anni '50, insieme all'illuminazione rivoluzionaria di Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin. Il 9 novembre 1863, 14 diplomati dell'Accademia delle arti, guidati da I. Kramskoy, rifiutarono di dipingere un quadro di laurea sulla trama proposta "Festa nel Valhalla" e chiesero che gli fosse data una scelta di trame per loro. Furono rifiutati e lasciarono con aria di sfida l'Accademia, formando un Artel of Artists indipendente. Il secondo evento fu la creazione nel 1870 dell'Associazione delle mostre itineranti, la cui anima era la stessa I. Kramskoy. Gli Erranti erano uniti nel rifiuto dell '"accademismo" con la sua mitologia, i paesaggi decorativi e la pomposa teatralità. Posto leader scene di genere (domestiche) occupate nel loro lavoro. I contadini godevano di una simpatia speciale per i "Vagabondi". A quel tempo - negli anni '60 e '70. 19esimo secolo - Il lato ideologico dell'arte era valutato più in alto di quello estetico. Forse il più grande tributo all'ideologia fu dato da V. G. Perov (1834-1882). La prova di ciò sono i suoi dipinti come "Arrivo di un agente di polizia per le indagini", "Bere il tè a Mytishchi", "Troika", "Vecchi genitori sulla tomba del figlio". Perov dipinse numerosi ritratti dei suoi famosi contemporanei (Turgenev, Dostoevskij). Nel lavoro di Kramskoy, il posto principale era occupato da pittura di ritratto. Ha dipinto Goncharov, Saltykov-Shchedrin. Ne possiede uno migliori ritratti Lev Tolstoj. Lo sguardo dello scrittore non abbandona lo spettatore, da qualunque punto guardi la tela.

Una delle più opere forti Kramskoy – dipinto “Cristo nel deserto”.

Ma non si può dire che l'Accademia delle Arti non promuova talenti. Le migliori tradizioni dell'accademismo hanno trovato sviluppo nelle grandiose tele storiche di G. Semiradsky, nelle opere del defunto V. Smirnov, ("La morte di Nerone"), nelle magnifiche tele del pittore marino, rappresentante del romanticismo Ivan Aivazovsky. In realtà, molti artisti eccezionali sono usciti dalle mura dell'Accademia. Questi sono Repin, Surikov, Polenov e Vasnetsov, e più tardi - Serov e Vrubel.

I "vagabondi" hanno fatto vere e proprie scoperte nella pittura di paesaggio. A. K. Savrasov è riuscito a mostrare la bellezza e il sottile lirismo di un semplice paesaggio russo. Il suo dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871) ha costretto molti contemporanei a dare uno sguardo nuovo alla loro natura nativa. I. I. Shishkin (1832-1898) divenne il cantante della foresta russa, l'epica latitudine della natura russa. AI Kuindzhi (1841-1910) fu attratto dal pittoresco gioco di luce e aria. La misteriosa luce della luna tra le rare nuvole, i riflessi rossi dell'alba sui muri bianchi delle capanne ucraine, i raggi obliqui del mattino che irrompono nella nebbia e giocano nelle pozzanghere sulla strada fangosa: queste e molte altre scoperte pittoresche sono catturate su le sue tele.

La pittura paesaggistica russa del XIX secolo raggiunse il suo apice nell'opera dello studente di Savrasov

I. I. Levitan (1860-1900). Levitan è un maestro dei paesaggi calmi e silenziosi: un uomo timido e vulnerabile, sapeva rilassarsi solo da solo con la natura, intriso dell'atmosfera del paesaggio che amava.

La città provinciale di Ples, sull'alto Volga, è entrata saldamente nell'opera di Levitan. Da queste parti ha realizzato le sue tele: "Dopo la pioggia", "Giornata uggiosa".

Lì sono stati dipinti anche pacifici paesaggi serali: "Serata sul Volga", "Sera. Golden Reach", "Evening Ringing", "Quiet Abode".

Nella seconda metà del XIX secolo. rappresentano la fioritura creativa di I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov.

IE Repin (1844-1930) fu un artista molto versatile. Al suo pennello appartengono numerosi dipinti di genere monumentali. Forse non meno grandioso di "Trasportatori di chiatte sul Volga" è il dipinto "La processione religiosa nella provincia di Kursk". Luminoso cielo blu, nuvole di polvere stradale trafitte dal sole, il bagliore dorato di croci e paramenti, la polizia, la gente comune e gli storpi: tutto si adattava a questa tela: la grandezza, la forza, la debolezza e il dolore della Russia. In molti dipinti di Repin venivano toccati temi rivoluzionari ("Rifiuto della confessione", "Non hanno aspettato", "L'arresto del propagandista"). Sono scritti numerosi dipinti di Repin temi storici("Ivan il Terribile e suo figlio Ivan", "Cosacchi che compongono una lettera al sultano turco", ecc.). Repin ha creato un'intera galleria di ritratti. Ha dipinto ritratti di - scienziati (Pirogov e Sechenov), - scrittori Tolstoj, Turgenev e Garshin, - compositori Glinka e Mussorgsky, - artisti Kramskoy e Surikov. All'inizio del XX secolo. ha ricevuto un ordine per il dipinto "Il Gran Riunione Consiglio di Stato". L'artista è riuscito non solo a collocare sulla tela un numero così elevato di presenti, ma anche a dare una descrizione psicologica di molti di loro.

VI Surikov (1848-1916) nacque a Krasnoyarsk, in una famiglia cosacca. Il periodo di massimo splendore del suo lavoro cade negli anni '80, quando crea tre dei suoi dipinti storici più famosi: "La mattina dell'esecuzione di Streltsy", "Menshikov a Berezov" e "Boyar Morozova". Surikov conosceva bene la vita e i costumi delle epoche passate, sapeva come dare luce caratteristiche psicologiche. Inoltre, era un eccellente colorista. Basti ricordare la neve abbagliante, fresca e scintillante nel dipinto "Boyar Morozova". Se ti avvicini alla tela, la neve, per così dire, "si sbriciola" in tratti blu, blu, rosa. Questa tecnica pittorica, quando due o tre tratti diversi si fondono a distanza e danno il colore desiderato, era ampiamente utilizzata dagli impressionisti francesi.

V. A. Serov (1865-1911), figlio del compositore, dipinse paesaggi, tele su temi storici, lavorò come artista teatrale. Ma la fama gli ha portato soprattutto i ritratti. Nel 1887, il ventiduenne Serov era in vacanza ad Abramtsevo, la dacia vicino a Mosca del filantropo S. I. Mamontov. Una volta, dopo cena, due persone si sono trattenute accidentalmente nella sala da pranzo: Serov e la dodicenne Vera Mamontova. Erano seduti a un tavolo su cui erano rimaste le pesche e durante la conversazione la ragazza non si accorse di come l'artista avesse iniziato a disegnare il suo ritratto. Il lavoro è durato più di un mese. All'inizio di settembre La ragazza con le pesche era terminata. Nonostante le sue piccole dimensioni, il dipinto, dipinto nei toni dell'oro rosa, sembrava molto "spazioso". C'era molta luce e aria dentro. La ragazza, che si è seduta al tavolo come per un minuto e ha fissato lo sguardo sullo spettatore, ha incantato con chiarezza e spiritualità.

Sì, e l'intera tela era ricoperta da una percezione puramente infantile della vita quotidiana, quando la felicità non è consapevole di se stessa, ma avanti - Tutta la vita. Il tempo ha inserito "La ragazza con le pesche" tra i migliori opere di ritratto nella pittura russa e mondiale.

Appello a temi nazionali portò a una fioritura senza precedenti della pittura storica e di battaglia. Autentici capolavori in questi generi sono stati creati da V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereshchagin, F. Roubaud. In questi anni vengono aperte le prime gallerie d'arte nazionali; le opere di artisti russi iniziano ad apparire regolarmente in mostre internazionali e straniere saloni d'arte. Molti dipinti di Repin, Surikov, Levitan, Serov e altri Wanderers finirono nella collezione di Tretyakov. P. M. Tretyakov (1832-1898), rappresentante di un'antica famiglia di mercanti di Mosca, era una persona insolita. Magro e alto, con una barba folta e una voce tranquilla, sembrava più un santo che un mercante. Iniziò a collezionare dipinti di artisti russi nel 1856. L'hobby divenne l'attività principale della sua vita. All'inizio degli anni '90. la collezione raggiunse il livello di un museo, assorbendo quasi l'intero patrimonio del collezionista. Successivamente divenne proprietà di Mosca. Galleria Tretyakovè diventato mondiale famoso museo Pittura, grafica e scultura russa. Nel 1898, a San Pietroburgo, nel Palazzo Mikhailovsky (la creazione di K. Rossi), fu aperto il Museo Russo. Ha ricevuto opere di artisti russi dall'Ermitage, dall'Accademia delle Arti e da alcuni palazzi imperiali. L'apertura di questi due musei, per così dire, ha coronato le conquiste del russo dipinto XIX secolo. Alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento, i principali artigiani lavoravano ancora fruttuosamente. realismo critico- I.E. Repin,

V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, V. E. Makovsky, ma a quel tempo apparve anche un'altra tendenza nell'arte. Molti artisti ora cercavano di ritrovare nella vita innanzitutto i suoi lati poetici, quindi anche nell' dipinti di genere includevano il paesaggio. Spesso citato antica storia russa. Queste tendenze nell'arte sono chiaramente visibili nel lavoro di artisti come A.P. Ryabushkin e M.V. Nesterov.

Un importante artista di questo tempo - B. M. Kustodiev (1878-1927) raffigura fiere con cucchiai multicolori e pile di merci colorate, carnevali russi con cavalcate su troike, scene di vita mercantile.

Nei primi lavori di M. V. Nesterov, il più completamente rivelato lati lirici i suoi doni. Il paesaggio ha sempre avuto un ruolo importante nei suoi dipinti: l'artista ha cercato di trovare conforto nel silenzio di una natura eternamente bella. Gli piaceva raffigurare betulle dal fusto sottile, fragili steli d'erba e fiori di prato. I suoi eroi sono giovani magri, abitanti di monasteri o anziani gentili che trovano pace e tranquillità nella natura. I dipinti dedicati al destino di una donna russa ("Sulle montagne", 1896, "Grande tonsura", 1897-1898) sono alimentati con profonda simpatia.

Simbolismo, neoclassicismo, modernità hanno una notevole influenza su M.A. Vrubel, artisti del "Mondo dell'arte" (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) e "Blue Rose "(S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatov). Le attività di questi gruppi erano molto versatili, gli artisti pubblicavano la propria rivista "The World of Art", organizzavano interessanti mostre d'arte con la partecipazione di molti maestri eccezionali.

Negli anni '10 L'avanguardia russa nasce dal desiderio di ricostruire le basi dell'arte fino alla negazione dell'arte stessa. Una serie di artisti e associazioni creative creare nuove scuole e tendenze che hanno influenzato in modo decisivo lo sviluppo delle belle arti mondiali: Suprematismo (K. Malevich), stile "improvvisato" e astrattismo (V. Kandinsky), Rayonismo (Larionov), ecc. Tutte le tendenze nell'arte d'avanguardia sono caratterizzate mediante la sostituzione del contenuto spirituale, pragmatismo, emotività - calcolo sobrio, immaginario artistico- armonizzazione semplice, estetica delle forme, composizione - costruzione, grandi idee- utilitaristico. La nuova arte conquista con libertà sfrenata, affascina e affascina, ma allo stesso tempo testimonia il degrado, la distruzione dell'integrità del contenuto e della forma. L'atmosfera di ironia, gioco, carnevalesco e mascherata insita in alcune tendenze dell'arte d'avanguardia non solo maschera, ma rivela piuttosto una profonda discordia interiore nell'anima dell'artista. Il concetto di "avanguardia" unisce convenzionalmente le tendenze più diverse dell'arte del XX secolo. (costruttivismo, cubismo, orfismo, op art, pop art, purismo, surrealismo, fauvismo). I principali rappresentanti di questa tendenza in Russia sono V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, Yakulov, A. Exter, B. Ender e altri.

Negli anni '10 c'è anche una rinascita dell'interesse per la pittura di icone. Principi artistici la pittura di icone è stata utilizzata in modo creativo sia da singoli artisti russi (V. Vasnetsov, M. Nesterov, K.S. Petrov-Vodkin) che stranieri (A. Matisse), nonché da intere tendenze e scuole d'avanguardia.

Dalla fine degli anni ’20 in Russia si è affermato il principio del realismo socialista. L'ideologia diventa la principale forza determinante nella creatività artistica. Nonostante la forte influenza dell'ideologia, sono state create vere e proprie opere d'arte di livello mondiale. Creatività dei pittori paesaggisti S.V. Gerasimov, V.N. Baksheeva, A.A. Plastov, creatività P.D. Korina, A.N. Ostroumoma-Lebedeva, I. Glazunov, K. Vasiliev, A. Shilov, A. Isachev ne sono una prova convincente. Dagli anni '60 la rinascita dell’avanguardia russa è alle porte. Parte "consentita", ma non ufficiale, dell'arte sovietica negli anni '60. rappresentato dalle opere dei maestri dello "stile severo" (T. Salakhov, S. Popkov). Negli anni '70 -'80. il lavoro degli artisti sovietici - R. Bichunas, R. Tordia, D. Zhilinsky, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leys, V. Kalinin e altri, rappresentanti non solo dell '"arte ufficialmente consentita" era riconosciuto. Il postmodernismo russo degli anni '90 del XX secolo è un esempio del lavoro del gruppo SVOI (Hyper-Pupper-Kuznetsov V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Max-Maksyutina, Menus A., Nosova S ., Podobed A. , Tkachev M.). Il fatto stesso di combinare diversi artisti in un unico organismo vivente, non limitato da una struttura concettuale o stilistica, corrisponde nel modo più accurato al principio fondamentale del postmodernismo sul parallelismo e l'equivalenza delle tendenze artistiche.

pittura del classicismo dell'arte

PITTURA. Anche lo sviluppo della pittura russa in questo periodo è caratterizzato da due tendenze principali:

Anche lo sviluppo della pittura russa in questo periodo è caratterizzato da due tendenze principali:

Sviluppo scuole locali sulla base delle tradizioni stabilite nel periodo pre-mongolo;

L'inizio del processo di fusione delle scuole d'arte locali in un'unica scuola di pittura tutta russa.

4.1. Come nel periodo precedente, la Chiesa ha avuto un'influenza decisiva sullo sviluppo della pittura.

4.2. La direzione principale nello sviluppo della pittura era ancora iconografia, ciò è in gran parte dovuto all'ampia distribuzione nella Rus' di chiese in legno, non adatte alla pittura murale.

4.2.1. Scuola di pittura di icone di NovgorodÈ caratterizzato da composizioni laconiche (di regola, sulle icone era raffigurato un santo), chiarezza del disegno, purezza dei colori e alta tecnologia.

4.2.2. Pittura di icone di Pskov differiva dall'audacia di Novgorod nella composizione, nei tipi di volti, nelle figure più pesanti.

4.2.3. Posizione di primo piano fin dal XIV secolo. prende Scuola di Mosca, formato sulla base Rostov-Suzdal e assorbito migliori risultati tutte le scuole russe.

4.3. Insieme alle icone, il affrescare. A partire dal XIV secolo. la sua trama si complica, appare un carattere spaziale, viene introdotto un paesaggio e lo psicologismo dell'immagine viene rafforzato.

4.4. Di grande importanza nella pittura è la personalità dell'artista. Lo stile dell'autore i pittori più talentuosi superano l'influenza delle tradizioni locali. Il lavoro di pittori di icone come Teofane il Greco, Andrei Rublev, Dionisio va oltre i confini delle singole scuole di pittura.

4.4.1. Un enorme contributo allo sviluppo della pittura russa è stato dato da artista geniale Teofane il greco(c. 1340-dopo il 1405), originario di Bisanzio. Le sue opere (affreschi, icone) si distinguono per la loro monumentalità, espressività delle immagini, stile pittorico audace e libero. Ci sono due periodi nell'opera di Teofano il Greco: la ribelle Novgorod e la più calma Mosca. A Novgorod sono stati conservati frammenti del suo dipinto della Chiesa del Salvatore su Ilyin. A Mosca, Teofane il Greco dipinse la Chiesa della Natività della Vergine, la Cattedrale dell'Arcangelo al Cremlino e, insieme ad Andrei Rublev e l'anziano Prokhor, la Cattedrale dell'Annunciazione al Cremlino (una parte dell'iconostasi della Cattedrale dell'Annunciazione di Teofane il Greco è stata conservata).

4.4.2. La più alta fioritura della scuola di Mosca è associata al nome del contemporaneo Teofano il Greco, il grande artista russo Andrej Rublev, canonizzato dalla Chiesa ortodossa russa . Le opere di Andrei Rublev si distinguono per la profonda umanità e la sublime spiritualità delle immagini, combinate con morbidezza e lirismo. La sua opera più famosa, divenuta uno dei vertici dell'arte mondiale, è un'icona Trinità, scritto per l'iconostasi della Cattedrale della Trinità della Trinità-Sergio Lavra (conservata nella Galleria Tretyakov). I pennelli di Rublev appartengono anche agli affreschi giunti fino a noi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir, alle icone del grado Zvenigorod, alla Cattedrale della Trinità a Zagorsk, alla Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca e a quelle morte nel XVIII secolo. Affreschi nella Cattedrale Spassky del Monastero Spaso-Andronikov a Mosca.

RISULTATI

5.1. Significativa è la conquista della Rus' da parte dei mongolo-tartari rallentato processo culturale e storico, ma non lo ha interrotto, non ha violato la continuità nello sviluppo della cultura russa del cosiddetto periodo pre-mongolo e il periodo della sua restaurazione e nuova fioritura.

5.2. La cultura russa ha mantenuto il suo carattere nazionale. Un ruolo importante nel trasferimento delle tradizioni e dell'esperienza culturale e storica è stato svolto dalle terre che non furono sconfitte, come Novgorod e Pskov. L’intervento violento di una cultura straniera non ha distrutto l’identità nazionale e l’indipendenza della cultura russa.

5.3. Fine dei secoli XIV-XV. caratterizzato dall’inizio di un lungo processo fusione delle scuole letterarie, architettoniche e artistiche locali in un'unica scuola nazionale tutta russa. Il processo di abbandono della nazionalità russa è continuato.

DOMANDE E COMPITI

1. Fornire una descrizione generale dello sviluppo della cultura russa durante il giogo mongolo-tartaro.
2. Quando e sotto l'influenza di quali fattori inizia il processo di rinascita della cultura russa?
3. Quali sono le caratteristiche dello sviluppo della letteratura durante questo periodo? Elenca nuovi generi, nomina le ragioni della loro comparsa.
4. Raccontaci della ripresa della costruzione in pietra nella Rus'.
5. Dimostra che la pittura di questo periodo riflette il più grande aumento della spiritualità religiosa in Russia.
6. Sei d'accordo con l'affermazione secondo cui il giogo mongolo-tartaro non ha distrutto l'originalità e l'indipendenza della cultura russa? Qual è stata la continuità nel suo sviluppo?

Questo file è associato 69 File). Tra questi: Gollerbakh_E_Grafika_B_M_Kustodieva.pdf , Robertson_D_-_Davayte_narisuem_legkovye_mashiny.pdf , Korolev.pdf , Bammes_Gotfrid_Izobrazhenie_figury_cheloveka_3.pdf , Grigoryan_E_A_-_Osnovy_kompozitsii_v_prikladnoy.pdf e altri 59 file.
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Venetsianov-Varnek. Pietro Sokolov -
Fedotov - Perov - Fallimento di 13 concorrenti -
Vereshchagin - Repin - V. Makovsky.
Pryanishnikov

3.755
Benois: Storia della pittura, 67
Realismo e direzione
Il realismo è solitamente considerato il momento principale nella storia della pittura russa e dei suoi segno distintivo prima di tutte le altre scuole. Da allora, tuttavia, il realismo ha cessato di essere un fenomeno "moderno" e
sono tornato in
prospettiva storica,
i suoi contorni entrarono in proporzioni reali con le altre fasi della pittura russa e persero il loro significato predominante. D’ora in poi il realismo potrà essere considerato solo come
uno di movimenti significativi nella nostra scuola.
Nel XVIII secolo, ad eccezione dei ritrattisti e dei paesaggisti, il realismo apparve in parte su basi amatoriali e imitative, in parte su basi etnografiche. Una classe è stata fondata presso l'Accademia delle Arti pittura domestica, chiamato "una classe di esercizi casalinghi" e aveva l'obiettivo di educare Teniers e Wauwerman russi per gli amanti della pittura russa. Ma di importanza molto maggiore per la nostra pittura quotidiana erano gli scritti di vari etnografi stranieri e le serie separate di incisioni di artisti stranieri, che per la prima volta attirarono l'attenzione sulle peculiarità della vita russa.
Ovviamente
questi relatori
–
leprincipe,
Geisler, Damam, Atkinson e altri non erano realisti
vero senso della parola.

3.756
Benois: Storia della pittura, 67
Realismo e direzione
Il principio della loro creazione non era il desiderio di ritrarre fascino Vita di ogni giorno; hanno appena portato curiosità modo speciale di vita russa. Ma era importante che attirassero l'attenzione della società russa sulla pittoresca e pittoresca vita popolare. Alcuni russi lo seguirono: sotto Caterina II -
curioso ma ancora inesplorato
Ermenev, così come Tankov, Mikh. Ivanov, scultore
Kozlovsky; Dopo
Martynov, Aleksandrov,
in parte Orlovsky (di cui si è parlato sopra),
Karneev; illustratori: Galaktionov, I. Ivanov,
Sapozhnikov e altri Tra tutti questi artisti, Tankov (1740 (41?)–1799) è il più curioso.
Ha affrontato argomenti complessi, come "Fiera"
o "Fuoco nel villaggio", e li affrontò con successo con l'aiuto di reminiscenze di dipinti olandesi e fiamminghi.
Alexey Venetsianov (1780-1847), una delle figure più sorprendenti della scuola russa, rimane senza dubbio il vero primo realista. IN
l'inizio delle sue attività,
non essendo un pittore professionista, sfuggì all'influenza livellatrice dell'Accademia. Venetsianov non è stato toccato dai successi dei suoi colleghi Yegorov e
Shebueva nel gusto classico. Ha scelto modestamente un percorso speciale per se stesso e metodicamente, con calma

3.757
Benois: Storia della pittura, 68
Realismo e direzione lo hanno superato,
inoltre gettò le basi di una piccola scuola di artisti, proprio come lui,
impegnato in una semplice rappresentazione della realtà circostante.
Dalla successiva fase del realismo art
Venetsianov si distingue per uno molto caratteristico e
in senso puramente artistico, una caratteristica preziosa:
Esso
senza senso. Non trame, non aneddoti toccati,
Nella maggior parte dei casi,
Venetsianova
6
, ma motivi puramente pittoreschi,
compiti puramente colorati,
direttamente offertogli dalla natura. E Venetsianov era al suo meglio, il che gli ha permesso di risolvere questi problemi in modo molto semplice e artistico. Tecnicamente, Venetsianov ha ricevuto più di molti suoi coetanei. Ha avuto la fortuna di essere contemporaneamente allievo di Borovikovsky, e da questo virtuoso ha imparato più di un segreto della pittura,
successivamente completamente dimenticato.
I migliori dipinti
Venetsianov: i suoi ritratti, il suo "Pavimento del fienile", in cui si chiedeva, a imitazione di Granet,
raffigurano l'interno di un edificio poco illuminato, il suo affascinante "proprietario terriero impegnato con la casa",
ricorda l'effetto luminoso dei dipinti di Pieter de Hooch, il suo gruppo

3.758
Benois: Storia della pittura, 69
Realismo e direzione dei contadini "Pulire le barbabietole" appartengono alle opere innegabilmente classiche della scuola russa.
Venetsianov era consapevole del suo significato isolato e cercò di rafforzarlo suolo natio l'arte che hanno piantato. Allo stesso tempo, ha persino osato entrare in qualche lotta con
Academy e creò la propria accademia,
in cui la sua unica guida era lo studio attento della natura.
C'erano anche mecenati di questa impresa e un tempo fiorì la scuola Venetsianov. Ne sono uscito
Plakhov,
Zarianko,
Krylov,
Michailov,
Mokritsky, Krendovsky, Zelentsov, Tyranov,
Shchedrovsky, tutte le persone sono modeste, invisibili, ma hanno trasmesso alla loro prole un aspetto molto fedele del loro tempo. Tra questi, Krylov (1802–1831) e Tyranov furono particolarmente astuti.
(1808–1859);
ha fatto di più
Shchedrovsky, che ha lasciato una lunga serie di tipi del Pietroburgo di Gogol. Purtroppo la scuola Venetsianov non ha avuto il tempo di mettere radici solide, e lo stesso maestro, in vecchiaia, avrebbe dovuto vedere
come i suoi migliori studenti, accecati dal successo
Bryullov, lo tradirono e si trasferirono uno dopo l'altro nella bottega dell'autore di "Pompei", dove persero rapidamente la loro freschezza e si trasformarono in

3.759
Benois: Storia della pittura, 70
Realismo e regia di accademici freddi e pomposi. Solo uno rimase un fedele discepolo di Venetsianov
Zarianko (1818–1870), bravo tecnico, ma sfortunatamente,
persona molto limitata
che trasformò le istruzioni viventi del suo maestro in una formula immobile e morta. ritratti
I pettirossi sono disegnati e dipinti in modo impeccabile con un metodo meraviglioso, ma nella loro secchezza e senza vita assomigliano a fotografie dipinte.
A parte Venetsianov, nel primo tempo
XIX secolo, lavorarono molti altri realisti,
si dedicò, però, quasi esclusivamente alla ritrattistica. Tra questi Varnek (artista molto vitale e ottimo disegnatore,
Purtroppo,
avendo una colorazione sgradevole) e acquerelli sottili: P. F. Sokolov,
M.
Terebenev e
UN.
Bryullov.
Diversi interieur di prima classe furono scritti, proprio nello spirito di Venetsianov, dal conte F. P. Tolstoj. IN
dove il duro ambiente dell'impero è ammorbidito da una dolce e intima intimità nella performance. Questo è uno dei più toccante dipinti nella pittura russa.
Negli anni '20 il cosiddetto "genere" cominciò ad avere un ruolo di primo piano in Occidente,
quelli.
sentimentale,
ridicolo o

3.760
Benois: Storia della pittura, 70
Realismo e regia, storie moralizzanti della vita, trasmesse nei dipinti. Questo tipo di dipinto ci è stato portato
'30.
Ottenne numerosi seguaci tra gli artisti russi: Sternberg, morto prematuramente, in parte Neff,
Poco dopo IV. Sokolov, Trutovsky,
Chernyshev e altri. La loro arte differiva da quella veneziana in quanto il loro compito principale non era più il dipinto in sé, ma questa o quella trama,
raccontato attraverso la pittura
7
Gettarono le prime basi dell '"arte sostanziale" e presto, sempre seguendo l'Occidente, il realismo fiorì nel nostro paese su un filo tendenzioso.
La tendenza ha travolto quasi tutta la prossima generazione di artisti. Restavano in disparte solo i fedeli figli dell’Accademia e tali artisti,
che, per l'essenza stessa della loro industria, dovevano mantenersi entro i limiti di una semplice resa della natura: paesaggisti e ritrattisti
(tra questi ultimi Zaryanko e talentuoso, abile
Makarov). Un posto speciale è però occupato anche dal magnifico, anche se estremamente irregolare, Peter
Sokolov
(1821–1899).
Tra tutti gli artisti degli anni Quaranta e Settanta, fu l'unico a rimanere fedele alla pittura e ai suoi compiti diretti. Purtroppo,
Peter
Anche Sokolov era un uomo

3.761
Benois: Storia della pittura, 71
Realismo e direzione sono disordinati e questa caratteristica si riflette nel suo lavoro in modo eloquente. La stragrande maggioranza delle sue cose sono improvvisate di cattivo gusto. Solo alcuni dei suoi ritratti
alcuni noiosi paesaggi tipicamente russi,
alcune sue scene di caccia ce lo mostrano come un grande maestro e
vero artista. Accanto ad esso puoi anche nominare
Sverchkov (1818-1891), un artista non particolarmente dotato e abile, ma che tuttavia creò per sé un settore speciale e in esso espresse il suo ingenuo amore per il "cavallo russo".
L'antenato del tendenzioso, "ideologico"
dipingere dentro
La Russia lo era
P.
A. Fedotov
(1815–1852), un povero ufficiale, un ardente appassionato d'arte che si dedicò alla "piccola" pittura quotidiana anche perché aveva compiti più "seri" e più alti -
dilettante autodidatta -
non disponibile. Tuttavia,
ruolo significativo in
formazioni di talenti
Fedotov ha giocato e le condizioni della sua vita. Figlio di un modesto ufficiale in pensione, Fedotov è cresciuto in una libertà semi-provinciale,
tra le caratteristiche peculiari della situazione del filisteismo di Mosca. Qui Fedotov poté apprendere fino in fondo tutte le peculiarità dei costumi dei cittadini di provincia. Nel corpo e, più tardi, in

3.762
Benois: Storia della pittura, 71
Realismo e direzione Nella società dei suoi compagni, conobbe il mondo militare, così significativo ai tempi di Nikolaev. Alla fine, è entrato in contatto con il mondo artistico come persona completamente formata, quando era già troppo tardi per studiare di nuovo, quando tutti i suoi concetti avevano preso forma e aveva sviluppato il proprio modo di catturare e catturare i fenomeni.
La "direzione" a metà degli anni Quaranta dell'Ottocento era già nell'aria. Dopo il lutto del mondo e l'estetismo astratto dei romantici, il primo reclama
riorganizzazione della realtà.
A
noi occidentali e
gli slavofili si formarono in accampamenti e da recenti amici si trasformarono in acerrimi nemici;
è maturata una potente galassia dei nostri grandi scrittori,
ha contribuito Russi pensieri dentro cultura comune, e nonostante il governo di bronzo di Nicola -
c'era nell'aria un'atmosfera soffocante di cospirazione.
Sentivo il bisogno di cambiare pelle
aggiornare, correggere. La società ha superato le forme in cui era fasciata.
Nella pittura questo stato d'animo doveva trovare la sua eco; ma è del tutto naturale che questa eco non possa risuonare dalle pareti
Accademia Imperiale delle Arti, da questo mondo burocratico, semi-corte, e tranquillo

3.763
Benois: Storia della pittura, 71
Anche il realismo e la direzione sono naturali,
il che non è metodico
Venetsianov con i suoi studenti senza pretese potrebbe fornire i primi esempi di "pensiero"
pittura. Un Fedotov era quasi del tutto adatto a questo, ma lui, un ex ufficiale in pensione dal sovrano, è un uomo modesto,
non sofisticato e
nonostante la tua mente
infantilmente ingenuo, non poteva essere alla pari con la letteratura.
Si è limitato a
a cosa si limitava Gogol quindici anni prima, cioè
presa in giro piuttosto acuta, ma non particolarmente caustica delle debolezze e delle stupidità dei suoi compatrioti.
È così che è apparso per la prima volta davanti al pubblico
1849 con i suoi dipinti ad olio:
"Fresh Cavalier" (una satira piuttosto audace per l'epoca sull'ambizione burocratica) e con il suo "Corteggiamento di un maggiore", un'illustrazione più allegra che malvagia dell'ambiente mercantile. Successivamente realizza una serie di quadri in cui vengono ridicolizzati i primi tentativi di emancipazione femminile,
i lati divertenti della piccola nobiltà, il mondo burocratico, tutti temi sufficientemente utilizzati dalle riviste umoristiche dell'epoca.
Un posto a parte lo occupano le sue ultime opere, alle quali sembra essersi rivolto

3.764
Benois: Storia della pittura, 72
Realismo e regia più poetici,
calma e
direzione artistica: "La Vedova" e l'incantevole, eccezionale nella sua struggente malinconia "Anchor, more Anchor!".
Fedotov strappato all'arte,
ancora relativamente dentro
giovani anni
grave malattia mentale, seguita presto dalla morte. Se si tiene conto del fatto che si è dedicato seriamente alla pittura solo per trent'anni, diventa chiaro perché il suo lavoro sembra più una talentuosa "introduzione" che un insieme completo.
Il meglio che questo sensibile artista poteva dare,
si sviluppò insolitamente rapidamente da inetto autodidatta a pittore sottile e talvolta persino bello (ricordate i pezzi di natura morta nei suoi dipinti, degni del "vecchio olandese"), -
era il meglio che si portò nella tomba. Il suo erede diretto era un altro moscovita, secondo il mutato spirito dei tempi, molto più audace, ma meno attraente, quasi inetto: Perov.
Perov è nato nel 1834. Trascorre la sua infanzia e giovinezza in campagna e in provincia (fu allievo del Liceo Artistico di Stupino a
Arzamas) e giovanile a Mosca, dove si è laureato
Scuola di pittura e
sculture.
CON
lui

3.765
Benois: Storia della pittura, 72
Realismo e direzione in cui la Madre Sede entra risolutamente
la storia dell’arte russa, e questo è del tutto naturale, non tanto perché a Mosca la vita tipica russa era in pieno svolgimento,
attratto
nella copertura della letteratura realista, su se stessa l'attenzione di tutti, quanto perché
cosa c'entra
A Mosca c'era una scuola d'arte in cui regnava completare
Libertà
e anche piuttosto stupido e
senza scrupoli. Zeitgeist degli anni '50 e '60,
idealizzava l’emancipazione della persona umana,
dovrebbe avere un atteggiamento negativo verso tutti i tipi di vincoli,
a tutte le tradizioni che legano la creatività e, di conseguenza, all'Accademia di San Pietroburgo con il suo Areopago. In questo, però, risiedeva un grande pericolo per la giovane arte russa: divenne più libera e
più interessante
Ma,
sopraffatto dalla magnificenza della letteratura,
perdeva la sua indipendenza e nello stesso tempo si allontanava risolutamente dalle sue leggi speciali.
Iniziò un nuovo periodo della pittura russa,
nacque la cosiddetta "scuola russa originaria", e allo stesso tempo essa
scuola
uscì,
la tecnologia è andata perduta
la pittura è stata dimenticata.
Perov era un vero figlio del suo tempo.

3.766
Benois: Storia della pittura, 72
Realismo e direzione
Un uomo con un grande dono di osservazione,
curioso, coraggioso, devoto con passione al suo lavoro: appartiene certamente ai grandissimi fenomeni della cultura russa, ma i suoi dipinti sono cupi in quanto tali; ha scritto storie con colori che sarebbero stati molto più luminosi e comprensibili nella presentazione verbale. Non si occupava di temi pittoreschi, ma di storie che possono essere rappresentate attraverso la pittura. Anche in
Parigi,
dove è andato in pensione?
Academy, ha completamente trascurato l'intera tempesta che allora stava ribollendo movimenti artistici, e nella vita parigina, quasi dal primo giorno del suo arrivo, iniziò a cercare motivi per gli stessi dipinti "significativi", per i quali era già diventato famoso in patria. Naturalmente, non ne venne fuori nulla e, coinvolto nello studio di un mondo a lui estraneo, abbandonò la sua impresa con rara franchezza e coscienziosità e chiese il permesso di tornare in patria. IN
Questo fatto è un'intera pagina di storia.
A
Purtroppo
non solo per la nostra arte,
ma per tutta la nostra cultura il febbrile aumento della vita sociale,
seguì la campagna di Crimea e l'ascesa al trono di Alessandro II, troppo presto placato su mezze misure, su crudeli

3.767
Benois: Storia della pittura, 73
Realismo e direzione dell'incomprensione reciproca del governo e
dell’intellighenzia, sulla ferocia inerte della stragrande maggioranza delle persone.
Dopo diversi anni “liberali”, durante i quali sembrava che stessimo recuperando terreno civiltà comune dell'umanità, si scatenò una cupa reazione, e questa reazione ebbe l'effetto più deplorevole sulla nostra arte: anche quei modesti germogli di una sorta di peculiare comprensione dei compiti dell'arte,
chi ha
ci hanno fatto entrare
opere di Fedotov e Perov, congelate e appassite. Perov, che andò all'estero nel 1864 dopo aver creato il suo rozzo ma piacevole nella nitidezza delle immagini accusatorie, è tornato in patria in un momento in cui non c'era nulla a cui pensare sulla continuazione di tale pittura.
Di conseguenza, la sua arte, e dopo di lui l'arte di molti altri artisti, rimase una sorta di parola non detta.
Forse la cosa meno artistica che Perov fece furono i suoi primi dipinti,
da lui scritte nel periodo delle “grandi riforme”. Ma allo stesso tempo, queste delle sue opere: "Arrivo dell'ufficiale di polizia per le indagini", "Sermone nel villaggio", "Bere il tè in
Mytishchi" e in particolare "Processione religiosa rurale di Pasqua"
8
appartengono al più prezioso di ciò che ha fatto. Hanno dei difetti

3.768
Benois: Storia della pittura, 73
Vengono riscattati il ​​realismo e il senso della pittura (proprio come nella pittura contemporanea
Jacobi "Alt")
carattere storico e
coraggiosa immediatezza. Come un dipinto
- sono cattivi, come i documenti storici - non hanno prezzo.
IN
ulteriori lavori
Perova però non si incontra da sola linea sottile osservazione e toccante attenzione alla vita, ma in generale sono inferiori ai suoi primi tentativi. Dallo stile di Courbet, Perov passò a una caricatura sentimentale nello spirito di Knaus, e poiché la sua pittura non ebbe il tempo di acquisire nulla, il risultato fu qualcosa di noioso e di cattivo gusto. Con lo stesso spirito hanno eseguito solo "Meal"
e "L'arrivo della governante in casa del commerciante", un'immagine insolitamente tipica, degna delle scene migliori
Ostrovskij. Le ultime foto in cui
Perov si rivolse improvvisamente a Bryullov e iniziò a rappresentare aneddoti storici in proporzioni enormi, che fino ad ora sono un mistero e indicano
Comunque,
sulla mancanza di cultura artistica del maestro, sulla totale stupidità delle sue opinioni. Volendo allontanarsi dalla "direzione", non ha trovato altra via d'uscita se non nel banale accademismo.

3.769
Benois: Storia della pittura, 74
Realismo e direzione
Nonostante tutti i suoi difetti, Perov è la figura più importante tra tutti gli artisti dell'epoca.
Alessandro II. Ma accanto a lui, e per diversi anni dopo la sua morte, lavorarono non pochi artigiani curiosi, quasi tutti riuniti
P. M. Tretyakov nella sua galleria. Una circostanza ha radunato alcuni di questi artisti e ha creato da loro il nucleo che successivamente è cresciuto
Associazione Mostre Viaggianti. Questa circostanza è passata alla storia con il nome di "rifiuto di 13 concorrenti".
A quel tempo tra i giovani accademici figura centrale I. Kramskoy sembrava allegro, intelligente e incomparabilmente più maturo di tutti i suoi compagni. Riuscì a raggruppare attorno a sé una galassia dei giovani più freschi, e poco a poco l'entusiasmo di questo gruppo per le nuove idee (una passione che in un primo momento trovò un certo incoraggiamento da parte delle autorità accademiche) assunse un carattere più consapevole, più programmatico. La noiosa lotta si trasformò gradualmente in aperta e si concluse con il fatto che con l'atto del 9 novembre 1863 tredici concorrenti per le medaglie d'oro rifiutarono la consegna data
accademia tematica con trama mitologica E,
non aver realizzato le condizioni da loro fissate per una concorrenza più libera,
Sinistra
Accademia.

3.770
Benois: Storia della pittura, 74
Realismo e direzione
Trovandosi improvvisamente nel vortice della vita, i discepoli di ieri furono costretti a stringersi e a fondare una sorta di comunità, che chiamarono
Artel.
Il fatto stesso del rifiuto dall'Accademia di un gruppo di giovani e coraggiosi è stato di grande importanza. Il seme della protesta contro la formula scolastica imposta è stato gettato. Tutto ciò che era fresco e
indipendente nel
La gioventù artistica russa, ora tormentata
Artel, e se non ne faceva parte, in ogni caso si nutriva di quelle teorie e, soprattutto,
quella forza d'animo,
che sono stati sviluppati e
sono stati sostenuti dalla prima comunità artistica privata in Russia.
Successivamente, con la fondazione dell'Associazione delle Mostre Viaggianti (nel 1870), il ruolo di tale "appartamento padronale"
L'arte russa avanzata passò all'Associazione, per la quale rimase per più di 20 anni, fino alla nascita delle mostre del Mondo dell'Arte.
Eppure il più grande dei nostri artisti-predicatori e accusatori non era né membro dell'Artel né membro dell'Associazione.
La figura completamente isolata di V.V. Vereshchagin ha l'onore di essere, dopo Perov, la più grande rappresentante di spicco nuovo artistico

3.771
Benois: Storia della pittura, 74
Realismo e orientamento.
Vereshchagin (1842-1904) è una personalità molto caratteristica per la Russia degli anni '60 e '70 dell'Ottocento. IN
al contrario della maggior parte dei loro compagni, che uscirono dal popolo e poi rimasero semi-colti per tutta la vita e, di conseguenza, un po' chiusi, tagliati fuori dal "buono"
società di persone,
Vereshchagin,
anzi,
la sua origine,
educazione e
in parte anche per posizione apparteneva a questa società "buona". IN
questa base di un significato incomparabilmente più comune e
un programma più consapevole del suo lavoro, maggiore coraggio e coerenza nella sua predicazione.
Vereshchagin non è senza motivo l'artista russo più famoso all'estero. Toccando argomenti russi, li ha affrontati dal punto di vista di una persona completamente colta, un cittadino del mondo. IN
non c'è traccia di ingenua russofilia nella sua pittura,
separatismo ostinato e stupido da una cultura comune,
che caratterizza molti suoi coetanei. Vereshchagin era un tipico "maestro" russo
uomo con
molto di larghe vedute, con una mente molto comprensiva, con grande nobiltà nelle intenzioni e assolutamente ignaro del meschino e meschino nazionalismo.

3.772
Benois: Storia della pittura, 75
Realismo e direzione
Sfortunatamente, questa caratteristica della "nobiltà" perde quasi ogni significato,
non appena ci rivolgiamo allo studio delle opere stesse
Vereshchagin. E questo è molto tipico per un artista russo. Vereshchagin era un "europeo" in tutto il suo programma, in tutta la sua impresa, ma nell'esecuzione della sua impresa rimase una specie di barbaro. La sua appartenenza a società migliore"non lo ha salvato, e Vereshchagin non è riuscito a ottenere le giuste opinioni sull'arte comunicando con le persone della sua cerchia, nella maggior parte dei casi con
disprezzo e
perplesso sulla sua vocazione. Ancor meno per la sua arte potrebbe imparare dal contatto con il nostro campo artistico avanzato,
completamente occupato nei compiti sociali e del tutto indifferente
finalità puramente estetiche. È vero, Vereshchagin venne in Europa da giovane, ma la sua scarsa preparazione estetica in patria non gli indicava tali fenomeni da cui potesse trarre istruzioni benefiche per se stesso.
Menzel, Degas, Manet, Monet e tanti altri,
vivo e vigoroso, rimaneva per lui - vivo e vigoroso - assolutamente incomprensibile.
Questo è il motivo dell'impressione cupa,
ottenuto dal lavoro di Vereshchagin. Non quello

3.773
Benois: Storia della pittura, 75
Il realismo e la direzione sono cattivi, che fosse più un etnografo che un artista, non che fosse un predicatore di perfetta sincerità, che raccontasse nei suoi dipinti ciò che vedeva e sperimentava, ma che
che in tutta la sua creazione c'è troppo poco
pittoresco
meriti.
Questo uomo di cultura era solo intellettualmente colto. Era interessato alle idee, ma le forme gli erano indifferenti.
Tuttavia, Vereshchagin rimarrà un posto d'onore nella storia dell'arte russa.
Tanto per cominciare, i suoi dipinti non hanno ancora perso il loro valore interesse. Ciò significa che in essi è nascosto un grande potere,
grande creatività. È vero, sono scritti male e disegnati in modo impotente, ma d'altra parte sono iniziati con grande spirito e
collegato con
eccezionale talento "registico". E questa non è l'ultima cosa nell'arte. Ma anche in senso puramente pittorico Vereshchagin, nonostante i suoi difetti, non è privo di significato. Un tempo era un pioniere e molte delle sue scoperte leggere e colorate possono ancora servire guida preziosa. Alcuni dei suoi schizzi indiani sono infatti saturi di luce e calore, mentre in altri schizzi in costume la luminosità e la brillantezza dei suoi colori colpiscono.

3.774
Benois: Storia della pittura, 76
Realismo e direzione
Il più grande, accanto a Vereshchagin,
tra la generazione di artisti russi degli anni '70 dell'Ottocento,
senza dubbio
È
E.
E.
Repin,
che fondò l'Accademia delle Belle Arti ai tempi del rettorato di Bruni, ma che ne è in realtà l'allievo e seguace più in vista
Kramskoj. È curioso che lo stesso Kramskoy nel suo lavoro sia rimasto distaccato dal movimento da lui incoraggiato. Era troppo intelligente e sensibile per dedicarsi interamente al programma artistico piuttosto ingenuo del suo tempo. Ma
Kramskoy si sentiva parente l'importanza temporale di questo programma e
chiamato
rappresentanti di tutti coloro che potrebbero esserle utili. Si occupò della loro educazione o rieducazione con particolare zelo, indipendentemente dal danno che causava loro con tale imposizione di una formula musicale.
Uno di vittime Kramskoj era anche Repin,
innegabilmente un grande talento
vivace e
di larghezza, tutta la sua vita, tuttavia, trascorse in una sorta di vagabondaggio in ambiti che hanno poco in comune con i veri compiti dell'arte.
Repin per sua stessa natura - pittore.
Durante il periodo di completo declino del nostro pittoresco
scuole quando l'Accademia era dominata dall'eccellenza in sé, ma del tutto inadatta

3.775
Benois: Storia della pittura, 76
Realismo e direzione del tempo erano i precetti di Bruni, quando nel resto della società artistica, dopo Perov, tutti abbandonavano ogni interesse per la pittura, quando nella nostra alta società l'ultima parola era lasciata al manierato e zuccheroso Zichy, Repin riusciva creare per se stesso uno stile di pittura peculiare e forte e sviluppare una tavolozza molto fresca e vera per quel tempo. È notevole che in quest'area sia rimasto completamente indipendente e
Kramskoy, dalla pedanteria del suo insegnante e dalla timida copia della natura. Repin si fece completamente di lato con un passo e nella sua pittura somigliava ad energici vecchi maestri che non conoscevano altra scuola se non lo studio ostinato della natura.
Sfortunatamente, Repin è stato impedito dal suo
sottoistruzione. Repin ha lavorato molto duramente su se stesso e si è allontanato da quell'apprendista muzhik, che gli è apparso da Chuguev in
Pietroburgo nel 1863. Tuttavia, Repin rimase alla radice della questione un uomo inconsciamente legato alla sua vocazione. E lui, tipo
Vasnetsov, abbandonò la comprensione dell'arte da parte delle persone ingenue e sensibili, ma non arrivò mai ad una consapevolezza,
rapporto culturale.
IN
in particolare, il significato della pittura rimase per lui un mistero irrisolto. Per tutta la vita Repin

3.776
Benois: Storia della pittura, 76
Realismo e regia hanno usato il suo magnifico, ma sottosviluppato dono pittorico per servire compiti non artistici e, naturalmente, né il sermone di Stasov, comprensivo nella sua sincerità, né l'influenza del politico Kramskoy potevano salvarlo dalle delusioni.
Repin non è stato corretto nemmeno in terra straniera, dove è stato inviato dall'Accademia già dopo aver creato un'energia energica
"Trasportatori di chiatte sul Volga" splendidamente organizzati. A Roma, con il candore di un barbaro, criticò i classici della pittura, e in
Parigi, seguendo l'esempio di tutti i russi, era completamente perplessa e cominciò a correre da una parte all'altra,
non riuscire a trarre almeno qualcosa dalle uniche fonti a lui utili. Al ritorno in patria, Repin non si riprese mai. Ha riscritto tutto persone di spicco del suo tempo, creato tutta la linea immagini incriminanti con
trame dell'epoca "nichilista" e "gendarme",
infine, si cimentò nel “tipo storico”, ma quasi mai si pose il compito della pittura pura, ovunque subordinò la tecnica e la bellezza dell'effetto colorato ad alcune considerazioni razionali.
La sfortuna di Repin sta anche nel fatto che, avendo creduto nella formula della pittura "significativa", ha creduto

3.777
Benois: Storia della pittura, 77
Realismo e regia e in questo è un forte talento drammatico.
Naturalmente, Repin grande artista e come tale,
molto impressionabile
una persona che afferra le cose brillantemente. Ma la sua vocazione non era ancora nella pittura “significativa”,
ma nella pittura stessa, presa an und für sich.
Con un calcolo ingegnoso
Repin riusciva ad aggiustare i suoi dipinti con grande effetto, con grande chiarezza ("Il corteo dentro
provincia di Kursk"), a volte con una nota di vera tragedia ("Ivan il Terribile e suo figlio Ivan"),
a volte con umorismo ("I cosacchi"), quasi sempre con destrezza registica di successo, ma da nessuna parte si riesce a trovare in loro uno stato d'animo genuino,
rivelazione vivente, cosa c'è a Ivanovo e in
Surikov.
La cosa migliore di Repin sono i suoi ritratti. Ma la maleducazione impone loro un'ombra spiacevole. Repin è un talento puramente esterno,
nel frattempo, faceva del suo meglio per dare una "caratteristica" ai volti dei suoi ritratti. Di conseguenza, i suoi ritratti sono insipidi nel colore e nella composizione, in qualche modo dipinti e scolpiti,
scritto in modo sciatto e brutto e allo stesso tempo,
nel senso della caratterizzazione, sono pieni di sottolineature volgari e sgradevoli. A questo proposito, sono molto indietro rispetto ai ritratti intelligenti di Ge e

3.778
Benois: Storia della pittura, 77
Realismo e direzione anche dei ritratti accurati di Kramskoy.
Perov, Vereshchagin e Repin sono i principali fondamenti del nostro realismo "significativo", ma accanto a loro hanno lavorato molti artisti, le cui opere sono di grande interesse per la storia dell'arte e, in particolare, per la storia della nostra cultura.
I "registi" particolarmente tipici sono: il severo Savitsky,
coscienziosi e asciutti Maksimov e Yaroshenko,
perpetuato l'apparizione della gioventù "nichilista".
1870 e 1880. Sono state date cose meno forti, ma comunque caratteristiche: la stessa età di Fedotov
Shmelkov (1819–1890), "concorrenti del 1863":
Korzuchin
(1835–1894),
Lemokh,
Morozov e
Zhuravlev (1836–1901) e anche
Zagorskij,
Skadovsky, Popov, Solomatkin, M. P. Klodt e altri.
Finalmente,
epigoni di questa corrente,
continuando nel nostro tempo a ripetere le parti posteriori del programma
1860
Sono:
Bogdanov-Belsky, Baksheev e Kasatkin.
A
epigoni andrebbero conteggiati anche
Vladimir Makovsky (nato nel 1846), sebbene abbia solo due anni meno di Repin. Makovsky ha tutti i tratti caratteristici di un epigono. La sua arte non contiene alcun rigore attento
Perov, né la vivace persuasività di Savitsky o Yaroshenko, né il forte artistico

3.779
Benois: Storia della pittura, 78
Realismo e direzione del temperamento di Repin.
Vladimir Makovsky tra tutti i suoi cupi, persino cupi,
compagni severi e premurosi - "jolly",
avere un sorriso permanente sul viso, ammiccando incessantemente allo spettatore per farlo ridere.
Ma questa risata di Makovsky non è la risata allegra dell'ingenuo Fedotov o la risata malvagia di Perov.
battute
Vladimir
Makovsky
–
battute di una persona egoista che ritiene suo dovere divertire il pubblico e cerca di attirare l'attenzione su di sé anche in quei momenti in cui tutti sono consumati da un dolore comune e pesante. Strana faccenda,
ma questa caratteristica dell'arte di Vladimir
Makovsky divenne chiaro solo a poco a poco, e un tempo era considerato lo stesso guerriero a tutti gli effetti della "direzione seria" di Perov,
Repin o Savitsky. Tecnicamente
Vladimir Makovsky nel suo periodo fiorente era migliore di molti dei suoi compagni.
Solo più tardi il suo colorito diventò pesante e sgradevole, la pittura timida. I dipinti sono "Amanti degli usignoli" 1872-73, "Il crollo della banca"
1881, "Giustificato" 1882, "Affari di famiglia"
1884 e molti dei suoi ritratti appartengono ai dipinti più perfetti dei Viandanti. Hanno una certa vivacità del pennello e una padronanza della pittura introvabile

3.780
Benois: Storia della pittura, 78
Realismo e regia nelle opere di Savitsky e Yaroshenko.
Un altro artista
–
"direttore"
merita una considerazione speciale
–
Questo
Pryanishnikov (1840-1894) - Il suo primo dipinto "Jokers. Gostiny Dvor a Mosca", scritto un anno dopo la partenza di Perov all'estero,
e 'vicino a " processione"e con" Arrivo della governante "
uno dei dipinti più significativi degli anni '60 dell'Ottocento. Tuttavia
Pryanishnikov è ancora più interessante perché, nel tempo, ha cercato di uscire dallo stretto solco della direzione e uno dei primi ha iniziato a cercare nuove strade. Mettiamo il suo "Save the day".
Nord" nel 1887 somiglia molto a una fotografia e non è un dipinto esemplare, ma era anche importante che mentre Repin era impegnato con la sua versione della "Processione religiosa",
Vladimir Makovsky continuava a comporre le sue battute spiritose, mentre tutti gli altri cercavano di scrivere cose "necessarie", Pryanishnikov abbandonò improvvisamente ogni intenzione di insegnare, raccontare,
imporre i loro pensieri e si rivolse a immagine semplice la realtà. A quel tempo, questa era ancora un’innovazione audace, ma meno di dieci anni dopo, il puro realismo divenne lo slogan di tutta la giovane arte russa.

L'inizio della storia della pittura russa è considerato l'era dell'adozione del cristianesimo: la fine del X secolo. Con l'ideologia del cristianesimo nella Rus', le tradizioni dei bizantini arte pittorica che resterà dominante fino al XV secolo. Le immagini musicali (musiy - realizzate su un albero tintore) vengono inizialmente realizzate da maestri in visita dalla Grecia, che formano giovani russi di talento. Uno di questi è il monaco Alimpio delle Grotte, il primo pittore di icone russo.

Il severo controllo delle autorità ecclesiastiche, che consente solo la copia di modelli greci e reprime ogni tentativo di deviare dal canone, rallenta a lungo lo sviluppo dell'arte pittorica. Fino al XV secolo esisteva una sola scuola di pittura: Korsun (greca). Ma nel XV secolo la situazione cambiò a causa della diffusione di quelli europei, decorati con politipi e incisioni. Questo periodo comprende l'opera di Andrei Rublev, un rappresentante della scuola bizantina, autore dei murali della Cattedrale dell'Annunciazione di Mosca, delle cattedrali della Trinità-Sergio Lavra, ecc.

Nel XVII secolo l'arretratezza della scuola iconografica russa divenne evidente anche alle autorità ecclesiastiche. Il sovrano Alexei Mikhailovich invita i maestri occidentali che sanno dipingere dal vero a dipingere le stanze del palazzo: tale abilità era assolutamente assente nella scuola domestica. Simon Ushakov, il pittore di icone reali, sta cercando di combinare tecniche bizantine ed europee e crea un nuovo stile di pittura di icone: Fryazhsky.
XVII secolo. L'inizio dello sviluppo della pittura secolare
Dal XVII secolo, la pittura secolare iniziò a svilupparsi in Rus', in modo particolarmente decisivo - durante il regno di Pietro il Grande. In Italia e Olanda, Matveev, Zakharov, i fratelli Nikitin studiano lo stile di scrittura occidentale, presso l'Accademia delle Scienze vengono aperti corsi di incisione e disegno.

La moda, il desiderio di lusso divennero la ragione della forte domanda di pittura durante il periodo di Elisabetta Petrovna. Ma le opere di artisti stranieri sono richieste: i pittori russi sono molto indietro in termini di abilità.

Nel 1757 fu fondata a San Pietroburgo l'Accademia delle arti con 5 dipartimenti: pittura, scultura e scultura, incisione, arte della medaglia (produzione di monete e medaglie) e architettura. Vi venivano accettate persone di tutte le classi e persino donne (con il consenso del padre o del marito): tale era il bisogno di talenti domestici. Tuttavia, la leadership francese dell'insegnamento per molto tempo definisce i principali tipi di pittura: paesaggio storico ed eroico nello stile di Poussins e Claude Lorrain, che ha causato la monotonia e l'elevata convenzionalità delle immagini.

Ma lo sviluppo, seppure lentamente, va avanti. Nei ritratti migliori artisti A quel tempo, Levitsky, Borovikovsky, Rokotov, Kiprensky, la veridicità della natura divenne sempre più distinta. D. G. Levitsky diventa il ritrattista più alla moda dei tempi di Caterina II. Le sue opere cerimoniali e molto belle sono molto richieste nell'ambiente aristocratico, un esempio caratteristico dei modi di Levitsky è un ritratto a figura intera di Caterina II. Orest Kiprensky è considerato tra i migliori ritrattisti russi. Le sue opere migliori sono il ritratto di Thordvalsen, i dipinti "Sibyl Tiburtinskaya", "Ragazza con frutti", ecc.

Molto tempo prima del primo metà del XIX secolo, la pittura russa rimase prevalentemente imitativa. I pittori copiarono le tecniche e i soggetti dei maestri francesi, italiani (bolognesi). Il motivo era un'educazione accademica e una richiesta secolare che, come le autorità ecclesiastiche, instillavano idee di imitazione.

I primi artisti che fecero un passo verso l'indipendenza e la vivacità dell'immagine furono Basin, Warnek, Bruni. Tuttavia, una rottura fondamentale con la tradizione del classicismo è data da Karl Bryullov, che ha scritto L'ultimo giorno di Pompei. Bryullov riuscì a suscitare interesse per l'arte vivente nella società e il suo modo di scrivere romantico divenne un presagio del realismo russo.

XIX secolo. La formazione della pittura nazionale
La seconda metà del XIX secolo è caratterizzata dalla costante crescita dell'amore e del semplice interesse per l'arte. Ci sono molte mostre. Appaiono ricchi intenditori, che acquistano tele e formano gallerie private. Ci sono scuole di disegno private.

Nel 1825, un dipartimento di pittura russa fu organizzato ad accesso libero all'Ermitage. La rottura con l'accademismo imitativo si esprime nell'appello al quotidiano e vita contadina, trame di semplice realtà. E sebbene nei dipinti di Venetsianov sia piuttosto una ricerca della bellezza, sono di grande importanza per la formazione della scuola realistica russa.

Nel 1863, un gruppo di artisti guidati da Kramskoy, condannando la politica dell'Accademia delle arti, abbandonò la sua composizione e nel 1872 formarono l '"associazione delle mostre itineranti", in futuro il centro della scuola nazionale di pittura russa . Nel tempo, gli artisti più talentuosi e originali si uniscono a loro.

Durante questi anni apparve la Galleria Tretyakov, molti musei non solo in entrambe le capitali, ma anche in città di provincia. La direzione dominante sta diventando socialmente tendenziosa, destinata a rappresentare, influenzare, combattere, denunciare e predicare. Le idee della letteratura e del pensiero sociale hanno ispirato i dipinti di Perov, Pukirev, Pryanishnikov, Korzukhin, Savitsky, Myasoedov, Klodt.

È ora di cambiare

La fine del XIX - l'inizio del XX secolo è un periodo di cambiamenti rivoluzionari e di aspettative di rinascita della Russia. Durante questo periodo apparvero i famosi "Bogatyrs" di Vasnetsov e "Cossacks" di Repin, "Suvorov's Crossing the Alps" di Surikov. I dipinti esprimono le idee patriottiche della grandezza nazionale e il pensiero più intimo della sua rinascita.

Ma non è solo il richiamo alle grandi pagine della storia a caratterizzare un’epoca di grandi cambiamenti. I vagabondi più giovani - S. Korovin, S. Ivanov, N. Kasatkin e altri - si rivolgono alla vita sorda, creando tele fortemente sociali, rivoluzionarie nelle loro tele di veridicità.

“Il dono della visione storica è uno dei fenomeni più rari al mondo, sebbene quasi tutti sentano il nostro misterioso legame mistico con i morti, con gli scomparsi. Approfondire il passato, vivere per qualche tempo nell'interesse di questi morti è un grande piacere per tutti ... Tuttavia, resuscitare il passato, raffigurarlo con tutta la nitidezza e la certezza della realtà è compito di pochissimi. Ciò richiede qualcosa di più della semplice conoscenza”.

1. Anton Losenko "Vladimiro e Rogneda", 1770

Il fondatore della pittura di genere storica russa è solitamente chiamato Anton Losenko (1737-1773), un artista che studiò in Francia e in Italia, il primo pensionato dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo. La tela "Vladimir e Rogneda" per la prima volta ha presentato l'antichità russa in modo espressivo e conciso. Grazie alle opere di Anton Losenko, le storie dell'antica storia russa iniziarono a essere considerate all'Accademia non meno legittime delle storie della storia antica e biblica.

“Ho presentato Vladimir in questo modo: quando, dopo la vittoria e la cattura della città di Polotsk, entra a Rogneda e la vede per la prima volta, perché la trama del film può essere definita il primo appuntamento di Vladimir con Rogneda, in cui Vladimir viene presentato come il vincitore, e orgoglioso Rogneda come un prigioniero.Vladimir a Rogneda si sposò contro la sua volontà, ma quando la sposò, deve essere che l'amava, motivo per cui l'ho presentato come un amante che, vedendo la sua sposa disonorata e privato di tutto, ha dovuto accarezzarla e scusarsi con lei, e non come altri concludono che lui stesso l'ha disonorata e poi l'ha sposata, il che mi sembra molto innaturale, ma se così fosse, allora la mia foto rappresenta come non appena il primo appuntamento.

Anton Losenko

2. Grigory Ugryumov "L'elezione di Mikhail Feodorovich Romanov al regno il 14 marzo 1613" Non oltre il 1800.

I pittori storici si riferivano spesso agli eventi storia nazionale che ha avuto un ruolo significativo nello sviluppo dello stato. Tra questi c'è l'elezione di Mikhail Fedorovich Romanov al trono allo Zemsky Sobor del Cremlino, che segnò l'inizio di una nuova dinastia. Il giovane re è raffigurato come un giovane simile ad un angelo che percepisce la sua elezione come un pesante fardello imposto dal destino. Con un gesto sembra volersi isolare volontà divina, al quale, alzando la mano, il sacerdote lo indica. Il giovane non guarda nemmeno l'uomo inginocchiato, che gli porge lo scettro e il berretto di Monomakh adagiato sul cuscino. Tutta la scena è teatrale. I personaggi principali sono elevati e ben illuminati. I loro gesti sono deliberatamente espressivi. Le persone che riempiono la cattedrale e tendono le mani per chiedere di assumere un rango elevato e porre fine ai disordini nello stato sembrano comparse, sottolineando e rafforzando l'importanza dei personaggi principali.

3. Vasily Sazonov "Dmitry Donskoy sul campo di Kulikovo", 1824

© Foto: ru.wikipedia.org Nei primi decenni della sua esistenza ( fine 18- inizio XIX secolo) L'Accademia delle Arti prestò molta attenzione alla linea russa nella pittura storica.

Il programma per accademici, per il quale Vasily Kondratievich Sazonov ricevette piccole medaglie d'argento e d'oro (1811), si chiamava "Lo zar Giovanni Vasilyevich dà l'acqua portatagli dai soldati con l'elmo a un semplice guerriero che si sta sciogliendo dalla sete, che lui stesso bevande."

Non meno patriottico fu il programma "Lealtà a Dio e al sovrano dei cittadini russi che, fucilati a Mosca nel 1812, andarono a morte con uno spirito fermo e nobile, non accettando di adempiere al comando di Napoleone", per il quale V. Sazonov ricevette nel 1813 una grossa medaglia d'oro e il diritto al viaggio all'estero del pensionato, rinviato al 1818 a causa degli avvenimenti militari in Europa. Il viaggio di VK Sazonov ha avuto successo: ha portato copie dall'Italia dipinti di Caravaggio e Tiziano. Per loro e per la sua opera originale "Dmitry Donskoy sul campo di Kulikovo" il pittore ricevette il titolo di accademico nel 1830.

4. Nikolai Ge "Pietro I interroga lo zarevich Alessio a Peterhof", 1871

© Foto: ru.wikipedia.org "Ho sentito ovunque e in ogni cosa l'influenza e la traccia della riforma di Pietro. Il sentimento era così forte che involontariamente mi sono interessato a Pietro e, sotto l'influenza di questa passione, ho concepito il mio dipinto "Pietro I e Tsarevich Alessio"" .

Nikolai Ge "Ora è difficile immaginare la scena dell'interrogatorio diversamente che sulla tela di Ge. "... Chiunque abbia visto queste due figure semplici, per niente posizionate in modo spettacolare, ha scritto Saltykov-Shchedrin, ha assistito a uno di quei drammi sorprendenti che non sono mai stati visti L'artista sceglie nuovamente per l'immagine il momento in cui tutto è già stato deciso nel rapporto tra padre e figlio ". Peter fissa la figura pietosa e impotente di suo figlio. Lo sguardo degli occhi abbassati di Alexei tradisce testardaggine e la speranza di cambiare tutto schiena. La tovaglia rosso sangue con un motivo chiaro cade a terra, separando per sempre padre e figlio. Il dramma personale nel dipinto di Ge è anche un dramma storico" .

Vladimir Sklyarenko, critico d'arte

5. Ilya Repin "I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco", 1880-1891

© Foto: ru.wikipedia.org Secondo la leggenda, la lettera fu scritta nel 1676 dall'atamano Ivan Sirko "con tutto il kosh di Zaporozhye" in risposta all'ultimatum del Sultano impero ottomano Mehmed (Maometto) IV. La lettera originale non è stata conservata, ma negli anni '70 dell'Ottocento un etnografo dilettante di Ekaterinoslav Yakov Novitsky trovò una copia realizzata nel XVIII secolo. Lo diede al famoso storico Dmitry Yavornitsky, che una volta lo lesse come curiosità ai suoi ospiti, tra cui, in particolare, Ilya Repin. L'artista si interessò alla trama e nel 1880 iniziò la prima serie di schizzi.

"Ho lavorato sull'armonia generale della foto. Che lavoro! Ogni macchia, colore, linea è necessaria per esprimere insieme lo stato d'animo generale della trama e sarebbe coerente e caratterizzerebbe ogni soggetto della foto. Dovevo farlo sacrificare molto e cambiare molto sia nei colori che nelle personalità... A volte lavoro fino allo sfinimento... mi stanco molto."

Ilya Repin

6. Vasily Surikov "La mattina dell'esecuzione di Streltsy", 1881

© Foto: ru.wikipedia.org "Dostoevskij diceva che non c'è niente di più fantastico della realtà. Ciò è confermato soprattutto dai dipinti di Surikov. La sua esecuzione di arcieri tra l'accigliata Piazza Rossa, con dietro la sagoma minacciosa di San Basilio il Beato, con miserabili candele tremolanti nella nebbia mattutina, con una processione di persone storpie, che arrancano sotto lo sguardo formidabile dell'Anticristo lo Zar, trasmette brillantemente tutto l'orrore soprannaturale dell'inizio della tragedia di Pietro.

Alexandre Benois artista, critico

7. Vasily Perov “Nikita Pustosvyat. Disputa sulla fede", 1881

© Foto: ru.wikipedia.org Vasily Perov ha scelto il tema dello scisma religioso del XVII secolo, sorto a seguito delle riforme della chiesa del patriarca Nikon. Nikita Pustosvyat (vero nome - Dobrynin Nikita Konstantinovich; il soprannome "Pustosvyat" è stato dato dai sostenitori della chiesa ufficiale), un prete di Suzdal, uno degli ideologi dello scisma. chiesa cattedrale 1666–1667 lo condannò e lo destituì. Nel 1682, gli scismatici approfittarono della rivolta degli arcieri a Mosca e avanzarono la richiesta che la chiesa tornasse alla "vecchia fede". Il Cremlino ha ospitato un "dibattito sulla fede", dove Nikita Pustosvyat è stato il relatore principale.

Al centro c'è lo stesso Nikita, accanto a lui c'è il monaco Sergio con una petizione, sul pavimento c'è Atanasio, arcivescovo di Kholmogory, sulla cui guancia Nikita “ha impresso la croce”. Nelle profondità - il capo degli arcieri, il principe I. A. Khovansky. Con rabbia, la principessa Sophia si alzò dal trono, irritata dall'audacia degli scismatici. Il giorno successivo, Nikita e i suoi sostenitori furono decapitati con l'accusa di incitamento alla popolazione.

"Un artista deve essere un poeta, un sognatore e, soprattutto, un lavoratore vigile ... Chiunque voglia essere un artista deve diventare un fanatico completo, una persona che vive e si nutre di un'arte e solo di arte."

Vasilij Perov

8. Konstantin Makovsky "Festa di nozze dei boiardi nel XVII secolo", 1883

© Foto: ru.wikipedia.org "Konstantin Makovsky, tuttavia, rimarrà, se non artisticamente, almeno storicamente esempio interessante. In esso ... si riflettevano il lato dell'alta società della vita russa e i gusti dell'alta società degli anni '70 e '80.

La lentezza dell'opinione pubblica russa nella valutazione delle opere d'arte si riflette in modo sorprendente nel fatto che K. Makovsky è stato a lungo un servitore universale.

Particolarmente curioso è l'entusiasmo sincero e rumoroso per lui nella nostra stampa progressista, che ha proclamato la Festa del Boiardo e la Scelta della Sposa come esempi di prima classe dell'ultimo dipinto.

Alexandre Benois, artista, critico

© Foto: ru.wikipedia.org "Una volta a Mosca, nel 1881, una sera, ho ascoltato il nuovo pezzo di Rimsky-Korsakov "Revenge". Mi ha fatto un'impressione irresistibile. Questi suoni si sono impossessati di me e ho pensato se fosse possibile incarnare nella pittura l'atmosfera che si è creata in me sotto l'influenza di questa musica. Mi sono ricordato dello zar Ivan."

"Ho scritto - a raffica, ho sofferto, preoccupato, ho corretto ancora e ancora ciò che era già stato scritto, l'ho nascosto con dolorosa delusione nelle mie capacità, l'ho estratto di nuovo e di nuovo sono andato all'attacco. Per minuti ho avuto paura. Mi sono allontanato da questa foto, l'ha nascosta. Ha fatto la stessa impressione. Ma qualcosa mi ha spinto a questa foto e ci ho lavorato di nuovo. "

Ilya Repin

10. Vasily Surikov "Boyar Morozova", 1887

© Foto: ru.wikipedia.org "Surikov ha ora creato un'immagine del genere, che, secondo me, è il primo di tutti i nostri dipinti sulle trame della storia russa. Al di sopra e al di là di questa immagine c'è la nostra arte, che si assume il compito di rappresentare l'antica storia russa, non è ancora scomparsa."

Vladimir Stasov, critico

"... Il lato tecnico dei dipinti di Surikov non è solo soddisfacente, ma addirittura bello, poiché trasmette pienamente le intenzioni dell'autore e questo, in sostanza, tutti ... i difetti, piuttosto, anche i vantaggi, non i difetti. Anche questo sembra il suo legame con il genio A causa della mancanza di profondità prospettica in Morozova, Surikov riuscì a enfatizzare il tipico e in questo caso la simbolica angustezza delle strade di Mosca, il carattere un po' provinciale dell'intera scena, che contrasta così mostruosamente con l'urlo entusiasta personaggio principale. Questo quadro fu chiamato, pensando di condannarlo con questo, un tappeto, ma in realtà quest'opera, sorprendente nella sua armonia di colori variopinti e accesi, merita di essere chiamato un bellissimo tappeto per il suo stesso tono, già per la sua musica molto colorata, che ti porta nell'antica, ancora originale e bella Rus' " .

Alexandre Benois, artista, critico

11. Vasily Vereshchagin "Napoleone sulle alture di Borodino", 1897

© Foto: ru.wikipedia.org "Prima di Vereshchagin, tutti i dipinti di battaglia che si potevano vedere nei nostri palazzi, alle mostre, infatti, raffiguravano parate e manovre chic ... La natura stessa che circondava queste scene era pettinata e levigata così come in realtà questo non potrebbe essere nemmeno nei giorni più tranquilli e calmi, e allo stesso tempo tutti questi quadri e immagini sono sempre stati eseguiti in quel modo dolce che ci è stato portato ai tempi di Nicola Primo ...

Tutti erano così abituati a rappresentare la guerra esclusivamente sotto forma di una vacanza divertente, liscia e rosa, una sorta di divertimento con le avventure, che non è mai venuto in mente a nessuno che in realtà non fosse così. Tolstoj nel suo "Sebastopoli" e in "Guerra e pace" distrussero queste illusioni, e Vereshchagin poi ripeté nella pittura ciò che Tolstoj aveva fatto in letteratura. Quando ... il pubblico russo ha visto i dipinti di Vereshchagin, che all'improvviso in modo così semplice, ha esposto cinicamente la guerra e l'ha mostrata come una malvagità sporca, disgustosa, cupa e colossale, che il pubblico ha urlato in ogni modo e ha iniziato a odiare e amare tale un temerario con tutte le sue forze.

© Foto: ru.wikipedia.org "Gli ospiti di mezzanotte stanno nuotando. La dolce riva del Golfo di Finlandia si estende in una striscia chiara. L'acqua sembra essere satura dell'azzurro di un limpido cielo primaverile; il vento la increspa , scacciando strisce e cerchi viola opaco, ondeggiarono e solo sotto la chiglia della barca anteriore balenò le ali - questo li allarmò vita pacifica qualcosa di non familiare, sconosciuto. Un nuovo ruscello si fa strada attraverso l'acqua stagnante, si imbatte nella secolare vita slava, attraversa foreste e paludi, rotola su un ampio campo, solleva i clan slavi: vedranno ospiti rari e sconosciuti, si stupiranno del loro rigore strettamente militare , secondo la loro consuetudine d'oltremare. Le torri vanno in una lunga fila! La colorazione brillante brucia al sole. I lati dell'arco, notoriamente avvolti, culminano in un naso alto e snello.

Nicola Roerich

14. Valentin Serov "Pietro I", 1907

© Foto: www.wikipaintings.org Il dipinto è stato commissionato dall'editore e libraio Iosif Nikolayevich Knebel per essere riprodotto in una serie di "dipinti scolastici" sulla storia russa.

"Spaventoso, convulso, come un automa, Peter cammina ... Sembra la divinità del rock, quasi come la morte; il vento gli ronza alle tempie e gli preme nel petto, nei suoi occhi. I "pulcini" esperti e induriti di che lavò e l'ultima incursione del sibaritismo signorile, che trasformò in attendenti e messaggeri. Guardando quest'opera, senti che ... un dio formidabile, terribile, salvatore e punitore, un genio con una forza interiore così gigantesca che l'intero il mondo doveva obbedirgli e anche gli elementi.

Alexandre Benois, artista, critico

15. Vasily Efanov “Incontro indimenticabile. Dirigenti del partito e del governo al Presidium della Conferenza pan-sindacale delle mogli dei dirigenti d'azienda e degli operai ingegneri e tecnici dell'industria pesante al Cremlino, 1936-1937

© Foto: www.school.edu.ru L'idea dell'immagine è stata suggerita a Efanov dal commissario popolare dell'industria pesante Grigory Ordzhonikidze, raffigurato nella foto insieme agli altri leader. In questo lavoro, Efanov combina per la prima volta il popolare realismo socialista elementi di un ritratto di gruppo e di un quadro storico, che compongono la composizione come culmine della scena teatrale con caratteristici dettagli "messi in scena": il ritmo delle mani che applaudono, un fiore caduto sulle carte del presidente, una sedia inclinata instabile.