Animazione- (dal lat. - ispirazione, rinascita). Nell'animazione al computer, l'animazione è un'illusione, poiché l'oggetto (disegno creato, modello) sullo schermo è in realtà immobile. Abbiamo identificato diversi motivi per cui l'animazione nel tuo video è la soluzione migliore.

1. proprio sul bersaglio

L'ambito dell'animazione al computer è piuttosto ampio. L'animazione si trova sia nell'animazione che nei film, nei giochi per computer e nella pubblicità video. Un video del genere attira l'attenzione dello spettatore grazie a un'immagine luminosa e realistica e alla presentazione di informazioni di qualsiasi complessità in modo rilassato, facile e giocoso.

Tutti adoravano i cartoni durante l'infanzia e l'animazione al computer ne è un altro piacevole promemoria, provoca emozioni positive e interesse per ciò che sta accadendo sullo schermo.

Conosci la "quarta parete" del drammaturgo francese Denis Diderot e Molière? Il termine è apparso nel XVIII secolo. Questo era il nome di un muro immaginario che appare tra il pubblico e gli attori sul palcoscenico del teatro "a tre pareti" e separa il mondo reale da quello in cui vivono gli attori nell'ambito della trama della commedia. Il passo successivo è stato cercare di rompere la "quarta parete" per cancellare i confini del mondo reale e del gioco e migliorare l'effetto della presenza dello spettatore in una produzione teatrale o cinematografica. Quest'ultimo è diventato particolarmente popolare con lo sviluppo delle tecnologie 3D. Basti pensare agli oggetti che ti volano addosso dallo schermo del cinema, che creano un effetto realistico ed evocano emozioni. Rompere la "quarta parete" e avvicinarsi allo spettatore nell'animazione è possibile grazie al modo in cui il personaggio animato / dei cartoni animati mostra allo spettatore che è reale. Questa tecnica viene utilizzata alla fine di un cartone animato o di un video animato, quando l'eroe si gira improvvisamente verso lo spettatore o non permette allo schermo di spegnersi, creando l'illusione di andare oltre. Questo effetto non viene utilizzato così spesso, ma è sempre di grande interesse. Dopotutto, questo è l'obiettivo principale dell'inserzionista: mantenere l'attenzione dello spettatore e raccontare il prodotto o il servizio in modo originale.

2. disegno del movimento

La tecnologia di motion design (motion design) è una combinazione di graphic design con animazione 2D e 3D, che rivela l'idea principale di un video pubblicitario o di prodotto e dirige l'attenzione dello spettatore sul contenuto. Il design e l'animazione si inseriscono nel concetto principale del video, dando una certa forma a una grande quantità di informazioni. Pertanto, le informazioni sono facilmente percepibili e l'immagine attira l'attenzione dall'inizio alla fine del video. Negli anni '60, con l'avvento della Motion Graphics Inc. il design del movimento iniziò a svilupparsi. Quindi il fondatore dell'azienda, designer e animatore John Whitney ha creato grafica animata per la televisione e il cinema.

I video che creiamo con il motion design possono essere condivisi in tre categorie:

• Video combinato (animazione + metraggio)

Facciamo un esempio del tipo di grafica 2D più comunemente utilizzato dal nostro portafoglio: la grafica delle forme e il tipo più raro, ma non per questo meno interessante, la grafica squigglevision.

Grafica 2D sagomata(dall'inglese forma - figura, forma) è costituito da forme geometriche piatte. Semplici oggetti animati non sovraccaricano l'immagine e la percezione dello spettatore, non disperdono l'attenzione su dettagli inutili. L'intera enfasi nei video di forma è sulle informazioni principali, che sono caratterizzate da struttura e semplicità. I personaggi della grafica Shape sono protagonisti frequenti di video aziendali (istruzioni, presentazioni, scene di giochi), video di intrattenimento e video che rappresentano servizi aziendali o un prodotto pubblicitario.

Squigglevision- un metodo di animazione inventato da Tom Snyder. Rispetto all'animazione disegnata a mano, questa tecnica è più semplice in termini di produzione, il che consente di risparmiare molto tempo, poiché il movimento continuo dei contorni riduce la necessità di un'animazione più complessa per dare alla scena un senso di dinamismo. Puoi vedere l'animazione di Squigglevision nel nostro video "Starwire. Cartoon about sockets".

Grafica 3D- l'immagine degli oggetti in volume. Il vantaggio del 3D per un video pubblicitario o di prodotto è che quando si lavora con questa tecnologia è possibile creare qualsiasi spazio: reale e immaginario, ma sempre attraente per lo spettatore o il potenziale acquirente. In un video del genere con oggetti o personaggi, puoi fare ciò che è impossibile durante il processo di ripresa: far rivivere il prodotto pubblicizzato (dotarlo di espressioni facciali e parole) o costringere l'oggetto a trasformarsi per vedere tutte le sue possibilità. La grafica 3D viene utilizzata anche nel design: creazione di screensaver per un evento, presentazione insolita di un logo aziendale, ecc.

Grafica combinata utilizzato quando la grafica 2D o 3D deve essere abbinata al metraggio reale. È così che la computer grafica o l'animazione interagiscono con gli oggetti catturati nell'inquadratura o li accompagnano, visualizzando le informazioni attraverso l'infografica. Un esempio lampante è l'animazione Doodle. Questa è una tecnica di disegno a mano libera che dimostra il processo di creazione di personaggi, oggetti e azioni. Nel nostro video per Sberbank "La vita di un cliente di banca in 5 anni" abbiamo utilizzato l'animazione Doodle.

3. Passo dopo passo (sceneggiatura e storyboard)

Una sceneggiatura buona e competente è una garanzia che il tuo video verrà guardato fino alla fine. Scrivere una sceneggiatura è il primo passo per raggiungere un obiettivo o un concetto commerciale attraverso un video animato. Il concept originale che costituirà la base del video aumenta l'efficacia del prodotto video. Il prodotto diventerà più desiderabile per un potenziale acquirente (video pubblicitario), le condizioni del servizio offerto saranno più attraenti (video prodotto) e l'immagine dell'azienda sarà positiva (video aziendale).

Quindi, i concetti creativi sono pronti, la sceneggiatura è scritta. Il passaggio successivo consiste nello storyboard del video. Storyboard: una sequenza di immagini del futuro video, che passo dopo passo riflette il contenuto di ogni fotogramma e scena.

Se, in quanto tale, uno storyboard è considerato uno schizzo a mano, allora nella produzione di un video animato, il concetto di "Storyboard" (storyboard, storyboard per computer, sceneggiatura di animazione) e steelshot (steelshot, questo è un fotogramma da uno storyboard) sono usati più spesso.

Uno storyboard video animato può essere utile nei seguenti casi:

• approvare le scene del futuro video animato con il cliente;
• visualizzare il progetto da un punto di vista professionale, per evitare errori nella produzione;
• per facilità d'uso in futuro di questa trama e immagini di animazione (nei video seriali). Il cliente non può cambiare i personaggi animati, in quanto lo spettatore/acquirente è già abituato alle immagini, e questo crea più fiducia.

L'animazione in combinazione con l'infografica aiuterà a posizionare correttamente gli accenti semantici, creare la giusta atmosfera e trasmettere una grande quantità di informazioni (descrizione del processo, tecnologia, vantaggi, divulgazione del problema e idea). Ogni tipo di animazione è in grado di apportare le proprie caratteristiche originali al tuo video. Nel frattempo, stai pensando a quale animazione ti è più vicina, dai un'occhiata al nostro lavoro 2D e 3D.

Processi creazione di animazioni passo dopo passo: questo è ciò che volevamo trattare in questo articolo. Già pronto che puoi vedere sul sito web dello studio. Parliamo del processo qui. Dopo aver letto questo testo, sarai in grado di capire come va di solito il lavoro in quest'area, chi è coinvolto nel processo (una breve descrizione del lavoro di copywriter, sceneggiatore, artisti, animatori, annunciatori, tecnico del suono) e ottenere un idea iniziale di dove puoi iniziare il processo di apprendimento dell'animazione.

È meglio dividere il lavoro in più fasi principali e procedere passo dopo passo, è necessaria chiarezza nel processo di creazione dell'animazione.

CREARE UN FUMETTO

Articolo

Come creare un cartone animato

Le persone spesso chiedono come vengono creati i cartoni animati? In questo articolo cercheremo di descrivere brevemente ma chiaramente come si presenta questo processo. Molto dipende dal motivo per cui hai bisogno di un cartone animato.

Se desideri ordinare un video animato per la tua azienda, ovviamente devi contattare i professionisti. Se il cartone è un regalo per i tuoi amici o parenti, allora puoi fare qualcosa di più semplice, ma è anche meglio fare tutto bene. Questo non è un processo veloce e richiede la professionalità di tutti i partecipanti al processo.

Se vuoi imparare a creare cartoni animati da solo o in qualche modo collegare il tuo lavoro con i cartoni animati, allora questo testo ti aiuterà capire come tutto è fatto e chi è coinvolto in questo processo.

Fasi della creazione

È meglio dividere il lavoro in più fasi principali. È più conveniente dividere il lavoro in parti e andare avanti costantemente passo dopo passo, soprattutto se non stai realizzando un cartone animato per il tuo piacere, ma per qualcuno hai bisogno di chiarezza nel processo di creazione di un'animazione.

1. Scrivere una sceneggiatura per cartoni animati

In questa fase il copywriter sviluppa un concetto generale, l'idea di un cartone animato. Spesso le persone hanno già un'idea di cosa vogliono vedere nel cartone animato. A volte capita addirittura che la sceneggiatura sia già completamente sviluppata.

In caso contrario, viene redatto un breve (qualcosa come un questionario), che elenca le domande principali a cui si propone di rispondere. Di solito si tratta di domande sugli obiettivi perseguiti, sul gruppo target da cui sono guidati nella creazione del cartone animato, sulla durata del cartone animato, sulle preferenze di stile, sul doppiaggio, ecc.

Dopo aver compilato un brief così breve, la situazione diventa molto più chiara e puoi procedere alla creazione di una sceneggiatura per cartoni animati. Avendo un brief completo, lo sceneggiatore di solito offre diverse idee di sceneggiatura tra cui scegliere. L'opzione selezionata viene finalizzata in uno scenario completo.

Una volta approvata la sceneggiatura, può iniziare lo sviluppo del personaggio.

2. Sviluppo del personaggio

Lo sviluppo del personaggio di solito inizia quando sono già noti gli obiettivi principali del cartone animato, il gruppo target e le preferenze di stile. Secondo la sceneggiatura, l'illustratore o il cosiddetto concept artist sviluppa l'immagine di ciascuno dei personaggi dei cartoni animati. A volte, in una fase separata, anche prima che i personaggi vengano disegnati, viene sviluppata una descrizione del carattere di ciascuno dei personaggi, un tale ritratto di ciascuno dei personaggi in forma di testo. Questo viene fatto in modo che l'artista, durante lo sviluppo di un'immagine visiva, abbia un'idea chiara del carattere del personaggio.

In primo luogo, di norma, l'artista esegue alcuni schizzi approssimativi, semplici schizzi con una matita o su una tavoletta. In questa fase, né il colore né la chiarezza del disegno sono importanti. La cosa principale è trovare prima l'immagine giusta. Vengono create 1-3 diverse versioni dell'immagine del personaggio. Se non ti piace nulla, puoi creare opzioni aggiuntive.

Dopo che lo schizzo è stato approvato, il passaggio successivo è la sua revisione finale e il disegno finale a colori e vettoriale (se si tratta di un fumetto flash).

Questo accade con ogni personaggio. Quando tutti i personaggi sono progettati e approvato, puoi tranquillamente procedere allo storyboard.

3. Storyboard

Va notato che lo storyboard, in generale, è un passaggio facoltativo. Uno storyboard ti aiuta a capire come sarà il cartone ancor prima di iniziare a creare l'animazione. Pertanto, se ci sono desideri o preoccupazioni speciali al riguardo, può essere utile uno storyboard per un cartone animato.

L'essenza dello storyboard è semplice: è la resa statica delle scene principali del cartone animato. Dallo storyboard puoi capire come saranno le scene del cartone animato, la loro sequenza, la durata (se lo storyboard è con timecode), la posizione degli oggetti principali sullo sfondo, e anche la posizione dei personaggi rispetto al sfondo.

esempio di storyboard dei cartoni animati

Lo storyboard può essere in bianco e nero sotto forma di uno schizzo a matita, può essere a colori in un raster o in un vettore. Anche i dettagli e il disegno possono essere diversi: tutto dipende dalla complessità del cartone animato e dai compiti.

Di solito basta uno storyboard per capire come apparirà tutto in un cartone animato. Dopo che lo storyboard è pronto, molto spesso puoi iniziare a creare l'animazione. Ma in alcuni casi (quando hai bisogno del 100% di sicurezza che tutto sarà nel cartone esattamente come vorresti) è necessaria un'altra fase intermedia: animatic.

4. Animativo

Animatic è uno storyboard animato. Queste non sono più immagini statiche, ma nemmeno un cartone animato, una via di mezzo. Di solito un animatic viene creato esattamente secondo lo storyboard e secondo il tempo del cartone animato (se il cartone è di 30 secondi, allora l'animatic è fatto esattamente di 30 secondi, in modo da poter capire la durata di ogni scena prima che la successiva cambi ).

Un esempio di creazione di un animatic

I momenti più importanti possono già essere animati nell'animatic (completamente o parzialmente). Qualcosa può essere mostrato schematicamente con le frecce, vengono inseriti alcuni riquadri esplicativi aggiuntivi, qualcosa viene firmato con del testo, ecc. L'animatic non deve essere pulito. La sua funzione è rendere più comprensibile il materiale dello storyboard.

5. Crea un cartone animato

Animatic è pronto e approvato. Ora puoi creare un cartone animato. L'animatore ha già tutto il necessario per questo. Parallelamente all'animazione, l'artista dello sfondo può occuparsi degli sfondi. Inoltre, per un cartone animato a tutti gli effetti, di solito è richiesto il doppiaggio dell'animazione.

Il doppiaggio può avere diversi livelli di complessità e consiste nei seguenti componenti: lettura dell'annunciatore o lavoro degli attori, doppiaggio di eventi nel cartone animato, sovrapposizione di musica, scrittura di poesie, canzoni, musica originale, mixaggio di tutto il materiale.

Ma torniamo all'animazione. Ogni animatore ha il suo schema di lavoro, che gli piace di più ea cui è abituato. Molto spesso, in primo luogo, secondo l'animatica, l'animatore disegna le posizioni principali dei personaggi. Successivamente, l'animazione dei fotogrammi intermedi tra queste posizioni e tutto il resto è già in corso.

Principi di base dell'animazione

Nell'animazione classica (animazione), un cartone animato viene creato da una sequenza di immagini statiche (fotogrammi). La frequenza dei fotogrammi può essere diversa (il più delle volte va da 12 a 30 fotogrammi al secondo). Cioè, vengono visualizzati 12-30 fotogrammi al secondo, ognuno dei quali è leggermente diverso dal precedente. Questo crea l'apparenza di movimento.

Più fotogrammi al secondo, più fluido è il movimento, più piccolo, più instabile. Per i cartoni animati flash su Internet, vengono spesso utilizzati 12-18 fotogrammi al secondo, ciò è dovuto al fatto che fare 24-30 fotogrammi al secondo è 2 volte più lungo di 12-15. Per lo standard TV Pal 24-25 fotogrammi per NTSC 30 fotogrammi al secondo. Ma, ovviamente, è meglio che Internet faccia gli stessi 24-25 fotogrammi al secondo: questa animazione sembra più fluida e più bella.

Devo dire che i cartoni animati per Internet sono solitamente cartoni animati flash. Questo programma di animazione è incentrato specificamente su Internet e dispone di una serie di funzionalità che semplificano il lavoro su un cartone animato e riducono le dimensioni del file finale.

La dimensione del file dei cartoni animati era molto importante qualche anno fa, quando tutti usavano ancora i modem e non c'era dubbio sull'uso diffuso dei video online: tutto si caricava troppo lentamente. Poi il formato swf era indispensabile per il cartone animato. Tuttavia, ora la situazione è cambiata molto: Internet è diventato veloce ed economico e i cartoni animati, più spesso, vengono già convertiti in formato video.

Animazione video in Flash

Per quanto riguarda l'ottimizzazione del lavoro di un animatore, anche Flash offre soluzioni interessanti. L'animazione classica fotogramma per fotogramma richiede molto tempo e, di norma, per Internet è del tutto non redditizia. In flash, puoi creare animazioni sia fotogramma per fotogramma che spostando (usando l'interpolazione del movimento), inoltre, nelle ultime versioni del programma, è stata aggiunta la possibilità di creare animazioni per scheletro e, ovviamente, l'uso di simboli (i pezzi di animazione possono essere ripetuti e utilizzati molte volte dove necessario). Tutto ciò aiuta in modo significativo a ridurre i tempi e rendere l'animazione più veloce. Naturalmente, l'animazione sullo scheletro, lo spostamento o fotogramma per fotogramma avrà un aspetto diverso in ciascuno di questi casi. È molto ragionevole combinare queste possibilità, ottenendo un risultato ottimale.

Post-produzione, compositing di cartoni animati

La post-produzione e il compositing per i cartoni animati è un lavoro che può essere svolto dopo che il cartone è pronto. Questo è un passaggio facoltativo (di solito i cartoni animati in flash vengono realizzati senza di esso). Tuttavia, questa fase non deve essere sottovalutata quando si tratta di utilizzare bellissime immagini raster in un cartone animato, interessanti effetti colorati, creare un cartone animato per la TV. L'animazione può essere in tecnica mista. Ad esempio, potrebbe esserci un video di persone riprese con il chroma key (su uno sfondo verde, che viene successivamente rimosso durante la composizione). Diciamo che alcune persone stanno ballando in questo video. Puoi creare sfondi animati e mettere lì queste persone che ballano, cioè balleranno già in un paese così da cartone animato. Oppure, al contrario, foto o video possono essere utilizzati come sfondo e personaggi animati possono essere sovrapposti sopra.

Puoi, ad esempio, girare un video di un ristorante e poi realizzare uno chef animato che gira per il ristorante e racconta come funziona tutto al suo interno. Con l'aiuto del compositing, puoi ottenere una bellissima combinazione organica di animazione con sfondi, apportare correzioni del colore, ecc. Tutto ciò ti consente di rendere il cartone animato il più attraente e completo possibile.

Devo dire che i cartoni animati per Internet sono solitamente cartoni animati flash. Questo programma di animazione è incentrato specificamente su Internet e presenta una serie di funzionalità che semplificano il lavoro su un cartone animato e lo riducono dimensione finale del file

Software di animazione

Ci sono molti programmi di animazione là fuori. Esistono diverse tecniche e animazioni e diverse versioni di programmi che consentono di creare cartoni animati in varie tecniche.

I più popolari sono: Adobe Flash, Toonz, Toon Boom Studio, Adobe After Effects, Anime Studio. Ce ne sono molti altri, ma in questo articolo ci limiteremo a questi.

Flash è diventato un leader nella creazione di animazioni per il web grazie alla sua flessibilità. Toon Boom Studio può essere definito un analogo, che ha le sue caratteristiche, ovviamente, senza capacità di programmazione come un flash.

Toonz è più adatto per l'animazione fotogramma per fotogramma. After Effects è un programma molto potente per creare effetti, design TV, composizione e puoi anche creare animazioni con sovrapposizione raster. Anime Studio è interessante per la sua semplicità, la capacità di animare lo scheletro e il rendering raster di alta qualità.

In generale, tutto dipende dai compiti e dalle preferenze. Esistono anche programmi per animazione 3d, animazione con plastilina, ecc. Ma questa è una conversazione separata.

Dai un'occhiata ai nostri cartoni animati qui:

L'animazione è la creazione di un'immagine in movimento su uno schermo. Piuttosto, l'illusione del movimento continuo. In realtà, questa è una sequenza di fotogrammi statici. Eppure - un'arte tecnicamente complessa e in continua evoluzione. Quindi se qualcuno ti dice che le vignette non sono serie, protesta violentemente e argomenta. Ecco un breve programma educativo sui principali tipi di immagini in movimento, dal quale risulterà chiaro perché l'animazione non è inferiore ai lungometraggi, ma per certi versi addirittura la supera.

cartone animato classico disegnato a mano

Molti durante l'infanzia hanno disegnato figure sui margini dei fogli di quaderno, cambiando la loro posizione a ogni pagina. Se sfogli rapidamente un taccuino del genere, sembrerà che il personaggio stia correndo e il fiore stia sbocciando. L'animazione classica fotogramma per fotogramma funziona in modo simile.

Il formato standard per la frequenza con cui le immagini cambiano è di 24 fotogrammi al secondo. E tutte queste cornici devono essere disegnate! In precedenza, questo veniva fatto manualmente. Nel tempo, speciali programmi di editing sono venuti in soccorso, quindi ora solo i fotogrammi chiave vengono disegnati a mano. Tuttavia, la creazione di un film d'animazione in stop-motion è ancora un lavoro scrupoloso e difficile.

La prima animazione in stop-motion viene talvolta chiamata taumatropio, un giocattolo vintage a forma di disco con disegni su entrambi i lati. Ruotando rapidamente il cerchio sul filo, è stato possibile ottenere l'effetto di combinare le immagini. Ad esempio, un uccello e una gabbia si sono trasformati nell'immagine di un uccello in una gabbia, e fiori e un vaso in una natura morta a tutti gli effetti. All'inizio del XX secolo iniziarono ad apparire i primi film d'animazione. Steward Blakton ha realizzato un cortometraggio "Espressioni buffe di facce buffe", ed Emil Kohl - "Fantasmagoria". In entrambi i film, gli autori disegnano i personaggi alla lavagna e poi "prendono vita". Kohl ha scoperto che ogni fase del movimento necessitava di uno schema diverso e ha utilizzato una telecamera montata verticalmente.

Poi accadde un grande evento: Walt Disney entrò nell'animazione. Ha escogitato, in particolare, un modo per creare volume combinando diversi piani, nonché una tecnica a strati in cui si sovrappongono pellicole di celluloide trasparente con immagini, in modo che la cornice non debba più essere disegnata da zero. Con l'aiuto del sistema Technicolor tricolore (una combinazione di immagini monocromatiche scattate attraverso filtri rosso, blu e verde), la Disney ha creato il primo cartone animato a colori: Fiori e alberi. Ha anche realizzato il primo cartone animato sonoro della storia ("Steamboat Willie" con Topolino fischiante nel ruolo principale) e il primo lungometraggio animato - "Biancaneve ei sette nani", che ha fatto colpo.

Si è scoperto che l'animazione è interessante per persone di tutte le età. Inoltre, ti consente di ottenere uno speciale effetto emotivo con mezzi unici.

Un attore, anche con le capacità mimiche di Jim Carrey e la dedizione di Christian Bale, che è sceso fino a 30 chilogrammi per i ruoli, non può ancora andare oltre le capacità umane. Ma i personaggi dei cartoni animati non sono tenuti a obbedire rigorosamente alle leggi della natura e della fisica. Pertanto, l'artista può premiarli con qualsiasi proporzione, caratteristica esterna e plasticità, se solo tutto ciò ha funzionato per rivelare l'immagine.

Anche per questo bisogna ringraziare la Disney, che ha creato un intero pantheon di personaggi cult, il cui carattere si riflette nell'aspetto. I suoi metodi sono stati adottati da altri animatori. Grazie a loro, oggi esistono centinaia di memorabili eroi e cattivi animati.

Lo stile dell'animazione classica può essere diverso. Cartoni animati Disney o sovietici, animazione europea o addirittura astratta, anime: stili diversi che non confonderai mai. Tuttavia, tecnicamente questa è tutta un'animazione fotogramma per fotogramma.

animazione dei burattini

La tecnologia stop-motion utilizza un finto palcoscenico, che funge da decorazione, come in un teatro, e "attori" di marionette. Per creare l'illusione del movimento, le pose delle figure vengono leggermente modificate scattando una fotografia fotogramma per fotogramma e poi trasformandola in un film. Tale animazione è apparsa insieme al cinema classico. Ad esempio, la famosa scena del film "Viaggio sulla luna", in cui l'astronave colpisce il satellite terrestre proprio negli occhi, è anche stop-motion.

I cartoni animati dei burattini sono sempre una storia speciale nel mondo dell'animazione. Non si trasformano in enormi franchising (non funzionerà a causa della complessità della produzione) e commercialmente non hanno il maggior successo. Tuttavia, c'è una magia speciale in questo modo di dare vita alla staticità.

Tali cartoni animati consentono di creare un volume di cui non è capace la classica animazione disegnata a mano e forniscono anche dettagli senza la necessità di disegnare qualcosa: basta posizionare gli oggetti nella cornice. Tuttavia, questo non è affatto semplice. Lo scenario per i cartoni animati dei burattini è creato a mano, e questo è davvero un lavoro infernale.

I popcorn tinti di rosa sono stati usati per ritrarre il sakura nel film Coraline.

Ogni fiore sugli alberi giocattolo è realizzato a mano da animatori e posizionato come richiesto per la scena. A Kubo. La pelliccia di scimmia The Legend of the Samurai è composta da piccoli pezzetti di silicone, ognuno dei quali è stato incollato sull'action figure. Tutte queste cose devono essere pensate in anticipo, perché quando l'oggetto è già stato creato nel materiale, premere Annulla non funzionerà. Quando si dà voce all'animazione del burattino, ogni movimento delle labbra dell'attore burattinaio viene creato separatamente, sincronizzando le espressioni facciali con la colonna sonora. Oggi molte parti vengono stampate su una stampante 3D, eppure è ancora un lavoro a cottimo.

Negli anni '60 e '80, l'animazione delle marionette era molto amata in URSS, per i materiali strutturati e l'accogliente intimità. The Mittens di Roman Kachanov, dove un gomitolo di lana rossa evoca una tempesta di emozioni, e Plasticine Crow di Alexander Tatarsky con un virtuoso gioco di forme (anche l'animazione di plastilina è una sottospecie di stop-motion) e canzoni vivaci meritano una speciale simpatia popolare.

Ad un certo punto, l'animazione delle marionette ha lasciato indietro l'animazione al computer in termini di complessità e naturalezza dei movimenti dei personaggi. Tuttavia, oggi le tecnologie CG si sono fatte avanti e gli eroi del computer non sono inferiori alle controparti fantoccio, ma per molti versi le superano.

Nel corso del tempo, l'animazione in stop-motion difficile da produrre e che richiede tempo ha iniziato a perdere popolarità. Stranamente, le fa bene. Solo i registi ideologici che sanno esattamente di cosa vogliono parlare e hanno uno stile originale decidono di lavorare in questo genere. Ad esempio, Tim Burton con i suoi famosi film su scheletri cantanti e animali domestici morti, o Wes Anderson, che ha diretto il film Fantastic Mr. Fox.

animazione al computer

In questo caso, le immagini in movimento sono ottenute utilizzando l'animazione 3D generata su un computer. Modelli tridimensionali di oggetti si muovono e interagiscono come vogliono i registi.

Nel cinema, uno dei primi a utilizzare l'animazione al computer è stato George Lucas. Gli effetti speciali dei primi episodi di Star Wars sono ancora apprezzati da molti fan più della grafica dei film moderni. Lo studio ILM di Lucas ha anche lavorato a una serie di famosi film epici con effetti eccezionali (Indiana Jones, Ritorno al futuro, Star Trek), così come Chi ha incastrato Roger Rabbit, che combina attori e personaggi dei cartoni animati.

Poi si è scoperto che l'animazione non può solo servire film con attori, ma anche creare il proprio mondo. Lo studio Pixar è diventato il pioniere nel campo dell'animazione al computer, che non ha fatto meno di quanto ha fatto la Disney per quella tradizionale. Oggi è lo studio di animazione di maggior successo nella storia del cinema.

Il cortometraggio animato del 1986 Luxo Jr. presenta una piccola lampada da tavolo che gioca con una palla sotto la supervisione di una lampada genitore. Le lampade si sono guadagnate l'onore di diventare personaggi dei cartoni animati, in quanto consentono di lavorare con la luce e dimostrare come le diverse superfici la riflettono. Questo breve cartone animato ha qualcosa per cui il lavoro della Pixar è ancora elogiato: l'innovatività della tecnologia e la vivacità emotiva dei personaggi. Nel 1995, lo studio ha rilasciato il primo lungometraggio interamente generato al computer, Toy Story.

Lo studio migliora costantemente la tecnologia e cerca nuove opportunità. Capelli ricci al vento, oggetti che affondano nell'acqua, il movimento delle nuvole, milioni di granelli di sabbia sulla spiaggia...

Nel caso dei film in CG, per rendere tutto questo convincente, è necessario tenere conto delle trame, del peso, dei percorsi di movimento e di molti altri fattori. Il fatto che gli oggetti siano virtuali rende solo più importanti le loro "caratteristiche materiali". Dopotutto, artisti e sviluppatori vogliono che la palla di gomma rimbalzi e che il tessuto svolazzi al vento, come se fosse vero.

Altri studi hanno adottato questi metodi, ad esempio Blue Sky Studios, che ha pubblicato Ice Age e Dreamworks (Shrek, Madagascar, Kung Fu Panda, Dragon Trainer).

L'animazione al computer ha dato allo spettatore la profondità dell'immagine, così come l'opportunità di correre con i personaggi e fare voli vertiginosi. Simili giri di macchina da presa non erano possibili nell'animazione classica e nel cinema ordinario. Ecco perché ci sono così tante gare e avventure nei cartoni animati in 3D, e le sceneggiature sono scritte pensando alla componente visiva e alle dinamiche.

Certo, i buoni cartoni animati attirano non solo grazie alla tecnologia. Tuttavia, sono proprio le ampie possibilità di animazione che consentono ai registi non solo di trasmettere esperienze, ma anche di toccare argomenti complessi. Hayao Miyazaki parla di armonia con la natura, Tim Burton rende divertente persino parlare della morte e i film Pixar ti insegnano ad accettare te stesso e a comprendere i tuoi sentimenti.

Nel corso della sua esistenza, l'uomo ha cercato di riflettere il movimento nella sua arte. I primi tentativi di trasmettere il movimento in un disegno risalgono al 2000 aC circa (Egitto).

Un altro esempio di movimento si trova nelle grotte del nord della Spagna: si tratta del disegno di un cinghiale con otto zampe.

Oggi, il trasferimento del movimento può essere realizzato mediante l'animazione.

Animazioneè la rappresentazione artificiale del movimento in film, televisione o computer grafica visualizzando una sequenza di disegni o fotogrammi a una frequenza che fornisce una percezione visiva olistica delle immagini.

L'animazione, a differenza del video, che utilizza il movimento continuo, utilizza molti disegni indipendenti.

Sinonimo di animazione "animazione"è molto diffuso nel nostro paese. Animazione e animazione sono solo definizioni diverse della stessa forma d'arte.

Il termine più familiare per noi deriva dalla parola latina "multi" - molto e corrisponde alla tradizionale tecnologia di riproduzione del disegno, perché affinché l'eroe "prenda vita", è necessario ripetere il suo movimento molte volte: da Da 10 a 30 fotogrammi disegnati al secondo.

La definizione professionale accettata al mondo "animazione"(tradotto dal latino "anima" - anima, "animazione" - revival, animazione) riflette nel modo più accurato possibile tutte le moderne possibilità tecniche e artistiche del cinema d'animazione, perché i maestri dell'animazione non si limitano ad animare i loro personaggi, ma mettono un pezzo di la loro anima nella loro creazione.

Dalla storia dell'animazione

L'animazione, come ogni altra forma d'arte, ha una sua storia. Per la prima volta, il principio di inerzia della percezione visiva, che è alla base dell'animazione, fu dimostrato nel 1828 dal francese Paul Roget. L'oggetto della dimostrazione era un disco, su un lato del quale c'era l'immagine di un uccello e sull'altro una gabbia. Durante la rotazione del disco, il pubblico ha creato l'illusione di un uccello in gabbia.

Il primo vero modo pratico per creare animazioni è venuto dalla creazione della fotocamera e del proiettore da parte di Thomas A. Edison.

Già nel 1906, il cortometraggio Humorous Phases of Funny Faces è stato creato da Stuart Blakton. L'autore ha fatto un disegno alla lavagna, fotografato, cancellato, e poi di nuovo disegnato, fotografato e cancellato...

Una vera rivoluzione nel mondo dell'animazione è stata fatta da WALT DISNEY (1901-1966), regista, artista e produttore americano.

Questa è tutt'altro che una storia completa dell'animazione, una piccola digressione dal materiale della conferenza. Puoi imparare di più sulla straordinaria e interessante storia dell'animazione da solo.

Tecnologie per la creazione di animazioni

Attualmente esistono varie tecnologie per la creazione di animazioni:

Animazione classica (tradizionale). rappresenta un cambio alternativo di disegni, ognuno dei quali è disegnato separatamente. Questo è un processo che richiede molto tempo, poiché gli animatori devono creare ogni fotogramma separatamente.

Animazione stop-frame (pupazzo).. Gli oggetti collocati nello spazio sono fissati da una cornice, dopodiché la loro posizione viene modificata e fissata nuovamente.

Animazione sprite implementato utilizzando un linguaggio di programmazione.

morphing– trasformazione di un oggetto in un altro generando un determinato numero di fotogrammi intermedi.

animazione a colori- cambia solo il colore, non la posizione dell'oggetto.

3 D-animazione creato utilizzando programmi speciali (ad esempio, 3D MAX). Le immagini si ottengono renderizzando la scena e ogni scena è un insieme di oggetti, fonti di luce, trame.

cattura del movimento (Movimentocatturare) – la prima direzione dell'animazione, che consente di trasmettere movimenti naturali e realistici in tempo reale. I sensori sono collegati all'attore dal vivo in posizioni che saranno allineate con i punti di controllo del modello computerizzato per l'input di movimento e la digitalizzazione. Le coordinate e l'orientamento dell'attore nello spazio vengono trasmessi alla postazione grafica ei modelli di animazione prendono vita.

Principi di animazione

Quando si creano film d'animazione, vengono utilizzati alcuni principi generali. La maggior parte di essi sono formulati per l'animazione Disney e originariamente si riferivano a cartoni animati realizzati con la tecnica dell'animazione tradizionale, ma quasi tutti sono applicabili ad altre tecnologie.
Ecco i principali:

"Spremi e allunga"(schiacciare e allungare). Questo principio ha rivoluzionato il mondo dell'animazione. L'essenza del principio è che un corpo vivente è sempre compresso e allungato durante il movimento. Prima del salto il personaggio è compresso come una molla, e nel salto, al contrario, è allungato. La regola principale in questo caso è un volume costante: se il personaggio è allungato (allungamento - deformazione lungo l'asse Y), allora deve essere compresso per mantenere il volume del suo corpo (squash - deformazione lungo l'asse X).

"Azione preparatoria" (Anticipazione). Nella vita reale, per eseguire qualsiasi azione, una persona deve spesso compiere movimenti preparatori. Ad esempio, prima di saltare, una persona deve sedersi, per lanciare qualcosa, la mano deve essere riportata indietro. Tali azioni sono chiamate movimenti di rifiuto, perché. prima di fare qualcosa, il personaggio, per così dire, si rifiuta di agire. Tale movimento prepara lo spettatore alla successiva azione del personaggio e dà slancio ai movimenti.

presenza scenica(messa in scena). Per la corretta percezione del personaggio da parte del pubblico, tutti i suoi movimenti, posture ed espressioni facciali devono essere estremamente semplici ed espressivi. Questo principio si basa sulla regola principale del teatro. La telecamera dovrebbe essere posizionata in modo che lo spettatore veda tutti i movimenti del personaggio.

"Colpi chiave" (da posa a posa). Prima della scoperta di questo principio, venivano disegnati i movimenti, e quindi il risultato era difficile da prevedere, perché. l'artista stesso non sapeva ancora cosa avrebbe disegnato. Questo principio prevede una disposizione preliminare dei movimenti: l'artista disegna i punti principali e posiziona il personaggio sul palco, e solo allora gli assistenti disegnano tutti i fotogrammi del movimento. Questo approccio ha notevolmente aumentato le prestazioni, come tutti i movimenti sono stati pianificati in anticipo e il risultato è stato esattamente quello previsto. Ma per creare un movimento specifico era necessario studiare attentamente ogni "pezzo". Sviluppando pose espressive, l'artista mette tutta la sua abilità, quindi sono questi momenti che dovrebbero essere visibili allo spettatore per un tempo più lungo. Per fare ciò, gli assistenti completano i movimenti in modo tale che la maggior parte dei fotogrammi si trovi accanto alle pose chiave. In questo caso il personaggio, per così dire, fa scivolare il movimento da un arrangiamento all'altro, abbandonando lentamente la posa e rallentando all'altro.

"Attraverso movimento e sovrapposizione"(segui attraverso / Azioni sovrapposte).
L'essenza del principio è che il movimento non dovrebbe mai fermarsi. Ci sono elementi come orecchie, code, vestiti, che devono essere costantemente in movimento. "Attraverso il movimento" garantisce la continuità del movimento e la fluidità del passaggio delle fasi, ad esempio dalla corsa alla camminata e viceversa. Il movimento dei singoli elementi del corpo, mentre il corpo non si muove più, è chiamato sovrapposizione. La sovrapposizione si esprime in scene di cambiamento delle fasi del movimento. Se il personaggio frena bruscamente dopo la corsa, le parti molli del corpo non possono fermarsi insieme alle parti dure e si verifica una leggera sovrapposizione (capelli, orecchie, code, ecc.). Quando si cammina, il movimento inizia con i fianchi e solo successivamente si estende alle caviglie. Pertanto, tutti i movimenti del personaggio sono collegati in una catena separata e diventa possibile descrivere rigidamente le regole con cui si muove. Un movimento in cui un elemento segue un altro è chiamato attraverso il movimento.

"Movimento in archi" (archi). Gli organismi viventi si muovono sempre lungo traiettorie arcuate. Prima di questo, veniva utilizzato il metodo del movimento rettilineo e, pertanto, i movimenti sembravano meccanici, come quelli dei robot. La natura della traiettoria dipende, di regola, dalla velocità del movimento. Se il personaggio si muove bruscamente, la traiettoria si raddrizza, se si muove lentamente, la traiettoria si piega ancora di più.

Attività secondarie (Azioni secondarie). Spesso vengono utilizzati movimenti secondari per conferire maggiore espressività al personaggio. Servono per attirare l'attenzione su qualcosa. Ad esempio, un personaggio in lutto potrebbe soffiarsi spesso il naso in un fazzoletto, mentre un personaggio sorpreso potrebbe muovere le spalle. Le azioni secondarie si sono diffuse nel mondo dell'animazione. Grazie al loro utilizzo, i personaggi diventano più vivi ed emotivi.

Calcolo del tempo(Cronometraggio). Questo principio ti consente di dare peso e umore al personaggio. In che modo lo spettatore valuta il peso dei personaggi? Il peso del personaggio è costituito da fattori come la velocità di movimento e l'inerzia. Affinché il personaggio si muova in base al suo peso, l'artista calcola il movimento e il tempo di sovrapposizione per ogni personaggio. Nel calcolare il tempo, vengono presi in considerazione il peso, l'inerzia, il volume e lo stato emotivo dell'eroe. L'atmosfera è trasmessa anche dalla velocità dei movimenti del personaggio. Quindi un personaggio depresso si muove molto lentamente e un personaggio ispirato si muove piuttosto vigorosamente.

Esagerazione (Esagerazione e caricatura). Walt Disney ha sempre preteso più realismo dai suoi dipendenti, puntando infatti di più al "realismo caricaturale". Se un personaggio doveva essere triste, pretendeva che fosse reso cupo, mentre uno felice doveva essere reso radioso in modo abbagliante. Con l'aiuto dell'esagerazione, l'impatto emotivo sul pubblico aumenta, ma il personaggio acquisisce un carattere caricaturale.

disegno professionale. Il disegno è la base di tutto. Abbastanza comuni ai Disney Studios sono segni come "Il tuo disegno ha peso, profondità ed equilibrio?" Il principio del disegno professionale vieta anche di disegnare "gemelli". I "gemelli" sono tutti gli elementi del disegno che si ripetono due volte o sono simmetrici, i "gemelli" compaiono molto spesso contro la volontà dell'artista, senza accorgersi che disegna due mani nella stessa posizione.

attrattiva (Appello). L'attrattiva del personaggio è la chiave del successo dell'intero film. Come puoi sapere se un personaggio è attraente? Qualsiasi oggetto può essere attraente se lo si guarda con piacere, trovando in esso semplicità, fascino, buon design, fascino e magnetismo. Da un personaggio attraente è impossibile distogliere lo sguardo. Anche il personaggio più cattivo di un film deve essere attraente per mantenere gli spettatori sullo schermo.

Tutti coloro che sono coinvolti nell'animazione dell'autore inventeranno sicuramente qualcosa, inventando la propria tecnologia di ripresa: questa è una professione del genere. E non importa se l'autore del cartone animato lavora al computer o fa tutto a mano. A volte queste invenzioni non sono visibili allo spettatore: l'artista stesso ne ha bisogno affinché tutto vada come vuole. E a volte sono sorprendenti. Per le tecniche manuali, forse le scoperte più importanti e illustrative vengono fatte in tre direzioni: in come viene realizzata l'immagine stessa, cosa ne diventa lo sfondo e come viene realizzata l'animazione stessa, cioè il movimento. E per le tecnologie digitali, la principale innovazione finora rimane la realtà virtuale, la realtà virtuale, dove non è importante la tecnica di animazione in sé, ma il modo in cui lo spettatore guarda questo film.

Alta tecnologia

Forse le tecnologie digitali stanno cambiando più velocemente. Ma nella maggior parte dei casi, lo spettatore non nota gli infiniti miglioramenti della computer grafica, che consentono di creare trame di soffici nuvole, un mare soleggiato o pelle umana "viva", o di disegnare un enorme esercito nel film in modo che nessuno si penserà che non è reale. Allo stesso tempo, le tecniche che cambiano completamente l'approccio all'animazione non compaiono molto spesso in digitale. Ecco i principali.

"Perla" ("Perla")

Diretto da Patrick Osborne. USA, 2016

Oggi ci sono molte opportunità per guardare film a 360 gradi direttamente sul tuo computer: la tecnologia lo permette. Allo stesso tempo, la stessa tecnica di animazione può rimanere piuttosto tradizionale: ad esempio, la "Perla" disegnata a mano dal regista americano indipendente Patrick Osborne, il primo film VR nominato per un Oscar. Questa è una storia musicale sentimentale su un padre e una figlia, la cui intera vita è trascorsa in un'auto hatchback degli anni '70. Cambiando l'angolo di visuale con il cursore, possiamo vedere il padre alla guida dell'auto e sua figlia in crescita sul sedile posteriore.

Gorillaz - "Saturno Barz"

Diretto da Jamie Hewlett. Regno Unito, 2017

La clip della band Gorillaz "Saturnz Barz" racconta una storia fantastica sulla visita della compagnia a una casa abbandonata dove vivono i fantasmi. Grazie alla tecnologia dell'animazione tridimensionale al computer, possiamo esaminare in dettaglio questa casa spaventosa e poi, volando nello spazio, guardare i corpi celesti intorno.

"Ritorno sulla luna"

Diretto da Francois-Xavier Goby, Helen Leroux. USA, 2018

Un progetto che ha unito inaspettatamente tecnologie VR e scarabocchi di google. Il primo doodle interattivo con vista a 360 gradi è stato dedicato al film Journey to the Moon del pioniere del cinema Georges Méliès. "Back to the Moon" può essere scaricato su un cellulare in Google Spotlight Stories, quindi inserisci il telefono in occhiali speciali per VR (il cartone Cardboard andrà bene) e ti ritroverai proprio all'interno del cartone animato, dove una bellezza, un mago e un verde atto di troll.

Penna 3D

"Cravatte" ("Cravatte")

Diretto da Dina Velikovskaja. Germania, in corso

Un'altra straordinaria opportunità che l'alta tecnologia ci offre è una penna 3D con la quale puoi disegnare in aria. È già utilizzato attivamente nel design, ma sembra che non ci siano ancora stati esperimenti del genere nell'animazione, sebbene questa tecnologia, che unisce disegno e oggettività, sia stata letteralmente creata per i film di animazione. E proprio ora, la regista russa Dina Velikovskaya, che ha realizzato sia film di marionette che cartoni animati, ha iniziato a girare il cartone animato "The Bonds" in Germania usando una penna 3D. Finora è disponibile solo un teaser.

Usi insoliti di Motion Capture

II Materiali e modi sconosciuti per creare un'immagine

Passiamo ora alle tecniche manuali, tra le quali ce ne sono, se non nuove, ma insolite e rare. Prima di tutto, diamo un'occhiata a come e da quali materiali puoi creare l'immagine stessa per il cartone animato.

Animazione sullo schermo dell'ago

"Qui e il grande altrove" ("Qui e il grande altrove")

Regia di Michel Lemieux. Canada, 2012

La tecnica dell'animazione dell'ago è stata inventata nei primi anni '30 da Alexander Alekseev, un nostro ex connazionale emigrato in Francia dopo la rivoluzione. La sua essenza è che gli aghi si muovono liberamente nei fori di uno schermo verticale e, se premuti, formano una forma scultorea sull'altro lato. L'immagine animata stessa è creata dalle ombre proiettate dagli aghi, e risulta essere molto morbida e volatile, è un po' come un disegno a carboncino oa polvere. Questa tecnica non è semplice e ci sono solo due schermi creati da Alekseev nel mondo: uno in Francia e l'altro in Canada. Di conseguenza, ci sono pochi seguaci di Alekseev che lavorano su questi schermi. Uno degli ultimi film realizzati con questa tecnologia è “Here and the Great Not Here” della canadese Michelle Lemieux, girato nel 2012, storie filosofiche e fantastiche sull'Universo e sul tentativo dell'uomo di comprendere il mondo.

"Pesce Tagliatella"

Diretto da Jin Man Kim. Corea del Sud, 2012

Il regista coreano Jin Man Kim ha inventato la sua affascinante versione della tecnica dell'ago. Invece degli aghi, ha colpito lo schermo con le tagliatelle, e la sua immagine è costruita non tanto dall'ombra degli aghi, ma da questi stessi aghi di pasta, piegati ora in un bassorilievo, poi in un controrilievo, raffigurante il personaggi e l'ambiente del cartone animato. Un pesce fatto di tagliatelle sogna di conoscere il mondo cadendo da una pozzanghera in mare; vuole sapere cosa c'è oltre i confini dell'acqua, ma alla fine dei titoli di coda colpisce il piatto dell'animatore. I personaggi parlano coreano, ma ci sono i sottotitoli in inglese, e la trama è chiara anche senza parole.

Animazione con luce

“Ma cos'è il luccichio (che vedo sul balcone)?” ("Che luce (attraverso la finestra che si rompe)")

Diretto da Sarah Wickens. Regno Unito, 2009

Puoi anche dipingere con la luce. Ad esempio, Sarah Wickens, una studentessa laureata del Royal College of Art di Londra, lo ha fatto nel suo film What Light (Through Yonder Window Breaks) in un modo molto originale. Questa è una battuta del monologo di Romeo innamorato nella scena al balcone di Romeo e Giulietta, che, nella traduzione di Pasternak, suona così: “Ma che lustro vedo sul balcone? / C'è una luce. Giulietta, sei come il giorno! / Stai alla finestra, uccidi la luna con il tuo vicinato ... "Sarah gira una storia su un punto di luce che prende vita nella sua soffitta, senza usare una tecnologia sofisticata, ma solo la luce stessa, specchi e stampini (come fa questo può essere visto nei titoli di coda). Il suo eroe è un giocoso raggio di sole, simile allo spirito dell'aria Ariel della Tempesta di Shakespeare.

Pikapika - Vai! Andare! Pikapica!"

Diretto da Kazue Monno, Takeshi Nagata. Giappone, 2007

C'è un'altra tecnologia che è diventata popolare oggi, la tecnologia di animazione della luce, si chiama "freezelight" - luce congelata. Gli artisti dipingono nell'aria con lanterne colorate e lo riprendono con una lunga esposizione: risulta molto elegante. Ecco, ad esempio, il video musicale del progetto giapponese Pikapika, che ha ricevuto molti premi per lo sviluppo di questa tecnologia.

Fermare il movimento da materiali insoliti

Efrat Ben-Zur - "Pettirosso"

Diretto da Yuval e Merav Nathan. Israele, 2014

La tecnologia di animazione stop motion ("stopped motion") è la più tradizionale e diffusa nell'animazione. Di solito, questo termine è usato per riferirsi al lavoro con bambole e oggetti: vengono fotografati fotogramma per fotogramma, cambiando la posizione dell'oggetto, quindi le fotografie vengono combinate - si ottiene il movimento sul video. Ma quando materiali inaspettati prendono il posto di bambole e oggetti familiari, la vecchia tecnica appare di nuovo nuova e sperimentale. Ad esempio, l'animazione di fiori e foglie nel video musicale degli animatori israeliani Yuval e Merav Nathan per la canzone di Efrat Ben-Tzur basata sulla poesia di Emily Dickinson "Robin" ("Robin").

Oren Lavi - "La sua eleganza mattutina"

Diretto da Yuval e Merav Nathan. Israele, 2009

La stessa coppia di registi ha un'altra clip sperimentale che ha fortemente influenzato molti animatori, in cui le persone sono state filmate con la tecnologia stop motion.

"Brillante" ("Brillante")

Diretto da Daniel "The Cloud" Campos, Spencer Sasser. USA, 2016

Ci sono film molto spiritosi in cui i vestiti sono animati, e spesso la tecnologia è al confine tra due tecniche popolari: stop motion e re-laying, dove i dettagli, a differenza dell'animazione del soggetto, si muovono su un piano pezzo per pezzo, come in un'appliqué. Ecco, ad esempio, una storia così avventurosa, filmata dai registi americani Daniel "The Cloud" Campos e Spencer Sasser (è essenziale per questo film che il primo di loro sia ballerino e coreografo).

Animazione sciolta da materiali insoliti

"Cinto"

Diretto da Natalia Mirzoyan. Russo, 2011

Negli ultimi anni, l'animazione sciolta (o in polvere) si è trasformata da una tecnica rara in una delle più popolari. Ma tutti sono abituati al fatto che sia realizzato con gli stessi materiali, principalmente sabbia e caffè. Certo, i cartoni animati possono essere girati non solo da loro, ma anche da tutto ciò che può colare, anche da trucioli di ferro, aggiungendo effetti interessanti con un magnete. I migliori materiali sfusi si trovano tradizionalmente in cucina, e qui il loro gusto, la dimensione delle particelle o l'origine possono dare un significato aggiuntivo. Ecco, ad esempio, il cartone animato "Chinti" della regista di San Pietroburgo Natalya Mirzoyan su una formica sognante. La sua storia si svolge in India, e quindi l'animazione realizzata utilizzando diverse varietà di tè sembra particolarmente appropriata.

"Uomo Spitfire"

Regia di Natalia Antipova. Russo, 2004

Il film della studentessa laureata VGIK Natalya Antipova "L'uomo irascibile" è fatto di spezie. E poiché la parabola orientale parla di un uomo che non riesce a reprimere la sua rabbia, qui vengono usati peperoncino e altre spezie piccanti.

"Il gattino che si è perso", "A proposito di un riccio e una mela", "Balletto nella foresta"

La regista Svetlana Razgulyaeva e i suoi studenti al Loose Animation Workshop. Russo, 2015

Alla Cartoon Factory del Big Cartoon Festival, la regista Svetlana Razgulyayeva e i suoi studenti hanno filmato tre semplici storie su un gattino, un riccio e un balletto della foresta, utilizzando tutte le forniture domestiche: cereali multicolori, fagioli, lenticchie, pasta di varie forme e molto di piu. E l'anno successivo, alla Factory, i bambini hanno filmato Shagayka: questa breve animazione fatta di noci e ferro, anch'essa parzialmente funzionante come sfusa, racconta il Big Bang.

Animazione Kissel

"Il più semplice" ("Protozoi")

Regia di Anita Nakvi. Polonia, 2011

Continuando il tema della cucina, dobbiamo anche parlare di un bellissimo film della giovane regista polacca Anita Nakvi intitolato "The Simplest". Il materiale da costruzione principale per il cartone animato di Anita sono i baci di diversi colori.

Animazione di immagini mediche

"Corpi estranei" ("Corps étrangers")

Diretto da Nicolas Bro. Canada, 2013

Un'altra possibilità interessante all'interno della tecnica familiare dell'animazione al computer. Il regista canadese Nicolas Braud ha realizzato un bellissimo film astratto "Alien Bodies" utilizzando immagini tratte da vari tipi di studi medici - tomografia computerizzata, risonanza magnetica, ecc. I nostri organi qui si trasformano in strani animali e il corpo sembra davvero qualcosa di strano e alieno.

Animazione serigrafica

"Una lettera d'amore a colui che ho inventato"

Regia di Rachel Gutgartz. Israele, 2017

La tecnologia originale è stata utilizzata da un laureato dell'Accademia israeliana delle arti "Betsalel" Rahel Gutgarts. Per il suo film di laurea, in cui una ragazza, tornando a casa, pensa a come immagina un uomo ideale, e nella sua immaginazione gli scrive una lettera, Rahel ha usato la serigrafia, cioè stampando ogni fotogramma attraverso uno stencil . Stampato a mano, ogni volta diverso, dona una cornice particolare, “tremante” e un colore “vivo”, saturo. Film in ebraico con sottotitoli in inglese.

Pixilazione

Stanley Pickle

Diretto da Vicki Mather. Regno Unito, 2015

La pixilation non è una tecnica di animazione nuova, ma comunque poco utilizzata. Per esso viene filmato un vero movimento (una persona, per esempio), quindi il video viene rieditato fotogramma per fotogramma in modo che sembri già un'animazione. È in questo modo, ad esempio, che puoi mostrare il volo magico di una persona dal suolo: riprendi come rimbalza, quindi ritaglia tutti i fotogrammi in cui decolla e atterra e lascia solo i fotogrammi in aria . Il famoso film pixelato Stanley Pickle della britannica Vicki Mather è una storia molto appropriata per questa tecnologia su un giovane inventore geniale che si è creato una famiglia meccanica e ha vissuto in un mondo di ingranaggi finché non ha incontrato una ragazza dal vivo.

"Svetilo" ("Luminaris")

Regia di Juan Pablo Zaramella. Argentina, 2011

E un altro film famoso nella tecnica della pixilation è The Luminary del regista argentino Juan Pablo Zaramella. Qui il regista combina in modo molto naturale la pixelizzazione con l'animazione di oggetti (la combinazione di diverse tecniche è comune oggi) per mostrare quali eventi fantastici hanno luogo in quello che sembra essere un mondo molto reale. Davanti a noi c'è un romanzo di produzione: beffardo e lirico.

Animazione da foto

"Alla soglia di Ilyich"

Diretto da Michail Soloshenko. Russo, 2014

L'animazione da fotografie, ovviamente, non è un termine: in senso stretto, qualsiasi animazione in stop motion, come la ripetizione, è costruita da riprese fotogramma per fotogramma. Ma il film educativo VGI di Mikhail Soloshenko "On the Threshold of Ilyich" è stato reso più complicato: vi hanno preso parte quattro attori, ciascuno per questo film è stato filmato fotogramma per fotogramma come una bambola e ritagliato. Separatamente, le espressioni facciali sono state filmate per mettere un movimento delle labbra adeguato su ogni segnale, separatamente - l'intera situazione. Si sono rivelate migliaia di foto ritagliate e i loro frammenti. Qui era necessaria una tecnologia così complessa, in particolare, perché in questa storia parodia la scala dei personaggi è diversa: l'eroe e sua madre sono persone normali, mentre Lenin e Pushkin sono animali domestici delle dimensioni di un gatto. Ebbene, perché in un tale assemblaggio manuale, tutti gli oggetti, apparentemente rimasti reali, hanno ricevuto una sorta di grottesca irregolarità, molto adatta a questa storia assurda.

"4min15 al rivelatore"

Regia di Moya Jobin-Pare. Canada, 2015

Il debutto di successo del canadese Moya Jobin-Pare al festival è stato un film sperimentale per il quale Moya ha inventato lei stessa la tecnologia. Ha fotografato la città e sua sorella attraverso la finestra del suo appartamento, poi ha stampato una montagna di fotografie e vi ha applicato dell'emulsione, osservando la consistenza e il colore che cambiavano sulla stampa ai sali d'argento, quindi ha ricomposto l'immagine sul computer. Si è rivelato un film semi-astratto molto interessante.

animazione collage

Trailer del Festival del Teatro NET 2017

Diretto da Maria Aligozhina, Alexey Ermolaev. Russo, 2017

L'animazione del collage è in realtà un caso speciale della tradizionale tecnica di riposizionamento, che utilizza principalmente non l'immagine dell'autore, ma ready-made (ad esempio, fotografie ritagliate da riviste patinate e in movimento enfaticamente artificiale). Ecco, ad esempio, un trailer collage per il festival teatrale NET, girato da Maria Aligozhina e Alexei Ermolaev.

Animazione fatta dal cinema

"Film veloce"

Regia di Virgilio Vidrich. Austria, Lussemburgo, 2003

Il regista austriaco Virgil Widrich ha realizzato il suo Quick Film come omaggio alla vecchia Hollywood. La classica storia dell'eroe che insegue e salva una bella donna è stata creata da fotogrammi e microframmenti di 400 vecchi film da The Maltese Falcon e Godzilla a Psycho: Vidrich ha stampato 65.000 fotogrammi e da essi ha combinato oggetti - aerei, treni, automobili, - in cui l'azione si svolge. Gli eroi del film cambiano volto ogni secondo: Humphrey Bogart inizia a baciare una stella, ma si stacca da un'altra; un attore sbircia dalla porta e la testa di un altro sporge: un vero regalo per un appassionato di cinema.

Animazione della macchina da scrivere

"Dattilografia" ("Schreibmaschinerie")

Regia di Karo Estrada. Austria, 2012

Un altro esempio del fatto che le cose più inaspettate possono essere la base di un'immagine in un cartone animato, prendi almeno le lettere e i segni stampati su una vecchia macchina da scrivere. Il film dell'austriaca Karo Estrada si chiama "Typewriter" (Karo ha detto di essersi ispirata alla macchina da scrivere scoperta per caso da sua nonna). Su questa macchina da scrivere è stato girato un film contro la guerra dedicato alla prima guerra mondiale.

"G-AAAH"

Regia di Elizabeth Hobbs. Regno Unito, 2016

La regista britannica Elizabeth Hobbs ha dedicato il suo film "G-AAAH" ad Amy Johnson, che ha lavorato come dattilografa prima di effettuare il volo da record dall'Inghilterra all'Australia nel 1930. Elizabeth ha anche "disegnato" il suo intero film su una vecchia macchina da scrivere Underwood 315. Devo dire che i cartoni animati da lettere (stampate o scritte a mano), sebbene sembrino sempre sperimentali, non sono così rari. Qui, ad esempio, il film "Loof and Let Dime", girato dallo studente laureato VGIK Roman Vereshchak. Questa è una poesia assurda del poeta autistico Christopher Knowles, letta dal regista e artista teatrale americano Robert Wilson.

animazione in feltro

"Piante morbide" ("Zachte Planten")

Regia di Emma de Swaaf. Belgio, 2008

Sembra che non ci sia niente di speciale nelle bambole di feltro. Ma qualche anno fa, dopo l'uscita del film " Ah Willy...”dei registi belgi Emma de Swaaf e Mark Ruls, dove non solo i personaggi, ma il mondo intero sembrava morbido e pubescente, come un calzino di lana, la tecnica dell'infeltrimento era di particolare interesse per tutti. Lo spazio caldo era ingannevole: i personaggi morbidi e indifesi di Oh Willy non si sentivano affatto al sicuro (il cartone può sembrare abbastanza spaventoso per i bambini). Lo stesso si può vedere nel primissimo film di diploma di Emma "Zachte Planten" ("Soft Plants"). Il suo fumetto parla di come l'impiegato dell'ufficio ha avuto un'avventura spaventosa in una foresta soffice.

Prelievo di sangue

"Manifesto del sangue"

Regia di Teodor Ushev. Canada, 2014

Devo dire che puoi disegnare con il sangue. Ecco Blood Manifesto del regista canadese Teodor Ushev, girato nella recente foga rivoluzionaria, quando tutto il mondo (e il Canada, come la Russia) protestava contro il regime totalitario. Il proprio sangue, così come la propria prosa ritmica (il fumetto non è stato ancora tradotto dall'inglese al russo) e lo stile visivo poetico del manifesto: tutto funziona per lo spirito di questo film, simile all'amara canzone della rivoluzione.

Animazione della sagoma

"Tre inventori" ("Les Trois Inventeurs")

Regia di Michel Oselo. Francia, 1980

La tecnica della silhouette è rara, ma una delle più antiche. È stato glorificato dalla pioniera dell'animazione tedesca Lotte Reiniger, e uno dei suoi seguaci più famosi in questa tecnica è il regista francese Michel Oselo. Il suo "Tre inventori" è un film incredibilmente elegante che sembra centrini di pizzo. Una triste storia su una famiglia di tre geniali inventori, che i cittadini consideravano stregoni, distrussero le loro invenzioni e incendiarono la casa. Il fumetto è in francese, ma c'è pochissimo testo e la trama è abbastanza comprensibile.

Shugo Tokumaru - "Katachi"

Diretto da Kasia Kiek, Pshemek Adamski. Giappone, 2012

Ed ecco una versione moderna della tecnica della silhouette - un video musicale per l'artista giapponese Shugo Tokumaru, girato dalla coppia di registi polacchi Kasey Kiek e Przemek Adamski: qui le nuove sagome di carta non sostituiscono quelle vecchie, ma stanno di fronte a loro , lasciandosi alle spalle tutte le precedenti fasi di movimento, come la sua scia. Puoi vedere come è stato filmato: le fasi sono state disegnate su un computer, stampate e ritagliate con un laser.

III Sfondo insolito e spazio per l'animazione

Succede che il film sembri molto insolito, sebbene la tecnica di animazione che utilizza sia piuttosto tradizionale: è lo sfondo o lo spazio che lo rende speciale. Immaginate, ad esempio, un cartone animato disegnato sul corpo (e questo accade), oppure un film in cui l'animazione è proiettata nello spazio reale della foresta. Ci sono innumerevoli opzioni, ecco le più famose.

Animazione sui muri delle case e negli spazi della città

"Big Bang, grande boom"

Blu direttore. Italia, 2010

Tra gli artisti di strada ci sono anche animatori che dipingono graffiti e trasformano i muri delle case e gli oggetti della città in giganteschi fondali per i loro cartoni animati. Uno dei più famosi animatori di graffiti è l'artista che si nasconde sotto il soprannome di Blu. Ama combinare l'animazione surreale disegnata a mano con l'animazione di oggetti. Ad esempio, il suo film "Big Bang Big Boom" racconta la storia del Big Bang che ha creato il mondo, e utilizza l'intera città per questo: case, aree industriali, spiaggia cittadina, ponti, automobili e così via.

"Stencil Tango n. 2" ("Stencil Tango n. 2")

Regia di Mario Rulloni, Juan Pablo Zaramella. Argentina, 2010

Un altro cartone animato sui muri - non più disegnato, ma realizzato con l'ausilio di stencil graffiti sul muro di una casa fatiscente. Per realizzare stencil, ballerini professionisti