Woroneska artystka Olga Brazhnikova znana jest ze swoich jasnych, słonecznych prac wykonanych gwaszem. Droga do sztuki nie była dla niej łatwa, rezygnując z pracy projektantki, wstąpiła do Woroneskiej Szkoły Artystycznej, a w tym roku ukończyła Uniwersytet Pedagogiczny z dyplomem „ sztuka" Olga pracuje głównie z gwaszem i burzy stereotypy związane z tym materiałem. Dla Umbra Media artystka pokazała swoje domowe studio i opowiedziała, jak kreatywność zmieniła jej życie.
O studiowaniu
„Ucieczka z pracy w fabryce”
— Kiedy zdałeś sobie sprawę, że chcesz zostać artystą?
— Zawsze lubiłem rysować, ale w świadomości moich rodziców (matka pracowała jako księgowa, ojciec nadal pracuje w fabryce samolotów) bycie artystą nie jest poważnym zawodem. Musiałem więc iść do szkoły lotniczej. Nie rozumiem, jak udało mi się to dokończyć. Pomogła mi umiejętność dobrego rysowania, zrobiłem gazety ścienne do testów. Kiedy moje studia dobiegły końca, zdałem sobie sprawę, że nigdy nie pójdę do fabryki. I poszłam do wieczorowej szkoły plastycznej, żeby chociaż mieć coś dla duszy. Nauczyciel zasugerował, abym wstąpił do Szkoły Artystycznej w Woroneżu.
— Jak twoi rodzice przyjęli, że chcesz zostać artystą?
„Nie wierzyli, że to zrobię”. Był zabawna historia. Tata powiedział, że zna człowieka, który potrafiłby narysować portret Lenina kijem w piasku! A jeśli nie potrafię tego zrobić, to nie jestem artystą. Mimo wszystko przygotowywałem się do przyjęcia, przez 2-3 miesiące uczęszczałem na kursy i uczyłem się rysunku osobno pod okiem nauczyciela. A kiedy weszłam, moi rodzice mnie wspierali i byli szczęśliwi. I dopiero później, gdy moje prace zaczęto zabierać na wystawy, uwierzyli we mnie. Po studiach trafiłem do firmy z branży zbrojeniowej, gdzie do dziś pracuję jako projektant. Miałem dość długą przerwę - siedem lat, ale potem postanowiłem wrócić do malarstwa i twórczości. W 2013 roku rozpoczęła studia na Państwowym Uniwersytecie Pedagogicznym w Woroneżu, który w tym roku ukończyła.
O materiałach
„Niewiele osób wierzy, że moje obrazy są malowane gwaszem”
— Dlaczego wybrałeś gwasz, co Cię interesuje w tym materiale?
— Gwaszem zainteresowałem się w instytucie pedagogicznym. Wcześniej postrzegałem to bardziej jako etap przejściowy do ropy. Ale teraz to mój ulubiony materiał. Szybko schnie, jest bezwonny, daje teksturowane pociągnięcia i jasne kolory. Maluję impasto, gwaszu nie rozcieńczam wodą. Zwykle rysuję na grubym papierze. Olej oczywiście nie jest tak wygodny do pracy w mieszkaniu. Zwłaszcza biorąc pod uwagę, że mój kot nieustannie próbuje dostać się do jakiegoś słoika. Kiedy malowałem olejami, na chwilę się rozproszyłem, a ona już się w to wciągnęła niebieska farba i odciski lewej łapy w całym mieszkaniu. Potem spędziliśmy cały wieczór na szorowaniu tych śladów.
— Co sądzisz o tym, że gwasz często nazywany jest materiałem „dziecięcym”?
— Wydaje mi się, że to stereotyp i uprzedzenie. Według moich kolegów, opracowałem to gwaszem własny styl. Kiedy publikuję swoje prace w Internecie, wiele osób pisze, jak bardzo są zdziwione, że obrazy są malowane gwaszem, a nie olejem. Gwasz – nie kreatywność dzieci, ale porządny materiał. Wydaje mi się, że arcydzieła można stworzyć z dowolnego materiału, materiał nie odgrywa tutaj pierwszoplanowej roli.
- Co Cię inspiruje?
– Uwielbiam miejskie krajobrazy. Fascynują mnie domy, które żyły i mają swoją historię. Zwykle chodzę po mieście, nagrywam historie, a potem piszę w domu. Uwielbiam zamieszanie kolorów i teksturowane pociągnięcia. i od współczesnych artystów Bardzo inspirują mnie akwarele Arusha Votsmusha.
— W jakiej atmosferze lubisz pracować – w ciszy czy przy muzyce?
— Kiedy piszę, najczęściej słucham starego, dobrego rocka. Niektóre z moich ulubionych zespołów to Aquarium i The Doors
— Panuje powszechne przekonanie, że wykształcenie akademickie „zabija” indywidualność artysty. Co o tym myślisz?
— Wydaje mi się, że edukacja w dziedzina artystyczna ważniejsze teraz niż kiedykolwiek. Oglądając te same lekcje wideo w Internecie, nie jesteś uczestnikiem procesu, ale jest to konieczne. Myślę, że wykształcenie akademickie pomaga w zdobywaniu umiejętności rysowania. Studiowałem u Aleksandra Starilowa, był wszechstronnym artystą, architektem i innowatorem. Uważał, że trzeba mieć klasyczne wykształcenie, a potem szukać własnego stylu, taki sam prymitywizm nie rodzi się z niczego. I zgadzam się z nim.
O realizacji
„Artysta to coś więcej niż zawód”
— Jak udaje Ci się łączyć pracę projektanta, kreatywność i rodzinę?
— To trudne, piszę głównie w weekendy. A córka jest już dorosła, nie trzeba z nią cały czas być, ma już mnóstwo własnych zainteresowań. W okresie, kiedy nie rysowałem, ciągle czułem, że tego mi brakuje. Teraz nie mam zamiaru rezygnować z malarstwa, lubię działać twórczo i szukać. Bycie artystą to dla mnie sens życia i coś więcej niż zawód. Tworzenie obrazu jest dla mnie pewnego rodzaju tajemnicą, choć oczywiście z technicznego punktu widzenia tajemnica nie istnieje. Ale proces jest zawsze intrygujący – zastanawiam się, co ostatecznie wyjdzie.
— Jakie masz plany na najbliższą przyszłość? Chciałbyś mieć swój własny warsztat?
— Bardzo chcę brać udział w wystawach, a nie ograniczać się do własnej przestrzeni. Mam nadzieję, że uda mi się to wkrótce zrobić wystawa osobista V Szkoła Artystyczna. A warsztaty to chyba tylko kwestia odległej przyszłości. Na razie wszystkie moje prace mieszczą się w mieszkaniu. Niedawno zakończyliśmy remont. Ściany pomalowano specjalnie na biało, aby można było wieszać obrazy. Przestrzeń pracy zorganizowałam tak, aby wokół było dużo powietrza i światła. Aż zarosło wszelkiego rodzaju ciekawe tematy i szczegółów, ale myślę, że to nie potrwa długo.
W upalne wiejskie lato lub podczas utrzymującej się zamieci śnieżnej. Nie wychodząc z domu, możesz znaleźć inspirację w zwykłych owocach lub niezwykłych kwiatach. Bohater nie próbuje odwracać głowy, jak w portrecie, i nie zmienia co sekundę cieni w światło, jak w pejzażu. To właśnie jest dobre w gatunku martwej natury. I „martwa natura” przetłumaczona z francuskiego lub „ spokojne życie rzeczy” w wersji holenderskiej, naprawdę ożywia wnętrze. Natalya Letnikova prezentuje 7 najlepszych martwych natur autorstwa rosyjskich artystów.
„Fiołki leśne i niezapominajki”
Fiołki leśne i niezapominajki
Wydaje się, że obraz Izaaka Lewitana niebieskie niebo i biała chmura - od piosenkarza rosyjskiej natury. Tylko na płótnie nie ma rodzimych otwartych przestrzeni, ale bukiet polnych kwiatów. Mniszki, bzy, chabry, nieśmiertelniki, paprocie i azalie... Pracownia artysty po tym, jak las zamienił się w „albo szklarnię, albo kwiaciarnia" Lewitan kochał kwiatowe martwe natury i nauczył swoich uczniów widzieć zarówno kolor, jak i kwiatostany: „Powinny pachnieć nie farbą, ale kwiatami”.
„Jabłka i liście”
Jabłka i liście
Dzieła Ilji Repina organicznie uzupełniają wspaniałą oprawę Muzeum Rosyjskiego. Wędrowny artysta skomponował kompozycję dla swojego ucznia Walentina Serowa. Okazało się tak malownicze, że sam nauczyciel wziął pędzel. Sześć jabłek ze zwykłego ogrodu - posiniaczonych i z „beczkami” oraz sterta liści pokrytych jesiennymi barwami jako źródło inspiracji.
"Bukiet kwiatów. Floksy”
Bukiet kwiatów. Floksy
Malarstwo Iwana Kramskoja. „Nie będzie utalentowana osoba spędzać czas na przedstawianiu, powiedzmy, basenów, ryb itp. To dobre rozwiązanie dla ludzi, którzy już wszystko mają, ale mamy dużo do zrobienia” – Kramskoj napisał do Wasnetsowa. A jednak pod koniec życia słynny portrecista nie zignorował gatunku martwej natury. Na XII edycji zaprezentowano bukiet floksów w szklanym wazonie wystawa objazdowa. Obraz został kupiony jeszcze przed wernisażem.
"Martwa natura"
Martwa natura
Kazimierz Malewicz w drodze do „Czarnego kwadratu” poprzez impresjonizm i kubizm, omijając realizm. Miska na owoce - owoce kreatywne zadania, nawet na tym samym zdjęciu: grube czarne linie francuskiej techniki cloisonné, płaskie naczynia i obszerne owoce. Wszystkie elementy obrazu łączy tylko kolor. Charakterystyka artysty - jasna i bogata. Jak wyzwanie pastelowe kolory prawdziwe życie.
„Śledź i cytryna”
Śledź i cytryna
Czwórka dzieci i malowanie. Ta kombinacja w życiu artysty niewątpliwie dyktuje gatunek. Tak właśnie stało się z Zinaidą Serebryakovą. Liczny portrety rodzinne oraz martwe natury, z których można skomponować menu: „Kosz z owocami”, „Szparagi i truskawki”, „Winogrona”, „Ryba na zieleninie”... W rękach prawdziwego mistrza „śledź i cytryna” staną się dzieło sztuki. Poezja i prostota: spiralna skórka z cytryny i ryba bez dodatków.
„Martwa natura z samowarem”
Martwa natura z samowarem
Uczeń Sierowa, Korovina i Wasnetsowa, „ Jack Diamentów” – Ilya Mashkov uwielbiał portretować świat tak, jaśniej. Porcelanowe figurki i begonie, dynie... Mięso, dziczyzna – w duchu dawnych mistrzów i chleb moskiewski – szkice ze stołecznego targu smoleńskiego. A zgodnie z rosyjską tradycją, gdzie byśmy byli bez samowara? Martwą naturę z obszaru świątecznego życia z owocami i jasnymi potrawami uzupełnia czaszka – przypomnienie kruchości życia.
„Studia z medalami”
Studia z medalami
Martwa natura w stylu sowieckim. XX-wieczny artysta Anatolij Nikicz-Kriliczewski przedstawił na jednym obrazie całe życie pierwszej radzieckiej mistrzyni świata w łyżwiarstwie szybkim, Marii Isakowej. Z pucharami, za każdym z nich kryją się lata treningu; medale zdobyte w zaciętej walce; litery i ogromne bukiety. Piękny obraz dla artysty i kronika artystyczna sukces sportowy. Historia martwej natury.
Data publikacji: 23.12.2016
Dostępne w technika akwareli coś wyjątkowego - kruchy urok, lekkość i nieważkość, umiejętność zaskakująco trafnego oddania szybkości i ulotności chwili. Nowocześni malarze uwielbiam akwarele. Technika ta idealnie sprawdza się w dynamicznym, szybko zmieniającym się świecie na naszych oczach. W tej recenzji oferujemy wybór najsłynniejszych akwarelistów, którzy osiągnęli wielkie wyżyny w sztuce akwareli i zdobyli popularność na całym świecie.
Najsłynniejszy australijski artysta zajmujący się akwarelą. W Zagrzebiu znajduje się muzeum nazwane jego imieniem. Faktem jest, że artysta urodził się w Chorwacji (w 1952 r.), ale w wieku 18 lat wyemigrował z rodziną do Australii.
Na Uniwersytecie w Melbourne studiował wzornictwo przemysłowe, a później otrzymał swoje pierwsze nagrody i wyróżnienia uznanie na całym świecie. Chorwaci są bardzo dumni ze swojego słynnego rodaka. W wielu sklepach artystycznych w Europie można znaleźć w sprzedaży pędzle oznaczone jego imieniem.
Sekret sukcesu artysty, jak sam przyznaje, polega na tym, że nigdy nie tworzy obrazów na sprzedaż, lecz tworzy wyłącznie dla własnej przyjemności. Prace D. Zbukvicha można oglądać w czołowych galeriach na całym świecie (w USA, Wielkiej Brytanii, Australii, Chinach).
Jego znakiem firmowym jest „Z” (pierwsza litera jego nazwiska). Uczy swoich uczniów wolności, a akwarele porównuje do dzikiego, nieokiełznanego konia, którego nigdy nie da się okiełznać. Wyznaje jej miłość jako najbardziej ukochaną kobietę, a miłość ta trwa już 40 lat.
Artysta nie lubi czystej czerni, twierdząc, że czerń nie jest kolorem, ale jego brakiem. Ulubiony temat – pejzaż morski i widoki na miasto. Jeden z najbardziej niezwykłe akwarele, którą stworzył mistrz, maluje się tylko jedną farbą – a tą farbą jest kawa rozpuszczalna.
Ten artysta po prostu uwielbia pisać piękne kobiety i małe dzieci otoczone światłem słonecznym. Jego obrazy są zmysłowe, czasem jawnie seksualne, pełne harmonii i bardzo realistyczne.
Czasem przypominają umiejętne fotografie. Uwielbia malować kobiety na tle wodnych pejzaży, artysta czyni żywioł wody szczególnie realistycznym.
Steve Hanks urodził się w 1949 roku w Kalifornii i od dzieciństwa zakochał się w oceanie, ponieważ spędzał na jego wybrzeżu sporo czasu. Ukończył z wyróżnieniem Akademię Sztuki w San Francisco.
Artysta nazywa swój własny styl „realizmem emocjonalnym”. Wśród 10 najbardziej znanych artyści amerykańscy. Mówi sobie, że maluje ludzi, ale nie portrety.
Uwielbia pisać światło słoneczne, który jest jednym z głównych postacie jego akwarele. Początkowo artysta próbował pracować różne techniki– olej, akryl. Ale później był zmuszony przejść na pracę wyłącznie z akwarelami, ponieważ był uczulony na farby.
Przecież osiągnął takie mistrzostwo w Malarstwo akwarelowe, co upodabniało tę technikę do malarstwa olejnego.
Urodzony w 1953 roku w Ohio. Studiował malarstwo w Filadelfii w r Szkoła Artystyczna. Specjalnością tego artysty są portrety.
Rysuje niesamowicie portrety akwarelowe najbardziej różni ludzie- biedni ludzie, robotnicy, dzieci, staruszki i starcy, piękne afroamerykańskie dziewczyny na kwitnących, zalanych słońcem łąkach.
Cała galeria twarzy współczesna Ameryka. Akwarele bardzo jasne, bogate i słoneczne, pełne głębokie znaczenie. Przedstawiają ludzi w najzwyklejszych sytuacjach, zaangażowanych w codzienne czynności.
Artystka uważa, że umiejętność trafnego przekazania emocji jest najważniejsza w jej twórczości. Samo mistrzowskie kopiowanie rzeczy i ludzi nie wystarczy.
Artystka tworzy w dwóch technikach – olejnej i akwareli. To właśnie akwarela przyniosła jej sławę i uznanie na całym świecie. Mary White z powodzeniem ilustruje także książki dla dzieci.
Nazywany jest francuskim realistą. Artysta urodził się w 1962 roku w Paryżu. W obecnie pracuje jako ilustrator w jednym z wydawnictw. Uzyskał wykształcenie w zakresie sztuki zdobniczej i użytkowej.
Maluje wyłącznie akwarelą, stosując autorską technikę wielowarstwowego nakładania farby, dzięki czemu osiąga w swoich pracach niesamowity realizm. Lubi pracować nad indywidualnymi akcentami.
Staranne dopracowanie detali to ulubiona technika artysty, jego znak rozpoznawczy. Ulubiony motyw: pejzaż miejski. Artysta uwielbia malować swój rodzinny Paryż i Wenecję. Jego akwarele są przepojone romantyzmem i urokiem. Za swojego nauczyciela malarstwa uważa Eugene’a Delacroix.
Patrząc na obrazy znanych artystów, mimowolnie podziwiasz ich kreatywność i umiejętność przedstawiania otaczającego ich świata w jasnych kolorach. Każdy z nas może także spróbować opanować sztukę rysowania i uczynić to hobby swoją ulubioną rozrywką. Prezentowane tutaj piękne rysunki gwasze dla początkujących, pozwolą Ci sprawdzić swój talent malarski i opanować technikę malowania farbami.
Aby opanować technikę malowania gwaszem dla początkujących, musisz mieć:
- Zestaw farb gwaszowych w dwunastu kolorach.
- Papier.
- Para płaskich szczotek ze świńskiego włosia.
- Paleta i naczynia z wodą.
Aromat farb gwaszowych jest znany każdemu od dzieciństwa. Zrozumienie rysowania gwaszem nie jest trudne, technika takiego rysowania jest dość prosta. Musisz rysować, zaczynając od szkicu ołówkiem.
Do nakładania farby i mieszania jej służy nóż paletowy. Za jego pomocą można nakładać farbę równymi pociągnięciami.
Z młodym wieku W albumie rysujemy prosty, bezpretensjonalny krajobraz gwaszem. Ale takimi farbami można malować wzory, kwiaty, góry, a nawet budynki miejskie. Dla początkujących praca z gwaszem jest po prostu idealną opcją.
Rysując szkic ołówkiem, możesz uniknąć błędów i dokładnie wykonać pracę. Jeśli rozsmarujesz i zmieszasz farby bezpośrednio na płótnie, na obrazie pozostanie jedynie brud. Dlatego do gwaszu można dodać trochę wody i zamieni się on w akwarelę.
Aby dowiedzieć się, jak nauczyć się pięknie rysować gwaszem, musisz się zapoznać technika krok po kroku. Technika ta polega na nakładaniu gwaszu podczas malowania wyłącznie poziomo.
Przede wszystkim narysujmy ciemne fragmenty obrazu i dopiero wtedy jasny kolor przedstawiają blask. W rezultacie otrzymujemy żądany kolorżadnych śladów brudu.
Techniki malowania gwaszem
Wśród znany artysta Najpopularniejsze techniki malowania obrazów gwaszem to:
- Nałóż mokrą warstwę farby na jeszcze nie wyschniętą warstwę. W tym przypadku farba nakłada się mocno i schnie długo. Ta metoda jest bardziej odpowiednia do malowania akwarelami.
- Za pomocą suchego pędzla na wyschniętą warstwę nakłada się farby gwaszowe.
- Za pomocą gąbki tworzony jest teksturowany obraz. Ta technika jest idealna, gdy rysujemy jesienny krajobraz, można łatwo zobrazować żywe kolory złota jesień.
- Dla początkującego technika rozpryskiwania farby na płótnie rozweseli i pomoże przezwyciężyć niepokój. Wystarczy zwilżyć pędzel farbą i spryskać gwaszem papier lub płótno. Okazuje się jasne i piękny obraz. Koniecznie poznaj tę metodę nakładania farby, która pomaga ćwiczyć rękę.
Oczywiście nie da się namalować obrazu bez odpowiedniego pędzla. Wskazane jest wybieranie pędzli wykonanych z włosia nylonowego, koziego lub świńskiego.
Na wideo: jak pięknie pomalować niebo gwaszem.
Rodzaje gwaszu
Gwasz nadaje się do malowania na tekturze, papierze, płótnie i innych powierzchniach. Ale nie każdy gwasz ma tak uniwersalne właściwości. Przyjrzyjmy się głównym rodzajom takich farb:
- Nadaje się do stosowania na powierzchniach przeznaczonych wyłącznie do malowania. Wchłania się w materiał i pozwala na nałożenie drugiej warstwy, dzięki czemu kolory na obrazie są bardziej nasycone i jasne.
- Ma bardziej nasycony pigment i jasne możliwości barwienia. Ozdabiają się nim sceneria teatralna. Gwasz dziecięcy zawiera klej PVA, dzięki czemu szybko schnie. Ten gwasz jest wygodny do pracy na sklejce, ceramice lub płótnie. I tu farba akrylowa idealnie układa się na każdej powierzchni, a po wyschnięciu nie zmywa się i nie traci swojego pierwotnego koloru.
- Gwasz fluorescencyjny. Zadziwiający swoimi właściwościami i jakością. Pod wpływem promienie ultrafioletowe ona świeci. Kolor jest zbyt jasny, co nadaje obrazowi szczególnego piękna.
Metoda krok po kroku pomaga nawet dzieciom zrozumieć podstawy malowania gwaszem. Takie lekcje pomogą Ci to opanować. cudowna kreatywność i naucz się malować w określonej kolejności, dobieraj odpowiednie kolory, aby odzwierciedlić prawdziwe piękno natury, przedstawicieli flory i fauny na płótnie.
Aby tworzyć obrazy natury, takie jak rysunki na dowolny inny temat, musisz zacząć od szkicu ołówkiem. Najłatwiej jest rysować zaczynając od góry płótna lub kartki papieru. Z reguły u góry znajduje się niebo, które wzdłuż konturów ołówka jest pomalowane na niebiesko.
Chmury są pomalowane bieleniem, tworząc białe refleksy na błękitnym niebie.
Przedstawione są góry brązowe farby, a roślinność utrzymana jest w odcieniach zieleni. Poniższe drzewa są przedstawione jaśniejszym lub ciemniejszym zielonym gwaszem. Najważniejsze, że kolory na obrazie wyglądają jak w rzeczywistości. Farby można mieszać bezpośrednio na arkuszu, okresowo zmieniając wodę. Aby stworzyć cienkie linie, musisz wybrać odpowiedni pędzel.
Używając gwaszu, musisz przestrzegać następujących wskazówek:
- Gwasz można kupić w tubkach lub słoiczkach, każdy wybiera najwygodniejsze dla siebie opakowanie.
- Kolory, które musisz wybrać, to te, które będą potrzebne do pracy nad obrazem.
- Próby należy wykonać na palecie, dopiero po wybraniu żądanego koloru przenieść go na płótno.
- Jeżeli farba pęka, należy dodać do niej odrobinę gumy arabskiej i dokładnie wymieszać.
- Aby nałożyć kolejną warstwę, należy poczekać, aż poprzednia wyschnie.
- Po wyschnięciu zaleca się pokrycie obrazu werniksem.
Po opanowaniu techniki rysowania możesz osiągnąć sukces w kreatywność artystyczna. Przechodząc krok po kroku, od prostych do skomplikowanych, początkujący artyści stopniowo opanowują technikę malowania gwaszem. Poniżej znajdują się filmy instruktażowe, których zadaniem jest pomóc Ci jak najdokładniej zobrazować wybraną fabułę na płótnie. To podejście krok po kroku pozwala szybko nauczyć się pracy z farbami takimi jak gwasz.
Lekcje malowania gwaszem dla początkujących (2 filmy)
Więcej pomysłów na rysunki (27 zdjęć)
Nadal bloguję różni artyści i przyglądam się bliżej gwaszowi, którego używają ludzie. (Mam też swoją, ale trzeba zobaczyć, co robią ludzie.) Zdałam sobie sprawę, że dla mnie osobiście akwarela nie nadaje się do pleneru. Potrzebuję czegoś mocniejszego krycia i szybszego schnięcia. A jednocześnie mniej kapryśny. Dlatego gwasz wydaje się obecnie bardziej optymalną opcją do pracy w plenerze, gdy warunki świetlne i pogodowe zmieniają się bardzo szybko i tak naprawdę nie ma żadnych udogodnień.
Nie jestem jeszcze gotowa na olej, muszę nosić ze sobą zbyt wiele ciężkich rzeczy, w tym płótna czy deski do pracy, a także specjalne pudełko na szkice, aby nie rozmazywały się w transporcie. A teraz, gdy jestem przygotowany do pracy z akwarelami, pastelami i kredkami, moje ramiona po prostu opadają. Do tego stopnia, że po kilku ostatnich wyjazdach w zeszłym miesiącu mieszkam z Voltarenem. To nie jest jakiś facet, jeśli już. Jest to maść na bóle mięśni i stawów.
Moimi ulubionymi artystami plenerowymi są obecnie James Gurney i Nathan Fowkes. Okazało się, że oboje, tak jak ja, są ilustratorami, którzy wychodzą na plenery lub czerpią z życia w poszukiwaniu inspiracji i napompowania artystycznych mięśni. Nie wybrałem ich specjalnie w oparciu o tę zasadę - po prostu tak się stało. James słynie z „Dinotopii” (swoją drogą niedawno ukazała się jego książka o rysowaniu po rosyjsku „Color and Light”, po angielsku tutaj: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), oraz Nathan jest animatorem-artystą (można się od niego uczyć na stronie www.schoolism.com). I bardzo podoba mi się lekkomyślność i szybkość, z jaką obaj towarzysze pracują na świeżym powietrzu z gwaszem, że kłują nawet czubki palców - sama chcę się spieszyć i rzeźbić gwaszem lub kazeiną.
Prace Jamesa Gurneya stąd
Prace Nathana Fawkesa stąd
To są teraz w zasadzie moi bohaterowie. Chciałbym w swoich pracach przejść od życia od szczegółowego rurociągu do bardziej swobodnego ruchu. Ale nie dlatego, że przestałam lubić zamartwiać się szczegółami – to się nie stanie, uwielbiam je. Ale ponieważ chciałbym zobaczyć po plenerze gotowy lub prawie skończone prace, które można wykorzystać do poważniejszych obrazów. Bo teraz, kiedy kończę szkice z życia i kompletuję rysunki – z pamięci i ze zdjęć – nie mam już siły na większe powtórzenia.
Poszukując odmian gwaszu natrafiłam na kolejnego utalentowanego ilustratora, którego nie będę tutaj linkować, bo budzi we mnie pewne wewnętrzne sprzeczności. Co więcej, często spotykałem się z faktem, że nie ma sensu pytać zachodnich ilustratorów o materiały i jakiekolwiek subtelności pracy. W 90% przypadków po prostu nie odpowiadają i nie skupiają się specjalnie na temacie jak dokładnie działają. Doskonale rozumiem ich stanowisko, ale myślę, że jest ugh. Ale potem okazało się, że jest tego jeszcze więcej superlatyw. Utalentowany ilustrator, do którego NIE łączę, bardzo jasno odpowiada na wszystkie pytania dotyczące użytej techniki i materiałów: „Proszę o przesłanie mi e-maila w celu zakupu informacji”. W pierwszej chwili pomyślałem, że to po prostu błędna pisownia, kiedy zobaczyłem podpis pod jedną z prac, po wykazie użytych materiałów. Ponieważ informacja o zakupie jest informacją o zakupie, ale zakup informacji jest zakupem informacji. Ale nie. Osoba tak naprawdę dzieli się informacjami wyłącznie za pieniądze. I nadal nie rozumiem, co o tym myślę.
Z jednej strony ma rację. Ta informacja nie spadła mu z nieba. Inwestował czas i pieniądze w swoją technikę pracy. Aż strach pomyśleć, ile pieniędzy już wydałam na znalezienie materiałów, które będą dla mnie najlepsze. Tak jest z nim. Dlaczego miałby teraz dzielić się z kimś za darmo? Sam często spotykałem się z faktem, że mój szczegółowe historie lub przemyślane tematy i lekcje, które ludzie otrzymali za darmo, wykorzystano na całych kursach mistrzowskich, to znaczy spieniężono i wszystko przeszło do cudzej skarbonki, w tym skarbonki uznania. Ale istnieje też coś takiego jak twórcza wymiana. Bez tego nie ma normalnego rozwoju. Jest tylko stagnacja. A co by było, gdyby to moja informacja, którą podzieliłam się z głębi serca, pomogła stanąć na nogi bardzo fajnemu artyście?! Przecież bez niego świat byłby dużo biedniejszy.
Kolejny punkt. Osobiście nie jestem gotowy płacić komuś za informacje, bez których łatwo mogę się obejść (no cóż, poszukam dalej, żeby zobaczyć, co tam jest). Dla klasy mistrzowskiej - tak. I jednym zdaniem jakim wałkiem nakłada farbę i w jakich proporcjach ją rozcieńcza - raczej nie. Chociaż to też zapłata za czas poświęcony na wyjaśnienia! Co by było, gdyby ten konkretny szczegół pomógł mi bardziej niż jakakolwiek lekcja mistrzowska? Bardzo złożony temat.
Co o tym myślisz? Czy artyści postępują słusznie, monetyzując całą swoją wiedzę? Są świetne, czy obrzydliwe? Tylko proszę, nie mów mi o złoty środek, które można bezpłatnie udostępniać i jednocześnie zamieniać na banknoty w ramach różnych kursów mistrzowskich i wyprzedaży. Nie ma o tym mowy. Wiadomo już, że można to zrobić mądrze, np. A co z bezkompromisowym: „Aby kupić tę informację, napisz do mnie e-mail”?