Rynkowi sztuki współczesnej poświęcony jest nowy portal badawczy Artprice.com, oparty na analizie wyników sprzedaży aukcyjnej od lipca 2015 do czerwca 2016. Artguide zwraca uwagę na swoje główne tezy i oczywiście optymistyczne wnioski. Spoiler: nazwisko odnoszącego największe sukcesy współczesnego rosyjskiego artysty najprawdopodobniej nic ci nie powie.
Konstantin Razumow. Odaliska z lustrem. Pierwsza połowa 2010 roku. Płótno, olej. Źródło: gargantya.dreamwidth.org. Według Artprice.com Konstantin Razumow jest najbardziej utytułowanym współczesnym rosyjskim artystą według wyników otwartych aukcji w latach 2015-2016, zajmując 297. miejsce: 43 jego obrazy zarobiły 475 634 USD, z czego najdroższy kosztował 22 478 USD.
Portal Artprice opublikował kolejny roczny przegląd stanu rynku sztuki współczesnej od lipca 2015 do czerwca 2016, na podstawie analizy sprzedaży aukcyjnej za ten okres. Od 2000 roku rynek sztuki współczesnej wzrósł 14-krotnie. Wzrost ten był napędzany przez łatwość dostępu do rynku i dematerializację sprzedaży, a Internet stał się głównym środkiem wyszukiwania i udostępniania informacji. Co najmniej 95% uczestników rynku uczestniczy w transakcjach z wykorzystaniem urządzeń mobilnych. Wśród innych czynników wpływających na rozwój rynku sztuki współczesnej finansjalizacja nie jest ostatnim (według definicji niektórych badaczy jest to „proces przekształcania kapitału finansowego w kapitał fikcyjny i wirtualny oraz jego oddzielenie od realnej, produkcyjnej sfery. ” — Artguide). Aspekt ten łączy się z ogromnym wzrostem liczby nabywców dzieł sztuki (z 500 tys. w okresie powojennym do 70 mln w 2015 r.), znacznym spadkiem ich średniej wieku oraz ekspansją geograficzną rynku na -Region Pacyfiku, Republika Południowej Afryki, Indie, Bliski Wschód i Ameryka Łacińska. Kolejną siłą napędową rozwoju rynku sztuki współczesnej stał się światowy przemysł muzealny: co roku na świecie otwieranych jest około 700 nowych muzeów, co sprawia, że przemysł muzealny staje się ekonomiczną rzeczywistością XXI wieku. Instytucje te również wchodzą na rynek sztuki w poszukiwaniu dzieł o najwyższej jakości i wartości artystycznej i historycznej. Obecnie rynek sztuki współczesnej jest również atrakcyjny dla inwestycji kapitałowych: dla dzieł o wartości powyżej 20 000 USD średni wzrost wartości zainwestowanego kapitału wynosi około 9%. Rozwój rynku sztuki współczesnej doprowadził również do socjologicznej ewolucji: frazes „Wielki artysta to martwy artysta” został już zapomniany. We współczesnej „globalnej wiosce” artysta poszerza głębię i zasięg naszych powiązań ze światem. Ta rola zaspokaja stałą potrzebę w miarę zbliżania się do wirtualizacji, co niewątpliwie doprowadzi do zmiany paradygmatu w niezbyt odległej przyszłości.
Ogólny stan rynku sztuki współczesnej
Wolumen rynku aukcyjnego w analizowanym okresie wyniósł 1,5 mld USD (w analogicznym okresie ubiegłego roku – 2,1 mld USD), czyli rynek zmniejszył się o ponad jedną czwartą, ale długookresowy trend rozwojowy pozostaje pozytywny (wzrost o 1370% od 2000 r.). Po czterech latach ciągłego wzrostu obroty w segmencie sztuki współczesnej zaczęły gwałtownie spadać w pierwszej połowie 2015 roku, a spadek w drugiej połowie roku był kontynuacją tego trendu. Ogólny spadek rynku w 2015 roku wyniósł 39%. Po znakomitych wynikach z lat 2013-2014 korekta na rynku sztuki współczesnej stała się nieunikniona. Kolekcjonerzy sztuki współczesnej stali się bardziej ostrożni. Podczas gdy Reclining Nude Amedeo Modiglianiego kosztowało 170 milionów dolarów na rynku sztuki modernistycznej w listopadzie 2015 roku, sprzedaż sztuki współczesnej nadal spadała w drugiej połowie 2015 roku. Nowe dzieła (powstałe nie później niż trzy lata przed datą sprzedaży) jako pierwsze odczuły spadek popytu: ich średnia cena spadła z 28 do 20 tys. Na początku 2016 roku rynek sztuki współczesnej zaczął wykazywać oznaki ożywienia : w pierwszej połowie roku spadł o 14%, czyli mniej niż spadek całego rynku sztuki. Rynek sztuki współczesnej dostosował się do nowych warunków: aukcje przestały gonić za nowymi rekordami i skupiły się na dziełach z niższej części segmentu high-end oraz dziełach o średniej cenie. Od razu wpłynęło to na strukturę sprzedaży – 6% sprzedanych partii stanowiły prace o wartości powyżej 50 tys. USD, w analogicznym okresie ubiegłego roku takich robót było 8% – co pozwoliło na osiągnięcie stabilizacji cen. Ograniczona podaż prac z najwyższej półki nie przeszkodziła jednak pracom wysokiej jakości w ustanawianiu nowych rekordów aukcyjnych. „Untitled” Jeana-Michela Basquiata na aukcji Christie's w Nowym Jorku przez Yusaku Maezawę za 57,3 miliona dolarów
Innym wskaźnikiem stabilności rynku jest udział niesprzedanych pozycji, których „niebezpieczny poziom” szacowany jest na 37%. Christie's i Phillips mają obecnie niesprzedane oferty poniżej 30%, podczas gdy Sotheby's ma 34%. W szczytowym momencie kryzysu udział ten wynosił 50%. Z drugiej strony udział niesprzedanych lotów poniżej 20% wskazuje na spekulacyjny charakter handlu. Można zatem stwierdzić, że rynek sztuki współczesnej znajduje się obecnie w okresie długotrwałej stabilizacji.
Sztuka współczesna (artyści urodzeni po 1945 roku) jest obecnie drugim co do wielkości segmentem rynku sztuki po sztuce powojennej (artyści urodzeni w latach 1920-1944). Dzieła czołowych artystów współczesnych są sprzedawane po tych samych cenach, co dzieła czołowych artystów z poprzednich okresów. Taka zmiana dokonała się w ciągu ostatnich dwóch dekad, w XX wieku wydawała się zupełnie niemożliwa.
Geografia rynku sztuki współczesnej
Podczas gdy chiński rynek sztuki przechodzi fazę głębokiej reorganizacji, łączny udział Stanów Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii wzrósł o 5% i stanowią one 65% światowego rynku aukcyjnego sztuki współczesnej oraz jedną czwartą całej sprzedaży dzieł przez Londyn i Nowy Jork przejeżdżają współcześni artyści. Stany Zjednoczone są obecnie najsilniejszym rynkiem sztuki współczesnej, stanowiąc 38% światowego rynku, czyli 582 miliony dolarów, z czego prawie 95% generowane jest w Nowym Jorku. W ciągu ostatniego roku obroty przypadające Stanom Zjednoczonym w tym segmencie rynku spadły o 24%, ale nadal pozostają liderem. Wielka Brytania odpowiada za jedną czwartą światowego rynku sztuki współczesnej i skurczyła się o 10% do 399 mln USD, ale to o 40 mln USD więcej niż Chiny, które straciły drugie miejsce w segmencie sztuki współczesnej, ale pozostały niekwestionowanym liderem światowego rynku sztuki w ogóle. Chiński rynek od 2014 roku przechodzi głęboką restrukturyzację. Uwaga chińskich kolekcjonerów przesunęła się na „historyczne” dzieła sztuki, co doprowadziło do spadku chińskiego rynku sztuki współczesnej o 47% i dwukrotnego spadku wolumenu transakcji. Chińscy kolekcjonerzy ponownie skupili się na „wielkich nazwiskach”, takich jak Claude Monet czy Vincent van Gogh. Jednocześnie chiński rynek sztuki współczesnej wzrósł o 470% w ciągu ostatnich sześciu lat. Ponadto przyjęcie przez chiński rząd drakońskich środków i przepisów w celu wyeliminowania praktyki nieopłaconych (fałszywych) zakładów miało na niego znaczący wpływ.
Europejski rynek sztuki współczesnej jako całość nie został zbytnio dotknięty spowolnieniem, a nawet wzrósł w niektórych miastach: Wiedniu (7,3 mln USD), Amsterdamie (4,9 mln USD), Berlinie (4,2 mln USD), Brukseli (3,2 mln USD) i Mediolanie. (1,6 miliona dolarów). Wynika to głównie z wyjątkowo prestiżowej licytacji, w której wskazane miasta mają znaczną wagę. W tym samym czasie niemiecki rynek sztuki współczesnej spadł o 19% do 17,6 mln USD, a udział niesprzedanych przedmiotów w niemieckich aukcjach wzrósł z 44% do 55%. Francuski rynek sztuki współczesnej, który zajmuje czwarte miejsce z obrotami na poziomie 41,4 mln USD, spadł o 6,8%, co wydaje się całkiem naturalne w obecnych warunkach rynkowych. Wolumeny transakcji we Francji utrzymały się na wysokim poziomie, a krajowi udało się utrzymać swoją pozycję w segmencie rynku high-end.
Analiza rynkowego rankingu 500 najlepszych współczesnych artystów wskazuje na silną reprezentację narodową krajów o wysokim udziale w światowym rynku sztuki. 99 Amerykanów i 187 Chińczyków to prawie 60% z pierwszej 500. Jednocześnie w pierwszej dziesiątce znalazło się pięciu Amerykanów i tylko jeden Chińczyk. W pierwszej 500 jest tylko 36 Brytyjczyków, ale większość z nich jest na szczycie listy: Peter Doig (5), Damian Hirst (14), Anthony Gormley (31). Niemcy reprezentuje 31 artystów, m.in. Anselm Kiefer, Günter Förg, Martin Kippenberger, Neo Rauch i inni. Niestety najlepsze prace współczesnych artystów niemieckich sprzedawane są na aukcjach w Londynie i Nowym Jorku, co negatywnie wpływa na rynek niemiecki. Łącznie te cztery kraje stanowią 70% z pierwszej 500. Rosję reprezentuje w rankingu pięciu artystów: Konstantin Razumow (297), Georgy Guryanov (333), Pavel Pepperstein (443), Valery Koshlyakov (460) i Timur Novikov (475).
Wiodące domy aukcyjne zmniejszają obroty
Pomimo 19% spadku sprzedaży, Christie's pozostaje wiodącym domem aukcyjnym sztuki współczesnej z roczną sprzedażą na poziomie 545 milionów dolarów.Operatorzy odpowiadają za 61% światowego rynku aukcyjnego sztuki współczesnej. Phillips wykazał się stabilnymi obrotami i zapewnił sobie trzecie miejsce w światowym rankingu, ale pod względem sprzedaży wciąż daleko mu do liderów. Aby zapewnić stabilność cen na słabnącym rynku, Sotheby's i Christie's ograniczyły sprzedaż najdroższych dzieł wystawianych na aukcjach, zazwyczaj ze znacznymi gwarancjami ceny, co doprowadziło do spadku obrotów Christie's i Sotheby's.
W kontekście walki między USA a Chinami o dominację na rynku sztuki szczególne znaczenie ma największy 13,5% udział Sotheby's, ma to szczególne znaczenie ze względu na fakt, że 24% Taikang Life Insurance jest własnością chińskiej aukcji dom China Guardian. Rozpoczęły się więc rozmowy o próbach przejęcia przez chińską firmę Poly Auction brytyjskiego domu aukcyjnego Bonhams.
Struktura rynku sztuki współczesnej
W ciągu ostatniego roku na rynku aukcyjnym sztuki współczesnej sprzedano 55 tys. dzieł, czyli 4,7 razy więcej niż w 2000 roku. Ta ekspansja rynku zwiększyła obroty aukcyjne w tym samym okresie o 1370%. Ceny napędza globalizacja, sprzedaż internetowa, a także wzrost popytu spowodowany faktem, że coraz więcej osób jest zainteresowanych nabyciem dzieł sztuki. Na wzrost popytu wpływa szereg nowych na rynku sztuki czynników: dużo łatwiejszy dostęp do rzetelnej informacji oraz organizacja internetowych aukcji i sprzedaży (95% oferentów korzysta z urządzeń mobilnych), finansjalizacja rynku, wzrost liczby nabywców (z 500 tys. po II wojnie światowej do 70 mln w 2015 r.), niższy średni wiek nabywców, ekspansja rynku sztuki współczesnej na Azję, Indie, RPA, Bliski Wschód i Amerykę Łacińską. Christie's twierdzi, że liczba klientów online wzrosła o 96%. Motorem napędowym rynku sztuki jest również przemysł muzealny (rocznie pojawia się nawet 700 nowych muzeów), który doprowadził do znacznego wzrostu popytu ze strony instytucji muzealnych oraz wzrostu popytu na dzieła sztuki najwyższej jakości.
Rekord światowych aukcji sztuki współczesnej wzrósł dziesięciokrotnie w ciągu ostatnich dziesięciu lat, ale najbardziej imponujące wyniki w tym segmencie rynku mają tylko trzej artyści: Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat i Peter Doig. Po raz pierwszy obraz współczesnego artysty przekroczył 1 milion dolarów w 1998 roku, kiedy dzieło Basquiata zostało sprzedane za 3,3 miliona dolarów; W pierwszej połowie 2016 roku sprzedano 115 obiektów za ponad milion dolarów.
Błędem byłoby sprowadzanie całego rynku sztuki współczesnej tylko do dzieł z najdroższego segmentu: rynek sztuki współczesnej osiągnął dojrzałość i reprezentowane są na nim wszystkie kategorie cenowe. Największa liczba sprzedaży (69%) występuje w segmencie prac poniżej 5000 USD.
Największy udział w rynku sztuki współczesnej ma sprzedaż obrazów, która ma obroty przekraczające 1 miliard dolarów, czyli dwie trzecie światowego rynku sztuki współczesnej. To właśnie malarstwo stanowi lwią część segmentu rynku high-end – obejmuje 173 pozycje o wartości ponad 1 miliona dolarów, podczas gdy wszystkie inne rodzaje sztuk wizualnych dają tylko 38 takich wyników. Niemniej jednak największa ilościowo część z 28 tys. sprzedanych obrazów (60%) przypada na przedmioty o wartości poniżej 5 tys. dolarów, których nabywcy kierowali się raczej chęcią nowych odkryć niż motywami spekulacyjnymi. W każdym razie liczba ofert aukcyjnych z obrazami w ciągu ostatniego roku wzrosła o 15%.
Na drugim miejscu po malarstwie plasuje się rzeźba, która ma wartość 225 mln dolarów, w tym dwie prace Jeffa Koonsa, które sprzedano za ponad 15 mln dolarów każda. Ale prawdziwą niespodzianką był Maurizio Cattelan, którego „Him” został sprzedany 8 maja 2016 roku w nowojorskim Christie's za 17,2 miliona dolarów. Ale to wszystko wyjątki - większość dzieł rzeźbiarskich sprzedawana jest po cenach poniżej 50 tys. dolarów.
Na rynku graficznym można kupić niedrogie prace znanych artystów. Większość partii (60%) w tym segmencie jest sprzedawana po cenach poniżej 5 000 USD, np. grafiki autorstwa Tracey Emin lub Wima Delvoye można kupić za mniej niż 10 000 USD, a czasem nawet o połowę taniej. Jednak w przypadku gwałtownego wzrostu cen za pracę artysty, wzrost ten dotyka również jego grafiki, które można sprzedać po cenach powyżej 100 000 USD.
Wobec braku znaczącej sprzedaży prac fotografów Andreasa Gursky'ego czy Cindy Sherman, w zestawieniu 100 najlepszych wyników aukcyjnych ubiegłego roku znalazły się tylko zdjęcia Richarda Prince'a. Trzy z jego fotografii zostały sprzedane za ponad 1 milion dolarów każda w Christie's w Nowym Jorku 10 maja 2016 r. 15 fotografii Cindy Sherman w zeszłym roku sprzedano za ponad 100 000 dolarów za sztukę, podczas gdy większość jej prac kosztowała od 5 000 do 20 000. Ogólnie rzecz biorąc, w segmencie fotograficznym rynku nie ustanowiono żadnych znaczących rekordów aukcyjnych, co nie odzwierciedla obecnego stanu rynku, liczba sprzedanych lotów wzrosła w ciągu roku o 10%.
Wśród artystów, którzy odpowiadają za największą liczbę przedmiotów sprzedawanych na rynku poligraficznym, są Takashi Murakami, Keith Haring i Damian Hirst. Największy udział w sprzedanych odbitkach należy do Takashiego Murakamiego, którego 86% sprzedanych partii to odbitki. Murakami odnosi sukcesy również w innych segmentach rynku sztuki, plasując się wśród 100 najlepszych artystów pod względem rocznych obrotów aukcyjnych.
Artyści a rynek sztuki współczesnej
Choć na rynku wciąż pojawiają się nowi współcześni artyści, jego obecny stan wciąż determinują najbardziej znane nazwiska. Trzej artyści odnoszący największe sukcesy na wtórnym rynku sztuki współczesnej – Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons i Christopher Wool (trio niezmienne od pięciu lat) – generują prawie 19% łącznych obrotów rynku, podczas gdy udział 4268 debiutantów Rynek stanowi zaledwie 2,3% obrotów rynku sztuki współczesnej. Trend ten stał się bardziej widoczny w ostatnim roku, kiedy znaczna liczba kolekcjonerów przeniosła swoją uwagę z nowych artystów na bardziej ugruntowane nazwiska.
W ubiegłym roku na rynku aukcyjnym zadebiutowały prace 4268 nowych artystów współczesnych, dołączając do prac obecnych na nim już 8248 artystów. Podczas gdy większości nowicjuszy nie udało się przekroczyć granicy 5500 $, niektórym udało się wskoczyć do pierwszej 500, w tym Xu Jin, Barry Ball i Ella Kruglyanskaya.
Artyści urodzeni po 1980 roku zaczynają odgrywać coraz większą rolę na rynku sztuki współczesnej. Dzięki wsparciu największych galerii ich prace osiągają ceny niewyobrażalne jeszcze pięć lat temu. Niepewna pozycja rynkowa tych młodych artystów sprawia, że ich twórczość jest szczególnie wrażliwa na wahania rynkowe. Do najbardziej znanych artystów urodzonych po 1980 roku należą Tauba Auerbach, Oscar Murillo i Alex Israel. Kilku artystów zwróciło na siebie uwagę w ciągu ostatnich 12 miesięcy i od razu wskoczyło do pierwszej 500, w tym belgijsko-amerykański artysta Harold Ankart oraz Amerykanie Petra Cortright i Matt Bass. Największy popyt na prace młodych artystów jest na aukcjach w Londynie i Nowym Jorku.
Wśród artystów, którzy poczynili największe postępy na rynku, jest Rumun Adrian Ghenie, którego udany udział w Biennale w Wenecji w 2015 roku zapewnił mu czołową pozycję na scenie sztuki współczesnej i przyczynił się do dramatycznego wzrostu sprzedaży. Jego ostatni rekord został ustanowiony w Sotheby's w Londynie 10 lutego 2016 roku i wyniósł 4,5 miliona dolarów, co przeniosło go z 62 na 15 miejsce w pierwszej 500. Amerykański artysta Mark Bradford również wykazał znaczny postęp rynkowy, jego prace zostały sprzedane na aukcji Phillips London za 5,8 miliona dolarów, a w ciągu zaledwie roku jego prace zebrały na aukcji ponad 16 milionów dolarów. Yoshimoto Nara, Rudolf Stingel i Anselm również znacznie poprawili swoją aukcję wyniki.
Inwestycje na rynku sztuki współczesnej
Na rynku sztuki współczesnej sprzedawane są dzieła artystów, których reputacja aukcyjna nie jest jeszcze w pełni ugruntowana i podlega wahaniom, co czyni ten segment mniej stabilnym niż inne segmenty rynku sztuki. Jednocześnie te same cechy sprawiają, że jest on najbardziej atrakcyjny dla ryzykownych inwestycji. Eksplozje cenowe zależą zwykle od dwóch uzupełniających się zjawisk: pojawienia się nowych artystów oraz przejścia znanych artystów do kategorii ikon rynku sztuki. Ryzyko dekoniunktury rynkowej i okresowych korekt cen nie spowalnia wzrostu liczby kolekcjonerów sztuki współczesnej. Podczas gdy banki centralne praktykują ujemne stopy procentowe niwelujące oszczędności, rynek sztuki wykazuje 1370% wzrost sztuki współczesnej w ciągu 16 lat. Średni koszt dzieła sztuki współczesnej w tym samym okresie wzrósł o 115%, co daje średni roczny dochód na poziomie 4,9%, a dla dzieł zakupionych za kwoty powyżej 20 000 $ nawet o 9% rocznie. W ostatnich latach ceny prac czołowych współczesnych artystów osiągnęły wyżyny, które wcześniej były dostępne tylko dla wielkich arcydzieł z przeszłości. Gwiazdy sztuki współczesnej, choć nie nabrały aury dawnych mistrzów, czerpią korzyści z wykorzystania mediów.
Wzrost cen dzieł sztuki współczesnej dobrze ilustruje rynkowa historia obrazu Richarda Prince'a „Dwa żarty z lamparta” (1989). Sprzedany w maju 1993 roku w Sotheby's w Nowym Jorku za 26,5 tys. dolarów, po 13 latach został sprzedany za 13 razy więcej. Oczywiście nikt nie byłby w stanie przewidzieć, jakie miejsce zajmie Richard Prince w historii sztuki współczesnej, wskaźnik cen jego prac zaczął być obliczany dopiero w 2003 roku. Innym istotnym czynnikiem wpływającym na poziom cen jest śmierć artysty. Nagła śmierć może prowadzić do wzrostu zainteresowania i eksplozji kosztów prac, jak to się stało z pracami zmarłego w grudniu 2013 roku Güntera Förga. W 2012 roku, na rok przed śmiercią artysty, jego obraz „Bez tytułu” (1987) został sprzedany za 26 000 dolarów, w czerwcu 2016 to samo dzieło przyniosło 438 000 dolarów. artysta. Wynika to z faktu, że przy formułowaniu popytu brane są pod uwagę wszystkie dostępne informacje, co niekiedy ma bardzo istotny wpływ na strukturę cen dzieł aukcyjnych.
Niezwykły wzrost rentowności pracy niektórych artystów jest nieuchronnie równoważony przez korektę cen pracy innych. W tym przypadku następuje „godziwy” powrót do poziomu cen odpowiadającego aktualnemu stanowi rynku. Na przykład obraz Jacoba Casseya „Bez tytułu” (2010), sprzedany w maju 2014 roku za 125 tysięcy dolarów, w listopadzie 2015 roku na aukcji Christie's w Nowym Jorku udało się dostać zaledwie 50 tysięcy dolarów. Co więcej, gwiazdy sztuki współczesnej również nie są odporne na korekty cen: Jim Beam Boxcar Jeffa Koonsa (1986) w 2008 roku, na krótko przed kryzysem hipotecznym, został sprzedany za 2 miliony dolarów, a w tym samym listopadzie 2015 roku udało mu się zebrać tylko 845 000 dolarów.
Na szczęście rynek sztuki współczesnej pozostaje opłacalną inwestycją w perspektywie średnio- i długoterminowej. Mimo dostosowań rynek pozostaje żywy, a wzrost obrotów o 1370% w ciągu ostatnich 16 lat mówi sam za siebie. Po raz pierwszy w tym stuleciu wzrost cen dzieł sztuki współczesnej został przerwany w 2008 roku z powodu kryzysu finansowego, a odbudowa rynku zajęła 2-3 lata. Podczas gdy na rynku co jakiś czas dochodzi do znaczących rekordów cenowych, 99% transakcji dokonywanych jest poniżej progu 400 000 USD.Kolektor, kupując dzieło sztuki współczesnej, ma wyraźną świadomość, że nie może wiedzieć, jakie miejsce artysta zajmie w historii sztuki. Jednak w ciągu ostatnich 15 lat dobrze zdywersyfikowany portfel sztuki współczesnej generował średni roczny zwrot w wysokości około 5,6%, znacznie powyżej 2,3% zwrotu dla całego rynku sztuki.
Rynek sztuki to system relacji społeczno-kulturowych i ekonomicznych związanych z obrotem dziełami sztuki i usługami wykonywania dzieł sztuki. Jest ważnym składnikiem kultury – stanowi materialną podstawę rozwoju sztuki, znacząco i wszechstronnie wpływa na powstawanie, rozpowszechnianie i istnienie dzieł sztuki.
Pojęcie rynku sztuki jest często używane w znaczeniu szerokim, odnoszącym się do obrotu wszelkimi dziełami artystycznymi, w tym sztukami scenicznymi, muzyką i literaturą. Wraz z tym dopuszczalne jest również węższe zastosowanie tego pojęcia – w odniesieniu tylko do sfery sztuk pięknych.
Według D.Ya. Severyukhina rynek sztuki obejmuje dwa obszary, z których każdy ma własną historię rozwoju, własną specyfikę i wewnętrzne mechanizmy. Pierwszy z nich nazywa „pierwotnym rynkiem sztuki”; jego specyfika polega na tym, że artysta jako „producent towarów” jest bezpośrednim uczestnikiem („podmiotem”) stosunków rynkowych. Drugi nazwał „wtórnym rynkiem dzieł sztuki”; jego specyfika polega na tym, że dzieła sztuki jako „towar” są wyalienowane od twórcy i istnieją na rynku niezależnie od niego. Rynek wtórny obejmuje nie tylko handel antykami, jak tradycyjnie interpretuje wielu badaczy, ale ogólnie wszelkie transakcje handlowe dziełami sztuki, dokonywane bez udziału ich twórcy i bez uwzględnienia jego interesów.
Tradycyjne mechanizmy rynku sztuki to sprzedaż dzieł sztuki poprzez komisy, sklepy i sklepy, galerie i salony, aukcje i loterie.
Początki rynku dzieł sztuki w Petersburgu sięgają początków XVIII wieku – czasów, gdy Piotr I założył nową stolicę Rosji. W tych latach, dzięki reformom Piotra Wielkiego, sztuka rosyjska wkroczyła na europejską ścieżkę i zaczęła nabierać świeckiego charakteru; W tym samym czasie datuje się powstawanie relacji rynkowych w sferze artystycznej. Rynek sztuki, przechodząc przez szereg historycznych etapów, osiągnął swój największy rozwój w pierwszych dekadach XX wieku, kiedy życie kulturalne stolicy charakteryzowało się niespotykanym dotąd dynamizmem, napędzanym rosnącym zainteresowaniem sztukami plastycznymi.
Rynek sztuki to złożone i specyficzne zjawisko społeczno-kulturowe, które powstało w związku z przejściem sfery sztuki do gospodarki rynkowej i tworzeniem nowych warunków istnienia sztuki. Zmiany te wynikają z interakcji znacznej części zjawisk kulturowych z procesami gospodarczymi: zaczął się kształtować nowy model świadomości artystycznej społeczeństwa, oparty na połączeniu biznesu i kultury, co uruchomiło komercjalizację sztuki. Towarowy obieg dzieł sztuki zaczęto postrzegać jako rzeczywistość obiektywną, mającą istotny wpływ zarówno na rozwój sztuki współczesnej, jak i na osobowość artysty-producenta.
Historia kształtowania się stosunków rynkowych jest nierozerwalnie związana z procesami kształtowania się sfery artystycznej i rozwojem samej sztuki. Powstanie rynku sztuki wiąże się zatem z potrzebami społeczeństwa w sztuce i opiera się na kształtowaniu określonych mechanizmów wypracowanych przez społeczeństwo w celu promocji sztuki do konsumenta. System tych mechanizmów zwany „rynkiem sztuki” zaczął się kształtować w warunkach nowych relacji między państwem a środowiskiem artystycznym, społeczeństwem a artystą.
Istnieje kilka podejść do rozumienia rynku sztuki jako zjawiska: kulturowe, ekonomiczne, socjologiczne.
Zgodnie z kulturologicznym rozumieniem rynek sztuki istnieje jako „artystyczne, kulturowe i społeczno-ekonomiczne doświadczenie pokoleń w kontekście historii sztuki i kultury, obejmujące metody i technologie, rodzaje i formy rynkowej działalności w dziedzinie sztuki”. ", . Podejście to opiera się na stwierdzeniu, że na pewnym etapie rozwoju historycznego pojawiły się relacje towar-pieniądz. Przedmioty kultury materialnej zaczęto przede wszystkim wymieniać na inne, w oparciu o specyfikę ich wytwarzania przez poszczególne grupy społeczne oraz zapotrzebowanie na nie ze strony innych zbiorowości i jednostek. Powstała wartość konsumpcyjna i wymienna, której analizy dokonano w klasycznym dziele K. Marksa „Kapitał”.
Opierając się na teorii K. Marksa, wartość użytkową produktu określa poziom zapotrzebowania na niego ze strony potencjalnych konsumentów. Same potrzeby, oparte na teorii A. Maslowa, powstają zarówno pod wpływem czynników naturalnych, jak i społeczno-kulturowych. Człowiek jako istota biospołeczna posiada zespół tzw. potrzeb fizjologicznych. Determinują chęć nabywania tych przedmiotów produkcji materialnej, które zapewniają istnienie ludzkiemu ciału. Mowa tu o artykułach żywnościowych, odzieży, mieszkaniach itp. Różnice w potrzebach, które zapewniają życie poszczególnym osobnikom determinowane są warunkami klimatycznymi, obecnością na danym terenie tych roślin, zwierząt, które mogą być wykorzystywane jako pokarm, itp. Praktycznie przez wiele stuleci wartość użytkowa tych przedmiotów może się nie zmieniać, natomiast wartość wymienna podlega dużym wahaniom, gdyż jest w dużej mierze zdeterminowana niedostatkiem określonych przedmiotów życia materialnego.
Na pewnym etapie historycznego rozwoju rynku przedmiotem wymiany stały się dzieła produkcji duchowej, w szczególności dzieła sztuki. Powstała zasadniczo nowa sytuacja związana z tworzeniem i wdrażaniem wartości konsumenckich. Zaczęto ją determinować nie właściwościami użytkowymi dóbr, lecz cechami charakteryzującymi jakościowo odmienny etap rozwoju człowieka jako istoty gatunkowej. Ludzie zaczęli doceniać to, co budzi podziw, zachwyt, stwarza doznania piękna, wzniosłości. Powstał i zaczął być afirmowany system wartości, związany ze znaczeniem silnych doznań zmysłowo-emocjonalnych, które powstają nie podczas postrzegania zjawisk naturalnych, ale podczas komunikowania się z tym, co zostało stworzone przez ludzi obdarzonych szczególnymi zdolnościami.
Zdolność do takich przeżyć estetycznych pojawiła się najwyraźniej w człowieku jeszcze przed pojawieniem się wymiany towarowej. Jednak to rynek ukształtował w jednostkach i grupach potrzebę posiadania na własny użytek tego, co powoduje wzniosłe doznania. Byli gotowi połączyć się z twórcą dzieła sztuki w ustalaniu wartości wymiennej przedmiotu twórczej samorealizacji. Jednocześnie najważniejszym warunkiem była niepowtarzalność, oryginalność pozyskanego dzieła oraz jego zdolność do wywołania u wielu osób silnych emocji i uczuć. Obecność w użytku osobistym takiego przedmiotu wskazywała na status osoby, wywyższając ją ponad inne osoby. Tak więc z kulturowego punktu widzenia rynek sztuki wykształcił system wartościowania różnych dzieł sztuki, możliwość ostrożnego do nich podejścia i przekazywania wartości kulturowych z przeszłości kolejnym pokoleniom.
Rynek sztuki jawi się jako system wydarzeń służący organizacji kultury artystycznej i ekonomicznej społeczeństwa, oparty na estetycznych kryteriach sztuki i pragmatyce rynku. Ponadto rynek sztuki jest eksplorowany jako przestrzeń zawierająca obiekty artystyczne jako ikoniczne przekazy obdarzone wartością symboliczną. Takie podejście, które interpretuje sztukę jako symbole rzeczywistych dzieł sztuki, umożliwia traktowanie sfery sztuki jako „rynku produkcji symbolicznej”. etyczna i estetyczna praktyka gospodarcza.
Własny pogląd na zjawisko rynku sztuki przedstawił kulturolog i filozof W. Byczkow w pracy „Leksykon nieklasyków”: „rynek sztuki to system mechanizmów oddziaływania na kształtowanie się różnych gustów”. Autor traktuje aktywność rynku sztuki jako czynnik zapewniający wpływ twórców i dystrybutorów dzieł sztuki na konsumenta. Podkreśla się jedną ważną cechę rynku sztuki, a mianowicie to, że zapewnia on, po pierwsze, kształtowanie się wyobrażeń o tym, co jest uważane za wartościowe w sztuce wśród tych ludzi, którzy nie wypracowali jeszcze własnych kryteriów rozumienia piękna. Jak wiadomo, ludzie mają indywidualne, specyficzne postrzeganie różnych zjawisk świata przyrodniczego i społecznego. Dlatego, zgodnie z popularną mądrością, „nie ma towarzyszy koloru i smaku”.
Teraz wzajemnie wykluczające się komponenty łączą się i uzupełniają w sztuce, rozwijane są nowe metody artystycznej syntezy, w tym między innymi rozwijające się nowoczesne technologie, powinny pojawić się kryteria nowej generacji. Ponadto rynek sztuki ze swej natury wymaga ciągłej aktualizacji podejścia wartościującego, co wiąże się nie tylko z ruchem gustów, ale także z pojawianiem się nowych trendów twórczych i odnawianiem materiałów artystycznych. W naszych czasach sfera zainteresowań działalności artystycznej wykracza poza dobrze przeżyte realne środowisko. Sztuka coraz bardziej chwyta obszar transcendentny, w którym stara się odnaleźć prawdziwe źródła życia i twórczości, a każdy autor, zgodnie z kierunkiem własnego spojrzenia, wyjaśnia sobie, na czym polega istota artystycznej działalności. Twórcy zaczynają interesować się wirtualnymi możliwościami technologii komputerowej, przestrzeniami semantycznymi tworzonymi przez myśl techniczną czy naukową.
Ocena zjawisk artystycznych w takich warunkach nie powinna opierać się wyłącznie na fakcie ich zgodności z jakimikolwiek tradycyjnymi cechami formy czy stylu artystycznego.
Nowoczesny biznes artystyczny to nie tylko działalność polegająca na wprowadzaniu do szerokiego obiegu dzieł sztuki, idei i projektów artystycznych, technologii artystycznych, ale także zapewnianie ich zrozumienia, interpretacji i zaangażowania w różne sfery ludzkiej aktywności, co implikuje konieczność uczestniczenia w rozwój rynku teoretycznej, naukowej i krytycznej krytyki artystycznej myśli. A zatem umiejętność widzenia i oceniania (działanie krytyczne), identyfikowania i eksplorowania, uogólniania i pojmowania (działanie naukowe), wyznaczania celu i określania wyniku (działanie projekcyjne), reprezentowania, pokazywania i realizowania własnego stanowiska ( działalność prezentacyjna) są najważniejszymi warunkami profesjonalnej pracy na rynku sztuki.
W przeciwieństwie do muzeum galeria zazwyczaj prowadzi działalność komercyjną. Dla wielu galerii sprzedaż dzieł sztuki jest podstawowym warunkiem istnienia. Ale jednocześnie pełna komercjalizacja staje się oznaką śmierci galerii, bo w takich warunkach galeria traci swoje główne funkcje i zamienia się w zwykły sklep z pamiątkami.
Prestiż galerii nie opiera się na liczbie sprzedaży, ale na skali artystycznego i kulturowego oddźwięku, jaki uzyskuje w dziedzinie sztuki współczesnej, dzięki swojemu autorytetowi.
Korzystny rozwój praktyki galeryjnej jest bezpośrednio zależny od rozwoju gospodarczego i politycznego.
Funkcje galerii zmieniały się na przestrzeni wieków: kryta galeria do spacerów, sala do festynów i spektakli. W XIV wieku w takich pomieszczeniach zaczęto eksponować kolekcje malarstwa i rzeźby. Galerie w dworach z XVII i XVIII wieku łączą sale recepcyjne i miejsca do spacerów, ale także do ekspozycji różnych kolekcji.
Badacz społecznych struktur sztuki A. Mol określa następujące funkcje galerii:
- 1. Galeria łączy w sobie funkcje produkcji i sprzedaży, stanowiąc warsztat montażu części (tworzenia kolekcji z poszczególnych prac) wykonywanych przez wykonawców na podstawie umowy (artystów na podstawie umowy z właścicielem galerii);
- 2. Galeria prowadzi sprzedaż inwestycji niematerialnych (dzieł sztuki), które nie mają nic wspólnego ze zwykłą reklamą;
- 3. Poprzez sprzedaż dzieł sztuki galeria wpływa na wąski, szczególny rynek;
- 4. Galeria powinna zapewniać obieg umieszczanych w niej dóbr kultury, a także stymulować ich penetrację na rynek, uwzględniając stopień „zużycia” stylu artysty, banalność, brak nowości tworzonych przez niego wytworów kultury, .
Działalność Galerii prowadzi aktywną komunikację poprzez kilka kanałów rozpowszechniania informacji:
- 1. Z krytykami sztuki, którzy będą powielać informacje z magazynów o sztuce i innych mediów
- 2. Z różnymi salonami, „gdzie toczą się rozmowy” i które mogą wpływać na informacje o artystach i wystawach galeryjnych.
- 3. Przyciągnięci reklamami i rozmowami w salonach oraz artykułami w czasopismach miłośników sztuki, którzy eksplorują, by odróżnić się od kolekcjonerów.
- 4. Losowe rozdawanie dzieł sztuki turystom lub przypadkowym nabywcom, czego nie należy lekceważyć.
(Angielski rynek sztuki, niemiecki Kunstmarkt). Rynek sztuki – system powiązań kulturowych i ekonomicznych określających określoną wartość pieniężną dzieł sztuki; sfera handlu.
W sensie artystycznym i ekonomicznym rynek sztuki oznacza zakres podaży i popytu na dzieła sztuki oraz określone rodzaje usług związanych z obsługą tego rynku (np. ekspertyzy).
Rynek sztuki można rozpatrywać w skali globalnej (globalny rynek sztuki), w skali kraju (narodowy rynek sztuki) oraz jego poszczególnych regionów. Jego cechy cenowe są nieodłącznie związane z lokalnymi rynkami sztuki, powiedzmy w Moskwie, Sankt Petersburgu, Paryżu. Istnieją specjalne centra, w których odbywa się regularna sprzedaż (Londyn, Tokio, Kijów).
Rynek sztuki nie istnieje niezależnie od globalnej gospodarki. Jego tendencje, wzloty i upadki determinowane są dynamiką gospodarki regionalnej i światowej. Wzrost produkcji przyczynia się do wzrostu rynku sztuki i vice versa.
Wytyczne dotyczące ustalania cen na rynku sztuki są precedensami dla sprzedaży dzieł określonych autorów, cenami, zwykle ustalanymi na aukcjach lub innych publicznych wyprzedażach. Ceny światowe mają uniwersalne znaczenie tylko dla dzieł artystów uznanych za klasyków sztuki światowej i wszędzie wysoko cenionych (np. Leonardo da Vinci, Vincent van Gogh, K. S. Malewicz, M. Z. Chagall). We wszystkich przypadkach ceny niektórych prac zależą od mody i koniunktury na rynkach regionalnych. Tak więc popularność i wysokie ceny w Rosji obrazów W. M. Wasniecowa czy W. I. Surikowa mogą tylko pośrednio wpływać na koszt tych obrazów w Europie Zachodniej.
Jeśli chodzi o sprzedaż, wiodącymi międzynarodowymi rynkami sztuki są Londyn i Nowy Jork. Istnieją rynki sztuki dla sztuki nowoczesnej i nienowoczesnej (tj. antyków i sztuki dawnej), rynki „białe” i „czarne” (tj. transakcja prywatnie, bez odpowiedniej rejestracji).
Istnieją rynki sztuki, która jest przedmiotem zainteresowania przede wszystkim muzeów lub jest skierowana do prywatnych kolekcjonerów. Strukturę organizacyjną rynku sztuki określają wyspecjalizowane firmy zajmujące się handlem, reklamą, promocją i badaniem dzieł sztuki (aukcje, galerie, salony, sklepy, targi, agencje dealerskie itp.).
Losowe linki:
Liseli - dodatkowe żagle w kształcie...
mauretański - 1) Charakterystyczny dla Maurów charakter...
Farby akrylowe - farby syntetyczne...
480 rub. | 150 UAH | 7,5 $ ", MOUSEOFF, FGCOLOR, "#FFFFCC", BGCOLOR, "#393939");" onMouseOut="return nd();"> Teza - 480 rubli, wysyłka 10 minut 24 godziny na dobę, siedem dni w tygodniu i święta
240 rub. | 75 UAH | 3,75 $ ", MOUSEOFF, FGCOLOR, "#FFFFCC", BGCOLOR, "#393939");" onMouseOut="return nd();"> Streszczenie - 240 rubli, dostawa 1-3 godziny, od 10-19 (czasu moskiewskiego), oprócz niedzieli
Badinowa Tatiana Władimirowna Etapy kształtowania się rynku sztuki w kulturze Rosji: Dis. ... cand. nauki o kulturze: 24.00.01: Petersburg, 2004 191 s. RSL OD, 61:04-24/72
Wstęp
Rozdział I. Rynek sztuki jako przedmiot badań kulturowych 13
1. Rynek sztuki jako zjawisko kulturowe 13
2. Cechy obiegu dzieł sztuki na rynku sztuki 31
3. Ewolucja rynku sztuki w kulturze artystycznej 42
Rozdział II. Funkcjonowanie dzieł sztuki jako czynnik kształtowania rynku sztuki w Rosji 53
1. Rynek dzieł sztuki w Rosji od początku XVIII wieku do 1917 roku 53
2. Okres sowiecki w rozwoju rynku sztuki 112
3. Rosyjski rynek sztuki na obecnym etapie 128
4. Dzieła sztuki Rosji na międzynarodowym rynku sztuki 137
Wniosek 153
Literatura referencyjna 159
Katalogi aukcyjne 160
Materiały archiwalne 162
Literatura 163
Lista akceptowanych skrótów 180
Wprowadzenie do pracy
Znaczenie badań. Rynek sztuki jest złożonym i wieloaspektowym zjawiskiem społeczno-kulturowym, które ma znaczący i różnorodny wpływ na życie artystyczne współczesnego społeczeństwa. Zmiany, które zaszły w Rosji, związane z początkiem przejścia do gospodarki rynkowej, doprowadziły do aktywnej komercjalizacji sztuki, ukształtowania nowego modelu świadomości artystycznej społeczeństwa, interakcji biznesu i kultury. Towarowy obieg dzieł sztuki zaczęto postrzegać jako rzeczywistość obiektywną, mającą istotny wpływ zarówno na rozwój sztuki współczesnej, jak i na procesy twórcze oraz osobowość artysty.
Równolegle z rozwojem krajowego obrotu towarowego dziełami sztuki znacznie wzrósł udział sztuki rodzimej w międzynarodowym rynku sztuki. Zwiększyła się liczba dzieł mistrzów szkoły narodowej biorących udział w zagranicznych aukcjach i wystawach prezentowanych w galeriach sztuki. Widoczny jest wzrost popularności sztuki rosyjskiej, a co za tym idzie wzrost wartości rynkowej dzieł rosyjskich mistrzów.
Rosnąca rola stosunków rynkowych w kulturze pobudziła potrzebę badania obiegu towarowego dzieł sztuki. W literaturze naukowej pojawiają się prace poświęcone niektórym aspektom tego problemu. Jednak większość zagadnień nie stała się jeszcze przedmiotem analizy naukowej, nadal nie ma pełnego obrazu historycznego rozwoju rynku sztuki w Rosji. Badanie historii tego zjawiska, identyfikacja głównych etapów jego powstawania i rozwoju pozwoli na usystematyzowanie materiałów związanych z obiegiem towarowym dzieł sztuki, wykorzystanie ich do szkolenia analityków i ekspertów rynku sztuki oraz znacznie poszerzyć naszą wiedzę o historii kultury rosyjskiej. Teoretycznie nierozwinięty
Charakter i praktyczne znaczenie problemu zadecydowały o trafności niniejszego opracowania.
Stopień rozwoju problemu. Problematyka rynku sztuki jest złożona, poszczególne jego aspekty rozpatrywane są w ramach różnych dyscyplin naukowych. Jednym z głównych jest podejście socjologiczne, wyrażone w pracach G.V. Plechanow, V.M. Fritsche, W. Gauzenstein, w którym rozpatrywano sztukę w powiązaniu z ekonomią, w kontekście idei marksistowskiej, głoszącej jej zależność od korelacji sił wytwórczych i stosunków produkcji.
Społeczno-psychologiczne i socjologiczne aspekty funkcjonowania dzieł sztuki i wartości kulturowych, ich teoretyczne i empiryczne badanie podejmuje się w ramach specyficznych socjologicznych studiów nad sztuką. Państwowy Instytut Nauk o Sztuce od połowy lat 70. regularnie prowadził socjologiczne analizy społecznego postrzegania różnych rodzajów sztuki. Wyniki tych badań znajdują odzwierciedlenie w pracach V.Yu. Boreva, V.M. Petrova, N.M. Zorkoy, G.G. Dadamyan, V. Ladmyae i inni Z punktu widzenia ogólnych socjologicznych wzorców funkcjonowania kultura artystyczna była badana w pracach Yu.N. Daydova, Yu.V. Perowa, A.N. Sohora, K.B. Sokolova, Yu.U. Fightt-Babushkina, NA Pierdolony.
Problematyka funkcjonowania sztuki w gospodarce rynkowej zwróciła uwagę socjologów w związku z reformami gospodarczymi końca lat 80. XX wieku. Rozwijane są podstawy ekonomii sztuki i kultury, teoretyczne koncepcje ekonomicznego mechanizmu działalności kulturalnej (R.S. Grinberg, V.S. Zhidkov, V.M. Petrov, A.Ya. Rubinshtein, L.I. Yakobson, S. Shishkin itp.). Wydawane są specjalne publikacje naukowe poświęcone tej problematyce, badające złożony wpływ systemu czynników społecznych, politycznych i ekonomicznych na procesy społecznego funkcjonowania sztuki: „Sztuka i rynek” (M., 1996), fundamentalne czterotomowe opracowanie zespołu naukowców z Państwowego Instytutu Studiów nad Sztuką „Artystyczne
życia współczesnego społeczeństwa” (St. Petersburg, t. 1, 1996; t. 2, 1997; t. 3, 1998; t. 4, 2001).
W historycznej historii sztuki aspekt rynku sztuki można prześledzić w pracach poświęconych życiu artystycznemu Rosji oraz działalności różnych stowarzyszeń twórczych, życiu i twórczości poszczególnych mistrzów (I.E. Grabar, V.P. Lapshin, G.G. Pospelov, D.V. Sarabyanov , G. Yu. Sternin, A. D. Chegodaev, A. M. Efros itp.). Ten problem jest najpełniej rozważany w pracy V.P. Lapshin „Rynek sztuki w Rosji na przełomie XIX i XX wieku” (1996).
W pracach rosyjskich historyków I.E. Zabelina, V.O. Klyuchevsky, P.P. Piekarski SM. Sołowjowa, zawiera ważne informacje związane z życiem i tradycjami Rusi przedpiotrowej, które są szeroko wykorzystywane w tej pracy badawczej.
Kwestie kolekcjonowania dzieł sztuki, z którymi ściśle związana jest historia rosyjskiego rynku sztuki, rozważał na początku XX wieku A.N. Benois, NN Wrangel, AV Prachow, a także współcześni naukowcy K.A. Akinsha, SO. Androsow, V.F. Levinson Lessing, Kalifornia. Ovsyannikova, L.Yu. Savinskaya, A.I. Frołowa i in. Prace poświęcone kolekcjonowaniu dzieł sztuki zawierają niezwykle istotny dla niniejszego opracowania materiał faktograficzny o cenach dzieł sztuki, informacje historyczne o procesie i miejscach ich pozyskiwania.
Wspomnienia i korespondencja kolekcjonerów, artystów i im współczesnych zawierają również ważne informacje na temat historii rynku sztuki, których badanie dostarcza bogatego materiału faktograficznego (A.N. Benois, A.P. Botkina, I.E. Grabar, V.P. Komardenkow, K. A. Korovin, SK Makovsky, M. V. Nesterov, A. A. Sidorov, F. I. Chaliapin, S. Shcherbatov, PI Shchukin itp.).
Prace poświęcone mecenatowi rosyjskiemu odzwierciedlają znaczącą rolę handlu i czynników ekonomicznych w rozwoju kultury rosyjskiej. Ważny materiał historyczny i teoretyczny ujawniający
motywacja mecenatu znajduje odzwierciedlenie w pracach XIX i początku XX wieku (V.O. Klyuchevsky, Yu.A. Bakhrushin, PA Buryshkin). We współczesnym społeczeństwie rosyjskim temat miłosierdzia nabrał szczególnego znaczenia i był badany w pracach A.A. Aronowa, A.N. Bochanowa, P.V. Własowa, NG Dumowa, E.P. Horkowa i inni.
W pracach badano problematykę relacji między biznesem a kulturą, możliwości wykorzystania marketingu, fundraisingu w dziedzinie sztuki, długoterminowego prognozowania rozwoju kultury artystycznej, związanych z ekonomią sfery społeczno-kulturalnej z V.M. Petrova, Yu.A. Pompejewa, F.F. Rybakova, G.L. Tulczyński i inni.
Istotne dla rozważanego tematu zagadnienia korelacji wartości estetycznej i ekonomicznej dzieł sztuki nie doczekały się wystarczającego rozwoju w nauce krajowej. Częściowo zagadnienie to było rozważane w pracach klasyków nauk ekonomicznych: D. Ricardo, A. Smith. Główne założenia teorii wartości pracy (K. Marks) i teorii użyteczności krańcowej (E. Böhm-Bawerk, F. Wieser, K. Menger) są istotne dla badania funkcjonowania dzieła sztuki jako towaru w systemie stosunków rynkowych.
W pracach zachodnich naukowców podejmowano także kwestie funkcjonowania i odbioru dzieł sztuki. Pod koniec XIX wieku T. Veblen wprowadził do teorii socjologicznej termin „konsumpcja na pokaz”, który odnosi się również do produkcji artystycznej. Zmianą charakteru dzieł sztuki, utratą ich „aury” pod wpływem postępu technologicznego, a także zmianą sposobu ich postrzegania, zajmował się W. Benjamin. Od lat 50. XX wieku szereg prac naukowców zagranicznych poświęcono analizie statusu artysty w społeczeństwie (A. Hauser), jego sytuacji materialnej, procesom izolacji i integracji zawodów artystycznych (R. Koenig, A. Silbermann (R. Konig, A. Silbermann), analiza sfery zawodów artystycznych i rynku (J.-C. Passeron, P.-M. Menger (Menger R.-M.). Socjopsychologiczne analizy, którymi wypełnione jest współczesne społeczeństwo konsumpcyjne
„pozory”, świadczące o braku autentyczności w kulturze ponowoczesnej, zostały podjęte w pismach G. Baudrillarda.
Szczególnie interesujące dla badań nad rynkiem sztuki są badania francuskiego socjologa P. Bourdieu, twórcy koncepcji „kapitału symbolicznego”, w związku z ujawnieniem pojęcia „pola produkcji kulturalnej” i analiza procesu „konsumpcji artystycznej” w kulturze współczesnej.
Źródła badań. Fundamentalne znaczenie mają źródła dokumentacyjne przechowywane w Rosyjskim Państwowym Archiwum Historycznym (RGIA): fundusz Rosyjskiej Akademii Sztuk (fundusz 789), w którym znajdują się dokumenty związane z historią Akademii Sztuk, dokumenty finansowe (fundusz 789, op. 1, cz. P, 1831, poz. 1433), materiały o udziale Akademii w wystawach w Rosji i za granicą (fundusz 789, op. 10, 1876, poz. 225. cz. I.), sprawozdania ze sprzedaży dzieł sztuki z Międzynarodowa Wystawa w Rzymie (fundusz 789, op. 13, 1909, poz. 221, księga nr 1); fundusz osobisty hrabiów Tołstoja (fundusz 696, op. 1), który zawiera listy od F.G. Berenshtam do hrabiego D.I. Tołstoja o pracy działu rosyjskiego na Międzynarodowej Wystawie Sztuki w Rzymie (1911) - (fundusz 696, op. 1,1910-1911, poz. 115).
Do opracowania wykorzystano dokumenty z Centralnego Archiwum Państwowego Literatury i Sztuki w Petersburgu (TsGALI St. Petersburg): materiały dotyczące prac Komisji Rzeczoznawczej i Antykwariuszy (fundusz 36, op. 1, teczka 49), materiały w sprawie działalności Oddziału Muzeów (f. 36, op. 1, sprawa 345).
W niniejszej pracy przestudiowaliśmy materiały przechowywane w Centralnym Państwowym Archiwum Historycznym w Petersburgu (TSGIA SPb): sprawozdania finansowe i korespondencję Towarzystwa Zachęty Artystów (fundusz 448, op. 1, teczka 40), a także w zasobach działu rękopisów Rosyjskiej Biblioteki Narodowej: wybór publikacji i notatek o rosyjskich aukcjach i wystawach XIX wieku; recenzje i artykuły krytyczne na temat udziału działu rosyjskiego w Wystawach Światowych i Międzynarodowych (1878-1892) w archiwum N.P. Sobko (fundusz 708, poz. 737).
Ciekawe obserwacje i fakty z życia kulturalnego Petersburga i Moskwy, dotyczące komercyjnego funkcjonowania sztuki, zawarte są w esejach-przewodnikach i lokalnej literaturze historycznej (I.G. Georgi (1794), M.I. Pylyaeva (1888, 1889, 1891), V. Kurbatow (1913), LV Uspienski (1990), DA Zasosow, VI Pyzina (1991), P. Ya. Kann (1994) itp.)
Bogactwo materiału faktograficznego dotyczącego rosyjskiego i zagranicznego rynku sztuki XIX - początku XX wieku zawierają periodyki literackie i artystyczne: Notatki domowe (1820-1884), Living Antiquity (1890-1916), World of Art (1898-1898-1898-1884). 1904), Złote runo (1906-1909), Stare lata (1907-1916), Apollo (1909-1918), Wśród kolekcjonerów (1921-1924). Praca P.N. Stołpiańskiego „Stary Petersburg. Handel dziełami sztuki w XVIII wieku” (1913), który opisuje różne formy sprzedaży dzieł sztuki i rzeźby. Współczesne rosyjskie czasopisma publikują publikacje dotyczące obiegu towarowego dzieł sztuki (Pinakoteka, Kolekcjoner, Nasze dziedzictwo, Nowy świat sztuki, Antyk rosyjski, Antyk itp.).
Materiały dotyczące praktyki zagranicznego rynku dzieł sztuki zawarte są w specjalnych publikacjach informacyjnych dla marszandów i kolekcjonerów ( Biuletyn, podgląd, indeksitp.), artykułów w czasopismach („Sztuka”, „Artforum”, „Sztuka w Ameryce”, „Flash Art”, „Kapitał”, „Art Business Today”itp. W pracy wykorzystano katalogi zagraniczne(„Sotheby’s”, „Christie”) i krajowe ("Alfa-Art", "Gelos", "Cztery Sztuki") domy aukcyjne. Praktyczne doświadczenie galerii sztuki (Art-Collegia, Palette, Borey), antykwariatów w Moskwie (Metropol, Kupina, Golden Casket) i Petersburgu (Harmony, Panteleimonovsky) , „Rapsodia”, „Renesans”, „Rosyjska starożytność” , „Srebrny Wiek”).
Przedmiotem badań jest kultura artystyczna Rosji XVIH-XXwieki.
Przedmiotem badań jest kształtowanie się rynku dzieł sztuki w kulturze Rosji w XVIII-XX wieku.
Cel pracy: zbadanie etapów rozwoju i funkcjonowania rynku dzieł sztuki w Rosji XVIII-XXwieki.
Zgodnie z celem studium określa następujące zadania:
postrzegać rynek sztuki jako zjawisko kulturowe;
analizować cechy obiegu dzieł sztuki jako towaru na rynku sztuki.
rozważyć ewolucję rynku sztuki w życiu artystycznym;
identyfikować i badać główne etapy powstawania i rozwoju rynku dzieł sztuki w Rosji;
analizować znaczenie rynku sztuki w popularyzacji kultury narodowej za granicą na podstawie udziału prac artystów rosyjskich w międzynarodowych wystawach i aukcjach;
Główna hipoteza badania. Rynek sztuki w Rosji, począwszy od XVIII wieku, stał się jednym z głównych sposobów rozpowszechniania wartości artystycznych w społeczeństwie i można go uznać za integralną część rosyjskiej kultury artystycznej.
Podstawy metodologiczne i teoretyczne badań. Specyfika i złożoność przedmiotu i przedmiotu badań, a także nowość problemu, zdeterminowały potrzebę interdyscyplinarnego i systemowego podejścia, które pozwala rozpatrywać rynek sztuki jako złożone i wieloaspektowe zjawisko społeczno-kulturowe. Opracowanie opiera się na zasadzie historyzmu i porównawczej metodzie historycznej, które pozwalają na wszechstronną kulturową analizę historii powstawania i rozwoju rynku dzieł sztuki w Rosji.
Teoretyczną podstawą tego badania była praca domowych filozofów, kulturologów, odzwierciedlająca systematyczne podejście do badania kultury jako zjawiska holistycznego (TA Apinyan, S.N. Artanovsky, A.F. Eremeev, S.N. Ikonnikova, M.S. Kagan , Y. M. Lotman, ST. Makhlina , V. V. Selivanov, N. N. Suvorov, A. Ya. Flier, V. A. Shchuchenko itp.).
Podstawą naukową i teoretyczną do uznania rynku sztuki za zjawisko kulturowe było badanie społecznego życia sztuki w pracach zachodnich filozofów i socjologów, takich jak W. Benjamin, S. N. Behrman, G. Baudrillard, P. Bourdieu (P. Bourdieu), T. Veblen, A. Gehlen, K. Marks. W niniejszej rozprawie badawczej, dla rozpoznania specyfiki dzieła sztuki jako towaru, wykorzystano idee przedstawicieli „instytucjonalnej” teorii sztuki, zaprezentowane w pracach T. Binkleya, D. Dickie, P. Ziffa, Ch. Lalo.
Nowość naukowa:
określono główne etapy kształtowania się i rozwoju rynku dzieł sztuki w Rosji w kontekście zmieniających się epok historycznych: etap przedrewolucyjny (od początku XVIII wieku do 1917 r.); Scena radziecka; nowoczesna scena; podano ich ogólną charakterystykę i cechy;
Prześledzono dynamikę rozwoju rynku sztuki w pierwszej fazie jego powstawania: od pojedynczych przypadków sprzedaży dóbr artystycznych na początku XVIII wieku do powstania do 1917 roku złożonej, rozgałęzionej struktury, na którą składają się: wystawy i wyprzedaże, sklepy ze sztuką i antykami, aukcje; ujawniono wzrost roli stosunków handlowych w kulturze Rosji, jednak na tym etapie nie stały się one dominujące;
określa się cechy funkcjonowania rynku sztuki w czasach sowieckich, które polegają na obecności scentralizowanego systemu zamawiania i dystrybucji dzieł sztuki oraz nieoficjalnego handlu
firma dzieł sztuki; należy zauważyć, że tradycje kolekcjonowania sztuki w tym okresie kultury rosyjskiej nie zostały przerwane;
zbadano stan rosyjskiego rynku sztuki na obecnym etapie, zidentyfikowano główne problemy: niedoskonałość ustawodawstwa, niedojrzałość podstawy prawnej ekspertyz, brak dostępnego chronologicznego zbioru katalogów, brak aktywnego popytu na dzieła sztuki; określono perspektywy rozwoju: integracja rynku rosyjskiego z międzynarodowym rynkiem sztuki;
rolę rynku sztuki w popularyzacji kultury narodowej za granicą ujawniono na podstawie udziału prac artystów rosyjskich w międzynarodowych wystawach i aukcjach;
wprowadzono do obiegu naukowego nowe źródła dokumentacyjne o skutkach finansowych udziału prac rosyjskich artystów w wystawach zagranicznych, które znajdują się w Rosyjskim Państwowym Archiwum Historycznym (RGIA): fundusz 789, op. 1, część II, 1831, poz grzbiet 1433;. Dokumenty dotyczące stanu handlu antykami w okresie porewolucyjnym, przechowywane w Centralnym Archiwum Państwowym Literatury i Sztuki w Petersburgu (CGALI St. Petersburg): fundusz 36, op. 1, sprawa 49; F. 36, op. 1, sprawa 345. Dokumenty z korespondencji Towarzystwa Zachęty Artystów, przechowywanej w Centralnym Państwowym Archiwum Historycznym w Petersburgu (TSGIA SPb): fundusz 448, op. 1, sprawa 40.
Na obronę proponuje się następujące postanowienia:
1. Sposoby szerzenia wartości artystycznych w społeczeństwie
zawierać następujące opcje: a) trasę niestandardową, realizowaną według schematu
„porządek – egzekucja”, charakterystyczne dla tradycyjnego, przedkapitalistycznego
społeczeństwa; b) rynkowy sposób dystrybucji wartości artystycznych w
społeczeństwo, w którym dobrami są obiektywnie ucieleśnione zło
kobiece wartości.
2. W obecnej sytuacji społeczno-kulturowej rynek sztuki
reguluje upowszechnianie wartości artystycznych w społeczeństwie, a także
jest swego rodzaju filtrem, składającym się z wielu mediatorów
organizacje (galerie, wystawy sprzedażowe, aukcje, targi sztuki, prasa specjalistyczna, katalogi, krytyka sztuki itp.), poprzez które sztuka dociera do konsumenta.
Rynek sztuki w Rosji, począwszy od XVIII wieku, stał się integralną częścią kultury, a jego najważniejszym czynnikiem jest rozwój prywatnego kolekcjonowania dzieł sztuki.
Od drugiej połowy XIX wieku sztuka rosyjska została włączona w międzynarodowy obieg dzieł artystycznych, a rynek sztuki stał się jednym ze sposobów popularyzacji dorobku kultury rosyjskiej.
Kolekcjonerstwo prywatne w okresie sowieckim nie zostało przerwane; obok oficjalnych form nabywania wartości artystycznych funkcjonował aktywnie nieoficjalny obrót dziełami sztuki.
Współczesny rosyjski rynek sztuki znajduje się na nowym etapie rozwoju, który charakteryzuje się aktywnym tworzeniem nowej struktury obiegu towarowego dzieł sztuki, ukierunkowaniem na model międzynarodowego rynku sztuki.
Praktyczne znaczenie badania. Materiały, postanowienia, wnioski z tej pracy naukowej mogą być wykorzystane w kursie wykładowym z historii kultury rosyjskiej, z historii rynku sztuki w Rosji, a także w szkoleniu ekspertów i specjalistów w zakresie obrotu towarowego dziełami sztuki.
Zatwierdzenie pracy. Idee i materiały rozprawy stanowiły podstawę toku wykładów „Historia rozwoju rynku sztuki w Rosji” na Państwowym Uniwersytecie Kultury i Sztuki w Petersburgu (1999-2003), a także były zgłaszane na konferencjach naukowych konferencje ("Problemy kultury i sztuki" - 1999, 2000, 2001). Na temat rozprawy ukazało się sześć artykułów.
link1 Rynek sztuki jako zjawisko kulturowe link1 .
W niniejszym opracowaniu fundamentalne jest zdefiniowanie kultury artystycznej jako rozwiniętego systemu o niezwykle złożonej strukturze, którego funkcjonowanie odbywa się w trzech następujących po sobie etapach: tworzenia wartości artystycznych (produkcji artystycznej), ich upowszechniania za pośrednictwem specjalnych instytucji oraz stadium rozwoju walorów artystycznych (konsumpcja artystyczna)1. Liczne komponenty kultury artystycznej w procesie jej funkcjonowania tworzą kilka dużych „podsystemów”. Według kulturoznawcy K.B. Sokołowa „Pierwszy podsystem to produkcja wartości artystycznych i jej podmioty: artyści zawodowi i amatorzy… Drugi podsystem to konsumpcja artystyczna i jej podmioty: widzowie, czytelnicy, słuchacze… Trzeci podsystem to „pośrednik” między produkcją a konsumpcją artystyczną, między produkcją a konsumpcją podmiotową... Czwarty podsystem to naukowe zarządzanie rozwojem kultury artystycznej...”2 Jest oczywiste, że przedmiot badań tej dysertacji jest organicznie zawarty w trzecim, „ pośrednik”, podsystem kultury artystycznej.
Spróbujmy zdefiniować, czym jest rynek sztuki. Jest to system obiegu towarowego dzieł sztuki, przedmiotów, przedmiotów. wartości historycznej, różne antyki i rarytasy. Jednak lista rzeczy związanych z dobrami artystycznymi we współczesnej kulturze stała się znacznie szersza. Trudno przypisać do którejkolwiek z powyższych koncepcji karty do automatów telefonicznych, kapsle, pu 1 Kultura artystyczna: koncepcje, terminy. - sowy, naparstki, flakony perfum, przedmioty osobiste sławnych ludzi itp. Ponadto istnieje rynek sztuk performatywnych, który wykracza poza zakres niniejszego opracowania. W prezentowanej pracy mówimy o produkcie intelektualnym, który ma materialne (rzeczywiste) ucieleśnienie. Dlatego też, aby określić specyfikę rynku sztuki, należy zastanowić się, czym jest produkt artystyczny.
Kiedy mówimy o rynku sztuki, w pierwszej kolejności mamy do czynienia z handlem dziełami sztuki. Oceniając to lub inne dzieło sztuki, mówią o jego wartości artystycznej. Ale artyzm to pojęcie względne. Nie jest to nieodłączna cecha obiektu, taka jak gęstość czy temperatura, ale ocena podmiotu na temat obiektu. Badając naturę wartości w ogóle, aw szczególności wartości artystycznej, M.S. Kagan zauważa, że „…artystyczna rzeczywistość, której doświadczamy… jest fikcyjną, iluzoryczną i realizowaną przez artystę rzeczywistością, a nie jej prawdziwym„ istniejącym bytem ”” 3. Osobliwość wartości artystycznej naukowiec dostrzega w „ …wartość tej właśnie przemiany, czyli całościowej, estetyczno-znieczulającej sensownej przemiany bytu”4. M.S. Kagan, badając wszechstronnie pojęcie wartości, wskazuje na „hierarchiczną strukturę systemu wartości, w której jeden typ wartość, to kolejna awansuje na szczyt”5.
Socjolog K. Manheim wiąże hierarchiczną strukturę wartości z faktem, że człowiek na mocy swojej duchowej konstytucji nie tylko myśli, ale i doświadcza hierarchicznie6. Zauważa, że „Ta hierarchiczna struktura życia jest ściśle związana z tym, że… ostatni element, stojący ponad wszystkimi innymi, otrzymujący najwyższą ocenę na tej hierarchicznej skali, powinien niejako gwarantować jego jakość”7. Co więcej, ocena ta zależy „od istniejącej wówczas zbiorowej świadomości i tylko dzięki niej może być postrzegana jako coś niepodważalnego”8.
W konsekwencji pojęcie artyzmu jest zmienne historycznie i społeczno-kulturowo, gdyż jest nierozerwalnie związane z ogólnie przyjętą hierarchiczną skalą wartości, istniejącą w danym społeczeństwie i w danym czasie – „dla mistrzów renesansu nie była to tak samo jak u średniowiecznych, u mistrzów baroku było inaczej niż u klasycystów, u modernistów inaczej niż u realistów – i tak dalej”9. Kagan „Zmiana różnych etapów historycznych w rozwoju kultury prowadzi do zmiany dominujących wartości, a co za tym idzie, do ciągłej przebudowy aksjosfery”10.
Filozof A. Banfi jest tego samego zdania. Badając problem relacji między sztuką a społeczeństwem, zauważa, że „Nie ulega wątpliwości, że każde społeczeństwo, a często każda pojedyncza warstwa społeczna, ma nie tylko własną skalę wartości przestrzennych i czasowych, ale także własne preferencje w zakresie malarstwo i muzyka”11.
Powszechnie wiadomo, jak wrogo na pojawienie się malarstwa impresjonistycznego w połowie lat 60. artyści ogrodnicy. Historia kultury obfituje w takie przykłady z różnych epok, potwierdzające niestabilny i ciągle zmieniający się odbiór dzieł sztuki.
Historii rynku sztuki nie da się studiować bez historii zbieractwa i kolekcjonowania. Zbiory skarbca królewskiego, dary poselstw obcych, które od XVI wieku znajdowały się w Zbrojowni, a także skarby znajdujące się w zakrystiach kościoła klasztornego, można uznać za początek księgozbioru, a właściwie jego nagromadzenie. , wartości artystycznych w Rosji. Zasadniczo były to przedmioty wykonane ze złota i srebra, a także biżuteria, które można uznać za pierwsze kolekcje przedmiotów sztuki użytkowej. Inaczej jest w przypadku malarstwa i innych sztuk plastycznych. Oryginalność rosyjskiego życia kulturalnego, izolacja od Europy, odrzucenie wszystkiego, co obce w życiu codziennym, nie przyczyniły się do powstania malarstwa zachodnioeuropejskiego w Rosji. Pierwsze i pojedyncze obrazy artystów zachodnioeuropejskich sprowadzono do Moskwy po raz pierwszy w XVI w. Na przykład portret Zofii Paleolog wysłany przez papieża Pawła II do Jana III, portrety narzeczonych wykonane na zamówienie Iwana Groźnego118.
W XVII wieku na dwór zapraszano zagranicznych malarzy. W 1642 r. nadwornym malarzem pracował Iwan (Hans) Deterson, następnie jego miejsce zajął Polak Stanisław Łoputski. W 1667 roku był Danilo Danilovich Vukhters, „który napisał malowniczy list z najmądrzejszą umiejętnością”, potem Ormianin Bogdan Sołtanow. W 1679 r. Zaproszono Niemca Iwana Andriejewicza Waltera.
Trzeba zaznaczyć, że życie cudzoziemców na Rusi Moskiewskiej, w tym artystów, nie było łatwe. Płacono im niewiele, a ludzie postrzegali ich jako obcych, „niechrześcijan”, niewierzących. Włoski podróżnik Guanini, który odwiedził Moskwę w 1560 roku, pozostawił następujące wspomnienia: „Spotkałem w Moskwie doświadczonych zagranicznych rzemieślników. Ich praca, nawet najbardziej zręczna, jest bardzo słabo opłacana. Ledwo starcza na chleb i wodę. Przede wszystkim lekarze mieli pecha. Tak więc w XVI wieku obcy lekarz Anton Nemchin został zasztyletowany, ponieważ nie wyleczył syna szlachetnego bojara, królewski lekarz Eliza Bomel, którą pieszczotliwie nazywano „doktorem Elizeuszem”, został publicznie spalony pod zarzutem zamiaru otrucia kogoś121. Często zagraniczni „specjaliści” woleli nosić rosyjskie ubrania, aby nie wyróżniać się z tłumu, ponieważ ryzykowali po prostu pobiciem. W swoich domach czasami wieszali ikony prawosławne, chociaż byli katolikami lub protestantami, bo bez tego niewielu odważyłoby się przekroczyć próg ich domu. Cudzoziemcy osiedlali się w specjalnie do tego wyznaczonych miejscach – osadach niemieckich.
W XVII wieku Rosja zaczęła zbliżać się do państw zachodnich. Pojawiło się więcej obcokrajowców. Ale stosunek do nich był nadal wrogi. Na przykład podczas pożaru, który wybuchł w moskiewskiej osadzie niemieckiej, łucznicy, którzy wbiegli do domu malarza Hansa Detersona i zobaczyli starą ludzką czaszkę, związali artystę i oskarżyli go o czary. Malarza uratował bardziej oświecony Rosjanin, który akurat był w pobliżu, tłumacząc łucznikom, że czaszka nie jest przeznaczona do czarów, ale do „rysowania”. Negatywny stosunek do cudzoziemców obserwowano także na początku XVIII wieku. Tak więc jeden z wychowawców carewicza Aleksieja, młodego oficera niemieckiego, po powrocie do ojczyzny wydał broszurę: „O haniebnych czynach Moskwy z cudzoziemcami”124, w której opisywał różne incydenty popełniane na obcych podmiotach.
W XVII wieku obce ryciny w Moskwie nie były już rzadkością. Nazywano je „arkuszami Fryażskiego”. Ryciny zdobiły ściany komnat królewskich i bojarskich. Niektóre pomieszczenia kremlowskich pałaców były całkowicie zaklejone tymi prześcieradłami, często ryciny umieszczano w ramach. Na przykład za panowania cara Fiodora Aleksiejewicza mury w jego drewnianych dworach i pokojach księżniczek były zaklejone rycinami, a w pokojach carewicza Aleksieja Aleksiejewicza było „pięćdziesiąt pochylni z prześcieradłami fryazowymi”125. W XVII wieku na dworze moskiewskim powstawały już niewielkie kolekcje „niemieckich arkuszy zabawnych” (inna nazwa rycin) oraz „książek zabawnych” lub „książek z kunsztami”. Wykorzystywane były do celów edukacyjnych jako pomoc wizualna. Tak więc w latach 1632-1636 zakupiono zabawne prześcieradła do edukacji młodego carewicza Aleksieja Michajłowicza i jego siostry Iriny. W 1682 r. Zakupiono 100 arkuszy Fryaża na edukację Piotra Aleksiejewicza.
Według badań historyka I.E. Zabelin, pod koniec XVII wieku komnaty królewskie były również ozdobione malowidłami, choć nielicznymi. Malarstwo portretowe było najpowszechniejsze i lokowane było głównie w dworach łóżkowych, ale w pałacu znajdowały się także inne pomieszczenia. Wiadomo, że w 1678 r. I. Bezmin namalował „osobę państwową”, w tym samym roku I. Saltanov - „osobę cara Aleksieja we Wniebowzięciu”, ponadto malując na płótnie „Ukrzyżowanie i wizerunek cara Aleksiej, osoba królowej Marii Iljinicznej i osoba carewicza Aleksieja Aleksiejewicza w oczekiwaniu na ukrzyżowanie. Zachowała się informacja, że „w 1682 r. w skarbcu zmarłego cara Fiodora Aleksiejewicza znajdowały się trzy osoby: car Aleksiej Michajłowicz, carewicz Aleksiej Aleksiejewicz wypisany na płótnie i portret carycy Marii Iljinicznej wypisany na tablicy”, aw 1681 r. w dworach Fiodora Aleksiejewicza przebywały osoby królów Polski i Francji127.
Oprócz królewskich istniały też kolekcje prywatne, z reguły z bliskimi królowi, którzy realizowali różne misje dyplomatyczne i byli bardziej obeznani z kulturą europejską. Niemal jedynym źródłem informacji o ówczesnym życiu są sporządzane przy różnych okazjach inwentarze. Na przykład z inwentarza majątku księcia Wasilija Wasiljewicza Golicyna (1643-1714) w jego moskiewskim domu w Okhotnym Ryadzie można dowiedzieć się, jakie elementy wyposażenia domu bogatego i szlachetnego szlachcica z końca XVII wieku z. Dom książęcy, zbudowany na początku lat 80. XVII wieku, zachwycał współczesnych architekturą i wystrojem wnętrz. „W swoim rozległym moskiewskim domu” - napisał historyk V.O. Klyuchevsky'ego, - wszystko było ułożone po europejsku: w dużych salach filary międzyokienne były wypełnione dużymi lustrami, obrazami, portretami władców rosyjskich i zagranicznych, niemieckimi mapami geograficznymi w złoconych ramach wiszącymi na ścianach; na sufitach namalowano układ planetarny, dekorację pomieszczeń uzupełniło mnóstwo artystycznych zegarów i termometrów. Skupmy się na sztukach pięknych. W dużej jadalni wisiały portrety rosyjskich carów, portrety patriarchów Nikona i Joachima, wizerunki obcych królów w ciężkich dębowych ramach. „Trzy osoby królewskie, namalowane na płótnach, w czarnych ramach. Postać polskiego króla na koniu. W dwóch kadrach postać polskiego króla i jego królowej. Były też dwa portrety samego właściciela i cztery ryciny, wszystkie w bogatych złoconych ramach. Sufit pokryty był „sufitami pokrytymi lwami”, które przedstawiały „krąg słońca, bogów nieba… i planety”. Ściany sypialni zdobiły liczne ryciny, były portrety i obrazy. Na przykład „Dwa anioły, między nimi dzieci, są napisane na płótnie” lub „postać ludzka jest zapisana na płótnie”. Taka różnorodność dzieł sztuki w domu książęcym pozwala mówić o obecności kolekcji rycin i obrazów. Nie były uważane za dzieła sztuki, ale były używane jako drogie, piękne i „dziwaczne” rzeczy do dekoracji wnętrz.
Rosyjski rynek sztuki na obecnym etapie
Najbardziej konserwatywna sfera kultury radzieckiej – rynek sztuki – jako ostatnia została dotknięta pierestrojką, ale późniejsze zmiany okazały się najbardziej radykalne. W społeczeństwie rozpoczął się bezprecedensowy wzrost zainteresowania sztuką w ogóle, aw szczególności antykami. Liczba antykwariatów z roku na rok szybko rośnie. W Moskwie w 2000 roku było ich ponad 50, w Petersburgu około 40. Można powiedzieć, że centrum rynku sztuki przeniosło się do Moskwy. Świadczą o tym duże firmy aukcyjne specjalizujące się w sprzedaży dzieł sztuki, które w ostatnim czasie pojawiły się także w Moskwie.
Wielu krytyków sztuki wymienia konkretne wydarzenie, po którym rozpoczął się szybki rozwój rynku sztuki - słynną aukcję, zorganizowaną przez największą na świecie firmę aukcyjną Sotheby's w Moskwie latem 1988 roku. Na aukcję przybyli kolekcjonerzy i marszandowie z wielu krajów. Kolekcja aukcyjna składała się z dwóch części. Pierwsza część obejmowała 18 prac rosyjskich artystów awangardowych (A. Rodchenko, V. Stepanova, A. Drevnії), druga część obejmowała ponad sto prac 34 współczesnych rosyjskich artystów. Wiele z tej aukcji było po raz pierwszy. Po raz pierwszy rosyjscy widzowie mogli zobaczyć, jak odbywa się profesjonalna aukcja, po raz pierwszy stało się oczywiste, że sprzedaż dzieł sztuki to niezwykle dochodowy biznes. Tak więc obraz mało wówczas znanego artysty Grishy Bru-skina został kupiony przez anonimowego nabywcę za ogromną sumę 242 tysięcy funtów szterlingów. Licytację prowadził dyrektor zarządzający europejskiego oddziału firmy «Sotheby s» - Simon de Pury. Aukcję poprzedziło dwudniowe oglądanie obrazów, w którym wzięło udział około 11 000 osób. Wstęp był ograniczony, oglądanie odbywało się wyłącznie za pomocą zaproszeń. Na aukcję przybyli zagraniczni kolekcjonerzy, przedstawiciele zagranicznych muzeów, miłośnicy sztuki.
Wyniki aukcji przerosły wszelkie oczekiwania – obrazy zostały sprzedane za kwotę ok. 2 mln 81 tys. funtów szterlingów. Tylko 6 obrazów nie znalazło nabywcy. Oczywiście ta aukcja miała charakter reklamowy. Potwierdza to udział w nim celebrytów. Słynny piosenkarz Elton John kupił dwa płótna Swietłany i Igora Kopystyansky'ego, właściciel Sotheby's A. Taubman kupił obraz I. Kabakova „Answers from the Experimental Group” za 22 tysiące funtów i podarował go przyszłemu muzeum sztuki nowoczesnej w naszym kraju .
Dochód z tej aukcji wyniósł milion dolarów. Decyzją Ministerstwa Kultury ZSRR listy A.S. Puszkin. Sukces aukcji pozwolił mieć nadzieję na dalsze poszerzanie więzi i kontaktów rosyjskiego rynku antyków z największymi domami aukcyjnymi. Planowano przeprowadzić szereg wspólnych aukcji, już nie na terytorium Rosji. Ale następna aukcja, która miała się odbyć w Londynie, została zakłócona. Ogólnorosyjskie Stowarzyszenie Sztuki i Przemysłu imienia E.V. Vuchetich wraz z Sotheby ustalili dla niego skład kolekcji. Sekcja antyków składała się głównie z nieunikalnych dzieł rzekomych artystów. Posiadały analogi i repliki zarówno w zbiorach muzealnych, jak iw zbiorach prywatnych. Co więcej, niektóre z tych eksponatów były wcześniej zgłaszane do zakupu muzeom, ale zostały odrzucone. Kolekcja została zbadana przez komisję złożoną z 20 czołowych krytyków sztuki, przedstawicieli muzeów i Sowieckiego Funduszu Kultury i doszła do wniosku, że eksport tej kolekcji za granicę w celu udziału w aukcji nie zaszkodzi krajowemu funduszowi muzealnemu. Ale aukcja się nie odbyła, ponieważ eksponaty nie otrzymały pozwolenia na eksport, ponieważ zgodnie z prawem Federacji Rosyjskiej „O eksporcie i imporcie dóbr kultury” z dnia 15 kwietnia 1993 r. (Nr 4804-1) , eksport przedmiotów sztuki dawnej liczących ponad 100 lat.
Z pomocą innego znanego na całym świecie domu aukcyjnego „Christie's” w 1995 roku planowano zorganizować „Russian Antiques” w Moskwie. Aukcja została przygotowana pod nadzorem Galerii Trietiakowskiej. Głównym celem aukcji, poza finansowym, jest próba stworzenia cywilizowanego rynku antyków. Organy MSW zostały oficjalnie zaproszone do wglądu. Część partii została ogłoszona jako możliwa do wywozu, co samo w sobie było dużą zmianą w działalności aukcyjnej. Ale zostało to również praktycznie udaremnione z powodu niedoskonałości istniejącego rosyjskiego ustawodawstwa: na dwie godziny przed aukcją administracja otrzymała pismo, zgodnie z którym prace dopuszczone do eksportu zostały wycofane ze sprzedaży. Licytacja była „do góry nogami”, wszystkie losy poszły do góry nogami. Firma „Christie s” również miała negatywne doświadczenia na rosyjskim rynku antyków.
Spośród moskiewskich firm aukcyjnych z antykami wyróżniają się dwie - Alfa-Art i Gelos. Stowarzyszenie antykwariuszy "Gelos", założone w 1988 roku jako warsztaty konserwatorskie, jest dużym kompleksowym przedsiębiorstwem, które w swojej strukturze obejmuje działy zajmujące się wyceną, badaniem, restauracją, handlem, aukcjami. Jest to jedna z nielicznych firm zajmujących się antykami, która ma sieć oddziałów w miastach Rosji i WNP. Badanie przeprowadzają specjaliści ze stowarzyszenia Gelos, moskiewskich muzeów kremlowskich, VKhNRTS im. NE Grabar, Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej itp. W grudniu
Życie artystyczne współczesnego społeczeństwa. T. 4. Książka. 2. - s. 343. W 1992 roku stowarzyszenie utworzyło Muzeum Starożytności - pierwsze niepaństwowe muzeum w Rosji. Od 1995 roku Gelos stosuje nową politykę aukcyjną – cotygodniowe aukcje dilerskie, na których prywatni marszandowie mogą wymieniać się swoimi dziełami (prowizja dla handlarza wynosi 5%. Jeśli aukcja zakończy się jego własną ofertą, musi on zapłacić 1% firmę od zebranej przez siebie kwoty). Stowarzyszenie antykwariuszy „Gelos” obejmuje: kompleks wystawienniczo-handlowy, salę aukcyjną, muzeum, klub biznesowy, klub miłośników starożytności. „Gelos” posiada najbogatszą w kraju bibliotekę antyków. W lutym 1998 roku w domu aukcyjnym w Moskwie obraz V. Kandinsky'ego „Portret żony artysty” został sprzedany za najwyższą cenę na rosyjskim rynku sztuki - ponad 1 milion dolarów.
Dom aukcyjny Alfa-Art do 1995 roku był największą i najbardziej stabilną firmą zajmującą się antykami w Rosji. Powstał w 1991 roku przy wsparciu Alfa-Banku. W trakcie prac odbyło się 28 aukcji rosyjskiego malarstwa i dzieł sztuki. W 1994 roku zorganizowano galerię Alfa-Art, której ekspozycja obejmuje około 1000 obrazów i obiektów. Każdej aukcji towarzyszył katalog ilustrowany, w 1993 roku ukazał się jeden katalog zbiorczy. Ekspertami domu aukcyjnego są pracownicy Wszechrosyjskiego Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej, Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina, Państwowa Galeria Trietiakowska. Maksymalna cena przedmiotu sprzedawanego na aukcjach tej firmy to 104 tysiące dolarów amerykańskich. (Obraz V.M. Vasnetsova „Rycerz na rozdrożu”). Dom aukcyjny od 1995 roku nie prowadzi aukcji publicznych i zajmuje się wyłącznie sprzedażą galeryjną. W Alfa-Art prowizja wynosiła 35% plus kolejne 2% wartości przedmiotu za jego przechowanie, Gelos pobiera 10%, a przechowanie jest bezpłatne.
Krajowy rynek sztuki z roku na rok staje się coraz bardziej aktywny i zróżnicowany. W Rosji istnieje „Klub kolekcjonerów Rosji”, „Związek Antykwariuszy Rosji”, „Stowarzyszenie Antykwariuszy
Petersburg” itp. W Moskwie regularnie odbywają się targi sztuki nowoczesnej, od listopada 1996 roku corocznie otwierany jest „Rosyjski Salon Antyków”. Latem 1999 roku w Petersburgu odbył się „Pierwszy Salon Antyków”. Pojawiają się nowe periodyki podejmujące problematykę rynku sztuki. Wymieńmy tylko kilka: „Nasze Dziedzictwo” (nagłówek „Kolekcjonerzy”), „Kreatywność” (nagłówek „Sztuka i Rynek”), biuletyn informacyjno-analityczny „Veduta-Antyki”, informator „Art-Media. Rynek Sztuki”, w 1995 roku czasopismo „Kolekcjoner”, „Pinakoteka”, gazeta „Handel antykami”, czasopismo „Art-Prestige”, „Antik” itp.
Rynek sztuki jest zjawiskiem i mechanizmem społeczno-ekonomicznym i kulturowo-historycznym, będącym systemem obiegu towarowego dzieł sztuki, sposobem rozpowszechniania i redystrybucji wartości kulturowych w społeczeństwie. Rynek sztuki pełni funkcje informacyjne, pośredniczące, cenowe, stymulujące i regulujące, a także artystyczne i estetyczne.Warunkami społeczno-kulturowymi powstania rynku sztuki były różne czynniki: polityczne, ekonomiczne, w tym edukacyjne. Rynek sztuki, będąc potężnym, wielofunkcyjnym zjawiskiem, przeszedł kilka głównych etapów rozwoju, spośród których warto wyróżnić te najważniejsze.
Jednym z pierwszych wartych odnotowania etapów jest rewolucja burżuazyjna, która przyczyniła się do powstania gospodarki rynkowej. Ważną rolę odegrała także protestancka etyka wczesnego kapitalizmu. Wraz z nadejściem rynku sztuki o statusie artysty decydowała w dużej mierze aukcja, czyli wskaźnik składający się z ceny dzieła i liczby sprzedanych dzieł. Krajowe rynki sztuki zaczęły się szybko rozwijać w Holandii, Niemczech i USA.Dokładna data powstania rynku sztuki to 21 czerwca 1693 r., kiedy to Lord Melford zorganizował wielką aukcję dzieł sztuki w Banqueting House w posiadłości Whitehall. W pierwszej połowie XVIII wieku takie licytacje stały się jedną z rozrywek brytyjskiej arystokracji.
W połowie XIX wieku ukształtowała się matryca rynku sztuki (powstała struktura: marszandy, marszandy, wystawy i galerie, wyprzedaże i aukcje, wydawanie katalogów i czasopism specjalnych, reklama); są kolekcjonerzy, krytycy sztuki, muzealnicy.
Ekspansja rynku sztuki rozpoczyna się w drugiej połowie XIX wieku, następuje podział rynku sztuki na dwa obszary – sferę sprzedaży mistrzów przeszłości i sferę sprzedaży autorów współczesnych. Zmieniła się klasa konsumentów drogiej sztuki (arystokracja i bogaci przedstawiciele burżuazji). Nowa fala rozkwitu rynku sztuki rozpoczyna się na przełomie XX i XXI wieku: to wirtualizacja rynku, pojawienie się nowych rodzajów sztuki, wirtualne systemy aukcyjne, wyznaczanie centrów światowego rynku sztuki - Londyn, Nowy Jork, Tokio.
Istnieją następujące rodzaje rynków sztuki:
świat,
· Narodowy,
regionalny.
Każdy rodzaj rynku sztuki ma swoje własne cechy cenowe, procedury kupna i sprzedaży dzieł sztuki oraz znaczenie tego produktu na danym rynku. Rynek sztuki nie istnieje w oderwaniu od globalnego rynku finansowego. Na wszelkie niepokoje i zmiany w globalnej i lokalnej gospodarce reaguje również rynek sztuki. Każdy z rynków sztuki, czy to globalny, czy regionalny, ma swoją własną infrastrukturę. Na dzisiejszym rynku sztuki infrastruktura pełni rolę łącznika między dwoma głównymi elementami rynku – między artystą, wytwórcą wartości sztuki i nabywcą.
Światowy rynek sztuki jest zdecydowanie najbardziej atrakcyjną branżą do inwestowania, a więc jest dochodowym obszarem dla przedsiębiorczości. Rynek sztuki jest bardziej stabilny niż ten sam rynek giełdowy, który podlega ciągłym wahaniom wraz z różnymi wstrząsami społecznymi i ekonomicznymi. Coraz więcej zamożnych ludzi zaczyna inwestować w dzieła sztuki.
Rynek sztuki jest zjawiskiem złożonym, wielopoziomowym, integrującym dużą liczbę podmiotów realizujących wszystkie procesy jego aktualizacji. Głównymi podmiotami rynku sztuki są producenci (artyści) i konsumenci (publiczność). Pomiędzy głównymi tematami w różnych czasach kulturowych i historycznych istniała grupa pośredników, którzy do dnia dzisiejszego maksymalnie się zróżnicowali. Najważniejszym warunkiem pomyślnego funkcjonowania rynku sztuki jest kształtowanie i rozwój jego infrastruktury, która zapewnia ciągłą promocję wytworów artystycznych od artysty do publiczności. Nie dzisiaj świat rozwinął złożoną i wielopoziomową infrastrukturę rynku sztuki. Kluczowymi postaciami rynku sztuki są producenci produktu artystycznego i jego konsumenci. Istnieje szereg pośredników między tymi dwiema głównymi grupami infrastruktury. Współczesny rynek różni się od rynku początku stosunków kapitalistycznych tym, że jego część pomocniczo-towarzysząca i organizacyjno-pośrednicząca znacznie się rozrosła, na którą składają się:
§ organizacje informacyjne;
§ organizacja pomocy prawnej i prawnej;
§ organizacje handlowe i pośredniczące;
§ organizacje doradcze i pośredniczące;
§ struktury finansowe.
Głównymi podmiotami rynku sztuki są producenci wytworu artystycznego, ponieważ przedmiotem sprzedaży i zakupu są wyniki ich działalności. W sztukach wizualnych twórca jest personifikowany, ale i tutaj mogą pojawić się kolektywni performerzy i stowarzyszenia twórcze. Konsumentem wytworu sztuki mogą być poszczególni członkowie społeczeństwa: wielbiciele i znawcy sztuki, inwestorzy, kolekcjonerzy, przedstawiciele państwa, stowarzyszenia społeczne, struktury biznesowe, muzea, organizacje i przedsiębiorstwa. Komercyjne organizacje pośredniczące obejmują galerie, targi, domy aukcyjne, dealerów. Usługi doradcze i pośrednictwa w ramach rynku sztuki świadczone są przez organizacje zajmujące się badaniem dzieł sztuki, ich rejestracją, oceną, ubezpieczeniami, bezpieczeństwem, logistyką, audytem. Blok obsługi prawnej świadczony jest przez organizacje zajmujące się obsługą prawną sprzedaży i zakupu dzieł sztuki, nawiązywaniem stosunków umownych, świadczeniem usług w zakresie reprezentacji i adwokatury sądowej, sprawami spadkowymi oraz różnymi innymi aspektami prawnymi, które pojawiają się w obrocie dziełami sztuki wartości. Organizacje finansowe, w szczególności banki, świadczą wyspecjalizowane usługi i towarzyszą rozwojowi i funkcjonowaniu rynku sztuki.
Do odegrania ważnej roli wzywa się także organizacje kontrolne: różnego rodzaju stowarzyszenia, związki, fundacje monitorujące nielegalne działania podmiotów rynku sztuki, organy podatkowe, celne i inne organizacje. Cywilizowany rynek sztuki nie może prowadzić swojej działalności poza organizacjami informacyjnymi, szeroką gamą mediów, które przyczyniają się do przejrzystości i otwartości tego rynku. Są to specjalistyczne i niezobowiązujące publikacje drukowane i elektroniczne, w których publikowane są opinie środowiska eksperckiego – krytyków i historyków sztuki; jest to działalność działów public relations różnych organizacji, które udostępniają informacje opinii publicznej charakteryzujące działalność niemal wszystkich podmiotów infrastruktury rynku sztuki.
Aby odsłonić istotę rynku sztuki, należy zastanowić się nad jego głównymi funkcjami.
Funkcja informacyjna rynku sztuki. W szerokim znaczeniu jest to informowanie społeczeństwa o twórczości artysty, jest to pole informacyjne, które rozwija się wokół artysty, a mianowicie: całokształt odniesień do artysty w krytyce artystycznej, tekstach i biografiach biograficznych, kościołach, dokumentach historycznych. We współczesnych warunkach szczególną rolę odgrywają profesjonalne media drukowane i elektroniczne. Poszerzeniu pola informacyjnego sprzyja obecność katalogów, monografii o twórczości artysty, które są tradycyjną formą informowania zainteresowanych. Funkcja informacyjna jest jedną z jej najstarszych funkcji.
Pośrednicza funkcja rynku sztuki.Mediacja - ułatwianie zawierania transakcji pomiędzy stronami. W biznesie artystycznym pośrednictwo polega na ułatwianiu transakcji między artystą lub właścicielem dzieła sztuki a nabywcą (rynek pierwotny i wtórny). Może to odbywać się „otwarto”, to znaczy na podstawie stosunków umownych lub nieformalnie, na podstawie umowy prywatnej.
Pośrednikiem może być zarówno osoba prywatna, jak i specjalnie w tym celu utworzona firma. W świecie biznesu tradycyjnymi pośrednikami są dilerzy, galerie, aukcje, salony sztuki. Pośrednik może doprowadzić kupującego bezpośrednio do sprzedającego lub dokonać transakcji w imieniu jednej lub obu stron, szanując przy tym własne interesy handlowe. Jako zapłatę za swoją pracę pośrednik otrzymuje prowizję, czyli określony procent kwoty zapłaconej albo przez jedną ze stron, albo przez obie. Rynek sztuki ma na celu zgromadzenie produktu artystycznego i jego konsumenta na jednej platformie, przyczyniając się do zaspokojenia potrzeb obu stron: artysty i publiczności.
Funkcja cenowa rynku sztuki Problem wyceny w sztuce jest jednym z najtrudniejszych. Działają tu zarówno ogólne prawa cenowe, jak i prywatne, które rozwijają się właśnie w przestrzeni rynku sztuki. Ze względu na dominację w sztuce niepragmatycznych wartości estetycznych często pojawiają się spory, że sztuka nie powinna być traktowana jako towar. Dlatego niektórzy uważają, że sztuka i pieniądze są nie do pogodzenia, podczas gdy inni stoją na stanowisku, że w sztuce tkwią zarówno wartości niepragmatyczne, jak i pragmatyczne, które z przyczyn obiektywnych zmuszone są ze sobą współistnieć.
Dzieło sztuki jest wynikiem talentu i kreatywności artysty, ucieleśnionym w unikalnej materialnej formie. Jest to nie tylko jego wartość duchowa, ale także materialna. W związku z tym rodzi się szczególna gałąź przedsiębiorczości artystycznej, z punktu widzenia której dzieła sztuki traktowane są nie tylko jako wartości duchowe, ale także komercyjne. Powstaje pytanie o wartość materialną dzieła sztuki. Czynniki wpływające na ceny:
§ wiek dzieła;
§ gatunek, w jakim praca jest wykonywana;
§ obecność dzieł mistrza w wiodących kolekcjach muzealnych i galeriach;
§ ogólnie uznana klasa mistrzowska;
§ ocena krytyków;
§ przynależność artysty do określonej epoki;
§ proweniencja obrazu (z angielskiego proweniencja - pochodzenie, źródło).
§ rozmiar obrazu;
§ technika wykonania pracy;
§ poziom innowacyjności, gdyż nowość jest głównym i głównym kryterium twórczości;
§ udział w projektach międzynarodowych;
§ częstotliwość wystaw indywidualnych;
Tak więc ceny w sztukach pięknych zależą od kombinacji czynników obiektywnych i subiektywnych. Do powyższego dodać należy, że istnieją mechanizmy, które mogą znacząco podnieść wartość dzieła sztuki za pomocą szeregu technologii marketingowych związanych np. razy.
Regulacyjna funkcja rynku sztuki Rynek musi regulować podaż i popyt. Wiadomo, że odsetek osób stale zainteresowanych sztuką jest niewielki. Potrzeby, które zaspokaja sztuka, nie są żywotne i egzystencjalne, człowiek może bez nich żyć. Krąg ludzi kształtujących popyt na sztukę jest raczej wąski. Ale sztuka, realizując swoje zadania społeczne, często pełni rolę utrwalacza i tłumacza różnych rzeczywistych stanów społecznych, dlatego popyt na dzieła sztuki może się znacznie różnić w zależności od samego stanu sztuki.
Regulacyjna funkcja rynku sztuki implikuje również ustawodawstwo różnych krajów. W krajach, w których ustawodawstwo i opodatkowanie sztuki jest niekorzystne dla kolekcjonerów, import i eksport dzieł sztuki będzie bardzo różnił się od krajów, w których system podatkowy do tego zachęca.
Stymulująca funkcja rynku sztuki. Rynek zachęca producentów do tworzenia korzyści ekonomicznych, których potrzebuje społeczeństwo, najniższym kosztem i uzyskiwania wystarczających zysków. Tutaj ważnym elementem jest konkurencja, rywalizacja uczestników tego procesu o rynek zbytu. Oznacza to rywalizację artystów o uwagę i uznanie publiczności. Konsekwencją uznania jest wzrost zamówień, wzrost sprzedaży dzieł sztuki. Niemniej jednak swobody gospodarcze przyczyniają się do stopniowego rozwoju społeczeństwa, ale bardziej stymulują konkurencję komercyjną niż artystyczną. Wartość komercyjna sztuki na rynku przeważa nad jej wartością duchową. Jakość sztuki na ogół cierpi w wyniku tego rodzaju konkurencji. Rynek zawsze dąży do uzyskania korzyści, dlatego skupia się na większości, co nieuchronnie prowadzi do obniżenia jakości produktu artystycznego, jego umasowienia. Trzeba jednak wykorzystać mechanizmy rynkowe, aby znaleźć kompromis na rzecz wspierania prawdziwej sztuki.
Wraz z rozwojem rynku sztuki coraz większą rolę w jego działalności zaczynają odgrywać takie formy finansowania sztuki przez przedsiębiorstwa, instytucje czy osoby prywatne jak sponsoring, mecenat, dobroczynność, mecenat, darowizny. Z reguły filantrop jest bezinteresownym mecenasem i finansuje przedsięwzięcia kulturalne, sponsor występuje jako inwestor w projektach, otrzymując część wizerunkowej reklamy lub dochód z zysków po realizacji projektów kulturalnych.
Temat 8
Podobne informacje.