Amerykańscy artyści są bardzo różnorodni. Ktoś był wyraźnym kosmopolitą, jak Sargent. Z pochodzenia Amerykanin, ale prawie całe dorosłe życie mieszka w Londynie i Paryżu.
Są wśród nich także autentyczni Amerykanie, którzy portretowali życie tylko swoich rodaków, jak Rockwell.
Są też artyści nie z tego świata, jak Pollock. Lub tych, których sztuka stała się wytworem społeczeństwa konsumpcyjnego. Chodzi oczywiście o Warhola.
Jednak wszyscy są Amerykanami. Kochający wolność, odważny, bystry. Przeczytaj o siedmiu z nich poniżej.
1. Jamesa Whistlera (1834-1903)
Jamesa Whistlera. Autoportret. 1872 Instytut Sztuki w Detroit, USA. Whistlera trudno nazwać prawdziwym Amerykaninem. Dorastając mieszkał w Europie. I w ogóle spędził dzieciństwo ... w Rosji. Jego ojciec zbudował kolej w Petersburgu.
To tam młody Jakub zakochał się w sztuce, odwiedzając Ermitaż i Peterhof dzięki koneksjom ojca (wtedy były to jeszcze pałace zamknięte dla zwiedzających).
Dlaczego Whistler jest sławny? Niezależnie od stylu, w jakim maluje, od realizmu po tonalizm*, można go niemal natychmiast rozpoznać po dwóch cechach. Niezwykłe kolory i nazwy muzyczne.
Niektóre z jego portretów to imitacje dawnych mistrzów. Jak na przykład jego słynny portret „Matka Artysty”.
Jamesa Whistlera. Matka artysty. Utrzymane w szarości i czerni. 1871 Artysta stworzył niesamowite prace, używając kolorów od jasnoszarego do ciemnoszarego. I trochę żółtego.
Ale to nie znaczy, że Whistler lubił takie kolory. Był niezwykłą osobą. Z łatwością mógł pojawić się w towarzystwie w żółtych skarpetkach iz jasnym parasolem. I to wtedy mężczyźni ubierali się wyłącznie na czarno i szaro.
Ma też dużo lżejsze utwory niż „Matka”. Na przykład Symfonia w bieli. Tak więc zdjęcie nazwał jeden z dziennikarzy na wystawie. Whistlerowi spodobał się ten pomysł. Od tego czasu niemal wszystkie swoje dzieła nazywał muzycznie.
Jamesa Whistlera. Symphony in White # 1. 1862 National Gallery of Washington, USA Ale wtedy, w 1862 roku, Symfonia nie spodobała się publiczności. Ponownie, z powodu charakterystycznych schematów kolorów Whistlera. Ludziom wydawało się dziwne pisać kobietę w bieli na białym tle.
Na zdjęciu widzimy rudowłosą kochankę Whistlera. Całkiem w duchu prerafaelitów. W końcu artysta przyjaźnił się wtedy z jednym z głównych inicjatorów prerafaelizmu, Gabrielem Rossettim. Piękno, lilie, niezwykłe elementy (skóra wilka). Wszystko jest tak, jak być powinno.
Ale Whistler szybko odszedł od prerafaelizmu. Bo nie liczyło się dla niego zewnętrzne piękno, ale nastrój i emocje. I stworzył nowy kierunek - tonalizm.
Jego nokturnowe pejzaże utrzymane w stylistyce tonalizmu wyglądają jak muzyka. Monochromatyczny, lepki.
Sam Whistler powiedział, że nazwy muzyczne pomagają skupić się na samym obrazie, liniach i kolorze. Jednocześnie bez zastanowienia się nad miejscem i przedstawionymi ludźmi.
Jamesa Whistlera. Nokturn w kolorze niebieskim i srebrnym: Chelsea. 1871 Tate Gallery, Londyn 
Maria Kasat. Śpiące dziecko. Pastel, papier. 1910 Muzeum Sztuki w Dallas, USA Jednak do końca pozostała wierna swojemu stylowi. Impresjonizm. Delikatny pastel. Matki z dziećmi.
Ze względu na malarstwo Cassatt porzuciła macierzyństwo. Ale jej kobiecość coraz bardziej przejawiała się właśnie w tak delikatnych pracach, jak Śpiące dziecko. Szkoda, że konserwatywne społeczeństwo postawiło ją kiedyś przed takim wyborem.
3. Jan Sargent (1856-1925)
Johna Sargenta. Autoportret. 1892 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku John Sargent był pewien, że przez całe życie będzie portrecistą. Kariera szła dobrze. Arystokraci ustawili się w kolejce, by go zamówić.
Ale kiedyś artysta przekroczył granicę w opinii społeczeństwa. Trudno nam teraz zrozumieć, co jest tak niedopuszczalne w filmie „Madame X”.
To prawda, że w oryginalnej wersji bohaterka pominęła jeden z braletek. Sargent „wychował” ją, ale to nie pomogło sprawie. Zamówienia spełzły na niczym.
Johna Sargenta. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Co obscenicznego zobaczyła publiczność? I fakt, że Sargent przedstawił modelkę w zbyt pewnej pozie. Ponadto prześwitująca skóra i różowe ucho są bardzo wymowne.
Obraz niejako mówi, że ta kobieta o zwiększonej seksualności nie jest przeciwna przyjmowaniu zalotów innych mężczyzn. Co więcej, będąc w związku małżeńskim.
Niestety, za tym skandalem współcześni nie widzieli arcydzieła. Ciemna sukienka, jasna skóra, dynamiczna poza – proste połączenie, które mogą znaleźć tylko najbardziej utalentowani mistrzowie.
Ale nie ma zła bez dobra. Sargent otrzymał w zamian wolność. Zaczął bardziej eksperymentować z impresjonizmem. Pisz dzieci w nagłych sytuacjach. Tak powstała praca „Goździk, lilia, lilia, róża”.
Sargent chciał uchwycić konkretny moment zmierzchu. Więc pracowałem tylko 2 minuty dziennie, kiedy oświetlenie było odpowiednie. Pracował latem i jesienią. A kiedy kwiaty zwiędły, zastąpił je sztucznymi.
Johna Sargenta. Goździk, lilia, lilia, róża. 1885-1886 Galeria Tate w Londynie W ostatnich dziesięcioleciach Sargent tak bardzo zasmakował wolności, że zaczął całkowicie rezygnować z portretów. Chociaż jego reputacja została już przywrócona. Jednej klientce nawet nieuprzejmie odprawił, mówiąc, że z większą przyjemnością niż twarz pomalowałby jej bramę.
Johna Sargenta. Białe statki. 1908 Muzeum Brooklyńskie, Stany Zjednoczone Współcześni traktowali Sargenta z ironią. Uznając to za przestarzałe w dobie modernizmu. Ale czas postawił wszystko na swoim miejscu.
Teraz jego praca jest warta nie mniej niż praca najsłynniejszych modernistów. Cóż, nie mówiąc już o miłości publiczności i nic nie mów. Wystawy z jego pracami są zawsze wyprzedane.
4. Normana Rockwella (1894-1978)
Normana Rockwella. Autoportret. Ilustracja do numeru The Saturday Evening Post z 13 lutego 1960 roku . Trudno sobie wyobrazić bardziej popularnego artystę za życia niż Norman Rockwell. Na jego ilustracjach wychowało się kilka pokoleń Amerykanów. Kochając je całym sercem.
W końcu Rockwell przedstawiał zwykłych Amerykanów. Ale jednocześnie pokazując swoje życie z jak najbardziej pozytywnej strony. Rockwell nie chciał pokazywać ani złych ojców, ani obojętnych matek. I nie spotkasz z nim nieszczęśliwych dzieci.
Normana Rockwella. Cała rodzina do odpoczynku i od odpoczynku. Ilustracja w Evening Saturday Post, 30 sierpnia 1947 r. Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA Jego prace są pełne humoru, soczystych kolorów i bardzo umiejętnie uchwyconych wyrazów życia.
Ale to złudzenie, że praca została łatwo przekazana Rockwellowi. Aby stworzyć jeden obraz, najpierw robił nawet sto zdjęć ze swoimi modelami, aby uchwycić odpowiednie gesty.
Praca Rockwella wywarła ogromny wpływ na umysły milionów Amerykanów. Przecież często przemawiał za pomocą swoich obrazów.
W czasie II wojny światowej postanowił pokazać, o co walczyli żołnierze jego kraju. Stworzywszy między innymi obraz „Wolność od niedostatku”. W formie Święta Dziękczynienia, w którym wszyscy członkowie rodziny, syci i zadowoleni, cieszą się rodzinnymi wakacjami.
Normana Rockwella. Wolność od pragnienia. 1943 Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA Po 50 latach pracy w Saturday Evening Post Rockwell przeniósł się do bardziej demokratycznego magazynu Look, gdzie mógł wyrażać swoje poglądy na tematy społeczne.
Najjaśniejszym dziełem tamtych lat jest „Problem, z którym żyjemy”.
Normana Rockwella. Problem, z którym żyjemy. 1964 Muzeum Normana Rockwella, Stockbridge, USA To jest prawdziwa historia czarnej dziewczyny, która chodziła do białej szkoły. Odkąd uchwalono prawo, zgodnie z którym ludzie (a co za tym idzie instytucje edukacyjne) nie powinni być już dzieleni według linii rasowych.
Ale gniew mieszkańców nie znał granic. W drodze do szkoły dziewczyna była pilnowana przez policję. Oto taki „rutynowy” moment i pokazał Rockwell.
Jeśli chcecie poznać życie Amerykanów w nieco upiększonym świetle (tak jak sami chcieli je zobaczyć), koniecznie obejrzyjcie obrazy Rockwella.
Być może ze wszystkich malarzy przedstawionych w tym artykule Rockwell jest najbardziej amerykańskim artystą.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrzeja Wyetha. Autoportret. 1945 Narodowa Akademia Projektowania w Nowym Jorku W przeciwieństwie do Rockwella, Wyeth nie był tak pozytywny. Samotnik z natury, nie starał się niczego upiększać. Wręcz przeciwnie, przedstawiał najzwyklejsze pejzaże i rzeczy nie wyróżniające się. Tylko pole pszenicy, tylko drewniany dom. Ale nawet udało mu się zerknąć w nich coś magicznego.
Jego najbardziej znanym dziełem jest Świat Christiny. Wyeth pokazał losy jednej kobiety, swojej sąsiadki. Od dzieciństwa sparaliżowana, czołgała się po okolicy swojej farmy.
Na tym obrazie nie ma więc nic romantycznego, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Jeśli przyjrzysz się uważnie, kobieta ma bolesną szczupłość. A wiedząc, że nogi bohaterki są sparaliżowane, ze smutkiem rozumiesz, jak daleko jest jej jeszcze do domu.
Na pierwszy rzut oka Wyeth napisał najbardziej przyziemne. Oto stare okno starego domu. Odrapana zasłona, która już zaczęła się rozpadać w strzępy. Za oknem ciemnieje las.
Ale w tym wszystkim jest jakaś tajemnica. Jakieś inne spojrzenie.
Andrzeja Wyetha. Wiatr od morza. 1947 Galeria Narodowa w Waszyngtonie, USA Dzięki temu dzieci mogą patrzeć na świat bez mrugnięcia okiem. Podobnie Wyatt. A my z nim.
Wszystkimi sprawami Wyetha zajmowała się jego żona. Była dobrą organizatorką. To ona kontaktowała się z muzeami i kolekcjonerami.
W ich związku było mało romantyzmu. Muzyka musiała się pojawić. I stała się prostą, ale o niezwykłym wyglądzie Helgą. To właśnie widzimy w wielu pracach.
Andrzeja Wyetha. Warkocze (z serii Helga). 1979 Kolekcja prywatna Mogłoby się wydawać, że widzimy tylko fotograficzny wizerunek kobiety. Ale z jakiegoś powodu trudno się od tego oderwać. Jej oczy są zbyt złożone, ramiona napięte. Niejako napinamy się z nią wewnętrznie. Próbuje znaleźć wyjaśnienie tego napięcia.
Przedstawiając rzeczywistość w każdym szczególe, Wyeth magicznie obdarzył ją emocjami, które nie mogą pozostać obojętne.
Artysta długo nie był rozpoznawany. Swoim realizmem, choć magicznym, nie wpisywał się w modernistyczne trendy XX wieku.
Gdy pracownicy muzeum kupowali jego prace, starali się to robić po cichu, nie zwracając na siebie uwagi. Rzadko organizowano wystawy. Ale ku zazdrości modernistów zawsze odnosiły one spektakularny sukces. Ludzie przybywali tłumnie. I wciąż przychodzą.
6. Jacksona Pollocka (1912-1956)
Jacksona Pollocka. 1950 Zdjęcie autorstwa Hansa Namutha Jacksona Pollocka nie da się zignorować. Przekroczył w sztuce pewną granicę, po której malarstwo nie mogło już być takie samo. Pokazał, że w sztuce w ogóle można obejść się bez granic. Kiedy położyłem płótno na podłodze i pochlapałem je farbą.
A ten amerykański artysta zaczął od abstrakcjonizmu, w którym wciąż można prześledzić figuratywność. W jego pracy z lat 40. „Rysunek stenograficzny” widzimy zarysy zarówno twarzy, jak i dłoni. A nawet zrozumiałe dla nas symbole w postaci krzyżyków i zer.
Jacksona Pollocka. Rysunek skrótowy. 1942 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Jego praca była chwalona, ale nie spieszyli się z zakupem. Był biedny jak mysz kościelna. I pił bezwstydnie. Mimo szczęśliwego małżeństwa. Jego żona podziwiała jego talent i robiła wszystko dla sukcesu męża.
Ale Pollock był pierwotnie złamaną osobowością. Od młodości widać było po jego czynach, że przedwczesna śmierć była jego losem.
To załamanie w rezultacie doprowadzi go do śmierci w wieku 44 lat. Ale będzie miał czas na dokonanie rewolucji w sztuce i zdobycie sławy.
Jacksona Pollocka. Jesienny rytm (numer 30). 1950 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, USA I zrobił to w okresie dwóch lat trzeźwości. Mógł owocnie pracować w latach 1950-1952. Długo eksperymentował, aż doszedł do techniki kroplówki.
Rozłożył wielkie płótno na podłodze swojej szopy i chodził po nim, będąc niejako na samym obrazie. I spryskane lub po prostu wylane farbą.
Te niezwykłe obrazy zaczęto od niego chętnie kupować ze względu na ich niesamowitą oryginalność i nowość.
Jacksona Pollocka. Niebieskie filary. 1952 Narodowa Galeria Australii, Canberra Pollock był oszołomiony sławą i wpadł w depresję, nie rozumiejąc, dokąd iść dalej. Śmiertelna mieszanka alkoholu i depresji nie pozostawiła mu żadnych szans na przeżycie. Raz wsiadł za kierownicę bardzo pijany. Ostatni raz.
7. Andy'ego Warhola (1928-1987)
Andy'ego Warhole'a. Zdjęcie z 1979 r. autorstwa Arthura Tressa Tylko w kraju z takim kultem konsumpcji, jakim jest Ameryka, mógł narodzić się pop-art. A jej głównym inicjatorem był oczywiście Andy Warhol.
Zasłynął z tego, że zabierał najzwyklejsze rzeczy i zamieniał je w dzieła sztuki. Tak stało się z puszką zupy Campbella.
Wybór nie był przypadkowy. Matka Warhola codziennie karmiła syna tą zupą przez ponad 20 lat. Nawet kiedy przeprowadził się do Nowego Jorku i zabrał ze sobą matkę.
Andy'ego Warhole'a. Puszki zupy Campbella. Polimer, ręcznie drukowany. 32 obrazy 50x40 każdy. 1962 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Po tym eksperymencie Warhol zainteresował się sitodrukiem. Od tamtej pory fotografował gwiazdy muzyki pop i malował je na różne kolory.
Tak pojawiła się jego słynna malowana Marilyn Monroe.
Wyprodukowano niezliczoną ilość takich kwasowych kolorów Marilyn. Art Warhol włączył się do transmisji. Zgodnie z oczekiwaniami w społeczeństwie konsumpcyjnym.
Andy'ego Warhole'a. Marilyn Monroe. Sitodruk, papier. 1967 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Malowane twarze zostały wymyślone przez Warhola nie bez powodu. I znowu nie bez wpływu matki. Jako dziecko, w czasie przedłużającej się choroby syna, taszczyła mu paczki kolorowanek.
To hobby z dzieciństwa przerodziło się w coś, co stało się jego wizytówką i uczyniło go bajecznie bogatym.
Malował nie tylko gwiazdy muzyki pop, ale także arcydzieła swoich poprzedników. Rozumiem i.
Wenus, podobnie jak Marilyn, zrobiła wiele. Ekskluzywność dzieła sztuki zostaje „wymazana” przez Warhola na proszek. Dlaczego artysta to zrobił?
Popularyzować stare arcydzieła? Lub odwrotnie, spróbować je zdewaluować? By uwiecznić gwiazdy popu? A może doprawić śmierć ironią?
Andy'ego Warhole'a. Wenus Botticelli. Sitodruk, akryl, płótno. 122x183 cm 1982 Muzeum E. Warhola w Pittsburghu, USA Jego malowane dzieła Madonny, Elvisa Presleya czy Lenina są czasem bardziej rozpoznawalne niż oryginalne zdjęcia.
Ale arcydzieła raczej nie zostaną przyćmione. Mimo to pierwotna „Wenus” pozostaje bezcenna.
Warhol był zapalonym imprezowiczem, przyciągającym wielu wyrzutków. Narkomanów, nieudanych aktorów lub po prostu niezrównoważonych osobowości. Jeden z nich kiedyś go postrzelił.
Warhol przeżył. Jednak 20 lat później, w wyniku skutków odniesionej kiedyś rany, zmarł samotnie w swoim mieszkaniu.
amerykański tygiel
Pomimo krótkiej historii sztuki amerykańskiej, zakres jest szeroki. Wśród artystów amerykańskich są impresjoniści (Sargent), realiści magiczni (Wyeth), abstrakcyjni ekspresjoniści (Pollock) i pionierzy pop-artu (Warhol).
Cóż, Amerykanie kochają wolność wyboru we wszystkim. Setki wyznań. Setki narodów. Setki kierunków artystycznych. Dlatego jest tyglem Stanów Zjednoczonych Ameryki.
W kontakcie z
„Książki dają mi ogromne poczucie osobistej i twórczej satysfakcji. Kiedy pracuję nad książką, chciałbym, żeby telefon nigdy nie dzwonił. Moja satysfakcja pochodzi z prawdziwych śladów na papierze”.
Amerykański ilustrator książek dla dzieci, Pinkney Jerry, urodził się 22 grudnia 1939 roku w Germantown. W szkole średniej jego miłość i talent do rysowania zauważył rysownik John Liney, który zachęcił go do kontynuowania kariery artysty. Po ukończeniu Dobbins Vocational School Pinkney otrzymał pełne stypendium na studia w Philadelphia Museum College of Art. Później przeniósł się do Bostonu, gdzie pracował przy projektowaniu i ilustrowaniu, ostatecznie otwierając własne studio, Jerry Pinkney Studio, a później przeniósł się do Nowego Jorku. Pinkney Jerry nadal mieszka i pracuje w Nowym Jorku, przez lata swojej twórczej kariery prowadził seminaria na uniwersytecie, w szkołach artystycznych w całym kraju.
„Chciałem pokazać, co afroamerykański artysta może zrobić w tym kraju w sztukach wizualnych. Chcę być silnym wzorem do naśladowania dla mojej rodziny i innych Afroamerykanów”.
MALARSTWO AMERYKAŃSKIE
Pierwsze dzieła malarstwa amerykańskiego, które do nas dotarły, pochodzą z XVI wieku; są to szkice wykonane przez członków ekspedycji badawczych. Jednak profesjonalni artyści pojawili się w Ameryce dopiero na początku XVIII wieku; jedynym stałym źródłem utrzymania był dla nich portret; gatunek ten zajmował wiodącą pozycję w malarstwie amerykańskim do początku XIX wieku.
okres kolonialny. Pierwsza grupa portretów, wykonanych w technice malarstwa olejnego, pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; w tym czasie życie osadników toczyło się stosunkowo spokojnie, życie się stabilizowało i istniały możliwości dla sztuki. Spośród tych dzieł najsłynniejszy portret pani Frick z córką Marią (1671-1674, Massachusetts Museum of Art w Warster), namalowany przez nieznanego angielskiego artystę. W latach trzydziestych XVIII wieku w miastach wschodniego wybrzeża było już kilku artystów pracujących w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn w Annapolis (1708), Gustav Hesselius w Filadelfii (1712), John Watson w Perth Emboy w New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) i John Smybert (1728) w Bostonie. Malarstwo dwóch ostatnich wywarło znaczący wpływ na twórczość Johna Singletona Copleya (1738-1815), uważanego za pierwszego wielkiego artystę amerykańskiego. Z rycin z kolekcji Pelham młody Copley wpadł na pomysł angielskiego portretu formalnego i malarstwa Godfreya Nellera, czołowego angielskiego mistrza, który pracował w tym gatunku na początku XVIII wieku. W obrazie Chłopiec z wiewiórką (1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) Copley stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i zaskakująco dokładny w przekazywaniu faktury przedmiotów. Kiedy Copley wysłał tę pracę do Londynu w 1765 roku, Joshua Reynolds poradził mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Copley pozostał w Ameryce do 1774 roku i nadal malował portrety, starannie dopracowując w nich wszystkie szczegóły i niuanse. Następnie odbył podróż do Europy iw 1775 osiadł w Londynie; w jego stylu pojawił się manieryzm i cechy idealizacji, charakterystyczne dla ówczesnego malarstwa angielskiego. Do najwspanialszych dzieł wyprodukowanych przez Copleya w Anglii należą duże formalne portrety przypominające prace Benjamina Westa, w tym Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) urodził się w Pensylwanii; po namalowaniu kilku portretów Filadelfijczyków przeniósł się w 1763 roku do Londynu. Tutaj zyskał sławę jako malarz historyczny. Przykładem jego twórczości w tym gatunku jest obraz Śmierć generała Wolfe'a (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). W 1792 roku West zastąpił Reynoldsa na stanowisku prezesa Brytyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk.
Wojna o niepodległość i początek XIX wieku W przeciwieństwie do Copleya i Westa, którzy pozostali na zawsze w Londynie, portrecista Gilbert Stuart (1755-1828) wrócił do Ameryki w 1792 roku, robiąc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się czołowym mistrzem tego gatunku w młodej republice; Stuart malował portrety prawie każdej wybitnej postaci politycznej i publicznej w Ameryce. Jego prace są wykonywane w żywy, swobodny, szkicowy sposób, bardzo odmienny od stylu amerykańskiej twórczości Copleya. Benjamin West zaprosił młodych amerykańskich artystów do swojego londyńskiego studia; jego uczniami byli Charles Wilson Peel (1741-1827) i Samuel FB Morse (1791-1872). Peel stał się założycielem dynastii malarzy i rodzinnego przedsiębiorstwa artystycznego w Filadelfii. Malował portrety, zajmował się badaniami naukowymi i otworzył Muzeum Historii Naturalnej i Malarstwa w Filadelfii (1786). Z jego siedemnaściorga dzieci wielu zostało artystami i przyrodnikami. Morse, lepiej znany jako wynalazca telegrafu, namalował kilka pięknych portretów i jeden z najbardziej imponujących obrazów w całym malarstwie amerykańskim, Luwr. W tej pracy około 37 płócien jest reprodukowanych w miniaturze z niesamowitą dokładnością. Dzieło to, jak wszystkie dzieła Morse'a, miało na celu zapoznanie młodego narodu z wielką kulturą europejską. Washington Allston (1779-1843) był jednym z pierwszych artystów amerykańskich, którzy złożyli hołd romantyzmowi; podczas długich podróży po Europie malował burze morskie, poetyckie sceny włoskie i sentymentalne portrety. Na początku XIX wieku powstały pierwsze amerykańskie akademie artystyczne, które kształciły studentów i brały bezpośredni udział w organizowaniu wystaw: Pennsylvania Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Drawing w Nowym Jorku (1825), której pierwszym prezesem został S. R. Morse . W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku John Trumbull (1756-1843) i John Vanderlyn (1775-1852) namalowali ogromne kompozycje oparte na historii Ameryki, które zdobiły ściany rotundy Kapitolu w Waszyngtonie. W latach trzydziestych XIX wieku pejzaż stał się dominującym gatunkiem w malarstwie amerykańskim. Thomas Cole (1801-1848) malował pustkowie północy (stan Nowy Jork). Twierdził, że zniszczone przez pogodę góry i jasne jesienne lasy są bardziej odpowiednimi tematami dla amerykańskich artystów niż malownicze europejskie ruiny. Cole namalował także kilka pejzaży nasyconych etycznym i religijnym znaczeniem; wśród nich cztery duże obrazy Droga życia (1842, Waszyngton, National Gallery) - alegoryczne kompozycje przedstawiające łódź spływającą po rzece, w której siedzi chłopiec, potem młody mężczyzna, potem mężczyzna i wreszcie starzec. Wielu pejzażystów poszło za przykładem Cole'a i przedstawiało w swoich pracach widoki amerykańskiej przyrody; często są łączone razem pod nazwą „Hudson River School” (co nie jest prawdą, ponieważ pracowali w całym kraju i pisali w różnych stylach). Spośród amerykańskich malarzy gatunkowych najbardziej znani są William Sidney Mount (1807-1868), który malował sceny z życia rolników z Long Island, oraz George Caleb Bingham (1811-1879), którego obrazy poświęcone są życiu rybaków z brzegi Missouri i wybory w małych prowincjonalnych miasteczkach. Przed wojną secesyjną najpopularniejszym artystą był Frederick Edwin Church (1826-1900), uczeń Cole'a. Malował głównie w dużym formacie i wykorzystywał motywy momentami zbyt naturalistyczne, by przyciągnąć i oszołomić publiczność. Church podróżował do najbardziej egzotycznych i niebezpiecznych miejsc, zbierając materiał na obraz południowoamerykańskich wulkanów i gór lodowych mórz północnych; jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest obraz Wodospad Niagara (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery). W latach 60. XIX wieku ogromne płótna Alberta Bierstadta (1830-1902) budziły powszechny podziw dla przedstawionego na nich piękna Gór Skalistych z ich czystymi jeziorami, lasami i strzelistymi szczytami.
Okres powojenny i przełom wieków. Po wojnie secesyjnej w Europie modne stało się studiowanie malarstwa. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza w Paryżu można było zdobyć o wiele bardziej fundamentalne wykształcenie niż w Ameryce. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) i John Singer Sargent (1856-1925) studiowali w Paryżu, mieszkali i pracowali we Francji i Anglii. Whistler był bliski francuskim impresjonistom; w swoich obrazach zwracał szczególną uwagę na zestawienia kolorystyczne oraz wyrazistą, zwięzłą kompozycję. Mary Cassatt na zaproszenie Edgara Degasa brała udział w wystawach impresjonistów w latach 1879-1886. Sargent malował portrety najwybitniejszych ludzi Starego i Nowego Świata w śmiały, impulsywny, szkicowy sposób. Przeciwna strona spektrum stylistycznego impresjonizmu w sztuce końca XIX wieku. zajmowali artyści realiści malujący iluzjonistyczne martwe natury: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederic Peto (1854-1907) i John Haberl (1856-1933). Dwaj główni artyści przełomu XIX i XX wieku, Winslow Homer (1836-1910) i Thomas Eakins (1844-1916), nie należeli do żadnego z modnych wówczas ruchów artystycznych. Homer rozpoczął karierę artystyczną w latach 60. XIX wieku od ilustrowania nowojorskich magazynów; już w latach 90. XIX wieku miał reputację znanego artysty. Jego wczesne obrazy to sceny z wiejskiego życia nasycone jasnym światłem słonecznym. Później Homer zwrócił się ku bardziej złożonym i dramatycznym obrazom i motywom: Prąd Zatokowy (1899, Met) przedstawia rozpacz czarnego marynarza leżącego na pokładzie łodzi na wzburzonym, pełnym rekinów morzu. Thomas Eakins za życia był poddawany ostrej krytyce za nadmierny obiektywizm i bezpośredniość. Teraz jego prace są wysoko cenione za ścisły i wyraźny rysunek; jego pędzel należy do wizerunków sportowców i szczerych, sympatycznych portretów.
XX wiek. Na początku wieku ceniono przede wszystkim naśladownictwo francuskiego impresjonizmu. Publiczny gust został zakwestionowany przez grupę ośmiu artystów: Robert Henry (1865-1929), WJ Glackens (1870-1938), John Sloane (1871-1951), JB 1876-1953), AB Davis (1862-1928), Maurice Prendergasta (1859-1924) i Ernesta Lawsona (1873-1939). Krytycy nazwali ich szkołą „koszów na śmieci” ze względu na ich zamiłowanie do przedstawiania slumsów i innych prozaicznych tematów. W 1913 roku na tzw. „Zbrojownia” pokazała prace mistrzów należących do różnych dziedzin postimpresjonizmu. Artyści amerykańscy byli podzieleni: jedni zwrócili się ku badaniu możliwości koloru i abstrakcji formalnej, inni pozostali przy tradycji realistycznej. Do drugiej grupy należeli Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (ur. 1917) i inni. Obrazy Ivana Albrighta (1897-1983), George'a Tookera (ur. 1920) i Petera Blooma (1906-1992) utrzymane są w stylu "magicznego realizmu" (podobieństwo do natury w ich pracach jest przesadzone, a rzeczywistość bardziej jak sen lub halucynacja). Inni artyści, tacy jak Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) i Georgia O "Keeffe (1887-1986), łączyli w swoich pracach elementy realizmu, kubizmu, ekspresjonizmu i innych nurtów sztuki europejskiej. Marynistyczne widoki Johna Marina (1870-1953) i Marsdena Hartleya (1877-1943) bliskie są ekspresjonizmowi. Wizerunki ptaków i zwierząt na obrazach Maurice'a Gravesa (ur. 1910) zachowały się do dziś związek ze światem widzialnym, choć formy w jego twórczości są mocno zniekształcone i sprowadzone do niemal skrajnych oznaczeń symbolicznych. Po II wojnie światowej malarstwo bezprzedmiotowe stało się wiodącym nurtem w sztuce amerykańskiej. Główną uwagę zwrócono teraz na sama powierzchnia obrazu była postrzegana jako arena interakcji linii, brył i plam barwnych. Ekspresjonizm abstrakcyjny zapanował w tych latach, stając się pierwszym ruchem w malarstwie, który pojawił się w Stanach Zjednoczonych i miał międzynarodowe znaczenie, kierowany przez Arsaila Gorkiego (1904-1948), Willema de Kooninga (Kooninga) (1904-1997), Jacksona Pollocka (1912-1956), Marka Rothko (1903-1970) i Franza Kline'a (1910-1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu była metoda artystyczna Jacksona Pollocka, który kapał farbę na płótno lub rzucał nią, tworząc złożony labirynt dynamicznych linearnych form. Inni artyści tego nurtu - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) i Helen Frankenthaler (ur. 1928) - uprawiali technikę bejcowania płócien. Innym wariantem sztuki nieobiektywnej jest malarstwo Josefa Albersa (1888-1976) i Eda Reinharta (1913-1967); ich obrazy składają się z zimnych, dokładnie obliczonych geometrycznych kształtów. Inni artyści, którzy pracowali w tym stylu, to Ellsworth Kelly (ur. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (ur. 1924), Frank Stella (ur. 1936) i Al Held (ur. 1928); później prowadzili kierunek opt-art. Pod koniec lat 50. sztuce nieobiektywnej sprzeciwiali się Robert Rauschenberg (ur. 1925), Jasper Johns (ur. 1930) i Larry Rivers (ur. 1923), zajmujący się mediami mieszanymi, w tym techniką asamblażu. W swoich „obrazach” umieszczali fragmenty fotografii, gazet, plakatów i innych przedmiotów. Na początku lat 60. ze zgromadzenia zrodził się nowy ruch, tzw. pop-artu, którego przedstawiciele bardzo starannie i dokładnie odtwarzali w swoich pracach różnorodne przedmioty i obrazy amerykańskiej popkultury: puszki Coca-Coli i konserwy, paczki papierosów, komiksy. Czołowymi artystami tego nurtu są Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (ur. 1933), Jim Dine (ur. 1935) i Roy Lichtenstein (ur. 1923). W ślad za pop-artem pojawił się opt art, oparty na zasadach optyki i iluzji optycznej. W latach 70. w Ameryce nadal istniały różne szkoły ekspresjonizmu, geometryczny hard-edge, pop-art, coraz bardziej modny fotorealizm i inne style sztuk pięknych.
LITERATURA
Czegodajew AD Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki od wojny o niepodległość do współczesności. M., 1960 Czegodajew A.D. Sztuka Stanów Zjednoczonych Ameryki. 1675-1975. Malarstwo, architektura, rzeźba, grafika. M., 1975
Encyklopedia Colliera. - Społeczeństwo otwarte. 2000 .
Zobacz, co „MALARSTWO AMERYKAŃSKIE” znajduje się w innych słownikach:
Codzienne sceny i pejzaże amerykańskich artystów z lat 20. i 30., wykonane w naturalistyczny, opisowy sposób. Amerykańskie malarstwo rodzajowe nie było zorganizowanym ruchem, było szeroko rozpowszechnione wśród amerykańskiej… Wikipedii
- „Wesele chłopskie”, 1568, Pieter Brueghel, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń ... Wikipedia
Współrzędne: 29°43′32″s. cii. 95°23′26″ szer / 29,725556° N cii. 95,390556° W itp. ... Wikipedii
Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku- Jedno z największych muzeów na świecie i największe muzeum sztuki w Stanach Zjednoczonych - Metropolitan Museum of Art, zlokalizowane w Nowym Jorku po wschodniej stronie Central Parku na Manhattanie. Miejsce to znane jest jako Mila Muzeów…… Encyklopedia newsowców
Wikipedia zawiera artykuły o innych osobach o tym nazwisku, patrz Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 lutego 1945 (19450222), Moskwa, 27 czerwca 2001, Moskwa) jest rosyjską historyczką sztuki, krytykiem i muzealnikiem. Spis treści 1 ... ... Wikipedia
Jedno z największych muzeów sztuki w USA. Założona w Bostonie w 1870 r. Przechowuje wybitne przykłady rzeźby ze starożytnego Egiptu (popiersie Ankhhaf, III tysiąclecie pne), Grecji i Rzymu, tkaniny koptyjskie, średniowieczną sztukę Chin i Japonii ... ... Wielka radziecka encyklopedia
- (De Kooning, Willem) DE Kooning w swoim studio. (1904-1997), współczesny artysta amerykański, kierownik szkoły abstrakcyjnego ekspresjonizmu. De Kooning urodził się 24 kwietnia 1904 roku w Rotterdamie. W wieku 15 lat zapisał się na wieczorowe kursy malarstwa ... ... Encyklopedia Colliera
- (Chattanooga) miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych (patrz Stany Zjednoczone Ameryki) (Tennessee); port na rzece Tennessee w Wielkiej Dolinie Appalachów; położone między Appalachami a płaskowyżem Cumberland, na granicy ze stanem Georgia. Ludność 153,6 tys. ... ... Encyklopedia geograficzna
- (Chattanooga), miasto w południowo-wschodnich Stanach Zjednoczonych, Tennessee. Port na rzece. Tennessee. 152 tys. mieszkańców (1994; z przedmieściami ok. 430 tys. mieszkańców). Przemysł chemiczny, włókienniczy, celulozowo-papierniczy. Metalurgia żelaza, inżynieria mechaniczna. ... ... słownik encyklopedyczny
Barbara Rose (ur. 1938) jest amerykańską historyczką i krytyczką sztuki. Studiowała w Smith College, Barnard College i Columbia University. W latach 1961-1969 była żoną artysty Franka Stelli. W ... ... Wikipedii
Książki
- Obrazy angielskie i amerykańskie w Washington National Gallery (miękka okładka), EG Milyugina, Washington National Gallery posiada największe na świecie kolekcje wysokiej jakości obrazów angielskich i amerykańskich. Zbiory odzwierciedlają zarówno historię malarstwa światowego,… Kategoria:
) w swoich ekspresyjnych zamaszystych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla, płynne kołysanie statku na falach.
Jej obrazy zachwycają głębią, objętością, nasyceniem, a faktura jest taka, że nie sposób oderwać od nich wzroku.
Ciepła prostota Valentina Gubareva
Artysta prymitywny z Mińska Walentin Gubariew nie goniąc za sławą i po prostu robiąc to, co kocha. Jego twórczość jest szalenie popularna za granicą, ale prawie nieznana jego rodakom. W połowie lat 90. Francuzi pokochali jego codzienne szkice i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które zdawałoby się powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności i rozpoczęły się wystawy w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.
Zmysłowy realizm Siergieja Marszennikowa
Siergiej Marszennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterki jego obrazów są delikatne i bezbronne w swoich półnagich kobietach. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.
Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa
We współczesnej erze obrazów o wysokiej rozdzielczości i rozkwitu hiperrealizmu prace Philipa Barlowa natychmiast przyciągają uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak osoby cierpiące na krótkowzroczność widzą świat bez okularów i soczewek kontaktowych.
Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parceliera
Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz w nim ponurych i deszczowych obrazków. Na jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jaskrawych kolorów, które artysta nakłada charakterystycznymi rozpoznawalnymi pociągnięciami. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysięcy promieni słonecznych.
Urban Dynamics w pracach Jeremy'ego Manna
Olej na drewnianych panelach autorstwa amerykańskiego artysty Jeremy'ego Manna maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii. „Abstrakcyjne formy, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje uczucie, którego człowiek doświadcza w miejskim tłumie, ale potrafi też wyrazić spokój płynący z kontemplacji cichego piękna” – mówi artysta.
Iluzoryczny świat Neila Simona
Na obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone (Neil Simone) wszystko nie jest tym, czym wydaje się na pierwszy rzut oka. „Dla mnie świat wokół mnie to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” — mówi Simon. A na jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i wzajemnie powiązane. Granice są zmywane, a historie płyną jedna w drugą.
Dramat miłosny Josepha Lorasso
Urodzony we Włoszech współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso przenosi na płótno sceny, które widział w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne impulsy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.
Życie na wsi Dmitrija Levina
Dmitry Levin jest uznanym mistrzem rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego sztuki jest przywiązanie do natury, którą czule i namiętnie kocha i czuje się jej częścią.
Jasny Wschód Valery Błochin
Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe, a rzeczywistość jest bardziej bajeczna niż fikcja – tak myśli współczesny artysta Walerij Błochin. W malarstwie Valery najbardziej kocha kolor. Jego prace są zawsze eksperymentem: nie wynikają z postaci, jak większość artystów, ale z plamy barwnej. Błochin ma swoją specjalną technikę: najpierw nakłada na płótno abstrakcyjne plamy, a potem wykańcza rzeczywistość.
Oryginał zaczerpnięty z vanatik05 w MALARSTWIE AMERYKAŃSKIM - 5 (Tradycje realistyczne w XX wieku)
W 1913 roku Stowarzyszenie Amerykańskich Malarzy i Rzeźbiarzy zorganizowało pierwszą dużą Międzynarodową Wystawę Sztuki Nowoczesnej, Armory Show, w zbrojowni Gwardii Narodowej przy Lexington Avenue. Stało się ważnym wydarzeniem w historii sztuki amerykańskiej, wywołało różne emocje: zdziwienie, podziw, oburzenie, uwielbienie i całkowite odrzucenie przez amerykańską publiczność, przyzwyczajoną do realizmu, w pewnym stopniu do impresjonizmu, ale nie do awangardowej sztuki europejskiej które widziała na tej wystawie. 1300 obrazów, rzeźb i dzieł zdobniczych autorstwa ponad 300 współczesnych artystów europejskich i amerykańskich odwiedziło nie tylko Nowy Jork, ale także Chicago i Waszyngton.
W recenzjach wystawy padały oskarżenia o niemoralność, nieprofesjonalizm, szaleństwo, szarlatanizm, wiele prac nazywano karykaturami i parodiami malarstwa, a Theodore Roosevelt powiedział: „To wcale nie jest sztuka!”
Władze cywilne jednak nie interweniowały i nie próbowały zamknąć wystawy, a afery wokół niej tylko przyczyniły się do udanej sprzedaży wielu dzieł, które można dziś oglądać w muzeach amerykańskich, a MoMA (The Museum of Modern Art) można ogólnie uznać za spadkobiercę i następcę tych pierwszych wystaw sztuki współczesnej.
Pośrednio wpłynęło to na artystów kierunku realistycznego, a tradycje realistyczne w Ameryce nigdy nie umarły, nie tylko przyczyniło się do zmian w technice rysunkowej, w tematyce fabularnej, ale nawet dało początek takim nowym nurtom w malarstwie jak „realizm magiczny” *
I jego odgałęzienie – „precyzjonizm”**, charakterystyczny dla artystów amerykańskich,
I urodzony w Ameryce ruch artystyczny „regionalizm” *** (lub regionalizm).
Tutaj porozmawiamy o artystach, przedstawicielach różnych dziedzin sztuki realistycznej w Ameryce XX wieku.
Charlesa Burchfielda(1893-1967), jeden z najwybitniejszych akwarelistów w Ameryce, malujący swoje obrazy przy sztalugach techniką „suchego pędzla”, wcześnie (do 1915 roku) wypracował własny styl neorealistyczny, łączący tendencje modernistyczne, tradycyjne malarstwo chińskie i elementy z fowizmu.
Przez całe swoje twórcze życie zmieniał kierunki i techniki, malował pejzaże i obrazy o tematyce historycznej, sceny obserwowane z okna swojego domu oraz kwiaty „halucynacyjne”, w duchu realizmu magicznego, widoki natury i jej boskiej mocy.
Na jego cześć w 1966 roku powstało Buffalo Nature and Arts Centre, zwane Birchfield Penny Art Center, które obejmuje również największą na świecie kolekcję dzieł artysty.
Reginalda Marsha(1898-1954), urodzony w Paryżu, w zamożnej rodzinie artystów, był uczniem D. Sloana, znanego przede wszystkim jako malarz i ilustrator scen miejskich, życia ulicznego, nowojorskich plaż.
Jego obrazy odznaczają się dokumentalną dokładnością, przepojoną ironiczną miłością do postaci, dużo malował do burleski i wodewilu, uważając je za „teatr zwykłego człowieka, wyrażający humor i fantazje biednych, starych i brzydkich”.
Pracował olejem i tuszem, akwarelą, temperą jajeczną, a swoje twórcze życie rozpoczął od litografii. Jego styl można określić jako „socrealizm”, szczególnie wyraźny w latach Wielkiego Kryzysu, a oddanie starym mistrzom, których twórczość wielbił, doprowadziło do powstania dzieł zawierających religijne metafory.
Na krótko przed śmiercią na atak serca Marsh otrzymał Złoty Medal Grafiki Amerykańskiej Akademii Sztuk.
Fairfielda Portera(1907-1975) urodził się w rodzinie architekta i poetki, studiował na Harvardzie i w Lidze Studentów Amerykańskich, przez całe życie trzymał się realizmu, malował głównie pejzaże i portrety rodziny i przyjaciół, starając się wydobyć niezwykłe w zwykłym życiu, aby było piękniejsze.
W jego twórczości wyczuwalny jest wpływ jego ojca, architekta, twórczość Velasqueza, a później artystów Bonnarda i Vuillarda, uważał, że „impresjonizm jest w stanie malarskie odtworzyć obecność rzeczywistości”.
Być może brak dobrych nauczycieli malarstwa olejnego, ostrożny stosunek do zmysłowości i naturalizmu, charakterystyczny dla wielu Amerykanów tamtych lat, pomaga wyjaśnić nieco prymitywny charakter twórczości Portera, niezręczność, sztywność jego postaci, ich statyczny charakter.
I dopiero w późniejszych pracach zaczyna przekraczać granicę między impresjonizmem a fowizmem, jego rysunek staje się bardziej swobodny, kolory są jaśniejsze, w pracach jest więcej światła.
Edwarda Hoppera(1882-1967) urodził się w Nyack, w centrum budowy jachtów na rzece Hudson, w zamożnej rodzinie pochodzenia holenderskiego. Hopper już w wieku 5 lat ujawnił swój talent artystyczny, rodzice zaszczepili w nim miłość do sztuki francuskiej i rosyjskiej, rozbudzali w nim pasję do malarstwa i różnorodne zainteresowania.
Hopper pracował piórem i atramentem, węglem drzewnym, akwarelą, olejem i litografią, malując portrety i pejzaże morskie, karykatury polityczne i rysunki z życia. W twórczości Hoppera można się domyślić wpływu Roberta Henry'ego, jednego z jego nauczycieli, oraz Maneta z Degasem,
William Chase i Rembrandt, zwłaszcza jego „Straż nocna”, a mieszkając w Paryżu, rysując sceny na ulicach, w kawiarniach i teatrach, pozostał w tradycjach sztuki realistycznej, choć niektórzy badacze przypisują jego twórczość precyzji ze względu na wyraźny geometryczny kształty, mechaniczność, sterylność i pustkę przestrzeni.
Powiedział, że jego „ulubioną rzeczą w malarstwie jest światło słoneczne na ścianie domu”. Podczas Wielkiego Kryzysu Hopper miał więcej szczęścia niż wielu innych artystów - nadal co roku wystawiał i dobrze się sprzedawał przez całe swoje późniejsze życie.
Jego twórczość wywarła ogromny wpływ nie tylko na sztuki wizualne, ale także na kino dzięki jego filmowym kompozycjom i dramatycznemu wykorzystaniu światła i ciemności.
Paweł Kadmos(1904-1999), przedstawiciel nurtu „realizmu magicznego”, łączył w swojej twórczości elementy erotyki i krytyki społecznej,
zyskał rozgłos dzięki wyraźnie homoseksualnym motywom w swoich obrazach i przedstawieniach nagich postaci męskich.
Urodził się w biednej rodzinie artysty, jego ojciec zachęcał chłopca do rysowania, w wieku 14 lat zapisał się na kursy w National Academy of Design, a następnie w Akademii. Dużo podróżował z przyjaciółmi, malował wielkie płótna odzwierciedlające jego wrażenia z Europy, malował wielopostaciowe obrazy z życia rybaków, marynarzy, sceny z życia miejskiego,
A po spotkaniu z impresario i baletnicą Kirsten, Cadmus dostał wiele prac o tematyce baletowej, głównie przedstawiających tancerzy.
Paul Cadmus żył długo i zmarł w wieku 95 lat w ramionach swojego przyjaciela i stałego wzoru, który towarzyszył mu przez ostatnie 35 lat życia. Cadmus lubił powtarzać słowa Ingresa: „Ludzie mówią, że moje obrazy nie nadają się na ten czas. Może się mylą i tylko ja nadążam za duchem czasu.
Iwan (Iwan) Albright(1897-1983), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli realizmu magicznego, urodził się wraz z bratem bliźniakiem w rodzinie artysty.
Bracia byli nierozłączni przez większość życia, obaj studiowali w Instytucie Sztuki w Chicago, brat Malvin został rzeźbiarzem, a Ivan został artystą, ale zaczynał jako architekt, a w czasie I wojny światowej wykonywał rysunki medyczne dla szpitala w Nantes. Zawsze był bardzo wymagający w stosunku do swojej pracy, starannie rozpisując wszystkie szczegóły i poświęcając wiele swoich prac tak złożonym tematom, jak życie i śmierć, materialność i duch, wpływ czasu na wygląd i wewnętrzny świat człowieka.
Taka praca wymagała dużo czasu, dlatego sprzedaże były rzadkie, wiele obrazów pozostało w jego posiadaniu. Albright tworzył własne farby i węgiel drzewny, miał obsesję na punkcie oświetlenia do tego stopnia, że nosił czarne ubrania i malował swoje studio na czarno, aby zapobiec odblaskom.
Malował realistycznie, ale z przesadną szczegółowością, uwielbiał obserwować upływ czasu i tylko w ciągu ostatnich 3 lat swojego życia namalował ponad 20 autoportretów odzwierciedlających zmiany zachodzące w człowieku.
George'a Clare'a Tookera Jr. (1920-2011), którego twórczość reprezentuje nurty socrealizmu i realizmu magicznego, urodził się w rodzinie o korzeniach anglo-francusko-hiszpańsko-kubańskich i amerykańskich, studiował literaturę angielską na Harvardzie za namową rodziców, ale większość czasu poświęcał malarstwu.
Po służbie w Korpusie Piechoty Morskiej, skąd został zwolniony ze względu na zły stan zdrowia, uczęszczał na kursy Ligi Studentów Plastyki, dużo pracował w technice tempery jajecznej, podziwiał sztukę włoskiego renesansu.
Obrazy Tookera przedstawiają sceny z codziennego życia Amerykanów, postacie ludzkie na nich są często nieokreślone rasowo i seksualnie, wyrażające samotność, izolację i anonimowość.
Przywiązywał dużą wagę do zachowania proporcji geometrycznych i symetrii, dlatego malował bardzo wolno - nie więcej niż dwa obrazy rocznie. Od swojej pierwszej dużej wystawy w 1951 roku Tooker konsekwentnie wystawiał z powodzeniem i ma swoje prace w największych muzeach w Ameryce.
Piotr Bluma(Peter Blum) - (1906-1992), malarz i rzeźbiarz, w twórczości którego obecne są elementy precyzji, puryzmu, kubizmu, surrealizmu i sztuki ludowej. Urodził się w Rosji w rodzinie żydowskiej, która wyemigrowała do Ameryki w 1912 roku i osiedliła się na Brooklynie.
Po studiach artystycznych w różnych instytucjach edukacyjnych otworzył własną pracownię pod patronatem rodziny Rockefellerów. Podobnie jak wielu współczesnych mu realistów, był miłośnikiem renesansu, podróżował po Włoszech, jego pierwszym obrazem, który zyskał uznanie w 1934 roku - „Wieczne miasto”, odgaduje obraz Mussoliniego, jak diabeł z pudełka, opuszczenie Koloseum.
Jego prace, często przedstawiające zniszczenia, można jednak interpretować jako symbole odbudowy i odnowy po II wojnie światowej, takie jak kamienie, nowe belki, postacie robotników.
Styl artystyczny Blume'a był interesującą hybrydą amerykańskich i europejskich stylów artystycznych, nazywany jest „artystą opowiadania baśni”.
Andrew Newella Wyetha(1917-2009), przedstawiciel nurtu realizmu z przewagą regionalizmu, urodził się w rodzinie ilustratora, który dbał o rozwój talentów pięciorga dzieci, przyzwyczajał je do dobrej literatury, muzyki i studiów przyrodniczych . Sam ojciec uczył swoje dzieci w domu i wszystkie były utalentowane: artyści, muzycy, kompozytorzy, wynalazcy.
Ich dom był kreatywnym środowiskiem, często odwiedzanym przez gwiazdy, takie jak Scott Fitzgerald i Mary Pickford. Sam Wyeth, o dziwo, uważał się za abstrakcjonistę, przywiązywał wielką wagę do zrozumienia głębokiego znaczenia prostych przedmiotów, ulubionym tematem jego obrazów była ziemia i ludzie wokół niego.
Jego najsłynniejszy obraz, Świat Christiny, przedstawia dziewczynę z sąsiedniej farmy, niepełnosprawną przez polio, czołgającą się samotnie w kierunku odległego domu.
Jednej kobiecie, Heldze Testorff, zadedykowano 247 obrazów i rysunków, a on studiował ją w różnych sceneriach i stanach emocjonalnych, co jest wyjątkowym doświadczeniem w sztuce amerykańskiej.
Chociaż Wyeth ma wiele doskonałych technicznie dzieł i miał wielu zwolenników, jego sztuka jest uważana za kontrowersyjną, a historyk sztuki Rosenblum opisał go jako „najbardziej przereklamowanego i niedocenianego” artystę.
Granta Wooda(1891-1942), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli regionalizmu, urodził się w Iowa, wcześnie stracił ojca, pracował w sklepie żelaznym, studiował w szkole artystycznej, a następnie w Chicago Art Institute.
Młody Grant podróżował do Europy 4 razy, aby studiować style malarskie, zwracając szczególną uwagę na impresjonizm i postimpresjonizm, ale podziwiał twórczość Van Eycka i marzył o połączeniu nowoczesnych metod z jasnością, klarownością, głębią sztuki średniowiecznej w swojej twórczości.
Nic dziwnego, że jego najsłynniejszy obraz nosi tytuł „Amerykański gotyk”, odzwierciedla tradycyjny XIX-wieczny pogląd na role kobiet i mężczyzn w Ameryce, obraz był odbierany niejednoznacznie, niektórzy uznawali go za karykaturę, a gazety parodiowały go na różne sposoby sposoby.
Później, ucząc malarstwa na University of Iowa, Wood stał się kluczową postacią w kulturalnym społeczeństwie uniwersytetu, ale z powodu plotek o jego homoseksualnym romansie z osobistym sekretarzem Wood został zwolniony i wkrótce zmarł na raka trzustki.
Thomasa Harta (Harta) Bentona(1889-1975) urodził się w rodzinie polityków, jego ojciec, pułkownik, prawnik i filantrop, był czterokrotnie wybierany do Kongresu. Ojciec chciał, aby jego syn poszedł w jego ślady, ale chłopiec interesował się sztuką, matka poparła jego wybór i wstąpił do Art Institute of Chicago, a następnie wyjechał do Paryża, aby kontynuować studia w Akademii Juliana.
Po powrocie do Ameryki, kontynuując malowanie, służył w czasie I wojny światowej w marynarce wojennej Stanów Zjednoczonych, pracując nad tworzeniem obrazów kamuflażu statków i stoczni, co wymagało realistycznego, dokumentalnego obrazu, a później wpłynęło na jego styl. Na początku lat 20. Benton ogłosił się „wrogiem modernizmu”, stał się jednym z czołowych przedstawicieli regionalizmu i wyznawał poglądy „lewicowe”.
Zainteresował się El Greco, wpływ jego twórczości widać w pracy nad ogromnymi freskami, odzwierciedlającymi różne etapy i wydarzenia z życia kraju.
Benton wykładał w Art Students League w Nowym Jorku, wielu jego uczniów stało się znanymi artystami (Hopper, Pollack, Marsh), ale został zwolniony za potępienie nadmiernego wpływu homoseksualistów na świat sztuki. Po drugiej wojnie światowej regionalizm jako kierunek stracił na znaczeniu, Benton nadal malował freski,
działał aktywnie przez około 30 lat, ale nie miał swojej dawnej popularności.
Johna Stewarta Curry'ego(1897-1946) urodził się na farmie w Kansas, opiekował się zwierzętami, lubił lekkoatletykę, od dzieciństwa otaczały go reprodukcje obrazów Rubensa i Doré, co miało wpływ na jego późniejszy wybór stylu artystycznego.
John studiował w Instytucie Sztuki w Chicago, pracował jako ilustrator czasopism, spędził rok w Paryżu studiując prace Courbeta, Daumiera, Tycjana i Rubensa. Po powrocie do USA pracował przez chwilę w swoim warsztacie, podróżował z cyrkiem, został mianowany pierwszym artystą na Uniwersytecie Wisconsin-Madison, podróżował po kraju promując rozwój sztuki w społecznościach rolniczych.
Malował dla Departamentu Sprawiedliwości w Waszyngtonie i dla Kapitolu w Kansas. Carrey był jednym z trzech (Bentona i Wooda) filarów amerykańskiego regionalizmu, co było szczególnie istotne podczas Wielkiego Kryzysu.
Przedstawiał sceny pracy, rodziny i ziemi oraz zarządzania katastrofami, aby pokazać światu wytrwałość, ciężką pracę i wiarę ludzi, które Carrey uważał za esencję amerykańskiego życia.
Szczerze mówiąc mało inspiruję się realistami w ogóle, interesują mnie prace tylko poszczególnych przedstawicieli realizmu magicznego (Cadmus, Bloome, Hopper), ale generalnie ten okres w sztuce amerykańskiej nie jest mi bliski , co mogę zrobić.
Następna i ostatnia część poświęcona będzie współczesnej sztuce amerykańskiej. Kończy się być...
Jak zwykle pokaz slajdów z większą ilością zdjęć i dobrą muzyką:
* magiczny realizm- Jako ruch artystyczny, realizm magiczny rozwinął się na amerykańskiej ziemi, stając się odpowiednikiem europejskiego surrealizmu. Pod wieloma względami odpowiadające gustom i potrzebom amerykańskiej publiczności, dzieła mistrzów realizmu magicznego były szokujące, szokujące w swojej szczerości, a łącząc ją z anegdotą sytuacji i karykaturą postaci, rzeczywistość bardziej przypominała niespokojny sen lub halucynacyjne delirium.
**Precyzja, czyli prezygizm (angielska precyzja – dokładność, wyrazistość) – kierunek charakterystyczny dla malarstwa amerykańskiego lat 30., rodzaj realizmu magicznego. Głównym tematem dla precyzistów jest obraz miasta, głównym tematem jest mechanistyczna estetyka, przestrzeń obrazów jest sterylna, wydaje się, że zostało z nich wypompowane powietrze, nie ma w niej człowieka.
***Regionalizm lub regionalizm (z ang. regional – lokalny) – kierunek artystyczny w sztuce Stanów Zjednoczonych lat 1920-1940, który opierał się na chęci stworzenia sztuki prawdziwie amerykańskiej w przeciwieństwie do ruchów awangardowych pochodzących z Europy. Zainspirowani ideami tożsamości narodowej artyści regionaliści skupili się na portretowaniu „autentycznej” Ameryki. Tematyką ich prac są amerykańskie pejzaże, sceny z życia farmerów, życie małych miasteczek, epizody z historii, lokalne legendy i podania ludowe.