Uno di artisti eccezionali secolo scorso, René Magritte (1898-1967) era belga. Nel 1912, sua madre si annegò nel fiume, cosa che a quanto pare ebbe una grande impressione sul futuro artista, allora ancora adolescente; tuttavia, contrariamente alla credenza popolare, l'influenza di questo evento sull'opera dell'autore non deve essere sopravvalutata. Magritte riportò dalla sua infanzia una serie di altri ricordi, non così tragici, ma non per questo meno misteriosi, che secondo lui si riflettevano nel suo lavoro.
Formatosi all'Accademia di Belle Arti di Bruxelles, inizialmente fu fortemente influenzato dal Dada e dal Cubismo. L'anno 1925 fu un punto di svolta nel suo lavoro: il dipinto “Le rose della Piccardia” segnò un nuovo stile e un nuovo atteggiamento: il “realismo poetico”. L'artista si trasferisce nel “centro del surrealismo” - Parigi, dove partecipa a tutte le mostre surrealiste. E nel 1938, la prima grande mostra del maestro belga fu organizzata dalla Galleria d'arte di Londra.
All'inizio degli anni '50. L'arte di Magritte è in continua espansione Riconoscimento internazionale, come testimonia il suo grandi mostre a Roma, Londra, New York, Parigi, Bruxelles. Nel 1956, Magritte, in quanto eccezionale rappresentante della cultura belga, ricevette il prestigioso Premio Guggenheim.
La caratteristica principale di Magritte è l'atmosfera di mistero nelle sue opere. Il senso del mistero, come sappiamo, è insito nella vera arte. "Ho sempre considerato Magritte un artista immaginario, un maestro al livello di Giorgione", ha scritto Herbert Read. In queste parole è racchiusa la chiave della poetica di Magritte.
Nel dipinto “False Mirror” (1929), che esprimeva il credo ideologico dell’artista, l’intero spazio è occupato dall’immagine di un enorme occhio. Solo che al posto dell'iride lo spettatore vede un cielo azzurro estivo con nuvole trasparenti che fluttuano su di esso. Il titolo spiega l'idea del dipinto: i sensi riflettono solo l'aspetto esteriore delle cose, senza trasmettere la profondità nascosta del mondo, i suoi segreti. Solo l'incompatibile aiuta, secondo Magritte, a cogliere il senso dell'esistenza. Un'immagine può nascere solo dalla convergenza di due realtà più o meno distanti.
Magritte seguirà sempre questo metodo percorso creativo, che è particolarmente evidente nei suoi dipinti “filosofici”. Uno di questi è “Le vacanze di Hegel” (1958).
"Il mio ultimo dipinto", scrisse, "è iniziato con una domanda: come rappresentare un bicchiere d'acqua in un quadro in modo tale che non ci sia indifferente? Ma allo stesso tempo, in modo tale che non sarebbe particolarmente bizzarro, arbitrario o insignificante, anzi, in una parola tanto da poter dire: geniale (lasciamo da parte le inutili vergogne).
Ho iniziato a disegnare gli occhiali uno per uno (tre schizzi), ogni volta con un tratto incrociato (schizzo). Dopo il centesimo o il centocinquantesimo
disegno, il tratto è diventato leggermente più ampio (schizzo). All'inizio l'ombrello stava all'interno del vetro (schizzo), ma poi è finito sotto (schizzo).
Così ho trovato una soluzione alla domanda iniziale: come si può rappresentare un bicchiere d'acqua in modo brillante? Ben presto mi resi conto che questo argomento poteva interessare molto Hegel (anche lui è un genio), perché il mio soggetto unisce due opposti
aspirazioni: non vuole l'acqua (la respinge) e vuole l'acqua (la raccoglie). Penso che gli sarebbe piaciuto o l'avrebbe trovato divertente (ad esempio durante le vacanze). Ecco perché ho intitolato il dipinto "Le vacanze di Hegel".
Magritte si distingue nettamente tra i surrealisti: a differenza di loro, utilizza elementi non fantastici, ma quotidiani, presi in rapporti bizzarri. Questo è suo famoso dipinto"Bene personale" (1952).
La “chiave” qui diventa anche il nome. Il “personale” è ipertrofizzato fino a raggiungere proporzioni mostruose. La stanza si trasforma in una sorta di “microcosmo”, chiuso, compresso, nonostante il cielo sia attraversato da nuvole al posto dei muri. Tutte le cose qui sono stranamente cambiate, come se avessero preso vita, acquisito un aspetto non utilitaristico, anche se, come sempre con Magritte, gli oggetti non hanno cambiato aspetto, consistenza, colore e sono perfettamente “riconoscibili”. Lo spettatore, come di sfuggita, ammira la lucentezza bluastra del vetro, la trama dei mobili in legno e l'abilità di trasmettere i riflessi dello specchio. Ma proprio di passaggio, perché gli oggetti sembrano aver acquisito autonomia, come se parlassero a nome del loro proprietario, usurpando completamente il suo ruolo di “protagonista”. Loro stessi sono diventati “personalità” e sembrano conversare tra loro.
Una delle caratteristiche della pittura del primo Magritte è la sua “letterarietà”. in un buon modo parole. Magritte si muove in una cerchia di poeti, filosofi, scrittori, studi lavoro teorico famosi romantici del XIX secolo. Fu fortemente influenzato dalle opere del poeta e filosofo romantico inglese dell'inizio del XIX secolo. Samuel Taylor Coleridge, che prima di tutto venerava il simbolismo nell'arte - una tale "completa subordinazione della materia allo spirito che la materia si trasforma in un simbolo attraverso il quale lo spirito si rivela".
Questa idea è illustrata, in particolare, dal famoso dipinto di Magritte “Liberazione” (“Fuga nei campi”), creato nel 1933.
Da lì si apre uno strano paesaggio finestra rotta. Colline serali verdastre, alberi blu sferici, cielo madreperlato trasparente, distanze blu. Utilizzando brillantemente le tecniche della pittura tonale, l'artista crea un'atmosfera di gioiosa euforia, aspettativa di qualcosa di insolito e meraviglioso. La tonalità calda delle tende in primo piano rafforza l’impressione di ariosità di questo paesaggio incantato... I dipinti di Magritte sembrano realizzati con mano calma e intrepida. Maestro del colore, Magritte lo usa con parsimonia e parsimonia. In "Liberation" il simbolismo del colore viene utilizzato per esprimere associazioni complesse. Macchie di blu, rosa, giallo e nero conferiscono all'immagine una straordinaria pienezza e vivacità dei colori.
L'originalità del lavoro di Rene Magritte sarà rivelata più pienamente se passiamo all'argomento "Surrealismo e freudismo". Il principale teorico del surrealismo, Andre Breton, psichiatra di professione, attribuiva un'importanza decisiva alla psicoanalisi di Freud nel valutare il lavoro dell'artista. Le opinioni freudiane non solo furono adottate da molti surrealisti, ma divennero anche il loro modo di pensare. Ad esempio, per Salvador Dalì, per sua stessa ammissione, il mondo delle idee di Freud significava tanto quanto il mondo delle Scritture. artisti medievali o pace mitologia antica- per i maestri del Rinascimento.
Il “metodo delle libere associazioni” proposto da Sigmund Freud, la sua “teoria degli errori” e la “interpretazione dei sogni” miravano principalmente a identificare disturbi mentali dolorosi a scopo di guarigione. A questo mirava anche l’interpretazione delle opere d’arte proposta da Freud. Ma con questa comprensione, l’arte è ridotta a un fattore privato, per così dire, “curativo”. Questo era l'errore dell'approccio dei teorici del surrealismo alle opere d'arte. Magritte ne era ben consapevole e annotava in una sua lettera del 1937: "L'arte, per come la intendo io, non è soggetta alla psicoanalisi. È sempre un mistero". L'artista ha trattato ironicamente i tentativi di interpretare i suoi dipinti con l'aiuto della psicoanalisi: "Hanno deciso che il mio "Modello rosso" è un esempio di complesso di castrazione. Dopo aver ascoltato diverse spiegazioni di questo tipo, ho realizzato un disegno secondo tutti i " regole" della psicoanalisi. Naturalmente, l'hanno analizzato allo stesso modo, a sangue freddo. È terribile vedere a quale tipo di scherno può essere sottoposta una persona che ha fatto un disegno innocente... Forse la stessa psicoanalisi - tema migliore per uno psicoanalista."
Ecco perché Magritte si rifiutava ostinatamente di definirsi “surrealista”. Ha accettato di buon grado la caratterizzazione" realista magico". Questa direzione è caratteristica del "periodo belga" del suo lavoro - a partire dal 1930, quando Magritte tornò definitivamente da Parigi a Bruxelles.
Le tradizioni dell'antica arte olandese hanno avuto un'influenza benefica sull'opera di Magritte. Nel dipinto “Plagio” (1960), diversi dettagli simbolici attirano l’attenzione.
A sinistra sul tavolo vediamo l'immagine di un nido e tre uova - simbolismo della Trinità. Come un mago, l'artista sembra materializzare davanti ai nostri occhi le immagini della sua immaginazione e si trasformano in un bellissimo giardino fruttifero, simbolo di un'immaginazione creativa vivente. Magritte crea un sottile, spirituale immagine poetica. Contemplando l'immagine, si possono solo ammirare le sfumature rosa, bluastre e perlescenti più delicate: uno spettacolo davvero favoloso.
Negli anni '30 Magritte, insieme all'arte di Bosch, studia approfonditamente l'opera del suo connazionale, drammaturgo e filosofo Maurice Maeterlinck, che già nel 1889 nella raccolta “Serre” scriveva: “Un simbolo è una forza della natura, ma la mente umana non può resistere le sue leggi... Se non c'è simbolo, non c'è opera d'arte."
Magritte deve a Maeterlinck la capacità di sviluppare il confronto in un’intera rete di immagini che l’immaginazione dell’artista trasforma nel mondo reale. Nel dipinto "Madness of Greatness" (1948), una candela accesa è raffigurata su un parapetto di pietra sullo sfondo dell'infinito mare azzurro - come simbolo di fragilità vita umana. Nelle vicinanze ci sono diversi torsi femminili che crescono l'uno dall'altro (un simbolo di sensualità). E nel cielo con bellissime nuvole ghiacciate (per Magritte - un simbolo di atemporalità), lo spettatore vede forme geometriche "incorporee" blu, che simboleggiano "idee pure", e Palloncino- un simbolo del "pensiero puro" astratto.
Con l'aiuto di un pensiero finemente pensato gamma di colori l'artista “chiarisce” l'idea principale. La sua “sensualità” è un caldo color carne. Le “Forme pure” sono progettate in una fredda tonalità bluastra, corrispondente al simbolismo e allo stesso tempo creando una sensazione di spazio illimitato.
"Vaghiamo a caso per la valle, senza renderci conto che tutti i nostri movimenti si riproducono e acquisiscono una propria vero significato“sulla cima della montagna”, scrive Maeterlinck nel suo trattato “Il tesoro degli umili”, “ed è necessario che di tanto in tanto qualcuno venga da noi e ci dica: alza gli occhi, guarda cosa sei, guarda cosa sei sta facendo." Non viviamo qui, la nostra vita è lassù. Questo sguardo che ci siamo scambiati nell'oscurità, queste parole che non avevano senso ai piedi della montagna, guarda cosa sono diventate e cosa significano lì, sopra le cime innevate.
Questa idea di Maeterlinck si riflette nel dipinto di Magritte “Il possesso di Arnheim” (1962).
Solo rompendo il vetro su cui è dipinta una falsa immagine si può vedere la realtà in tutto il suo radioso splendore, crede l'artista. È qui, sulle cime delle montagne di cui parlava Maeterlinck, che si nasconde la Verità.
Il dipinto "Una risposta inaspettata" (1933) incarna un altro pensiero di Maeterlinck: "Non ci sono giorni insignificanti nella vita. Vai, torna, esci di nuovo: troverai ciò di cui hai bisogno al crepuscolo. Ma non dimenticare mai che sei vicino alla porta. Questa", forse, una di quelle strette fessure nelle porte dell'oscurità, attraverso le quali ci viene data l'opportunità di vedere per un momento tutto ciò che sta per accadere nella grotta dei tesori non ancora scoperti ."
Il dipinto sembra una sorta di emblema di un mistero emozionante: tutto qui è così integrale, "naturale", se questa definizione può essere attribuita a una delle composizioni più misteriose e mistiche di Magritte. Una "porta hackerata" aperta è un simbolo di un'altra dimensione, piena di molti misteri.
Alcuni autori che scrivono di Magritte lo dichiarano un “artista dell’assurdo”, i cui dipinti sono privi di qualsiasi significato. Se così fosse, se l'obiettivo dell'artista fosse quello di rappresentare solo "l'assurdità della nostra esistenza quotidiana", sarebbe creatività al livello di un puzzle, e non arte seria quale è. Magritte scriveva: "Chiediamo un'immagine a caso, invece di ascoltarla. E ci sorprendiamo quando la risposta che riceviamo non è sincera".
La sua arte veniva spesso chiamata "sogni ad occhi aperti". L’artista ha chiarito: “I miei quadri non sono sogni che ti fanno addormentare, ma sogni che ti svegliano”. Non per niente l'eminente surrealista Max Ernst, dopo aver visto la sua mostra a New York all'inizio degli anni '50, disse: "Magritte non dorme né resta sveglio. Illumina. Conquista il mondo dei sogni".
“Senza mistero, né il mondo né l’idea sono possibili”, non si stancava di ripetere Magritte. E come epigrafe a uno degli autoritratti, ha preso la linea Poeta francese XIX secolo Lautréamont: “A volte sogno, ma mai perdo per un momento la coscienza della mia identità”.
Da qui l’inaspettata interpretazione di “interno ed esterno” nelle opere di Magritte.
Ecco il commento dell'artista al suo dipinto “Frames of Life” (1934): “Davanti alla finestra, che vediamo dall'interno della stanza, ho posizionato un dipinto raffigurante esattamente quella parte del paesaggio che copre. L'albero nella foto oscura l'albero che sta dietro di lui all'esterno. Per lo spettatore, l'albero è contemporaneamente all'interno della stanza nella foto e all'esterno nel paesaggio reale. Questo è il modo in cui vediamo il mondo. Lo vediamo fuori di noi e a allo stesso tempo ne vediamo la rappresentazione dentro di noi. In questo modo, a volte, collochiamo nel passato ciò che accade nel presente. Così, il tempo e lo spazio vengono liberati dal significato banale con cui la coscienza ordinaria dà loro."
Herbert Read ha osservato: "Magritte si distingue per la severità delle sue forme e una chiara chiarezza di visione. Il suo simbolismo è puro e trasparente, come il vetro delle finestre che ama così tanto rappresentare. Rene Magritte mette in guardia sulla fragilità del mondo. " Il vetro è rotto: congelandosi notevolmente in volo, le immagini cadono, allineandosi in fila come banchi di ghiaccio." Questo è un esempio di una possibile interpretazione delle metafore polisemiche di Magritte. Il motivo della finestra di vetro di questo artista può anche essere visto come il confine tra due mondi: il reale e il surreale, il poetico e il quotidiano, tra il conscio e l'inconscio.
Nel dipinto “Son of Man” (1964), l’uomo moderno è raffigurato sullo sfondo di un muro che lo separa dalle vaste distese dell’oceano e del cielo, a simboleggiare l’infinito. Una mela appesa davanti al volto di una persona aggiunge mistero all’immagine. Questa mela può essere percepita sia come il frutto dell'albero della conoscenza, sia come un simbolo della natura, che l'uomo sta cercando di comprendere. Allo stesso tempo, questo dettaglio conferisce armonia all'aspetto prosaico di un borghese ordinato.
Il dipinto “Golconda” (1953) può essere visto come una metafora incarnata: le persone “con peso” sono diventate senza peso. C'è dell'ironia nascosta nel nome: dopo tutto, Golconda è una città semi-leggendaria dell'India, famosa per i suoi giacimenti d'oro e i suoi diamanti, e queste persone sembrano essere attratte dall'oro. L'artista appende in uno spazio sconfinato diverse dozzine di rentier ben vestiti con cappelli a bombetta, cravatte e cappotti alla moda, pur mantenendo l'assoluta equanimità.
Su uno di dipinti tardivi Magritte, “Ready Bouquet” (1956), un uomo con la stessa bombetta e lo stesso frac, in piedi con le spalle allo spettatore sulla terrazza, contempla il parco serale. E sulla sua schiena è raffigurata la “Primavera” di Botticelli, che cammina tra i fiori e lo splendore dei colori. Cos'è questo? Realizzazione dell'aforisma “L'uomo passa, l'arte resta”? O forse chi ammirava il parco si ricordava di un dipinto di Botticelli? La risposta non è chiara.
L'artista cerca di distruggere la solita idea del noto, immutabile, per fargli vedere l'oggetto in una nuova dimensione, portando lo spettatore alla confusione. Nelle sue tele, ha creato un mondo di fantasia e di sogno partendo da cose reali, immergendo gli spettatori in un'atmosfera di sogno e mistero. L'artista ha saputo brillantemente come “dirigere” i loro sentimenti. Sembrerebbe che il mondo creato dall'artista sia statico e forte, ma l'irreale invade sempre il quotidiano, distruggendo questo mondo familiare (una normale mela in una stanza, crescendo, sposta le persone, o una locomotiva a vapore salta fuori dal camino alle a tutta velocità - “Pierced Time”, 1939).
Il dipinto più copiato è La creazione dell'uomo (1935). L'immagine del mare nel dipinto sul cavalletto in piedi davanti alla finestra aperta si fonde miracolosamente con la “vera” vista del mare dalla finestra.
Il tema di molti dipinti di Magritte era la cosiddetta “realtà nascosta”. Parte dell'immagine, ad esempio il volto del personaggio principale, è coperta da qualcosa (una mela, un mazzo di fiori, un uccello). Magritte spiega il significato di queste opere: “La cosa interessante in questi dipinti è la presenza dell’aperto e del nascosto che irrompono improvvisamente nella nostra coscienza, che in natura non sono mai separati l’uno dall’altro”.
Nel dipinto “Gli Amanti”, Rene Magritte mostra che quando siamo veramente innamorati, i nostri occhi sono chiusi.
Cercando di comprendere il significato sfuggente dei dipinti di Magritte, di “spiegarli”, la mente dello spettatore si afferra freneticamente ad entrambi. L'artista gli "lancia" il titolo del dipinto (di solito appariva dopo che l'opera era stata completata). Magritte ha attribuito al titolo un ruolo decisivo nella percezione del dipinto. Secondo i ricordi di parenti e amici, quando inventava i nomi, ne discuteva spesso con gli amici letterati. Ecco cosa ha detto l'artista stesso al riguardo: "Il titolo è un indicatore della funzione del dipinto", "Il titolo dovrebbe contenere un'emozione viva", "Il miglior titolo per un dipinto è poetico. Non dovrebbe insegnare nulla, ma invece sorprende e affascina”.
Molti dei titoli dei dipinti sono deliberatamente scientifici e in essi è visibile l'ironia: "Lampada filosofica" (1937), "Elogio della dialettica" (1937), "Conoscenza naturale" (1938), "Trattato sulle sensazioni" (1944 ). Altri titoli creano un'atmosfera di mistero poetico: “Dialogo interrotto dal vento” (1928), “La chiave dei sogni” (1930), “Durata dolorosa” (1939), “Impero di luce” (1950), “La vita di Dio” Stanza” (1958).
Il dipinto "Impero della luce" è stato dipinto da Magritte nel ultimo decennio vita, ma divenne subito forse la sua opera più apprezzata. Così popolare che molti collezionisti erano disposti a pagare qualsiasi cifra pur di avere una delle sue repliche nella loro collezione.
Allora qual è questa immagine che ha catturato le menti delle persone di tutto il mondo? A prima vista, sembra semplice e persino senza pretese. Una casa sulla riva di un laghetto è nascosta all'ombra di alberi estesi. Le finestre del secondo piano brillano di una luce accogliente, donata da una lanterna solitaria luce amica a un viaggiatore che potrebbe essere qui notte oscura. Sembrerebbe un normale notturno, del tutto realistico. Qualsiasi artista “tradizionale” può dipingere qualcosa di simile.
Ma è vero? Perché allora nasce un vago disagio che costringe lo spettatore a scrutare sempre più da vicino l'immagine? Questa ansia non se ne andrà finché non diventerà improvvisamente chiara: il cielo, ecco di cosa si tratta! Cielo blu, lungo il quale corrono allegramente nuvole bianche e soffici. E questo a notte fonda! Non chiedetevi però come sia possibile, perché nel mondo di Magritte nulla è impossibile. Come nessun altro, questo artista ama connettere l'incompatibile, introdurre nei suoi dipinti dettagli che contrastano così nettamente tra loro che lo spettatore sperimenta prima un leggero shock, ma poi la sua mente inizia a lavorare doppiamente intensamente, cercando di trovare una soluzione a la farsa proposta.
Lo stesso Magritte ha detto a riguardo: “Mi sono unito nell’”Impero della Luce” concetti diversi, vale a dire - paesaggio notturno e il cielo in tutto lo splendore della luce del giorno. Il paesaggio ci porta a pensare alla notte, al cielo, al giorno. Secondo me questo fenomeno simultaneo del giorno e della notte ha il potere di sorprendere e incantare. E io chiamo questo potere poesia”.
René Magritte stesso
“Autoritratto” (“Occhio limpido”)
Ricordando la sua infanzia, scrisse: “Ricordo il mio stupore quando vidi per la prima volta la scacchiera e i pezzi su di essa. Impressione spaventosa! Spartiti dove segni misteriosi denotavano suoni e non erano parole!” Eccone uno piccolo primi lavori l'artista - "The Lost Jockey", che divenne il suo manifesto creativo.
Un cavaliere, correndo a tutta velocità su un cavallo insaponato, si perse in un boschetto surreale di enormi pezzi degli scacchi dipinti con notazioni musicali.
Dipinto “Carte Blanche” o “L’ostacolo del vuoto”.
Magritte scrive di lei: “Le cose visibili possono essere invisibili. Se, ad esempio, alcune persone vanno a cavallo nella foresta, prima le vedi, poi non le vedi, ma sai che sono lì. Nel dipinto “Carte Blanche”, il cavaliere oscura gli alberi e loro oscurano lei. Tuttavia, il nostro potere di pensare abbraccia sia il visibile che l’invisibile, e con l’aiuto della pittura rendo visibili i pensieri”.
Dipinto “Divisione proibita”
È interessante notare che in Magritte solo le immagini degli uccelli sono esenti da complessità associative. Gli uccelli portano con sé l'energia positiva del volo, niente di più. Non ci sono uccelli morti, uccelli caduti, con le ali spezzate. Gli uccelli sono vivi e le loro ali sono piene dei cirri bianchi e blu di Magritte (Big Family, 1963).
Il 15 agosto 1967 René Magritte muore di cancro. È morto uno degli artisti-maghi del XX secolo, che in vita somigliava tanto a un rispettabile farmacista.
Ha condotto la vita tranquilla e calma di un uomo belga per strada, lontano dal trambusto dei bohémien, un uomo difficile da distinguere dalla massa. Sogni, paradossi, paure, pericoli misteriosi riempivano solo i suoi dipinti, non la sua vita. L'artista ha combattuto la noia solo attraverso la creatività. La regolarità della giornata gli si addiceva molto; dipinse la maggior parte dei suoi quadri anche nella sala da pranzo e fino alla fine della sua vita preferì il tram ad altri mezzi di trasporto.
Una volta, poco prima della sua morte, Magritte, questo maestro sofisticato, disse: “Ancora non capisco il motivo per cui viviamo e moriamo”. Forse l'artista ha crittografato gli indizi sulle cause e sui misteri dell'esistenza nei suoi dipinti rebus? Tutto è possibile. Allora vale la pena dargli un'occhiata più da vicino!
Inaugurato a Bruxelles il 2 giugno 2009 nuovo museo, dedicato alla creatività famoso artista surrealista René Magritte. Museo reale belle arti gli è stata assegnata una stanza con una superficie di 2,5mila metri quadrati. La mostra del Museo René Magritte comprende più di 200 opere dell'autore: questo è il massimo vasta collezione nel mondo.
18.07.2017 Oksana Kopenkina
Renè Magritte. Chiaroveggenza (autoritratto). 54 x 64,9 cm.1936 Collezione privata. Artchive.ru
Non c'è una goccia di posa nell'arte di René Magritte. Non “interessa” lo spettatore con l'aiuto del suo dipinti misteriosi. Invece, esorta a pensare.
Un dipinto che piace alla vista non è arte per Magritte. Lei è completamente vuota per lui.
Oggi le enciclopedie identificano Magritte come un eccezionale surrealista. Probabilmente al maestro non piacerebbe. Evitava la psicoanalisi e non gli piaceva Freud.
Dopo aver reciso i legami creativi con André Bretton (teorico del surrealismo), proibì di definirsi surrealista.
Divenne il pioniere del realismo magico. Magritte era generalmente un artista libero, non pronto a rinunciare alla propria libertà in nome del riconoscimento. Pertanto, ha scritto solo ciò che contava per lui.
Polemica sul punto di partenza
René è nato il 21 novembre 1898 nella città di Lessines (Belgio). Poco tempo dopo nacquero altri tre fratelli.
Infanzia felice si è conclusa per il futuro artista all'età di 14 anni. Nel 1912 sua madre si annegò nel fiume. Vedendo come i cittadini tirarono fuori il corpo senza vita di sua madre, il giovane René cercò di capire il motivo di ciò che accadde. Ha sempre creduto nel potere del pensiero. Devi solo impegnarti molto e poi la mente troverà le risposte.
Oggi gli storici dell'arte discutono sull'influenza della tragedia infantile sul pittore. Alcuni credono che sia stato sotto gli auspici di questo dramma che sia apparsa una serie di dipinti raffiguranti sirene. È vero, le sirene di Magritte sono l’opposto: con la parte superiore da pesce e il fondo umano.
Renè Magritte. Invenzione collettiva. 1934 Collezione d'arte Nord Reno-Westfalia, Düsseldorf. Wikiart.org Altri, senza negare l'influenza di questa pagina oscura della biografia, sono ancora inclini a vedere la natura del talento nella personalità stessa dell'artista.
R.Magritte. Ritratto. 1935 MOMA, New York Era un vero sognatore. Ha inventato giochi e intrattenimento senza precedenti. Ma la mentalità romantica di René era estranea ai suoi fratelli. Non sono mai riusciti a diventare una famiglia.
Chissà, forse questo è il ritratto di uno dei suoi fratelli. Il che riflette la bella relazione tra persone legate dal sangue.
Vedi l'occhio nella pancetta? Penso che bisogna detestare una persona, per usare un eufemismo, per poterne dipingere un ritratto del genere.
Amore per tutta la vita
Ma sua moglie, Georgette Berger, gli divenne davvero una persona vicina. Si sono conosciuti da adolescenti. E dopo essersi incontrati per caso da adulti nell'orto botanico, non si separarono mai più.
Georgette era la sua musa ispiratrice e migliore amico. Magritte le dedicò più di un dipinto e lei gli dedicò tutta la sua vita.
Solo una storia li ha oscurati la vita familiare. Dopo 13 anni di matrimonio, Magritte si interessò ad un'altra donna. Georgette si vendicò di lui avendo una relazione con il suo amico. Hanno vissuto separati per 5 anni.
Per qualche motivo fu durante questo periodo che Magritte dipinse questo ritratto di Georgette.
Renè Magritte. Georgette. 1937 Museo delle Belle Arti, Bruxelles. Wikiart.org Soprattutto questo ritratto sembra una cartolina. Questa apertura è caratteristica di quasi tutti i dipinti di Magritte.
Nel 1940 la coppia si riunì di nuovo. E non si sono mai separati.
Dopo la morte di suo marito, Georgette ha ricordato che ancora oggi, guardando i suoi dipinti, gli parla e spesso discute.
Magritte non voleva incarnare il suo amore come una sorta di cliché. Nel tentativo di arrivare all'essenza di questo sentimento, crea la tela “Lovers”. In esso, i volti dei giovani sono avvolti in lenzuola.
Renè Magritte. Amanti. 54 x 73,4 cm 1928 Museo arte contemporanea(MOMA), New York. Renemagritte.org Quest'opera colpisce per il suo anonimato. Non vediamo i volti dei personaggi. Tale impersonalità era caratteristica di quasi tutte le opere dell’artista.
Anche se sui volti non c'era il velo, i lineamenti del viso erano nascosti da un oggetto comune. Ad esempio, una mela.
Renè Magritte. Figlio di uomo. cm 116 x 89. 1964. Collezione privata. Artchive.ru Riconoscimento e dovere civico
Nel 1918, il giovane si diplomò alla Royal Academy of Fine Arts. Uscito dalla soglia dell'“alma mater”, iniziò faticosamente la ricerca di un mezzo di sussistenza.
Non poteva andare contro la sua idea, adattandosi ai gusti del pubblico. Pertanto, ho trovato lavoro in un laboratorio di pittura su carta da parati.
È difficile immaginare una contraddizione più triste: l’artista, che soprattutto ha cercato di catturare un pensiero, è stato costretto a dipingere fiori sulla carta da parati.
Ma René continuava a scrivere tempo libero. Gli eroi dei suoi dipinti sono oggetti ordinari. O meglio, le idee che si celano dietro di essi.
C'è una serie di dipinti di negazione, in cui l'artista disegna deliberatamente, ad esempio, una pipa e lascia la firma: "Questa non è una pipa". Richiamando così l'attenzione su ciò che si nasconde dietro il consueto involucro dell'oggetto.
Renè Magritte. Il tradimento delle immagini (Questa non è una pipa). 63,5 x 93,9 cm 1948. Collezione privata. Wikiart.org. Ogni dipinto di Magritte è una storia spiritosa e indipendente. I componenti della tela non si allargano né si deformano. Sono realistici e riconoscibili.
Ma nella totalità compositiva formano un pensiero completamente nuovo. Il maestro sosteneva che ciascuno dei suoi dipinti aveva un significato speciale “cablato” in esso. Nessun disordine inutile.
Che senso ha, ad esempio, una pioggia di persone? L'artista stesso non ha mai decifrato i suoi dipinti. Tutti cercano il sottotesto nascosto per se stessi.
Renè Magritte. Golconda. 100 x 81 cm 1953. Collezione privata, Houston. Artchive.ru Nel 1927 fu inaugurata la prima mostra di René, che non ebbe un successo di critica. E la coppia Magrittes parte per Parigi, capitale dell'arte d'avanguardia.
Dopo una breve collaborazione con il circolo di Bretton, l'artista sceglie la propria strada e raggiunge rapidamente il successo.
I contemporanei ricordano che René era diverso da tutti gli artisti. Non ha mai avuto un proprio laboratorio. E nella casa in cui visse Magritte non c'era il disordine caratteristico del pittore. Magritte diceva che la pittura è stata creata per essere applicata sulla tela e non per essere spalmata sul pavimento.
Tuttavia i suoi dipinti erano altrettanto “puliti” e anche un po’ asciutti. Linee nette, forme perfette. Il realismo estremo si trasforma in illusione.
Renè Magritte. Condizioni esistenza umana. 1934. Collezione privata. Artchive.ru Con l'inizio della guerra, Magritte iniziò a dipingere quadri che non erano tipici del suo stile. Gli storici dell'arte chiameranno questo periodo il periodo “”.
Rene credeva che fosse suo dovere civico dipingere immagini che affermassero la vita, dando speranza allo spettatore. La colomba della pace con la coda di fiori è un esempio lampante dell’arte “militare” di Magritte.
Renè Magritte. Un segnale favorevole. 1944. Collezione privata. Wikiart.org Raggiunto l'immortalità
Dopo la guerra, Magritte ritornò al suo stile abituale, riflettendo molto sul tema della morte e della vita.
Basti ricordare le sue parodie di famosi dipinti di altri artisti, dove ha sostituito tutti gli eroi con delle bare. Ecco come appare il dipinto “Balcone” nell’interpretazione di Magritte.
Renè Magritte. Prospettiva II: Il balcone di Manet. 80 x 60 cm 1950. Museo delle Belle Arti, Gand. Artchive.ru Magritte riconosce la grandezza della morte prima del pensiero. Queste persone persone reali che un tempo posarono per Edouard Manet non sono più vive. E tutti i loro pensieri scomparvero per sempre.
Ma Magritte è riuscito a ingannare la morte? Sua moglie Georgette ha affermato di sì! È vivo nei suoi quadri, negli enigmi-rebus che ognuno porta dentro di sé. E invita lo spettatore a trovare la risposta.
Dopo la morte dell'artista per cancro al pancreas nel 1967, Georgette fino alla fine dei suoi giorni mantenne intatto tutto ciò che apparteneva al suo talentuoso marito: pennelli, tavolozza, colori. E sul cavalletto c'era ancora il dipinto incompiuto “Empire of Light”.
Renè Magritte. Impero di Luce. 146 x 114 cm.Anni '50. Collezione Peggy Guggenheim di Venezia. Per chi non vuole perdersi le cose più interessanti sugli artisti e sui dipinti. Lascia la tua email (nel modulo sotto il testo) e sarai il primo a conoscere i nuovi articoli sul mio blog.
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Alogismo, assurdità, combinazione della variabilità visiva incongrua e paradossale di immagini e figure: questa è la base dei fondamenti del surrealismo. Il fondatore di questo movimento è considerato l'incarnazione della teoria del subconscio di Sigmund Freud alla base del surrealismo. Fu su questa base che molti rappresentanti del movimento crearono capolavori che non riflettevano realtà oggettiva, ma erano solo l'incarnazione di immagini individuali ispirate dal subconscio. Le tele dipinte dai surrealisti non potevano essere il prodotto né del bene né del male. Tutti hanno evocato emozioni diverse persone diverse. Pertanto, possiamo affermare con sicurezza che questa direzione del modernismo è piuttosto controversa, il che ha contribuito alla sua rapida diffusione nella pittura e nella letteratura.
Il surrealismo come illusione e la letteratura del XX secolo
Salvador Dalì, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes e Dorothy Tanning sono i pilastri del surrealismo emerso in Francia negli anni '20 del secolo scorso. Questa tendenza non si limita alla Francia, ma si è estesa ad altri paesi e continenti. Il surrealismo ha notevolmente facilitato la percezione del cubismo e dell’astrattismo.
Uno dei principali postulati dei surrealisti era l'identificazione dell'energia dei creatori con il subconscio umano, che si manifesta nel sonno, sotto ipnosi, nel delirio durante la malattia o in intuizioni creative casuali.
Caratteristiche distintive del surrealismo
Il surrealismo è un movimento complesso nella pittura, che molti artisti hanno compreso e compreso a modo loro. Non sorprende quindi che il surrealismo si sia sviluppato in due direzioni concettualmente diverse. Il primo ramo può essere facilmente attribuito a Mirò, Max Ernst, Jean Arp e Andre Masson, nelle cui opere il posto principale era occupato da immagini che si trasformano dolcemente in astrazione. Il secondo ramo prende come base l'incarnazione di un'immagine surreale generata dal subconscio umano, con accuratezza illusoria. Salvador Dalì ha lavorato in questa direzione e ne è un rappresentante ideale pittura accademica. Sono le sue opere che sono caratterizzate da un'accurata resa del chiaroscuro e da un modo attento di dipingere: gli oggetti densi hanno una trasparenza tangibile, mentre gli oggetti solidi si estendono, sono massicci e figure volumetriche acquisire leggerezza e assenza di gravità e quelli incompatibili possono essere combinati insieme.
Biografia di René Magritte
Insieme alle opere di Salvador Dalì c'è l'opera di Rene Magritte, un famoso artista belga nato nella città di Lesin nel 1898. In famiglia, tranne René. c'erano altri due figli e nel 1912 accadde una disgrazia che influenzò la vita e il lavoro del futuro artista: sua madre morì. Ciò si riflette nel dipinto di Rene Magritte “In Memory of Mack Sennett”, dipinto nel 1936. L'artista stesso ha affermato che le circostanze non hanno avuto alcuna influenza sulla sua vita e sul suo lavoro.
Nel 1916, René Magritte entrò all'Accademia delle arti di Bruxelles, dove incontrò la sua futura musa e moglie Georgette Berger. Dopo essersi diplomato all'Accademia, René ha lavorato alla creazione di materiale pubblicitario ed è stato piuttosto sprezzante al riguardo. Futurismo, cubismo e Dada hanno avuto un'enorme influenza sull'artista, ma nel 1923 René Magritte vide per la prima volta l'opera di Giorgio de Chirico "Canzone d'amore". È stato questo il momento che è diventato Punto di partenza per lo sviluppo del surrealista René Magritte. Allo stesso tempo, a Bruxelles iniziò la formazione di un movimento, di cui René Magritte divenne rappresentante insieme a Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger e Camille Gemans.
Le opere di René Magritte.
Le opere di questo artista sono sempre state controverse e hanno attirato molta attenzione.
A prima vista, il dipinto di René Magritte è pieno di cose immagini strane, che non sono solo misteriosi, ma anche ambigui. René Magritte non ha toccato la questione della forma nel surrealismo, ha messo la sua visione nel significato e nel significato del dipinto.
Molti artisti pagano Attenzione speciale nomi. Soprattutto René Magritte. Dipinti con i titoli “Questa non è una pipa” o “Figlio dell’uomo” risvegliano nello spettatore il pensatore e il filosofo. Secondo lui, non solo l'immagine dovrebbe incoraggiare lo spettatore a mostrare emozioni, ma anche il titolo dovrebbe sorprendere e far riflettere.
Per quanto riguarda le descrizioni, molti surrealisti hanno fornito breve riassunto alle tue tele. René Magritte non fa eccezione. I dipinti con descrizioni sono sempre stati presenti nelle attività pubblicitarie dell’artista.
L’artista stesso si definiva un “realista magico”. Il suo obiettivo era creare un paradosso e il pubblico avrebbe dovuto trarre le proprie conclusioni. René Magritte nelle sue opere ha sempre tracciato chiaramente una linea tra l'immagine soggettiva e la realtà reale.
Dipinto "Amanti"
René Magritte dipinse una serie di dipinti intitolati “Lovers” nel 1927-1928 a Parigi.
La prima immagine mostra un uomo e una donna uniti in un bacio. Le loro teste sono avvolte in un panno bianco. Il secondo dipinto raffigura lo stesso uomo e la stessa donna in un panno bianco, che guardano il pubblico dal dipinto.
Il tessuto bianco presente nell’opera dell’artista provoca e ha suscitato accese discussioni. Ci sono due versioni. Secondo il primo, il tessuto bianco nelle opere di René Magritte è apparso in connessione con la morte di sua madre prima infanzia. Sua madre saltò da un ponte nel fiume. Quando il suo corpo fu rimosso dall'acqua, fu trovato un panno bianco avvolto attorno alla sua testa. Per quanto riguarda la seconda versione, molti sapevano che l'artista era un fan di Fantômas, l'eroe del popolare film. Può darsi quindi che il tessuto bianco sia un omaggio alla passione per il cinema.
Di cosa parla questa foto? Molte persone pensano che il dipinto “Lovers” personifichi l’amore cieco: quando le persone si innamorano, smettono di notare qualcuno o qualcosa che non sia la loro anima gemella. Ma le persone rimangono misteri per se stesse. D'altronde, guardando il bacio degli innamorati, possiamo dire che hanno perso la testa per l'amore e la passione. La pittura di René Magritte è piena di sentimenti ed esperienze reciproche.
"Figlio di uomo"
Il dipinto di Rene Magritte "Il figlio dell'uomo" è diventato biglietto da visita“realismo magico” e un autoritratto di René Magritte. Questa particolare opera è considerata una delle opere più controverse del maestro.
L’artista ha nascosto il viso dietro una mela, come se dicesse che tutto non è come sembra e che le persone vogliono costantemente entrare nell’anima di una persona e comprendere la vera essenza delle cose. La pittura di René Magritte nasconde e rivela l'essenza stessa del maestro.
Ha giocato René Magritte ruolo importante nello sviluppo del surrealismo e le sue opere continuano ad eccitare la coscienza di sempre più generazioni.
Bella Adtseeva
L'artista belga René Magritte, nonostante la sua indubbia affiliazione al surrealismo, si è sempre distinto nel movimento. In primo luogo, era scettico riguardo forse all'hobby principale dell'intero gruppo di Andre Breton: la psicoanalisi di Freud. In secondo luogo, i dipinti stessi di Magritte non assomigliano né alle folli trame di Salvador Dalì né ai bizzarri paesaggi di Max Ernst. Magritte utilizzava per lo più immagini ordinarie di tutti i giorni - alberi, finestre, porte, frutti, figure umane - ma i suoi dipinti non sono meno assurdi e misteriosi delle opere dei suoi eccentrici colleghi. Senza creare oggetti e creature fantastici dalle profondità del subconscio, Artista belga fece ciò che Lautréamont chiamava arte: organizzò un "incontro di un ombrello e macchina da scrivere sul tavolo operatorio", combinando cose banali in modo insolito. Critici d'arte e intenditori offrono ancora nuove interpretazioni dei suoi dipinti e dei loro titoli poetici, quasi mai associati all'immagine, il che conferma ancora una volta: la semplicità di Magritte è ingannevole.
© Foto: René MagritteRenè Magritte. "Terapista". 1967
Lo stesso René Magritte non chiamava la sua arte nemmeno surrealismo, ma realismo magico, ed era molto diffidente nei confronti di ogni tentativo di interpretazione e tanto meno della ricerca di simboli, sostenendo che l'unica cosa da fare con i dipinti era guardarli.
© Foto: René MagritteRenè Magritte. "Riflessioni di un passante solitario" 1926
Da quel momento in poi, Magritte tornò periodicamente all'immagine di un misterioso sconosciuto con una bombetta, raffigurandolo sulla riva sabbiosa del mare, o su un ponte cittadino, o in una foresta verde, o di fronte paesaggio montano. Potrebbero esserci due o tre estranei, che stavano con le spalle allo spettatore o semi-lateralmente, e talvolta - come, ad esempio, nel dipinto High Society (1962) (può essere tradotto come " Alta società" - ndr) - l'artista ha delineato solo il contorno di un uomo con una bombetta, riempiendolo di nuvole e fogliame. I dipinti più famosi raffiguranti uno sconosciuto sono “Golconda” (1953) e, ovviamente, “Son of Man " (1964) - l'opera più replicata di Magritte, parodie e allusioni alle quali si trovano così spesso che l'immagine vive già separatamente dal suo creatore. Inizialmente, René Magritte dipinse l'immagine come un autoritratto, dove la figura di un uomo simboleggiava uomo moderno, che ha perso la sua individualità, ma rimane il figlio di Adamo, che non riesce a resistere alle tentazioni - da qui la mela che gli copre il volto.
© Foto: Volkswagen / Agenzia pubblicitaria: DDB, Berlino, Germania
"Amanti"
René Magritte commentava spesso i suoi dipinti, ma lasciava senza spiegazioni uno dei più misteriosi: “Lovers” (1928), lasciando spazio all'interpretazione dei critici d'arte e dei fan. I primi vedevano ancora nel dipinto un riferimento all’infanzia dell’artista e alle esperienze legate al suicidio della madre (quando il suo corpo fu portato fuori dal fiume, la testa della donna fu coperta con l’orlo della camicia da notte - ndr). Il più semplice e ovvio versioni esistenti- “L'amore è cieco” - non ispira fiducia tra gli esperti, che spesso interpretano l'immagine come un tentativo di trasmettere l'isolamento tra persone che non riescono a superare l'alienazione anche nei momenti di passione. Altri vedono qui l'impossibilità di comprendere e conoscere fino in fondo le persone vicine, mentre altri intendono "Lovers" come una metafora realizzata per "perdere la testa per amore".
Nello stesso anno, René Magritte dipinse un secondo dipinto intitolato “Lovers” - in esso anche i volti di un uomo e di una donna sono chiusi, ma le loro pose e lo sfondo sono cambiati e l'atmosfera generale è cambiata da tesa a pacifica.
Comunque sia, "Gli Amanti" rimane uno dei dipinti più riconoscibili di Magritte, la cui atmosfera misteriosa è presa in prestito dagli artisti di oggi - ad esempio, la copertina del suo album di debutto si riferisce ad esso Gruppo britannico Funerale per un amico vestito in modo casual e immerso nella conversazione (2003).
© Foto: Atlantic, Mighty Atom, FurettoFunerale per l'album di un amico, "Casually Dressed & Deep in Conversation"
"Il tradimento delle immagini", ovvero questo non è...
I nomi dei dipinti di René Magritte e la loro connessione con l'immagine sono un argomento per uno studio separato. "La chiave di vetro", "Il raggiungimento dell'impossibile", "Il destino umano", "L'ostacolo del vuoto", " Mondo meraviglioso", "Impero di luce" sono poetici e misteriosi, non descrivono quasi mai ciò che lo spettatore vede sulla tela, e in ogni singolo caso si può solo indovinare quale significato l'artista abbia voluto dare al nome. "I nomi sono stati scelti in in modo tale da non permettermi di collocare i miei quadri nel regno del familiare, dove l’automatismo del pensiero funzionerà sicuramente per prevenire l’ansia”, ha spiegato Magritte.
Nel 1948 creò il dipinto "Il tradimento delle immagini", che divenne uno dei più importanti opere famose Magritte ringrazia l'iscrizione su di esso: dall'incoerenza l'artista arrivò alla negazione, scrivendo “Questa non è una pipa” sotto l'immagine di una pipa. "Questa famosa pipa. Come me la rimproverava! Eppure si può riempirla di tabacco? No, è solo una foto, vero? Allora se scrivessi sotto la foto: "Questa è una pipa", io mentirei!" - ha detto l'artista.
© Foto: René MagritteRenè Magritte. "Due segreti" 1966
© Foto: Allianz Assicurazioni / Agenzia pubblicitaria: Atletico International, Berlino, Germania
Il cielo di Magritte
Il cielo con le nuvole che lo attraversano è un'immagine talmente quotidiana e usata che sembra impossibile farne il “biglietto da visita” di un artista in particolare. Tuttavia, il cielo di Magritte non può essere confuso con quello di qualcun altro - il più delle volte perché nei suoi dipinti si riflette in specchi fantasiosi e occhi enormi, riempie i contorni degli uccelli e, insieme alla linea dell'orizzonte, passa impercettibilmente dal paesaggio sul cavalletto (serie “Destino Umano”"). Cielo sereno fa da sfondo a uno sconosciuto in bombetta (Decalcomania, 1966), sostituisce le pareti grigie di una stanza (Valori personali, 1952) ed è rifratto in specchi tridimensionali (Cosmogonia elementare, 1949).
© Foto: René MagritteRenè Magritte. "Impero della Luce". 1954
Il famoso "Impero della luce" (1954), a quanto pare, non assomiglia affatto alle opere di Magritte: nel paesaggio serale, a prima vista, non c'era posto per oggetti insoliti e combinazioni misteriose. Eppure una tale combinazione esiste, e rende l'immagine "Magritte" - un cielo limpido diurno sopra un lago e una casa immersa nell'oscurità.
(francese: Rene Francois Ghislain Magritte; nato il 21 novembre 1898, Lessines, morto il 15 agosto 1967 a Bruxelles) - Artista surrealista belga. Conosciuto come autore di dipinti spiritosi e allo stesso tempo poeticamente misteriosi.
René Magritte veniva guardato con sospetto. Soprattutto medici. Soprattutto psicoanalisti. Coloro che non hanno notato alcuna anomalia mentale in questo artista hanno cambiato bruscamente la loro opinione in senso opposto. Come hai conosciuto il suo lavoro?
Ma in risposta alle loro invasioni, l'artista stesso, non senza sarcasmo, ha sostenuto che il miglior paziente per uno psicoanalista è un altro psicoanalista. E non prese affatto sul serio Sigmund Freud, che a quei tempi era il più popolare. Ma ha continuato a disegnare mele per volti, specchi con riflessi fantastici, bare per morti seduti e altre stranezze e incomprensibilità.
René trascorse la sua infanzia e giovinezza nella piccola città industriale di Charleroi. La vita era dura.
René Magritte “Il figlio dell'uomo”, 1964.
Nel 1912, sua madre si annegò nel fiume Sambre, che a quanto pare aveva un grande influenza sul futuro artista, allora ancora adolescente. Quando fu ritrovato il cadavere, la sua testa era accuratamente avvolta in un leggero panno di garza.
Questo è probabilmente il motivo per cui i volti, o più precisamente la loro assenza, occupano un posto speciale nell’opera di Magritte. Molto spesso, il volto in un ritratto è coperto da un oggetto estraneo o avvolto in un panno, oppure al posto del viso viene semplicemente raffigurata anche la parte posteriore della testa o un'altra parte del corpo.
Magritte ha riportato dalla sua infanzia una serie di altri ricordi, non così tragici, ma non per questo meno misteriosi, di cui lui stesso ha detto che si riflettevano nel suo lavoro.
A partire dal 1916, Magritte studiò all'Accademia reale di belle arti di Bruxelles e lasciò l'Accademia nel 1918. Nello stesso periodo conobbe Georgette Berger, che sposò nel 1922 e con la quale visse fino alla sua morte nel 1967.
L'assassino minacciato – 1927
I dipinti di Magritte sono caratterizzati da uno stile distaccato, apparentemente imperturbabile. Raffigurano oggetti ordinari, che in Magritte, a differenza di altri grandi surrealisti (Dalì, Ernst), non perdono quasi mai la loro “oggettività”: non si diffondono, non si trasformano nelle proprie ombre. Tuttavia, la strana combinazione di questi oggetti colpisce e fa pensare. L'equanimità dello stile non fa altro che aggravare questa sorpresa e immergere lo spettatore in una sorta di stupore poetico causato dal mistero stesso delle cose.
All'età di 14 anni, René incontra una ragazza di nome Georgette. Pochi anni dopo diventa sua moglie, amante, musa ispiratrice, collega e amica: l'unica modella femminile dell'artista. Non c'erano altre donne nella sua vita. Il bel viso di Georgette è sfuggente nei dipinti di Magritte. È vago e criptato, come la bellezza sfuggente.
Il significato della notte 1927
L'obiettivo di Magritte, per sua stessa ammissione, è far riflettere lo spettatore. Per questo motivo, i dipinti dell’artista assomigliano spesso a enigmi che non possono essere completamente risolti, poiché sollevano interrogativi sull’essenza stessa dell’esistenza: Magritte parla sempre dell’inganno del visibile, del suo mistero nascosto, che di solito non notiamo. C'è una nota serie di opere dell'artista in cui scrive sotto oggetti comuni: non è lui. Particolarmente popolare è il dipinto “Il tradimento delle immagini”, che raffigura una pipa che fuma con la didascalia “Questa non è una pipa”. Così Magritte ricorda ancora una volta allo spettatore che l'immagine di un oggetto non è l'oggetto stesso.
Lui, come Dalì e altri surrealisti, trasferì sogni e pensieri sulla tela. ma non sopportava che i critici lo definissero surrealista. “Sono un realista magico”, si disse Magritte.
All'età di 18 anni, René andò a studiare all'Accademia di Belle Arti di Bruxelles, dove capì subito che spettava a lui trasferire i dettagli sulla tela. vita reale- malinconia mortale. Qui si “ammala” di cubismo e futurismo nello spirito di Fernand Léger, ma guarisce dopo aver conosciuto l'opera di Max Ernst e Giorgio de Chirico.
Tempo paralizzato 1938
In generale, i titoli dei dipinti svolgono un ruolo speciale in Magritte. Sono quasi sempre poetici e, a prima vista, non hanno nulla a che fare con l'immagine stessa. Ed è proprio qui che l'artista stesso ne vedeva il significato: credeva che il legame poetico nascosto tra il titolo e il dipinto contribuisse alla magica sorpresa che Magritte vedeva come lo scopo dell'arte.
Nel 1921, Magritte fu arruolato nell'esercito e un anno dopo, al suo ritorno vita civile, trovò lavoro come disegnatore in una fabbrica di carta da parati, dove trascorreva ore a scrivere rose su carta i più piccoli dettagli(le rose diventeranno poi uno dei leitmotiv dei suoi dipinti - simbolo di bellezza fatale e pericolosa - “La tomba di un combattente”, 1961). Poi, insieme al fratello, apre un'agenzia pubblicitaria, che presto permette loro di dimenticare i problemi urgenti.
Nel 1930 ci fu una rottura con Breton. Magritte torna a Bruxelles e, insieme a Paul Delvaux, diventa qui uno dei leader del movimento surrealista. In ciò periodo fruttuoso Magritte creò una serie di dipinti con soggetti misteriosi e poetici, incluso il suo dipinto più frequentemente copiato, “La condizione umana” (1935). L'immagine del mare nel dipinto sul cavalletto in piedi davanti alla finestra aperta si fonde miracolosamente con la “vera” vista del mare dalla finestra.
Quando i tedeschi occuparono il Belgio nel 1940, Magritte trascorse prima tre mesi in esilio a Carcassonne (Francia), poi tornò a Bruxelles, dove sopravvisse ai tempi duri della guerra. Nell'immediato dopoguerra, Magritte decide di dipingere con tratti ampi, nello stile di Renoir e Matisse, spiegando ciò con il bisogno di ricerca della gioia in contrapposizione al pessimismo generale di quegli anni. Questo periodo nell’opera di Magritte è spesso chiamato il periodo del “sole splendente” (“plein soleil”). Ma i motivi dell'impressionismo e del fauvismo nell'opera del maestro dei dipinti misteriosi non convinsero il pubblico e la critica, e nel 1948 l'artista tornò al suo stile.
“Prendo un oggetto o argomento arbitrario come domanda”, ha scritto, “e poi inizio a cercare un altro oggetto che potrebbe servire come risposta. Per diventare un candidato per una risposta, l'oggetto cercato deve essere collegato all'oggetto della domanda tramite molte connessioni segrete. Se la risposta si presenta in tutta chiarezza, allora la connessione tra i due oggetti è stabilita”. E ancora: “Per me il pensiero consiste inizialmente solo di cose visibili, ed esso stesso può diventare visibile grazie alla pittura”. Renè Magritte
Negli anni '50, l'artista ha creato molti dei suoi lavori migliori opere famose. Tra questi c'è il dipinto “Golconda” (1953). L'artista ha raffigurato diverse dozzine di rentier ben vestiti (con bombette, cravatte e cappotti alla moda) appesi in uno spazio sconfinato, pur mantenendo l'assoluta equanimità. Golconda è un'antica città dell'India di cui è diventata sinonimo innumerevoli tesori e ricchezza, perché è qui che furono trovati molti famosi diamanti e altre pietre preziose. Le persone nella foto sembrano attratte dai tesori di Golconda.
Negli anni Cinquanta e Sessanta i dipinti di René Magritte sconvolsero il mercato dell’arte statunitense, dove per un’intera stagione si tennero solo le sue mostre. Il denaro affluiva da tutte le parti, ma quest'uomo con il volto di un gentile farmacista, come affermavano i suoi parenti, rimase fedele a se stesso: niente bohémien, una casa modesta, un laboratorio tranquillo e il suo mezzo di trasporto preferito: il tram.
Magritte morì di cancro il 15 agosto 1967, all'età di 69 anni, lasciando incompiuta una nuova versione del suo dipinto forse più famoso, L'impero della luce. Rimase per sempre nella loro stanza su un cavalletto. Georgette disse, rivolgendosi al marito: "Ti sbagliavi su una cosa: sugli arti". Propria vita, nella vittoria della morte è necessaria per tutti. Sei rimasto vivo non solo per me, ma anche per tutti coloro che guardano i tuoi quadri: in fondo ci sei tutto tu. Li guardo e ti parlo e discuto come sempre. Finalmente hai fatto quello che sognavi. Sei entrato nello specchio, ma sei rimasto. Hai vinto la morte."
Ha cercato di distruggere la solita idea del noto, immutabile, per fargli vedere l'oggetto in una nuova dimensione, portando lo spettatore alla confusione. Nelle sue tele, ha creato un mondo di fantasia e di sogno partendo da cose reali, immergendo gli spettatori in un'atmosfera di sogno e mistero. L'artista ha saputo brillantemente come “dirigere” i loro sentimenti. Sembrerebbe che il mondo creato dall'artista sia statico e forte, ma l'irreale invade sempre il quotidiano, distruggendo questo mondo familiare (una normale mela in una stanza, crescendo, sposta le persone, o una locomotiva a vapore salta fuori dal camino alle a tutta velocità - “Pierced Time”, 1938).