هنرمندان برهنه معاصر. شاهکارهای تکان دهنده نقاشی کلاسیک

تاریخ جهانهنرهای زیبا بسیاری از موارد شگفت انگیز مربوط به خلقت و ماجراهای بعدی را به یاد می آورد نقاشی های معروف. این به این دلیل است که برای هنرمندان واقعی، زندگی و کار بسیار نزدیک به هم مرتبط هستند.

جیغ اثر ادوارد مونک

سال ایجاد: 1893
مواد: مقوا، روغن، تمپر، پاستل
کجاست: گالری ملی,

تابلوی معروف «جیغ» اثر هنرمند اکسپرسیونیست نروژی ادوارد مونک موضوع مورد علاقه عارفان سراسر جهان است. به نظر بعضی ها این بوم وقایع وحشتناک قرن بیستم را با جنگ ها، بلایای زیست محیطی و هولوکاست پیش بینی می کرد. برخی دیگر مطمئن هستند که این تصویر برای مجرمان آن بدبختی و بیماری به همراه دارد.

زندگی خود مونک را به سختی می توان مرفه نامید: او بسیاری از بستگان را از دست داد، بارها در یک کلینیک روانپزشکی تحت درمان قرار گرفت و هرگز ازدواج نکرد.

به هر حال ، این هنرمند نقاشی "جیغ" را چهار بار تکثیر کرد.

این عقیده وجود دارد که او نتیجه یک روان پریشی شیدایی - افسردگی است که مونک از آن رنج می برد. به نوعی، منظره یک مرد ناامید با سر بزرگ، دهان بازو دست ها به صورت چسبیده است و امروز همه کسانی که بوم را بررسی می کنند شوکه می کند.

"خودارضایی بزرگ" سالوادور دالی

سال ایجاد: 1929
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: مرکز هنرهای رینا سوفیا،

عموم مردم نقاشی "خودارضای بزرگ" را تنها پس از مرگ استاد تکان دهنده و مشهورترین سوررئالیست سالوادور دالی دیدند. این هنرمند آن را در مجموعه خود در موزه تئاتر دالی در فیگورس نگهداری می کرد. اعتقاد بر این است که یک بوم غیر معمول می تواند در مورد شخصیت نویسنده، به ویژه در مورد نگرش دردناک او نسبت به رابطه جنسی، چیزهای زیادی بگوید. با این حال، ما فقط می توانیم حدس بزنیم که در واقع چه انگیزه هایی در تصویر پنهان شده است.

این شبیه به حل یک رباس است: در مرکز تصویر یک نمایه زاویه‌دار وجود دارد که به پایین نگاه می‌کند، شبیه به خود دالی یا به صخره‌ای در ساحل یک شهر کاتالونیا، و یک زن برهنه در قسمت پایینی بالا می‌آید. سر - کپی از معشوقه هنرمند گالا. تصویر همچنین حاوی ملخ است که باعث ترس غیرقابل توضیح دالی شده است و مورچه ها - نمادی از تجزیه.

«خانواده» اثر اگون شیله

سال تاسیس: 1918
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: گالری Belvedere

زمانی نقاشی زیبای اگون شیله، هنرمند اتریشی، پورنوگرافی نامیده می شد و این هنرمند به اتهام اغوای یک خردسال به زندان افتاد.

با چنین قیمتی به او عشق الگوی معلمش داده شد. نقاشی های شیله یکی از بهترین نمونه هااکسپرسیونیسم، در حالی که آنها طبیعت گرا و پر از ناامیدی ترسناک هستند.

مدل های شیله اغلب نوجوانان و روسپی ها بودند. علاوه بر این، این هنرمند مجذوب خودش بود - میراث او شامل طیف گسترده ای از پرتره های شخصی است. بوم "خانواده" شیله سه روز قبل نوشت مرگ خود، همسر باردارش که بر اثر آنفولانزا فوت کرده و فرزند متولد نشده آنها را به تصویر می کشد. شاید این به دور از عجیب ترین، اما قطعا تراژیک ترین اثر نقاش باشد.

«پرتره آدل بلوخ باوئر» اثر گوستاو کلیمت

سال تاسیس: 1907
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: گالری جدید،

تاریخ خلق نقاشی معروف هنرمند اتریشی گوستاو کلیمت "پرتره آدل بلوخ باوئر" را به حق می توان تکان دهنده نامید. همسر فردیناند بلوخ-باوئر، غول‌فروش اتریشی، موز و معشوقه این هنرمند شد. شوهر زخمی که می خواست از هر دوی آنها انتقام بگیرد، تصمیم گرفت به روشی اصلی متوسل شود: او به کلیمت سفارش تصویری از همسرش داد و او را با نیشچین بی پایان مورد آزار و اذیت قرار داد و او را مجبور به ساخت صدها طرح کرد. در پایان، این به این واقعیت منجر شد که کلیمت علاقه قبلی خود را به مدل خود از دست داد.

کار روی این نقاشی چندین سال به طول انجامید و ادل شاهد محو شدن احساسات معشوقش بود. نقشه موذیانه فردیناند هرگز فاش نشد. امروز " مونا اتریشیلیزا» یک گنجینه ملی اتریش به حساب می آید.

مربع سوپرماتیک سیاه اثر کازیمیر مالویچ

سال ایجاد: 1915
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: ایالت گالری ترتیاکوف,

تقریبا صد سال از زمانی که هنرمند آوانگارد روسی کازیمیر مالویچ او را خلق کرد می گذرد خلقت معروفو اختلافات و بحث ها تا این لحظه متوقف نمی شود. این تصویر که در سال 1915 در نمایشگاه آینده نگر "0.10" در "گوشه قرمز" سالن در نظر گرفته شده برای نماد ظاهر شد ، مردم را شوکه کرد و برای همیشه این هنرمند را تجلیل کرد. درست است، امروزه تعداد کمی از مردم می دانند که نقاشی های سوپرماتیک یک نقاشی غیر عینی هستند که در آن رنگ بر توپ حکمرانی می کند و "مربع سیاه" در واقع سیاه نیست و اصلاً مربع نیست.

به هر حال، یکی از نسخه های تاریخ خلق بوم می گوید: هنرمند وقت نداشت کار روی نقاشی را تمام کند، بنابراین مجبور شد کار را با رنگ سیاه بپوشاند، در آن لحظه دوستش. وارد کارگاه شد و فریاد زد: "عالی!"

"منشا جهان" اثر گوستاو کوربه

سال ایجاد: 1866
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: موزه اورسی،

نقاشی گوستاو کوربه نقاش رئالیست فرانسوی برای مدت بسیار طولانی بسیار تحریک آمیز تلقی می شد و بیش از 120 سال برای عموم مردم شناخته شده نبود. زنی برهنه با پاهای دراز روی تخت دراز کشیده و امروز باعث واکنش مبهم تماشاگران شده است. به همین دلیل، در موزه اورسی، یکی از کارمندان از نقاشی محافظت می کند.

در سال 2013، یک کلکسیونر فرانسوی اعلام کرد که در یکی از عتیقه فروشی های پاریس به طور تصادفی به بخشی از نقاشی که سر مدل در آن نمایان است، برخورد کرده است. کارشناسان این فرض را تأیید کردند که جوآنا هیفرنان (جو) برای هنرمند ژست گرفته است. در حالی که روی تصویر کار می کرد، او داخل بود رابطه عاشقانهبا شاگرد کوربه، هنرمند جیمز ویسلر. این تصویر باعث جدایی آنها شد.

«مرد و زن در مقابل انبوهی از مدفوع» نوشته جوآن میرو

سال ایجاد: 1935
مواد: روغن، مس
مکان: بنیاد جوآن میرو،

یک بیننده نادر هنگام تماشای یک عکس هنرمند اسپانیاییو جوآن میرو مجسمه ساز با وحشت همراه بوده است جنگ داخلی. اما دقیقاً دوره ناآرامی های قبل از جنگ در سال 1935 در اسپانیا بود که به عنوان سوژه تصویر با عنوان امیدوار کننده "مرد و زن در مقابل انبوهی از مدفوع" عمل کرد. این تصویر یک پیشگویی است.

این زن و شوهر "غار" مضحک را به تصویر می کشد که به سمت یکدیگر کشیده شده اند، اما نمی توانند تکان بخورند. بزرگ شدن اندام تناسلی، رنگ های سمی، چهره های پراکنده روی پس زمینه تیره- همه اینها، به گفته این هنرمند، رویدادهای غم انگیز نزدیک را پیش بینی کرد.

بیشتر نقاشی های جوآن میرو انتزاعی و آثار سورئالو روحیه ای که منتقل می کنند شادی بخش است.

«نیلوفرهای آبی» اثر کلود مونه

سال ایجاد: 1906
مواد: رنگ روغن، بوم
مکان: مجموعه های خصوصی

نقاشی فرقه ای کلود مونه امپرسیونیست فرانسوی "نیلوفرهای آبی" شهرت بدی دارد - تصادفی نیست که آن را "خطرناک آتش سوزی" می نامند. این رشته از تصادفات مشکوک همچنان بسیاری از شکاکان را شگفت زده می کند. اولین مورد درست در استودیوی هنرمند اتفاق افتاد: مونه و دوستانش در حال جشن گرفتن پایان کار روی نقاشی بودند که ناگهان آتش سوزی کوچکی رخ داد.

این تصویر ذخیره شد و به زودی صاحبان کاباره در مونمارتر آن را خریدند، اما کمتر از یک ماه بعد، موسسه نیز دچار آتش سوزی شدید شد. "قربانی" بعدی این بوم، نیکوکار پاریسی اسکار اشمیتز بود که یک سال پس از آویختن "نیلوفرهای آبی" در آنجا دفترش آتش گرفت. و دوباره تصویر توانست زنده بماند. امسال یک کلکسیونر خصوصی، نیلوفر آبی را به قیمت 54 میلیون دلار خرید.

دختران آوینیون اثر پابلو پیکاسو

سال تاسیس: 1907
مواد: رنگ روغن، بوم
موزه کجاست هنر معاصر,

ژرژ براک، یکی از دوستان پیکاسو، در مورد تابلوی «دختران آوینیون» گفت: «به نظر می‌رسد که می‌خواستی به ما غذا بدهی یا به ما بنزین بدهی تا بنوشیم». بوم واقعاً رسوا شد: مردم آثار قدیمی، لطیف و غم انگیز هنرمند را می پرستیدند و انتقال شدید به کوبیسم باعث بیگانگی شد.

فیگورهای زن با خشن چهره های مردانهو دست‌ها و پاهای زاویه‌دار از «دختری روی توپ» بسیار دور بودند.

دوستان از پیکاسو دور شدند، ماتیس از این تصویر به شدت ناراضی بود. با این حال، این "دختران آوینیون" بود که نه تنها جهت توسعه آثار پیکاسو، بلکه به طور کلی آینده هنرهای زیبا را تعیین کرد. عنوان اصلی بوم "فاحشه خانه فلسفی" است.

"پرتره پسر هنرمند" اثر میخائیل وروبل

سال ایجاد: 1902
مواد: آبرنگ، گواش، مداد گرافیتی، کاغذ
مکان: موزه دولتی روسیه،

میخائیل وروبل، هنرمند برجسته روسی قرن نوزدهم تا بیستم، تقریباً در تمام انواع هنرهای زیبا موفق بود. اولین متولد او ساووا با "لب شکاف" به دنیا آمد که این هنرمند را عمیقاً ناراحت کرد. وروبل پسر را روی یکی از بوم هایش رک و پوست کنده به تصویر کشید و سعی نکرد بدشکلی مادرزادی خود را پنهان کند.

لحن ملایم پرتره آن را آرام نمی کند - شوک در آن خوانده می شود. خود نوزاد با نگاهی عاقلانه و غیر کودکانه به تصویر کشیده شده است. مدت کوتاهی پس از اتمام نقاشی، کودک درگذشت. از همان لحظه زندگی هنرمندی که با این تراژدی سخت می گذشت، دوره "سیاه" بیماری و جنون آغاز شد.

عکس: thinkstockphotos.com، flickr.com

ژانرهای نقاشی ظاهر شدند ، محبوبیت یافتند ، محو شدند ، موارد جدید پدید آمدند ، زیرگونه ها در زیرگونه های موجود متمایز شدند. تا زمانی که یک فرد وجود دارد و سعی می کند دنیای اطراف خود را، چه طبیعت، چه ساختمان ها یا افراد دیگر، به تصویر بکشد، این روند متوقف نخواهد شد.

پیش از این (قبل از قرن نوزدهم)، ژانرهای نقاشی به ژانرهای به اصطلاح "بالا" (ژانر بزرگ فرانسوی) و ژانرهای "کم" (ژانر کوچک فرانسوی) تقسیم می شد. چنین تقسیم بندی در قرن هفدهم به وجود آمد. و بر اساس چه موضوع و طرحی به تصویر کشیده شده است. در این راستا ژانرهای عالی شامل: رزمی، تمثیلی، مذهبی و اساطیری و ژانرهای پست شامل پرتره، منظره، طبیعت بی جان، حیوان گرایی بود.

تقسیم به ژانرها نسبتاً دلخواه است، زیرا. عناصر دو یا چند ژانر می توانند به طور همزمان در تصویر حضور داشته باشند.

حیوان گرایی یا ژانر حیوانی

Animalism یا ژانر حیوانی (از lat. animal - animal) - ژانری که در آن انگیزه اصلی تصویر یک حیوان است. می توان گفت که این یکی از قدیمی ترین ژانرها است، زیرا. نقاشی ها و پیکره های پرندگان و حیوانات قبلاً در زندگی وجود داشت افراد بدوی. به عنوان مثال، در یک پهن نقاشی معروف I.I. شیشکین "صبح در جنگل کاج» طبیعت توسط خود هنرمند به تصویر کشیده شده است و خرس ها توسط شخص کاملاً متفاوتی به تصویر کشیده شده اند که در به تصویر کشیدن حیوانات تخصص دارد.

I.I. شیشکین "صبح در یک جنگل کاج"

چگونه می توان یک زیرگونه را تشخیص داد ژانر ایپی(از اسب آبی یونانی - اسب) - ژانری که در آن تصویر اسب به عنوان مرکز تصویر عمل می کند.

نه. Sverchkov "اسب در اصطبل"

پرتره

پرتره (از کلمه فرانسوی پرتره) تصویری است که در آن تصویر یک شخص یا گروهی از افراد در مرکز قرار دارد. پرتره نه تنها شباهت خارجی را نشان می دهد، بلکه منعکس می کند دنیای درونیو احساسات هنرمند را نسبت به شخصی که پرتره او را می کشد، پخش می کند.

I.E. رپین پرتره نیکلاس دوم

ژانر پرتره به زیر تقسیم می شود شخصی(تصویر یک نفر) گروه(تصویر چند نفر)، با توجه به ماهیت تصویر - به جلوزمانی که شخصی در تمام قددر برابر یک پس زمینه برجسته معماری یا منظر و محفظه - اتاقزمانی که فردی تا عمق سینه یا تا کمر در پس زمینه ای خنثی به تصویر کشیده می شود. گروهی از پرتره ها که بر اساس برخی ویژگی ها متحد شده اند، یک گروه یا یک گالری پرتره را تشکیل می دهند. نمونه آن پرتره هایی از اعضای خانواده سلطنتی است.

به طور جداگانه اختصاص داده شده است سلف پرترهکه هنرمند خود را بر روی آن به تصویر می کشد.

خود پرتره K. Bryullov

پرتره یکی از قدیمی ترین ژانرها است - اولین پرتره ها (مجسمه ای) قبلاً در مصر باستان وجود داشته است. چنین پرتره ای به عنوان بخشی از فرقه عمل می کرد زندگی پس از مرگو «دوگانه» انسان بود.

چشم انداز

منظره (از فرانسوی paysage - کشور، منطقه) ژانری است که در آن تصویر طبیعت مرکزی است - رودخانه ها، جنگل ها، مزارع، دریا، کوه ها. در یک منظره، نکته اصلی، البته، طرح است، اما به همان اندازه مهم است که حرکت، زندگی طبیعت اطراف را منتقل کنید. از یک طرف، طبیعت زیبا، تحسین برانگیز است، و از طرف دیگر، انعکاس آن در تصویر نسبتاً دشوار است.

سی مونه "مزرعه خشخاش در آرژانتوی"

زیرگونه منظر است منظره دریا یا مارینا(از فرانسوی دریایی، ایتالیایی marina، از لاتین marinus - دریا) - تصویری از یک نبرد دریایی، دریا یا رویدادهای دیگر که در دریا در حال رخ دادن است. نماینده روشننقاشان دریایی - ک.ا. آیوازوفسکی. قابل ذکر است که این هنرمند جزئیات زیادی از این تصویر را از حفظ نوشته است.

I.I. آیوازوفسکی "موج نهم"

با این حال، اغلب هنرمندان نیز تلاش می کنند تا دریا را از طبیعت بکشند، به عنوان مثال، دبلیو ترنر نقاشی "طوفان برفی". کشتی بخار در ورودی بندر یک سیگنال پریشانی می دهد و به آب کم عمق برخورد می کند، "4 ساعت را روی پل ناخدای کشتی در حال حرکت در طوفان گذراند.

دبلیو ترنر «طوفان برفی. کشتی بخار در ورودی بندر یک سیگنال پریشانی می دهد و به آب کم عمق برخورد می کند.

عنصر آب نیز در منظر رودخانه به تصویر کشیده شده است.

به طور جداگانه اختصاص دهید منظره شهری، که در آن خیابان ها و ساختمان های شهر موضوع اصلی تصویر هستند. منظر شهری است ودوتا- تصویر چشم انداز شهری به شکل پانوراما، که در آن مقیاس و تناسب مطمئناً حفظ می شود.

A. Canaletto "Piazza San Marco"

انواع دیگری از منظره وجود دارد - روستایی، صنعتی و معماری. AT نقاشی معماریموضوع اصلی تصویر منظره معماری است، یعنی. ساختمان ها، سازه ها؛ شامل تصویری از فضای داخلی ( دکوراسیون داخلیمحل). گاهی داخلی(از فرانسوی intérieur - داخلی) به عنوان متمایز می شود ژانر جداگانه. در نقاشی معماری ژانر دیگری متمایز می شود - کاپریچیو(از ایتالیایی capriccio، caprice، هوس) - یک منظره فانتزی معماری.

طبیعت بی جان

طبیعت بی جان (از طبیعت فرانسوی morte - طبیعت مرده) - یک ژانر اختصاص داده شده به تصویر اشیای بی جان، که در یک محیط مشترک قرار می گیرند و یک گروه را تشکیل می دهند. طبیعت بی جان در قرن 15-16 ظاهر شد، اما به عنوان یک ژانر جداگانه در قرن 17 شکل گرفت.

علیرغم این واقعیت که کلمه "طبیعت بی جان" به عنوان طبیعت مرده ترجمه شده است، در تصاویر دسته گل، میوه، ماهی، بازی، ظروف وجود دارد - همه چیز "شبیه یک موجود زنده" به نظر می رسد، یعنی. مثل واقعی طبیعت بی جان از زمان پیدایش تا به امروز یکی از ژانرهای مهم در نقاشی بوده است.

سی مونه "گلدان با گل"

چگونه می توان یک زیرگونه جداگانه را تشخیص داد وانیتاس(از لاتین Vanitas - غرور، غرور) - یک ژانر نقاشی که در آن مکان مرکزی در تصویر توسط جمجمه انسان اشغال شده است که تصویر آن برای یادآوری غرور و ضعف زندگی انسان است.

نقاشی F. de Champagne سه نماد از سستی وجود - زندگی، مرگ، زمان را از طریق تصاویر یک لاله، یک جمجمه، یک ساعت شنی نشان می دهد.

ژانر تاریخی

ژانر تاریخی - ژانری که در آن نقاشی ها رویدادهای مهم و اجتماعی را به تصویر می کشند پدیده های مهمگذشته یا حال قابل توجه است که تصویر را می توان نه تنها به وقایع واقعی، بلکه به رویدادهایی از اساطیر یا، به عنوان مثال، در کتاب مقدس توصیف کرد. این ژانربرای تاریخ، هم برای تاریخ ملت ها و دولت ها و هم برای کل بشریت بسیار مهم است. در تصاویر ژانر تاریخیمی تواند از انواع دیگر ژانرها جدایی ناپذیر باشد - ژانر پرتره، منظره، نبرد.

I.E. رپین "قزاق ها نامه ای به سلطان ترکیه می نویسند" K. Bryulov "آخرین روز پمپئی"

ژانر نبرد

ژانر نبرد (از فرانسوی bataille - نبرد) ژانری است که در آن نقاشی های اوج نبرد، عملیات نظامی، لحظه پیروزی، صحنه هایی از زندگی نظامی را به تصویر می کشد. نقاشی نبرد با تصویر در تصویر تعداد زیادی از مردم مشخص می شود.

A.A. Deineka "دفاع از سواستوپل"

ژانر مذهبی

ژانر مذهبی - ژانری که در آن اصلی خط داستان- کتاب مقدس (صحنه ای از کتاب مقدس و انجیل). با توجه به موضوع، شمایل نگاری نیز متعلق به مذهبی است، تفاوت آنها در این است که نقاشی هایی با محتوای مذهبی در خدمات برگزار شده شرکت نمی کنند و برای شمایل این هدف اصلی است. نقاشی آیکونترجمه از یونانی به معنای "تصویر دعا" است. این ژانر با محدودیت ها و قوانین سخت نقاشی محدود شده بود، زیرا. طراحی شده نه برای انعکاس واقعیت، بلکه برای انتقال ایده آغاز خدا، که در آن هنرمندان به دنبال ایده آل هستند. در روسیه، نقاشی شمایل در قرون 12-16 به اوج خود رسید. اکثر نام های معروفنقاشان نماد - تئوفان یونانی (نقاشی های دیواری)، آندری روبلف، دیونیسیوس.

آ. روبلف "ترینیتی"

چگونه مرحله انتقالی از نقاشی نماد به پرتره برجسته می شود پارسونا(تحریف شده از lat. persona - شخصیت، شخص).

پارسونای ایوان مخوف. نویسنده ناشناس

ژانر خانگی

صحنه های به تصویر کشیده شده در نقاشی ها زندگی روزمره. غالباً هنرمند در مورد آن لحظات زندگی می نویسد که معاصر آنهاست. ویژگی های متمایز کنندهاز این ژانر - واقع گرایی نقاشی ها و سادگی طرح. تصویر می تواند آداب و رسوم، سنت ها، ساختار زندگی روزمره یک مردم خاص را منعکس کند.

نقاشی خانگی شامل نقاشی های معروفمانند "کشنده های بارج در ولگا" اثر ای. رپین، "ترویکا" اثر وی. پروف، " ازدواج نابرابر» V. Pukireva.

I. رپین "کشنده‌های بارج در ولگا"

ژانر حماسی - اسطوره ای

ژانر حماسی - اسطوره ای. کلمه اسطوره از یونانی گرفته شده است. "mythos" که به معنای سنت است. این نقاشی ها وقایع افسانه ها، حماسه ها، افسانه ها، اسطوره های یونان باستان، افسانه های باستانی، توطئه های فولکلور را به تصویر می کشد.

P. Veronese "Apollo and Marsyas"

ژانر تمثیلی

ژانر تمثیلی (از یونانی allegoria - تمثیل). تصاویر به گونه ای نقاشی شده اند که دارند معنای پنهان. ایده ها و مفاهیم ناملموس که با چشم نامرئی هستند (قدرت، خیر، شر، عشق) از طریق تصاویر حیوانات، انسان ها، سایر موجودات زنده با چنین ویژگی های ذاتی که نمادهایی از قبل در ذهن مردم تثبیت شده است، منتقل می شود و به آنها کمک می کند. معنای کلی کار را درک کنید.

L. Giordano "عشق و رذایل عدالت را خلع سلاح می کند"

پاستورال (از فرانسوی پاستورال - چوپان، روستایی)

ژانری از نقاشی که زندگی ساده و آرام روستایی را تجلیل و شاعرانه می کند.

F. Boucher "Autumn Pastoral"

کاریکاتور (از ایتالیایی caricare - به اغراق)

ژانری که در آن از خلق یک تصویر عمدا استفاده می شود جلوه کمیکبا اغراق و تیز کردن ویژگی ها، رفتار، لباس و غیره. هدف از کاریکاتور توهین کردن است، بر خلاف مثلاً کاریکاتور (از اتهام فرانسوی) که هدف آن صرفاً شوخی است. مفاهیمی مانند آتل، گروتسک نزدیک به اصطلاح "کاریکاتور" هستند.

برهنه (از فرانسوی nu - برهنه، برهنه)

ژانری که در آن برهنه به تصویر کشیده می شود بدن انساناغلب زن

تیتیان وچلیو "زهره اوربینو"

فریب، یا ترومپلی (از fr. trompe-l'œil -خطای دید)

ژانری که ویژگی های مشخصه آن تکنیک های خاصی است که یک توهم نوری ایجاد می کند و به شما امکان می دهد مرز بین واقعیت و تصویر را محو کنید. این تصور فریبنده که جسم سه بعدی است، در حالی که دو بعدی است. گاهی اسناگ به عنوان زیرگونه طبیعت بی جان متمایز می شود، اما گاهی افراد نیز در این ژانر به تصویر کشیده می شوند.

پر بورل دل کاسو "فرار از انتقاد"

برای کامل شدن درک ترفندها، مطلوب است که آنها را در اصل در نظر بگیرید، زیرا. یک بازتولید قادر به انتقال کامل اثری است که هنرمند به تصویر می کشد.

جاکوپو د باربری "کبک و دستکش آهنی"

تصویر طرح موضوعی

ترکیبی از ژانرهای سنتی نقاشی (روزمرگی، تاریخی، نبرد، منظره و غیره). به عبارت دیگر این ژانر ترکیب فیگور نامیده می شود که ویژگی های بارز آن عبارتند از: نقش رهبرییک فرد بازی می کند، حضور یک عمل و یک ایده اجتماعی مهم، روابط (تضاد منافع / شخصیت ها) و لهجه های روانی لزوما نشان داده می شود.

وی. سوریکوف "بویار موروزوا"

در هنر مضامین ابدی وجود دارد. یکی از آنها موضوع یک زن است، موضوع مادری. هر دوره ایده آل خود را از یک زن دارد، کل تاریخ بشریت منعکس شده است که مردم چگونه یک زن را دیدند، چه اسطوره هایی او را احاطه کردند و به او در خلقت کمک کردند. دقیقاً یک چیز - در همه اعصار و زمانها شخصیت زنانه توجه ویژه هنرمندان را به خود جلب کرده، جلب کرده و خواهد کرد.

تصاویر زنان خلق شده در پرتره آرمان شاعرانه را در وحدت هماهنگ خود حمل می کند. ویژگی های معنویو ظاهر خارجی از روی پرتره ها می توان قضاوت کرد که چگونه ظاهر یک زن، انبار ذهنی او تحت تأثیر رویدادهای اجتماعی، مد، ادبیات، هنر و خود نقاشی است.

تصاویر متنوعی از زنان در نقاشی را در جهات مختلف به شما ارائه می کنیم

واقع گرایی

جوهر جهت، دقیق ترین و عینی ترین تثبیت واقعیت است. تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با آثار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه که در سال 1855 اثر خود را در پاریس افتتاح کرد، مرتبط است. نمایشگاه شخصیغرفه رئالیسم مخالف رمانتیسم و ​​آکادمیزم است. در دهه 1870، رئالیسم به دو حوزه اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و ​​امپرسیونیسم. طبیعت گرایان هنرمندانی نامیده می شدند که به دنبال این بودند که واقعیت را تا حد امکان دقیق و به صورت عکاسی ثبت کنند.

ایوان کرامسکوی "ناشناس"

سروف "دختری با هلو"

آکادمیزم

آکادمیک با پیروی رشد کرد اشکال خارجیهنر کلاسیک آکادمیزم سنت های هنر باستانی را تجسم می بخشد که در آن تصویر طبیعت ایده آل می شود. آکادمیک روسی نیمه اول قرن نوزدهم با مضامین عالی، سبک استعاری بالا، تطبیق پذیری، چندشکل بودن و شکوه مشخص می شود. محبوب بودند داستان های کتاب مقدس، مناظر سالن و پرتره های تشریفاتی. با وجود موضوع محدود نقاشی ها، آثار آکادمیسین ها به دلیل مهارت فنی بالایی که داشتند متمایز می شدند.

Bouguereau "Pleiades"

Bouguereau "Mood"

کابانل "تولد زهره"

امپرسیونیسم

نمایندگان این سبک به دنبال این بودند که دنیای واقعی را در تحرک و تغییرپذیری آن به طبیعی ترین و بی طرفانه ترین شکل به تصویر بکشند تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند. امپرسیونیسم فرانسوی مطرح نشد مسائل فلسفی. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی بودن، سیال بودن لحظه، حالت، نور، یا زاویه دید تمرکز دارد. نقاشی های آنها فقط جنبه های مثبت زندگی را نشان می داد، مشکلات اجتماعی را نقض نمی کرد و مشکلاتی مانند گرسنگی، بیماری، مرگ را دور می زد. توطئه های کتاب مقدس، ادبی، اسطوره ای، تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بود کنار گذاشته شد. آنها موضوعاتی مانند معاشقه، رقص، اقامت در کافه ها و تئاترها، سفرهای قایق، در سواحل و باغ ها را انتخاب کردند. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، سرگرمی های دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است.

بولدینی "مولن روژ"

رنوار "پرتره ژان سامری"

مانه "صبحانه روی چمن"

مایو "رزا براوا"

لوترک "زنی با چتر"

سمبولیسم

سمبولیست ها نه تنها انواع مختلف هنر، بلکه نگرش خود را نیز به طور اساسی تغییر دادند. ماهیت تجربی آنها، میل به نوآوری، جهان وطن گرایی الگویی برای اکثر جنبش های هنر معاصر شده است. آنها از نمادها، کم بیان، کنایه، رمز و راز، رمز و راز استفاده کردند. خلق و خوی اصلی اغلب بدبینی بود و به نقطه ناامیدی می رسید.بر خلاف سایر گرایش های هنر، نمادگرایی بیانگر ایده های «دست نیافتنی»، گاهی عرفانی، تصاویر ابدیت و زیبایی است.

ردون "افلیا"

فرانتس فون استاک "سالومه"

واتس "امید"

روزتی "پرسفون"

نوین

هنر نو تلاش کرد تا کارکردهای هنری و سودمند آثار خلق شده را ترکیب کند تا همه حوزه های فعالیت انسانی را در حوزه زیبایی درگیر کند. در نتیجه علاقه به هنرهای کاربردی: طراحی داخلی، سرامیک، گرافیک کتاب. هنرمندان هنر نو از هنر الهام گرفتند مصر باستانو تمدن های باستانی بارزترین ویژگی Art Nouveau رد زوایای راست و خطوط به نفع خطوط منحنی تر و صاف تر بود. اغلب، هنرمندان مدرن، زیور آلات را از دنیای گیاهان به عنوان اساس نقاشی های خود می گرفتند.

کلیمت "پرتره آدل بلوخ-بائر اول"

کلیمت "دانائه"

کلیمت "سه عصر زن"

پرواز "میوه"

اکسپرسیونیسم

اکسپرسیونیسم یکی از تاثیرگذارترین جنبش های هنری قرن بیستم است. اکسپرسیونیسم به عنوان واکنشی به حادترین بحران ربع اول قرن بیستم، جنگ جهانی اول و جنبش های انقلابی متعاقب آن، زشتی تمدن بورژوایی، که منجر به میل به غیرعقلانی شد، پدید آمد. از نقوش درد، فریاد استفاده شد، اصل بیان شروع به غلبه بر تصویر کرد.

مودیلیانی او با کمک بدن و چهره زنان سعی می کند در روح شخصیت هایش نفوذ کند. «من به انسان علاقه مندم. صورت بزرگترین آفریده طبیعت است. من به طور خستگی ناپذیر از آن استفاده می کنم، "او تکرار کرد.

مودیلیانی "برهنه خوابیده"

شیله "زنی با جوراب سیاه"

کوبیسم

کوبیسم یک جنبش مدرنیستی است هنرهای زیبا(عمدتاً در نقاشی) ربع اول قرن بیستم، که وظیفه رسمی ساخت یک فرم سه بعدی در یک صفحه را به منصه ظهور رساند و کارکردهای بصری و شناختی هنر را به حداقل رساند. ظهور کوبیسم به طور سنتی به سال های 1906-1907 مربوط می شود و با کارهای پابلو پیکاسو و ژرژ براک مرتبط است. به طور کلی، کوبیسم گسست از سنت هنر رئالیستی بود که در دوران رنسانس توسعه یافت، از جمله آفرینش. توهم بصریآرامش در هواپیما کار کوبیست ها چالشی برای زیبایی استاندارد هنر سالن، تمثیل های مبهم نمادگرایی و شکنندگی نقاشی امپرسیونیستی بود. کوبیسم با ورود به دایره جنبش‌های شورشی، آنارشیستی، فردگرایانه، با کششش به سمت زهد رنگ، به سمت اشکال ساده، سنگین، ملموس و موتیف‌های ابتدایی در میان آنها برجسته شد.

پیکاسو "زن گریان"

پیکاسو "در حال ماندولین بازی"

پیکاسو "دختران آوینیون"

سورئالیسم

مفهوم اساسی سوررئالیسم، سوررئالیت- ترکیب رویا و واقعیت برای انجام این کار، سوررئالیست ها ترکیبی پوچ و متناقض از تصاویر طبیعت گرایانه را از طریق کولاژ و جابجایی شی از فضای غیر هنری به فضای هنری ارائه کردند که به لطف آن، شی با استفاده از آن باز می شود. طرف غیر منتظرهخواصی که خارج از بافت هنری مورد توجه قرار نگرفته اند در آن ظاهر می شود. سوررئالیست ها از ایدئولوژی چپ رادیکال الهام گرفتند، اما پیشنهاد کردند که انقلاب را از آگاهی خود شروع کنند. هنر توسط آنها به عنوان ابزار اصلی رهایی در نظر گرفته شد. این جهت توسعه یافته است نفوذ بزرگنظریه روانکاوی فروید. سوررئالیسم ریشه در نمادگرایی داشت و در ابتدا تحت تأثیر هنرمندان نمادگرا مانند گوستاو مورو و اودیلون ردون قرار گرفت. بسیاری از هنرمندان محبوب سوررئالیست بودند، از جمله رنه ماگریت، ماکس ارنست، سالوادور دالی، آلبرتو جاکومتی.

گیل الوگرن (1914-1980) یکی از هنرمندان برجسته قرن بیستم بود. برای همه من فعالیت حرفه ایکه در اواسط دهه 1930 آغاز شد و برای بیش از چهل سال به طول انجامید، خود را به عنوان یک محبوب آشکار در میان کلکسیونرها و طرفداران پین آپ در سراسر جهان تثبیت کرده است. و اگرچه گیل الوگرن عمدتاً یک هنرمند پین آپ در نظر گرفته می شود، او شایسته عنوان یک تصویرگر کلاسیک آمریکایی است که توانست حوزه های مختلف هنر تجاری را پوشش دهد.

25 سال کار برای تبلیغات کوکاکولا به او کمک کرد تا خود را به عنوان یکی از تصویرگران بزرگ در این زمینه معرفی کند. تبلیغات کوکاکولا شامل تصاویر پین‌آپ از دختران الوگرن بود که بیشتر این تصاویر معمولی را به تصویر می‌کشیدند. خانواده های آمریکایی، کودکان ، نوجوانان - مردم عادیانجام فعالیت های روزانه در طول جنگ جهانی دوم و جنگ کره، الوگرن حتی تصاویری از آن کشید موضوع نظامیبرای کوکاکولا، که برخی از آنها در آمریکا به "نماد" تبدیل شده اند.

کار الوگرن برای کوکاکولا رویای آمریکایی برای زندگی امن و راحت را به تصویر می‌کشید و برخی از تصاویر داستانی مجلات امیدها، ترس‌ها و شادی‌های خوانندگانشان را به تصویر می‌کشیدند. این تصاویر در دهه 1940-1950 در تعدادی از مجلات معروف آمریکایی مانند McCall's، Cosmopolitan، Good Housekeeping و Woman's Home Companion منتشر شد. الوگرن همراه با کوکاکولا با قطعات خودرو Orange Crush، Schlitz Beer، Sealy Mattress، General Electric، Sylvania و Napa نیز کار کرده است.

الوگرن نه تنها به خاطر نقاشی‌ها و گرافیک‌های تبلیغاتی‌اش متمایز بود - او همچنین بود عکاس حرفه ای، که همانقدر ماهرانه دوربین را به کار می برد که براش را به دست می گرفت. اما انرژی و استعداد او در اینجا متوقف نشد: علاوه بر این، او یک معلم بود که شاگردانش بعداً به هنرمندان مشهور تبدیل شدند.

همچنین در اوایل کودکیالوگرن از تصاویر الهام گرفت تصویرگران معروف. او هر هفته صفحات و جلد مجلات را با تصاویری که دوست داشت پاره می کرد و در نتیجه جمع آوری می کرد. مجموعه عظیم، که ردپای خود را در کار این هنرمند جوان گذاشت.

آثار الوگرن تحت تأثیر بسیاری از هنرمندان، مانند فلیکس اکتاویوس کار دارلی (1822-1888)، اولین هنرمندی بود که توانست برتری مکاتب تصویرسازی انگلیسی و اروپایی را بر هنر تجاری آمریکایی رد کند. نورمن راکول (1877-1978) که الوگرن در سال 1947 با او آشنا شد و این ملاقات آغاز یک دوستی طولانی بود. چارلز دانا گیبسون (چارلز دانا گیبسون) (1867-1944)، که از قلم موی او ایده آل یک دختر بیرون آمد که ترکیبی از "همسایه" (دختر همسایه) و "دختر رویایی" (دختر رویاهای شما) بود. ، هاوارد چندلر کریستی، جان هنری هینترمایستر (1870-1945) و دیگران.

الوگرن از نزدیک آثار این هنرمندان کلاسیک را مورد مطالعه قرار داد، در نتیجه او مبنایی را ایجاد کرد که بر اساس آن پیشرفتهای بعدیهنر پین آپ

بنابراین، گیل الوگرن در 15 مارس 1914 به دنیا آمد و در سنت پل مینیاپولیس بزرگ شد. والدین او، الکس و گلدی الوگرن، فروشگاهی در مرکز شهر داشتند که کاغذ دیواری و رنگ می فروخت.

گیل پس از فارغ التحصیلی از دبیرستان می خواست معمار شود. پدر و مادرش این تمایل را تأیید کردند، زیرا وقتی در سن هشت سالگی پسر را به دلیل نقاشی حاشیه کتاب های درسی از مدرسه حذف کردند، متوجه استعداد او در نقاشی شدند. الوگرن سرانجام در دانشگاه مینه سوتا ثبت نام کرد تا در رشته معماری و طراحی تحصیل کند و در عین حال دوره های هنری را در دانشگاه گذراند. موسسه هنریمینیاپولیس در آنجا بود که متوجه شد طراحی بسیار بیشتر از طراحی ساختمان ها برایش جالب است.

در پاییز همان سال، الوگرن با جانت کامینز ازدواج کرد. و اینجا، در سال نوتازه ازدواج کرده به شیکاگو نقل مکان می کنند، جایی که فرصت های زیادی برای هنرمندان وجود داشت. البته، آنها می توانستند نیویورک را انتخاب کنند، اما شیکاگو نزدیک تر و امن تر بود.

پس از ورود به شیکاگو، گیل سعی کرد همه چیز را برای توسعه حرفه خود انجام دهد. او در آکادمی هنرهای معتبر آمریکا در مرکز شهر ثبت نام کرد، جایی که با بیل مازبی دوست شد. یک هنرمند با تجربهو معلمی که همیشه از دیدن رشد گیل تحت هدایت او افتخار می کند.

وقتی گیل الوگرن به آکادمی آمد، البته با استعداد بود، اما از بسیاری از دانشجویانی که در آنجا تحصیل می کردند متمایز نبود. اما تنها یک چیز او را از دیگران متمایز می کرد: او دقیقاً می دانست چه می خواهد. بیشتر از همه می خواست که باشد یک هنرمند خوب. در دو سال تحصیل، او در دوره ای که برای سه و نیم طراحی شده بود تسلط یافت: او در کلاس های شبانه، در تابستان شرکت می کرد. در اوقات فراغت همیشه نقاشی می کرد.

او بود یک دانش آموز خوبو بیشتر از دیگران کار کرد. جیل در هر دوره ای شرکت می کرد که می توانست حداقل دانش نقاشی را کسب کند. در دو سال پیشرفت خارق العاده ای کرد و یکی از بهترین فارغ التحصیلان آکادمی شد.

جیل هنرمند شگفت انگیزی است که کمتر کسی می تواند با او برابری کند. از نظر هیکل قوی، شبیه یک بازیکن فوتبال است. دست های بزرگ او به هیچ وجه شبیه دست های یک هنرمند نیست: مداد به معنای واقعی کلمه در آنها "نقف" می کند، اما دقت و پرزحمت حرکات او را فقط می توان با مهارت یک جراح مقایسه کرد.

گیل در طول مدت حضورش در این موسسه هرگز دست از کار نکشید. تصاویر او قبلاً بروشورها و مجلات آکادمی را که در آن تحصیل می کرد تزئین می کرد.

گیل در آنجا با هنرمندان زیادی آشنا شد که دوستان مادام العمر او شدند، مانند: هارولد اندرسون (هارولد اندرسون)، جویس بالاترین (جویس بالانتاین).

در سال 1936، جیل و همسرش به زادگاه خود بازگشتند و در آنجا استودیوی خود را افتتاح کردند. اندکی قبل از این، او اولین کار سفارشی پولی خود را انجام می دهد: جلد یک مجله مد، که به تصویر می کشد. مرد خوش تیپبا یک ژاکت دو طرفه و شلوار تابستانی رنگ روشن. بلافاصله پس از اینکه الوگرن کار خود را برای مشتری فرستاد، مدیر شرکت با او تماس گرفت تا به او تبریک بگوید و نیم دوجین جلد دیگر را سفارش دهد.

سپس یک کمیسیون جالب دیگر آمد، که قرار بود پنج دوقلو دیون (Dionne Quintuplets) را بکشند، که تولد آن برای رسانه ها هیجان انگیز شد. مشتری براون و بیگلو، بزرگترین ناشر تقویم بود. این اثر در تقویم های 1937-1938 چاپ شد که در میلیون ها نسخه فروخته شد. از آن زمان ، الوگرن شروع به کشیدن مشهورترین دختران در آمریکا کرد که موفقیت زیادی برای او به ارمغان آورد. شرکت های دیگر شروع به دعوت از Elvgren برای همکاری کردند، به عنوان مثال، براون و رقیب Biglow، Louis F. Dow Calendar Company. چاپ آثار این هنرمند در کتابچه ها آغاز شد. ورق بازی کردنو حتی قوطی کبریت سپس بسیاری از نقاشی های او در اندازه واقعی که برای رویال کراون سودا ساخته شده بود در خواربارفروشی ها ظاهر شدند. همان سال برای الوگرن اهمیت ویژه ای پیدا می کند، زیرا او و همسرش اولین فرزندشان، کارن را به دنیا آوردند.

الوگرن به گرفتن دستور ادامه می دهد و تصمیم می گیرد با خانواده اش به شیکاگو بازگردد. او به زودی با هادون اچ. ساندبلوم (1899-1976) که بت او بود آشنا شد. سندبلوم تأثیر زیادی بر کار الوگرن دارد.

به لطف ساندبلوم، الوگرن هنرمند تبلیغاتی کوکاکولا شد. این آثار تاکنون نمادهایی در تاریخ تصویرسازی آمریکا هستند.

بلافاصله پس از بمباران پرل هاربر، از الوگرن خواسته شد تا برای کارزار نظامی نقاشی بکشد. اولین نقاشی او برای این مجموعه در سال 1942 در مجله Good Housekeeping با عنوان "او می داند که "آزادی" واقعا چیست" منتشر شد و دختری را در لباس افسر صلیب سرخ به تصویر کشید.

در سال 1942، جیل جونیور به دنیا آمد و در سال 1943 همسرش در انتظار فرزند سوم بود. با این حال، خانواده الوگرن و تجارت او رشد کردند. جیل به پروژه های تبلیغاتی مشغول است و کارهای قدیمی خود را نیز می فروشد. او از زندگی لذت می برد، زیرا خودش قبلاً بود هنرمند محترمو یک مرد خانواده شاد وقتی فرزند سوم در خانواده اش به دنیا آمد، الوگرن از قبل حدود 1000 دلار برای هر نقاشی دریافت می کرد، یعنی. حدود 24000 دلار در سال که در آن زمان مبلغ بسیار زیادی بود. این بدان معناست که گیل می تواند به پردرآمدترین تصویرگر در ایالات متحده تبدیل شود و البته جایگاه ویژه ای در براون و بیگلو داشته باشد.

قبل از کار انحصاری برای براون و بیگلو، او اولین (و تنها) کمیسیون خود را از شرکت فیلادلفیا جوزف هوور گرفت. او برای اینکه با براون و بیگلو مشکلی نداشته باشد، این پیشنهاد را به شرط عدم امضای نقاشی پذیرفت. برای این کار که "دختر رویایی" نام دارد، 2500 دلار دریافت کرد، زیرا. این بزرگترین نقاشی بود که او تا به حال نقاشی کرده بود (101.6cm x 76.2cm).

همکاری با براون و بیگلو به الوگرن اجازه داد تا به نقاشی برای کوکاکولا ادامه دهد، اگرچه او می‌توانست برای هر شرکت دیگری که با براون و بیگلو درگیری نداشت کار کند. بنابراین همکاری بین الوگرن و براون و بیگلو در سال 1945 آغاز شد که بیش از سی سال به طول انجامید.

کارگردان براون و بیگلو، چارلز وارد، نام الوگرن را به رسمیت شناخت. او همچنین به گیل پیشنهاد داد که یک پین آپ برهنه بسازد که این هنرمند با اشتیاق فراوان موافقت کرد. این نقاشی از یک پوره بور برهنه در ساحل، زیر نور مهتاب آبی بنفش یاسی بود. این تصویر همراه با کار هنرمند دیگری - ZoÎ Mozert در یک دسته کارت منتشر شد. سال بعد، وارد پین آپ برهنه دیگری را از الوگرن برای نقشه های بیشتر سفارش داد، اما این بار الوگرن این کار را کاملاً به تنهایی انجام داد. این پروژه رکوردهای فروش براون و بیگلو را شکست و "Mais Oui by Gil Elvgren" نام گرفت.

اولین سه پروژه پین ​​آپ برای براون و بیگلو تنها پس از چند هفته به پرفروش ترین های شرکت تبدیل شدند. این تصاویر خیلی زود برای ورق بازی مورد استفاده قرار گرفتند.

در پایان این دهه، الوگرن به موفق ترین هنرمند براون و بیگلو تبدیل شد، به لطف رسانه ها، آثار او به طور گسترده ای برای عموم شناخته شد، حتی مجلات مقالاتی در مورد او منتشر کردند. شرکت هایی که او با آنها کار کرد عبارتند از کوکاکولا، Orange Crush، Schlitz، Red Top Beer، Ovaltine، Royal Crown Soda، Campana Balm، General Tire، Sealy Mattress، Serta Perfect Sleep، Napa Auto Parts، Detzler Automotive Finishes، Frankfort Distilleries، Four Roses. ویسکی مخلوط، جنرال الکتریک لوازم خانگی و شکلات های پانگبرن.

الوگرن در مواجهه با چنین تقاضایی برای کار خود، به فکر افتتاح استودیوی خود افتاد، زیرا از قبل هنرمندان زیادی وجود داشتند که کار او و به اصطلاح "نقاشی مایونز" را تحسین می کردند (به اصطلاح سبک Sandblom و Elvgren به دلیل رنگ های موجود در آثار "کرم" و صاف مانند ابریشم به نظر می رسید). اما پس از سنجیدن همه جوانب مثبت و منفی، این ایده را کنار گذاشت.

گیل الوگرن سفرهای زیادی کرد، با افراد با نفوذ زیادی آشنا شد. دستمزد او در براون و بیگلو از 1000 دلار برای هر بوم به 2500 دلار تغییر کرد و 24 نقاشی در سال می کشید، به علاوه او درصدی از مجلاتی را که تصاویرش را چاپ می کردند دریافت می کرد. او با خانواده اش نقل مکان کرد خانه جدیددر حومه Winnetka، جایی که او شروع به ساخت استودیوی خود در اتاق زیر شیروانی کرد، که به او اجازه داد حتی بیشتر کار کند.

گیل طعم عالی داشت و همچنین شوخ بود. کار او همیشه ترکیب جالبی است، طرح های رنگیو ژست ها و ژست های دقیق فکر شده آنها را زنده و هیجان انگیز می کند. نقاشی های او صادقانه است. گیل تکامل زیبایی زنانه را احساس کرد که بسیار مهم بود. بنابراین، Elvgren همیشه مورد تقاضای مشتریان بود.

در سال 1956، گیل با خانواده اش به فلوریدا نقل مکان کرد. از محل سکونت جدید کاملا راضی بود. در آنجا او یک استودیوی عالی افتتاح کرد، جایی که بابی تومبز را مطالعه کرد، که به حق به یک هنرمند شناخته شده تبدیل شد. او گفت که الوگرن یک معلم عالی بود که به او آموخت تا از تمام مهارت های خود با تفکر استفاده کند.

در فلوریدا، گیل تعداد زیادی پرتره کشید، از جمله مدل های او میرن لوی، آرلین دال، دونا رید، باربارا هیل، کیم نواک هستند. در دهه‌های 1950 و 1960، هر مدل یا بازیگر مشتاقی دوست داشت که الوگرن دختری را به شکل او بکشد، که سپس روی تقویم‌ها و پوسترها چاپ می‌شد.

الوگرن همیشه به دنبال ایده های جدید برای نقاشی هایش بود. اگرچه بسیاری از دوستان هنرمندش در این امر به او کمک کردند، اما او بیش از همه به خانواده خود متکی بود: او ایده های خود را با همسر و فرزندانش مطرح می کرد.

الوگرن در حلقه‌ای از هنرمندانی کار می‌کرد که به آنها آموزش می‌داد یا برعکس، از آنها تحصیل می‌کرد. دوستانی که با آنها اشتراکات زیادی داشت. از جمله هری اندرسون، جویس بالانتاین، آل بوئل، مت کلارک، ارل گراس، اد هنری، چارلز کینگهام و دیگران بودند.

گیل الوگرن زندگی می کرد زندگی کامل. به عنوان یک کوهنورد مشتاق، عاشق ماهیگیری و شکار بود. او می توانست ساعت ها را در استخر بگذراند، دوست داشت ماشین های مسابقه ای، همچنین علاقه فرزندانش به جمع آوری سلاح های عتیقه را به اشتراک گذاشت.

در طول سال ها، الوگرن دستیاران زیادی در استودیو داشت که بیشتر آنها بعداً تبدیل شدند هنرمندان موفق. زمانی که الوگرن مجبور شد از همکاری با شرکت ها به دلیل مقدار زیادیمدیران هنری موافقت کردند که یک سال یا حتی بیشتر صبر کنند، اگر فقط جیل برای آنها کار کند.

اما تمام این موفقیت گیل در سال 1966 تحت الشعاع فاجعه وحشتناکی قرار گرفت که خانواده او را فرا گرفت: همسر گیل، جانت، بر اثر سرطان درگذشت. پس از آن، او بیشتر وارد کار شد. محبوبیت او بدون تغییر باقی می ماند، او نیازی به نگرانی در مورد چیزی جز نتیجه کار خود ندارد. این بهترین دوره زندگی حرفه ای الوگرن بود، اگر نه برای مرگ همسرش.

توانایی انتقال الوگرن زیبایی زنانهبی نظیر بود هنگام طراحی، معمولاً روی ویلچر می نشست تا بتواند به راحتی در اطراف حرکت کند و از روی آن به نقاشی نگاه کند زوایای مختلفو یک آینه بزرگ پشت سر او به او اجازه داد تا یک ایده کلی از کل تصویر داشته باشد. دختران مهمترین چیز در کار او بودند: او مدل های 15-20 ساله را ترجیح می داد که تازه کار خود را شروع می کردند، زیرا آنها بی واسطه ای داشتند که با تجربه از بین می رود. وقتی در مورد تکنیکش پرسیده شد، گفت که لمس هایش را اضافه می کند: پاها را بلند می کند، سینه را بزرگ می کند، کمر را باریک می کند، لب ها را چاق تر می کند، چشم ها را رساتر می کند، بینی را دراز می کند و در نتیجه به مدل جذابیت بیشتری می بخشد. الوگرن همیشه با دقت ایده های خود را از ابتدا تا انتها کار می کرد: او مدل، وسایل، نورپردازی، ترکیب بندی، حتی موها را انتخاب می کرد. بالاخره او از صحنه عکس گرفت و شروع به نقاشی کرد.

ویژگی بارز کار گیل این بود که با نگاه کردن به نقاشی‌ها، به نظر می‌رسید که دخترانی که در آن‌ها هستند، زنده می‌شوند، سلام می‌کنند یا پیشنهاد نوشیدن یک فنجان قهوه را می‌دهند. آنها زیبا و پر از اشتیاق به نظر می رسیدند. همیشه جذاب، مسلح به لبخندی دوستانه، حتی در زمان جنگ به سربازان نیرو و امید برای بازگشت به خانه دخترانشان می دادند.

بسیاری از هنرمندان رویای نقاشی به روش الوگرن را در سر داشتند و همه استعداد و موفقیت او را تحسین می کردند.

هر سال او با سهولت و حرفه ای بیشتر نقاشی می کشید، نقاشی های اولیه او نسبت به نقاشی های بعدی "سخت تر" به نظر می رسید. او در رشته خود به اوج برتری رسیده است.

در 29 فوریه 1980، گیل الوگرن، مردی که خود را وقف شاد کردن مردم با هنر خود کرده بود، در سن 65 سالگی بر اثر سرطان درگذشت. پسرش دریک در استودیوی پدرش آخرین نقاشی ناتمام، اما با این حال باشکوه برای براون و بیگلو را پیدا کرد. سه دهه از مرگ الوگرن می گذرد، اما هنر او همچنان پابرجاست. بدون شک الوگرن به عنوان هنرمندی که سهم بزرگی در هنر قرن بیستم آمریکا داشته است در تاریخ ثبت خواهد شد.

دونگ هونگ اوای هنرمند و عکاس چینی در سال 1929 به دنیا آمد و در سال 2004 در سن 75 سالگی درگذشت. او آثاری باورنکردنی به جا گذاشت که به سبک پیکچرالیسم خلق شده اند - عکس های شگفت انگیز، شبیه به آثار سنتی نقاشی چینی.

دونگ هونگ اوآی در سال 1929 در شهر گوانگژو، استان گوانگدونگ، چین به دنیا آمد. او پس از مرگ غیرمنتظره پدر و مادرش در سن هفت سالگی کشور را ترک کرد.

دونگ به عنوان کوچکترین فرزند از 24 کودک، برای زندگی در یک جامعه چینی در سایگون، ویتنام رفت. او بعداً چندین بار به چین سفر کرد، اما دیگر هرگز در آن کشور زندگی نکرد.

پس از ورود به سایگون، دونگ در یک استودیوی عکاسی مهاجر چینی شاگرد شد. در آنجا اصول اولیه عکاسی را آموخت. او همچنین علاقه زیادی به عکاسی از طبیعت داشت که اغلب با یکی از دوربین های استودیو انجام می داد. در سال 1950 در سن 21 سالگی وارد دانشگاه ملی هنر ویتنام شد.

در سال 1979 بین جمهوری سوسیالیستیویتنام و جمهوری خلق چین مرز خونینی را باز کردند. دولت ویتنام سیاست سرکوبگرانه ای را علیه چینی های قومی ساکن در این کشور آغاز کرد. در نتیجه، دونگ به یکی از میلیون‌ها «قایق‌نشین» تبدیل شد که در اواخر دهه 70 و اوایل دهه 80 از ویتنام فرار کردند.

دونگ در سن 50 سالگی که انگلیسی صحبت نمی کرد و خانواده یا دوستانی در ایالات متحده نداشت، وارد سانفرانسیسکو شد. او حتی توانست یک اتاق کوچک برای توسعه عکس هایش بخرد.

دونگ با فروش عکس‌هایش در نمایشگاه‌های خیابانی محلی توانست به اندازه‌ای پول به دست آورد که به طور دوره‌ای برای عکاسی به چین بازگردد.

علاوه بر این، او این فرصت را داشت که مدتی زیر نظر لونگ چینگ سان در تایوان تحصیل کند.

لونگ چینگ سان که در سال 1995 در سن 104 سالگی درگذشت، سبکی از عکاسی را بر اساس تصویر سنتی چینی از طبیعت توسعه داد.

برای قرن ها، هنرمندان چینی با استفاده از قلم مو و جوهر ساده، مناظر تک رنگ با شکوه خلق کرده اند.

این نقاشی ها قرار نبود دقیقاً طبیعت را به تصویر بکشند، قرار بود فضای احساسی طبیعت را منتقل کنند. AT سال های گذشتهدر امپراتوری های سونگ و اوایل یوان، هنرمندان شروع به ترکیب سه شکل هنری مختلف روی یک بوم کردند ... شعر، خوشنویسی و نقاشی.

اعتقاد بر این بود که این ترکیب فرم ها به هنرمند اجازه می دهد تا خود را به طور کامل بیان کند.

لونگ چین سان، متولد 1891، دقیقاً این سنت کلاسیک را در نقاشی مطالعه کرد. لون در مقطعی از زندگی طولانی خود شروع به آزمایش با انتقال سبک هنر امپرسیونیستی به عکاسی کرد.

در حالی که رویکرد لایه‌ای به مقیاس داشت، روشی برای لایه‌بندی نگاتیوها ایجاد کرد که با سه سطح فاصله مطابقت داشت. لانگ این روش را به دونگ آموخت.

تلاش برای تقلید سنتی سبک چینی، دونگ خط را به عکس ها اضافه کرد.

کار جدید دونگ که بر اساس نقاشی باستانی چینی است، در دهه 1990 توجه منتقدان را به خود جلب کرد.

او دیگر نیازی به فروش عکس هایش در نمایشگاه های خیابانی نداشت. در حال حاضر او توسط یک نماینده نمایندگی شد، و آثار او شروع به فروش در گالری های سراسر ایالات متحده، اروپا و آسیا کرد.

او دیگر مجبور نبود به مشتریان فردی وابسته باشد. آثار او اکنون نه تنها توسط مجموعه‌داران هنری خصوصی، بلکه توسط خریداران شرکت‌ها و موزه‌ها نیز مورد توجه قرار گرفت. او حدود 60 سال داشت که برای اولین بار در زندگی خود به هر سطحی از موفقیت مالی دست یافت.

پیکتوریالیسم جنبشی در عکاسی است که در حدود سال 1885 پس از ارائه گسترده فرآیند عکاسی بر روی یک صفحه چاپی بدون رطوبت پدیدار شد. این جنبش در همان آغاز قرن بیستم به اوج خود رسید و دوره افول در سال 1914 پس از ظهور و گسترش مدرنیسم فرا رسید.

اصطلاحات "Pictorialism" و "Pictorialist" پس از سال 1900 رایج شد.

تصویرگرایی با این ایده در تماس است که عکاسی هنری باید از نقاشی و حکاکی آن قرن تقلید کند.

بیشتر این عکس ها سیاه و سفید یا با رنگ های قهوه ای بودند. از جمله روش های مورد استفاده عبارتند از: فوکوس ناپایدار، فیلترهای خاص و پوشش لنز، و همچنین فرآیندهای چاپ عجیب و غریب.

هدف از چنین تکنیک هایی دستیابی به "بیان شخصی نویسنده" بود.

علی‌رغم این هدف خود بیانی، بهترین این عکس‌ها موازی با سبک امپرسیونیستی بودند، نه با نقاشی معاصر.

با نگاهی به گذشته، می توان موازی نزدیک بین ترکیب بندی و شی تصویری را نیز مشاهده کرد. ژانر نقاشیو عکس هایی به سبک پیکتوریالیسم.