طبیعت بی جان به سبک هلندی. طبیعت نفیس هلندی بی جان - شاهکارهای یک زندگی آرام

با وجود این واقعیت که نام این ژانر در زبان فرانسوی به معنای "طبیعت مرده" است. چرا، پس، در دهان از ترکیبات هلندی از اشیای بی جان، رنگارنگ روی بوم نمایش داده شده است، یعنی زندگی؟ بله، این تصاویر آنقدر روشن، قابل اعتماد و گویا بودند که حتی بی تجربه ترین خبره ها نیز واقع گرایی و ملموس بودن جزئیات را تحسین می کردند. اما فقط این نیست.

طبیعت بی جان هلندی تلاشی است برای بیان این موضوع که هر شیء، هر بخش از این جهان با چه وضوح و نزدیکی در دنیای پیچیده انسان تنیده شده و در آن مشارکت دارد. استادان هلندی ترکیبات مبتکرانه ای خلق کردند و توانستند شکل، سرریز رنگ، حجم و بافت اشیاء را چنان دقیق به تصویر بکشند که به نظر می رسید پویایی اعمال انسان را حفظ می کنند. اینجا قلمی است با یک قطره جوهر درخشان که هنوز از دست شاعر سرد نشده است، اینجا یک انار بریده است، آبکی با آب یاقوت، و اینجا یک نان گزیده شده و روی دستمال مچاله شده انداخته شده است. در عین حال، این دعوتی است برای تحسین و لذت بردن از شکوه و تنوع طبیعت.

تم ها و تصاویر تصویری

طبیعت بی جان هلندی در فراوانی مضامین پایان ناپذیر است. برخی از نقاشان در اشتیاق به گل ها و میوه ها متحد شدند، برخی دیگر در معقول بودن تکه های گوشت و ماهی تخصص داشتند، برخی دیگر با عشق ظروف آشپزخانه را روی بوم خلق کردند و برخی دیگر خود را وقف موضوع علم و هنر کردند.

طبیعت بی جان هلندی در اوایل قرن هفدهم با تعهد خود به نمادگرایی متمایز می شود. موارد به شدت مکان مشخصو معنی سیب در مرکز تصویر از سقوط اولین انسان می گوید، خوشه انگور که آن را پوشانده است، از قربانی کفاره مسیح می گوید. یک پوسته خالی که زمانی خانه‌ای برای یک نرم تن دریایی بود، از سستی زندگی، گل‌های افتاده و خشک شده - در مورد مرگ صحبت می‌کند، و پروانه‌ای که از پیله بیرون زده بود، خبر از رستاخیز و تجدید می‌دهد. بالتازار آست این گونه می نویسد.

هنرمندان نسل جدید قبلاً یک طبیعت هلندی کمی متفاوت را پیشنهاد کرده اند. نقاشی "نفس می کشد" با زیبایی گریزان در کمین چیزهای معمولی. یک لیوان نیمه پر، سرو اقلام پراکنده روی میز، میوه ها، یک کیک برش خورده - اصالت جزئیات به خوبی رنگ، نور، سایه ها، برجسته ها و بازتاب ها را منتقل می کند و به طور قانع کننده ای با بافت پارچه، نقره، شیشه و غذا مرتبط است. اینها بوم های پیتر کلاز هدا هستند.

در اوایل قرن 18، طبیعت بی جان هلندی به سمت زیبایی شناسی چشمگیر جزئیات گرایش پیدا کرد. کاسه‌های چینی طلاکاری‌شده، جام‌های ساخته شده از صدف‌های پیچیده پیچیده، و میوه‌هایی که به‌خوبی روی یک بشقاب چیده شده‌اند، در اینجا سلطنت می‌کنند. نمی توان بدون محو شدن به بوم های ویلم کالف یا آبراهام ون بیرن نگاه کرد. استادان هلندی که با دست نقش می بندند به طور غیرعادی رایج می شوند، آنها به زبانی خاص، احساسی صحبت می کنند و ارتباط برقرار می کنند. رنگ آمیزیهارمونی و ریتم خطوط، بافته‌ها و سایه‌های ساقه‌ها، جوانه‌ها، گل‌آذین‌های باز موجود در طبیعت بی‌جان به نظر می‌رسد که سمفونی پیچیده‌ای را ایجاد می‌کنند که بیننده را نه تنها تحسین می‌کند، بلکه با هیجان زیبایی غیرقابل درک جهان را نیز تجربه می‌کند.

پیتر کلاس "صبحانه با ژامبون" 1647

کارشناسان می گویند که هر طبیعت بی جان معنای پنهان خود را دارد که برای معاصران قابل درک بود. و ما فقط می توانیم حدس بزنیم که این هنرمند چه چیزی و به چه کسی می خواست بگوید.

جی طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم با تخصص محدود استادان هلندی در این ژانر مشخص می شود. موضوع "گل ها و میوه ها" معمولاً شامل انواع حشرات است. "غنائم شکار" اول از همه، غنائم شکار - پرندگان مرده و بازی است. "صبحانه ها" و "دسرها" و همچنین تصاویر ماهی ها - زنده و خوابیده، پرندگان مختلف - تنها بخشی از بیشترین هستند. موضوعات معروفطبیعت های بی جان

در مجموع، این توطئه های فردی نشان دهنده علاقه نزدیک هلندی ها به توطئه ها است زندگی روزمرهو سرگرمی های مورد علاقه آنها و اشتیاق آنها به سرزمین های دوردست (در ترکیب ها پوسته ها و میوه های عجیب و غریب وجود دارد). اغلب در آثاری با انگیزه‌های طبیعت «زنده» و «مرده»، زیرمتن نمادینی گذاشته می‌شود که برای تماشاگر تحصیل‌کرده قرن هفدهم به راحتی قابل درک است.

بنابراین، ترکیب اشیاء منفرد می تواند به عنوان اشاره ای به ضعف وجود زمینی عمل کند: گل رز پژمرده، یک دستگاه بخور، یک شمع، یک ساعت. یا مرتبط با عادات اخلاقی محکوم شده: مشعل، پیپ کشیدن. یا اشاره کرد رابطه عاشقانه; نوشتن، آلات موسیقی، منقل. شکی نیست که معنای این ترکیبات بسیار گسترده تر از محتوای نمادین آنهاست.

طبیعت های بی جان هلندی، اول از همه، با خود جذب می شوند بیان هنریکامل بودن، توانایی آشکار کردن زندگی معنوی جهان عینی.

برخلاف فلاندی ها، که نقاشی های بزرگ را با انواع اشیاء فراوان ترجیح می دهند، نقاشان هلندی خود را محدود به چند شیء تعمق می کنند و برای یکپارچگی ترکیب بندی و رنگ نهایی تلاش می کنند. زندگی بی جان ("Stilleven" - که در هلندی به معنای "زندگی آرام" است) شاخه ای عجیب و کاملاً محبوب است. نقاشی هلندی.

طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم

Pieter Klass "Pipe and Brazier" 1636

بالتاسار ون در آست "طبیعت بی جان با میوه"

Balthasar van der Ast "بشقاب با میوه ها و صدف ها" 1630

ملکیور دی هوندکوتر «پرندگان در پارک»

بارتولومئوس ون در هلز بازار جدیددر آمستردام" 1666

ویلم کلاس هدپ "صبحانه با خرچنگ" 1648

فردیناند بول "بازی بد"

آبراهام میگنون "میوه ها"

Melchior de Hondekuter "شکار غنائم"

یوهانس لمانز "شکار طبیعت بی جان"

مارتین بولما د استوم. "طبیعت بی جان با جام ناتیلوس"

ویلم هدا. "طبیعت بی جان با ژامبون". 1656

یان بروگل بزرگ. "گل در گلدان چوبی". 1606/07

آمبروسیوس بوشارت بزرگ. "دسته گل در طاقچه." 1618

بالتاسار ون در آست. "سبد گل". 1622

هانس بولونیه "گل بی جان". 1639

نیکلاس گیلیس. "میز چیده شده". 1611

فلوریس ون دایک "طبیعت بی جان با پنیر". خوب. 1615

یاکوب ون هولسدونک طبیعت بی جان با کنگر فرنگی، تربچه، مارچوبه، آلو و هلو در یک سبد. 1608-1647

کلارا پیترز "میز سرو شده". 1611

ویلم کلاس هدا. "طبیعت بی جان با یک کوزه نقره ای و یک پای." 1645

پیتر کلاس. "طبیعت بی جان با نمکدان". خوب. 1644

گریت ویلمز هدا. "طبیعت بی جان با کوزه سفالی"

فلوریس گریتز ون شوتن طبیعت بی جان با میوه، سبزیجات و صحنه شام ​​در Emmaus. 1630

کورنلیس دلف. "طبیعت بی جان آشپزخانه" 1610-1620

همراه با نقاشی منظرهطبیعت بی جان، که با شخصیت صمیمی متمایز می شد، در قرن هفدهم به طور گسترده در هلند گسترش یافت. هنرمندان هلندی موضوعات بسیار متنوعی را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، آنها می دانستند که چگونه آنها را به خوبی بسازند، تا ویژگی های هر موضوع و آن را آشکار کنند. زندگی درونیارتباط جدایی ناپذیری با زندگی انسان دارد.
نقاشان هلندی قرن هفدهم پیتر کلاز (حدود 1597 - 1661) و ویلم هدا (1594-1680/1682) انواع مختلفی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، کیک های شاه توت، شیشه های شکننده نیمه پر از جام های شربتی را به تصویر کشیدند. با انتقال ماهرانه شگفت انگیز رنگ، حجم، بافت هر آیتم. حضور اخیر انسان در بی نظمی، چیدمان تصادفی چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده اند، محسوس است. اما این اختلال فقط آشکار است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان به دقت فکر شده و پیدا شده است. طیف رنگی زیتونی مایل به خاکستری متمایل به طلایی، سوژه ها را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهند. طبیعت های بیجان Beieren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی، رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک نوشت - گلدان ها، سبزیجات و انتخاب اشرافی از اشیاء گرانبها نفیس، طبیعت های بی جان پر از اشراف مهار شدهمانند ظروف نقره، جام ها، صدف های اشباع شده از سوزاندن درونی رنگ ها.
در توسعه بیشتر، طبیعت بی جان همان مسیرهای همه هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با تمام تزیینات و مهارت های اجرا، زندگی بی جان دیرهنگام افول نقاشی هلندی را پیش بینی می کند.
انحطاط اجتماعی، اشراف شناخته شده بورژوازی هلند در ثلث پایانی قرن هفدهم، باعث ایجاد تمایل به نزدیکی با دیدگاه های زیبایی شناختیاشراف فرانسوی، منجر به ایده آل سازی می شود تصاویر هنری، سنگ زنی آنها. هنر در حال از دست دادن پیوند با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی است. هلند که در جنگ با انگلیس به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و بزرگترین مرکز هنری از دست می دهد.

کار فرانس هالس و پرتره هلندی اول نیمی از XVIIقرن.

فرانس هالس(هلندی. فرانس هالس، MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583، آنتورپ - 1666، هارلم) - یک نقاش برجسته پرتره از به اصطلاح عصر طلایی هنر هلندی.

• 1 بیوگرافی
• 2 حقایق جالب
• 3 گالری
• 4 یادداشت
• 5 ادبیات
• 6 پیوند

زندگینامه

« پرتره خانوادهآیزاک ماسا و همسرش

هالس در حدود 1582-1583 در بافنده فلاندری فرانسوا فرانس هالس ون مچلن و همسر دومش آدریانته متولد شد. در سال 1585، پس از سقوط آنتورپ، خانواده هالس به هارلم نقل مکان کردند، جایی که این هنرمند تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد.

در سالهای 1600-1603، این هنرمند جوان نزد کارل ون مندر مطالعه کرد، اگرچه تأثیر این نماینده منریسم در آثار بعدی هالز دیده نمی شود. در سال 1610، هالز به عضویت انجمن صنفی St. لوک و به عنوان مرمتگر در شهرداری شهر شروع به کار می کند.

هالز اولین پرتره را در سال 1611 خلق کرد، اما شهرت هالس پس از نقاشی "ضیافت افسران گروه تفنگ سنت" به دست آمد. جورج» (1616).

در سال 1617 با لیزبث راینرز ازدواج کرد.

"سبک اولیه هالز با تمایل به تن های گرم، مدل سازی واضح فرم ها با کمک ضربات متراکم سنگین مشخص می شود. در دهه 1620، هالز، همراه با پرتره، صحنه‌ها و ترکیب‌بندی‌های ژانری را با مضامین مذهبی نقاشی می‌کرد» («لوک انجیلی»، «متی انجیلی»، حدود 1623-1625)».

"کولی" لوور، پاریس

در سال های 1620-1630. هالز تعدادی پرتره کشید که نمایندگانی از آن را به تصویر می کشد مردم عادی("جستر با عود"، 1620-1625، "همراه شراب خواری شاد"، "مال باب"، "کولی"، "مولاتو"، "پسر ماهیگیر"؛ همه - حدود 1630).

تنها پرتره در تمام قد«پرتره ویلم هیتویسن» (1625-1630) است.

در همان دوره، هالز به طور اساسی پرتره گروهی را اصلاح کرد و با سیستم های مرسوم ترکیب بندی شکست، عناصری از موقعیت های زندگی را وارد آثار کرد که ارتباط مستقیم بین تصویر و بیننده را فراهم می کند ("ضیافت افسران گروه تفنگ سنت آدریان»، حدود 1623-27؛ «ضیافت افسران گروهان تفنگ سنت جورج»، 1627، «پرتره گروهی گروهان تفنگ سنت آدریان»، 1633؛ «افسران گروهان تفنگ سنت. جورج، 1639). هالز که نمی‌خواست هارلم را ترک کند، در صورتی که نیاز به رفتن به آمستردام داشت، دستورات را رد کرد. تنها پرتره گروهی که او در آمستردام شروع کرد باید توسط هنرمند دیگری تمام می شد.

در سال های 1620-1640، زمان محبوبیت، هالس مطالب زیادی نوشت پرتره های دوتاییزوج های متاهل: شوهر در پرتره سمت چپ و زن در سمت راست. تنها تصویری که در آن زن و شوهر با هم به تصویر کشیده شده اند، «پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش» (1622) است.

"مقامات خانه سالمندان"

در سال 1644 هالز رئیس انجمن صنفی سنت. لوک او در سال 1649 پرتره ای از دکارت را تکمیل کرد.

ویژگی‌های روان‌شناختی در پرتره‌های دهه 1640 عمیق‌تر می‌شود. ("سرنشینان بیمارستان سنت الیزابت"، 1641، پرتره یک مرد جوان، حدود 1642-50، "یاسپر شاد ون وستروم"، حدود 1645); در رنگ آمیزی این آثار، رنگ خاکستری نقره ای غالب می شود. بعدها کار می کندخالسا به شیوه ای بسیار آزاد اجرا شده و با طرح رنگی پراکنده، بر اساس تضاد رنگ های سیاه و سفید حل شده است («مردی با لباس سیاه»، حدود 1650-52، «وی. کروز»، حدود 1660). در برخی از آنها احساس بدبینی عمیقی آشکار شد ("نابران پناهندگی"، "نابران پناهندگی"، هر دو - 1664)."

در دوران پیری، هالس از دریافت دستورات منصرف شد و در فقر فرو رفت. این هنرمند در 26 اوت 1666 در خانه صدقه هارلم درگذشت.

بزرگترین مجموعه نقاشی های این هنرمند در موزه هالز در هارلم است.

بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی فرانس هالس (هالز) (حدود 1580-1666) بود، که میراث هنری او با تیزبینی و قدرت در آغوش کشیدن دنیای درونی یک شخص، بسیار فراتر از فرهنگ ملی هلند است. هنرمندی با دید گسترده، مبتکری جسور، قوانین پرتره (نجیب) قرن شانزدهم را که قبل از او ساخته شده بود، از بین برد. او به شخصی که مطابق با موقعیت اجتماعی او در یک ژست باشکوه-محرم و یک لباس تشریفاتی به تصویر کشیده می شود علاقه مند نبود، بلکه به شخصی با تمام ذات طبیعی، ویژگی، با احساسات، عقل، عواطفش علاقه مند بود. در پرتره هالز، تمام بخش های جامعه نشان داده شده است: بورگرها، تیراندازان، صنعتگران، نمایندگان طبقات پایین جامعه، در کنار دومی، همدردی های خاص او، و در تصاویر آنها او عمق یک کامل قدرتمند را نشان می دهد. -استعداد خونین دموکراتیک بودن هنر او به دلیل پیوند با سنت های دوران انقلاب هلند است. هالز قهرمانان خود را بدون تزیین، با آداب غیر تشریفاتی، عشق قدرتمند به زندگی به تصویر می‌کشد. هالز با مقدمه، دامنه پرتره را گسترش داد عناصر طرح، گرفتن پرتره ها در عمل، در یک موقعیت خاص زندگی، با تاکید بر حالات چهره، حرکات، حالت ها، بلافاصله و با دقت درک می شود. این هنرمند به دنبال قدرت عاطفی و سرزندگی ویژگی های تصویر شده، انتقال انرژی غیرقابل مهار آنها بود. هالز نه تنها پرتره های سفارشی فردی و گروهی را اصلاح کرد، بلکه خالق پرتره ای بود که با ژانر روزمره هم مرز بود.
هالز در آنتورپ به دنیا آمد، سپس به هارلم نقل مکان کرد، جایی که تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. او فردی بشاش، اجتماعی، مهربان و بی خیال بود. چهره خلاق خال در آغاز دهه 20 قرن هفدهم شکل گرفت. محبوبیت گسترده باعث شد که او پرتره های گروهی افسران گروه تفنگ سنت جورج (1627، هارلم، موزه فرانس هالس) و گروه تفنگ سنت آدریان (1633، همانجا) را به دست آورد. افراد قوی و پرانرژی که در مبارزات آزادیبخش علیه فاتحان اسپانیایی شرکت فعال داشتند در طول جشن ارائه می شوند. شاد، با طنز، خلق و خوی افسران شخصیت ها و رفتارهای مختلف را متحد می کند. اینجا شخصیت اصلی وجود ندارد. همه حاضران در جشن شرکت کننده برابر هستند. هالز بر ارتباط صرفاً بیرونی شخصیت ها، مشخصه پرتره های پیشینیانش، غلبه کرد. وحدت ترکیب نامتقارن از طریق ارتباط پر جنب و جوش، آزادی نامحدود در چیدمان فیگورها که با ریتمی موج مانند متحد شده اند، به دست می آید.
قلم موی پرانرژی هنرمند با درخشش و قدرت، حجم هایی از فرم ها را می سازد. جریان ها نور خورشیدسر خوردن روی صورت، درخشش در توری و ابریشم، درخشش در عینک. طیف رنگارنگی که کت و شلوارهای مشکی و یقه‌های سفید بر آن غالب است، با طوسی‌های افسری طلایی-زرد، یاسی، آبی و صورتی رنگارنگ جان می‌گیرد. برگرهای هلندی از پرتره هالز، پر از آگاهی از حیثیت خود و در عین حال آزادانه، به طور طبیعی، با اشاره، ظاهر می شوند و حالتی فوراً گرفته شده را منتقل می کنند. افسری با یک کلاه لبه پهن با بازوها روی باسن لبخند می زند (1624، لندن، مجموعه والاس). طبیعی بودن و سرزندگی ژست، تیز بودن ویژگی ها، بالاترین مهارت در استفاده از تضاد سفید و سیاه در نقاشی را تسخیر می کند.
پرتره هالز از نظر مضامین و تصاویر متنوع است. اما ویژگی های مشترک به تصویر کشیده شده است: یکپارچگی طبیعت، عشق به زندگی. هالز نقاش خنده است، لبخندی شاد و مسری. این هنرمند با شادی درخشان، چهره نمایندگان مردم عادی، بازدیدکنندگان میخانه ها و پسران خیابان را زنده می کند. شخصیت های او به خود نمی بندند، نگاه ها و ژست های خود را به سمت بیننده معطوف می کنند.
نفس آزادی خواه با تصویر "کولی" (حدود 1630، پاریس، لوور) شعله ور می شود. هالز فرود غرورآمیز سرش در هاله ای از موهای کرکی، لبخندی اغواکننده، درخششی تند در چشمانش و بیانی از استقلال را تحسین می کند. طرح ارتعاشی شبح، پرتوهای سرخورده نور، ابرهای جاری، که کولی در برابر آنها به تصویر کشیده شده است، تصویر را با هیجان زندگی پر می کند. پرتره Malle Babbe (اوایل دهه 1630، برلین - Dahlem، گالری تصاویر)، صاحب میخانه، که به طور تصادفی با نام مستعار "جادوگر هارلم" شناخته نمی شود، به یک صحنه ژانر کوچک تبدیل می شود. پیرزنی زشت با قیافه ای حیله گر سوزان، تند می چرخد ​​و پوزخندی می زند، گویی به یکی از مهمانان همیشگی میخانه اش پاسخ می دهد. یک جغد شوم به شکل شبح تیره ای روی شانه او ظاهر می شود. وضوح، بینش های هنرمند، قدرت تاریک و سرزندگی تصویری که او خلق کرده است قابل توجه است. عدم تقارن ترکیب، پویایی، آبدار بودن ضربه قلم موی زاویه ای، اضطراب صحنه را افزایش می دهد.
در اواسط قرن هفدهم، تغییراتی که در جامعه هلند رخ داده بود به وضوح نشان داده شد. با تقویت موقعیت بورژوازی که ارتباط خود را با توده‌ها از دست داده است، محافظه‌کارتر می‌شود. نگرش مشتریان بورژوا نسبت به هنرمندان رئالیست تغییر کرده است. محبوبیت و خالص خود را از دست داده است، هنر دموکراتیککه با بورژوازی تازه متولد شده بیگانه شد و به دنبال مد اشرافی می شتابد.
خوش بینی تأیید کننده زندگی استاد با تأمل عمیق ، کنایه ، تلخی ، شک و تردید جایگزین شد. واقع گرایی او از نظر روانشناختی عمیق تر و انتقادی تر شد، مهارت او دقیق تر و کامل تر شد. رنگ هالز نیز تغییر کرد و محدودیت بیشتری به دست آورد. در طیف رنگی خاکستری نقره ای غالب، در میان سیاه و سفید، لکه های کوچک و دقیقاً یافت شده از رنگ صورتی یا قرمز صدای خاصی پیدا می کنند. احساس تلخی، ناامیدی در "پرتره مردی با لباس سیاه" (حدود 1660، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، که در آن بهترین سایه های رنگارنگ چهره غنی شده و در کنار محدود، تقریباً زنده می شود، قابل لمس است. رنگ های سیاه و سفید تک رنگ.
بالاترین دستاورد هالز آخرین پرتره گروهی او از نایب السلطنه ها و نایب ها (متولیان) خانه سالمندان است که در سال 1664، دو سال قبل از مرگ این هنرمند، که به تنهایی فارغ التحصیل شده بود، اعدام شد. مسیر زندگیدر پناهگاه پر از غرور، سرد و ویران، تشنه قدرت و فحاشی، نشسته پشت میز معتمد قدیمی از گروه "پرتره نایب السلطنه آسایشگاه برای سالمندان" (هارلم، موزه فرانس هالس. دست هنرمند قدیمی با دقتی بی تردید ضربات سریع و آزاد را اعمال می کند. ترکیب آرام و سختگیرانه شده است. کم بودن فضا، مکان شکل ها، حتی نور پراکنده، که به طور یکسان همه تصویر را روشن می کند، به تمرکز بر ویژگی های هر یک از آنها کمک می کند. طرح رنگی لاکونیک است. با غلبه رنگ های سیاه، سفید و خاکستری. پرتره های بعدیهال ها در کنار برجسته ترین خلاقیت های پرتره جهان ایستاده اند: آنها با روانشناسی خود به پرتره های بزرگترین نقاشان هلندی نزدیک هستند - رامبراند که مانند هالز از شکوه عمر خود جان سالم به در برد و با نخبگان بورژوا در تضاد قرار گرفت. جامعه هلندی

فرانس هالس در حدود سال 1581 در آنتورپ در خانواده ای بافنده به دنیا آمد. در جوانی به هارلم آمد و تا زمان مرگش تقریباً بدون وقفه زندگی کرد (در سال 1616 از آنتورپ و در اواسط دهه 1630 - آمستردام بازدید کرد). اطلاعات کمی در مورد زندگی هالز وجود دارد. در سال 1610 او وارد انجمن سنت لوک شد و در سال 1616 - در اتاق سخنوران (بازیگران آماتور). هالز به سرعت به یکی از مشهورترین نقاشان پرتره در هارلم تبدیل شد.
در قرون XV-XVI. در نقاشی هلند سنت وجود داشت که فقط از نمایندگان محافل حاکم پرتره می کشید. افراد مشهورو هنرمندان هنر خلص عمیقاً دموکراتیک است: در پرتره‌های او می‌توانیم یک اشراف، یک شهروند ثروتمند، یک صنعتگر و حتی یک فرد را از پایین ببینیم. هنرمند سعی نمی کند تصویر را ایده آل کند، نکته اصلی برای او طبیعی بودن و اصالت آنهاست. اشراف او مانند نمایندگان اقشار پایین جامعه که در نقاشی های هالز به عنوان افرادی شاد و بدون عزت نفس به تصویر کشیده شده اند، رفتار می کنند.
مکان عالیدر کار این هنرمند یک پرتره گروهی است. بهترین آثار این ژانر پرتره افسران گروهان تفنگ سنت جورج (1627) و گروهان تفنگ سنت آدریان (1633) بودند. هر یک از شخصیت ها در تصاویر شخصیت های خود را دارند شخصیت روشن، و در عین حال این آثار با یکپارچگی متمایز می شوند.
هالز همچنین پرتره‌های سفارشی را نقاشی کرد که در آن بورگرهای ثروتمند و خانواده‌هایشان در حالت‌هایی آرام قرار می‌گیرند ("پرتره آیزاک ماسا"، 1626؛ "پرتره هتویزن"، 1637). تصاویر هالز پر جنب و جوش و پویا هستند، به نظر می رسد افرادی که در پرتره ها هستند با یک مخاطب نامرئی صحبت می کنند یا بیننده را مخاطب قرار می دهند.
نمایندگان محیط عامیانه در پرتره هالز با بیان واضح و بی واسطه بودن متمایز می شوند. در تصاویر پسران خیابانی، ماهیگیران، نوازندگان و بازدیدکنندگان از میخانه ها، می توان همدردی و احترام نویسنده را احساس کرد. «کولی» او قابل توجه است. یک زن جوان خندان به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسد، که نگاه حیله گرانه اش به طرف مخاطبی است که برای مخاطب نامرئی است. هالز مدل خود را ایده آل نمی کند، اما تصویر یک کولی شاد و ژولیده از جذابیت پرشور او لذت می برد.
اغلب پرتره های هالز شامل عناصر صحنه ژانر است. این تصاویر کودکان در حال آواز خواندن یا بازی است آلات موسیقی("پسران آوازخوان"، 1624-1625). با همین روحیه، اجرای معروف "Malle Babbe" (اوایل دهه 1630) با ارائه صاحب مشهور میخانه در هارلم ، که بازدیدکنندگان او را جادوگر هارلم پشت سر او می نامیدند. این هنرمند تقریباً به طرز عجیبی زنی را با یک لیوان آبجو بزرگ و یک جغد روی شانه خود به تصویر کشید.
در دهه 1640 کشور نشانه هایی از یک نقطه عطف را نشان می دهد. تنها چند دهه از پیروزی انقلاب می گذرد و بورژوازی دیگر طبقه ای مترقی بر اساس سنت های دموکراتیک نیست. صحت نقاشی هالز دیگر مشتریان ثروتمندی را جذب نمی کند که می خواهند خود را در پرتره ها بهتر از آنچه هستند ببینند. اما هالس رئالیسم را رها نکرد و محبوبیت او به شدت کاهش یافت. در نقاشی این دوره ("پرتره مردی با کلاه لبه پهن") نکات غم و اندوه و ناامیدی ظاهر می شود. پالت او سخت تر و آرام تر می شود.
هالز در 84 سالگی دو شاهکار خود را خلق می کند: پرتره های گروهی از نایب السلطنه ها (امنا) و نایب های یک خانه سالمندان (1664). اینها آخرین آثاراستادان هلندی با احساسات و فردیت روشن تصاویر متمایز می شوند. از تصاویر نایب السلطنه ها - پیرمرد و پیرزن - اندوه و مرگ می دمد. این احساس همچنین توسط رنگ آمیزی که در رنگ های سیاه، خاکستری و سفید حفظ شده است، تأکید می کند.
هالز در سال 1666 در فقر عمیق درگذشت. هنر صادقانه و مؤید زندگی او تأثیر زیادی بر بسیاری از هنرمندان هلندی گذاشت.

نقاشی رامبراند.

	رامبراند هارمنز ون راین (1606-1669) نقاش، نقشه‌کش و حکاکی هلندی بود. کار رامبراند، آغشته به میل به درک عمیق فلسفی از زندگی، دنیای درونی یک فرد با تمام غنای تجربیات معنوی او، اوج توسعه هنر هلندی قرن هفدهم، یکی از قله ها را نشان می دهد. از جهان فرهنگ هنری. میراث هنری رامبراند بسیار متنوع است: او پرتره، طبیعت بی جان، مناظر، صحنه های ژانر، نقاشی هایی با موضوعات تاریخی، کتاب مقدس، اسطوره ای نقاشی کرد. استاد تمام عیارطراحی و حکاکی پس از مطالعه کوتاهی در دانشگاه لیدن (1620)، رامبراند تصمیم گرفت خود را وقف هنر کند و نقاشی را نزد J. van Swanenbürch در لیدن (حدود 1620-1623) و P. Lastman در آمستردام (1623) فرا گرفت. در 1625-1631 در لیدن کار کرد. نقاشی‌های رامبراند در دوره لیدن با جستجوی استقلال خلاق مشخص شده‌اند، اگرچه هنوز هم تأثیر لاستمن و استادان کارواژیسم هلندی را نشان می‌دهند ("اوردن به معبد"، حدود 1628-1629، Kunsthalle، هامبورگ). در نقاشی های "پل رسول" (حدود 1629-1630، موزه ملی، نورنبرگ) و "سیمئون در معبد" (1631، موریتشویس، لاهه)، او برای اولین بار از کیاروسکورو به عنوان وسیله ای برای تقویت معنویت و بیان عاطفی استفاده کرد. تصاویر. در همان سال ها، رامبراند روی پرتره سخت کار کرد و حالات چهره انسان را مطالعه کرد. در سال 1632، رامبراند به آمستردام نقل مکان کرد، جایی که به زودی با پاتریسیون ثروتمند ساسکیا ون اویلنبرگ ازدواج کرد. 1630 - دوره شادی خانوادگیو موفقیت هنری عظیم رامبراند. نقاشی "درس آناتومی دکتر تولپ" (1632، موریتشویس، لاهه)، که در آن هنرمند به طور خلاقانه مشکل را حل کرد. پرتره گروهیرامبراند، که زندگی آسانی به این ترکیب بخشیده و آنهایی را که با یک عمل به تصویر کشیده شده اند متحد می کند. رامبراند ون راین در پرتره‌هایی که با سفارش‌های متعدد نقاشی می‌شد، ویژگی‌های صورت، لباس‌ها، جواهرات را به دقت منتقل می‌کرد (نقاشی "پرتره بورگرو"، 1636، گالری درسدن).

در دهه 1640، تضاد بین آثار رامبراند و خواسته‌های محدود زیبایی‌شناختی جامعه معاصر در جریان بود. این به وضوح در سال 1642 خود را نشان داد، زمانی که نقاشی "نگهبان شب" (Rijksmuseum، آمستردام) اعتراض مشتریانی را برانگیخت که ایده اصلی استاد را نپذیرفتند - به جای پرتره گروهی سنتی، او یک ترکیب قهرمانانه برجسته با صحنه ای از استاد خلق کرد. عملکرد صنف تیراندازان در زنگ هشدار، یعنی . اساساً یک تصویر تاریخی است که خاطرات مبارزات آزادیبخش مردم هلند را تداعی می کند. هجوم سفارشات رامبراند در حال کاهش است، شرایط زندگی او تحت الشعاع مرگ ساسکیا قرار می گیرد. کار رامبراند در حال از دست دادن خودنمایی بیرونی و نت های ماژور ذاتی آن است. او صحنه های آرام، گرم و صمیمی کتاب مقدس و ژانر را ترسیم می کند و ظرافت های ظریف تجربیات انسانی، احساسات معنوی و نزدیکی خانوادگی را آشکار می کند ("دیوید و جاناتان"، 1642، "خانواده مقدس"، 1645، هر دو در ارمیتاژ، سنت. پترزبورگ).

بهترین نمایشنامه کیاروسکورو، که فضایی خاص، دراماتیک و از نظر احساسی شدید ایجاد می‌کند، هم در نقاشی و هم در گرافیک رامبراند اهمیت فزاینده‌ای پیدا می‌کند (صفحه گرافیکی به یاد ماندنی «مسیح که بیمار را شفا می‌دهد» یا «برگ صد گیلدر»، در حدود 1642- 1646؛ منظره پر از پویایی هوا و نور "سه درخت"، حکاکی، 1643). دهه 1650، پر از روزهای سخت برای رامبراند آزمایش های زندگی، باز کردن دوره بلوغ خلاقانه هنرمند. رامبراند به طور فزاینده ای به ژانر پرتره روی می آورد و افراد نزدیک به خود را به تصویر می کشد (پرتره های متعددی از همسر دوم رامبراند، هندریکه استوفلز؛ "پرتره یک پیرزن"، 1654، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ؛ "پسر تیتوس ریدینگ"، 1657 موزه Kunsthistorisches، وین).

در اواسط دهه 1650، رامبراند مهارت نقاشی بالغی را به دست آورد. عناصر نور و رنگ، مستقل و حتی تا حدی متضاد در آثار اولیه هنرمند، اکنون در یک کل واحد به هم پیوسته ادغام می شوند. توده رنگ درخشان قرمز-قهوه ای داغ، اکنون چشمک زن، اکنون محو شده و لرزان، بیان احساسی آثار رامبراند را تقویت می کند، گویی آنها را با احساس گرم انسانی گرم می کند. در سال 1656، رامبراند ورشکست شد، تمام دارایی او در حراج فروخته شد. او به محله یهودیان آمستردام نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا در شرایط بسیار تنگ گذراند. توسط رامبراند در دهه 1660 ایجاد شد ترکیبات کتاب مقدستاملات خود را در مورد معنا خلاصه کند زندگی انسان. در اپیزودهای بیانگر برخورد تاریکی و روشنایی در روح انسان(«آسور، هامان و استر»، 1660، موزه پوشکین، مسکو؛ «سقوط هامان» یا «دیوید و اوریا»، 1665، موزه دولتی ارمیتاژ، سن پترزبورگ)، مقیاس گرم و غنی، قلم موی انعطاف پذیر، بازی شدید از سایه و نور، بافت پیچیده سطح رنگارنگ در خدمت آشکار کردن درگیری‌های پیچیده و تجربیات احساسی، برای تأیید پیروزی خیر بر شر است.

درام و قهرمانی شدید آغشته شده است تصویر تاریخی"توطئه جولیوس سیویلیس" ("توطئه باتاویس"، 1661، قطعه ای حفظ شده است، موزه ملی، استکهلم). رامبراند در آخرین سال زندگی خود شاهکار اصلی خود - نقاشی تاریخی "بازگشت" را خلق کرد. پسر ولگرد” (حدود 1668-1669، موزه دولتی ارمیتاژ، سن پترزبورگ)، که شامل تمام مسائل هنری و اخلاقی و اخلاقی بود. خلاقیت دیرهنگامهنرمند او با مهارتی شگفت انگیز طیف وسیعی از پیچیده و عمیق را در آن بازآفرینی می کند احساسات انسانی، زیردستان وسایل هنریآشکار ساختن زیبایی درک انسان، شفقت و بخشش. اوج گذار از تنش احساسات به حل احساسات در ژست‌های بیانگر مجسمه‌سازی، ژست‌های متوسط، در ساختار عاطفی رنگ که به‌درستی در مرکز تصویر چشمک می‌زند و در فضای پس‌زمینه سایه‌دار محو می‌شود، تجسم می‌یابد. رامبراند ون راین نقاش، نقشه‌کش و حکاکی بزرگ هلندی در 4 اکتبر 1669 در آمستردام درگذشت. تأثیر هنر رامبراند بسیار زیاد بود. این نه تنها بر کار شاگردان مستقیم او، که کارل فابریتیوس به درک معلم نزدیکتر بود، بلکه بر هنر هر هنرمند کم و بیش مهم هلندی نیز تأثیر گذاشت. هنر رامبراند تأثیر عمیقی بر توسعه کل جهان داشت هنر واقع گرایانهپس از آن

رامبراند هارمنزون ون راین(هلندی. رامبراند هارمنزون ون راین[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin]، 1606-1669) - نقاش هلندی، نقشه کش و حکاکی، استاد بزرگ chiaroscuro، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. او توانست طیف وسیعی از تجربیات انسانی را با چنین غنای عاطفی در آثار خود مجسم کند که هنرهای زیبا قبل از او نمی دانستند. آثار رامبراند، از نظر ژانر بسیار متنوع، به روی بیننده بی انتها گشوده است دنیای معنویتجربیات و احساسات انسانی

• 1 بیوگرافی
• 1.1 سال کارآموزی
• 1.2 نفوذ Lastman و کارواژیست ها
• 1.3 کارگاه آموزشی در لیدن
• 1.4 نسل سبک خود
• 1.5 موفقیت در آمستردام
• 1.6 گفتگو با ایتالیایی ها
• 1.7 دیده بان شب
• 1.8 دوره گذار
• 1.9 رامبراند متاخر
• 1.10 کار اخیر
• 2 مسائل مربوط به اسناد
• 3 شاگردان رامبراند
• 4 شکوه پس از مرگ
• 5 در سینما
• 6 یادداشت
• 7 پیوند

زندگینامه

سالهای کارآموزی

رامبراند هارمنزون ("پسر هارمن") ون راین در 15 ژوئیه 1606 (بر اساس برخی منابع، در سال 1607) در خانواده ای بزرگ از یک کارخانه دار ثروتمند Harmen Gerritszoon van Rijn در لیدن متولد شد. خانواده مادر حتی پس از انقلاب هلند نیز به مذهب کاتولیک وفادار ماندند.

"تمثیل موسیقی" 1626 - نمونه ای از تأثیر لاستمن بر رامبراند جوان

رامبراند در لیدن به مدرسه لاتین دانشگاه رفت، اما بیشترین علاقه را به نقاشی نشان داد. در 13 سالگی برای تحصیل فرستاده شد هنرهای زیبابه نقاش تاریخی لیدن، یاکوب ون سواننبورخ، یک کاتولیک با ایمان. آثار رامبراند در این دوره توسط محققان شناسایی نشده است و سؤال تأثیر سواننبورخ در شکل گیری سبک خلاقانه او همچنان باز است: امروزه اطلاعات کمی در مورد این هنرمند لیدن وجود دارد.

در سال 1623، رامبراند در آمستردام نزد پیتر لاستمن، که در ایتالیا آموزش دیده بود و در زمینه های تاریخی، اساطیری و تخصص داشت، تحصیل کرد. داستان های کتاب مقدس. رامبراند با بازگشت به لیدن در سال 1627، همراه با دوستش یان لیونز، کارگاه خود را افتتاح کرد و شروع به جذب دانشجویان کرد. در عرض چند سال شهرت قابل توجهی به دست آورد.

پدیده فرهنگی منحصر به فرد XVII قرن به نام گل هلندی طبیعت بی جان، که تاثیر قابل توجهی در کل توسعه بیشتر نقاشی در اروپا داشت.

هنرمندان با عشق و دقت به زیبایی طبیعت و جهان اشیا پی بردند، غنا و تنوع خود را به نمایش گذاشتند. دسته گل های رز، فراموشکارها و لاله های آمبروسیوس بوشارت پیر، که بنیانگذار نقاشی طبیعت بی جان با گل به عنوان یک گرایش مستقل شد، چشم ها را مسحور و جلب می کند.

ABROSIUS BOSHART THE ALDER 1573-1621

بوشارت کار خود را در آنتورپ آغاز کرد 1588. از 1593 تا 1613 در میدلبورگ، سپس در اوترخت (از 1616) و در بردا کار کرد.

بوم های Bosschaert اغلب پروانه ها یا صدف ها را در کنار دسته های گل نشان می دهند. در بسیاری از موارد، گل‌ها با پژمردگی لمس می‌شوند، که در بوم‌های بوشارت نقش تمثیلی شکنندگی وجود را معرفی می‌کند.وانیتاس)

لاله، گل رز، میخک سفید و صورتی، فراموشکار و گل های دیگر در یک گلدان.

در نگاه اول، به نظر می رسد که دسته گل ها از طبیعت نقاشی شده اند، اما با بررسی دقیق تر، مشخص می شود که آنها از گیاهانی تشکیل شده اند که در آن شکوفه می دهند. زمان متفاوت.تصور طبیعی بودن و قابل قبول بودن به دلیل این واقعیت ایجاد می شود که تصاویر هر رنگ بر اساس "مطالعات" طبیعی فردی است.

یک قطعه بزرگ شده از طرحی توسط یان ون هویسوم که توسط Met نگهداری می شود.

یان باپتیست فون فورننبرخ. وسط قرن 17

این روش کار معمول نقاشان طبیعت بی جان گل ها بود. هنرمندان نقاشی‌های دقیقی با آبرنگ و گواش می‌کشیدند، گل‌هایی را از زندگی می‌کشیدند، در زوایای مختلف و زیر نورهای مختلف، و این نقاشی‌ها سپس به طور مکرر به آنها خدمت می‌کردند - آنها آنها را در نقاشی‌ها تکرار می‌کردند.

جیکوب مورل. "دو لاله"

نقاشی‌های هنرمندان دیگر، حکاکی‌های مجموعه‌های چاپی و اطلس‌های گیاه‌شناسی نیز به عنوان مواد کار مورد استفاده قرار گرفتند.

مشتریان، اشراف و اهل شهر، در طبیعت بی جان از این که گل های به تصویر کشیده شده "گویا زنده هستند" قدردانی می کردند. اما این تصاویر طبیعت گرایانه نبودند. آنها عاشقانه، شاعرانه هستند. طبیعت در آنها با نقاشی دگرگون می شود.

طبیعت بی جان با گل در گلدان 1619

"پرتره" از گل ها، که روی پوست با آبرنگ و گواش نقاشی شده اند، برای آلبوم های گل و گیاه ساخته شده اند، که در آن باغبان ها به دنبال تداوم گیاهان عجیب و غریب بودند. به خصوص تصاویر متعددی از لاله ها. تقریباً هر طبیعت بی جان هلندی حاوی لاله است.

Ambrosius Bosschaert "گل در گلدان" 1619.Rijksmuseum، آمستردام

در قرن هفدهم در هلند یک رونق واقعی لاله وجود داشت، گاهی اوقات خانه ای برای یک لامپ نادر لاله رهن می شد.
لاله ها در سال 1554 وارد اروپا شدند. آنها توسط Busbek سفیر آلمان در دربار ترکیه به آگسبورگ فرستاده شدند. او در سفری که در کشور داشت، مجذوب تماشای این گل های ظریف شد.

به زودی لاله ها به فرانسه و انگلیس، آلمان و هلند گسترش یافتند. صاحبان پیازهای لاله در آن روزها واقعاً افراد ثروتمندی بودند - افراد خون سلطنتی یا نزدیکان آنها. در ورسای جشن های ویژه ای به افتخار پرورش گونه های جدید برگزار می شد.

طبیعت بی جان با گل.
نه تنها اشراف هلندی، بلکه همشهریان معمولی نیز می توانستند طبیعت های بی جان زیبا داشته باشند.

تعداد طبیعت های بی جان هلندی گلی بسیار زیاد است، اما این چیزی از آنها کم نمی کند. ارزش هنری. پس از حراج ها، زمانی که وضعیت اقتصادی در هلند درخشان نبود، مجموعه های زیبا از خانه های بورگر به کاخ های اشراف و پادشاهان اروپایی ختم شد.

دسته گل 1920

در مرکز این دسته گل، کروکوس را می بینیم، اما بزرگ است. اطلاعاتی در مورد این گل می دانیم.

کروکوس گیاهی دارویی، مقوی و رنگزا است. از پرچم های آن یک ادویه فوق العاده - زعفران درست می کنند که به شیرینی های شرقی اضافه می شود. وطن کروکوس یونان و آسیای صغیر. درست مانند سنبل ها و نیلوفرها، کروکوس قهرمان اسطوره های یونانیان باستان شد که در صحنه های نقاشی های دیواری کاخ ها به تصویر کشیده شده است.

طبق افسانه های باستانی، زمین را برای عروسی و شب عروسی هرا و زئوس با سنبل ها و کروکوس ها پوشانده بودند.

افسانه ای دیگر داستان مرد جوانی به نام کروکوس را توصیف می کند که با زیبایی خود توجه یک پوره را به خود جلب کرد اما نسبت به زیبایی او بی تفاوت ماند. سپس الهه آفرودیت مرد جوان را به گل تبدیل کرد و پوره را به علف هرز تبدیل کرد و از این طریق اتحادی جدا نشدنی ایجاد کرد.

گل در یک گلدان شیشه ای.

تمایل هنرمندان به تنوع بخشیدن به ترکیب دسته گل هایشان باعث شد که به آنجا سفر کنند شهرهای مختلفو نقاشی های طبیعی را در باغ های عاشقان گل در آمستردام، اوترخت، بروکسل، هارلم، لیدن انجام دهید. هنرمندان همچنین برای گرفتن گل مناسب باید منتظر تغییر فصول بودند.

گل ها. 1619

گل در گلدان چینی.

گل در یک سبد.

طبیعت بی جان با گل در طاقچه.

گل در یک طاقچه.

در طبیعت های بی جان میوه و گل، ترکیب ظاهراً تصادفی نمایندگان ظاهراً نامرتبط از گیاهان و جانوران به طور غیرمستقیم ایده گناهکاری فانی همه چیز زمینی و برعکس، فساد ناپذیری فضیلت واقعی مسیحی را تجسم می بخشد.

تقریباً هر «شخصیت» یک طبیعت بی جان زبان دشوارنمادها یک ایده خاص را نشان می دهند: مرگ و میر همه چیز زمینی (به عنوان مثال، مارمولک ها یا حلزون ها)، گناه احمقانه و ضعف زندگی انسان، که می تواند به ویژه با یک لاله نمادی باشد.

گل در گلدان شیشه ای.1606

طبق عقاید فلاندری ها و هلندی ها این گل ظریفنه تنها تجسم قابل مشاهده زیبایی به سرعت در حال محو شدن بود، بلکه پرورش آن توسط بسیاری به عنوان یکی از بیهوده ترین و خودخواهانه ترین مشاغل تلقی می شد.

صدف های عجیب و غریب خارج از کشور، که کلکسیون های مد روز بودند، به اتلاف پول اشاره داشتند. میمون با هلو به طور سنتی نماد گناه اصلی در نظر گرفته شده است.

طبیعت بی جان با گل در یک بطری شیشه ای سبز.

از سوی دیگر، مگسی روی همان هلو یا گل رز معمولاً تداعی هایی را با نماد مرگ، شر و گناه تداعی می کند. انگور و گردو شکسته - اشاره به سقوط و در عین حال قربانی کفاره مسیح بر روی صلیب، توت های قرمز گیلاس رسیده - نماد عشق الهی، در حالی که یک پروانه در حال بال زدن است - روح نجات یافته صالحان را نشان می دهد.

سبد.

هدایت هنری آمبروسیوس بوشارت به رشد سه پسرش ادامه داد - آمبروسیوس بوشارت جوان، آبراهام بوشارت و یوهانس بوشاارت، و همچنین داماد او بالتاسار ون در آست. حراج های هنری

منابع.

محبوب ترین "طبیعت های بی جان هلندی" طبیعت های بی جان گل ها بود. آنها بیننده را به تأمل در موضوعات اخلاقی و مذهبی تشویق می کردند. متشکل از گلهای زیبا و متنوع (لاله، زنبق، گل رز، دلفینیوم، بنفشه - "پانسیس"، میخک، خشخاش، شقایق، سنبل، نرگس، زنگ آبی، نیلوفرهای دره، فراموشکار، گل مروارید، آکویلژیا، تاتتس) ، این دسته گل سرود زیبای زیبایی خلقت الهی بود و از طریق آن - خرد و سخاوت خداوند که اجازه داد این زیبایی برای همیشه اسیر شود.

در نگاه اول، به نظر می رسد که دسته گل ها از طبیعت نقاشی شده اند، اما با بررسی دقیق تر، مشخص می شود که آنها از گیاهانی تشکیل شده اند که در زمان های مختلف شکوفا می شوند. تصور طبیعی بودن و واقعی بودن توهم به دلیل این واقعیت است که تصاویر رنگ های فردی بر اساس مطالعات طبیعی فردی است. این روش کار معمول نقاشان طبیعت بی جان گل ها بود. هنرمندان نقاشی‌های دقیقی با آبرنگ و گواش می‌کشیدند، گل‌هایی را از زندگی می‌کشیدند، در زوایای مختلف و زیر نورهای مختلف، و این نقاشی‌ها سپس به طور مکرر به آنها خدمت می‌کردند - آنها آنها را در نقاشی‌ها تکرار می‌کردند. نقاشی‌های هنرمندان دیگر، حکاکی‌های مجموعه‌های چاپی و اطلس‌های گیاه‌شناسی نیز به عنوان مواد کار مورد استفاده قرار گرفتند.

یان باپتیست فون فورننبرخ. وسط قرن 17

بالتاسار ون در آست. «لاله».1690. پاریس.

جرارد فن اسپاندو "دسته گل".


جیکوب مورل. "دو لاله"

لاله ها.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#

مشتریان، اشراف و اهل شهر، در طبیعت بی جان از این که گل های به تصویر کشیده شده "گویا زنده هستند" قدردانی می کردند. اما این تصاویر طبیعت گرایانه نبودند. آنها عاشقانه، شاعرانه هستند. طبیعت در آنها با نقاشی دگرگون می شود.

"پرتره" از گل ها، که روی پوست با آبرنگ و گواش نقاشی شده اند، برای آلبوم های گل و گیاه ساخته شده اند، که در آن باغبان ها به دنبال تداوم گیاهان عجیب و غریب بودند. به خصوص تصاویر متعددی از لاله ها. تقریباً هر طبیعت بی جان هلندی حاوی لاله است. در قرن هفدهم در هلند یک رونق واقعی لاله وجود داشت، گاهی اوقات خانه ای برای یک لامپ نادر لاله رهن می شد.
لاله ها در سال 1554 وارد اروپا شدند. آنها توسط Busbek سفیر آلمان در دربار ترکیه به آگسبورگ فرستاده شدند. او در سفری که در کشور داشت، مجذوب تماشای این گل های ظریف شد. به زودی لاله ها به فرانسه و انگلیس، آلمان و هلند گسترش یافتند. صاحبان پیازهای لاله در آن روزها واقعاً افراد ثروتمندی بودند - افراد خون سلطنتی یا نزدیکان آنها. در ورسای جشن های ویژه ای به افتخار پرورش گونه های جدید برگزار می شد.
نه تنها اشراف هلندی، بلکه همشهریان معمولی نیز می توانستند طبیعت های بی جان زیبا داشته باشند. تعداد طبیعت های بی جان هلندی با گل بسیار زیاد است، اما این چیزی از ارزش هنری آنها کم نمی کند. پس از حراج ها، زمانی که وضعیت اقتصادی در هلند درخشان نبود، مجموعه های زیبا از خانه های بورگر به کاخ های اشراف و پادشاهان اروپایی ختم شد.
تمایل هنرمندان به تنوع بخشیدن به ترکیب دسته گل های خود باعث شد که به شهرهای مختلف سفر کنند و در باغ های عاشقان گل در آمستردام، اوترخت، بروکسل، هارلم، لیدن نقاشی های طبیعی بسازند. هنرمندان همچنین برای گرفتن گل مناسب باید منتظر تغییر فصول بودند.