Najrazličitije, najjedinstvenije, najoriginalnije - kritika nikada nije štedjela na oduševljenim epitetima upućenim francuskom romantičaru, koji je proširio granice žanra i u njega unio nešto što je poslužilo kao inspiracija impresionistima druge polovine stoljeća. 19. vijek.
Corot je postao umjetnik "iznenada". Od djetinjstva, ovaj odsutni i tihi sin bogatog trgovca nije zadavao nikakve posebne probleme svojim roditeljima. Studirao je u privatnom internatu, a zatim je poslan u Rouen, gdje je naučio osnove trgovanja. Studirao je bez zadovoljstva, ali se snašao u svim predmetima.
Već prvo iskustvo rada u radnji trgovca suknom bilo je tužno. Kamil nije znao prodati bajatu robu, a svakome ko je tražio od njega davao je novu i kvalitetnu robu s velikim popustom. Vlasnik radnje poslao ga je porodici sa pismom u kojem sa žaljenjem obavještava roditelja da mu sin nije sposoban za trgovinu. Otac nije mislio da se uzrujava, pripisujući sve neuspjehe svog potomstva mladosti i neiskustvu.
Camilleova iznenadna objava da više ne želi da se bavi biznisom i da želi postati umjetnik nije uznemirila ni njegovog oca. Bilo mu je drago samo što neće potrošiti više novca na sina.
Nekoliko godina kao šegrti poznatih majstora slikarstva malo je naučilo umjetnika početnika. Mnogo više je naučio tokom putovanja u. Sa putovanja Corot donosi nekoliko skica koje su dobile dobre kritike od kolega. Nakon Italije, umjetnik putuje po svojoj rodnoj zemlji, stvarajući jedno remek djelo za drugim. Svojom plodnošću i brzinom kojom je majstor stvarao nove slike, umetnik je podsećao na holandske majstore 17. veka.
Corotovo naslijeđe je čitava galerija portreta, nekoliko radova na mitološke i alegorijske teme i bezbroj pejzaža koji su dobili najviša priznanja u svijetu umjetnosti.
Majstor je vjerovao da je samo ono što je iz prirode napisano prvi put najiskrenije i najtalentovanije. Etidna priroda njegovih platna, neka nedorečenost, isprva je izazvala zbunjenost, ali su se kritičari ubrzo pomirili s tim. Uz nedovršenost, u djelima Corot se divio sposobnosti da se "zgrabi" glavna stvar, izbjegne statika i unese nešto više u krajolik. Igrajući polutonove, voleći magle, izmaglicu, nejasne forme, umetnik je uspeo da u svoje romantične pejzaže unese onaj osećaj pokretljivosti i samog života, koji je inspirisao impresioniste, koji su se bavili upravo prenosom kretanja okolnog sveta, prve utiske o onome što su videli.
Corot je bio vjeran svom maniru do kraja života. Od 1827. do smrti 1875. majstor nije propustio nijednu izložbu u Salonu. Zanimljivo je da su njegovi posljednji radovi predstavljeni javnosti nakon njegove smrti. Umirući u svom stanu u Parizu, Corot je naredio da se nekoliko njegovih radova izloži na sledećoj izložbi, čak i ako više nije živ. Na izložbi 1875. u javnosti su najpopularnija bila djela preminulog umjetnika, priznatog majstora, jedinstvena i originalna, za razliku od drugih.
Izloženi su radovi Jean Baptiste Camille Corot. Njegov rad kombinuje klasične, romantične i realistične crte.
Umro je 1875. godine i živio dug i plodan život. Corot je bio upoznat sa Barbizonima, ali nije dijelio njihove stavove. Camille Corot je na mnogo načina anticipirao impresionizam, a da je ostao klasični umjetnik. I iako su sami impresionisti Coroa nazivali svojim pretečom i učiteljem, on sam nije razumio i nije prihvatio njihovo slikarstvo.
Corotov rad došao je u vrijeme kada su se javnosti već počeli sviđati Barbizoni. Često se dešava da ljudi u početku ne prihvataju novo. Onda se nakon nekog vremena pojavi nešto drugo i ono što se nije sviđalo prije nekoliko godina već izgleda privlačno, jer se pojavio noviji i ružniji pravac, kako se obično priča o nečem neobičnom. Kada se pojave impresionisti, čija “kreativnost” uopće nije išla ni u jednu kapiju, čini se da su se već navikli na Barbizone i počeli im se sviđati.
Camille Corot. “Portret Mariette Gambe (snovi o Mariette)”
U našoj izložbi nalazi se portret sestre umjetnika Camille Corot, koji je on naslikao. Ova slika se zove „Portret Mariette Gambe (Snovi Mariette)“, rad koji malo liči na portret, to je više žanrovska slika, slika ne same devojke, već njenog sanjarenja, zamišljenosti.
Camille Corot. “Jutro u Veneciji”
Corot je stekao apsolutno tradicionalno umjetničko obrazovanje, diplomiravši na Akademiji sa zlatnom medaljom. A njega, kao ohrabrenje, šalju da se usavršava u Italiju na tri godine o državnom trošku. Odatle je doneo malu sliku "Jutro u Veneciji".
Nakon ove tri godine, povratkom u domovinu, Corot si postavlja cilj da prošeta po Francuskoj i otkrije drhtaj svoje rodne prirode. I sa svakog planinarenja donosio je nove slike. Jedno od njegovih radova“Kola za sijeno (kola koja prelaze brod blizu velikog drveta)”.
Camille Corot. pejzaži
Igrajući se svjetlom i sjenom, Corot ispisuje svojevrsno prijelazno stanje prirode. Očigledno - nedavno je padala kiša ili još pada. Vagon prelazi preko velike lokve. Padala je kiša, ali je već prošlo. Iza drveta travnjak je već obasjan suncem i probija se kroz oblake.
Prijelazno stanje prirode prikazano je s velikom vještinom.
Svaki pejzaž Camille Corot je pejzaž raspoloženja. On prenosi drhtavicu, pokretljivost, vibraciju ne samo kompozicionim konstrukcijama, već i zadivljujućim hrabrim slikarstvom.
Svaka Corotova slika potvrđuje da on nije bio najistaknutiji kolorista. Smatrao je da boja u slikarstvu nije najvažnija stvar. Prvo morate sve nacrtati, a zatim pokazati sve objekte u pokretu. Kretanje majstora se manifestuje na nivou lepršanja lišća, daha vjetra, šuštanja trave. I on je dao ovaj pokret ne samo vibrirajućim potezom. Corot NIJE PROPISAO DETALJE, kao Guerin.
Corot je tvrdio da u svakoj boji postoji najmanje 20 njenih gradacija. Ali zadatak umjetnika nije samo da prepozna te detalje, već i da ih superponira tako da se sve nijanse od najtamnijih do najsvjetlijih ne ponavljaju više puta na slici.
Corot se igra sa bilo kojom slikom na način da razloži boju na sve nijanse i svaku od njih smjesti u sliku.Prvo, razloži, recimo, zelenu boju. Zatim isto radi sa sivom. Zatim uzima određenu kontrastnu boju i nanosi je tačkama na slici kako bi dodatno pojačao ovo drhtanje. Ovu boju je nazvao sos ili začin.
Camille Corot. "nalet vjetra"
Na primjer, Corotov “sos” na slici “Nalet vjetra” je boja ženskog šala, koja se poigrava blještavima na nebu. Šema boja na slici je gotovo jednobojna i ova maramica je jedina žućkasta mrlja.
CRTEŽ je uvijek uočljiv u Corotovim radovima. Obratite pažnju na njegov takozvani "pahuljasti" stil pisanja. Figure na slici su potrebne za stvaranje dubine, treće dimenzije. Važno je da je Corot po prvi put uspio uz pomoć slike prenijeti određeno „strahopoštovanje atmosfere“. Na ovom platnu se fizički može osjetiti vjetar, kretanje atmosfere i kako seljanka jedva korača prema svojim impulsima. Kretanje na slici, kao i uzbuđenje u prirodi, nejasno je, nije ga do kraja izrazio umjetnik - ovo je samo blagi drhtaj, ali ne i oluja, ne dramatičnost elemenata koji su očarali.
Camille Corot. "Kupanje Diane"
“Dijanino kupanje” jedno je od posljednjih (skoro posljednjih) Corotovih djela.
Neki stručnjaci tvrde da je ovo drugo. U ovom trenutku Corotu je uskraćeno učešće na izložbama, navodeći da je došlo vrijeme za mlade autore i da su svi umorni od njegovog načina pisanja. I nekako mu je savjetovano da malo osvježi temu, da naslika nekakvu Veneru u pejzažu. 75-godišnji Corot je bio nadahnut, izvadio je veliko platno, pozvao kćer Charlesa Francois Daubignyja Emu i prikazao je u pozadini prirode, poput Diane.
Ali kako piše svoju Dianu. Imajući na umu tradiciju klasicizma u umjetnosti, ispravlja njenu figuru, pretvarajući je u prekrasan antički kip. Corot je bio daleko od tradicije impresionizma. Njegov pejzaž je naslikan u jednom režimu osvetljenja, a Ema u drugom, ona je posvećena svetlošću iz potpuno drugog izvora. Njena figura nije u potpunosti povezana sa pozadinom, čini se da je „umetnuta“ u pejzaž. Kasnije će impresionisti primijetiti da slikovni predmet ne može postojati izolirano, već svi objekti moraju biti sjedinjeni svjetlošću. Ali Corot to neće doživjeti.
Djevojci na ovom platnu je iskreno žao. Ona stoji u lokvi, jako želim da je pokrijem ćebetom, umotati je da se ne smrzne. Slika se odlikuje vrlo jasnom i ispravnom FIGUROM! Koro je to oduvijek radio.
Što se tiče radnje - ilustracija poznate epizode iz mita. Diana je ušla u jezero da pliva i odjednom je u vodi ugledala odraz lovca Actaeona. Bila je užasnuta što ju je vidio golu, pretvorio ga u jelena, a psi su istog trena potrgali nesretnog. Odnosno, Corot ide u stopu - u krajolik ubacuje mitološki zaplet.
Zanimljivo je da je Corot ovo djelo napisao u isto vrijeme kad i Renoirov akt. Ali Renoir će biti poliven blatom, a Corot će biti podignut na pijedestal, ako ne i na nebo.
Camille Corot u Muzeju Puškina
Naša zbirka sadrži 14 Corotovih radova. Dva od njih su upitna. A ako ne pričate o ova dva, onda je preostalih 12 najkvalitetnijih. (Još uvijek možete dugo pričati o mnogim lažnjacima Corot-a.
Kraj 19. - početak 20. stoljeća bilo je vrijeme kada su američki prodavci žurili u Evropu po slike i druge antikvitete. Novi svijet nije stvarao vlastitu umjetnost, bio je zauzet zaradom, kupovali su umjetnost u Evropi, nisu štedjeli novac. A ako postoji potražnja, odmah postoji ponuda ... lažnih slika. Corot potpada pod ovu potražnju, njegove slike su veoma popularne kod Amerikanaca. Pa, stvoren je nevjerovatan broj falsifikata pod “Coro”. Postoji likovna i antička šala da se od 2.000 njegovih slika 4.000 čuva u privatnim kolekcijama. Ali u našem muzeju, Corotovi radovi su PRAVI!)
Još jedan majstor koji nije pripadao Barbizonima, ali je bio povezan s njihovom školom, je Jean-Francois Millet (1814-1875). Postao je jedan od najvećih majstora sredine 19. veka. Svoje prvo priznanje dobio je zahvaljujući portretima i malim slikama na biblijske teme. Ali glavni motiv njegovih radova bio je seljački rad.
Rođen u Normandiji u seljačkom okruženju, umjetnik se nije fokusirao na žanr pejzaža, već na prikaz seljačkog rada, glavne, po njegovom mišljenju, svrhe čovjeka na zemlji. Millet je pokazao seoski rad kao prirodno stanje čovjeka, kao jedini mogući oblik njegovog bića.
Umjetnik je bio prijatelj Theodora Rousseaua, za razliku od Barbizona, on sam nije došao u Barbizon, već je tamo živio stalno. Budući da je i sam bio seljak, on je prirodu doživljavao kao sferu seljačkog rada i smatrao je svojim zadatkom da prenese vezu seljaka s prirodom. Njegovi pejzaži su prekriveni prisustvom čovjeka, ispunjeni odjecima njegovih misli i snova. U pejzažnoj temi Prosa pojavljuje se tema rada u biblijskom smislu - rada, poput seljačke poniznosti, da bi se kruh dobio u znoju lica. Ovu temu će dalje cijeniti i pozajmiti Vincent van Gogh.
Jean Francois Millet. "Pederi kolekcionari"
“Skupljači pedera” (1850-e) radnja je teškog seljačkog rada, karakteristična za umjetnika. Na slici nema neba gledište je dato odozgo i to izaziva osjećaj opresivne težine, intenzivnog napora koncentrisanog u ljudskim figurama. Čini se da se ovaj prostor ruši i pritišće heroje na zemlju.
Druga tema, pored veze prirode i čovjeka, seljačkog rada, je tema rada koji unakaže čovjeka. Svoje heroine piše iz takvog ugla da ih nikada nećemo uzeti u obzir, njihova lica se ne vide. Ali krive noge sakupljača šiblja rimuju se sa uvijenim granama. To je njihova bliska veza sa ovim svijetom. Oni su nespretni, jednostavni kao ovaj svijet.
Celom slikom dominiraju zemljano-smeđi tonovi, kojima je ispisana odeća seljanki. Sjene se zgusnu ispod drveća, razbiju se u hrpi šiblja u prvom planu. Millais je bio loš kolorista. Ali on ima poteze koji prostor ove slike čine dinamičnijim. Van Gog koristi ovaj Milletov način i dovede ga do krajnjih granica, do krajnosti.
Jean Francois Millet. "hakovi"
Još jedna Milletova slika u kolekciji Državnog muzeja likovnih umjetnosti Puškina zove se Stagovi sijena.
U djelu Jean Francois Milleta jasno su se ispoljile crte demokratskog realizma, naprednog pokreta u francuskoj umjetnosti sredine 19. stoljeća. Šef demokratskog realizma bio je
Koro (corot) Camille (1796-1875), francuski slikar. Uz strogo građene "istorijske pejzaže", slikao je duhovno-lirske pejzaže, obilježene bogatstvom valera, suptilnošću srebrno-sive boje, mekoćom zračne izmaglice koja obavija predmete ("Kočija sijena", "Nalet vjetra" “, oko 1865-70).
Koro(Corot) Jean-Baptiste Camille (16. jul 1796, Pariz - 22. februar 1875, Ville d'Avre, kod Pariza), francuski umjetnik.
Prvo putovanje u Italiju (1825-1828)
Rođen je u bogatoj porodici i morao je da krene stopama svog oca, drapera. Corot je počeo slikati tek sa 26 godina: učio je od diplomca Akademije A. Michallona, a zatim od poznatog pejzažnog slikara V. Bertina. 1825. odlazi u Italiju. Njegov boravak u Rimu postao je godina njegovog učenja i početak samostalnog stvaralaštva. Rimski pejzaži izvedeni u Italiji: “Pogled na Forum u vrtu Farnese” (1826), “Pogled na Koloseum iz vrta Farnese” (1826), “Santa Trinita dei Monti” (1826-28, sve u Louvre) - udahnite svježinu percepcije koja ga je pogodila svojom ljepotom prirode i arhitekture Italije. Više su kao skice. Tu je Corot shvatio da je "sve što je napisano prvi put iskrenije i ljepšeg oblika." U Italiji je naučio cijeniti prije svega prvi prolazni utisak o bilo kojem kutku prirode. U pejzažima "Rimska Kampanija" (1825-26, Muzej Boijmans van Beiningen, Roterdam) i "Civita Castellana" (1826-27, Nacionalni muzej, Stokholm), koji prenose osebujnu lepotu okoline "večnog grada" sa ruševine drevnih građevina, priroda Italije izgleda veličanstvenije, slikovitije. Crveno-smeđe tople boje naglašavaju drevni iskonski pustinjski krajolik Campagne i živopisnu stenovitu liticu sa grupom borova na vrhu u Civita Castellana.
Corot stvara mnoge crteže iz prirode, hvatajući stanovnike Rima, veličanstvene u svojoj ljepoti, turiste, seljanke iz Albana u svijetlim narodnim nošnjama, monahe, otkrivajući interes za prenošenjem svega karakterističnog.
U pejzažu "Augustov most u Narniju" (1827, Nacionalna galerija, Otava) slika italijanske prirode je istinita i idealna u isto vreme. Ruševine drevnog mosta i borovi na obali obavijeni su nježnom ružičastom izmaglicom koja pravi pogled pretvara u svojevrsni pejzaž iz snova. „Zameraju mi neodređenost obrisa, nedorečenost mojih slika..., ali lice prirode uvek lebdi, menja se, to je tajna suština života“, pisaće kasnije Koro. Voleo je da piše ujutru, u trenutku buđenja prirode, kada svi oblici još uvek deluju nestabilno u jutarnjoj izmaglici.
1834. i 1843. Corot je ponovo posjetio Italiju i stvorio pogled ne samo na Rim, već i na Veneciju („Jutro u Veneciji“, 1843., Puškinov muzej likovnih umjetnosti, Moskva). Pažnju umjetnika privukao je miran kutak nasipa u blizini Duždeve palače i biblioteke San Marco. Tanke gradacije žutih i smeđih, sivih i plavih tonova prenose osjećaj sunčanog jutra, posebnu vlažnu izmaglicu svojstvenu atmosferi Venecije, u kojoj se rastvaraju jasni obrisi zgrada.
Platna "Villa d" Este" (1843, Luvr) i "Augustov most u Narniju" (oko 1843, Luvr) nastala su tokom trećeg putovanja u Italiju. Sa terase parka vile možete videti selo i padine planina, obavijene ružičasto-jorgovanom izmaglicom, zaista svojstvene pejzažu Italije tokom sati jakog podnevnog osvetljenja. Figura pastirice koja sedi na mermernoj ogradi služi kao referentna tačka za oko posmatrač, povezuje prvi plan sa perspektivom pejzaža.pogled, ali za razliku od ranog pejzaža, ovo je novi pogled na prirodu - sada nije idealizovana, već puna vitalnosti.Koro prikazuje prostor kao da je blago odozgo, naglašavajući širinu kanala i brzu poplavu rijeke.Ruševine mosta ne izgledaju kao rijetkost antike, pripisana im je manje značajna uloga u panorami riječne doline.Ova priroda nije puna ideala veličanstvenosti, ali snažne vitalne lepote, njenog pravog daha.
Kod kuće (1828-69)
Život umjetnika, pored putovanja u Italiju, bio je lišen izuzetnih događaja. Nije napuštao očevu kuću, a svoj je život u potpunosti posvetio umjetnosti. Corot je bio vrijedan, kao i njegovi preci, seljaci iz Burgundije, i vrlo zahtjevan prema sebi. Do starosti je zadržao romantičnu vjeru u moralni utjecaj slikarstva na ljude.
Tokom svog dugog života, umetnik je stvorio mnoga dela, pokušavajući da prenese različite utiske: „Nemam dovoljno boja“, žalio se. Njegovi pogledi na Francusku su ili lirski u prenosu malih sela u blizini Pariza, ili upoređeni sa nekim pejzažima iz snova, koji kombinuju preciznost praćenja prirode i poetsku maštu, transformišući ono što se vidi.
Jednostavnost i harmonija kompozicije svojstvena je platnima: "Dvorište farme u Normandiji" (1845, privatna kolekcija), "Kočija sijena" (1855-70, Muzej likovnih umjetnosti po imenu A. S. Puškina, Moskva), "The Zvonik u Argenteuil" (1855-60, ibid.), Crkva Morizel (1866, Luvr), Nalet vjetra (1864-73, Puškinov muzej likovnih umjetnosti, Moskva). U svakom od njih, pogled na kutak skromnog sela obdaren je posebnim poetskim prizvukom u prenošenju umjetnikovog raspoloženja, osjećaja meke ljepote seoske prirode Francuske. Stagovi sijena, seljačke kuće koje skupljaju grmlje ili ljudi koji idu s polja ili u crkvu daju pogledima još više liričnosti u narativu svakodnevnog života. Na platnu „Zvonik u Argenteuil-u“, koji prikazuje ulicu koja vodi do sela sa crkvom, uz koju razgovaraju seljanke, suptilni tonovi boja kao da stvaraju utisak zvučnih pojava: pjev ptica, tihi razgovor. Svojom strogom staloženošću, kompozicija slike "Crkva Morizel" bliska je prethodnom platnu. Dvije seljanke šetaju alejom parka do crkve. Prijelazi sivih, smeđih, plavih tonova stvaraju osjećaj nježne harmonije boja rane jeseni. Plastično obojena gola tanka stabla uokviruju cestu i ogledaju se u vodi lokva.
Prefinjeniji i nerealističniji u pogledu boja su fantastični pejzaži “Sećanja Mortefontena” (1864, Luvr) i “Sjećanja na Castel Gandolfo” (oko 1865, Luvr). Priroda i figure u njima djeluju sablasno, podsjećajući na vizije. Siluete drveća i figura su obdarene posebnim muzičkim ritmom, kao i srebrno-biserna skala slika, stvarajući osjećaj glatko teče melodije.
Corotovi pejzaži su uvijek lirski, prirodna preciznost i elementi mašte koegzistiraju u njima u izuzetno suptilnoj harmoniji.
Međutim, umjetnik je morao izvoditi djela koja nisu bila karakteristična za njegov talenat. Za salone su naslikane slike „Hagara u pustinji“ (1835, Metropolitan muzej, Njujork), „Dijana i Akteon“ (1836, ibid.), koje prikazuju melodramatske scene iz hrišćanske istorije i mitologije. Slika mlade seljanke na portretu "Agostine" (1866, Nacionalna galerija, Vašington), kao da pozira u jarkoj narodnoj nošnji, takođe odgovara naturalističkim salonskim ukusima.
Ali na njegovim najboljim portretima (“Djevojka koja se češlja”, 1860-65, Louvre; “Žena s biserom”, 1869, Louvre; “Čitajuća pastirica”, 1855-65, Reinhardtova zbirka, Winterthur; “Claire Sennegon”, 1840 , Louvre; "Dama u plavom", 1874, Louvre), kao i u pejzažima, Corot stvara slike mladih Francuskinja, koje plene vitalnošću, i neke slike inspirisane klasičnim prototipovima, u kojima se suptilno kombinuju osobine prirode i ideala. Slika "Žena s biserom" dovodi do asocijacije na ženske tipove Raphaela, a Claire Sennegon - na Ingresove modele. Ali idealne slike muza na slikama "Tragedija" (oko 1860, privatna kolekcija) i "Komedija" (oko 1860, Metropoliten muzej), naprotiv, prenose utiske stvarne prirode. Stvarnost i san o uzvišenom u čovjeku i prirodi uvijek postoje u Coroovoj umjetnosti kao dva aspekta umjetnikove poetske imaginacije.
Kasniji radovi (1870.)
Dela 1870-ih („Most kod Mantesa“, 1868-1870, Nova Pinakoteka, Minhen; „Oblaci nad Pas de Calais“, 1870, Muzej lepih umetnosti Puškin, Moskva; „Kula u Dueju“, 1871, Luvr) svjedoče o pokušajima da se radi na stari način, a da se istovremeno obrađuju nove teme i njihova nova slikovna interpretacija, bliska traganju za impresionistima. “Uvijek se trudim da uhvatim sve nijanse, prenoseći na taj način iluziju života, želim da gledalac osjeti kretanje svemira i objekata gledajući moje nepomično platno”, napisao je umjetnik. Međutim, u tonskom pejzažu-raspoloženju koje je stvorio, priroda nema onu svečanost kojom su je obdarili impresionisti. U Corotovim pogledima ne prenosi se uvijek trenutak u životu prirode, već trajno stanje, zadržavaju vezu s klasičnom tradicijom krajolika, utjelovljuju spoj romantičnih snova i stvarnosti. Korotov doprinos evropskom pejzažu 19. i 20. veka je veoma značajan, bio je jedan od preteča impresionista i realističkog pejzaža 20. veka.
Camille Corot- Francuski umetnik, čije se skice vrednuju gotovo uporedo sa gotovim slikama. Kao i mnoge druge slikare XIX veka, privlačili su ga pejzaži. U djelu majstora, ovaj žanr predstavljaju kako povijesna tako i više lirska, nadahnuta i odvojena od stvarnosti platna. Corotov pristup kreativnosti je ponovno promišljanje gradacija boja i velika pažnja na prikaz chiaroscura.
Camille Corot je imao nekoliko učitelja: posjećivao je radionice Michallona i Bertina. Vjeruje se da su Guardi, Lorrain i Canaletto utjecali na njegov razvoj kao umjetnika. Ali slikareva putovanja u Italiju, Belgiju, Holandiju, Švajcarsku, Burgundiju i druga mesta su očigledno imala mnogo važniju ulogu. Corot nije kolorista. Ali svako njegovo djelo bogato je nevjerovatnim rasponom valeura - nijansi tonova. Umjetnik je pronašao desetine opcija u bojama bisera, srebra i sedefa.
Corot za sebe nije izdvojio specifično stanje prirode i okrenuo se raznim manifestacijama: u njegovom radu vjetar, kiša, oblaci i sunčevi zraci imaju posebno raspoloženje. Romantizam na njegovim platnima odjekivao je realizam, koji je inspirisao buduće impresioniste. Tako je poznati impresionista sa divljenjem govorio o svom radu. Ali djela samog Corota ne pripadaju ovom trendu: priroda ne vrišti u njima, ne bjesni bojama i ne nastoji da osvoji gledatelja prolaznim naletima emocija, živim utiscima i svjetlosnim mrljama. Ona je smirenija, ali živa i pred gledaocem se pojavljuje u stanju koje traje određeno vreme.
Camille Corot je njegovala njegova sjećanja. Ako je jednom vidio nešto lijepo i u potpunosti to osjetio, tada se te emocije nisu izgubile u vremenu, već su se sačuvale do posebnog trenutka. Kada je napredovao, umetnik je na platno prenosio doživljena osećanja, ulivala i sipala kao zrele jabuke na granu.
Jedno od njegovih poznatih djela je "Reminiscencija na Mortfontainea" (1864). Ona pleni gledaoca, uvlačeći ga u laganu i spokojnu epizodu iz života Koroa. Boje na platnu ne samo da prenose igru sunčeve svjetlosti, već i hvataju dječiji smeh, tiho veselo prskanje vode u blizini obale, šuštanje lišća koje igra povjetarac.
Od mitskih slika Corota, vrijedi istaknuti djelo "Orfej koji vodi Euridiku iz carstva mrtvih".
Svako drvo, svaki odsjaj svjetla na platnu odiše iskrenošću. Čini se kao da sam Koro doživljava emocije svojih likova. Zelene nijanse doprinose slici života, misteriozne i zadivljujuće. No, tu je i napetost, jer je snimljena scena trenutak u kojem se odlučivala sudbina dvoje ljubavnika.
Jean-Baptiste Camille Corot - poznati francuski umetnik. Poznat kao veliki pejzažista iz doba romantizma. Posebnu pažnju posvetio je Valeri. Valer - nijanse boja koje se postižu određenom tehnikom i stvaraju efekt dubine i prirode svjetlosnog i zračnog okruženja. Posebna tehnika slikanja pejzaža, u kojoj je veći naglasak stavljen na suptilne tonove atmosfere i vazduha, imala je veliki uticaj na impresioniste.
Rođen 17. jula 1796. u Parizu. Poznato je da je prve poduke slikanja dobio od umjetnika Michalona i Bertina. Istraživači umjetnosti Corot-a primjećuju da je Jean Baptiste posebnu pažnju posvetio slikarstvu umjetnika kao što su Canaletto, Guardi i Lorrain, a neke karakteristike njihovog slikarstva vidljive su i na slici Camille Corot. Međutim, umjetnost ovog francuskog umjetnika je originalna i jedinstvena na svoj način. Imao je svoj stil, koji ga je učinio istinski poznatim tokom mnogih vekova. Mnoge Corotove slike, kako pejzaži tako i portreti, prenose jesenje raspoloženje s naznakama tuge i filozofske tišine, mira.
Pejzažnik Jean-Baptiste Camille Corot često je putovao svijetom, gdje je crpio inspiraciju i pronalazio prekrasne poglede za svoje radove. Često je posjećivao Italiju, Švicarsku, putovao je mnogo po Francuskoj, a putovao je i u zemlje poput Belgije, Engleske, Holandije. Većina Corotovih slika su pejzaži. Osim po pejzažima, proslavio se i po portretima. Najpoznatiji portreti ovog autora su "Žena u ružičastoj suknji", "Prekinuto čitanje", "Ciganin s mandolinom", "Dama u plavom" i drugi.
Tokom svog života, Jean-Baptiste Camille Corot je naslikao preko 3.000 slika i desetine bakropisa. Veliki umjetnik umro je 22. februara 1875. godine u Francuskoj. Trenutno se njegovi radovi čuvaju u velikim muzejima kao što su Luvr u Parizu, Institut za umjetnost u Čikagu, Muzej umjetnosti u Sao Paulu, Muzej umjetnosti u St. Louisu, Muzej lijepih umjetnosti u Bostonu, Metropolitan muzej umjetnosti, Nacionalna galerija umjetnosti u Washingtonu, Puškinov muzej im. A. Puškina u Moskvi, itd.
Da li želite da se zaposlite po svojoj specijalnosti? Na web stranici škole engleskog jezika New Way možete pronaći