สถาบันการละครตั้งชื่อตาม BORIS SHCHUKIN
ที่โรงละครวิชาการของรัฐชื่อ EVG วาคทังกอฟ
อี.บี. Vakhtangov และทิศทางของเขาในโรงละคร
ทดสอบประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซีย
นักศึกษาชั้นปีที่ 4
ฝ่ายผู้อำนวยการฝ่ายสารบรรณ
โมโนกาโรว่า เอเลน่า
ฉันจะเริ่มต้นด้วยการอ้างถึง Veniamin Smekhov - แม้ว่าจะไม่ใช่นักทฤษฎีการละคร แต่เป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียงและสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน Shchukin เมื่ออ่านบทกวีของ Igor Severyanin ในตอนเย็นของบทกวีเขากล่าวว่าหากคุณเปิดกวีคนนี้ด้วยปุ่ม "Stanislavsky" มันจะน่าเบื่อ ปุ่ม "Vakhtangov" จะเปลี่ยน - เมื่อ "อุ่นจากด้านในและในขณะเดียวกันก็เติมพริกไทยภายนอก ... แม่บ้านทำอะไรเพื่อทำให้จานเป็นประกาย..." ให้พูดคำเหล่านี้ด้วยอารมณ์ขันเพื่ออธิบายให้ผู้ชมที่ไม่ได้เตรียมตัวให้ชัดเจนยิ่งขึ้นถึงความแตกต่างระหว่างโรงเรียนโรงละคร แต่ในความคิดของฉันมีเกลืออยู่ในนั้น อะไรคือสิ่งแรกที่นึกถึงสำหรับคน ๆ หนึ่ง - ผู้ชมธรรมดา ๆ - เมื่อเราออกเสียงชื่อ Stanislavsky? "ฉันไม่เชื่อ!" และ “ความจริงแห่งชีวิต” แล้ววัคทันกอฟล่ะ? ฉันคิดว่ามันเป็น "ด้นสด" ซึ่งเป็นงานมหกรรมของ "เจ้าหญิง Turandot"
มีแนวคิดของ "MKhAT" เมื่ออยู่บนเวทีทุกอย่างเรียบง่ายและทุกอย่างซับซ้อนเช่นเดียวกับในชีวิตเมื่ออย่างที่เชคอฟกำหนดไว้อย่างชาญฉลาด "ผู้คนกินข้าวกลางวันแค่กินข้าวกลางวันและในเวลานี้ความสุขของพวกเขาก็ก่อตัวขึ้นและ ชีวิตแตกสลาย” แล้ววาห์ทังกอฟสโคยล่ะ? นี่คือการเฉลิมฉลองของโรงละคร: นักแสดงเล่นและอย่าซ่อนเกมของพวกเขา แน่นอนว่า Vakhtangovian ดำรงอยู่ในโรงละครมาโดยตลอดไม่ว่าจะเปิดเผยหรือเป็นความลับ แต่ด้วยการถือกำเนิดของ Vakhtangov "การแสดงละคร" นี้เมื่อไม่เพียงนำเสนอชีวิตจริงบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิ่งที่ "จินตนาการ" โดยศิลปินด้วย จินตนาการได้รับชื่อ
แน่นอนว่า Vakhtangov เองก็ไม่เคยต่อต้านตัวเองกับ Stanislavsky ครูของเขาและตามความเห็นของครูเอง Vakhtangov เป็นนักเรียนที่ดีที่สุดของเขา Vakhtangov ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากปรมาจารย์แห่งโรงละครโลก: Gordon Craig, Andre Antoine, B. Brecht Peter Brook เขียนไว้ใน "Empty Space" ว่า Vakhtangov สามารถเจาะทะลุองค์ประกอบยอดนิยมของโรงละครได้อย่างไม่มีใครเหมือน และเขาเริ่มการเดินทางอย่างอิสระในสตูดิโอแห่งที่สามของโรงละครศิลปะมอสโกซึ่งเขาได้รับเชิญจากผู้กำกับ
เมื่อมาถึงนักเรียน Evgeniy Bogrationovich เริ่มต้นด้วยคำกล่าวว่าไม่ว่าเขาจะทำงานที่ใดก็ตามไม่ว่าเขาจะทำงานด้วยกับใครก็ตามเขาก็ตั้งภารกิจหนึ่งให้กับตัวเอง: เผยแพร่ "ระบบ" ของ K. S. Stanislavsky
นี่คือภารกิจของฉัน งานในชีวิตของฉัน
นักเรียนรู้สึกยินดีกับคำพูดของอาจารย์ และด้วยรูปลักษณ์ที่มีเสน่ห์ของเขา และด้วยความสามารถพิเศษของเขา ซึ่งทำให้พวกเขาประทับใจในทันทีที่สามารถเจาะลึกความรู้สึกและความคิดของพวกเขา และพูดคุยกับชายหนุ่มและหญิงสาวในภาษาที่พวกเขาเข้าใจได้อย่างแน่นอน น่าตื่นเต้นอย่างใกล้ชิดเสมอ
ในวันที่ 13 กันยายน พ.ศ. 2463 สมาคมเยาวชนนี้จะได้รับสถานะเป็นสตูดิโอที่สามของโรงละครศิลปะมอสโก ในปี พ.ศ. 2469 โรงละครตั้งชื่อตาม วาคทังกอฟ. ในระหว่างนี้ สมาชิกสตูดิโอที่เพิ่งก่อตั้งใหม่ไม่มีสถานที่ถาวรด้วยซ้ำ ชั้นเรียนจัดขึ้นในห้องนักเรียน ในระหว่างวัน สมาชิกสตูดิโอยังคงเข้าร่วมการบรรยายต่อไป หลายคนก็รับหน้าที่ด้วย โดยจะมารวมตัวกันเพื่อเรียนศิลปะในตอนเย็นหรือตอนกลางคืนเท่านั้น Vakhtangov ในช่วงบ่าย - ใน First Studio จากนั้น - ที่โรงเรียนของ Khalyutina ต่อมา - บทเรียนกับนักเรียน เมื่อความเป็นไปได้ทั้งหมดของ "ความสะดวกสบายที่บ้าน" หมดลง พวกเขาก็เริ่มไปร้านอาหาร จากนั้น "สตูดิโอ" ก็ไม่ได้รับอนุญาตที่นี่อีกต่อไปเช่นกัน จากนั้นชาวสตูดิโอก็ขอพักค้างคืนที่ล็อบบี้โรงภาพยนตร์หลังการฉายภาพยนตร์
เมื่อนึกถึงทุกวันนี้ B.V. Zakhava หนึ่งในสมาชิกสตูดิโอกล่าวว่า: “ ผู้ที่ผ่านโรงเรียน Vakhtangov แห่งนี้และไม่ได้เป็นนักแสดงจะไม่เสียใจกับเวลาที่เสียไปราวกับว่ามันสูญเสียไปอย่างไร้ผล:“ เขาจะเก็บความทรงจำไว้ตลอดไป ของนาฬิกาที่ดำเนินการในบทเรียนของ Vakhtangov ในฐานะผู้ที่เลี้ยงดูเขามาเพื่อชีวิต ได้ทำความเข้าใจหัวใจมนุษย์ให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น สอนให้เขาสัมผัสถึงจิตวิญญาณมนุษย์ที่มีความสุขและละเอียดอ่อน เผยให้เขาเห็นถึงกลไกอันละเอียดอ่อนที่สุดของการกระทำของมนุษย์…”
รอบปฐมทัศน์ของ "The Lanin Manor" โดย Boris Zaitsev เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2457 มันเป็นความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง นักแสดงที่ไม่มีประสบการณ์เล่นด้วยความยินดี พวกเขาประทับใจกับประสบการณ์ของตัวเอง แต่ไม่มีอะไรเข้าถึงผู้ชมได้ ยกเว้นความทำอะไรไม่ถูกของนักแสดง
เราล้มเหลว! - Vakhtangov พูดอย่างร่าเริง – ตอนนี้คุณสามารถและควรเริ่มเรียนอย่างจริงจัง
หลังจากนั้นฝ่ายบริหารของ Art Theatre ห้ามไม่ให้ Vakhtangov ทำงานใด ๆ นอกกำแพงโรงละครและสตูดิโอ Evgeny Bogrationovich แกล้งทำเป็นส่ง สมาชิกทุกคนของ Student Studio (ซึ่งเรียกกันในปัจจุบัน) ลงนามในสัญญาอันเคร่งขรึม: ทุกคนให้ "คำยกย่อง" ของตนว่าจะไม่พูดในอนาคตเกี่ยวกับสิ่งที่จะทำในสตูดิโอ ทั้งกับคนรู้จัก เพื่อน หรือแม้แต่ คนที่ใกล้ที่สุด นับจากนี้เป็นต้นไปชื่อของผู้นำอันเป็นที่รักจะถูกเก็บไว้เป็นความลับอย่างเข้มงวดที่สุด
ในช่วงฤดูหนาวปี 1914/58 Student Studio ได้ทำงานอย่างหนักกับภาพร่างตาม "ระบบ" ของ Stanislavsky และในละครตอนเดียว เราเช่าอพาร์ทเมนต์เล็ก ๆ ในอาคาร 2 ชั้นบนถนน Mansurovsky ในครึ่งแรก "ชาวมันซูไรต์" ได้จัดตั้งหอพัก ส่วนอีกครึ่งมีเวทีเล็ก ๆ พร้อมหอประชุมสำหรับสามสิบสี่คน “ ตามคำบอกเล่าของฉัน” ที่จะไม่ส่งผู้ร้ายข้ามแดน Vakhtangov ถูกแขวนไว้บนผนังเพื่อที่เขาจะได้จดจำตลอดไป แต่เมื่อถึงปลายฤดูหนาวคำนั้นก็แตกสลาย ในฤดูใบไม้ผลิ แขกที่ได้รับเลือกจะได้ชม "การแสดงยามเย็น" ซึ่งประกอบด้วยการแสดงเดี่ยวห้าเรื่อง: เรื่องราวที่จัดโดย A. Chekhov "The Huntsman" และการแสดงเพลงสี่เพลง: "การแข่งขันระหว่างสองไฟ", "เกลือแห่งการแต่งงาน" ”, “เรื่องไร้สาระของผู้หญิง” และ “หน้านวนิยาย”
เมื่อเลือกเพลง Evgeny Vakhtangov กล่าวว่านักแสดงควรได้รับการเลี้ยงดูในเพลงโวเดอวิลล์และโศกนาฏกรรมเพราะรูปแบบเหล่านี้มีขั้วในศิลปะการละครต้องการความบริสุทธิ์ความจริงใจอารมณ์ที่ดีความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมจากนักแสดงอย่างเท่าเทียมกันนั่นคือทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็น ความมั่งคั่งหลักของนักแสดง
แต่มันไม่ใช่แค่ความรู้สึกอีกต่อไป ไม่ใช่แค่ประสบการณ์ที่ถูกเลี้ยงดูมา... นักเรียนตระหนักดีว่าหากนักแสดงในโรงละครจิตวิทยามีหน้าที่รับผิดชอบต่อความจริงของประสบการณ์เท่านั้นและยังคงไม่แยแสกับรูปแบบเขาจะไม่ ถ่ายทอดประสบการณ์ให้กับผู้ชม
ความคลุมเครือของรูปแบบการโอเวอร์โหลดของเกมที่มีรายละเอียดที่ไม่มีความหมายสุ่มและไม่จำเป็น "ขยะในครัวเรือน" การขาดการวาดภาพที่แม่นยำและชัดเจน - คุณสมบัติเชิงลบทั้งหมดของ "โรงละครแห่งประสบการณ์" ที่ไม่มีรูปร่างเป็นสิ่งผิดกฎหมาย นี่คือขั้นตอนที่สอง แต่การค้นหารูปแบบใหม่ทำได้โดยการสัมผัสอย่างสังหรณ์ใจ หลักการพื้นฐานของสตูดิโอยังคงความเชื่อที่ว่าความคิดสร้างสรรค์นั้น "ไร้สติ" อยู่เสมอ Vakhtangov รู้สึกทึ่งกับงานการสอนในงานนี้เขาเขียนในไดอารี่ของเขา:“ ในโรงเรียนการละครพระเจ้าทรงรู้ว่าสิ่งใดมอบให้ ข้อผิดพลาดหลักโรงเรียนคือสิ่งที่พวกเขาทำ สอน,ระหว่างวิธีการให้ความรู้” “ระบบ” มีเป้าหมายเพื่อให้ความรู้:
“การศึกษาของนักแสดงควรประกอบด้วยการเพิ่มพูนจิตใต้สำนึกของเขาด้วยความสามารถที่หลากหลาย: ความสามารถในการเป็นอิสระ, มีสมาธิ, จริงจัง, เป็นคนแสดงละคร, มีศิลปะ, มีประสิทธิภาพ, แสดงออก, ช่างสังเกต, ปรับตัวได้รวดเร็ว ฯลฯ มี ความสามารถเหล่านี้มีมากมายไม่สิ้นสุด... โดยพื้นฐานแล้วนักแสดงจะต้องแยกวิเคราะห์และซึมซับข้อความร่วมกับคู่หูของเขาแล้วขึ้นเวทีเพื่อสร้างตัวละคร
นี่คืออุดมคติ เมื่อนักแสดงจะพาทุกคนมาเลี้ยงดู เงินทุนที่จำเป็น- ความสามารถ นักแสดงจะต้องเป็นนักแสดงด้นสดอย่างแน่นอน นี่คือพรสวรรค์”
สำหรับ Vakhtangov นี่คือจุดเริ่มต้นของระบบการสอนทั้งหมด
Vakhtangov สอนสมาชิกในสตูดิโออย่างอดทนว่านักแสดงที่ขึ้นมาบนเวทีด้วยความรู้สึกเป็นอยู่ที่ดีจะต้องเอาชนะมันและสร้างความรู้สึกที่สร้างสรรค์ของความเป็นอยู่ที่ดีได้อย่างไร เขาสอนว่าความคิดสร้างสรรค์คือความสำเร็จของงานต่างๆ และภาพจะปรากฏขึ้นเมื่องานเสร็จสิ้น เขาย้ำว่าคุณไม่สามารถเล่นกับความรู้สึกได้ แต่คุณต้องดำเนินการอย่างเหมาะสมซึ่งเป็นผลมาจากความรู้สึกที่จะเกิดขึ้น แต่ละงานประกอบด้วยการกระทำ (“ ฉันควรทำอะไร”) ความปรารถนา (“ เพื่ออะไร”) และการปรับตัว (“ อย่างไร”) ทั้งหมดนี้จะต้องได้รับการปฏิบัติและจัดระเบียบในงานเบื้องต้นและการซ้อมจากนั้นจึงแสดงบนเวทีโดยไม่สมัครใจโดยธรรมชาติ ไว้วางใจธรรมชาติของคุณ
ในช่วงฤดูหนาวปี 1916/17 Student Studio ได้เตรียมการแสดงละครโดย Maupassant และ Chekhov ให้กับนักเรียนอีกครั้ง นักเรียนเลิกเป็นมือสมัครเล่นแล้ว ดังนั้นสตูดิโอจึงได้ชื่อว่า "Moscow Drama Studio of E.B. Vakhtangov" ปีแห่ง "การสมรู้ร่วมคิด" สิ้นสุดลงแล้วสำหรับพวกเขา
Vakhtangov เชื่อมั่นว่า “โรงละครที่แท้จริงใดๆ ก็สามารถแสดงออกมาทางสตูดิโอเท่านั้น สตูดิโอเป็นวิธีเดียวที่จะสร้างโรงละครที่แท้จริง แต่สตูดิโอคืออะไร? สตูดิโอเป็นทีมที่มีอุดมการณ์เป็นหนึ่งเดียวกัน มีเพียงทีมดังกล่าวเท่านั้นที่สามารถเริ่มสร้างโรงละครได้ มีเพียงทีมดังกล่าวเท่านั้นที่จะสามารถสร้างโรงเรียนที่แท้จริงได้ สตูดิโอไม่ใช่โรงเรียนหรือโรงละคร สตูดิโอคือสิ่งที่ให้กำเนิดทั้งโรงเรียนและโรงละคร การกำเนิดของโรงละครไม่ได้หมายความถึงการยกเลิกสตูดิโอแต่อย่างใด ในทางตรงกันข้าม การดำรงอยู่และการพัฒนาของโรงละครนั้นพิจารณาจากการมีสตูดิโอที่มีอยู่พร้อมๆ กัน (นั่นคือทีมที่มีอุดมการณ์เหนียวแน่น) ดังนั้น ไตรลักษณ์จึงเกิดขึ้น: โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร สตูดิโอเป็นศูนย์กลางของทรินิตี้นี้ เธอบริหารทั้งโรงเรียนและโรงละคร เธอจัดการทั้งสองอย่าง”
ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2463 สตูดิโอ Vakhtangov ได้รับการยอมรับให้เป็นครอบครัวของ Moscow Art Theatre ภายใต้ชื่อสตูดิโอที่สาม ในฤดูใบไม้ร่วง สตูดิโอได้ย้ายจาก Mansurovsky Lane ไปยังคฤหาสน์ว่างเปล่าบน Arbat ในเวลาเพียงสองปี การแสดงครั้งสุดท้ายของ Vakhtangov จะเกิดขึ้น - “Princess Turandot” การแสดงที่กลายมาเป็น “ นามบัตร“ โรงละครที่ตั้งชื่อตาม E. B. Vakhtangov แล้ว
วิธีการสร้างสรรค์ของ Vakhtangov แนวคิดการแสดงละครของเขาสามารถประสานโรงละครสองประเภทเข้าด้วยกัน - โรงละครแห่ง "การแสดง" และโรงละครแห่ง "ประสบการณ์"
สไตล์การกำกับของ Vakhtangov ได้รับการพัฒนาอย่างมากตลอดระยะเวลา 10 ปีของผลงานของเขา จากความเป็นธรรมชาติทางจิตวิทยาขั้นสุดขีดของผลงานชิ้นแรกของเขาเขามาถึงสัญลักษณ์โรแมนติกของ Rosmersholm จากนั้น - ถึงการแสดงออกถึง "Eric XIY" ถึง "หุ่นพิสดาร" ของ "The Miracle of St. Anthony" ฉบับที่สองและการแสดงละครแบบเปิดของ "Princess Turandot" ซึ่งได้รับการเรียกโดยนักวิจารณ์คนหนึ่งว่า "critical impresionism" . สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดในวิวัฒนาการของ Vakhtangov ตามข้อมูลของ P. Markov คือธรรมชาติตามธรรมชาติของการเปลี่ยนแปลงทางสุนทรียะดังกล่าวและความจริงที่ว่า "ความสำเร็จทั้งหมดของโรงละคร "ซ้าย" ที่สะสมในเวลานี้และมักถูกผู้ชมปฏิเสธมักจะเต็มใจ และได้รับการยอมรับอย่างกระตือรือร้นจากผู้ชมจาก Vakhtangov”
ถึงกระนั้นแม้จะอยู่ในสภาพเปลือยเปล่าของ "เจ้าหญิง Turandot" เขาก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อความจริงที่เขาได้รับจากมือของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ บุคคลสำคัญในโรงละครรัสเซียสามคนมีอิทธิพลต่อเขาอย่างเด็ดขาด: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko และ Sulerzhitsky Vakhtangov ยอมรับว่าเขาได้รับสืบทอดจิตสำนึกว่านักแสดงจะต้องมีความบริสุทธิ์มากขึ้น ดีขึ้นในฐานะบุคคล หากเขาต้องการสร้างสรรค์อย่างอิสระและมีแรงบันดาลใจจาก L.A. ซูเลอร์ชิตสกี้. แน่นอนว่าอิทธิพลทางวิชาชีพที่เด็ดขาดต่อ Vakhtangov คือ K.S. สตานิสลาฟสกี้ งานตลอดชีวิตของ Vakhtangov คือการสอนระบบและก่อตั้งกลุ่มเยาวชนที่มีความสามารถจำนวนหนึ่งบนพื้นฐานความคิดสร้างสรรค์ จาก Nemirovich-Danchenko เขาเรียนรู้ที่จะรู้สึกถึงการแสดงละครที่เฉียบแหลมของตัวละคร ความชัดเจนและความสมบูรณ์ของฉากที่เพิ่มสูงขึ้น เรียนรู้วิธีการใช้เนื้อหาดราม่าฟรี โดยเข้าใจว่าในการแสดงละครแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหาแนวทางที่สอดคล้องมากที่สุด ถึงแก่นแท้ของงานที่ได้รับมอบหมาย (และไม่ได้ถูกกำหนดโดยทฤษฎีการแสดงละครทั่วไปจากภายนอก)
กฎพื้นฐานของทั้งโรงละครศิลปะมอสโกและโรงละคร Vakhtangov นั้นเป็นกฎแห่งการให้เหตุผลภายใน การสร้างชีวิตอินทรีย์บนเวที การตื่นตัวของนักแสดงในความจริงที่มีชีวิตของความรู้สึกของมนุษย์
Vakhtangov เช่นเดียวกับ Stanislavsky มี "ไม่มีอะไรที่ลึกซึ้ง ไม่มีอะไรที่ไม่สามารถพิสูจน์ได้ และไม่สามารถอธิบายได้" มิคาอิล เชคอฟ ซึ่งรู้จักผู้กำกับทั้งสองคนเป็นอย่างดีและชื่นชมพวกเขาอย่างสูงกล่าว
Vakhtangov นำความจริงในชีวิตประจำวันมาสู่ระดับของความลึกลับ โดยเชื่อว่าสิ่งที่เรียกว่าความจริงในชีวิตบนเวทีควรถูกนำเสนอในละคร โดยมีผลกระทบในระดับสูงสุด สิ่งนี้เป็นไปไม่ได้จนกว่านักแสดงจะเข้าใจธรรมชาติของการแสดงละครและเชี่ยวชาญเทคนิคภายนอก จังหวะ และความเป็นพลาสติกได้อย่างสมบูรณ์แบบ
ใน Rosmersholm (รอบปฐมทัศน์วันที่ 26 เมษายน พ.ศ. 2461) เป็นครั้งแรกด้วยความช่วยเหลือของวิธีการเชิงสัญลักษณ์ช่องว่างระหว่างนักแสดงและตัวละครที่เขาเล่นตามแบบฉบับของงานของ Vakhtangov ได้รับการอธิบายไว้อย่างชัดเจน ก็เพียงพอแล้วสำหรับนักแสดงที่จะเชื่อถูกล่อลวงด้วยความคิดที่จะอยู่ในสภาพการดำรงอยู่ของฮีโร่ของเขาเพื่อเข้าใจตรรกะของขั้นตอนที่ผู้เขียนอธิบายไว้ และในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นตัวคุณเอง
เริ่มต้นด้วย "Eric XIY" (รอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 29 มกราคม พ.ศ. 2464) สไตล์การกำกับของ Vakhtangov มีความชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ แนวโน้มของเขาที่จะ "ทำให้เทคนิคของเขาคมชัดขึ้น" เพื่อรวมเอาจิตวิทยาที่เข้ากันไม่ได้ - จิตวิทยาเชิงลึกเข้ากับการแสดงออกของหุ่นเชิดแปลกประหลาดกับการแต่งบทเพลงมากที่สุด ประจักษ์ เป็นครั้งแรกที่ Vakhtangov แนะนำหลักการของรูปปั้นและตัวละครคงที่ Vakhtangov แนะนำแนวคิดเรื่องประเด็น หลักการของประติมากรรมละครไม่ได้รบกวนธรรมชาติของการปรากฏตัวของนักแสดงในบทบาท ตามคำบอกเล่าของ A.I. นักเรียนของ Vakhtangov Remizova ความจริงที่ว่านักแสดง "แช่แข็ง" ใน "ปาฏิหาริย์ของเซนต์แอนโทนี่" โดยฉับพลันทำให้พวกเขารู้สึกว่าเป็นความจริง นี่เป็นเรื่องจริง แต่เป็นเรื่องจริงสำหรับการแสดงครั้งนี้
การค้นหาตัวละครภายนอกที่เกือบจะแปลกประหลาดยังคงดำเนินต่อไปในละครเรื่อง "The Wedding" ของ Third Studio (กันยายน พ.ศ. 2464) ซึ่งแสดงในเย็นวันเดียวกับ "The Miracle of St. Anthony" Vakhtangov ดำเนินการที่นี่ไม่ใช่จากการค้นหาเชิงนามธรรมสำหรับการแสดงละครที่สวยงาม แต่จากความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับ Chekhov ในเรื่องราวของเชคอฟ: ตลก ตลก แล้วก็เศร้าในทันใด ความเป็นคู่ที่น่าเศร้าแบบนี้อยู่ใกล้เขามาก
เป็นการยากที่จะนับโรงเรียนการแสดงและสตูดิโอที่ Vakhtangov ทำงานอยู่ นอกจากสตูดิโอ First และ Mansurov แล้ว Vakhtangov ยังสอนที่สตูดิโอที่สองของ Moscow Art Theatre โดยบรรยายเกี่ยวกับระบบ Stanislavsky ใน Culture League ในเมือง Proletkult ในสตูดิโอของ B.V. Tchaikovsky และ A.O. กันสท์. เขาทำการซ้อมเพลง “The Green Parrot” ในสตูดิโอชลีพิน ทำงานที่หลักสูตรคนงาน Prechistensky เขาเข้าร่วมในองค์กรของ Proletarian Studio of Workers ของ Zamoskvoretsky District ซึ่งจัด People's Theatre ใกล้สะพาน Bolshaya Kamenny ซึ่ง Mansurov Studio เล่น
การทำงานในสตูดิโอต่างๆ ทำให้ Vakhtangov มีสื่อเกี่ยวกับมนุษย์และการแสดงจำนวนมหาศาล เขารักนักแสดงและพยายามทดสอบความคิดสร้างสรรค์ของทุกคนอยู่เสมอ หลักการที่เขาเลือกนักแสดงสำหรับบทบาทนี้เป็นที่รู้จักกันดี - ไม่ใช่คนที่เก่งกว่า แต่เป็นคนที่คาดเดาไม่ได้มากกว่า
แต่ในสตูดิโอที่สามนั้นมีการกำหนดแนวคิดการแสดงละครของ Vakhtangov มากมาย
1. หลักการของสตูดิโอ Vakhtangov เช่นเดียวกับ Sulerzhitsky เริ่มการศึกษาของเขาในฐานะนักแสดงที่ไม่ได้ทำงานเกี่ยวกับเทคนิคภายนอกและไม่ใช่แม้แต่เทคนิคภายใน แต่ด้วยแนวคิดของ "สตูดิโอ" Vakhtangov เชื่อว่าการแสวงหาความพึงพอใจทางศิลปะมากเกินไปเป็นอันตรายต่อศิลปินรุ่นเยาว์ สตูดิโอเป็นสถาบันที่ยังไม่ควรเป็นโรงละคร นักศึกษาจะต้องรักษาความบริสุทธิ์ต่อหน้าเทพเจ้าแห่งศิลปะ ไม่เหยียดหยามมิตรภาพ และปฏิบัติตามมาตรฐานทางจริยธรรมอย่างเคร่งครัด Vakhtangov เปลี่ยนระเบียบวินัยอันยิ่งใหญ่ของ Moscow Art Theatre ให้กลายเป็นเวทมนตร์แห่งการแสดงละคร Vakhtangov กล่าวว่างานในสตูดิโอถือเป็นวินัยอันดับแรกและสำคัญที่สุด ไม่มีระเบียบวินัย - ไม่มีสตูดิโอ
หลักการของสตูดิโอเสริมด้วยสูตรที่แยกไม่ออก: “โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร” สามในหนึ่งเดียว สตูดิโอยังคงรักษาจิตวิญญาณแห่งศิลปะเอาไว้ โรงเรียนให้ความรู้แก่นักแสดงมืออาชีพบางประเภทโดยมีสุนทรียภาพที่เหมือนกัน โรงละครเป็นสถานที่แห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงของนักแสดง ไม่สามารถสร้างโรงละครได้ โรงละครสามารถสร้างขึ้นได้ด้วยตัวเองเท่านั้น โดยยังคงรักษาทั้งโรงเรียนและสตูดิโอไว้ในตัวมันเอง ดังนั้นสูตร “โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร” จึงมีความคงที่และเป็นสากลสำหรับกลุ่มละครที่มีความคิดสร้างสรรค์อย่างแท้จริง
2. "โรงเรียน". งานของครูถูกกำหนดโดย Vakhtangov ดังนี้: เพื่อค้นหาความเป็นตัวตนของนักเรียนเพื่อพัฒนา ความสามารถตามธรรมชาติและ “กระหายความคิดสร้างสรรค์” จนนักแสดงไม่มีความรู้สึก “ฉันไม่อยากเล่น” เพื่อให้เทคนิคและวิธีการในการทำงานบทบาทในละคร - สอนการควบคุมความสนใจ วิธีแยกส่วนละครออกเป็นชิ้น ๆ พัฒนาเทคนิคภายนอกและภายใน พัฒนาจินตนาการ อารมณ์ รสนิยม - ลักษณะที่สองของนักแสดง
Vakhtangov ทำซ้ำภารกิจระดับสูงของสตูดิโออย่างต่อเนื่องโดยประกาศว่าเขามีศาสนาแห่งการแสดงละคร - นี่คือเทพเจ้าที่ Konstantin Sergeevich สอนให้สวดภาวนา
คุณสามารถสร้างได้ก็ต่อเมื่อคุณเชื่อในความสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของคุณเท่านั้น ศรัทธาเรียกร้องความชอบธรรม นั่นคือ ความเข้าใจในเหตุผลของการกระทำ ตำแหน่ง และสถานะแต่ละครั้ง Vakhtangov ระบุองค์ประกอบหลายประการที่นักแสดงต้องสามารถจัดวางได้: 1) ท่าทาง 2) สถานที่ 3) การกระทำ 4) สถานะ 5) ชุดของตำแหน่งที่ไม่ต่อเนื่องกัน งานของครูด้วยความช่วยเหลือของแบบฝึกหัดคือการพัฒนาความสามารถในการแสดงให้กับนักแสดงในการแสดงชีวิตบนเวทีทั้งหมดของเขา
ศรัทธาของนักแสดงมีพื้นฐานมาจากความไร้เดียงสาบนเวทีพิเศษ นักแสดงอดไม่ได้ที่จะรู้ว่าเขาอยู่บนเวที แต่ด้วยความศรัทธา เขาจึงสามารถตอบสนองตามความเป็นจริงด้วยความรู้สึกต่อนิยาย เขาไม่จำเป็นต้องโน้มน้าวตัวเองว่ากล่องไม้ขีดนั้นเป็นนก ด้วยความไร้เดียงสาและศรัทธาก็เพียงพอแล้วที่จะปฏิบัติต่อกล่องไม้ขีดเหมือนนกที่มีชีวิตอย่างจริงใจและจริงจัง
สิ่งที่สำคัญที่สุดในการศึกษาของนักแสดงคือความรู้สึกของจังหวะภายใน ศิลปะแห่งการเรียนรู้เพิ่มและลดพลังงาน พลังงานต่ำ – ความเศร้าโศก ความเบื่อหน่าย ความโศกเศร้า เพิ่มขึ้น – ความสุข เสียงหัวเราะ การกระทำทางกายภาพเดียวกันในสถานะพลังงานที่แตกต่างกันมีการออกแบบเวทีที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและต้องใช้อุปกรณ์ที่แตกต่างกัน
อย่างไรก็ตาม นักแสดงไม่ได้อยู่คนเดียวบนเวที และเอฟเฟกต์ของฉากใดฉากหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับทักษะการสื่อสารของเขากับคู่ของเขา การสื่อสารประกอบด้วยการถ่ายทอดความรู้สึกของเราต่อกันและกัน: ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อคู่ของฉันและในทางกลับกัน - ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อฉัน เมื่อสื่อสารวัตถุนั้นคือวิญญาณที่มีชีวิต หากคู่รักไม่ได้ "ดำเนินชีวิต" ด้วยความรู้สึกที่แท้จริง (อารมณ์) การ "แสดง" ที่ไร้รสชาติก็จะเริ่มต้นขึ้น เขาเสนอภาพร่างต่อไปนี้แก่ศิลปินเพื่อทดสอบความจริงของการสื่อสารทางการแสดงละคร: “นี่คือกล่อง บอกฉันทีว่ามันเป็นทองคำ และไม่สำคัญสำหรับฉันในสิ่งที่คุณเชื่อ แต่ให้คู่ของคุณเชื่อว่าเป็นทองคำ ”
Vakhtangov ไม่ได้พิจารณาว่า Moscow Art Theatre "กำแพงที่สี่" จำเป็น การจงใจแปลกแยกจากผู้ชมไม่มีจุดหมาย หน้าที่ของนักแสดงคือการโน้มน้าวผู้ชม และด้วยเหตุนี้เขาจึงไม่เพียงต้องการเทคนิคภายในที่พัฒนาขึ้นเท่านั้น แต่ยังต้องมีเทคนิคภายนอกที่มีประสิทธิภาพด้วย ระดับของ “ความติดต่อกัน” ซึ่งเป็นการวัดอิทธิพลต่อผู้ชม ขึ้นอยู่กับเทคนิคภายนอกของนักแสดง นี่ไม่ได้หมายความว่าเทคนิคภายนอกสามารถมีความหมายบางอย่างที่เป็นอิสระนอกเหนือจากประสบการณ์บนเวทีของศิลปินได้เลย นักแสดงจะต้องค้นหารูปแบบการแสดงละครภายนอกดังกล่าวเพื่อให้ภาพวาดภายในที่ได้รับการพัฒนาอย่างประณีตเข้าถึงผู้ชมได้มากที่สุด
3. “โรงละคร”: นักแสดงและภาพลักษณ์ ใน เทคนิคการแสดงละครงานของ Vakhtangov มีคุณค่าเป็นพิเศษในส่วนของการกำกับ ศิลปะการแสดงละคร และเทคนิคการทำงานร่วมกันระหว่างผู้กำกับและนักแสดงในภาพลักษณ์บนเวที
Vakhtangov เรียกผลงานของนักแสดงเกี่ยวกับบทบาทนี้ว่าเป็นส่วนสร้างสรรค์ของระบบ และเชื่อว่าระบบในตัวเองไม่ได้กำหนดทั้งรูปแบบการผลิต หรือประเภทของการแสดง หรือแม้แต่วิธีการแสดงด้วยตนเอง การทำงานตามบทบาทหมายถึงการค้นหาและพัฒนาความสัมพันธ์ที่จำเป็นสำหรับบทบาทนี้ในตัวนักแสดง ในการที่จะเข้าใจตัวละคร คุณต้องจำลองความรู้สึกของมันขึ้นมาใหม่ จากนั้นจึงแสดงความรู้สึกเหล่านี้บนเวที นักแสดงที่อยู่บนเวทีตามความจริงคือผู้ที่ในขณะเดียวกันก็ใช้ชีวิตในสถานการณ์ที่เสนอของบทบาทและควบคุมพฤติกรรมบนเวทีของเขา เพื่อที่จะเล่นบทบาทจากต้นจนจบได้อย่างถูกต้อง นักแสดงมองหา "เมล็ดพืช" ซึ่งเป็นแก่นแท้ของบุคลิกภาพ ซึ่งเป็นสิ่งที่ก่อตัวขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมาและประสบการณ์ชีวิต
ในวิธีการทำงานตามบทบาทของ Vakhtangov ภายนอกและภายในอยู่ร่วมกันอย่างเท่าเทียมกันเสมอ การกระทำทางกายภาพทุกครั้งในโรงละครจะต้องมีเหตุผลภายใน และลักษณะใดๆ จะต้องไม่ "เหนียวเหนอะหนะ" - ไม่ใช่การบังคับ แต่เป็นสภาวะธรรมชาติ ซึ่งเป็นการแสดงออกภายนอกของแก่นแท้ภายในบางอย่าง Vakhtangov ไม่ชอบการวิเคราะห์บทละครบนโต๊ะเป็นเวลานาน แต่มองหาการกระทำทันที พยายามค้นหาประเภทของจินตภาพของบทละครและแก่นแท้ทางจิตวิทยาของตัวละครแต่ละตัว เขาเชิญชวนศิลปินอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยให้จินตนาการถึงบทบาทนี้: “วันนี้ฉันฝันไว้ และพรุ่งนี้มันจะเล่นตามใจฉัน” เขายืนยัน
การซ้อมของ Vakhtangov เป็นการด้นสดไม่รู้จบโดยนักแสดงและผู้กำกับ ในแผนของเขาสำหรับระบบนี้ เขาเรียกการซ้อมว่า "อุบัติเหตุที่ซับซ้อน" ซึ่ง "บทละครเติบโตขึ้น"
ผู้กำกับมีอิทธิพลต่อนักแสดงในหลายๆ ด้าน หลักของเขา วิธีการสร้างสรรค์มีการแสดง บางครั้งการแสดงก็เปลี่ยนการซ้อมเป็นการแสดงเดี่ยว โดยผู้กำกับได้โชว์การแสดงจิ๋วอันยอดเยี่ยมของเขา เขาทำให้นักแสดงติดเชื้อทั้งจากอารมณ์และความศรัทธาที่ไร้เดียงสาในตัวละคร
เมื่อแก่นของบทบาทครบถ้วนแล้ว นักแสดงก็ไม่จำเป็นต้องกังวลเกี่ยวกับการระบุคุณลักษณะบางอย่างของโหงวเฮ้งภายในและภายนอกของภาพ ธรรมชาติทางศิลปะของนักแสดงนำทางเขา สิ่งที่เหลืออยู่คือการเฉลิมฉลอง อิสระในการสร้างสรรค์ ความสุขที่ได้สัมผัสบนเวที นี่คือแรงบันดาลใจในการแสดงที่แท้จริง เมื่อทุกส่วนของผลงานของนักแสดง ทั้งองค์ประกอบของเทคนิคภายในและเทคนิคภายนอก ได้รับการขัดเกลาอย่างไร้ที่ติ นักแสดงด้นสดอย่างอิสระ และการแสดงอย่างกะทันหันของแต่ละคนได้รับการจัดเตรียมภายในและไหลออกมาจากบทบาท
ความฝันของนักแสดงด้นสดที่มีบทบาทตั้งแต่เริ่มต้นเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ชื่นชอบของ Vakhtangov เขาใฝ่ฝันว่าวันหนึ่งนักเขียนจะหยุดเขียนบทละคร เพราะในโรงละครงานศิลปะจะต้องสร้างขึ้นโดยนักแสดง นักแสดงไม่ควรรู้ว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับเขาเมื่อเขาขึ้นเวที เขาควรจะขึ้นเวที เช่นเดียวกับที่เราไปสนทนากันในชีวิต
นั่นคือสุนทรียศาสตร์ของ Vakhtangov วิธีการสอนและการกำกับของเขา ดังนั้นในงานของเขา แนวคิดเรื่อง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" จึงเกิดขึ้น โดยส่วนใหญ่เกิดขึ้นจริงในการแสดงสองรายการล่าสุดของเขา: "Gadibuk" และ "Princess Turandot"
Vakhtangov เริ่มเรียกวิธีการแสดงละครของเขาว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตโดยประกาศว่าหลักการ: "ไม่ควรมีโรงละครในโรงละคร" ควรถูกปฏิเสธ จะต้องมีโรงละครในโรงละคร สำหรับการเล่นแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหารูปแบบเวทีพิเศษและไม่เหมือนใคร และโดยทั่วไปแล้วไม่จำเป็นต้องสร้างความสับสนให้กับชีวิตและโรงละคร โรงละครไม่ใช่สำเนาของชีวิต แต่เป็นความจริงที่พิเศษ ในแง่หนึ่ง ความเหนือจริง การควบแน่นของความเป็นจริง โรงละครไม่สามารถกลายเป็นความจริงได้อย่างสมบูรณ์ - เนื่องจากมีการประชุมบนเวที นักแสดงที่เป็นตัวแทนของผู้อื่น ตัวละครในจินตนาการ และสถานการณ์ในละคร ไม่เคยได้ยินคำนี้เป็นครั้งแรก แต่ถูกใช้โดย Dostoevsky, Blok และศิลปินคนอื่น ๆ แต่ Vakhtangov นำมันไปประยุกต์ใช้กับเวทีโดยให้ความหมายใหม่แก่มัน
« ความสมจริงที่ยอดเยี่ยม“- ความสมจริงเพราะความรู้สึกในนั้นเป็นของแท้ จิตวิทยาของมนุษย์จึงมีจริง เวทีแบบเดิมๆ หมายความว่าตัวพวกเขาเองนั้นยอดเยี่ยมมาก นักแสดงไม่ควรแสดงตัวละครอย่างเป็นธรรมชาติ เขาจะต้องเล่นมันโดยใช้คลังแสงแห่งการแสดงออกบนเวทีทั้งหมด
ผู้ชมในโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่ลืมว่าเขาอยู่ในโรงละคร แต่สิ่งนี้ไม่ได้รบกวนความจริงใจในความรู้สึกของเขา น้ำตาที่แท้จริงและเสียงหัวเราะของเขาเลย
หน้าที่ของ “ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” ในการผลิตใดๆ ก็ตามคือการหา “รูปแบบการแสดงละครที่สอดคล้องกับเนื้อหาและนำเสนอด้วยวิธีการที่เหมาะสม”
นักแสดงในผลงานเหล่านี้ได้แปลงร่างเป็นภาพและพยายาม "ละลาย" ในภาพนั้น ดูเหมือนจะเปล่งประกายผ่านภาพด้วยตัวพวกเขาเอง และเมื่อเล่นเป็นคนอื่นก็แสดงตัวตนออกมาในนั้น
แน่นอนว่า "Princess Turandot" คือแก่นสารของวิธีการของ Vakhtangov วิธีการกำหนดวิธีหนึ่งในการรวมองค์ประกอบที่หลากหลายให้เป็นหนึ่งเดียวคือหลักการของการประชด... ถุงน่องของผู้หญิงบนศีรษะของจักรพรรดิอัลทูม ไม้เทนนิสซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจของราชวงศ์ ผ้าเช็ดตัวขนปุยแทนเคราในหมู่ปราชญ์ - องค์ประกอบทั้งหมดนี้และองค์ประกอบที่น่าขันอื่น ๆ อีกมากมายไม่ได้สิ้นสุดในตัวเอง งานประชดของ Vakhtangov มุ่งเป้าไปที่การสร้างความจริงใหม่จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันระหว่างแบบแผนของโรงละครและความจริงของความรู้สึกของมนุษย์ - ความจริงของโรงละคร และในแง่นี้ผลงานชิ้นสุดท้ายของผู้กำกับกลายเป็นนวัตกรรมที่แท้จริงเพราะไม่เคยมีงานแบบนี้ในโรงละครรัสเซียมาก่อน
ในอารัมภบทแล้วผู้เข้าร่วมทุกคนแนะนำตัวเองต่อสาธารณชนด้วยชื่อแล้วดำเนินการในนามของตนเองต่อหน้าผู้ชมไม่ว่าจะคุ้นเคยกับบทบาทนี้อย่างจริงจังหรือล้อเลียนตัวละครของพวกเขาเล็กน้อย Vakhtangov วางภารกิจที่ยากมาก: ขั้นแรกให้ทำลายภาพลวงตาบนเวทีให้หมดจากนั้นจึงฟื้นฟูมัน จากนั้น - ทำลายอีกครั้งและประกอบใหม่ นักแสดงได้รับการสนับสนุนให้เล่นกับภาพอยู่ตลอดเวลา ใน "Princess Turandot" "ใบหน้า" ของนักแสดงและ "หน้ากาก" ของภาพไม่ได้ทับซ้อนกันอย่างสมบูรณ์และมีอยู่ (อย่างน้อยก็ในความคิดของผู้กำกับ) พร้อมกัน
แผนของผู้กำกับได้รับการเก็บรักษาไว้ ซึ่งทำให้เราสามารถตัดสินได้ว่า Vakhtangov ตั้งใจที่จะพัฒนาหลักการของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ของเขาในอนาคตอย่างไร
ในโปรเจ็กต์การผลิต “The Fruits of Enlightenment” เขาเสนอให้สร้างเงื่อนไขสำหรับนักแสดงที่จะผสมผสานการประชุมบนเวทีเข้ากับความจริงของตัวละครในบทละครของตอลสตอย นักแสดงอีกครั้งเช่นเดียวกับใน Turandot ถูกขอให้ไม่เล่นบทบาทจากละครเลย แต่ตัวเขาเองกำลังนั่งอยู่ในห้องโถงในการซ้อม ถัดไป - ตัวฉันเองกำลังเล่นในห้องโถง Yasnaya Polyana ต่อหน้า Leo Tolstoy เอง และเมื่อนั้นเท่านั้น - เพื่อพรรณนาตัวละครบางตัว
ในขณะที่ทำงานในโครงการจัดฉาก "Hamlet" ซึ่งเขาตั้งใจจะใช้เป็น "ข้ออ้างในการออกกำลังกาย" ที่สตูดิโอ Vakhtangov ยอมรับว่าเขาไม่สามารถหาแบบฟอร์มสำหรับ "Hamlet" ได้ นอกเหนือจากแบบที่เขาค้นพบและทดสอบ ใน “เจ้าหญิงทูรานดอต”
Evgeny Bagrationovich Vakhtangov ผู้ซึ่งเติบโตมาในฐานะปรมาจารย์ของ Moscow Art Theatre ประสบความสำเร็จในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์อย่างเหลือเชื่อตลอดหลายปีที่ผ่านมา เขาสัมผัสได้ถึงคุณลักษณะของโรงละครแห่งใหม่อย่างชัดเจนและน่าเชื่อมากจน Art Theatre ยอมรับทันทีว่าเป็น Vakhtangov ที่ "เปลี่ยนแปลงงานศิลปะของเขา"
อย่างไรก็ตาม แม้ว่าสไตล์การสร้างสรรค์ของผู้กำกับจะเปลี่ยนไป แต่ความจริงก็ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ความเข้าใจของ Vakhtangov เกี่ยวกับจุดประสงค์ของโรงละครยังคงไม่เปลี่ยนแปลงเลย ละครเป็นเส้นทางสู่จิตวิญญาณ โรงละครคือการบริการ ไม่มีโรงละครใดที่ปราศจากความรู้สึกเฉลิมฉลอง การแสดงแต่ละครั้งมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และการแสดงแต่ละครั้งถือเป็นวันหยุด
Vakhtangov เข้าใจความทันสมัยของศิลปะการแสดงละครไม่ได้อยู่ในหัวข้อพิเศษของโครงเรื่อง แต่ในความจริงที่ว่ารูปแบบของการแสดงนั้นสอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย
โดยทั่วไปดังที่ P. Markov เขียนไว้ แก่นของงานละครทั้งหมดของ Vakhtangov คือ "การปลดปล่อยพลังจิตใต้สำนึกของนักแสดงก่อนที่จะก้าวไปสู่รูปแบบการแสดงละครใหม่"
ใน "ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์" ของเขา ความรู้สึกของมนุษย์เป็นของแท้ และวิธีการแสดงออกก็เป็นไปตามแบบแผน ละครจินตนาการถึงรูปแบบจากเนื้อหาจริงของละคร
องค์ประกอบที่จำเป็นของการแสดงละครตาม Vakhtangov: บทละครเป็นข้ออ้างสำหรับการแสดงบนเวที นักแสดงเป็นปรมาจารย์ที่มีเทคนิคทั้งภายในและภายนอก ผู้กำกับเป็นช่างแกะสลักการแสดงละคร เวทีคือสถานที่แห่งการกระทำ ศิลปิน นักดนตรี ฯลฯ เป็นพนักงานของผู้กำกับ องค์ประกอบทั้งหมดเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวในการแสดง มีชีวิตชีวาในทุกส่วน
Vakhtangov มองเห็นโรงละครแห่งอนาคตที่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของชีวิตแห่งจิตวิญญาณมนุษย์ได้ในรูปแบบของอัฒจันทร์ซึ่งทุกการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของนักแสดงการแสดงออกของดวงตาของเขาทุกท่าทางที่แทบจะเข้าใจยากจะมองเห็นได้ดีที่สุด สิ่งสำคัญในโรงละครที่สมบูรณ์แบบแห่งนี้คือนักแสดงที่ได้ผสมผสานเทคนิคภายในที่สมบูรณ์แบบเข้ากับเทคนิคภายนอกที่พัฒนาขึ้นแล้ว จะกลายเป็นนักแสดงด้นสดระดับปรมาจารย์อย่างแท้จริง ใช้ชีวิตบนเวทีอย่างเป็นธรรมชาติ และสร้างพื้นผิวของโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" และไม่ใช่แค่เล่นบทบาทนี้หรือบทบาทที่ได้รับมอบหมายให้เขาเล่นเท่านั้น
“ค่อยๆ พิเศษขึ้น. วาคทังอฟสกี้แตกต่างจากระบบของสตานิสลาฟสกี้ ซึ่งยังคงผสมพันธุ์กับความคิดสร้างสรรค์และการสอนของโรงละคร” เขียน พ.ศ. ซาฮาวา. “ จนถึงทุกวันนี้ Vakhtangovites - ผู้กำกับ ครู และนักแสดง - เมื่อวิเคราะห์บทบาทใด ๆ ให้ใช้คำสอนของ Stanislavsky ในเรื่องที่มีประสิทธิภาพ งานบนเวทีซึ่งตามการตีความของ Vakhtangov ประกอบด้วยองค์ประกอบสามประการ:
การดำเนินการ ( ฉันกำลังทำอะไร);
เป้าหมายและความปรารถนา ( ทำไมฉันถึงทำเช่นนี้?) และ
รูปภาพของการดำเนินการหรือ "อุปกรณ์" ( ฉันจะทำอย่างไร)».
ผ่าน "ภาพลักษณ์ของการแสดง" นักแสดงสามารถถ่ายทอดทั้งสไตล์และประเภทของงาน และรูปแบบของบทบาทของผู้กำกับ และค้นหาความเป็นพลาสติกของภาพ
Vakhtangov แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นผู้สร้างที่แท้จริง ไม่เพียงแต่ในการสร้างโรงละครของเขา สุนทรียศาสตร์ทางการแสดงละครของเขาเท่านั้น เขายังมีส่วนสนับสนุนเชิงนวัตกรรมในการพัฒนาคำสอนของ Stanislavsky ดังนั้นจึงสามารถเข้าใจ "ทิศทางของ Vakhtangov" ได้ในสองสัมผัส - เป็นพื้นฐานของสิ่งใหม่ ทิศทางศิลปะและเป็นช่วงเวลาหนึ่งของการพัฒนาระบบ
บางครั้งมันก็เกิดขึ้นที่การรวบรวมความคิดของ Vakhtangov ลงมาที่การใช้เทคนิคของ "Princess Turandot" แต่การแสดงละครของ Vakhtangov ไม่ใช่เทคนิคหรือผลรวมของเทคนิค นี่เป็นวิธีการแสดงเนื้อหาละครซึ่งพบได้ทุกครั้งสำหรับการแสดงใหม่แต่ละครั้ง นี่คือความกลมกลืนของแนวคิดและรูปลักษณ์บนเวทีของมัน นี่คือ "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ที่ทำให้ผู้ชมตกตะลึง
บรรณานุกรม:
1. “ การสนทนาเกี่ยวกับ Vakhtangov” บันทึกโดย Kh. N. Khersonsky ม.-ล.: WTO, 1940.
2. Vakhtangov E. หมายเหตุ จดหมาย บทความ. ม.-ล.: ศิลปะ 2482 หน้า 306.
3. เยฟเจนี วัคทังอฟ รวบรวม/เรียบเรียง เรียบเรียงโดย แอล.ดี. Vendrovskaya, G. Kaptereva. อ.: WTO, 1984.
4. Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม เล่มที่ 1 จากประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียและโซเวียต อ.: ศิลปะ, 2517.
5. Simonov R. กับ Vakhtangov อ.: ศิลปะ, 2502.
6. สมีร์นอฟ-เนสวิตสกี ยู.เอ. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ, 2530.
7. เคอร์ซันสกี้ เอช. วาห์ทังกอฟ. อ.: องครักษ์หนุ่ม, 2483
8. Chekhov M. มรดกทางวรรณกรรม ความทรงจำ ตัวอักษรในสองเล่ม ต. 2 ม.: ศิลปะ, 2538.
เคอร์ซันสกี้ X วาห์ทังกอฟ, p. 106.
Khersonsky H. Vakhtangov, p. 110.
Khersonsky H. Vakhtagnov, หน้า 128.
นั่นหน้า. 129.
บี. ซาฮาวา. Vakhtangov และสตูดิโอของเขา อ้างจาก Khersonsky H. Vakhtangov, p. 174 – 175.
Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม เล่มที่ 1 จากประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียและโซเวียต น. 422.
Chekhov M. มรดกทางวรรณกรรม ความทรงจำ ตัวอักษรในสองเล่ม ต. 2, น. 372.
"การสนทนาเกี่ยวกับ Vakhtangov" บันทึกโดย Kh. N. Khersonsky ม.-ล.: WTO, 1940, หน้า. 69.
Vakhtangov E. หมายเหตุ จดหมาย บทความ. ม.-ล.: ศิลปะ 2482 หน้า 306.
เยฟเจนี วัคทังกอฟ. คอลเลกชัน / คอมพ์ เอ็ด แอล.ดี. Vendrovskaya, G. Kaptereva. อ.: WTO, 1984, หน้า. 435.
อี.บี. Vakhtangov ในการประเมินผู้ร่วมสมัยของเขา อ้าง โดย: Smirnov-Nesvitsky Yu.A. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ 2530 หน้า 238
Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร เล่มที่ 1 หน้า 210
อ้างจาก: Smirnov-Nesvitsky Yu.A. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ 2530 หน้า 233
Marina Timasheva: ในเดือนพฤศจิกายน โรงละคร Evgeni Vakhtangov ฉลองครบรอบ 90 ปี ในวันที่ 13 พฤศจิกายน แทนที่จะเฉลิมฉลองวันครบรอบ โรงละครได้เปิดการแสดงรอบปฐมทัศน์ของละครเรื่อง "Pier" ซึ่งมีผู้ทรงคุณวุฒิทั้งหมดของโรงละคร Vakhtangov มีส่วนร่วม เราได้พูดคุยเกี่ยวกับเรื่องนี้แล้วในการออกอากาศช่วงกลางวันของ Radio Liberty และเราจะกลับมาพูดคุยเกี่ยวกับผลงานที่น่าทึ่งนี้ และตอนนี้ฉันขอเชิญคุณฟังเรื่องราวของนักแสดง ครูสอนละคร และผู้จัดรายการโทรทัศน์ Pavel Lyubimtsev เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน Shchukin ผู้รักชาติและนักประวัติศาสตร์ของโรงละคร Vakhtangov เพื่อนร่วมงานของฉัน Valentin Baryshnikov พูดคุยกับ Pavel Lyubimtsev
Pavel Lyubimtsev: ประวัติความเป็นมาของโรงละคร Vakhtangov นั้นไม่ธรรมดา นี่เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่หายากมากที่แสดงให้เห็นว่าโรงละครถือกำเนิดมาจากโรงเรียนการละครได้อย่างไร มันมักจะเกิดขึ้น - โดยปกติแล้วโรงละครจะปรากฏก่อน และจากนั้นโรงเรียนก็ถือกำเนิดขึ้นมาด้วย และ Vakhtangov เริ่มต้นด้วยการเรียนรู้องค์ประกอบของการแสดง เรื่องนี้เกิดขึ้นในปี 1914 ประการแรก เขาและสมาชิกสตูดิโอรุ่นเยาว์ ซึ่งเป็นสมาชิกของ Student Studio จัดแสดงละครเรื่อง "The Larins' Estate" ที่สร้างจากบทละครของ Boris Zaitsev การแสดงนี้ล้มเหลวซึ่งไม่ได้ทำให้สมาชิกสตูดิโอรุ่นเยาว์หรือ Vakhtangov ท้อใจเลย เขามาหาพวกเขาหลังเวทีหลังจบการแสดงและพูดว่า: "เราล้มเหลว" หากคุณต้องการเราสามารถดำเนินการต่อได้ แต่เราจะไม่เริ่มต้นด้วยการแสดง แต่ด้วยการศึกษาอย่างจริงจัง และเมื่อวันที่ 23 ตุลาคม พ.ศ. 2457 Vakhtangov ได้ทำบทเรียนแรกโดยใช้ระบบ Stanislavsky นี่คือวันเกิดของโรงเรียนโรงละคร Vakhtangov ซึ่งปัจจุบันคือสถาบันโรงละคร Shchukin และโรงละครก็เกิดขึ้นในเวลาต่อมา เมื่อวันที่ 13 พฤศจิกายน พ.ศ. 2464 เมื่อ Vakhtangov Studio ได้รับแบรนด์ Art Theatre จึงเริ่มถูกเรียกว่าสตูดิโอแห่งที่สามของ Moscow Art Theatre และมันเป็นการค้นพบ - จากนั้นก็มีบางสิ่งที่จะแสดงอยู่แล้ว มีงานกาล่าคอนเสิร์ตที่ Konstantin Sergeevich Stanislavsky เข้าร่วมพวกเขาเล่น "The Miracle of St. Anthony" บทละครของ Maurice Maeterlinck - นี่เป็นหนึ่งในผลงานการกำกับของ Vakhtangov ซึ่งสร้างขึ้นหลังจากนักเรียนคนแรกที่ยังมีการศึกษา ข้อความที่ตัดตอนมา . สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าสิ่งนี้จะกำหนดความคิดริเริ่มของโรงละคร Vakhtangov นั่นคือมันเริ่มต้นจากการเป็นโรงเรียนและ Evgeniy Bagrationovich ต้องการถือว่าการแสดงของเขาเป็นการแสดงสำหรับโรงเรียนไม่ใช่ในทางกลับกัน Vakhtangov มีชีวิตที่สั้นมากอายุเพียง 39 ปี Vakhtangov แสดงการแสดงเพียงไม่กี่ครั้งและถึงกระนั้นก็กลายเป็นแสงสว่างในประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 และมอบหน้าที่อันทรงพลังให้กับนักเรียนของเขาเป็นเวลาหลายปีต่อ ๆ ไป ค่าใช้จ่ายไม่ได้เป็นเพียงความสวยงามเท่านั้น แต่ยังยอมรับมันด้วย บทเรียนระดับมืออาชีพแต่ยังถือเป็นข้อกล่าวหาทางจริยธรรมด้วย - เป็นเวลานานมากที่พวกเขายังคงรักษาคุณภาพของสตูดิโอ การรวมกลุ่ม และ "ฝูง" ของการดำรงอยู่นี้ไว้เป็นเวลานาน ข้อเท็จจริงที่หายาก! หลังจากการตายของ Vakhtangov (เขาเสียชีวิตในปี 2465) พวกเขาถูกทิ้งไว้โดยไม่มีผู้นำแม้ว่าจะมีการแสดงที่สดใสมาก "เจ้าหญิง Turandot" ซึ่ง Vakhtangov ไม่ได้มองว่าเป็นการแสดงด้วยซ้ำเขาเห็นการซ้อมชุดในตอนกลางคืนเขาถึงตาย ป่วยเมื่อเขาออกละครเรื่องนี้ แต่การถูกทิ้งไว้โดยไม่มีผู้นำ ประการแรกพวกเขายังคงรักษาความเป็นอิสระเอาไว้ และประการที่สอง ตั้งแต่ปี 1922 ถึง 1939 พวกเขาไม่มีผู้นำเพียงคนเดียว นั่นคือ พวกเขาจัดการโรงละครร่วมกัน นอกจากนี้โรงละครยังยอดเยี่ยมและได้รับความนิยมอย่างมากโดยมีคณะพิเศษซึ่งไม่เหมือนสิ่งใดในโรงละครมอสโกที่ยอดเยี่ยมในขณะนั้น เฉพาะในปี 1939 Ruben Nikolaevich Simonov กลายเป็นผู้อำนวยการโรงละคร พวกเขายังคงรักษาจิตวิญญาณของสตูดิโอตลอดหลายปีที่ผ่านมา
Valentin Baryshnikov: เท่าที่ฉันรู้ คนเหล่านี้ไม่ใช่มืออาชีพ Vakhtangov ทำงานร่วมกับผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพ ซึ่งเท่าที่ฉันเข้าใจ ยังทำให้เขาได้รับการวิพากษ์วิจารณ์ที่ Moscow Art Theatre ด้วยซ้ำ ผู้สร้างละครเรื่อง "ปาฏิหาริย์ของนักบุญแอนโธนี" และต่อมาคือ "ทูรันโดต์" ทำเช่นนี้ในปี 1921 และต้นปี 1922 ระหว่างการทำลายล้าง ในยุคหลังสงครามที่ยากลำบาก คนเหล่านี้คือใครที่ตัดสินใจแสดงละคร?
Pavel Lyubimtsev: ทุกคนมีโชคชะตาของตัวเอง พวกเขายังเด็ก เป็นนักเรียน พวกเขาเป็นตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย และ Vakhtangov ทำให้คนหนุ่มสาวเหล่านี้เป็นมืออาชีพ และที่สำคัญที่สุดคือพวกเขาเป็นคนที่พิเศษมาก เป็นเรื่องน่ายินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้ตั้งชื่อชื่อที่รุ่งโรจน์ที่สุด สมมติว่า Boris Vasilyevich Shchukin นักแสดงตัวละครที่น่าทึ่งอย่างยิ่ง เขายังเด็กมากเมื่อเล่นเป็นนักบวช Curé ใน "The Miracle of St. Anthony" จากนั้นใน "The Wedding" เขารับบทเป็นคุณพ่อ Zhigalov และใน "Turandot" เขาเล่น Tartaglia Shchukin กลายเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่และเห็นได้จากบทบาทของเขาซึ่งบันทึกไว้ในภาพยนตร์ ตัวอย่างเช่น ''Lenin in October'' และ ''Lenin in 1918'' ซึ่งเป็นภาพยนตร์ของ Roma แน่นอนว่าพวกเขาเป็นตำนานมาก แต่ Shchukin เล่นที่นั่นได้อย่างน่าอัศจรรย์และยอดเยี่ยมจากมุมมองของการแสดงลักษณะเฉพาะที่เฉียบแหลม - เขาไม่เพียงดูเหมือนเลนินเท่านั้น แต่ยังสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย
หรือพูดว่า Ruben Nikolaevich Simonov บุคลิกลักษณะที่ไม่เหมือนใคร: การผสมผสานที่แปลกประหลาดของข้อมูลภายนอกที่มีลักษณะเฉพาะที่คมชัดและความสามารถทางจิตวิญญาณที่โรแมนติก Ruben Simonov เป็นชายที่มีรูปร่างหน้าตาคอเคเชียนที่สดใสมากเขาเป็นอาร์เมเนียตามสัญชาติและอย่างที่ Alla Aleksandrovna Kazanskaya ศิลปินและอาจารย์ที่ยอดเยี่ยมของโรงเรียน Shchukin พูดติดตลกว่า "ในสมัยของเรา Ruben Nikolaevich Simonov รุ่นเยาว์จะไม่ได้รับการยอมรับ สถาบันการละคร” เขาเป็นคนผิวคล้ำ ตาดำ ผมสีดำ เขามีรูปร่างเล็ก เสียงแปลก มีศัพท์แปลกๆ และในขณะเดียวกัน เขาไม่เพียงแต่เล่นบทตัวละครเท่านั้น แต่ยังเล่นบทโรแมนติกอีกด้วย เขาเล่นดอน กิโฆเต้ , Cyrano de Bergerac และมีพรสวรรค์ที่ไม่ธรรมดา ไม่มีบุคคลเช่น Ruben Simonov หรือพูดว่า Cecilia Lvovna Mansurova - มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวผิดปกติด้วยเสียงที่น่าจดจำผมสีแดงเปราะบางและแปลก อาจกล่าวได้ว่านักแสดงหญิง Vakhtangov ที่เก่งที่สุดทุกคนพยายามเลียนแบบ Mansurova ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง และความคิดริเริ่มของเสียงของนักแสดงหญิงของ Vakhtangov มาจาก Cecilia Lvovna และสามารถได้ยินเสียงของเธอ การแสดงที่มีส่วนร่วมของเธอได้รับการบันทึก รวมถึง "Filumena Marturana" ซึ่งเธอเล่นกับ Ruben Nikolaevich Simonov
นักแสดงหญิงที่น่าเศร้า Anna Alekseevna Orochko ซึ่งมีบทบาทน้อย แต่ดูเหมือนจะประหลาดใจกับอารมณ์ที่น่าทึ่งของเธอ นักแสดงตลกที่พระเจ้ามอบให้ Anatoly Iosifovich Goryunov Joseph Moiseevich Tolchanov ศิลปินตัวละครที่ชาญฉลาดเช่นนี้ ความงาม Marya Davydovna Sinelnikova ที่น่าจดจำเพียงดอกกุหลาบสีดำ - ฉันมีโอกาสร่วมงานกับเธอเล็กน้อยที่โรงเรียน Shchukin เธอเป็นสาวงามจนวัยชรา กล่าวอีกนัยหนึ่ง คณะนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ประกอบด้วยบุคคลที่น่าทึ่ง Yuri Aleksandrovich Zavadsky จากไปและกลับมาซึ่งไม่จำเป็นต้องได้รับการแนะนำให้รู้จักกับผู้คนที่มีวัฒนธรรมเป็นพิเศษเพราะในเวลาต่อมา Zavadsky กลายเป็นผู้กำกับโซเวียตที่โดดเด่นและยังคงรักษาความงามอันน่าพิศวงของเขาไว้จนวัยชรา บรรทัดของ Marina Tsvetaeva ทุ่มเทให้กับ Zavadsky:
คุณเป็นคนขี้ลืมพอๆ กับที่ลืมไม่ลง
- โอ้คุณดูเหมือนรอยยิ้มของคุณ! –
ฉันควรจะพูดมากกว่านี้ไหม? - เช้าทองสวยกว่า!
ฉันควรจะพูดมากกว่านี้ไหม? - คนเดียวในจักรวาล!
รักตัวเอง เชลยศึกหนุ่ม
ชามแกะสลักด้วยมือของเซลลินี
เพื่อนครับ ขออนุญาตพูดแบบเก่านะครับ
เพื่อบอกรักที่อ่อนโยนที่สุดในโลก
ฉันรักเธอ.- สายลมหอนในเตาผิง.
เอนศอก - มองเข้าไปในความร้อนของเตาผิง -
ฉันรักคุณ. ความรักของฉันไร้เดียงสา
ฉันพูดเหมือนเด็กน้อย
เพื่อน! ทุกอย่างจะผ่านไป! วัดถูกกำไว้ในฝ่ามือ
ชีวิตจะคลี่คลาย! - เชลยศึกหนุ่ม
ความรักจะปล่อยคุณไป แต่ - แรงบันดาลใจ -
เสียงปีกของฉันทำนายให้ทุกคน -
เกี่ยวกับสิ่งที่เคยอาศัยอยู่บนโลก
คุณขี้ลืมพอๆ กับที่ลืมไม่ลง!
ว้าว! นี่คือวิธีที่ Tsvetaeva เขียนเกี่ยวกับ Zavadsky นั่นคือมันเป็นคณะที่ไม่ธรรมดา และพวกเขาทั้งหมดได้รับการเลี้ยงดูโดย Yevgeny Bagrationovich ฉันยังพบนักเรียนสายตรงของเขาอยู่บ้าง ตัวอย่างเช่น Vera Konstantinovna Lvova สอนที่โรงเรียน Shchukin เธอเป็นนักแสดงที่ถ่อมตัว แต่เธอเป็นคนที่ทุ่มเทให้กับโรงละครและเป็นครูที่ยอดเยี่ยมและเธอก็เชี่ยวชาญองค์ประกอบของทักษะและการสอนอย่างสมบูรณ์แบบ อเล็กซานดรา อิซาคอฟนา เรมิโซวากลายเป็นผู้กำกับที่ยอดเยี่ยม เธอเป็นลูกคนสุดท้องในบรรดานักเรียนของ Vakhtangov Tolchanov มาที่หลักสูตรของเราและบรรยาย ในช่วงปลายยุค 70 พวกเขายังมีชีวิตอยู่
บอริส ซาคาวา. รูปร่างช่างเป็นอะไร! ครูผู้ทรงพลัง นักแสดงละครที่น่าทึ่ง ผู้สร้างโรงเรียน Shchukin ผู้อำนวยการ Egor Bulychev การแสดงที่น่าจดจำร่วมกับ Shchukin และ Mansurova ในบทบาทนำ วันนี้เราสามารถเห็นเขาในภาพยนตร์เรื่อง "War and Peace" โดย Sergei Bondarchuk ซึ่งเขารับบทเป็น Kutuzov และเราสามารถตัดสินระดับบุคลิกภาพของเขาได้อย่างเต็มที่และเขาเป็นศิลปินที่จริงจังขนาดไหนและเป็นผู้ดูแลเตาไฟ เขาเป็นผู้สร้างทฤษฎีของโรงเรียน Vakhtangov - หลังจากนำบทเรียนทั้งหมดจาก Vakhtangov จากนั้นเขาก็กำหนดบทเรียนเหล่านี้อย่างสอดคล้องกันซึ่งสร้างขึ้นในความคิดของฉันซึ่งเป็นวิธีการที่ยอดเยี่ยมในการให้ความรู้แก่นักแสดงรุ่นเยาว์ซึ่งยังมีชีวิตอยู่ ระบบที่เขาเสนอนั้นเรียบง่ายมากและใช้งานได้จริงอย่างน่าประหลาดใจ ลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติมาก เขามีความอดทนอย่างไม่น่าเชื่อ ฉันสามารถพูดคุยเกี่ยวกับ Vakhtangovites เก่า ๆ ได้เป็นเวลานานนี่เป็นหัวข้อที่รักอย่างยิ่งสำหรับฉัน
Valentin Baryshnikov: ความสำเร็จหลักของโรงละคร Vakhtangov ที่ดังที่สุดคือบทละคร "Princess Turandot" ที่สร้างจากบทละคร คาร์โล กอซซี่. มันยากเสมอสำหรับฉันที่จะเข้าใจว่าในมอสโกในเวลานั้นการเล่นดังกล่าวประสบความสำเร็จโดยไม่คาดคิดได้อย่างไร?
Pavel Lyubimtsev: ความสำเร็จของ "Princess Turandot" เกิดจากการคาดเดาได้อย่างแม่นยำ และได้รับเลือกอย่างแม่นยำในมอสโกในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ปี 1921 เป็นช่วงเวลาที่ NEP เริ่มต้นขึ้น เมื่อความหวังเกิดขึ้นว่าเวลาที่หิวโหย หนาว น่ากลัว และนองเลือดได้หมดลง และชีวิตปกติก็เริ่มต้นขึ้น และในแง่นี้ เรื่องราวอันเป็นประกาย บางเบา และขี้เล่นของ Carlo Gozzi ก็กลายเป็นเรื่องที่ถูกต้อง ถ้าเราพูดถึงความจริงที่ว่าใน การแสดงละคร มี "Turandot" ติดตัวอยู่ในนั้น Vakhtangov สร้างสิ่งที่มิคาอิลเชคอฟเรียกว่า "ความจริงของโรงละคร" ในภายหลัง - นั่นคือมันเป็นการแสดงละครและในขณะเดียวกันก็จริงใจและลึกซึ้งอย่างผิดปกติ มิคาอิล เชคอฟ เขียนว่า: “สตานิสลาฟสกีมีความจริงอันมหัศจรรย์ของชีวิตในการแสดงของเขา แต่บางครั้งมันก็สร้างความเสียหายให้กับโรงละคร เมเยอร์โฮลด์มีการแสดงละครที่เปล่งประกาย แต่การแสดงของเขามักจะไม่ค่อยมีความจริงในชีวิตเลย Vakhtangov ผสมผสานความจริงของชีวิตและการแสดงละครไว้ในผลงานของเขาและความจริงของโรงละครก็เกิดขึ้น Vakhtangov พูดอะไรกับนักเรียนของเขาเมื่อเขาทำงานใน ''Princess Turandot'' เขาพูดว่า:“ คุณต้องร้องไห้ด้วยน้ำตาที่แตกต่างกันและแบกน้ำตาของคุณไปที่ทางลาด” ประเด็นก็คือ ''Turandot'' อยู่ที่ไหน ซึ่งศิลปินไม่ลืมแม้แต่วินาทีเดียวว่าพวกเขาเป็นศิลปิน กำลังเล่น กำลังสื่อสารกับผู้ชม (ไม่มี ''กำแพงที่สี่'') จากนั้นช่วงเวลาของชีวิตที่แท้จริงอย่างแท้จริงจะเกิดขึ้น - น้ำตาที่แท้จริง ความรักที่แท้จริง และความสุขที่แท้จริง สำหรับฉันแล้ว สิ่งนี้ดูเหมือนเป็นกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจงานของ Gozzi อย่างถูกต้อง เพราะ Gozzi เขียนบทละครที่มีสุนทรียศาสตร์ค่อนข้างมาก นั่นคือในศตวรรษที่ 18 เขาใช้เทคนิคของ Comedy of Masks ของอิตาลีเก่า ๆ แต่สร้างผลงานที่มีระดับและประณีตมากของเขาเพื่อที่จะไม่ได้เป็นเพียงเกมแห่งจิตใจ แต่น่าสัมผัสและน่าตื่นเต้น เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ ศิลปินต้องผสมผสานการแสดงละครที่เฉียบคม มีชีวิตชีวา และความจริงใจที่โดดเด่นเข้าด้วยกัน สิ่งที่เกิดขึ้นจริงใน "Princess Turandot" แต่ถ้าเราพูดถึงว่าประเพณี Gozzi ยังมีชีวิตอยู่ในปัจจุบันซึ่งต่อจาก Vakhtangov หรือไม่ ฉันสามารถตั้งชื่อการแสดงของโรงละคร Satyricon ว่า "The Blue Monster" ซึ่งทั้งหมดนี้มีอยู่ Konstantin Raikin เขาเป็น Vakhtangovite และเขาแสดงละคร Vakhtangov เพราะมีเกมแปลก ๆ ไม่มีที่สิ้นสุด แต่ในท้ายที่สุดคุณก็เริ่มกังวลมากว่ามันจะจบลงอย่างไรไม่ว่าฮีโร่จะได้รับการช่วยเหลือหรือพวกเขาจะตาย และคุณร้องไห้อย่างมีความสุขมากมายในตอนจบซึ่งนั่นคือสิ่งที่ Vakhtangov ยกมรดกให้ และนี่เป็นงานที่พิเศษมากซึ่งกลายเป็นเพลงหงส์ของ Vakhtangov อีกประการหนึ่งคือ Evgeniy Bagrationovich ไม่สามารถลดเหลือ "Turandot" ได้ เขาแตกต่างมาก นอกจากนี้เขายังแสดง (ในเวลาเดียวกันกับ Turandot) "Gadibuk" โดย Ansky ในสตูดิโอของชาวยิว "Gabima" ซึ่งเป็นการแสดงที่น่าเศร้าลึกลับและมีเสน่ห์ หรือ Vakhtangov ซึ่งจัดแสดง "Eric XIV" ที่สตูดิโอแห่งแรกของ Moscow Art Theatre โดยมีมิคาอิล เชคอฟ เป็นผู้แสดงนำ หรือ Vakhtangov ผู้จัดแสดง "The Flood" ของ Berger ซึ่งเป็นละครแนวจิตวิทยาที่โหดร้าย Vakhtangov ไม่สามารถลดเหลือเพียง "Turandot" เท่านั้นนี่เป็นหนึ่งในอวตารของเขา อีกประการหนึ่งคือการแสดงนี้มีความทนทานอย่างยิ่งแม้ว่า "Turandot" จะแสดงก่อนสงครามจนถึงปี 1941 เนื่องจากในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2484 เกิดเหตุระเบิดโจมตีอาคารโรงละครและทิวทัศน์ทั้งหมดก็ถูกทำลาย หลังสงคราม "Turandot" ไม่ได้ถูกแสดงอีกต่อไป และจากนั้นในปี 1963 Ruben Nikolaevich Simonov ก็กลับมาดำเนินการ "Princess Turandot" ต่อ ตามที่พวกเขาพูด "ตามภาพวาดของ Vakhtangov" แต่มันเป็นการแสดงที่แตกต่างออกไป เนื่องจากการแสดงของ Vakhtangov เป็นสตูดิโอที่ไม่ดีและศิลปินที่เล่นที่นั่นยังเด็กและไม่มีใครรู้จัก และในปีพ. ศ. 2506 ปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงระดับประเทศ ได้แก่ Yulia Borisova, Mikhail Ulyanov, Vasily Lanovoy, Yuri Yakovlev, Nikolai Gritsenko และอีกหลายคน Lyudmila Vasilievna Maksakova ยังเด็กมาก บางทีเธออาจจะไม่โด่งดังในตอนนั้น แต่สิ่งนี้แตกต่างโดยพื้นฐาน
เป็นการแสดงของนักแสดงที่มีชื่อเสียงในโรงละครที่ยอดเยี่ยมและรุ่งโรจน์ โดยทั่วไปต้องบอกว่าช่วงเวลาที่ถวายในนามของ Ruben Simonov - ตั้งแต่ปี 1939 ถึง 1968 เป็นช่วงเวลาที่รุ่งโรจน์มากสำหรับโรงละคร Vakhtangov เมื่อก่อตั้งขึ้น กลุ่มใหญ่นักแสดงที่น่าทึ่ง วันนี้หลายคนยังมีชีวิตอยู่และเล่น บางคนไม่อยู่ที่นั่นอีกต่อไป Gritsenko หายไป Ulyanov หายไป แต่ Borisova ทำงาน Yakovlev ทำงาน Etush งาน Lanovoy งาน Maksakova Shalevich - เหล่านี้ล้วนเป็นผู้เชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมที่ก่อตั้งขึ้นโดย Ruben Nikolaevich Simonov และในช่วงเวลานี้ฉันก็ไม่ควรเงียบเช่นกัน
Valentin Baryshnikov: ฉันคิดเสมอว่าโรงละคร Vakhtangov และประเพณีของโรงละครนั้นเป็นเรื่องง่ายและฉันก็ไม่ชัดเจนเสมอไปเช่น Stanislavsky ที่พบใน Turandot ซึ่งตามเรื่องราวได้ไปหา Vakhtangov ที่ป่วยหนักเพื่อแสดงความยินดีกับเขา สิ่งนี้คืออะไรสำหรับ Moscow Art Theatre ที่มีประเพณีการแสดงละครจิตวิทยา?
Pavel Lyubimtsev: Konstantin Sergeevich Stanislavsky ประเมิน "Turandot" อย่างเป็นกลาง - เขามองเห็นความสดใหม่และความเยาว์วัยของการแสดงนี้และชื่นชมความสม่ำเสมอที่ Vakhtangov แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในฐานะนักเรียนของ Stanislavsky ไม่ควรลด Stanislavsky ให้กับโรงละครทุกวันเท่านั้น นี่เป็นโรงละครในชีวิตประจำวันของ Art Theatre แต่ Stanislavsky ไม่ควรถือเป็นเพียงสัจนิยมในชีวิตประจำวันเท่านั้น ลองอ่านบางอย่างเกี่ยวกับวิธีที่ Stanislavsky จัดแสดง "Army Heart" ในปี 1926 เป็นการแสดงที่อลังการและแปลกประหลาดมาก หรือ 'การแต่งงานของฟิกาโร' ดังนั้นเขาจึงมองหาหนทางสู่รูปแบบที่เฉียบแหลมและการแสดงละครที่แท้จริงเช่นกัน เมื่อวันนี้พวกเขาบอกว่า Moscow Art Theatre เป็นเพียง "การเล่นของตัวเอง" เท่านั้นไม่เป็นความจริง แม้กระทั่งดูรูปถ่ายของศิลปิน Moscow Art Theatre เก่า ๆ พวกเขาสร้างภาพอย่างไร เปลี่ยนจากบทบาทหนึ่งไปอีกบทบาทอย่างไร Stanislavsky ในบทบาทที่แตกต่างกันถ้าเราพูดถึงรูปถ่าย (และมีหลายๆ รูป) สิ่งเหล่านี้ก็เป็นเพียงคนละคน ดังนั้น Stanislavsky จึงต้องการรากฐานของการแสดงละครดังนั้นเขาจึงยินดีต้อนรับ Turandot โดยเห็นว่ามีความต่อเนื่องที่คุ้มค่าคือการพัฒนาประเพณีของโรงละครศิลปะ แต่โรงละคร Vakhtangov ก็ไม่สามารถลดแสงและร่าเริงได้เช่นกัน ใช่ แน่นอน พวกเขาเล่น "หมวกฟาง" ใช่ แน่นอน พวกเขาเล่น "Mademoiselle Nitouche" ใช่ แน่นอน "Turandot" มักจะมีความแปลกใหม่และมีเสน่ห์อยู่เสมอ แต่ควบคู่ไปกับสิ่งนี้ พวกเขายังเล่นการแสดงที่น่าเศร้าด้วย และ สมจริงมาก จริงใจ ฉันได้กล่าวถึง "Egor Bulychev" แล้ว หากเราพูดถึงการปฏิบัติล่าสุด เช่น ในช่วงวัยรุ่นของฉันในปี 1971 (ฉันยังเป็นเด็กผู้ชาย) ฉันดูพูดว่า "The Idiot" ของ Dostoevsky จัดฉาก อเล็กซานดรา อิซาคอฟนา เรมิโซวากับ Nikolai Olimpievich Gritsenko ที่น่าจดจำในบทบาทของ Prince Myshkin มันแทงทะลุ น่าตื่นเต้นมาก มีพลังที่น่าเศร้าอยู่ในนั้น! Borisova (Nastasya Filippovna) ดูเหมือนไม่มีผิวหนังทั้งหมดประกอบด้วยข้อบกพร่องเส้นประสาทมุมที่แหลมคมและ Ulyanov ในบทบาทของ Rogozhin - สิ่งเหล่านี้ก็เป็น Vakhtangovites เช่นกัน อย่าคิดว่าโรงละคร Vakhtangov เป็นเพียงการแสดงละคร โอเปร่า หรือ "Princess Turandot" เท่านั้น ไม่ โรงละคร Vakhtangov มีความหลากหลายไม่รู้จบ แต่ไม่ว่าจะเป็นประเภทใดก็ตาม โรงละคร Vakhtangov ถือเป็นวันหยุดที่แสดงออกได้ดีที่สุด - วันหยุดในโศกนาฏกรรม วันหยุดในละครประจำวัน วันหยุดในการแสดงตลก วันหยุดในเทพนิยาย ทั้งหมดนี้มีวันหยุด และอีกเหตุการณ์หนึ่งที่สำคัญมาก โรงละคร Vakhtangov ในรูปแบบคลาสสิกเป็นโรงละครการแสดงมาโดยตลอด แน่นอนว่า Evgeniy Bagrationovich เป็นผู้กำกับที่ทรงพลังและเป็นผู้กำกับที่ยอดเยี่ยม แต่เหนือสิ่งอื่นใดเขาเป็นครู และนักเรียนของเขาซึ่งเป็นผู้อำนวยการ Vakhtangov ที่เก่งที่สุดต่างก็เป็นครูทั้งหมด: Boris Zakhava และ Ruben Simonov และ อเล็กซานดรา เรมิโซวาและ Joseph Rapoport - พวกเขาทั้งหมดเป็นครู และการแสดงก็คือการแสดงอย่างแรกเลย มันเกิดขึ้นว่าถ้าเราพูดถึงผู้กำกับหลักที่ทำงานในโรงละคร Vakhtangov ชื่อของ Alexei Dmitrievich Popov ก็จะปรากฏขึ้นซึ่งทำงานที่โรงละคร Vakhtangov จนกระทั่งในความคิดของฉันคือปี 1930 แต่เขาก็เป็นครูที่โดดเด่นเช่นกันซึ่งเขาพิสูจน์ได้จากชีวิตต่อมาทั้งที่ GITIS และที่ Army Theatre สำหรับฉันดูเหมือนว่าสิ่งนี้สำคัญมากและนี่คือสิ่งที่โรงละคร Vakhtangov ต้องการในปัจจุบัน ได้แก่ ความเอาใจใส่ต่อนักแสดงการนำความคิดสร้างสรรค์ไปใช้ผ่านนักแสดง สิ่งนี้ในโรงละคร Vakhtangov สำหรับฉันดูเหมือนว่ามาจากรากเหง้าจากประเพณีของ Vakhtangov
Marina Timasheva: Valentin Baryshnikov พูดคุยกับ Pavel Lyubimtsev เกี่ยวกับประวัติของโรงละคร Vakhtangov ซึ่งเพิ่งมีอายุ 90 ปี และฉันสังเกตว่าผู้กำกับละครคนปัจจุบันคือ Rimas Tuminas ซึ่งเป็นอาจารย์ที่ยอดเยี่ยมเช่นกันแต่งเพลง ประสิทธิภาพใหม่''The Marina'' ซึ่งสอดคล้องกับประเพณีของโรงละคร Vakhtangov อย่างสมบูรณ์ คือการเฉลิมฉลองโศกนาฏกรรมและการนำแนวคิดทั้งหมดไปปฏิบัติผ่านศิลปินที่โดดเด่นของโรงละครแห่งนี้
วิทยุลิเบอร์ตี้
โพสต์เมื่อวันศุกร์ที่ 18 พฤศจิกายน 2554: 19:49 น. ในหมวดหมู่ . คุณสามารถสมัครรับความคิดเห็นในโพสต์นี้ผ่านทางฟีดความคิดเห็น คุณสามารถ
การค้นพบที่สำคัญ
อาจจะดูแปลก แต่คุณจะทำอะไรได้บ้างมันเกิดขึ้นก่อนที่จะเข้าโรงเรียนการละครที่ตั้งชื่อตาม B.V. Shchukin ฉันไม่เคยไปโรงละคร Vakhtangov ฉันไม่รู้จักนักแสดงนำด้วยซ้ำ - M.F. Astangov, N.O. Gritsenko, N. S. Plotnikova, Ts. L. Mansurova หัวหน้าผู้อำนวยการโรงละคร R. N. Simonov ผู้ทรงคุณวุฒิบนเวทีซึ่งต่อมาจะกลายเป็นครูของฉันในการทำงานเพื่อนร่วมงาน และแน่นอนว่าฉันไม่รู้เกี่ยวกับโรงเรียน Vakhtangov เลย สำหรับฉัน มันเป็นทวีปปิดที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ไม่คุ้นเคยเลย เป็นดาวเคราะห์ประเภทหนึ่งที่ถูกล็อก ฉันเริ่มคุ้นเคยกับเธอหลังจากเข้าวิทยาลัยและได้รับโอกาสในการเข้าร่วมการแสดงละครแล้วเข้าร่วมด้วยตัวเองในฉากที่มีฝูงชนและได้รับบทบาทอิสระ แน่นอนว่าไม่เพียงแต่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg เท่านั้นที่เข้าร่วมการแสดง Vakhtangov ดูการแสดงทั้งหมดของโรงละครในเมืองหลวงทั้งหมดและการทัวร์ในมอสโก ด้วยวิธีนี้ฉันพยายามชดเชยความไม่รู้เรื่องโรงละครมีกระบวนการสะสมความประทับใจความรู้เกี่ยวกับศิลปะการแสดงละครความรู้เฉพาะเจาะจงความคิดริเริ่มของโรงละครต่างๆและแน่นอนก่อนอื่นคือ Vakhtangovsky
ช่วงเวลาฝึกงานของฉันใกล้เคียงกับการฟื้นฟูศิลปะการแสดงละครครั้งใหม่ ช่างเป็นความยินดีอย่างยิ่งที่ทุกคนได้มาปรากฏตัวที่ Vl. "Hamlet" ของ Mayakovsky จัดแสดงโดย N.P. Okhlopkov! ช่างเป็นความสดใหม่ รื่นเริง การแสดงละครในความหมายที่ดีที่สุดของการแสดงนี้! ช่างเป็นการฟื้นฟูชีวิตการแสดงละครที่เกิดจากการกำเนิดของสตูดิโอโรงละครแห่งใหม่ "Sovremennik"! นี่เป็นช่วงเวลาที่การเข้าสู่วงการละครของ V. Rozov และ A. Salynsky และความคิดสร้างสรรค์ของ A. Arbuzov ที่เบ่งบานซึ่งส่วนใหญ่กำหนดละครของโรงละครในทศวรรษต่อ ๆ มา
ในนั้น กระบวนการทั่วไปการต่ออายุศิลปะการแสดงละครยังมีโรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg วาคทังกอฟ. จุดสุดยอดของการผงาดครั้งนี้คือการกลับมาของ "เจ้าหญิงทูรานดอต" ผู้โด่งดังบนเวทีอีกครั้ง แต่สำหรับตอนนี้ กระบวนการสะสมกำลังเพื่อบรรลุความสำเร็จในการทะยานขึ้นนี้ยังคงดำเนินต่อไป
โรงเรียน Vakhtangov - มันคืออะไร?.. นักแสดงของโรงละคร Vakhtangov คืออะไร? นี่คือเผ่าอะไรและมาจากไหน?
แน่นอนว่าต้องค้นหาต้นกำเนิดของปรากฏการณ์นี้จากผู้ก่อตั้ง บรรพบุรุษผู้วางสุนทรียภาพใหม่ ทิศทางใหม่ในศิลปะการแสดงละคร และผู้ที่สานต่อมันในการแสดงใหม่ๆ และนักแสดงรุ่นใหม่ที่เข้ามาชมละคร ใน ปีที่แตกต่างกันในโรงเรียนที่เปิดก่อนสร้างโรงละคร และแม้ว่าในเวลาต่อมาจะได้รับอิสรภาพทางกฎหมายและได้รับอาคารแยกต่างหากในการกำจัด แต่มันก็ยังคงเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวที่เลี้ยงโดยระบบไหลเวียนโลหิตเดียวซึ่งดำเนินการฝึกอบรมตามวิธีการเดียว และจะเป็นอย่างอื่นไปได้อย่างไรในเมื่อครูของโรงเรียนทุกคนเป็นนักแสดงของโรงละคร Vakhtangov หรือผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการละครเดียวกัน นักเรียนยังคงได้รับการสอนไม่เพียงแต่ในห้องเรียนของโรงเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนภายในผนังโรงละครด้วย นักแสดงในอนาคตจะได้เห็นการซ้อมและการแสดงของศิลปินละคร ดูการเกิดของการแสดง ซึมซับบรรยากาศของโรงละคร สูดอากาศที่ปะปนไปด้วยเหงื่อ ฝุ่น กลิ่นอุปกรณ์ประกอบฉาก หลังเวที และหอประชุม
แต่ละหลักสูตรที่ Cecilia Lvovna ทำงานนั้นเต็มไปด้วยความประหลาดใจ ความยินดี และความเคารพต่อครู นักแสดง และผู้หญิงที่สวยน่าทึ่งที่แยกกันไม่ออกในคนๆ เดียว ความประหลาดใจรอเราอยู่ตั้งแต่บทเรียนแรกตั้งแต่การพบกันครั้งแรกกับเธอ ลองนึกภาพนักเรียนชั้นปีที่ 1 คาดหวังอย่างตื่นเต้นที่จะได้เห็นครูที่เข้มงวด ใจเย็น มีความรู้และมีประสบการณ์ ไม่ใช่แค่ครูเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแสดงชื่อดังที่รู้จักคุณค่าของเธอ ถูกทำลายด้วยชื่อเสียงและความเอาใจใส่ แต่พวกเขาเห็นบางสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ที่ไม่เข้ากับแนวคิดของ "ครู"... เข้าสู่ผู้ชม ไม่ กระพือปีกเข้าหาผู้ชม ราวกับว่าไร้น้ำหนัก เยาว์วัย เป็นประกายจากภายใน มีเสน่ห์ และเป็นตำนาน Turandot ไม่มีอะไรจากแนวคิดของเราเกี่ยวกับแนวคิด "ครู" ผู้ชมดูเหมือนจะเต็มไปด้วยบรรยากาศของความผ่อนคลาย ความเปิดกว้าง และความเมตตาอย่างน่าทึ่ง เอื้อต่อความไว้วางใจและการปลดปล่อย เธอเล่าให้เราฟังเกี่ยวกับ Vakhtangov วิธีสร้างโรงละครการแสดงครั้งแรกนักแสดง เราฟังเธอเคลิบเคลิ้ม หลงใหลในเสน่ห์ของเธอ และตกหลุมรัก ในฐานะนักเรียนของ Vakhtangov ดูเหมือนว่าเธอจะส่งต่อบทเรียน สุนทรียภาพ และแนวคิดเรื่องการแสดงละครให้กับเราโดยตรง ในระหว่างบทเรียนของเธอ เราไม่ได้สังเกตเวลา ความปรารถนาร่วมกันของทุกคนคือ: พวกเขาจะไม่สิ้นสุดอีกต่อไป บทเรียนดังกล่าวจะติดตัวเราไปตลอดชีวิต เพราะไม่เพียงแต่จะรับรู้ได้ด้วยจิตใจเท่านั้น แต่ยังรับรู้ได้จากจิตใจด้วย
โรงเรียนการละครเป็นสถาบันการศึกษาที่แท้จริงสำหรับเรา ไม่เพียงแต่ในการเรียนรู้สาขาวิชาพิเศษเท่านั้น เช่น การแสดง การเขียนบทละคร ชั้นเรียนศิลปะพลาสติก ฯลฯ แต่ยังรวมไปถึงการศึกษาทั่วไป คำศัพท์ทางวัฒนธรรมทั่วไป เช่น ประวัติศาสตร์ ทัศนศิลป์ดนตรี วรรณกรรมคลาสสิก และยังสอนโดยอาจารย์ที่ยอดเยี่ยม ผู้เชี่ยวชาญชั้นหนึ่งในสาขาความรู้ของตน
ชีวประวัติของโรงเรียนไม่เพียงสร้างขึ้นเพื่อครูเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักเรียนด้วยซึ่งหลังจากนั้นไม่นานก็กลายเป็นครูด้วย นี่คือวิธีการสืบทอดประเพณีการแสดงละคร ราวกับเป็นสายโซ่ จากครูสู่นักเรียน และต่อจากนี้ไป...
เราก็ได้เรียนรู้จากรุ่นพี่ด้วย...ผู้ที่ได้มีโอกาสเรียนที่ หลักสูตรจูเนียร์วิทยาลัยเมื่อ Rolan Bykov สำเร็จการศึกษาจากเขา พวกเขาจำได้ว่าสำหรับพวกเขาแม้ในตอนนั้นเขาเกือบจะเป็นศิลปินของประชาชน พวกเขาจำการเล่นตลกอันโด่งดังของเขา "การเล่นตลกกะหล่ำปลี" ซึ่งพวกเขาคิดว่าเป็นความยินดีที่ได้มีส่วนร่วม และผู้ที่ไม่มีโอกาสเข้าร่วมก็กลายเป็นผู้ชมด้วยความยินดี
ในขณะเดียวกัน ชีวิตในโรงเรียนการละครก็ดำเนินไปตามปกติ ทั้งในระหว่างการศึกษาและในโรงละครชื่อของ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov ได้ยินอยู่ตลอดเวลา: ในชั้นเรียนและการซ้อมและในการสนทนากับครูและในข้อพิพาทระหว่างนักเรียน แต่โรงเรียน Vakhtangov แบบไหนที่ยังคงต้องคิดออกตระหนักและรู้สึกได้กับความเป็นอยู่ทั้งหมด แน่นอนว่าการสื่อสารอย่างต่อเนื่องการประชุมในการแสดงและในห้องเรียนกับนักแสดงของโรงเรียน Vakhtangov และแน่นอนว่าครูที่พยายามถ่ายทอดรากฐานของโรงเรียนนี้ให้เราเห็นมากมายในเรื่องนี้ แต่การพัฒนาอย่างจริงจังและจริงจังนั้นเริ่มต้นจากการทำงานอย่างเป็นรูปธรรมในการแสดงเท่านั้น และการแสดงสำหรับฉันที่โรงเรียน ได้แก่ "The Cricket on the Stove" ซึ่งสร้างจากผลงานของ Charles Dickens, "Walking Through the Torment" โดย A. Tolstoy, "Ruy Blaz" และ "Marion Delorme" โดย V. Hugo ก็เช่นกัน และแน่นอนว่าอยู่ในโรงละครแล้ว "Princess Turandot" โดย C. Gozzi
พวกเขาทำงานตัดตอนมาจากละครเรื่อง "The Cricket on the Stove" ร่วมกับ Tatyana Samoilova ภายใต้การแนะนำของอาจารย์ Zoya Konstantinovna Bazhanova ภรรยาของกวีโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ Pavel Grigorievich Antokolsky ในข้อความที่ตัดตอนมานี้ฉันได้เตรียมบทบาทของ Tackleton - บทบาทเดียวกับที่ E.B. Vakhtangov เองก็เคยเล่น จากงานนี้ฉันเริ่มทำความคุ้นเคยกับโรงเรียนของ Vakhtangov อย่างจริงจังและกับตัวเขาเองด้วยบุคลิกในตำนานชีวิตการทำงานและความเข้าใจในโรงละคร Zoya Konstantinovna เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับการแสดงเมื่อนานมาแล้ว ว่านักแสดงกลุ่มแรกเล่นอย่างไร และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในขณะที่ทำงานตามบทบาทของเรา เธอแสดงให้เราเห็นว่าอะไรเป็นของ Vakhtangov และอะไรไม่เกี่ยวข้องกับเขา เธอบอกและแสดงให้เห็นว่าคุณสามารถเล่นอย่างจริงจังโดยให้เหตุผลทางจิตวิทยากับการกระทำของฮีโร่ได้อย่างไรและอย่างไรเมื่ออยู่ในภาพเล่นทัศนคติของคุณต่อภาพที่สร้างขึ้นในเวลาเดียวกันราวกับว่ามองจากภายนอกอนุมัติหรือประณาม การกระทำของมัน การประหลาดใจกับพฤติกรรมของฮีโร่ของคุณ หรือรู้ล่วงหน้าว่าเขาจะทำอย่างไรในสถานการณ์ที่กำหนด และเฝ้าดูสิ่งที่เกิดขึ้นเท่านั้น
มันเป็นงานของนักเรียนที่น่าสนใจและยาวนานแต่ก็น่าตื่นเต้นที่ให้อะไรกับเรามากมาย Zoya Konstantinovna ไม่ได้เร่งรีบเรา เธออดทนรอจนกว่าเราจะเข้าใจทุกอย่างอย่างถี่ถ้วน เข้าใจทุกอย่าง รู้สึกถึงมันในอุทรของเรา และเมื่องานในส่วนที่ตัดตอนมาใกล้จะเสร็จสิ้นแล้ว วันหนึ่งฉันก็เชิญ Pavel Grigorievich Antokolsky มาซ้อม จากนั้นฉันก็เห็นเขาเป็นครั้งแรก - ชายในตำนานคนนี้ "บิดา" ของกวีตามที่กวีเรียกเขาว่าอยู่ท่ามกลางพวกเขาและกวีจากรุ่นที่แตกต่างกันมากที่สุดระดับบทกวีที่แตกต่างกันแนวสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน
เขาเข้าไปในห้องซ้อมของโรงเรียน ไม่ เขาพุ่งเข้าไป บินเข้ามาเหมือนพายุทอร์นาโดหรือพายุไต้ฝุ่นบินเข้ามา มันคือวิสุเวียส พ่นอารมณ์ พลังงาน การเคลื่อนไหว ความคิด ความคิดออกมาอย่างถล่มทลาย ด้วยรูปร่างที่เล็ก เขาจึงเติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดไม่ว่าจะพบตัวเองที่ไหนก็ตาม หลังจากดูข้อความที่ตัดตอนมาก่อนที่เราจะมีเวลาดูจบ เขาก็บินมาหาฉัน จูบฉันแล้วพูดว่า “มหัศจรรย์ มหัศจรรย์ คุณกำลังเล่นแท็กเกิลตันผิด ผิดอย่างน่าอัศจรรย์ ฉันจำได้ว่า Evgeniy Bagrationovich รับบทเป็นเขาในสตูดิโอแห่งที่สองของ Moscow Art Theatre อย่างไร เขาเล่นถูกต้อง แต่คุณเล่นไม่ถูกต้อง วาสยา”
Zoya Konstantinovna เมื่อเห็นความสับสนของฉันจึงพยายามหยุดเขา:“ เอาน่ามหาอำมาตย์เขายังเป็นนักเรียนอยู่” “โอ้ ใช่แล้ว” เขาตระหนัก “ฉันลืมไปสนิทเลย” ยกโทษให้ฉันฉันลืมไปหมดแล้ว ฉันคิดว่าเขาเป็นนักแสดงอยู่แล้ว ขอโทษ".
และมีความเปิดกว้างเปิดกว้างและมีน้ำใจในชายคนนี้จนเป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่ยอมแพ้ต่อเสน่ห์ของเขา หลังจากที่ฉันรู้สึกตัวได้เล็กน้อยหลังจากแสดงข้อความที่ตัดตอนมาและการประเมินงานของฉันที่ผิดปกติ Pavel Grigorievich ยังได้แสดงความคิดเห็นที่ชัดเจนหลายประการเกี่ยวกับการแสดงของเรา และนี่เป็นแนวทางในการทำงานไม่ใช่เป็นงานด้านการศึกษาหรืองานของนักเรียน แต่อยู่ในระดับสูงสุด - และมุมมองของบุคคลที่มีความสามารถไม่ธรรมดานั้นห่างไกลจากคนธรรมดา งานของเราถูกวัดด้วยมาตรฐานของศิลปะชั้นสูงอยู่แล้ว และแน่นอนว่าสิ่งนี้ทำให้เราเตรียมพร้อมสำหรับความจริงจังอย่างเต็มที่ในแนวทางของเรา เพื่อความทุ่มเทสูงสุด
งานในปีที่สามของวิทยาลัยในข้อความที่ตัดตอนมาจากละครเรื่อง Ruy Blaz ภายใต้การแนะนำของอาจารย์และผู้กำกับ A. I. Remizova ยังให้ความเข้าใจกับโรงเรียน Vakhtangov มากมาย ที่นี่ฉันได้รับความไว้วางใจเป็นครั้งแรกด้วยบทบาทตลก - Don Cesar de Bazan
บทนี้เริ่มต้นขึ้น ใคร ๆ ก็พูดอย่างฟุ่มเฟือยและผ่านราวกับหายใจเข้าครั้งเดียว ฮีโร่ของฉันซ่อนตัวจากผู้ไล่ตาม กระโดดข้ามกำแพง ปีนท่อแล้วหายใจไม่ออก โกรธจัด ซุกซน บินขึ้นไปบนเวทีใน เสื้อคลุมด้วยดาบมีแหวนอยู่ในหูของเขาหยุดหายใจและพูดคำแรกของเขาออกมาอย่างรวดเร็วราวกับปืนกล:
เหตุการณ์ต่างๆ ฉันตกใจกับพวกเขา เหมือนสุนัขเปียกน้ำที่เขาสะบัดออก แทบไม่ได้ไปถึงมาดริด แต่จู่ๆ... ...เส้นทางของฉันถูกปิดกั้น กำแพงสูง, กระโดดข้ามมันไปชั่วครู่เหมือนนก เห็นบ้านอยู่หลังหนึ่ง...จึงตัดสินใจไปลี้ภัยที่นั่น...
เห็นได้ชัดว่าฉันสามารถถ่ายทอดความรู้สึกของการไล่ล่า การแข่งขันขนาดมหึมาที่ยาวนานหลังจากการไล่ตามสองสัปดาห์ เพราะในที่สุดเมื่อฉันดึงตัวเองเข้าหากัน เสียงหัวเราะก็ดังก้องไปทั่วห้องโถง ปฏิกิริยาของผู้ชมต่อการปรากฏตัวของ Don Cesar de Bazan ราวกับติดปีกช่วยยกฉันขึ้นและพาฉันต่อไป ฉันไม่สามารถตามตัวเองได้อีกต่อไปด้วยคำพูดของฉันฉันไม่สามารถหยุดได้ สำหรับฉัน การแข่งขันยังคงดำเนินต่อไป แม้ว่าอันตรายจะผ่านไปแล้ว แต่ความเฉื่อยของการแข่งขันยังคงอยู่
มันสำคัญแค่ไหนที่นักแสดงจะต้องมีปฏิกิริยาแรกของผู้ชม การสนับสนุนครั้งแรก การอนุมัติครั้งแรกของสิ่งที่คุณทำ จากนั้นมันจะง่ายขึ้นและง่ายขึ้น แต่การอนุมัติครั้งแรกของผู้ชมทำให้นักแสดงตระหนักว่าคุณกำลังทำทุกอย่างถูกต้องและสร้างสรรค์ต่อไป และมันจะยากแค่ไหนเมื่อคุณไม่ได้ยิน ไม่รู้สึกถึงการตอบสนองและการอนุมัติของผู้ฟัง การแสดงต่อไปเป็นเรื่องยากเพียงใด - นักแสดงบางคนเริ่มประจบประแจงผู้ชมพยายามทุกวิถีทางเพื่อกระตุ้นปฏิกิริยานี้จากผู้ชม คนอื่น ๆ - ร่วงโรยเริ่มรู้สึกว่าพวกเขาไม่ประสบความสำเร็จและสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นใน การแสดงทั้งหมดต่อไปโดยกดดันอย่างหนัก สำหรับฉันทุกอย่างเกิดขึ้นในแนวทางที่ดีที่สุด บทบาทนี้เข้ากันได้อย่างลงตัวกับความสามารถในการแสดงของฉัน ความเยาว์วัย ความซุกซน และความห้าวหาญ ฉันชอบทุกสิ่งที่ฮีโร่ของฉันทำโดยไม่ได้ตั้งใจและฉันก็เล่นกับเขาด้วยความยินดีอย่างยิ่งซึ่งเห็นได้ชัดว่ารู้สึกและถ่ายทอดให้กับผู้ชมได้ ที่นั่นยังมีทักษะเล็กน้อย แต่มีนิสัย และมันครอบงำฉันและพาฉันต่อไป เมื่อติดอยู่ในคลื่นนี้ ฉันรีบเร่งไปข้างหน้าอย่างไม่ระมัดระวัง ไม่รู้ว่าจะชะลอความเร็วอย่างไร แต่ฉันต้องชะลอความเร็วลง ฉากนี้จำเป็นต้องมีการหยุดชั่วคราวและการเน้นเสียง แต่ฉันกลับถูกครอบงำด้วยอารมณ์ ความเฉื่อย จริงๆ แล้วนี่คือสิ่งที่ฉากทั้งหมดมีพื้นฐานมาจาก มันเป็นรูปแบบที่สมบูรณ์ พวกเขาตะโกนมาหาฉันจากผู้ชม: "ป-พ-ร-r!.. หยุด!.. " แต่มันก็หยุดไม่ได้แล้ว ในตอนท้ายก็มีเสียงปรบมือดังขึ้น แต่เป็นเสียงปรบมือที่ทำให้ประหลาดใจกับสิ่งที่เขาเห็นมากกว่าทักษะและความเป็นมืออาชีพ เขาหายไปอย่างเห็นได้ชัด และหากผมได้หยุดที่การควบม้านี้ ผมอาจจะไม่สามารถรับมือกับเส้นทางในการแข่งนี้ได้ ผมคงไม่มีความเป็นมืออาชีพเพียงพอ จากนั้นเขาก็พุ่งอย่างห้าวหาญต่อหน้าผู้ชม สร้างความพอใจให้กับเพื่อนนักเรียนของเขาด้วยซ้ำ หลังจากแสดงเสร็จพวกเขาก็มาหาฉันและบอกว่าพวกเขาไม่เข้าใจแม้แต่คำเดียว แต่ก็น่าสนใจ พวกเขาไม่มีเวลาพิจารณาสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีจริงๆ พวกเขาแค่แปลกใจกับสิ่งที่เกิดขึ้นเท่านั้น งานนี้ให้เครดิตฉัน
ครูยังสนใจฉันด้วยเห็นได้ชัดว่าจนถึงตอนนี้เท่านั้นสำหรับเนื้อหาที่มีการประมวลผลที่ดีซึ่งบางสิ่งบางอย่างจะได้ผลในอนาคต หลังจากตอนนี้ ฉันเองก็ได้ตระหนักว่าศิลปะชั้นสูงนั้นมิใช่เพียงแค่การมีอารมณ์เท่านั้น แต่ยังสามารถควบคุมมันได้ จัดการได้อย่างชาญฉลาด สามารถชะลอเวลาได้ ควบคุมตัวเองให้แม่นยำยิ่งขึ้น ถ่ายทอดคำพูด ความคิด และสภาวะของพระเอก ฉันมีอันแรกมากมาย แต่อันที่สองนั้นไม่เพียงพออย่างชัดเจน ฉันยังต้องได้รับมัน และอีกมาก
พวกเขาเล่นการแสดงนี้ด้วยความชั่วร้ายและความสุข เราได้รับความเพลิดเพลินอย่างแท้จริงจากการแสดงด้นสด ซึ่งเราได้รับอนุญาตให้ใช้ในงานนี้ได้โดยแทบไม่มีข้อจำกัดใดๆ ในการแสดงผลงานครั้งแรกของเราในโรงละครเพื่อการศึกษาระหว่างการแสดง จู่ๆ ฉันก็รู้สึกได้ว่าสัญชาตญาณของฉันแนะนำว่าตอนหนึ่งสามารถเล่นแตกต่างออกไปได้ และดูเหมือนว่าจะดีกว่าที่คิดไว้ในระหว่างกระบวนการซ้อม แฟนตาซีนำทางฉันระหว่างการแสดงไปตามเส้นทางที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย ก่อนที่จะตัดสินใจแสดงด้นสด ฉันหยุดชั่วครู่ ลังเลด้วยความไม่แน่ใจ จากนั้นจึงตัดสินใจว่า "ไม่ว่าอะไรจะเกิดขึ้น" ฉันเดินไปตามเส้นทางที่แนะนำด้วยเสียงภายในของฉัน ผู้ชมชอบฉากนี้และอาจารย์ก็ยอมรับเช่นกัน หลังการแสดง Remizova เพิ่งพูดว่า: "ฉันทำทุกอย่างยุ่งเหยิง แต่ฉันทำมันพังได้ดี ทำได้ดีมาก"
นี่คือการค้นพบของฉัน ซึ่งสร้างขึ้นในขณะที่ยังเป็นนักเรียนอยู่ ซึ่งก็คือไม่เคยสายเกินไปที่จะหาวิธีแก้ปัญหาแบบเดิม คุณไม่ควรกลัวการแสดงด้นสด คุณไม่ควรกลัวที่จะทำลายหลักการ ถ้า แน่นอน ของคุณ การกระทำมีความสมเหตุสมผล มีเหตุผล และสมเหตุสมผล ยิ่งไปกว่านั้น การแสดงด้นสดยังถือเป็นจิตวิญญาณของโรงเรียน Vakhtangov
ในการแสดงเดียวกัน “รุยบลาส” ก็ได้ค้นพบที่สำคัญอีกครั้งหนึ่งสำหรับตัวเอง - ความเป็นธรรมชาติบนเวทีไม่เป็นที่ยอมรับ ฉันทำมันหลังจากที่ฉันพยายามกินไก่ระหว่างการแสดง เพื่อให้เป็นธรรมชาติและน่ารับประทานมากขึ้น ฉันไม่ได้กินอาหารทั้งวันก่อนการแสดง เพื่อเตรียมสำหรับฉาก “ไก่” แต่แล้วฉากที่รอคอยมานานก็มาถึงและฉันรู้สึกสยดสยองเมื่อกัดไก่ที่โชคร้ายชิ้นนี้ไปฉันไม่สามารถกลืนมันได้ - น้ำลายเต็มปากของฉันและฉันก็สำลักมันอย่างแท้จริง บทเรียนเกี่ยวกับขอบเขตของการประชุมบนเวทีนี้จะถูกจดจำไปตลอดชีวิตของฉัน
การยืนยันอีกประการหนึ่งของการยอมรับไม่ได้ของธรรมชาตินิยมในงานศิลปะคือเหตุการณ์ต่อมาในการฝึกฝนของฉันระหว่างการถ่ายทำภาพยนตร์เรื่อง "Walking into the Storm" ที่สร้างจาก D. Granin ซึ่งฉันรับบทเป็น Oleg Tulin นักแสดง Alexander Belyavsky และฉันต้องเล่นฉากมึนเมาซึ่งเราทำไม่ได้มานานแล้ว จากนั้นผู้กำกับภาพยนตร์ Sergei Mikaelyan แนะนำให้ดื่มหนึ่งในสี่และดื่มจริงๆ นั่นคือสิ่งที่เราทำ หลังจากพักเบรค เราก็มาถึงกองถ่าย ความร้อนของอุปกรณ์จัดแสงพาเราไป และเราเล่นเกมแบบนี้กับ Sasha Belyavsky จนผู้กำกับมองมาที่เราสั่งว่า: "หยุด!" การถ่ายทำก็หยุดลง วันรุ่งขึ้น หลังจากที่เงียบขรึมแล้ว เราเล่นฉากนี้น่าเชื่อถือและยอมรับได้มากกว่าวันก่อน และมันก็ถูกรวมไว้ในหนังด้วย
กรณีนี้เป็นการยืนยันแนวคิดอื่นที่แสดงไว้ก่อนหน้านี้อีกครั้ง - ยิ่งคนขี้เมาอยู่บนเวทีหรือหน้ากล้องถ่ายภาพยนตร์ เขาก็ยิ่งมีสติมากขึ้นเท่านั้น ยิ่งฉากนั้นมหัศจรรย์มากเท่าไร ทุกอย่างก็จะยิ่งมีการคำนวณมากขึ้นเท่านั้น ยิ่งมีมากขึ้นเท่านั้น อารมณ์ในส่วนของบทบาทยิ่งเข้มงวดนักแสดงต้องควบคุมตัวเองไม่เช่นนั้นสภาพของนักแสดงนี้อาจนำพาเขาไปสู่พยาธิสภาพที่ยากจะออกไปได้ และท้ายที่สุด ยิ่งน้ำตาแห่งความโศกเศร้าและความสิ้นหวังของฮีโร่ของคุณไหลออกมามากเท่าไร คุณในฐานะนักแสดงก็จะยิ่งหวานชื่นมากขึ้นเท่านั้น ที่คุณสามารถถ่ายทอดสถานะของฮีโร่ของคุณได้เป็นอย่างดี เป็นธรรมชาติ โดยไม่มีแรงกดดัน แต่ถ้าคุณไม่หยุดสะอื้นทันเวลา คุณสามารถทำลายทั้งเวทีและแม้กระทั่งทำลายการแสดงได้ ฉันคิดว่ามันโง่มากที่บางครั้งพวกเขาบอกว่านักแสดงคนหนึ่งมีบทบาทมากจนเขาจำตัวเองไม่ได้ ถ้าเป็นเช่นนี้ ฉันคิดว่ามันไม่ใช่ศิลปะอีกต่อไป แต่เป็นพยาธิวิทยา ยิ่งคุณถ่ายทอดความรู้สึกของฮีโร่ได้มากเท่าไหร่ จิตใจของคุณก็ต้องมีสติมากขึ้นเท่านั้น ควบคุมการกระทำของคุณ ไม่เช่นนั้น สูญเสียความสงบ การควบคุมตนเอง เขาอาจแสดงสิ่งที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากสิ่งที่ต้องการในการแสดง ตามบทบาท .
“ หากเราสัมผัสกับความรู้สึกของฮีโร่ของเราจริงๆ” Nikolai Konstantinovich Cherkasov ยอมรับ“ จากนั้นโดยธรรมชาติแล้วหลังจากการแสดงครั้งแรกครั้งหนึ่งเราจะไม่สามารถผ่านโรงพยาบาลจิตเวชได้ ในขณะที่เล่นบทบาทของ Ivan the Terrible ในตอนแรกของภาพยนตร์ชื่อเดียวกัน ฉันประสบความเจ็บป่วยสาหัสและการเสียชีวิตของเพื่อนที่ซื่อสัตย์ของฉัน ราชินีอนาสตาเซีย สิบหรือสิบสองครั้ง (ไม่นับการซ้อม) และในขณะที่แสดงบทบาทเดียวกันในโรงละครใน "The Great Sovereign" ฉันฆ่าลูกชายที่รักของฉันจากการแต่งงานกับอนาสตาเซียซาเรวิชอีวานประมาณสามร้อยครั้ง (ไม่นับการซ้อมด้วย) ด้วยความโกรธ จินตนาการได้ไม่ยากว่าจะเกิดอะไรขึ้นหากได้สัมผัสฉากเหล่านี้ด้วยความรู้สึกที่แท้จริงและเต็มไปด้วยอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์จริงๆ!..ประเด็นก็คือการอยู่ในสภาพที่มีความสุข กระบวนการสร้างสรรค์“เนื่องจากความโน้มเอียงตามธรรมชาติของเราที่มีต่อวิชาชีพทางศิลปะ ด้วยความสามารถและทักษะทางวิชาชีพที่ดีที่สุดของเรา เราจึงได้สัมผัสกับความรู้สึกเหล่านี้อย่างสร้างสรรค์ โดยสร้างภาพลวงตาของประสบการณ์ที่แท้จริงของเราให้กับผู้ชม”
ถ้อยคำเหล่านี้เขียนโดยชายผู้เคยผ่านโรงเรียนศิลปะที่ยิ่งใหญ่และเรียนรู้เคล็ดลับมากมาย
ใช่ นักแสดงต้องได้ยินตัวเองและมองเห็นทุกสิ่งรอบตัว ดูเหมือนว่าเขาจะแยกออกเป็นสองส่วน รับบทนำและในขณะเดียวกันก็ควบคุมตัวเองอยู่ตลอดเวลา: “ฉันกำลังทำทุกอย่างถูกต้องหรือเปล่า? ฉันหลงทางมากเกินไปหรือเปล่า? ฉันกำลังเล่นไปในทิศทางที่ถูกต้องในคีย์ที่กำหนดหรือไม่” กลายเป็นตัวละครเขาไม่ได้หยุดที่จะเป็นตัวของตัวเองเพราะใน สร้างภาพเขาใส่อารมณ์ของเขา อารมณ์ของเขา ความเข้าใจในสิ่งที่เขากำลังเล่นอยู่
ก่อนเหตุการณ์บางอย่าง ฉันอยากจะทราบว่าในชีวประวัติการแสดงมานานกว่าสี่สิบปีฉันมีโอกาสเล่นบทบาทตลกเพียงสามบทบาทเท่านั้น ฉันต้องรอสิบปีสำหรับบทบาทตลกต่อไป และยี่สิบสี่ปีสำหรับบทบาทที่สามและจนถึงตอนนี้ หลายปีผ่านไปจากละครเรื่อง "Cinderella" ไปจนถึง "Vaudevilles Vintage" ซึ่งฉันได้พบกับบทบาทตลกอีกครั้ง
เจ็ดปีแรกของการทำงานในโรงละคร ฉันมีส่วนร่วมเพียงเล็กน้อยในการแสดงละครและมีข้อยกเว้นบางประการในบทบาทมิติเดียว ซึ่งส่วนใหญ่เป็นบทบาทโรแมนติก - เจ้าชาย นายพล อัศวิน ฉันเล่นเป็นอาร์เธอร์เกรย์ใน " สการ์เล็ต เซลส์", Fortinbras ใน Hamlet, Laura's Guest และ Don Guan ใน The Stone Guest และสุดท้ายคือ Prince Calaf ใน Princess Turandot และฉันก็อยากลองตัวเองในบทบาทอื่นบ้าง ผู้กำกับใช้คุณสมบัติภายนอกของนักแสดงเป็นหลัก โดยไม่ได้คำนึงถึงความปรารถนาของฉันที่จะแยกตัวออกจากกลุ่มฮีโร่ "เกย์" นี้เป็นพิเศษ ในเวลานี้ S.V. Dzhimbinova ภายใต้การดูแลของ R.N. Simonov เริ่มแสดงละครสำหรับเด็กเรื่อง "Cinderella" โดย E. Schwartz ซึ่งเธอเสนอบทบาทของ... เจ้าชายอีกครั้ง เมื่อมาถึงจุดนี้ ฉันทนไม่ไหว ฉันไปหา Ruben Nikolaevich และขอร้องให้เขามอบบทบาทอื่นให้ฉัน โดยอธิบายว่าฉันไม่สามารถเล่นเป็นเจ้าชายได้อีกต่อไป และเบื่อกับพวกเขาแล้ว “ อันไหนวาสยา” - เขาถามฉันด้วยความสับสน “ แม้ว่า Marquise of Pas de Troyes จะดูฉุนเฉียวและมีบทบาทแปลกประหลาด แต่ขอให้ฉันทำตัวเหมือนคนพาล” ทันใดนั้นฉันก็พูดกับตัวเองและรู้สึกประหลาดใจกับความกล้าหาญของตัวเอง Ruben Nikolaevich หยุดด้วยความประหลาดใจคิดเกี่ยวกับมันและหลังจากหยุดไปนานก็เริ่มหัวเราะมากจนเขาไม่สามารถหยุดได้เป็นเวลานาน ในที่สุด เมื่อหัวเราะออกมา จู่ๆ เขาก็พูดอย่างจริงจังขึ้นมาอย่างไม่คาดคิดว่า “อะไรนะ?” และก็มีเสียง “อะไรนะ?” เห็นด้วยมากกว่าการปฏิเสธข้อเสนอของฉัน แม้ว่าแน่นอนว่า Ruben Nikolaevich จะเข้าใจดีกว่าตัวฉันเองว่ามันยากที่จะจินตนาการถึงบทบาทที่ไม่เหมาะสมกว่านี้ ความคลาดเคลื่อนที่มากขึ้นระหว่างข้อมูลของฉันและสิ่งที่จำเป็นในบทบาทนี้ หลังจากรับบทเป็นฮีโร่หนุ่มโรแมนติก และจู่ๆ - ชายชราโบราณที่ทรุดโทรม!..
แน่นอนว่าในตอนแรกไม่มีอะไรได้ผลสำหรับฉัน จำเป็นต้องสร้างภาพลักษณ์ของชายชราที่แท้จริง เป็นจริง และเป็นที่จดจำได้ แต่ไม่ว่า Svetlana Borisovna Dzhimbinova กับฉันจะต่อสู้อย่างไรไม่ว่าเราจะพยายามอย่างไรก็ไม่มีอะไรทำงาน และ Ruben Nikolaevich เมื่อเห็นว่าฉันกำลังดิ้นรนกับบทบาทของฉันโดยไม่เกิดประโยชน์ใด ๆ ก็ไม่ได้พูดอะไร แต่แค่หัวเราะเบา ๆ แล้วพูดว่า มาเลย มาเลย คุณขอมัน ดังนั้นตอนนี้ได้โปรดทำงานหนักด้วย ฉันเข้าใจว่าเขาไม่ได้จริงจังกับฉันกับบทบาทนี้และปฏิบัติต่อสิ่งที่ฉันทำด้วยอารมณ์ขัน แต่จริงๆ แล้ว นอกเหนือจากการเต้นรำที่พวกเขาช่วยฉันทำ (ในบทบาทของเขา Marquis of Pas de Troyes เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านบัลเล่ต์และสอนวิธีเต้นให้ทุกคนอยู่เสมอ) ไม่มีอะไรได้ผล มีการกระโดดอย่างตลกขบขันในการเต้นรำนี้ขั้นตอนบัลเล่ต์ทุกประเภทซึ่ง Ruben Nikolaevich เคยกล่าวไว้ว่า:“ Vasya คุณควรไปที่โรงละครบอลชอยเพื่อเต้นรำ”
ใกล้ถึงเวลาซ้อมบนเวทีแล้ว แต่บทบาทของผมยังไม่พร้อมเลย แล้วมีบางอย่างเกิดขึ้นที่ Ruben Nikolaevich ไม่ค่อยได้ทำในงานของเขาโดยเฉพาะเมื่อเร็ว ๆ นี้ เขาหยุดการซ้อมแล้วหันมาหาฉันแล้วพูดว่า: "วาสยาเข้าไปในห้องโถงนั่งลง" ทุกคนหยุดทันทีด้วยความคาดหวังและคาดหวังถึงบางสิ่งที่ผิดปกติและน่าสนใจ เห็นได้ชัดว่าตอนนี้ Ruben Nikolaevich จะแสดงให้เห็นว่าเขาจะเล่นบทบาทนี้อย่างไร และเมื่อเขาแสดงให้เห็น นี่เป็นช่วงเวลาแห่งปาฏิหาริย์อย่างแท้จริงบนเวที
เขามองมาทางฉันอย่างเจ้าเล่ห์ ยิ้มแล้วเดินไปหลังเวที ทุกคนเริ่มแห่กันไปที่ห้องโถง ทั้งผู้ที่เกี่ยวข้องกับการแสดงและผู้ที่เป็นอิสระจากการแสดง แต่อยู่ในโรงละครในเวลานั้น คนงานจากเวิร์คช็อปอุปกรณ์ประกอบฉาก เจ้าหน้าที่เสริมและช่างเทคนิคก็มา ทุกคนต่างสงสัยว่าจะเกิดอะไรขึ้น และประสาทของฉันเริ่มสั่นคลอน ฉันรู้ว่าหลังจากที่เขารับบทนี้ เขาจะพูดว่า: "ทำซ้ำ!" เขาทำเช่นนี้เสมอ เป็นเรื่องง่ายที่จะพูดว่า: "ทำซ้ำ!" แต่จะทำอย่างไรหลังจากนั้น?.. เกือบจะสิ้นหวังเสมอไป
Simonov เรียกนักเรียนสองคนมาหาเขา และไม่กี่นาทีต่อมาฉันก็ได้ยินพูดกับฉันว่า: "วาสยา ดูสิ!.. " เริ่มเล่นเพลงเต้นรำเบา ๆ และเขาก็ปรากฏตัวขึ้น... เขาถูกชักนำจากทั้งสองฝ่ายหรือถูกอุ้ม ในอ้อมแขนของทั้งสองคน นักศึกษาถูกอุ้ม บ้างก็ว่า เป็นบางส่วน มักจะหยุดเพื่อไม่ให้สูญเสียสิ่งใด Marquis of Pas de Troyes สวมเสื้อคลุมมีหนวดเคราสีขาวยาวห้อยลงมาจากคางเขาถือไม้ไว้ในมือแว่นตาแทบจะเกาะอยู่ที่ปลายจมูกของเขาและเหนือแว่นตาก็เจ้าเล่ห์แคบลง ดวงตามองไปที่ทุกคน
ผู้ชมต่างพากันหัวเราะไม่หยุดจนการแสดงจบลง คนที่มากับเขาพาเขาไปที่กลางเวทีและต้องการทิ้งเขาไว้ตามลำพัง แต่พวกเขาก็ถอยห่างจากเขาไม่ได้ - ขาของมาร์ควิสจะงอเข่าจากนั้นทั้งตัวของเขาก็จะเคลื่อนไปที่ไหนสักแห่งด้านข้างแล้ว มือของเขาจะกระตุก บัดนี้เขาจมไปทางขวา ไปทางซ้าย เอียงไปทางหนึ่ง หันไปทางอื่น เกาะติดคนหนุ่มสาว จนต้องคอยสนับสนุนเป็นระยะ ๆ จนในที่สุดเขาก็ตัวแข็งตัวแข็งทื่อในที่สุด ตำแหน่งสมดุลสมบูรณ์ และจากนั้น... พวกมันก็เริ่มเคลื่อนตัวออกห่างจากเขาอย่างเงียบ ๆ เพื่อที่พระเจ้าห้ามไม่ให้การเคลื่อนไหวของอากาศทำให้เขาแกว่งไปมาและล้มลงอีกครั้ง
มีโฮเมอร์หัวเราะอยู่ในห้องโถงตลอดเวลา Ruben Nikolaevich ด้นสดทันทีมากจนไม่อาจละสายตาได้ ฉันกลัวการรอลายเซ็นของเขามากขึ้นเรื่อยๆ: “ทำซ้ำ!” ฉันเข้าใจว่าฉันจะไม่ทำสิ่งนี้ซ้ำอีก และฉันก็นั่งตัวเปียกโชกไปด้วยเหงื่อเย็นๆ รอชะตากรรมของตัวเอง
จากนั้น Ruben Nikolaevich ก็เริ่มแสดงขั้นตอนการเต้นรำต่างๆให้ข้าราชบริพารสอนวิธีเต้นรำให้พวกเขา เขาแสดงให้เห็นและเขาหรี่ตามาทางฉันแล้วพูดว่า: "วาสยา แต่คุณจะกระโดดเหมือนคุณไม่ใช่ฉันจริง ๆ "
จากความสิ้นหวังของสถานการณ์จากความโกรธจากความสิ้นหวังฉันจึงรีบขึ้นไปบนเวทีเนื่องจากพวกเขาอาจรีบไปที่อ้อมแขนเดินไปหลังเวทีโยนเสื้อคลุมแบบเดียวกับที่ Ruben Nikolaevich เพิ่งปรากฏตัวติดกาวบนเคราสวม แว่นหยิบไม้แล้วขึ้นเวทีไปพร้อมๆ กันราวกับกลโกธาราวกับจะตาย ฉันรู้ว่าไม่มีอะไรดีรอฉันอยู่เพราะตอนนั้นไม่มีอะไรนอกจากความสยองขวัญและความดื้อรั้นของชาวยูเครน แต่ฉันรู้แน่วแน่ว่าฉันต้องออกไปข้างนอก ไม่ว่าจะต้องแลกมาด้วยอะไรก็ตาม ด้วยความรู้สึกที่เจ็ด ฉันจึงเข้าใจว่าตอนนี้ ที่นี่ ในเวลานี้ ไม่เพียงแต่คำถามที่ว่าฉันจะเล่นบทชายชราขี้โมโหจากเทพนิยายนี้หรือไม่เท่านั้นที่กำลังถูกตัดสิน แต่ชะตากรรมในการแสดงของฉันในหลาย ๆ ด้านคือ กำลังตัดสินใจอยู่นะ คุณสมบัติของมนุษย์- ฉันจะทน หรือ จะถอย ฉันจะยอมแพ้
ฉันพยายามทำสิ่งที่ Ruben Nikolaevich ทำโดยพูดแบบเดียวกับที่เขาทำ แต่ห้องโถงกลับเงียบกริบ สำหรับฉันดูเหมือนว่าสิ่งนี้จะเกิดขึ้นตลอดไป ฉันกำลังจะพังทลาย ฉันทนไม่ไหว ฉันกำลังรออย่างน้อยใครสักคน อย่างน้อยหนึ่งคนในห้องโถงเพื่อหัวเราะ แต่ทั่วทั้งฉากกลับมีแต่ความเงียบงัน และไม่มีเสียงแม้แต่เสียงเดียวที่ทำลายมันได้ เมื่ออ่านข้อความนี้จบไม่มากฉันก็หันไปหา Ruben Nikolaevich ทันทีโดยไม่หยุดเพื่อขอให้ลองอีกครั้ง ซึ่งเขาตอบว่า:“ ถูกต้องวาสยาลองใหม่อีกครั้ง” ฉันแสดงฉากนี้ซ้ำเจ็ดครั้งติดต่อกัน โดยไม่หยุดพัก ไม่มีการพัก ไม่สนใจว่าผู้ชมมีปฏิกิริยาอย่างไรต่อการแสดงของฉันอีกต่อไป เริ่มแสดงบทบาทมาก่อน รายละเอียดที่เล็กที่สุดไปจนถึงจังหวะของแต่ละบุคคล เพราะเขาเข้าใจว่าสิ่งเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นตัวละครและบทบาทโดยรวม และเมื่อฉันได้ยินเสียงหัวเราะในห้องโถงในตอนท้ายของการซ้อมนี่เป็นรางวัลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับฉันสำหรับความกล้าหาญที่ฉันตัดสินใจรับเมื่อฉันขึ้นไปบนเวทีหลังจาก Simonov เพื่อความอุตสาหะการทำงานและการทดสอบ ที่จริงแล้วฉันเตรียมตัวมาเอง โดยอาสาเล่นบทนี้ กลายเป็นบทบาทที่ยากมาก
จากนั้นบทบาทของ Marquis of Pas de Troyes ก็กลายเป็นหนึ่งในบทบาทที่ฉันชื่นชอบ ในนั้นฉันสามารถด้นสดได้ค้นพบสัมผัสใหม่ ๆ ในภาพบุคคลมากขึ้นเรื่อย ๆ อาบน้ำในบทบาทนี้อย่างแท้จริง สัมผัสกับความสุขอย่างแท้จริงจากการที่ผู้ชมได้รับมัน พวกเขาตอบสนองต่อทุกสิ่งที่ฉันทำในนั้นอย่างไร สัมผัสกับความพึงพอใจจากคำติชมของผู้ชมทันทีที่ เกิดขึ้นในการแสดงตลกในบทบาทตลก
การแสดงถูกจัดแสดงในลักษณะด้นสดแบบเดียวกับที่มีอยู่ในโรงเรียนการแสดงของ Vakhtangov ทำให้นักแสดงทุกคนและฉันหวังว่าผู้ชมจะมีความสุขมาก สำหรับฉันมันเป็นบทเรียนที่สำคัญอีกบทหนึ่งในการทำความเข้าใจและทดสอบความแข็งแกร่ง
หลังจากได้เล่นสองบทบาทนี้ ฉันได้ข้อสรุปสำหรับตัวเอง: ช่างเป็นความสุขจริงๆ ที่ได้เล่นละครตลก นำความสุขมาสู่ผู้ชม ทำให้พวกเขามีอารมณ์ดี ร่าเริง และสนุกกับมันด้วยตัวเอง เมื่อแสดงตลก นักแสดงจะได้รับผลตอบรับจากผู้ชมทันที หากเล่นบทบาทบางส่วนได้สำเร็จหรือถ่ายทอดบทได้ถูกต้อง ในลักษณะตลกขบขัน คุณจะได้ยินการตอบรับของผู้ชมทันที คุณจะเห็นผลงานของคุณทันที เป็นความรู้สึกที่สนุกสนานและพิเศษที่ได้ยินปฏิกิริยาของผู้ชม ได้ยินเสียงหัวเราะ ตื่นเต้น และทุกเสียงกรอบแกรบของผู้ชม นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันมองด้วยความอิจฉาเป็นพิเศษกับนักแสดงที่แสดงบทบาทตลกอยู่ตลอดเวลา
งานด้านการศึกษาใด ๆ บทบาทใด ๆ ที่เรียนรู้ในละครหรือข้อความที่ตัดตอนมาจะให้บางสิ่งบางอย่างในกระบวนการเชี่ยวชาญวิชาชีพแก่ทั้งนักแสดงรุ่นเยาว์และผู้ที่ฉลาดที่มีประสบการณ์อยู่แล้วและยิ่งกว่านั้นสำหรับนักเรียนที่ทุกสิ่งเป็นสิ่งใหม่ทุกอย่างมีประโยชน์ ในแง่การรับรู้ แต่ละขั้นตอนเกี่ยวข้องกับการค้นพบ ทำงานที่โรงเรียนกับครูเช่น Cecilia Lvovna Mansurova, Vladimir Ivanovich Moskvin ลูกชาย ศิลปินชื่อดังโรงละครศิลปะมอสโก Ivan Mikhailovich Moskvin และครูสอนภาษาฝรั่งเศส Ada Vladimirovna Briskindova ในข้อความที่ตัดตอนมาจากละครเรื่อง "Marion Delorme" โดย V. Hugo ที่ ภาษาฝรั่งเศส.
Cecilia Lvovna Mansurova ผู้อำนวยการหลักสูตรของเราคือความภาคภูมิใจของโรงละคร Vakhtangov ซึ่งเป็นนักแสดงที่สดใสไม่เหมือนใครไม่เหมือนใคร แต่สำหรับเราเธอยังเป็นครูที่ขาดไม่ได้เช่นกัน นอกเหนือจากข้อได้เปรียบอื่นๆ มากมาย เธอยังมีคุณสมบัติอันล้ำค่าอีกประการหนึ่ง นั่นคือ การเอาชนะใจนักเรียน บรรเทาความตึงเครียด อาการตึง การรัดตัว และสร้างบรรยากาศเหมือนสตูดิโอในหลักสูตรของเธอ เราไม่จำเป็นต้องเปิดเหมือนกระป๋องเพื่อดึงเนื้อหาออกมา เราเองก็ต่อสู้เพื่อเธอด้วยความสงสัยการค้นพบความสำเร็จและความล้มเหลวและมักจะพบว่าเธอมีความเข้าใจความมั่นใจหรือในทางกลับกันได้รับพลังงานความมั่นใจในตนเองซึ่งอาจเพียงพอที่จะแก้ปัญหายาก ๆ มากกว่าหนึ่งอย่าง งาน. และมันสำคัญแค่ไหน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในอาชีพแบบเรา ที่จะค้นพบศิลปินในตัวบุคคล ความสามารถหรือพรสวรรค์ของเขา นี่คือสิ่งที่ธรรมชาติมอบให้กับใครบางคน ในมหาวิทยาลัยเชิงสร้างสรรค์ การเรียนรู้ไม่ได้เป็นเพียงกระบวนการรับรู้ แต่เป็นกระบวนการในการระบุผู้มีความสามารถและปรับปรุงให้ดีขึ้น ที่นี่มีการจัดทำสินค้าเป็นชิ้นและดำเนินการกับนักเรียนแต่ละคนเป็นรายบุคคล ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มหาวิทยาลัยเชิงสร้างสรรค์จะมีครูต่อนักศึกษามากกว่าที่อื่นๆ ที่นี่จำเป็นต้องมีแนวทางแบบรายบุคคลสำหรับนักเรียนแต่ละคน เพราะนักแสดงในอนาคตจะต้องไม่เพียงแค่ตอบคำถามของครูเกี่ยวกับบางสิ่งบางอย่าง หากเขารู้ เขาจะตอบ ถ้าเขาไม่รู้ เขาจะไม่ได้รับเครดิต ในการฝึกอบรม อาชีพการแสดงทุกอย่างซับซ้อนมากขึ้น ที่โรงเรียนการละคร เขาไม่เพียงแต่ตอบบทเรียนเท่านั้น แต่ยังเปิดเผยความรู้สึก ตอบสนองทางอารมณ์ต่อสภาพการเล่นที่ครูเสนอ และอาจกล่าวได้ว่าเป็นการเผยให้เห็นปลายประสาทของเขา ที่นี่นอกเหนือจากงานทั่วไปสำหรับมหาวิทยาลัยทุกแห่งแล้ว - การสอนการสะสมความรู้การให้ความรู้แก่บุคคลยังมีการเปิดเผยของศิลปินเขาและเพียงคนเดียวที่มีความคิดสร้างสรรค์ของเขาเท่านั้นลักษณะการประหารชีวิตที่แปลกประหลาดสำหรับเขาเท่านั้น และสำคัญขนาดไหนที่ต้องเลี้ยงดูคนเดิมที่ไม่ชอบใครเลย นักแสดงที่คล้ายกันมีสไตล์สร้างสรรค์เป็นของตัวเอง มีธีมทางศิลปะเป็นของตัวเอง แต่สิ่งนี้สามารถบรรลุได้เฉพาะในการติดต่อส่วนตัวระหว่างครูกับนักเรียน ในบรรยากาศของความไว้วางใจและการปลดปล่อย ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ พรสวรรค์ของนักเรียนจะถูกเปิดเผยได้ง่ายขึ้น หรือการขาดหายไปนั้นถูกเปิดเผย นักเรียนคนนี้หรือนักเรียนคนนั้นจะเปิดเผยตัวเองอย่างไรเปอร์เซ็นต์ของผลตอบแทนที่จะได้รับจากเขาปีศาจหรืออัจฉริยะตัวใดที่อาศัยอยู่ในตัวเขา - คุณไม่สามารถพูดได้ทันทีคุณไม่สามารถคาดเดาได้และเป็นเวลานานก็ไม่สามารถทำได้เช่นกัน นี้. นั่นคือเหตุผลที่ฉันให้ความสำคัญกับคุณภาพของครู - ความสามารถในการสร้างบรรยากาศของจิตวิญญาณแห่งสตูดิโอที่แท้จริงซึ่งเอื้อต่อการระบุและกำหนดรูปแบบได้มากที่สุด บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์.
พูดตามตรงว่าครูคนอื่นๆ ในโรงเรียนสนับสนุนบรรยากาศที่สร้างสรรค์นี้ในกลุ่มของตนอย่างเชี่ยวชาญ อธิการบดีของโรงเรียนซึ่งเป็นผู้อำนวยการและอาจารย์ที่ยอดเยี่ยม Boris Evgenievich Zakhava หนึ่งในนักเรียน Vakhtangov ที่เก่าแก่ที่สุดได้ปกป้องเธออย่างระมัดระวัง นักเรียนทุกคนรักเขาและเขารู้จักทุกคนไม่เพียงแต่ด้วยนามสกุลเท่านั้น แต่ยังรู้จักด้วยการมองเห็นด้วยชื่อด้วยบทบาทที่พวกเขาเล่นในข้อความที่ตัดตอนมาและการแสดง ครูบางคนในโรงเรียนมักจะพาเราไปที่บ้านและสอนเราที่นั่น สิ่งนี้เสร็จสิ้น (ซึ่งเราเริ่มเดาได้ในภายหลังเท่านั้น) บางครั้งจงใจเพื่อที่จะเลี้ยงพวกเราบางคน ในช่วงที่ฉันยังเป็นนักเรียนอยู่และแม้แต่ตอนนั้นโดยเฉพาะในครอบครัวที่มีรายได้น้อยก็ไม่มีรายได้เลย
และมันสำคัญแค่ไหนสำหรับฉัน - หลังจากสภาพแวดล้อมในสตูดิโอของ ZIL Palace of Culture ที่จะตกอยู่ในมือดังกล่าวอย่างแม่นยำในสภาพแวดล้อมเดียวกันของการปลดปล่อยโดยสมบูรณ์ การเปิดกว้าง ความปรารถนาดี และความอดทน ฉันเน้นไปที่คุณสมบัติการสอนเหล่านี้เป็นพิเศษ เพราะหากไม่มีคุณสมบัติเหล่านี้ (และน่าเสียดายที่สิ่งนี้เกิดขึ้นค่อนข้างบ่อยในชีวิต) นักเรียนจะถูกจำกัดทันทีและมากจนคุณไม่สามารถบังคับตัวตนที่แท้จริงของพวกเขาออกไปจากพวกเขาได้อีกต่อไป ไม่มีกำลัง สามารถปลุกอารมณ์ของตนได้ แต่ Cecilia Lvovna ทำมันได้อย่างยอดเยี่ยม เธอรู้วิธีเปิดและปลุกอารมณ์ของนักเรียน มากจนบางครั้งพวกเราเองก็ประหลาดใจในตัวเอง ประหลาดใจกับที่มาของสิ่งต่างๆ ในเวลาเดียวกันเธอไม่อนุญาตให้มีการให้คำปรึกษาและหากเธอเห็นว่าหลังจากความสำเร็จครั้งแรกมีคนคิดมากเกินไปเกี่ยวกับตัวเองเธอก็ตัดสินใจเลือกนักเรียนคนนี้เข้ามาแทนที่เขาทันทีและเด็ดขาดที่สุด เธอปฏิบัติต่อตัวเองอย่างเท่าเทียมกับนักเรียนทุกคน แต่ในขณะเดียวกันเธอก็ไม่ได้ก้มลงอยู่ในระดับของเรา แต่ดึงเราเข้าหาเธอ ส่วนสูงของเธอน่าเวียนหัวมาก บางทีสิ่งเดียวที่เธอประสบปัญหาคือรูปแบบภายนอกของการแสดงสำหรับนักแสดงของโรงเรียน Vakhtangov ที่อาจดูแปลก ข้อความและการแสดงที่เธอทำนั้นมีโครงสร้างที่ไร้ที่ติเสมอตามตรรกะภายในของการพัฒนาเหตุการณ์ ความแม่นยำทางจิตวิทยา ความแม่นยำ และการถ่ายทอด ตัวอักษร. เมื่อจำเป็นต้องพิสูจน์บทบาททางจิตวิทยา ให้ค้นหา สถานะภายในฮีโร่ - ที่นี่เธอไม่เท่าเทียมกัน แต่เธอไม่สามารถค้นหาการออกแบบทั่วไปของบทบาท ฉากที่จำเป็น และรูปแบบโดยรวมของการแสดงได้เสมอไป ด้วยเหตุนี้ฉันจึงจำได้ว่าเคยทำงานในบทที่ตัดตอนมาจากบทละคร Marion Delorme
การซ้อมกำลังจะสิ้นสุดลงแล้ว ดูเหมือนว่าทุกอย่างในนั้นได้เสร็จสิ้นไปแล้ว สร้างขึ้นตามความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร ทุกอย่างได้รับการตรวจสอบทางจิตวิทยา แต่มีบางอย่างขาดหายไป ไม่มีความประทับใจถึงความสมบูรณ์หรือความพร้อมของงาน ไม่ว่าเราจะดิ้นรนเพียงใด เราก็ไม่สามารถนำการแสดงทั้งหมดมาสู่รูปแบบศิลปะที่สดใสได้ เราไม่สามารถหาฉากสำหรับฉากกลางได้ นั่นก็คือการพบกันของ Didier และ Marion Cecilia Lvovna รู้สึกกังวล นักแสดงดูเหมือนจะทำทุกอย่างถูกต้อง พร้อมเททุกอย่างที่สะสมมาระหว่างซ้อมภายในออกมา แต่จะทำยังไงให้เข้มแข็ง สดใส มีจินตนาการ?
เมื่อรู้ว่าเธอมีรูปแบบที่อ่อนแอเช่นนี้ Cecilia Lvovna จึงเชิญ Vladimir Ivanovich Moskvin เข้าร่วมการซ้อมครั้งหนึ่ง
เขาค่อย ๆ เข้าไปในห้องซ้อม ปิดประตูตามหลัง ค่อยๆ ทรุดตัวลงกับพื้น และยังคงนั่งอยู่ในท่านี้ - นี่คือตำแหน่งโปรดของเขา เขากล่าวว่า: "เริ่มต้น" และนั่งนิ่งเงียบโดยไม่แสดงอารมณ์ใด ๆ เขานั่งจนจบข้อความ และเมื่อเราพูดจบ เขาก็ค่อยๆ ลุกขึ้นยืนหยิบกล่องที่วางอยู่ข้างๆ มาวางไว้ตรงกลางเวที จากนั้นเขาก็นั่งบนนั้นโดยหันหลังให้ผู้ชม กางขาและแขนออกจากกันโดยวางฝ่ามือบนเข่า จากห้องโถง ร่างของผู้ชายก็ปรากฏให้เห็น แช่แข็งอยู่ในความตึงเครียดที่รุนแรง ถูกจำกัดด้วยพลังบางอย่างที่ไม่รู้จัก
และความหมายของฉากนี้คือ... ดิดิเยร์ถูกตัดสินประหารชีวิต ก่อนการประหารชีวิต แมเรียนก็มาหาเขา แต่เพื่อที่จะไปหาเขาแล้วปล่อยเขาตามที่ตั้งใจไว้ เธอต้องยอมจำนนต่อความอัปยศอดสูและเสียสละเกียรติของเธอ ดิดิเยร์เข้าใจทันทีว่าเธอเข้าหาเขาได้อย่างไร หันหน้าหนีจากเธอ และในสภาพนี้โดยไม่ขยับตัว โดยไม่หันหน้ามาหาเธอ ใช้เวลาเกือบทั้งฉาก แมเรียนรู้สึกผิดต่อหน้าเขาเดินไปรอบ ๆ เขามองหาความเมตตาการผ่อนปรน
วลาดิมีร์อิวาโนวิชพยายามปลุกเร้าความเกลียดชังการไม่เชื่อฟังต่อผู้นอกใจเพื่อจุดประกายความหลงใหลและอารมณ์ในตัวฉันตะโกนในเวลานี้: "ทำลายทำลายเธอ!.. เธอนอกใจคุณ! เท เท เท คิดจะฆ่าเธอตอนนี้เลย เกลียด เกลียด เธอ คนนอกใจ อย่าปล่อยให้เธอเข้ามาใกล้คุณ และเก็บเธอให้ห่างไกลจนจบฉาก!”
และฉันก็ "ทำลาย" เธอด้วยคำพูดราวกับว่าฉันกำลังตบหน้าเธอด้วยการตบหนัก ๆ :
การมาถึงจุดนี้ได้น่ากลัวจริงๆ! ท้ายที่สุดแล้ว นี่เป็นความอัปยศที่ไม่เคยเห็นมาก่อน... โอ้ผู้หญิง! บอกฉันหน่อยว่าคุณมีความผิดอะไร? คนที่รักคุณเหมือนน้องชายที่อ่อนโยนที่สุด?..
Moskvin ไม่ชอบที่จะแยกฉากออกเขามักจะใช้จังหวะที่กว้างและทรงพลังเสมอขุดอย่างที่พวกเขาพูดจนถึงระดับลึกที่สุด นี่คือการแนะนำโรงละครจริงของเราเพื่อแสดงออกถึงความแข็งแกร่ง ความหลงใหลของมนุษย์ความคิดที่ดี
สถานที่ซึ่งก่อตั้งโดยวลาดิมีร์ อิวาโนวิชได้รับการดูแลจนกระทั่งดิดิเยร์ให้อภัยคนรักของเขาในที่สุด จนกระทั่งเขาตระหนักว่าเธอทำเพื่อเขาและเพื่อประโยชน์ของเขา และเธอไม่มีทางเลือกอื่น เพราะเขา เธอจึงทำให้ต้องอับอายอย่างสาหัส เสียสละ เพื่อช่วยเขา เมื่อตระหนักถึงทั้งหมดนี้และเอาชนะตัวเองภายในได้ Didier ก็เริ่ม "ละลาย" อย่างช้าๆ อาการชาทำให้ร้องไห้สะอึกสะอื้น เขาลุกขึ้น จับศีรษะของแมเรียน ใช้ฝ่ามือลูบหน้า คุกเข่าลงข้างหน้า และบทพูดคนเดียวที่ "ละลาย" ของเขาเริ่มต้นขึ้น:
มาหาฉันสิ!..ฉันจะถามเธอว่า ใครจะเฉยเมยในชั่วโมงอันโหดร้ายเช่นนี้ได้ อย่าบอกลาเธอ ไม่มีความสุข อ่อนโยน กล้าหาญ ใครมอบตัวให้กับเขาอย่างเต็มที่ขนาดนี้?.. ฉันใจร้ายกับคุณ ข้าแต่พระเจ้า ข้าพระองค์จะลงโทษพระองค์ ส่งฉันไปหาเธอ...โอ้ฉันผิดไปแล้ว... คุณนางฟ้าสวรรค์เปื้อนดิน มารี ภรรยาของข้าพเจ้า ที่รักของข้าพเจ้า ในพระนามของพระเจ้าที่ข้าพเจ้าไปนั้น ฉันยกโทษให้คุณ... ที่รัก ฉันกำลังรออยู่: แล้วคุณจะยกโทษให้ฉัน!
ในตอนท้ายของข้อความที่ตัดตอนมา Cecilia Lvovna ผู้ร่าเริงวิ่งไปหา Vladimir Ivanovich กอดและจูบเขาด้วยคำพูด:“ ฉันรู้ฉันรู้สึกว่าขาดหายไปนิดหน่อยที่นี่ - และพวกมันก็จะบินได้” โดยหลักการแล้ว มันเป็นอย่างนั้น แค่ขาดหายไปนิดหน่อย แต่คำว่า “นิดหน่อย” มีความหมายในงานศิลปะมากแค่ไหน? นี่คือสิ่งที่ mise-en-scène ในการแสดง อะไรคือการผสมผสานระหว่างรูปแบบและเนื้อหาในการแสดง
ข้อความนี้เล่นเป็นภาษาฝรั่งเศส แต่ไม่จำเป็นต้องแปล ทุกอย่างชัดเจนจากโครงสร้างของมัน จากความแม่นยำทางจิตวิทยาในพฤติกรรมของตัวละคร ข้อความที่ตัดตอนมาได้รับการยอมรับว่าดีที่สุดในสนาม มีการฉายหลายครั้งบนเวทีของ WTO, Central House of Arts ทางโทรทัศน์ และประสบความสำเร็จในทุกที่
ในการฉายข้อความที่ตัดตอนมานี้ฉันได้พบกับ Ruben Nikolaevich Simonov นักเรียนของ Yevgeny Bagrationovich Vakhtangov เป็นครั้งแรกและผู้อำนวยการโรงละครที่ตั้งชื่อตามเขา หลังจากดูข้อความที่ตัดตอนมา เขาก็กระโดดขึ้นไปบนเวที แสดงความยินดีกับเรา แนะนำจังหวะให้ฉันอีกสองสามจังหวะ และเรียกร้องให้เราเล่นทันทีตามที่เขาพูด งานนี้มีส่วนทำให้ต่อมาฉันได้รับเชิญให้เข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov
จนถึงตอนนี้ฉันเพิ่งตั้งชื่อ แต่ยังไม่ได้พูดอะไรเกี่ยวกับครูคนที่สามที่ช่วยทำข้อความที่ตัดตอนมานี้ - Ada Vladimirovna Briskindova บทบาทของเธอที่โรงเรียนไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการสอนภาษาฝรั่งเศสเท่านั้น บุคคลที่มีวัฒนธรรมที่ดี มีรสนิยมสูง เธอมีภารกิจด้านการศึกษาที่ยอดเยี่ยม ปลูกฝังรสนิยมสูงให้กับเรา แนะนำเราให้รู้จักกับภาษาฝรั่งเศสคลาสสิก เป็นผู้ริเริ่มการแสดงข้อความที่ตัดตอนมาในภาษาฝรั่งเศส และทำทั้งหมดนี้ด้วยความสนใจ ความรัก และความเสียสละอย่างมาก นักเรียนทุกคนถูกดึงดูดเข้าหาเธอมองหางานร่วมกันและตามกฎแล้วหลังจากสำเร็จการศึกษาวิทยาลัยพวกเขาก็รักษาและรักษาความสัมพันธ์ที่ใจดีที่สุดมาเป็นเวลานาน - สร้างสรรค์และเป็นมิตร
มันเกิดขึ้นราวกับว่าฉันถูกส่งต่อจากมือหนึ่งไปยังอีกมือหนึ่งโดยเฉพาะโดยคนที่มีความสามารถมากไม่เห็นแก่ตัวและมีน้ำใจ ไม่มีโอกาสได้รับการศึกษาที่ดีที่บ้าน (พ่อของฉันจบจากโรงเรียนสามชั้น แม่ของฉันไม่มีการศึกษาเลย) ฉันได้รับทั้งหมดนี้จากการสื่อสารกับคนที่น่าสนใจมาก ซึ่งมากกว่าการชดเชยช่องว่างทางการศึกษาของฉัน เพื่อเตรียมฉันให้พร้อมสำหรับอาชีพการแสดง พวกเขาสร้างฉันทางจิตวิญญาณ ปลูกฝังรสนิยมและวัฒนธรรมที่ดี
ข้อดีอีกประการหนึ่งในการเลี้ยงดูของฉันคือเพื่อนของฉันเกือบทั้งหมดมีอายุมากกว่าฉัน และในฐานะรุ่นน้องฉันได้เรียนรู้บางสิ่งจากพวกเขาอยู่ตลอดเวลา พวกเขารู้มากกว่าฉัน มีประสบการณ์ชีวิต และเช่นเดียวกับเพื่อนแท้เสมอ พวกเขาเต็มใจแบ่งปันทุกสิ่งที่พวกเขารู้และสามารถทำได้
เพื่อนคนหนึ่งที่เป็นอัจฉริยะของฉันคือ Yuri Vasilyevich Katin-Yartsev ซึ่งเป็นอดีต Zilovite จากนั้นเป็นนักแสดง ละครบน Malaya Bronnaya และอาจารย์ที่โรงเรียน Shchukin
ตลอดการศึกษาของฉันและต่อมาในขณะที่ทำงานในโรงละครเขาติดตามฉันในกระบวนการเชี่ยวชาญวิชาชีพและช่วยฉันเป็นเวลานานหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัย จากนั้นในช่วงสมัยเรียนของฉัน เขาแนะนำว่าควรอ่านข้อความไหนดีที่สุดและข้อความใดที่เหมาะกับข้อมูลของฉันที่สุด ช่วยฉันแก้ไข แก้ไข ให้กำลังใจฉันในช่วงเวลาที่ยากลำบาก เมื่อมีบางอย่างไม่ได้ผลมาเป็นเวลานาน และไม่เพียงเกี่ยวข้องกับฉันคนเดียวเท่านั้น ไม่ค่อยเจอคนในละครที่ใครๆก็รัก ยูริ Vasilyevich เป็นข้อยกเว้นที่หายากมาก เขาช่วยให้นักเรียนโรงเรียนการละครหลายคนกลายเป็นนักแสดงที่แท้จริง
ยูริ Vasilyevich เป็นผู้อำนวยการในงานประกาศนียบัตรของฉันเกี่ยวกับบทบาทของ Roshchin ในภาพยนตร์เรื่อง "Walking Through Torment" ของ A. Tolstoy การทำงานในตำแหน่งนี้เป็นประโยชน์สำหรับฉันเป็นพิเศษ ไม่ใช่ในแง่วิชาชีพมากนัก แต่ในแง่ความเป็นพลเมืองด้วย Roshchin เป็นชายชาวรัสเซียที่หลงทางและประสบกับการสูญเสียบ้านเกิดอย่างน่าเศร้า ฉันไม่สามารถตัดสินได้ว่ามันเล่นอย่างไร แต่ฉันยังจำคำพูดคนเดียวของ Roshchin บนรถไฟด้วยความตื่นเต้น: “ ฉันไม่ได้สูญเสียอพาร์ทเมนต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉันไม่ได้สูญเสียอาชีพทนายความ... ฉันสูญเสียคนที่ยิ่งใหญ่ไปในตัว แต่ฉันไม่อยากเป็นคนเล็ก...”
มีช่วงเวลาที่วิเศษในการเล่น - บทสนทนาเกี่ยวกับมาตุภูมิ ทุกครั้งในขณะที่แสดง นานก่อนบทพูดคนเดียวนี้ ฉันถูกครอบงำด้วยความตื่นเต้นเป็นพิเศษ มีคลื่นอันน่าทึ่งมาทับฉัน ฉันหายใจไม่ออก ฉันสัมผัสได้ทางร่างกายว่าเลือดไหลออกจากใบหน้าของฉันอย่างไร ฉันยังคงได้ยินความเงียบของหอประชุมดังก้องอยู่ในหูของฉันในขณะนั้น มันเป็นความเงียบแห่งความตึงเครียดสูง - ช่างเป็นที่น่าพอใจ น่าพอใจ และไพเราะสำหรับนักแสดง ช่างเป็นที่รักและไพเราะยิ่งกว่าเสียงปรบมืออันอบอุ่นที่สุด
ในขณะที่ทำงานในการแสดงสำเร็จการศึกษาครั้งที่สอง - "The Eccentric" โดย N. Hikmet - เขาได้พบกับครูและผู้กำกับ A. I. Remizova อีกครั้ง หลังจากเล่นบทบาทของ Akhmet แล้วเธอก็เชิญ Ruben Nikolaevich Simonov ให้มองฉันในฐานะผู้สมัครเข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov ที่มีชื่อเสียง และหลังจากบทบาทนี้ฉันก็ได้รับการยอมรับ Nazim Hikmet ดูการแสดงของนักเรียนของเราเองสามครั้งและถึงแม้ว่าละครเรื่องเดียวกันนี้จะแสดงในโรงละครมืออาชีพแห่งหนึ่งในมอสโก แต่เขาชอบการแสดงของเรามากกว่าและเขาเองก็แนะนำให้แสดงทางโทรทัศน์ เช่นเดียวกับของที่ระลึกราคาแพง ฉันเก็บลายเซ็นของเขาไว้ในหนังสือ: “To the Best Akhmet” สำหรับนักเรียนปีสี่ การยอมรับผู้แต่งบทละครดังกล่าวถือเป็นความภาคภูมิใจอย่างยิ่ง
การเปลี่ยนนักเรียนจากวิทยาลัยไปโรงละครเป็นเรื่องยากมากและมักเกิดขึ้นอย่างเจ็บปวดอย่างมาก เมื่อเขาถูกบังคับให้เรียนรู้การนำความรู้ทางทฤษฎีไปประยุกต์ใช้จริงในระหว่างเดินทาง เช่นเดียวกับผู้เริ่มว่ายน้ำ: หากคุณว่ายน้ำออกได้ นั่นหมายความว่าคุณสามารถ ขี่ม้า ถ้าคุณทำไม่ได้ ความหวังทั้งหมดก็อยู่ในหน่วยกู้ภัย นักแสดงรุ่นเยาว์เมื่อย้ายไปที่โรงละครมักจะสูญเสียช่วงเวลาที่ Anthean เข้ามาซึ่งพวกเขารู้สึกตลอดเวลาในโรงเรียนและพบว่าตัวเองอยู่ที่ทางแยกด้วยความสับสนและกำลังก้าวเข้าสู่ทวีปใหม่สำหรับพวกเขาซึ่งไม่มีใครรับประกันพวกเขา แต่ตรงกันข้าม ทดสอบ คาดหวัง มองอย่างประเมิน พยายามทำความเข้าใจว่าน้องใหม่เป็นยังไง ทำอะไรได้บ้าง และไม่ใช่ทุกคนที่พบว่าตนเองอยู่ในตำแหน่งที่เป็นผู้ทดสอบ จะสามารถต้านทานและไม่หลงทางได้ ดังนั้นฉันคิดว่ามันเป็นเรื่องผิดที่จะประทับตราว่า “ไม่เหมาะสม” กับนักแสดงหนุ่มหลังจากความล้มเหลวครั้งแรก ท้ายที่สุดแล้ว เขาได้รับการสอนบางอย่างมาสี่ปีแล้ว และเขาก็แสดงสัญญาบางอย่าง ดังนั้นจึงไม่มีความสามารถ ไม่เช่นนั้น เขาคงไม่ได้ไปร่วมงานรับปริญญา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าในเวลานี้อาจเป็นช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในชีวิตของนักแสดงทัศนคติที่มีต่อเขาในโรงละครควรระมัดระวังให้มากขึ้น ท้ายที่สุดแล้ว มีนักเรียนที่มีแนวโน้มดีเข้ามาดูละครกี่คน แต่มีเพียงไม่กี่คนที่กลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม แล้วคนอื่นๆล่ะอยู่ที่ไหน.. อีกหลายคนที่ส่องแสงในโรงเรียนก็ไม่อยู่สูงเท่าเดิมและจางหายไป บ่อยครั้งที่พวกเขาจางหายไปจากการขาดศรัทธานี้ อันดับแรกในตัวพวกเขา และจากนั้นในตัวเองอันเป็นผลมาจากความล้มเหลวครั้งแรกอันเป็นผลมาจากการขาดหลักประกันตามปกติสำหรับตัวเอง คำพูดของครูที่ให้กำลังใจและปลูกฝังความมั่นใจใน นักเรียน. นักแสดงหนุ่มมักล้มเหลวในการผ่านการทดสอบครั้งแรกบนเวทีอาชีพและมักพบว่าตัวเองต้องหยุดชะงักเป็นเวลานาน และไม่ได้ลงเล่นนานก็เริ่มเสื่อมถอยสูญเสียสิ่งที่มีโดยเฉพาะเมื่อยังเยาว์วัยที่ยังไม่สูงพอในอาชีพที่เลือกและไม่มีเวลารวบรวมในทางปฏิบัติสิ่งที่ตนมีจนถึงตอนนี้ เรียนแต่ในทางทฤษฎีเท่านั้น เขาพัฒนาความหวาดกลัวบนเวที - นี่คือความคิดสร้างสรรค์และโชคชะตาของมนุษย์ที่มักจะถูกทำลาย สิ่งเหล่านี้คือความสูญเสียทางเศรษฐกิจ (เพราะเขาได้รับการฝึกฝนมาหลายปีแล้วมีการใช้เงินทุนจำนวนมากในการศึกษาความสามารถของเขา) และการบาดเจ็บทางจิต - พวกเขาสามารถวัดค่าใช้จ่ายได้เท่าไร?
ในช่วงเริ่มต้นของการเดินทาง สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าฉันสามารถเล่นบทบาทใดก็ได้ ซับซ้อนแค่ไหน และแสดงได้ทุกบทบาท ความเย่อหยิ่งดังกล่าวเป็นลักษณะเฉพาะของนักเรียนเมื่อเข้าสู่เวทีอาชีพ แต่แม้แต่บทบาทแรกในโรงละครก็มักจะดึงพรมออกจากใต้เท้าทำให้พวกเขาขาดความมั่นใจหรือค่อนข้างมั่นใจในตนเองและนี่เป็นเรื่องปกติ
อาชีพของเราไม่ง่ายและพยางค์เดียวอย่างที่คิดในตอนแรก สิ่งสำคัญคืออย่าสับสนในช่วงเวลาสำคัญของชีวิตของนักแสดงรุ่นเยาว์ และต้องตระหนักว่าความมั่นใจในตนเองไม่ควรเข้ามาอยู่ในธุรกิจของเรา ความสงสัยสามารถ ควรจะมาเยือน และจะมาเยี่ยมเยียนเราตลอดชีวิตของเรา จากประสบการณ์ของตัวเองและเพื่อนร่วมงาน ฉันสามารถพูดได้ว่า ยิ่งเราไปไกลเท่าไร พวกเขาจะไล่ตามเราบ่อยขึ้นเท่านั้น และคุณแทบจะไม่ต้องกลัวสิ่งนี้เลย เพราะความสงสัยเป็นสิ่งกระตุ้นในการทำงาน มันเป็นการควบคุมตนเองอย่างต่อเนื่อง: “ฉันกำลังทำสิ่งที่ถูกต้อง ฉันทำทุกอย่างเพื่อให้บทบาทนี้เกิดขึ้นจริงหรือเปล่า” ในแต่ละบทบาทใหม่ คุณจะมั่นใจว่ามันไม่ง่ายเลย แต่จะยากขึ้นเรื่อยๆ ในการเข้าถึงมัน ดูเหมือนว่าทุกอย่างควรจะเป็นอย่างอื่น เมื่อเวลาผ่านไปประสบการณ์ก็เพิ่มขึ้น ความรู้เกี่ยวกับอาชีพนี้สะสม คุณเรียนรู้ความซับซ้อนและโดยธรรมชาติแล้วคุณคาดหวังว่าทั้งหมดนี้จะช่วยคุณในการทำงานของคุณ ความมั่นใจนั้น ควรจะปรากฏแต่เพราะเหตุใดจึงไม่ปรากฏก็จะไม่มา
แน่นอนว่าประสบการณ์และความรู้ที่ได้มาจะไม่ผ่านไปอย่างไร้ร่องรอย ทุกสิ่งที่คุณสะสม รวบรวม เรียนรู้ แน่นอนจะช่วยให้คุณก้าวต่อไปได้ นี่คือทุนอันล้ำค่าของคุณ ซึ่งนักแสดงก็ทำไม่ได้หากไม่มี มิฉะนั้นก็เป็นเช่นนั้น ความตายสำหรับเขา แต่การก้าวไปข้างหน้าจะเป็นไปได้ก็ต่อเมื่อการเคลื่อนไหวนี้ไม่ได้อยู่บนเส้นทางที่ถูกเหยียบย่ำ แต่ไปสู่สิ่งใหม่ การเปิดและปูทางใหม่ และด้วยแต่ละบทบาทใหม่ ทุกอย่างจะเริ่มต้นใหม่อีกครั้ง มิฉะนั้น จะไม่มีการค้นพบ จะไม่มีกระบวนการค้นหา มันจะไม่ใช่ความคิดสร้างสรรค์อีกต่อไป และศิลปะควรจะเป็นการค้นพบเสมอ - ในตัวเอง ในบทบาท และในชีวิต
เมื่อเวลาผ่านไป ความสงสัยก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น เพราะทุกปี ทุก ๆ บทบาทใหม่ คุณเริ่มเข้าใกล้มันด้วยความรับผิดชอบที่มากขึ้น และคุณเข้าใจมากขึ้นเรื่อย ๆ ว่าในอาชีพของเรา ประสบการณ์ที่ผ่านมา บุญในอดีตนั้นอยู่ได้ไม่นาน คุณจะไม่รอด แต่ละครั้งที่คุณต้องทำการทดสอบเดิมอีกครั้งเช่นเดียวกับในบทบาทแรกของคุณในการแสดงครั้งแรก และหากงานแรกของคุณได้รับการปฏิบัติด้วยความสุภาพในระดับหนึ่ง มีการให้เบี้ยเลี้ยงสำหรับเยาวชนของคุณ ขาดความเป็นมืออาชีพ ขาดประสบการณ์ จากนั้นเมื่อเวลาผ่านไปจะไม่มีส่วนลดดังกล่าวอีกต่อไป แต่ในทางกลับกัน ความต้องการและความรุนแรงของ การประเมินเพิ่มขึ้นจากบทบาทหนึ่งไปอีกบทบาทหนึ่ง
ฉันจะไม่มีวันลืมว่ามิคาอิล Fedorovich Astangov ที่ทำงานในบทบาทต่อไปของเขามีความกังวลและวิตกกังวลมากอย่างไร จากภายนอกเป็นเรื่องแปลกที่นักแสดงชื่อดังซึ่งดูเหมือนจะรู้ความลับของอาชีพนี้ไม่สามารถรับมือกับความตื่นเต้นก่อนฉายรอบปฐมทัศน์ได้ Cecilia Lvovna Mansurova เมื่อเห็นสิ่งนี้จึงเข้าหาเขาและพยายามทำให้เขาสงบลง:“ มิชาทำไมคุณถึงกังวลมาก? นานแค่ไหนที่คุณสามารถกังวล? และเขาตอบเธอว่า: "อาชีพเวรกรรมครั้งแล้วครั้งเล่า"
และแน่นอนว่าในความคิดสร้างสรรค์อาจเป็นชะตากรรมเดียวกันที่รอทุกคนอยู่เสมอ - เพื่อเริ่มต้นใหม่อีกครั้งตั้งแต่เริ่มต้น - ในความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงพร้อมทัศนคติที่แท้จริงต่อเรื่องนี้ ในทางวิทยาศาสตร์นั้น นักวิทยาศาสตร์รุ่นใหม่แต่ละคนเริ่มต้นจากสิ่งที่รู้และค้นพบแล้ว เพื่อที่จะก้าวต่อไปและทำการค้นพบใหม่ๆ มันไม่เป็นเช่นนั้นในงานศิลปะ ในนั้นถ้าไม่เริ่มต้นใหม่หมดอย่าค้นพบตัวละครของพระเอกในแต่ละครั้งอย่ามองหาสีใหม่ใช้ความคิดโบราณที่พัฒนาขึ้นในอดีตมันจะไม่ใช่งานศิลปะอีกต่อไปแต่เป็นเพียงความธรรมดา งานฝีมือการทำเครื่องหมายเวลา
เพื่อยืนยันสิ่งที่กล่าวไว้ ฉันจะอ้างอิงอีกตัวอย่างหนึ่ง - การทำงานร่วมกันของฉันกับ Alisa Freindlich ในภาพยนตร์เรื่อง "Anna and the Commander" การถ่ายทำภาพยนตร์เรื่องนี้น่าสนใจ การทำงานร่วมกับผู้กำกับ Evgeniy Khrinyuk นั้นง่ายดาย มีความเข้าใจซึ่งกันและกันอย่างสมบูรณ์ และอลิซกับฉันก็เช่นกัน และนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมจู่ๆ คำสารภาพของเธอก็ดังขึ้นอย่างไม่คาดคิด: “นี่เธอทำอะไรอยู่? ทุกปีการเริ่มต้นบทบาทจะยากขึ้นเรื่อยๆ ก่อนหน้านี้วาร์วารา (ลูกสาว) ช่วยฉันด้วย ฉันจำได้แค่เธอและเธอก็ให้ฉัน อารมณ์อารมณ์ทำให้เกิดคลื่นอารมณ์และสิ่งนี้ได้ผลอย่างไร้ที่ติในหลายบทบาท ทั้งดราม่า ตลก ตลก และโศกนาฏกรรม เพียงความทรงจำของเธอก็ทำให้อารมณ์พุ่งพล่าน แต่เมื่อเวลาผ่านไป มันก็ไม่เพียงพอสำหรับฉันอีกต่อไป ก่อนหน้านี้ เมื่อเตรียมตัวสำหรับบทบาทที่น่าทึ่ง ฉันจำความโชคร้ายในบ้านได้ (นักแสดงมักใช้เทคนิคนี้เพื่อสร้างอารมณ์ที่จำเป็นสำหรับตัวเอง) และสิ่งนี้ช่วยได้ระยะหนึ่ง ตอนนี้มันไม่ทำงานอีกต่อไป เราต้องการสิ่งกระตุ้นใหม่และใหม่” จากนั้นฉันก็คิดอย่างจริงจังว่าสถานการณ์ต่างๆ ส่งผลต่อนักแสดงอย่างไร! และในเวลาที่ต่างกันในสถานการณ์ชีวิตที่แตกต่างกันในรูปแบบที่ต่างกัน ตัวอย่างเช่น ในกรณีหนึ่ง ดนตรีช่วยฉันได้มาก ในอีกกรณีหนึ่ง - บทกวีหรือความทรงจำบางประเภทที่มีประสบการณ์ก่อนหน้านี้กลายเป็นสิ่งที่จำเป็นในงานของฉัน - องค์ประกอบมากมายรวมอยู่ในกระบวนการสร้างสรรค์และคุณไม่มีทางรู้ล่วงหน้าว่าอะไร จะช่วยคุณในวันนี้สิ่งที่จะเกิดขึ้นในวันนี้จะทำให้คุณหงุดหงิดขณะทำงานตามบทบาทนี้ สิ่งนี้เกิดขึ้นแตกต่างกันไปในทุกการแสดง นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาพูด (และนี่คือความจริง) ว่าไม่มีการแสดงที่เหมือนกันสองรายการใดเลย ในแต่ละครั้งจะแตกต่างกัน แม้ว่าพื้นฐานที่น่าทึ่งสำหรับพวกเขาจะเหมือนกัน แม้ว่าข้อความจะไม่เปลี่ยนแปลงก็ตาม ใช่แล้วในการสร้างสรรค์ของแต่ละคน บทบาทใหม่นักแสดงแต่ละครั้งเริ่มทำงานตั้งแต่เริ่มต้นเพราะตัวละครมีความแตกต่างกันในแต่ละครั้งจึงต้อง “ปั้น” ใหม่ แต่เมื่อสร้างนักแสดงก็ช่วยไม่ได้แต่ใช้ทุกสิ่งที่สะสมไว้ในชาติที่แล้วภาระทางจิตวิญญาณ ที่ฝังอยู่ในใจก่อนที่เขาจะเริ่มสร้างภาพศิลปะ ในเวลาเดียวกันฉันสังเกตว่านักแสดงมักจะอาศัยงานของเขาไม่เพียง แต่จากประสบการณ์ของตัวเองเท่านั้นไม่เพียง แต่ในชีวประวัติของเขาเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวประวัติของรุ่นของเขาและเวลาของเขาด้วย
นี่คือสองตัวอย่าง ในขณะที่ทำงานในบทบาทแรกของฉันในโรงละคร Baklanov ผู้สอนการเมืองรุ่นเยาว์ในละครเรื่อง Eternal Glory ของ B. Rymar ฉันเห็นฮีโร่ของฉันอย่างรวดเร็วอย่างน่าประหลาดใจจนถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุด - รูปร่างหน้าตาของเขาการแสดงออกของดวงตาของเขาการเดินของเขา ท่าทางของเขา และเหตุการณ์หนึ่งช่วยได้ - น่ารำคาญและในเวลาเดียวกันก็ทำให้ฉันมีความสุข ฉันรีบไปโรงละคร มาสาย ทำให้กังวล กลัวการแสดงไม่ตรงเวลา ที่ทางออกจากสถานีรถไฟใต้ดินแซงคนอื่น ๆ อย่างรีบเร่งเขาบังเอิญชนเข้ากับเด็กชายอายุประมาณสิบสี่โดยไม่คาดคิด ฉันรีบไปด้านข้าง และเขาก็ไปทางเดียวกัน ฉันไปทางอื่น และเขาก็เกือบจะเคลื่อนไหวซ้ำ ๆ ของฉันพร้อม ๆ กัน แล้วเราก็ชนกัน ฉันยิงเขาล้ม เด็กชายล้มลง และฉันก็ก้าวไปข้างหน้าสองสามก้าวด้วยความเฉื่อย แล้วหยุด ถอยกลับไป ช่วยเขาลุกขึ้น แล้วฉันเห็นหน้าซีดของเขา คอบางยาวเหยียด ดวงตาเบิกกว้างอย่างหวาดกลัว ไม่ค่อยเข้าใจว่าเกิดอะไรขึ้น . เมื่ออุ้มเด็กขึ้นมาแล้ว ฉันค่อย ๆ เดินออกไปและไม่วิ่งอีกต่อไป ฉันเดินไปที่โรงละครอย่างเงียบ ๆ ฉันไม่สนใจเลยที่ฉันจะมาสายทุกอย่างดูเล็กน้อยและไร้ประโยชน์ก่อนที่จะเกิดอะไรขึ้น ท่าทางของเขาประหลาดใจหวาดกลัวไม่เข้าใจว่าทำไมเขาถึงถูกยิงล้มเหมือนความรู้สึกผิดชอบชั่วดีเหมือนหนามยังคงอยู่ในความทรงจำของฉันและยังคงอยู่ต่อหน้าต่อตาฉันเป็นเวลานานราวกับว่าทั้งหมดนี้เพิ่งเกิดขึ้น สิ่งนี้ดำเนินต่อไปจนกระทั่งบทบาทของ Baklanov ใน "Eternal Glory" ปรากฏขึ้น ทันทีที่ผู้เขียนบทละครกล่าวถึงมันในละคร ฉันก็นึกภาพมันขึ้นมาในใจทันที เขาดูคล้ายกับเด็กคนเดิมที่ฉันยิงตกอย่างน่าประหลาดใจ ซึ่งคอยหลอกหลอนฉันทางจิตใจ การเปรียบเทียบเกิดขึ้นด้วยตัวเอง: Baklanov เช่นกันในความเป็นจริงยังเป็นเพียงเด็กผู้ชายที่ไม่รู้จักชีวิตไม่ได้เตรียมพร้อมสำหรับมันโดยเฉพาะกับสิ่งที่ปรากฏต่อเขาที่ด้านหน้า บทบาทนี้กลายเป็นการชดใช้มโนธรรมสำหรับฉันต่อหน้าเหยื่อที่ไม่คาดคิดจากความเร่งรีบของฉัน
ต่อมาขณะวิเคราะห์ว่าเหตุบังเอิญนั้นเกิดขึ้นได้อย่างไร ข้าพเจ้านึกในใจว่าเด็กคนเดียวกันนี้เมื่ออยู่ในสภาวการณ์คล้าย ๆ กันจะประพฤติตนอย่างไร จะโตเป็นผู้ใหญ่อย่างไร จะค่อยๆ กลายเป็นอย่างที่เป็นเมื่อสิ้นโลก การแสดง กำลังจะตาย อาจารย์สอนการเมืองของฉัน Baklanov จากนั้นฉันก็รู้ว่าพวกเขาจะมีอะไรที่เหมือนกันมากมาย
นี่คือวิธีที่ความทรงจำบางครั้งเปลี่ยนไป: สิ่งที่คุณเคยประสบในความเป็นจริงปรากฏขึ้นมาในภายหลังขณะทำงานตามบทบาท ดังนั้นคุณจึงไม่รู้ล่วงหน้าว่าความทรงจำทางอารมณ์ของเราจะให้อะไรแก่เราในการทำงานของเรา สมาคมอะไรจะมาช่วยเหลือ พวกเขาจะนำไปสู่ภาพรวมทางศิลปะได้อย่างไร พวกเขาจะส่งผลให้ภาพถูกสร้างขึ้นอย่างไร
และตัวละครของเสือเสือโรลันด์ที่พบในเพลง "The Hussar Girl" ของ F. Koni ในภายหลังเป็นอย่างไร?.. และอีกครั้งเหตุการณ์จากชีวิตมีบทบาทชี้ขาดซึ่งจัดทำโดยความทรงจำ แท้จริงแล้ว: “ความทรงจำพัฒนาม้วนหนังสือยาวของมันอย่างเงียบๆ ต่อหน้าฉัน...” - เช่นเดียวกับในพุชกิน ความทรงจำพัฒนาม้วนหนังสือยาวเพื่อเผยให้เห็นเหตุการณ์บางอย่างในช่วงเวลาที่เหมาะสมอย่างฉับพลัน ซึ่งจะมีบทบาทที่ไม่คาดคิดสำหรับ คุณในการสร้างภาพบนเวที
สิ่งนี้เกิดขึ้นทางตอนเหนือ นอกเมืองเปโตรซาวอดสค์ ที่ซึ่งคนกลุ่มเล็กๆ ที่อยู่ใกล้ชิดกับฉันไปล่าสัตว์ ในหมู่พวกเรามีทหารคนหนึ่งที่ต้องการแนะนำให้เรารู้จักกับเพื่อนเก่าของเขาซึ่งเป็นอดีตนักบินทหาร ตอนที่เราพบกัน เขาไม่ได้บินอีกต่อไปแล้ว แต่เขามีความเป็นทหารที่น่าทึ่ง เขาถูกเหยียบย่ำ ห้าวหาญ ค่อนข้างหยาบคาย และใครๆ ก็สัมผัสได้ถึงนิสัยเหล็กของเขา เขามีบุคลิกที่สดใส เข้มแข็ง และน่าจดจำ เรื่องราวของเขาประกอบด้วยความกล้าหาญ ความชั่วร้าย ความประมาทเลินเล่อ และความกล้าหาญของรัสเซีย ด้วยแรงบันดาลใจและความตื่นเต้นที่เขาพูดถึงการต่อสู้ทางอากาศเกี่ยวกับวิธีการที่เขาต้องบุกโจมตีศัตรู! มันถูกฝังอยู่ในความทรงจำของฉัน มันดูมั่นคง
จากนั้นไม่กี่ปีต่อมาเมื่อฉันเริ่มซ้อมบทบาทของเสือเสือที่ห้าวหาญ นักบินของฉันก็ปรากฏตัวต่อหน้าฉันในความเป็นจริงทั้งหมดของเขาและเกือบจะเข้าสู่โรแลนด์โดยสมบูรณ์ - ชายในยุคอื่น แต่มีอุปนิสัยใกล้เคียงกันอย่างน่าประหลาดใจ อารมณ์และความคิดริเริ่ม เรื่องราวของฮีโร่ของฉันเกี่ยวกับการหาประโยชน์ทางทหารมีโครงสร้างในลักษณะเดียวกับที่อดีตนักบินเล่าเกี่ยวกับการรบทางอากาศของเขา เสือของฉันก็ได้รับความกล้าหาญ ความชั่วร้าย และความกล้าหาญแบบเดียวกันจากเขา ท่าทางเดียวกันนี้แทบไม่เปลี่ยนแปลงเลยส่งต่อไปยังโรแลนด์ ซึ่งเป็นท่าทางการพูดและการแสดงแบบเดียวกัน ฉันไม่รู้ว่าจะต้องค้นหาตัวละครพระเอกของฉันมากแค่ไหน และจะหาเจอหรือไม่ เสือของฉันจะกลายเป็นแบบที่เขาแสดงออกมาในละครหรือเปล่า ถ้าฉันไม่ได้เจอคนฉลาดขนาดนี้ , สีสันน่าจดจำของทหารผ่านศึกบนเส้นทางชีวิตของฉัน? ส่วนใหญ่อาจจะไม่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันจะแตกต่างออกไป มีแนวโน้มแสดงออกน้อยกว่าที่เกิดขึ้นจริง ฉันชอบบทบาทนี้และเล่นด้วยความยินดี เพราะมันขึ้นอยู่กับตัวละครจริงๆ เพราะนี่ไม่ใช่แผนภาพของบุคคลอีกต่อไป ไม่ใช่แบบจำลองของเขา แต่เป็นตัวของตัวเองที่ถูกพรากไปจากชีวิตที่ฉันเห็น รู้สึก และเป็น ระหว่างการแสดง บทบาทของเขา
นี่ไงเจตจำนงแห่งโอกาส นี่ไง พระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว ความจริงแห่งชีวิต หลอมละลายกลายเป็นความจริงแห่งศิลปะ
"เจ้าหญิงทูรานดอต"
ใช่ ช่วงการฝึกอบรม อนุปริญญา และการแสดงก่อนอนุปริญญาให้ประโยชน์มากมายในการเรียนรู้อาชีพในอนาคตและโรงเรียนที่ก่อตั้งโดย E. B. Vakhtangov แต่โรงเรียนหลักก็ยังนำหน้าอยู่ ฉันโชคดีอีกครั้ง ฉันเชี่ยวชาญมัน เรียนต่อกับอาจารย์ที่มีชื่อเสียง - นักเรียนและผู้ร่วมงานของ Vakhtangov และเรียนรู้ขณะทำงานแสดง และในแง่นี้ บทเรียนที่ยิ่งใหญ่ที่สุด มีประโยชน์ที่สุด และล้ำค่าที่ฉันได้เรียนรู้คือการทำงานเกี่ยวกับการฟื้นฟูละครชื่อดังของเราเรื่อง Princess Turandot โดย C. Gozzi จริงอยู่ที่มีบทบาทในการแสดงอื่นต่อหน้าเขา ในเวลาเดียวกันแต่ละบทบาทของนักแสดงมือใหม่เป็นบทบาทหลักและจำเป็นต้องมีความมุ่งมั่นอย่างเต็มที่ การอุทิศภายใน เนื่องจากไม่มีอะไรอื่นสามารถชดเชยความรู้และประสบการณ์ที่ขาดหายไปในโรงละครได้ แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการซ้อมและการแสดงของ "เจ้าหญิงทูรันดอท" ทำให้ฉันได้รับประโยชน์สูงสุดในเรื่องนี้ ช่วงเวลาที่แสนหวานที่หายากและแสนหวานที่คุณจำได้ว่าเป็นของขวัญอันยิ่งใหญ่แห่งโชคชะตาและไม่ได้เกิดขึ้นบ่อยนักในชีวิตของนักแสดง
“ Princess Turandot” เป็นแบนเนอร์ของเรา เยาวชนของเรา เพลงของเรา คล้ายกับเพลงที่ฟังและยังคงฟังมาจนถึงทุกวันนี้ใน Moscow Art Theatre “ The Blue Bird” โดย M. Maeterlinck และนักแสดงทุกเจเนอเรชั่น(ในทั้งสองโรง)ก็ใฝ่ฝันอยากจะร้องเพลงนี้ หลังจากนั้นฉันก็ตระหนักได้ว่านับเป็นพรอย่างยิ่งที่ได้เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มที่เตรียมการแสดงนี้ โชคดีที่ถึงเวลาที่จะกลับมาดำเนินการต่อ Ruben Nikolaevich Simonov เห็นฉันในหมู่คนที่เขาคิดว่าจำเป็นต้อง "ผ่าน" ผ่าน "Turandot"
ใช่ Kalaf ไม่ใช่บทบาทแรกของฉันในโรงละคร แต่เป็นบทบาทที่มีราคาแพงที่สุด จำเป็นที่สุด และไม่สามารถถูกแทนที่ได้สำหรับสิ่งใดในการเรียนรู้โรงเรียน Vakhtangov บทบาทนี้เองที่ทำให้ฉันเป็น Vakhtangovite อย่างแท้จริง การแสดงนี้ถือเป็นการทดสอบความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของนักแสดงละครของเราอย่างแท้จริง ในเรื่องนี้นักแสดงรุ่นเยาว์ได้เรียนรู้อย่างจริงจังและลึกซึ้งเป็นครั้งแรกว่าบทเรียนของ Vakhtangov และโรงเรียนของเขาคืออะไร
จริงอยู่ที่โรงละครไม่สามารถตัดสินใจได้เป็นเวลานานในการฟื้นคืนชีพ "เจ้าหญิงทูรานดอต" ความรับผิดชอบของผู้ที่กล้าสัมผัสสิ่งที่เป็นตำนานสำหรับทุกคน สิ่งศักดิ์สิทธิ์นั้นสูงเกินไป และทัศนคติต่อความคิดที่น่าดึงดูดและน่ากลัวนี้แตกต่างออกไปในโรงละคร ไม่ใช่ทุกคนที่เชื่อในความสำเร็จของธุรกิจ พวกเขากลัวว่าจะถูกนำไปเปรียบเทียบกับผลงานครั้งแรกนั้นอย่างแน่นอน และการเปรียบเทียบนี้จะไม่เป็นประโยชน์ต่อเรา แต่สิ่งล่อใจนั้นยิ่งใหญ่เกินกว่าที่จะพยายามฟื้นฟูสิ่งที่เล่าขานว่าเป็นตำนานเพื่อฟื้นฟูการสร้างสูงสุดของ Yevgeny Bagrationovich ในความเป็นจริงความชัดเจนไม่ใช่แค่จากหนังสือและความทรงจำของผู้เห็นเหตุการณ์ที่มีความสุขเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ในวัยยี่สิบเท่านั้น
พวกเขากลัวว่านักแสดงจะไม่สามารถเล่นได้เช่นเดียวกับ Ts. L. Mansurova, Yu. A. Zavadsky, B. V. Shchukin, R. N. Simonov, B. E. Zakhava ทำในช่วงเวลาของพวกเขา ตาชั่งแกว่งไปมาเป็นเวลานานระหว่าง "ควร" และ "ไม่ควร" ในที่สุดพวกเขาก็ตัดสินใจว่ามัน "จำเป็น" ในที่สุด พวกเขาให้เหตุผลดังนี้: "เป็นไปได้อย่างไรที่โรงละคร Vakhtangov - และไม่มีการแสดงที่ดีที่สุด" นอกจากนี้ จุดสำคัญในการแก้ปัญหาเชิงบวกสำหรับปัญหานี้คือความกังวลในการให้ความรู้แก่นักแสดงรุ่นใหม่ของโรงเรียนแห่งนี้ ท้ายที่สุดแล้ว “Princess Turandot” เป็นการแสดงที่เลี้ยงดูนักแสดงรุ่นแรกๆ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2464 ถึง พ.ศ. 2483 นักแสดงละครเกือบทั้งหมดเข้าเรียนในโรงเรียนนี้ ทั้งหมดนี้จำเป็นสำหรับพวกเราที่ไม่เคยเห็นการแสดงนี้มาก่อน
การซ้อมเริ่มขึ้นในปี 2505 และรอบปฐมทัศน์ใช้เวลาเกือบหนึ่งปี
เราเริ่มต้นด้วยการศึกษาการแสดงของ Vakhtangov อย่างรอบคอบ โดยสร้างขึ้นใหม่จากความทรงจำ จากวรรณกรรม จากภาพร่าง ภาพวาดของศิลปิน และภาพถ่าย เราพยายามก้าวไปทีละขั้นตลอดเส้นทางการสร้างสรรค์โดยผู้กำกับ พวกเขาเรียนรู้ที่จะออกเสียงข้อความได้ง่าย เคลื่อนไหวได้ง่าย ผสมผสานระหว่างความจริงจังและการประชดประชันในการแสดงนี้ และค้นพบความเป็นจริงและธรรมเนียมปฏิบัติในนั้น เมื่อเริ่มทำงานละครเราถามตัวเองทันทีว่า“ วันนี้ Vakhtangov จะดูละครเรื่องนี้อย่างไรและเชิญนักแสดงมาเล่นด้วย” แน่นอนว่าจะไม่มีการกล่าวซ้ำถึงสิ่งที่ถูกสร้างขึ้นเมื่อสี่สิบปีก่อนอีกต่อไป ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Evgeniy Bagrationovich เองในระหว่างการซ้อมละครได้ถามนักแสดงว่าพวกเขาเบื่อที่จะเล่นในภาพเดียวกันหรือไม่และพวกเขาสามารถเปลี่ยนแปลงอะไรในนั้นได้หรือไม่ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเราถึงมองว่าการแสดงนั้นเป็นเพียงการแสดงแห่งความทรงจำ ซึ่งไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงได้ และไม่สามารถสัมผัสได้
ในทางปฏิบัติการแสดงละครไม่เคยมีและไม่สามารถแสดงซ้ำได้อย่างแน่นอน แม้แต่เรื่องใดก็ตาม แม้กระทั่งที่ผู้กำกับปรับอย่างระมัดระวังที่สุดในแง่ของจังหวะเวลาและฉากต่างๆ อย่างน้อยก็จะมีความแตกต่างกันเล็กน้อยในแต่ละครั้ง แต่ก็ยังแตกต่างกัน ยิ่งไปกว่านั้น “Princess Turandot” ซึ่งเป็นรูปแบบที่ไม่เพียงแต่อนุญาตเท่านั้น แต่ยังเตรียมการไว้ล่วงหน้าด้วย จัดเตรียมสิ่งใหม่ๆ ทุกครั้ง แม้กระทั่งบรรทัดใหม่และการแสดงซ้ำ ดังนั้น หากการแสดงอื่นๆ ดำเนินการโดยมีข้อความของบทละครที่สังเกตได้อย่างสม่ำเสมอ ข้อความนี้สามารถเปลี่ยนแปลงได้ขึ้นอยู่กับเกมที่หน้ากากกำลังเล่น หรือมากกว่านั้น ขึ้นอยู่กับเวลา สถานการณ์ สถานที่ดำเนินการ บอกพวกเขาถึงคำพูดของข้อความนี้หรือข้อความนั้น ดังนั้น ข้อความสลับฉากจึงถูกเขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับการผลิตครั้งใหม่ มีการปรับเปลี่ยนการออกแบบการแสดง และแน่นอนว่า รวมถึงการแสดงตามบทบาทของพวกเขาด้วย เมื่อกลับมาแสดงต่อตามแนวคิดทั่วไป "จากการออกแบบเวทีทั่วไปที่พัฒนาโดย Vakhtangov ซึ่งเป็นฉากหลักที่ตอนนี้เป็นแบบคลาสสิกและโดยธรรมชาติแล้วคือการอนุรักษ์พล็อตเรื่องตามรูปแบบบัญญัติ มีการตัดสินใจว่าจะไม่คัดลอกการแสดงครั้งแรก ประสิทธิภาพด้วยความรอบคอบทั้งหมด แต่เพื่อแนะนำพยัญชนะใหม่ภายใต้กรอบการตัดสินใจทั่วไป” ลวดลายของเวลาโดยเฉพาะเกี่ยวกับหน้ากาก ในการสร้างภาพ ตอนนี้พวกเขาไม่ได้ขึ้นอยู่กับ Mansurova แต่ขึ้นอยู่กับ Yulia Borisova ไม่ใช่บน Zavadsky ซึ่งรับบทเป็น Kalaf แต่อยู่ที่ Lanovoy สิ่งที่เป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติสำหรับ Yuri Aleksandrovich Zavadsky และ Cecilia Lvovna Mansurova อาจเป็นมนุษย์ต่างดาวสำหรับเรา ดังนั้นแม้ว่าการแสดงของเราจะได้รับอะไรมากมายจากรุ่นก่อนและครูของเรา แต่เราก็ต้องนำบทบาทของเราเองมาสู่บทบาทของเรามากขึ้นซึ่งมีเพียงเราเท่านั้น มันก็เหมือนกันทุกประการกับนักแสดงคนอื่นๆ ที่มารับบทของเราในภายหลัง พวกเขาเองก็ใช้บางสิ่งจากสิ่งที่นักแสดงคนอื่นพบก่อนหน้าพวกเขา โดยไม่รบกวนรูปแบบทั่วไปของการแสดง มองหาเส้นทางของตัวเองไปสู่ภาพ สีสันของตัวเองในการสร้างมันขึ้นมา
อย่างที่พวกเขากล่าวว่า Yuri Alexandrovich Zavadsky เป็นเจ้าชายในบทบาทของ Calaf อย่างที่พวกเขาพูดตั้งแต่หัวจรดเท้า เจ้าชายโดยสายเลือด ช่างสง่างาม ค่อนข้างงดงาม ท่าทางของเขาช้าเล็กน้อย สง่างาม ท่าทางของเขาสวยงาม คำพูดของเขาประณีต ค่อนข้างโอ่อ่า นี่คือเจ้าชายที่ใส่ใจอย่างมากต่อรูปลักษณ์ของเขา คนอื่นมองเขาอย่างไร ยืนอย่างไร เคลื่อนไหวอย่างไร และพูดอย่างไร
จากข้อมูล อารมณ์ และอุปนิสัยของฉัน ฉันแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นอกเหนือจากความแตกต่างในทักษะการแสดงแล้ว สิ่งสำคัญมากคือการแสดงต่อในเวลาอื่น - จังหวะชีวิตอื่นกำหนดจังหวะบนเวทีอื่น มุมมองของเราต่อฮีโร่ มุมมองสุนทรียภาพของเราเปลี่ยนไปในทางใดทางหนึ่ง - สิ่งนี้ก็ไม่สามารถทำได้เช่นกัน ถูกละเลย ทั้ง Ruben Nikolaevich Simonov และ Joseph Moiseevich Tolchanov เตือนฉันไม่ให้คัดลอกอดีต Kalaf โดยเตือนฉันอยู่ตลอดเวลาว่าฉันต้องไปจากตัวฉันเองและจากตัวฉันเองเท่านั้นแม้ว่าฉันจะมีตัวอย่างการแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Kalaf ในฐานะ Zavadsky ต่อหน้าต่อตาก็ตาม และเมื่อข้าพเจ้าติดตามพระองค์ไปในทางใดทางหนึ่ง ข้าพเจ้าก็ได้ยินคำเตือนทันทีว่าวันนี้เราต้องรักให้กล้าหาญมากขึ้น มีพลังมากขึ้น เพื่อว่าในยุคของเรานั้นจะไม่รับรู้ถึงความประณีตของมารยาทอีกต่อไป
เมื่อทำงานกับ Kalaf Tolchanov ยืนกรานว่าฉันประพฤติตัวจริงจังบนเวทีและเรียกร้องให้ฉันได้สัมผัสกับช่วงเวลาที่น่าทึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งของบทบาทนี้ซึ่งตรงข้ามกับหน้ากาก และพยายามที่จะปฏิบัติตามคำแนะนำของผู้กำกับอย่างเป็นเรื่องเป็นราว Kalaf ของฉันตกอยู่ในความสิ้นหวังจนน้ำตาไหลและผู้กำกับเรียกร้องให้แสดงละครของฮีโร่มากขึ้นเรื่อย ๆ และฉันก็ทุบตีตัวเองที่อกสะอื้นกับความรักที่ไม่มีความสุขของฉัน:
โหดร้ายคุณขอโทษ ว่าเขาไม่ตาย ใครรักคุณมาก. แต่ฉันอยากให้คุณพิชิตชีวิตฉันด้วย เขาอยู่แทบเท้าคุณแล้ว คาลาฟคนนั้น คนที่คุณรู้ว่าคุณเกลียด ผู้ทรงดูหมิ่นโลกและท้องฟ้า และเขาตายด้วยความโศกเศร้าต่อหน้าต่อตาคุณ
และฉันก็คิดกับตัวเองว่า:“ แต่นี่ไม่เป็นความจริง คุณจะออกเสียงข้อความนี้อย่างจริงจังได้อย่างไร” ในที่สุดเขาก็ทนไม่ไหวอีกต่อไปและถามว่า: “บางทีเราควรจะใช้ประชดที่นี่?” แต่ในการตอบฉันก็ได้ยินสิ่งเดียวกัน: “ไม่มีการประชด! ทุกอย่างอยู่ในความจริงจังทั้งหมด ยิ่งร้ายแรงยิ่งดี”
ถัดจากการเล่นหน้ากาก คุณยอมจำนนต่ออารมณ์ของพวกเขาโดยไม่ได้ตั้งใจ คุณเริ่มถูกพาตัวออกไปและดื่มด่ำกับอารมณ์ขัน แต่ที่นี่อีกครั้งที่มีสิ่งเตือนใจแบบเดียวกันทั้งหมดตอนนี้ถึง Cecilia Lvovna: "จริงจังมากขึ้น จริงจังมากขึ้น... อารมณ์ขันคือ สิทธิพิเศษของหน้ากาก และเหล่าฮีโร่ก็เป็นผู้นำปาร์ตี้ของพวกเขาอย่างจริงจัง” และฉันยังคงอุทธรณ์ต่อ Turandot ผู้ไร้หัวใจด้วยความหลงใหลและความจริงจังมากยิ่งขึ้น
และแท้จริงแล้ว “ความจริงจังอย่างท่วมท้น” กลายเป็นเรื่องตลก นี่คือสิ่งที่ R. N. Simonov ต้องการจากฉัน และฉันก็มั่นใจในสิ่งนี้ด้วยตาของตัวเองในการแสดงครั้งแรกต่อหน้าผู้ชม ยิ่งน้ำตาไหลอาบหน้าฉันอย่างขมขื่น ยิ่งสะอื้นแรงขึ้น ปฏิกิริยาของผู้ชมก็ยิ่งมีชีวิตชีวามากขึ้นเท่านั้น เสียงหัวเราะก็ระเบิดออกมามากขึ้นตามไปด้วย วิธีการพูดเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม นี่คือเทคนิคที่แน่นอนของ Vakhtangov ในการแสดงนี้
ในฉากที่คาลาฟหยิบการ์ดของเจ้าหญิงขึ้นมา เขามองดูภาพลักษณ์ของเธอด้วยความยินดี ความอ่อนโยน ความรัก และกล่าวข้อความอย่างจริงจังว่า
ไม่สามารถเป็นได้ เพื่อให้ใบหน้าสวรรค์อันมหัศจรรย์นี้ แววตาอ่อนโยนและท่าทางอ่อนโยน พวกมันคงเป็นของสัตว์ประหลาด ไร้หัวใจ ไร้วิญญาณ... ใบหน้าสวรรค์เรียกริมฝีปาก ดวงตาราวกับเทพธิดาแห่งความรักนั่นเอง...
แต่หลังจากที่ฉันพูดทั้งหมดนี้ ฉันกางภาพเจ้าหญิงเข้าไปในห้องโถง และผู้ชมกลับเห็น "ใบหน้าแห่งสวรรค์" "การจ้องมองที่เปล่งประกายและอ่อนโยน" ของเจ้าหญิง แทนที่จะเป็นภาพวาดไร้สาระบางอย่างเหมือนเด็กที่ เพิ่งจะเริ่มวาดภาพพ่อและแม่ เมื่อดูภาพวาดดังกล่าวแล้วฉันก็พูดคำพูดที่อ่อนโยนและกระตือรือร้นเพื่อรับรู้ถึงความรู้สึกของฉันที่มีต่อเจ้าหญิง นี่คือพื้นฐานของการแสดง - ความจริงจังโดยสมบูรณ์ของ Calaf ในการสารภาพต่อภาพเหมือนของ Turandot ที่ไร้สาระ การผสมผสานระหว่างความจริงจังและการประชด ประสบการณ์จริงและแบบแผนนี้ทำให้เกิดอารมณ์ที่จำเป็นต่อการแสดง และเผยให้เห็นเทคนิคที่แน่นอนที่ใช้ในการสร้างการแสดง
เขาใช้เทคนิคแบบเดียวกันทุกประการในฉากกลางคืนกับอเดลมา เมื่อคาลาฟรู้ว่าเจ้าหญิงทรยศเขา ขณะนี้เขามีรองเท้าอยู่ในมือซึ่งเขาไม่มีเวลาใส่ และด้วยความสิ้นหวัง Kalaf ก็ทุบตีตัวเองที่หน้าอกด้วยรองเท้าคู่นี้ด้วยน้ำเสียงที่น่าเศร้าเขาพูดว่า:
ขออภัย โอ้ชีวิต! เป็นไปไม่ได้ที่จะต่อสู้กับโชคชะตาที่ไม่มีวันสิ้นสุด การจ้องมองของคุณผู้โหดร้ายจะดื่มในเลือดของฉัน ชีวิตจงบินหนีไป หนีความตายไม่พ้น...
เทคนิคเดียวกันอีกครั้ง ความจริงจังที่สมบูรณ์ โศกนาฏกรรมในน้ำเสียงของเขา และท่าทางที่ไร้สาระ: คาลาฟชกตัวเองที่หน้าอกด้วยรองเท้าของเขา ยิ่งกว่านั้นยิ่งฉันทำสิ่งนี้อย่างจริงจังก็ยิ่งเปิดเผยเทคนิคได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ไม่ใช่ฉัน ไม่ใช่ทัศนคติของฉันต่อเหตุการณ์ที่แสดงบนเวทีซึ่งขจัดความจริงจังและทำให้การแสดงเสียดสี แต่เป็นภาพวาดบนกระดาษแผ่นหนึ่งที่ผู้ชมเห็นหลังจากฉันสารภาพ รองเท้าที่ฉันทุบตี ตัวเองอยู่ในอก บทละครของเรา - Calaf, Turandot, Adelma - ต้องสร้างขึ้นจากความรู้สึกจริงใจและน้ำตาไหลจริงๆ
ครั้งหนึ่งระหว่างการแสดงครั้งหนึ่ง มีเหตุการณ์เกิดขึ้นซึ่งทำให้ฉันมั่นใจว่าเทคนิคนี้แม่นยำแค่ไหน ทำงานได้อย่างไร้ที่ติแม้ในสถานการณ์ที่ไม่คาดฝันซึ่งผู้สร้างการแสดงไม่ได้คาดการณ์ล่วงหน้า
มันเกิดขึ้นว่าในการแสดงครั้งหนึ่งนักแสดงที่วาดภาพเหมือนของเจ้าหญิงไม่มีภาพเหมือนนี้ ฉันเห็นว่าเขาเอามือซุกไว้ใต้เสื้อกั๊กเพื่อเอามันออก และวิธีที่เขาขาวโพลนไปหมด มีการหยุดชั่วคราวเล็กน้อย แต่โชคดีที่ในไม่ช้าเขาก็ถูกพบและทำให้มันดูราวกับว่าเขามีภาพวาด เกมที่มีวัตถุที่ควรจะเป็นเริ่มต้นขึ้น ดูเหมือนเขาจะเอามันออกมาวางลงบนพื้น ฉันไม่มีทางเลือกอื่นนอกจากต้องยอมรับเงื่อนไขการเล่นเกมของเขา ฉันแสร้งทำเป็นเห็นภาพนั้น หยิบมันขึ้นมาแล้วมองดู (ด้วยฝ่ามือของฉันเอง) ก็พูดคำประหลาดใจที่คุ้นเคยอยู่แล้วต่อความงามของ Turandot จากนั้นฉันก็หันฝ่ามือไปทางผู้ชม แสดงให้ผู้ชมเห็น และทำให้ฉันประหลาดใจที่ผู้ชมมีปฏิกิริยาในลักษณะเดียวกับที่ฉันมีภาพวาดบนฝ่ามือ กรณีนี้แสดงให้เห็นในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ว่าผู้ชมจะรับรู้ข้อตกลงใดๆ ได้อย่างถูกต้องหากโรงละครระบุการต้อนรับอย่างชัดเจน หากเงื่อนไขของเกมชัดเจนสำหรับเขา แม้หลังจากเหตุการณ์นี้ เราก็มีความคิดที่จะเล่นการแสดงครั้งต่อไปในลักษณะนี้ “ด้วยฝ่ามือ” ไม่ใช่ด้วยภาพเหมือน แต่พวกเขาก็ยังตัดสินใจที่จะไม่ละทิ้งภาพนั้นผู้ชมจะรับรู้ได้ชัดเจนและชัดเจนยิ่งขึ้น
ควบคู่ไปกับงานของฉันใน Calaf Yulia Borisova ได้สร้างภาพลักษณ์ของ Princess Turandot ของเธอเอง Cecilia Lvovna นักแสดงคนแรกของบทบาทนี้ ไม่เพียงแต่บอกเราเกี่ยวกับการแสดงนั้นเท่านั้น แต่ยังแสดงบางช่วงเวลาด้วย ด้วยการแสดง ความสว่าง และอารมณ์ในการแสดงของเธอ เธอได้ให้แนวคิดที่ชัดเจนที่สุดว่าจะแสดงตนอย่างไรในการแสดงนี้ แต่ในขณะเดียวกันเธอไม่เพียงแต่ยืนกรานที่จะทำซ้ำสิ่งที่เธอทำและอย่างไรเท่านั้น แต่ยังต้องการแนวทางที่เป็นอิสระในบทบาทนี้และมีความสุขมากกับการค้นพบนักแสดงทุกครั้งซึ่งเป็นวิธีแก้ปัญหาที่ไม่คาดคิดสำหรับฉากนี้หรือฉากนั้น
ข้อเท็จจริงของการเลือก Mansurova ของ Vakhtangov สำหรับบทบาทของ Turandot นั้นเป็นเรื่องที่น่าสงสัยในตัวเอง Evgeniy Bagrationovich อธิบายการเลือกของเขาเองโดยข้อเท็จจริงที่ว่าถ้าเขารู้และสามารถพูดล่วงหน้าได้ว่านักแสดงหญิงคนอื่นจะเล่นบทบาทนี้อย่างไรแล้วเกี่ยวกับ Mansurova เขาบอกว่าเขาไม่รู้ว่าเธอจะเปิดใจในบทบาทนี้อย่างไรและเขาก็สนใจ มัน. การแสดงซึ่งสร้างขึ้นจากการแสดงด้นสดเป็นหลัก จำเป็นต้องมีองค์ประกอบที่ทำให้เกิดความประหลาดใจในการแสดงของนักแสดง
ความประหลาดใจของทุกก้าวใหม่ - นี่คือสิ่งที่ Cecilia Lvovna คาดหวังจากเราซึ่งเป็นนักแสดงหน้าใหม่ใน "Princess Turandot"
ตัวอย่างหนึ่งที่แสดงให้เห็นว่าด้วยความพยายามของนักแสดง แบบฝึกหัดพิเศษ และการทำซ้ำซ้ำๆ ไม่เพียงแต่การแสดงบทบาทที่สมบูรณ์แบบเท่านั้น แต่ในขณะเดียวกันก็เปลี่ยนข้อบกพร่องทางกายภาพให้เป็นข้อได้เปรียบ... Cecilia Lvovna รู้ว่าเธอมี มือที่น่าเกลียดโดยธรรมชาติ - นิ้วที่สั้นไม่ยืดหยุ่นและไม่เป็นพลาสติกรู้สึกเขินอายกับสิ่งนี้และกังวลอย่างมากเกี่ยวกับการขาดการแสดงของเธอ ในระหว่างการซ้อม ฉันไม่รู้ว่าจะวางมือไว้ที่ไหน และด้วยเหตุนี้จึงให้ความสนใจกับพวกเขามากขึ้น Vakhtangov เห็นสิ่งนี้และต่อหน้าทุกคนโดยไม่ละเว้นความภาคภูมิใจของเธอจึงทุบตีเธอด้วยมืออย่างไร้ความปราณีซึ่งทำให้เธอร้องไห้ต่อไป และเขาทำสิ่งนี้โดยตั้งใจเพื่อบังคับให้เธอเล่นยิมนาสติกแขน และเขาก็บรรลุเป้าหมาย อนาคต Turandot ออกกำลังกายพิเศษสำหรับแขนของเธอทุกวันเป็นเวลานานจนถึงขั้นเจ็บปวดทางร่างกายจนถึงขั้นทรมานตัวเอง และหลังจากที่เธอรับบทนี้ เธอก็พูดอย่างภาคภูมิใจว่าสำหรับเธอแล้ว คำวิจารณ์ที่น่าพอใจที่สุดจากผู้ชมและเพื่อนร่วมงานบนเวทีคือคำวิจารณ์ที่แสดงความชื่นชมต่อมือของเธอ ความปั้น และความงามของเธอ ในกรณีเหล่านี้ เธอนึกถึง Vakhtangov ด้วยความซาบซึ้งใจ ซึ่งบังคับให้เธอนำสิ่งที่ไม่สมบูรณ์ตามธรรมชาติในตัวเธอไปสู่ความสมบูรณ์แบบ สู่ความมีคุณธรรม
“ Princess Turandot” เป็นความร่วมมือครั้งแรกของเรากับ Yulia Konstantinovna Borisova การซ้อมกับเธอแล้วการแสดงถือเป็นความสุขที่ยิ่งใหญ่ทั้งในฐานะนักแสดงและในฐานะบุคคล ฉันเห็นว่าเธอทำงานอย่างไรกับบทบาทของเธอ เธอกังวลแค่ไหน และมีเหตุผล - การปรากฏตัวในบทบาทของ Turandot หลังจาก Cecilia Lvovna Mansurova ตำนานในบทบาทนี้ไม่ใช่เรื่องง่ายเลย มีความรับผิดชอบและมีความเสี่ยงอย่างไม่น่าเชื่อ .
การสื่อสารกับ Yulia Konstantinovna ให้อะไรกับฉันมากมายไม่มากบางทีในการเรียนรู้เทคนิคของงานฝีมือเทคโนโลยีแห่งความคิดสร้างสรรค์ แต่ในทัศนคติต่อโรงละครต่อพันธมิตรบนเวทีในจริยธรรมของนักแสดงใน การอุทิศภายใน การรับใช้โรงละครอย่างไม่เห็นแก่ตัว ความทุ่มเทต่ออารมณ์ ความคิดสร้างสรรค์ที่คงที่ ความพร้อมที่จะมีส่วนร่วมในงานทุกขณะและดำเนินต่อไปจนถึงเหงื่อที่เจ็ดจนหมดแรง และนี่คือระดับสูงสุดของความเป็นมืออาชีพ เธอดูแลความสัมพันธ์ของเธอกับคู่รักอย่างไร เธอกระตือรือร้นแค่ไหน พร้อมแค่ไหนที่เธออยู่บนเวทีสำหรับการแสดงด้นสด เธอสัมผัสได้ถึงสถานะปัจจุบันของคู่ของเธอได้อย่างแม่นยำเพียงใด!..
เพื่อความชัดเจนผมจะยกตัวอย่างจากการทำงานร่วมกันเพียงสองตัวอย่างเท่านั้น
ในระหว่างการซ้อมครั้งหนึ่ง ฉันกับเธอทะเลาะกันเรื่องการก่อสร้างมิซซองซีน สำหรับฉันดูเหมือนว่าฉากฉากไม่ประสบความสำเร็จ ฉันรู้สึกอึดอัดกับมัน และจำเป็นต้องเปลี่ยนบางอย่างในนั้น จูเลียไม่เห็นด้วยกับฉัน แต่ฉันพร้อมที่จะปกป้องจุดยืนของฉัน ทุกอย่างกำลังไปสู่จุดที่การโต้เถียงของเรากำลังบานปลาย แต่... ฉันเห็นว่าจู่ๆ เธอก็เริ่มระมัดระวัง ทำการ "หยุด" และยอมผ่อนปรนอย่างอ่อนโยน แล้วผู้กำกับก็มา ปัญหาต่างๆ ก็หายไปเอง แต่เรามีข้อโต้แย้งนั้นและเธอยอมผ่อนปรนได้ง่ายและรวดเร็วเพียงใด ทั้งหมดนี้ทำให้ฉันประหลาดใจและงุนงง อย่างที่คิด ดาราหนุ่มไม่เห็นด้วยกับอะไรบางอย่าง! แต่หลายปีต่อมา เมื่อฉันเตือน Yulia Konstantinovna ถึงเหตุการณ์เมื่อนานมาแล้วระหว่างการซ้อม "Turandot" เธอบอกฉันว่า: "Vasya มันสำคัญกว่าสำหรับฉันที่จะรักษาความสัมพันธ์กับคู่ของฉันมากกว่าที่จะยืนกรานในตัวฉัน เป็นเจ้าของ." สำหรับเธอนี่คือสิ่งสำคัญ - เพื่อรักษาความสัมพันธ์ที่ดีกับคู่ครองของเธอไม่ขัดขวางกระบวนการสร้างสรรค์เพื่อป้องกันความคับข้องใจส่วนบุคคลความเกลียดชังและความขัดแย้งที่รบกวนความคิดสร้างสรรค์ในงานของเธอ และไม่มีสักครั้งในชีวิตของเธอ อย่างน้อยฉันก็จำไม่ได้ ที่เธอยอมให้ตัวเองไม่เคารพหรือไม่มีไหวพริบต่อใครเลยแม้แต่น้อย ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ตราบใดที่เราเล่นกับเธอ และมีสถานการณ์ที่ค่อนข้างยากลำบาก ช่วงเวลาเฉียบพลันในการทำงานของเรา เราก็ไม่เคยมี (และต้องขอบคุณเธอ) ภาวะแทรกซ้อนที่อย่างน้อยก็อาจทำให้ ส่งผลต่อประสิทธิภาพการทำงานบางส่วน เป็นไปไม่ได้ที่จะทำอย่างอื่นในธุรกิจของเรา มันยากมากที่จะเล่นกับคู่หูที่คุณไม่ชอบ มันขวางทาง
ขึ้นอยู่กับ ประสบการณ์ส่วนตัวฉันสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าในโรงละคร (และโดยทั่วไปในด้านความคิดสร้างสรรค์และในชีวิต) เราต้องหลีกเลี่ยง ขจัดความขัดแย้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับนักแสดงที่เขามีส่วนร่วมในการแสดงด้วย สิ่งนี้จะส่งผลต่องานของคุณในภายหลังอย่างแน่นอน ฉันมาถึงข้อสรุปนี้ในภายหลังและอีกครั้งโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือจาก Yulia Borisova ใช่ ละครคือความคิดสร้างสรรค์ร่วมกัน และความสำเร็จหรือความล้มเหลวของคุณขึ้นอยู่กับว่าคู่ของคุณใช้ชีวิตอยู่บนเวทีกับคุณอย่างไรในบทบาทใดบทบาทหนึ่ง นั่นเป็นสาเหตุที่ฉันไม่เข้าใจนักแสดงที่ไม่ปกป้องความสัมพันธ์ของพวกเขากับเพื่อนร่วมแสดงบนเวที การทำสิ่งที่ไม่ดีกับใครก็ตาม (ซึ่งเป็นเรื่องจริงในชีวิต แต่โดยเฉพาะบนเวที) หมายถึงการทำสิ่งที่ไม่ดีกับตัวเองก่อนอื่น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักแสดงที่ยอดเยี่ยมนอกเหนือจากการพยายามรักษาความสัมพันธ์กับเพื่อนร่วมเวทีแล้วในระหว่างการซ้อมยังให้ความสนใจอย่างมากไม่เพียง แต่กับบทบาทของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงบทบาทของคู่หูด้วยโดยเฉพาะอย่างยิ่งหากคู่หูเป็นนักแสดงรุ่นเยาว์โดยตระหนักว่า ว่าคุณยังคงทำไม่ได้หากไม่มีคู่หู และถ้าเขาเล่นได้ไม่ดี คุณก็จะไม่มีเช่นกัน ความสำเร็จที่ดี. นี่คือวิธีที่ทุกอย่างเชื่อมโยงกัน
และอีกหนึ่งตัวอย่างเพื่อยืนยันสิ่งที่พูดซึ่งกลายเป็นอีกบทเรียนหนึ่งที่ Yulia Konstantinovna สอนให้ฉันในเรื่อง "Princess Turandot" คนเดียวกันเพียงหลายปีต่อมา
เรามีประเพณีเช่นนี้ในโรงละคร - เพื่อเปิดและปิดฤดูกาลด้วย "Princess Turandot" ไม่ว่าในกรณีใดนี่เป็นกรณีนี้มาหลายปีติดต่อกัน ฤดูกาลกำลังจะสิ้นสุดลง เหลือเวลาอีกวันหนึ่งก่อนที่มันจะปิด และมีสิ่งผิดปกติเกิดขึ้นที่คอของฉัน - เสียงของฉันหายไปมากจนฉันไม่สามารถออกเสียงคำศัพท์ได้ตามปกติ ฉันพยายามรับการรักษา แต่ทุกอย่างไม่ประสบผลสำเร็จ นักแสดงคนที่สอง Kalaf V. Zozulin กำลังเดินทางไปต่างประเทศในเวลานั้น มันเป็นไปไม่ได้ที่จะกำหนดตารางการแสดงใหม่ มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแทนที่มัน และไม่มีอะไรให้ทำนอกจากเล่น ไม่ว่าจะยังไงก็ตาม
ฉันไปดูการแสดงราวกับว่าฉันกำลังจะไปเชือดไม่รู้ว่าทุกอย่างจะจบลงอย่างไร แต่ก็ชัดเจนว่าฉันไม่สามารถคาดหวังอะไรที่ดีได้ การแสดงจึงเริ่มต้นขึ้น... ในนั้น ฉันมั่นใจอีกครั้งว่า Borisova คืออะไร ความเป็นมืออาชีพที่แท้จริงบนเวทีคืออะไร (และไม่เป็นมืออาชีพด้วย) ฉันเห็นยูเลียได้ยินว่าคู่ของเธอไม่มีเสียง จึงเปล่งเสียงทันที เปลี่ยนเป็นกระซิบ ฉันเห็นเธอเริ่มแยกฉันออกมา หันฉันเข้าหาผู้ฟัง และเปลี่ยนฉาก ไป ตัวเธอเองยืนหันหลังให้ผู้ฟัง เพียงเพื่อจะหันข้าพเจ้าไปเผชิญหน้าพวกเขาเพื่อให้พวกเขาได้ยินข้าพเจ้า เธอทำทุกอย่างเพื่อช่วยฉัน โดยไม่ใส่ใจตัวเองในกรณีนี้ เพียงเพื่อช่วยและช่วยเหลือคู่ของเธอ
แต่ตรงนั้นในการแสดงครั้งเดียวกันนั้นผมเห็นนักแสดงคนอื่นที่ไม่สังเกตเห็นอะไรหรือไม่อยากสังเกตเห็นความหมดหนทางของตัวเองแต่ก็ยังคงแสดงบนเวทีแสดงเต็มกำลังเสียงของพวกเขาและพวกเขาก็ไม่ใช่นักแสดงที่ไม่ดี แต่กลับไม่รู้สึกถึงความเป็นหุ้นส่วน
ตัวอย่างนี้ทำให้ฉันประหลาดใจและกลายเป็นบทเรียนที่ดีสำหรับอนาคต จากนั้นต่อมาเมื่อมีสิ่งที่คล้ายกันเกิดขึ้นกับนักแสดงคนอื่น ๆ ฉันจำบทเรียนที่ Yulia Konstantinovna สอนให้ฉันได้ก็พยายามอย่างสุดความสามารถเพื่อช่วยพวกเขา ฉันเรียนรู้สิ่งนี้จากเธอ ฉันเป็นหนี้เธอ โดยทั่วไปแล้วการเป็นคู่หูของเธอถือเป็นความสุขอย่างยิ่งสำหรับนักแสดงทุกคน ไม่ว่าจะเกิดอะไรขึ้นที่บ้าน ไม่ว่าจะมีปัญหาอะไรก็ตาม ทันทีที่เธอเข้าไปในโรงละคร เธอก็ออกจากสถานะเดิมที่ธรณีประตู และพร้อมเสมอ และมีรูปร่างสมส่วนอยู่เสมอ นอกเหนือจากความสามารถแล้ว ความสามารถในการวิเคราะห์บทบาทอย่างลึกซึ้ง การแสดงบนเวทีอย่างจริงใจ ถือเป็นความเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง นี่คือการแสดงที่แท้จริงและภูมิปัญญาของมนุษย์
เมื่อย้อนกลับไปสู่วันที่ห่างไกลของการซ้อม "Turandot" ฉันอยากจะบอกว่าพวกเขายากแค่ไหน แต่ยังรวมถึงช่วงเวลาที่สดใสในชีวิตของโรงละครด้วย - รื่นเริงสนุกสนานและเห็นพ้องต้องกันในชีวิต แต่นี่เป็นเพียงงานเพื่อให้กลับมาแสดงต่อได้ จากที่นี่คุณสามารถจินตนาการได้ว่าบรรยากาศแบบไหนที่ครอบงำในระหว่างการผลิต "Turandot" โดย Vakhtangov ตั้งแต่แรกเกิด! Evgeniy Bagrationovich เองเมื่อเริ่มทำงานละครบอกกับนักแสดงว่า:“ เราจะแสดงให้ผู้ชมเห็นถึงความเฉลียวฉลาดของเรา ให้งานศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจของเราดึงดูดผู้ชมและให้เขาได้สัมผัสร่วมกับเรา ตอนเย็นเทศกาล. ปล่อยให้ความสนุกสนานที่ผ่อนคลาย ความเยาว์วัย เสียงหัวเราะ และด้นสดพลุ่งพล่านเข้ามาในโรงละคร”
เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าคำพูดเหล่านี้พูดโดยคนป่วยหนักซึ่งเหลือเวลาอีกไม่นานด้วยโชคชะตา อาจเป็นไปได้ว่าเมื่อคาดหวังสิ่งนี้เขาจึงรีบสร้างเพลงสวดเพื่อชีวิตความสุขและความสุข เขาต้องการใส่ทุกสิ่งที่สดใส ใจดี และยืนยันชีวิตในการแสดงครั้งสุดท้ายของเขา “ ในเทพนิยายของเราเราจะแสดงให้เห็นถึงความผันผวนของการต่อสู้ของผู้คนเพื่อชัยชนะแห่งความดีเหนือความชั่วเพื่ออนาคตของพวกเขา” Evgeniy Bagrationovich กระตุ้นนักแสดงโดยหมกมุ่นอยู่กับความคิดเกี่ยวกับอนาคต
เราพยายามที่จะนำทั้งหมดนี้ - ความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต ความเยาว์วัย ความศรัทธาในชัยชนะของความดีเหนือความชั่ว - มาสู่การแสดงของเรา เพื่อสร้างบรรยากาศของการเฉลิมฉลอง ความผ่อนคลาย และความสุขที่สดใส
ในระหว่างการแสดงมีบรรยากาศแห่งความยินดีและความปรารถนาดีโดยทั่วไป ทุกคนรู้สึกอิ่มเอมใจเป็นพิเศษ ความสามัคคีในการทำงาน ความตระหนักรู้อย่างสูงถึงความรับผิดชอบที่ตกอยู่กับเรา ความรับผิดชอบในการสืบสานประเพณีอันดีของโรงละคร นอกจากนี้ยังเป็นความสุขที่ได้สัมผัสชั่วโมงอันสดใสของโรงละคร Vakhtangov ความชื่นชมของเราต่อผู้ก่อตั้งและนักแสดงกลุ่มแรกในการแสดงนี้
การทำงานกับ "Turandot" เป็นช่วงเวลาของโรงละครในสตูดิโอที่แท้จริงซึ่งเป็นวัยเยาว์ เราซ้อมด้วยความทุ่มเทอย่างยิ่ง โดยไม่คำนึงถึงงานยุ่งส่วนตัว โดยไม่ถูกรบกวนจากสิ่งอื่นใด นักแสดงเข้าหาผู้กำกับและขอให้พวกเขาทำงานร่วมกับพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้ามีอะไรไม่ได้ผล ในงานนี้ทุกคนพยายามช่วยเหลือซึ่งกันและกันทุกอย่างจางหายไปในเบื้องหลัง เมื่อนักแสดงไปซ้อมหรือแสดง ทุกสิ่งที่ไม่พึงประสงค์ในชีวิตก็หายไปจากที่ไหนสักแห่งและมีเพียงความบริสุทธิ์ ใจดี และสดใสที่มีอยู่ในตัวผู้คนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ นี่คือปาฏิหาริย์ที่ "Turandot" ได้ผลสำหรับเราซึ่งเป็นผู้เข้าร่วมการแสดง เธอเปิดเผยมากมายในตัวนักแสดงทั้งในระดับมนุษย์ล้วนๆ และในรูปแบบใหม่ โดยเปิดเผยพวกเขาอย่างมืออาชีพ
ผู้ทรงคุณวุฒิบนเวทีให้ความสนใจเป็นพิเศษกับพวกเรานักแสดงรุ่นเยาว์ พวกเขาไม่เสียเวลาและความพยายามอธิบายอย่างอดทนบอกและแสดงให้เห็นว่ามันเป็นอย่างไรใน Vakhtangov "Turandot" และวิธีที่สามารถทำได้ในวันนี้ ความสามัคคีและความเข้าใจที่น่าทึ่งเกิดขึ้นในโรงละครในสมัยนั้น นี่คือความต่อเนื่องในการดำเนินการ ในกรณีที่เป็นรูปธรรม เป็นตัวอย่างที่ค่อนข้างเป็นรูปธรรมเช่นกัน
โดยธรรมชาติแล้วทั้งหมดนี้ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อผลงานและประสิทธิภาพได้ รูปแบบของมันบ่งบอกถึงการนำสิ่งใหม่ๆ เข้ามาสู่การแสดง การแสดงด้นสด และแฟนตาซีอย่างต่อเนื่อง และช่างเป็นความสุขสำหรับนักแสดงจริงๆ เมื่อเขานำบางสิ่งที่เป็นของตัวเองมาใส่ในระหว่างการซ้อมหรือการแสดงระหว่างเดินทาง ซึ่งบางครั้งก็ไม่คาดคิดไม่เพียงแต่สำหรับผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคู่ของเขาด้วย
และอยู่ที่การแสดงนี้และมากกว่าหนึ่งครั้ง ฉันเห็นได้อย่างง่ายดายความชั่วร้ายการประดิษฐ์และความฉลาดของหน้ากาก (Pantalone - Yakovlev, Tartaglia - Gritsenko, Brigella - Ulyanov) แสดงการแสดงทั้งหมดในระหว่างการแสดงโดยมีความสุขในองค์ประกอบของพวกเขาอย่างแท้จริง มีฉากต่างๆ ในละครที่ Kalaf พบว่าตัวเองสวมบทบาทเป็นผู้ชมและเฝ้าดูหน้ากาก การแข่งขันของพวกเขาในด้านสติปัญญา ความมีไหวพริบ และการเล่น และฉันได้เห็นช่วงเวลาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงการแสดงด้นสดระดับเฟิร์สคลาสของศิลปินที่ยอดเยี่ยมและหุ้นส่วนบนเวทีมากกว่าหนึ่งครั้งเช่น Nikolai Gritsenko, Mikhail Ulyanov, Yuri Yakovlev เมื่อรู้ว่ามีบางสิ่งที่ไม่ได้วางแผนไว้และไม่ได้คาดการณ์ไว้ล่วงหน้าสามารถเกิดขึ้นได้ในการแสดง พวกเขาจึงรอช่วงเวลานี้ และปรับตัวให้เข้ากับคลื่นแห่งด้นสดนี้ และทันทีที่พวกเขาสังเกตเห็นสิ่งใหม่ๆ ในการแสดงของใครบางคน - ในการแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง น้ำเสียง บรรทัดใหม่ - ดังนั้นพวกเขาจึงตอบสนองต่อสิ่งนี้ทันทีหยิบองค์ประกอบของด้นสดขึ้นมาแล้วมันก็ยากที่จะหยุดพวกเขา ใช่ ไม่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้ ในทางตรงกันข้าม สิ่งเหล่านี้เป็นที่ต้องการ ช่วงเวลาพิเศษแห่งจินตนาการและแรงบันดาลใจที่แท้จริงสำหรับศิลปิน และในบรรดาศิลปินที่เกี่ยวข้องกับการแสดง ไม่มีใครคาดเดาล่วงหน้าได้ว่าวันนี้พวกเขาจะมอบหน้ากากให้กันและกัน ดังนั้น ทุกครั้งที่พวกเขารอการแสดงด้นสดด้วยความสนใจ
นี่เป็นช่วงเวลาที่น่าอัศจรรย์ เมื่อ Gritsenko, Ulyanov, Yakovlev ฉันจะเพิ่ม A.G. Kuznetsov นักแสดงคนที่สองในบทบาทของ Pantalone แข่งขันกันว่าใครจะเหนือกว่าใครใครจะโพล่งออกมาอย่างมีไหวพริบมากขึ้น: การค้นพบมากมายหลั่งไหลเข้ามาข้อเสนอใหม่ ๆ มากขึ้นเรื่อย ๆ สำหรับพันธมิตร ว่ามันได้กลายเป็นการแสดงระดับไมโครที่น่าทึ่งอย่างน่าทึ่งภายในกรอบของการแสดงทั้งหมด และนี่ไม่ใช่แค่การแข่งขันของนักแสดง แต่เป็นการแข่งขันสวมหน้ากากในละครด้วย ในเกมหน้ากากที่แปลกประหลาดนี้พวกเขาพยายามที่จะมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของเหตุการณ์ในนั้นเพื่อช่วยฮีโร่ในชะตากรรมของพวกเขาโดยคิดอะไรบางอย่างขึ้นมาเองในระหว่างการเดินทางถามปริศนากันโดยหันไปหาผู้ชมด้วยคำถาม ข้อสังเกตที่เกี่ยวข้องในลักษณะดังกล่าวและเข้าสู่การแสดงบนเวที
แต่ฉันยังมีโอกาสสังเกตด้วยว่านักแสดงที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้เชี่ยวชาญหน้ากากของพวกเขาแตกต่างกันและบางครั้งก็ยากลำบากมากเพียงใด คู่หูบนเวทีของฉันเล่นแตกต่างกันอย่างไร สไตล์การแสดงของแต่ละคนมองเห็นได้ชัดเจนเพียงใด นี่เป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงรุ่นเยาว์ที่ได้ดูกระบวนการทำงานตามบทบาท วิธีที่พวกเขาค้นหาความเฉพาะเจาะจงของตัวละครของพวกเขา
เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากที่ได้สังเกตว่างานของ Mikhail Aleksandrovich Ulyanov ดำเนินต่อไปอย่างช้าๆยากลำบากและตึงเครียดเพียงใด เขาคลำหาทางไปหา Brigella ของเขาอย่างระมัดระวังเพียงใด ไม่ได้มีตัวละครแบบเดียวกับ Gritsenko หรือ Yakovlev อย่างที่เราพูดกันว่าเป็นฮีโร่ทางสังคมที่สดใสตามบทบาทเขาใช้เวลานานอย่างเจ็บปวดในการค้นหารูปแบบการดำรงอยู่ในหน้ากากของเขา เขาระบุจุดสนับสนุนหลักในการแสดงของเขาทีละน้อยผ่านการเคลื่อนไหวท่าทางและเสียงน้ำเสียงของเขาทีละน้อย ก้าวเล็ก ๆ ก้าวอย่างระมัดระวังเขาขยับเข้าไปใกล้หน้ากากมากขึ้นเรื่อย ๆ แต่ด้วยการสัมผัสที่แทบจะมองไม่เห็นเขาจึงวาดรูปทรงหลัก ชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ ประการแรก เขาต้องการเห็นโครงร่างทั่วไปของตัวละครที่เขากำลังจะเล่นเป็นอย่างน้อย จากนั้นจึงเติมเลือดและเนื้อเข้าไป เทอารมณ์ของเขาลงไป เขาค่อยๆ ดึงตัวเองเข้าหาภาพที่ตั้งใจอย่างระมัดระวัง ค่อยๆ พยายามปรับรูปแบบการดำรงอยู่ของเขาในภาพ และเมื่อเขารู้สึกถึงบทบาท เห็น รู้สึกถึงฮีโร่ของเขา ก็ไม่สามารถทำให้เขาล้มลงได้อีกต่อไป จากภาพที่เขาพบนั้น ชักนำเขาให้หลงไปจากทางที่ตนกำลังเดินอยู่ทีละก้าวก็วัดออกแล้วจึงหลับตาเดินได้ มันเป็นดาวตกที่กวาดล้างทุกสิ่งและทุกคนที่ขวางหน้าไป
Nikolai Olimpievich Gritsenko เข้าหาการสร้างหน้ากาก Tartaglia ของเขาด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง เขามีพรสวรรค์ที่หายากในการค้นหาโครงร่างทั่วไปของบทบาทอย่างรวดเร็ว เมื่อพบแล้วเขาก็กล้าเหมือนลงสระน้ำกระโดดลงไปในรูปแบบการดำรงอยู่ของฮีโร่ที่ค้นพบแล้วรู้จักการใช้ชีวิตอย่างดีเยี่ยมตามบทบาทที่กำหนดและทำปาฏิหาริย์เพียงเพื่อแปลงร่างเป็นภาพที่สร้างขึ้นในทันทีมาก บางครั้งมันก็ยากที่จะจำเขาได้ และนี่ก็คือการแต่งหน้าเพียงเล็กน้อย Gritsenko มีความกล้าหาญที่น่าทึ่ง - ตามกฎแล้วเขาทำงานที่ความสูงสูงสุดและเดินไปตามขอบสุดของแนวรับเมื่อดูเหมือนว่าก้าวผิดเล็กน้อยแล้วคุณจะล้มลง แต่เขาเดินไปตามขอบนี้อย่างกล้าหาญเพื่อหลีกเลี่ยงการพัง เขามักจะเกือบจะไปไกลเกินไปเสมอ แต่ก็หลีกเลี่ยงมันได้อย่างมีความสุข ดังนั้นเขาจึงทำงานอย่างเต็มที่และทุ่มเทให้ดีที่สุด Nikolai Olympievich มีความสามารถนี้ในการแปลงร่างตัวเองให้กลายเป็นรูปแบบเวทีที่พบเพื่อความสมบูรณ์แบบ หาก Ulyanov ดึงตัวละครเข้าหาตัวเองบ่อยขึ้นตามลักษณะที่แสดงออกมาอย่างชัดเจน Gritsenko ก็ยอมให้ความเป็นปัจเจกชนของเขาเป็นรูปแบบหนึ่งโดยผสานเข้ากับรูปแบบที่เขาพบ แต่ถึงแม้จะอยู่ในรูปแบบนี้การออกแบบบทบาทภายนอกเขาก็แทบไม่เคยทำซ้ำตัวเองอีกเลย ดูเหมือนว่าเขาจะดึงหน้าออกมามากขึ้นเรื่อยๆ จากกระปุกออมสินที่ไม่มีก้นบึ้ง และด้วยความมีน้ำใจที่ไม่อาจเข้าใจได้ เขาจึงละทิ้งสิ่งที่พบแล้วไป
และแน่นอนว่ายูริ Vasilyevich Yakovlev เดินไปตามทางของเขาเองเพื่อสร้างบทบาทของ Pantalone เขาก็ไม่พบรูปลักษณ์และรูปแบบพฤติกรรมของหน้ากากของเขาในทันทีซึ่งเป็นการแสดงด้นสด แต่เขาไม่ได้เร่งรีบในสิ่งต่าง ๆ แต่ช้าๆ โดยไม่มีความตึงเครียดที่มองเห็นและได้รับความแข็งแกร่งอย่างมั่นใจ บรรลุถึงจุดสูงสุดของประสิทธิภาพ ความสมบูรณ์ ความเบา ความกลมกลืน ฉลาด มีไหวพริบ ร่าเริง แดกดันเล็กน้อย และวางตัว - นี่คือวิธีที่เขาเห็น Pantalone ของเขา และทันทีที่เขาค้นพบคุณลักษณะนี้และตั้งมั่นในสิ่งนั้นแล้วหลังจากนั้นเขาก็ได้สร้างปาฏิหาริย์ที่แท้จริงบนเวทีแล้ว การแสดงด้นสดของเขาอาจเรียกได้ว่าศักดิ์สิทธิ์เมื่อพิจารณาจากรสนิยมสูงของสิ่งประดิษฐ์ของนักแสดงในภาพนี้ บางครั้งนักแสดงบางคนแสดงด้นสดมากจนคุณต้องการปิดหูและหลับตาเพื่อไม่ให้ได้ยินหรือมองเห็นสิ่งที่เสนอให้กับผู้ชม สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อผู้คนขาดรสนิยมและความรู้สึกเป็นสัดส่วน รสนิยมในการด้นสดของ Yuri Vasilyevich และความรู้สึกเรื่องสัดส่วนของเขานั้นดีที่สุดเสมอ ระดับสูงมันวิเศษมากเสมอ เขาทำได้อย่างง่ายดาย ไม่กดดัน อย่างชาญฉลาด และเราตั้งตารอการแสดงด้นสดของเขาอยู่เสมอ โดยรู้ว่ามันจะต้องน่าสนใจ เชี่ยวชาญ มีไหวพริบ และจะมีสิ่งใหม่ๆ อยู่เสมอ จริงอยู่เมื่อเวลาผ่านไปโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาไปทัวร์ที่ไหนสักแห่งละครเรื่อง "Princess Turandot" ถูกใช้อย่างแข็งขันโดยเฉพาะอย่างยิ่งเล่นเกือบทุกวันนักแสดงเบื่อหน่ายและเป็นเรื่องยากกับจังหวะของงานที่จะค้นหา มีอะไรใหม่ ๆ ทุกครั้งอย่างไม่คาดคิด แล้ววันหนึ่งเป็นการทัวร์ที่เลนินกราด เราได้เล่น "Turandot" มากกว่าสิบครั้งติดต่อกันแล้วและในการแสดงครั้งต่อไป ยูริ Vasilyevich เสนอการแสดงด้นสดในฉากหน้ากาก...
ที่ข้างเวที (เราเล่นที่วังวัฒนธรรมพรหมคูเปอร์รัตติยา) ด้วยเหตุผลบางอย่าง สายไฟหนาจึงถูกหย่อนลงจากด้านบนสุด เห็นได้ชัดว่ามีคนลืมที่จะลบออก และในระหว่างการแสดงหลังจากเล่นฉากของเขาแล้ว Yakovlev-Pantalone ก็หันหลังให้ทุกคนพร้อมกับพูดว่า: "ปล่อยฉันไว้คนเดียว Tartaglia ฉันเบื่อที่จะเล่นละครมากมายแล้ว มากมาย. ฉันจะไปแล้ว ลาก่อน! หลังจากนั้นเขาก็เข้าใกล้เชือกและเริ่มปีนขึ้นไปแล้วพูดว่า: "ฉันจะไม่เล่น Turandot อีกต่อไป ฉันเบื่อแล้ว..."
ช่างเป็นเรื่องที่คาดไม่ถึง ตลก และแม่นยำสำหรับทุกคน ไม่เพียงแต่ผู้ชมเท่านั้นที่หัวเราะ แต่เราซึ่งเป็นนักแสดงก็หัวเราะมากยิ่งขึ้นอีกด้วย ฉันคิดว่ายูริ Vasilyevich มีผลงานการแสดงที่ดีที่สุดเรื่องหนึ่งของเขาในโรงละคร
เขายังมีความสามารถพิเศษด้านภาษาอีกด้วย เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในการฟังเพลงโดยหยิบสำเนียงของภาษา ดังนั้นในต่างประเทศเขาจึงผ่านไปอย่างปังเสมอ ในออสเตรีย เขาพูดภาษาเยอรมันด้วยสำเนียง "ออสเตรีย" บางประเภท ซึ่งทำให้ชาวออสเตรียพอใจ ในโรมาเนีย จู่ๆ ก็ปรากฏชัดว่าการออกเสียงของเขามีภาษาท้องถิ่นด้วย ในโปแลนด์พวกเขากล่าวว่าเขาออกเสียงข้อความเป็นภาษาโปแลนด์ล้วนๆ
ศิลปินคนนี้มีทักษะการแสดงที่น่าทึ่งและดูเหมือนมีความเป็นไปได้ไม่จำกัด
นักแสดงทุกคนที่เล่นบทบาทของหน้ากากในการแสดงครั้งนี้มีอารมณ์ที่แตกต่างกันมากในลักษณะที่แต่ละคนเล่น Ruben Nikolaevich Simonov จัดเรียงพวกเขาอย่างถูกต้องมากในการแสดงตามหลักการของความแตกต่าง: คนหนึ่งมีความประณีตสูงสงบและซับซ้อนส่วนอีกคนมีขนาดเล็กรวดเร็วกล้าแสดงออกโดยมีสปริงที่น่ากลัวอยู่ข้างในซึ่งทำให้เขาเคลื่อนไหว ที่สาม ตัวหนาเหมือนเป็ด โยกตัวจากเท้าหนึ่งไปอีกเท้า เดินบนขอบพิลึก ไม่รู้จักความกลัว ยอมจำนนต่อองค์ประกอบของเกมจนหลงลืมตัวเอง เป็นนักแสดงประเภทหนึ่งบนเวที
ตลอดสิบแปดปีของการแสดง "Turandot" ไม่มีนักแสดงคนใดที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับบทบาทบางอย่างในเวลาต่อมาที่เล่นได้ดีกว่านักแสดงชุดแรก นี่ไม่ใช่ความคิดเห็นของฉัน ทุกคนยอมรับสิ่งนี้ การแสดงมีการนำสีใหม่บางสีมาใช้ บางทีบางสิ่งอาจดูน่าสนใจยิ่งขึ้น แต่โดยรวมแล้วไม่มีบทบาทใดดีขึ้นเลย เรื่องนี้น่าจะมีแบบแผนนะ จำเป็นต้องผ่านเส้นทางทั้งหมดในการเตรียมการแสดงตั้งแต่เริ่มต้นซึ่งเราทุกคนผ่านมาเพื่อที่จะยืนหยัดได้ทัดเทียมกับคนอื่นๆ ระหว่างการซ้อมนั้นมีกระบวนการบดนักแสดงเข้าหากันตามหลักความเข้ากันได้ คอนทราสต์ การเติมเต็มภายในของบทบาท เนื้อเรื่อง และฉากแต่ละฉาก เช่นเดียวกับเมื่อสร้างผืนผ้าใบเชิงศิลปะ จิตรกรใช้จังหวะหนึ่งก่อน จากนั้นอีกจังหวะหนึ่ง เพื่อให้ได้การผสมผสานสีที่เป็นเอกลักษณ์ โดยที่การขีดเส้นเดียวไม่โดดเด่นหรือรบกวนความกลมกลืนของสี ซึ่งเป็นการผสมผสานที่เป็นเอกลักษณ์ ดังนั้นในโรงละคร วงดนตรีเดี่ยวที่เหนียวแน่นถูกรวบรวมเข้าด้วยกันซึ่งทุกอย่างอยู่ในความสามัคคีที่กลมกลืนกันและแต่ละจังหวะก็เสริมซึ่งกันและกันทำให้เกิดผืนผ้าใบหลากสีสัน แต่ไม่ใช่หลากสีสันเลย ใช่ จำเป็นต้องผ่านการซ้อมอันยาวนานและช่วงเตรียมการก่อนการซ้อมเพื่อที่จะบูรณาการเข้ากับการแสดง ซึ่งแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยสำหรับผู้ที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการแสดงในภายหลัง ตามกฎแล้วการเปลี่ยนไม่เท่ากัน
ด้วยเหตุนี้ โรงละครจึงตัดสินใจว่าไม่จำเป็นต้องแนะนำนักแสดงหน้าใหม่เข้ามาแสดง และเมื่อนักแสดงรุ่นหนึ่งได้แสดง "Turandot" ของตนแล้ว ก็ให้หยุดการแสดงชั่วคราวจนกว่านักแสดงหน้าใหม่อีกกลุ่มจะเตรียมการไว้ อีกครั้งหนึ่งจนผ่านช่วงเวลาอันยาวนานเหมือนเช่นเดิมคือกระบวนการทำความเข้าใจ “เจ้าหญิงตุรันดอท” ของพระองค์ จำเป็นที่นักแสดงทุกรุ่นจะต้องผ่านโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่ง Vakhtangov และไม่ใช่จากคำบอกเล่าไม่ใช่จากคำพูดของใครบางคน แต่ในทางปฏิบัติในงานเฉพาะเจาะจง นักแสดงแต่ละคนจำเป็นต้องเริ่มต้นการแสดงโดยการเตรียมไพรเมอร์สำหรับภาพในอนาคต ใช้จังหวะทดสอบครั้งแรกกับสัมผัสสุดท้ายที่ให้ความสมบูรณ์กับงานทั้งหมด และสุดท้ายเล่นตั้งแต่ต้นจนจบ
การเล่น Turandot ถือเป็นความสุขที่ยิ่งใหญ่สำหรับนักแสดง นอกเหนือจากโรงเรียนและทักษะการแสดงที่เขาได้รับในขณะที่เล่นละครแล้ว เขายังได้รับความยินดีอย่างไม่อาจบรรยายได้จากการเข้าร่วมในเกมนี้ จากตัวเกม จากความรู้สึกอันล้ำค่าในการสื่อสารกับผู้ชม จากการปรับตัวของพวกเขาไปจนถึงความยาวคลื่นของคุณ และปฏิกิริยาตอบสนองทันทีต่อการกระทำของคุณในละครและทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักแสดงทุกคนในโรงละครใฝ่ฝันที่จะได้เล่นบทในนั้น ไม่เพียงแต่นักแสดงรุ่นเยาว์เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงรุ่นพี่ ๆ รวมถึงผู้ที่ได้ฉายแววในช่วงเวลาการแสดงนี้แล้ว พวกเขายังเต็มใจและยินดีเป็นอย่างยิ่ง และมีส่วนร่วมอย่างตื่นเต้นทันทีที่มีโอกาส
ฉันจะไม่มีวันลืมช่วงเวลาที่ในวันครบรอบครึ่งศตวรรษของโรงละครระหว่างการแสดง "Princess Turandot" Cecilia Lvovna Mansurova ปรากฏตัวบนเวทีและเล่นบทบาทชิ้นเล็ก ๆ เธอถามฉันเกี่ยวกับปริศนาซึ่งเป็นปริศนาแรกของนักแสดงคนแรกของ Turandot ช่างวิเศษเหลือเกิน เธอมีความเบาบาง แม้เธอจะอายุมาก ความชั่วร้ายที่เธอฉายออกมา ช่างเจ้าเล่ห์ในสายตาของเธอ! เธอกำลังถามปริศนา และในเวลานั้น ดูเหมือนว่าความคิด ความรู้สึก และสภาพจิตใจของเธอนับพันถูกหันไปหาคาลาฟ ทั้งความรัก ความภาคภูมิใจ การเข้าไม่ถึง และความปรารถนาที่จะช่วยคาลาฟเอาชนะอุปสรรคที่เธอสร้างขึ้นในเส้นทางของเขา และการเสแสร้ง ความจริงใจ และความไร้เหตุผลของอุปนิสัยและความเป็นผู้หญิง เธอทำให้ฉันตะลึงด้วยปริศนาของเธอเพียงอย่างเดียว นั่นไม่ใช่ด้วยปริศนา แต่ด้วยวิธีที่เธอไขปริศนา กับวิธีที่เธอเล่นบทบาทชิ้นเล็ก ๆ นี้ หลังจากส่วนสั้น ๆ นี้ฉันก็คิดว่า: ก่อนหน้านี้เธอเล่นบทนี้ได้อย่างไร!
ในวันครบรอบหกสิบปีของโรงละคร เราได้แสดงละครเป็นครั้งที่ 2,000 นักแสดงอีกรุ่นหนึ่งก็เล่นมัน Borisova และฉันเข้ามามีบทบาทในฐานะนักแสดงที่อายุน้อยมาก เป็นเรื่องน่าเศร้าเล็กน้อยที่ต้องแยกทางกับบทบาทที่ฉันชื่นชอบ แต่เวลาผ่านไป นักแสดงรุ่นเยาว์คนอื่นๆ มาถึงแล้ว และตอนนี้เรากำลังส่งต่อกระบองให้กับนักแสดงรุ่นใหม่ เพื่อไม่ให้ความรุ่งโรจน์ของ "Turandot" หายไปในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เพื่อที่จะยังคงดำเนินต่อไปและสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมหน้าใหม่
ลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของผู้ชมต่อการแสดงนั้นขึ้นอยู่กับความคิดริเริ่มของการแสดงโดยตรง - แสง, แดกดัน, ดนตรี, ด้วยความเป็นพลาสติกพิเศษ, การวัดพิเศษของธรรมเนียมการเล่นเกม, การเล่นเทพนิยาย, เล่นเทศกาล ไม่ว่าเราจะเล่นที่ไหน การแสดงนี้มีเส้นทางที่สั้นที่สุดไปสู่ใจผู้ชม เมื่อแท้จริงแล้วตั้งแต่การแนะนำดนตรีครั้งแรก จากบรรทัดแรก บางครั้งจากการแนะนำตัวละครและผู้เข้าร่วมการแสดง ผู้ชมพบว่าตัวเองอยู่ใน องค์ประกอบในองค์ประกอบของการแสดงรวมอยู่ในเกมของเราและเฝ้าดูสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยความยินดี เป็นที่ทราบกันดีว่ายิ่งผู้ชมเตรียมการแสดงละครน้อยเท่าใด การติดต่อกับพวกเขาก็ยิ่งยากขึ้นเท่านั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงที่แหวกแนวเช่น "Princess Turandot" ผู้ชมที่คุ้นเคยกับการติดตามเฉพาะโครงเรื่องและสถานการณ์ที่ไพเราะ แน่นอนว่าจะไม่พอใจกับสิ่งที่นำเสนอต่อเขาในการแสดงครั้งนี้ เขาจะไม่ยอมรับแบบแผนของการออกแบบ แบบแผนของเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หรือสไตล์การแสดง เขาจะถาม (และเป็นเช่นนั้นจริงๆ) เป็นไปได้ไหมที่พวกเขาไม่ได้ตกแต่งจริงๆ โดยติดเคราจริงแทนผ้าเช็ดตัว
การแสดงมีพื้นฐานมาจากสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โครงเรื่องในนั้นเป็นเพียงข้ออ้างในการเชิญชวนให้ผู้ชมร่วมฝันจินตนาการร่วมกับละคร สะกดใจ ด้วยการเล่นละคร ด้วยความเหน็บแนม ไหวพริบแห่งไหวพริบ และการแสดงละคร “ใครจะสนใจว่า Turandot จะรัก Calaf หรือไม่? - Yevgeny Bagrationovich กล่าวกับนักแสดงในการซ้อมละครโดยอธิบายว่าเราควรมองหาเมล็ดพืชไม่ได้อยู่ในเนื้อเรื่องของละคร “ทัศนคติสมัยใหม่ต่อเทพนิยาย การประชด รอยยิ้มต่อเนื้อหาที่ “น่าเศร้า” ในเทพนิยาย นั่นคือสิ่งที่นักแสดงต้องเล่น” การแสดงตามแผนของผู้กำกับควรจะผสมผสานสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ - ความมหัศจรรย์ที่ยอดเยี่ยมและชีวิตประจำวัน อดีตเทพนิยายอันห่างไกลและสัญญาณของความทันสมัย ความไม่น่าเชื่อทางจิตวิทยาในพฤติกรรมของตัวละครและน้ำตาที่แท้จริง “ ความเป็นไปไม่ได้ของการสร้างเทพนิยายกลายเป็นวิธีการสร้างการแสดง” นักวิจารณ์ละครชื่อดัง L. A. Markov เขียนเกี่ยวกับการแสดงครั้งแรกของ "Turandot" - นี่คือลักษณะที่เสื้อคลุมท้ายปรากฏขึ้นเมื่อใช้ร่วมกับผ้าขี้ริ้วตกแต่งต่างๆ ไม้เทนนิสแทนคทา ผ้าปิดปากแทนเครา เก้าอี้ธรรมดาแทนบัลลังก์ และกับฉากหลังของโครงสร้างคอนสตรัคติวิสต์ ฝากล่องขนมแทนภาพบุคคล วงออเคสตรา ของหอยเชลล์, การแสดงด้นสดในธีมสมัยใหม่, ประสบการณ์ที่แตกหัก, การเปลี่ยนแปลงความรู้สึก, การเปลี่ยนแปลงและการเปลี่ยนแปลงตำแหน่ง, สถานะ, เทคนิค - นี่คือวิธีการอธิบายเครื่องแต่งกายที่แปลกตาและสนุกสนานที่สวมชุด "เจ้าหญิง Turandot"
นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมการไว้หนวดเคราจริงและทิวทัศน์ที่วาดอย่างพิถีพิถันจึงมีไว้สำหรับการแสดงอื่น แต่ไม่ใช่สำหรับ Turandot โชคดีที่โรงละครแทบไม่เคยต้องป้อนคำอธิบายเกี่ยวกับการแสดงดังกล่าวเลย โดยปกติแล้วความเข้าใจร่วมกันระหว่างโรงละครและผู้ชมในการแสดงเกิดขึ้นแล้วในช่วงแรกของการปรากฏตัวของนักแสดงบนเวที โดยผู้ชมจากผู้ชมที่หลากหลาย รวมถึงผู้ชมชาวต่างชาติ เกือบจะกวาดล้างอุปสรรคทางภาษา อคติ และความแตกต่างทั้งหมดออกไปแทบจะในทันที ในเรื่องนิสัยและความแตกต่างในวัฒนธรรม แต่ขอย้ำอีกครั้งว่ายิ่งวัฒนธรรมการแสดงละครของคนในประเทศที่เราแสดงสูงขึ้นเท่าใด การติดต่อกับผู้ชมก็จะยิ่งเร็วขึ้นและง่ายขึ้นเท่านั้น
"เจ้าหญิงทูรานดอต" ในต่างประเทศ - หน้าพิเศษในชีวิตของโรงละครและการแสดงนี้หน้าที่ยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์ของโรงละคร Vakhtangov ด้วยการแสดงนี้ เราเดินทางไปยังประเทศอดีตสังคมนิยมเกือบทั้งหมด เช่นเดียวกับกรีซ ออสเตรีย และทุกที่ที่ "Turandot" มีการแสดงที่สั้นที่สุดและบินขึ้นอย่างรวดเร็วที่สุดต่อการรับรู้ของผู้ชม เมื่ออยู่ในนาทีแรกของการแสดงแล้ว การแสดงที่ผู้ชมไม่คุ้นเคยที่สุดและยากที่สุด “ยอมแพ้”
เหตุใดฉันจึงให้ความสนใจเป็นพิเศษว่า Turandot ได้รับการตอบรับจากต่างประเทศอย่างไร ใช่ เพราะเธอเป็นตำนานการแสดงละครในหมู่พวกเรา ซึ่งหลายคนเคยได้ยินและไปชมการแสดง โดยรู้อะไรบางอย่างเกี่ยวกับเรื่องนี้แล้ว และในต่างประเทศมีเพียงผู้ชมละครในวงแคบเท่านั้นที่คุ้นเคยกับ "Turandot" ซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยอดเยี่ยมดังนั้นผู้ชมจึงยังไม่พร้อมที่จะรับรู้และไม่พร้อมที่จะสนใจการแสดงนี้ ดังนั้นทุกครั้งที่มาถึงต่างประเทศ ฉันต้องเริ่มต้นใหม่อย่างที่เขาว่ากันว่าตั้งแต่ต้น เพื่อเอาชนะใจผู้ชมด้วยสิ่งที่ฉันมี การแสดงจริงๆ เป็นเช่นไร โดยไม่ต้องจ่ายเงินล่วงหน้าใดๆ
ครั้งแรกที่ “เจ้าหญิงทูรานดอต” เดินทางไปกรีซในปี พ.ศ. 2507 ซึ่งเป็นประเทศที่มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษหรือนับพันปี แหล่งกำเนิดของศิลปะการละครซึ่งทำให้โลกทั้งโฮเมอร์ โซโฟคลีส เอสคิลุส ยูริพิดีส อริสโตฟาเนส และ นักทฤษฎีศิลปะการละครคนแรก - อริสโตเติล ทัวร์เหล่านี้มีขึ้นเพื่อเฉลิมฉลองครบรอบสองพันห้าพันปีของโรงละคร เราเตรียมตัวสำหรับพวกเขาอย่างจริงจังและมีความรับผิดชอบเป็นพิเศษและแม้กระทั่งเรียนภาษากรีกด้วยซ้ำ ตามการคำนวณของเราน่าจะเปิดเผยลักษณะเฉพาะของการแสดงของเราได้เร็วและชัดเจนยิ่งขึ้น ด้วยเหตุนี้ เราจึงได้แสดงความเคารพต่อบ้านเกิดของโรงละคร ประเทศ และภาษาของผู้คนที่เรานำงานศิลปะของเราไปพร้อมๆ กัน และเทคนิคการเว้นระยะห่างระหว่างนักแสดงจากบทบาทที่ใช้ในละครทำให้สามารถแทรกและกล่าวสุนทรพจน์เป็นภาษากรีกแก่ผู้ชมได้
จริงอยู่ที่เมื่อนักแสดงรู้ว่าข้อความที่ตัดตอนมาจาก "Turandot" บางส่วนจะแสดงเป็นภาษากรีก นักแสดงบางคนก็รู้สึกตกใจอย่างมากกับข้อความนี้ หน้ากากต้องเรียนรู้ข้อความมากมายโดยเฉพาะ ดังนั้น Gritsenko จึงอาจได้รับข่าวนี้อย่างน่าทึ่งที่สุด เมื่อทราบเรื่องนี้แล้ว เขาก็หน้าซีดอย่างแท้จริง หัวเราะอย่างประหม่าและสวดอ้อนวอน: "ข้าแต่พระเจ้า ข้าพระองค์จำภาษารัสเซียได้ยาก แล้วก็เป็นภาษากรีก สยองขวัญ!" และเขาก็เริ่มอัดแน่น
ในสมัยนั้น ในโรงละครมักพบนักแสดงถือสมุดบันทึกอยู่ในมือ อัดแน่นข้อความ กลอกตาไปที่เพดาน และท่องเสียงดังว่า “Apocalypsis akolopaposos...”
Nikolai Olimpievich Gritsenko มีปัญหามากที่สุดในการเรียนรู้ภาษากรีกเขาไม่มีเวลาท่องจำข้อความและเวลาก็หมดลงแล้ววันหนึ่งเขาก็มาที่โรงละครอย่างสนุกสนานและประกาศว่าเขาพบทางออกแล้ว สถานการณ์: เขาเขียนการบรรเลงของการแสดงครั้งแรกไว้ที่แขนเสื้อข้างหนึ่ง อันที่สองบนอีกอันหนึ่งบนเน็คไทบนปกเสื้อแจ็คเก็ต และเช่นเดียวกับนักเรียนที่กำลังสอบ เขาก็ดูเอกสารสรุปของเขา
ความสนใจในทัวร์ของเรานั้นมีมหาศาล ก่อนการแสดงครั้งแรก ฉันเห็นว่า Gritsenko ประหม่าแค่ไหนเมื่อดูเอกสารสรุปของเขาและเป็นกังวล การแสดงสองครั้งประสบความสำเร็จ แต่ในการแสดงครั้งที่สามเขาเริ่มสะดุด และเงียบอยู่นานก่อนที่จะพูดวลีเป็นภาษากรีก และเข้ามาใกล้ผู้แสดงที่อยู่ทั้งสองข้างของปีกเวที พวกเขาบอกวลีหนึ่งแก่เขา เขาด้วยความร่าเริง กลับมาที่กลางเวที พูดแล้วลืมอีกครั้งและกลับไปที่ปีก ผู้ชมเข้าใจสิ่งที่เกิดขึ้น มีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างกรุณาและหัวเราะ นอกจากนี้เรายังพยายามให้คำแนะนำแก่เขาและเขาก็ปัดคำแนะนำนั้นออกไปแล้วพูดอย่างเงียบ ๆ ว่า: "ฉันเอง ฉันเอง ... " และวันหนึ่งเมื่อหยุดนานเกินไปเราก็กระซิบกับเขา: "เปลี่ยนเป็นภาษารัสเซีย Nikolai Olympievich เปลี่ยนเป็นภาษารัสเซีย” จากนั้นพวกเขาก็เห็นว่าทันใดนั้นใบหน้าของเขาเปลี่ยนไปและทำอะไรไม่ถูกจึงตอบอย่างเงียบ ๆ ว่า: "พวกคุณเป็นภาษารัสเซียเป็นยังไงบ้าง?" เป็นเรื่องยากมากที่เราจะควบคุมตัวเองไม่ให้หัวเราะได้ ยังมีเสียงหัวเราะในห้องโถง ผู้ชมเองพยายามบอกเขาเป็นภาษากรีก และเขาก็ตอบพวกเขาว่า "ไม่ใช่ ไม่ใช่แบบนั้น ไม่ใช่แบบนั้น" และทั้งหมดนี้ถูกรับรู้อย่างสนุกสนาน ผ่อนคลาย ร่าเริงและมีอารมณ์ขัน
ผู้ชมเข้าใจเงื่อนไขของเกมที่เราเสนอทันทีและยอมรับด้วยความยินดี พวกเขาชอบรูปแบบการสื่อสารที่เปิดกว้างนี้ระหว่างนักแสดงและผู้ชม พูดกับแผงลอย และยอมรับมาตรการแบบแผนนี้ ซึ่งเป็นการประชด และผู้ชมชาวกรีกเมื่อได้ยินคำพูดของแต่ละคนในภาษาของพวกเขาก็ยอมรับสิ่งนี้ด้วยความกระตือรือร้นจนพวกเขาพังทลายและพังกำแพงระหว่างเวทีและห้องโถงที่มีอยู่ก่อนเริ่มการแสดงทันทีพร้อมกับเสียงตอบรับจากผู้ชมอย่างล้นหลาม เมื่อได้ยินประโยคแรกที่คุ้นเคย ผู้ชมก็อ้าปากค้าง ดูเหมือนจะเดินเข้ามาหาเรา ปรบมือปรบมือ และเข้าร่วมในการแสดงที่ร่าเริงและรื่นเริงนี้ทันที
เมื่อเราเห็นว่าเราได้รับการต้อนรับอย่างไร ความกลัวทั้งหมดก็หายไปทันที และพวกเขาก็เป็นครั้งแรกที่พวกเขานำการแสดงไปสู่ผู้ชมที่ไม่คุ้นเคยโดยสิ้นเชิง มีความกังวล: พวกเขาจะยอมรับการแสดงดังกล่าวในรูปแบบที่ผิดปกติหรือไม่? ละครเรื่องนี้ดึงดูดผู้ชม พวกเขารู้สึกเหมือนมีส่วนร่วมในเกมนี้และมีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างมีชีวิตชีวามากกับทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยวิธีเจ้าอารมณ์ทางใต้ หน้ากากสื่อสารโดยตรงกับผู้ชมและอาบไปด้วยกระแสตอบรับของผู้ชม การตอบสนองจากผู้ชมนี้ทำให้เราลุกขึ้นราวกับอยู่บนคลื่น เติมเต็มหัวใจของเราด้วยความยินดีและภาคภูมิใจ ความสามารถของมนุษย์สร้างปาฏิหาริย์เช่นนั้น มันเป็นการเฉลิมฉลองงานศิลปะอย่างแท้จริง ความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัด, รวมกัน ผู้คนที่หลากหลายหลากหลาย โครงสร้างทางสังคมอายุ ตำแหน่ง ทำให้มนุษย์ผ่อนคลายได้อย่างน่าอัศจรรย์ ใช่แล้ว มันเป็นการเฉลิมฉลองทางศิลปะ ชัยชนะ และพลังอันอัศจรรย์ที่มีอิทธิพลต่อผู้คน
ไม่บ่อยนักที่คุณจะเห็นได้ว่าผู้ฟังยืนนิ่งไม่แยกย้ายกันไปและไม่หยุดปรบมือเป็นเวลายี่สิบถึงสามสิบนาที ฉันจะไม่มีวันลืมช่วงเวลาเหล่านั้นเมื่อ Ruben Nikolaevich Simonov ปรากฏตัวบนเวทีหลังการแสดงระหว่างการปรบมือจากผู้ชม มีศักดิ์ศรีมากมายในคำพูดและกิริยาของเขา มีความภาคภูมิใจในงานศิลปะของเราอย่างมากในคนที่มีความสามารถของเรา ก่อนที่เรายืนอยู่ชายคนหนึ่งที่รู้ถึงคุณค่าของปาฏิหาริย์ที่นักแสดงชาวรัสเซียนำมาสู่ผู้ชมชาวกรีก เป็นความภาคภูมิใจของชาติของชายผู้อยู่เบื้องหลังผู้ยิ่งใหญ่และรัฐอันยิ่งใหญ่ เขายอมรับความยินดีของผู้ฟังอย่างสมศักดิ์ศรี เป็นสิ่งที่เป็นธรรมชาติโดยสมบูรณ์ เป็นธรรมชาติและธรรมดา ช่างน่ายินดีและสนุกสนานอย่างยิ่งที่เราทุกคนได้สัมผัสประสบการณ์ทั้งหมดนี้ที่นั่น ห่างไกลจากรัสเซีย จากประเทศของเรา วันนี้เราพลาดความภาคภูมิใจอันสูงส่งนี้ไปได้อย่างไร...
ไม่ใช่การแสดงเดียวที่เราเดินทางไปต่างประเทศเปลี่ยนผู้ชมชาวต่างชาติให้กลายเป็นที่ชื่นชอบของเราแบบเดียวกับที่เกิดขึ้นกับ Turandot หรือทำทางการเมืองมากเท่ากับการแสดงนี้ คนที่พาเขามาไม่ใช่แค่ผู้มีอำนาจเต็มในงานศิลปะของเราเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้มีอำนาจเต็มทางการเมือง ผู้มีอำนาจเต็มในการสร้างความเข้าใจระหว่างผู้คน ความรักของผู้ชมที่มีต่อคนเหล่านี้ถ่ายทอดไปสู่ความรักต่อประเทศชาติ สำหรับผู้ที่มอบช่วงเวลาแห่งความสุขให้กับพวกเขา
อาจไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หลังจากการแสดงครั้งแรกเราถูกรายล้อมไปด้วยเยาวชนชาวกรีกและไม่ใช่แค่คนหนุ่มสาวเท่านั้น คำถามมากมายเริ่มต้นขึ้นเกี่ยวกับโรงละครเกี่ยวกับชีวิตในประเทศของเราเกี่ยวกับผู้คน มันเป็นการสนทนาเหมือนเพื่อนเก่าที่ดี - นี่คือศิลปะ นี่คือจุดแข็งและความน่าดึงดูด
เป็นไปไม่ได้ที่จะลืมว่าหลังจากการแสดงเราใช้เวลาเกือบทั้งคืนบน Plaka ใต้ Acropolis อย่างไรและอย่างไรเราไปที่ Iroduatica ซึ่งเป็นโรงละครกลางแจ้งและอ่านบทกวีของ Pushkin และ Lermontov ที่ Pericles Stone ที่ กลางคืน. ค่ำคืนนี้จะอยู่กับทุกคนที่อยู่ที่นั่นตลอดชีวิต การที่เขารวมพวกเราทุกคนเข้าด้วยกัน - ผู้คนจากหลากหลายเชื้อชาติที่ไม่เคยรู้จักกันมาก่อน สำหรับพวกเขา เราคือผู้คนจากรัสเซีย ซึ่งพวกเขาต้องการรู้จักให้มากที่สุด จากนั้น... เสียงนกหวีดของตำรวจก็ดังขึ้น และเราเห็นว่าเยาวชนชาวกรีกได้ตั้งเครื่องกั้นมนุษย์และพาเราไปที่โรงแรมเพื่อป้องกันไม่ให้ตำรวจเข้าถึงเรา
และการแสดงในออสเตรเลียก็เริ่มแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง หากชาวกรีกตามอารมณ์ของพวกเขาลุกเป็นไฟทันทีตั้งแต่จุดประกายแรกมันก็ไม่ใช่เรื่องง่ายเลยที่จะจุดประกายผู้ชมที่น่านับถือ แต่คุณควรจะได้เห็นว่า "Turandot" ละลายพวกมันได้อย่างไร หลังจากตกใจไม่กี่นาที เราก็ได้ยินและเห็นว่าในหอประชุมลืมเรื่องความแข็ง ความสำคัญ ความโอ่อ่าของพวกเขาไปได้อย่างไร ผู้ชมกลุ่มเดียวกันนี้ในชุดราคาแพง ประดับเพชร "ประดับด้วยขนสัตว์และลูกปัด" มีกลิ่นหอมของน้ำหอมราคาแพง เธอกำลังทิ้งขนราคาแพงของเธอออกแล้วโบกมือให้พวกมัน กระโดดขึ้นจากที่นั่งของเธอ ระเบิดเป็นเสียงหัวเราะที่ดังกึกก้องและไม่อาจควบคุมได้ซึ่งยากที่จะหยุดอยู่แล้ว
และปฏิกิริยาของผู้ชมในวอร์ซอต่อการแสดงแตกต่างกันแค่ไหน... ในไม่ช้าพวกเขาก็ยอมรับ "Turandot" ของเราในบรรทัดแรกสุดและไม่ใช่แม้แต่หน้ากาก แต่เป็น Calaf บนเวทีแรกของฉัน พวกเขาเข้าใจและยอมรับกุญแจที่น่าขันที่เราใช้อ่านนิทานของ Gozzi ทันที
ในประเทศอื่น ๆ - ในบัลแกเรีย, เชโกสโลวะเกีย, โรมาเนีย, ยูโกสลาเวีย - การแสดงก็ถูกมองว่าแตกต่างออกไปในแบบของตัวเองด้วยระดับและรูปแบบของการแสดงอารมณ์ที่แตกต่างกัน แต่ด้วยความสนใจความกระตือรือร้นและทุกที่ก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก และแม้ว่าการแสดงแต่ละครั้งเมื่อม่านปิดลง หน้ากากก็ออกมาสู่ผู้ชมเพื่อประกาศอีกครั้งว่า “การแสดงในเทพนิยายของคาร์โล โกซซี่ เรื่อง “เจ้าหญิงทูรันโดต์” จบลงแล้ว” ห้องนิรภัยในหอประชุมยังคงได้ยินเสียงปรบมืออย่างไม่ได้ยิน เป็นเวลานาน.
ฉันคิดว่าละครเรื่อง Princess Turandot สามารถเรียกได้ว่าเป็นสากลอย่างถูกต้อง เขาได้รับการต้อนรับทุกที่ที่เราเล่น และทุกที่ที่เขากระตุ้นความรู้สึกที่ดีและเป็นสากลในหมู่ผู้ชม
ช่างน่าอัศจรรย์เหลือเกินที่ยังคงเกิดขึ้นในชีวิตที่ผลงานจากมือมนุษย์ซึ่งทำเมื่อหลายปีก่อน ทศวรรษและศตวรรษ ได้กลับมามีชีวิตอีกครั้งสำหรับคนรุ่นใหม่ในเวลาต่อมา บางครั้งเราพูดถึงคนเก่งๆ ที่ทำสิ่งที่ยิ่งใหญ่ในชีวิตสำเร็จ: “งานของเขาจะคงอยู่ต่อไปในคนอื่นๆ...” แต่คำพูดเหล่านี้ก็เป็นจริงต่อหน้าต่อตาเรา และในทางใดทางหนึ่งก็ด้วยการมีส่วนร่วมของเรา ในละครเรื่อง "Princess Turandot" ผู้ชมในหลายเมืองในประเทศของเราเช่นเอเธนส์และเบลเกรด, ปราก, เวียนนา, โซเฟียและวอร์ซอ, เบอร์ลินและบูดาเปสต์ได้สัมผัสด้วยใจของพวกเขาถึงสิ่งที่สร้างขึ้นโดย Vakhtangov ผู้ยิ่งใหญ่เมื่อกว่าครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา และไม่มีใครเหมือนในประเทศของเราและต่างประเทศ ไม่มีอะไรในการแสดงนี้ดูล้าสมัย ค่อนข้างตรงกันข้าม: เราค้นพบว่า "นวัตกรรม" หลายอย่างที่ผู้กำกับชาวตะวันตกและแม้แต่ชาวรัสเซียอวดอ้างในปัจจุบันนั้นได้รับการนำไปใช้มานานแล้วในงานภาคปฏิบัติของนักเรียนคนหนึ่งของ Stanislavsky ช่างเป็นแรงบันดาลใจให้กับการแสดงนี้ ความมีชีวิตชีวา มีรากฐานอะไรอยู่ในนั้น แม้กระทั่งหลังจากครึ่งศตวรรษ การแสดงไม่เพียงแต่ไม่ล้าสมัยเท่านั้น แต่ยังเปิดช่องทางใหม่ในการแสดงออกบนเวทีให้กับหลาย ๆ คน และขยายคลังแสงของพวกเขา นี่คือตัวอย่างรูปแบบและเนื้อหา จริงๆ แล้ว ไม่มีโรงละครแนวหน้าใดที่พูดมากไปกว่าสิ่งที่ใช้ในการแสดงนี้ ไม่มีโรงละครใดบดบังหรือดูถูกความสำคัญของโรงละครเลย
นั่นคือเหตุผลว่าทำไมในขณะที่แสดงในต่างประเทศกับ "Turandot" และเข้าร่วมการอภิปรายและการประชุมเกี่ยวกับการมาถึงของโรงละครซึ่งมีผู้กำกับและนักวิจารณ์ชื่อดังระดับโลกเข้าร่วมเรามักจะได้ยินคำพูดของพวกเขาเกี่ยวกับ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov เป็นหนึ่งเดียว ของผู้กำกับคนแรกที่มีอิทธิพลมากที่สุดต่อการพัฒนาโรงละครโลก ย้อนกลับไปในปี 1923 Pavel Aleksandrovich Markov เขียนว่า:“ ฤดูหนาวที่ผ่านมาเมื่อสิ้นสุดที่ Vakhtangov จัดแสดง Turandot จะยังคงเป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากสำหรับโรงละครรัสเซีย - ยังไม่สามารถคำนึงถึงผลที่ตามมาและคำสัญญาของมัน พวกเขาจะส่งผลกระทบต่อโรงละครของเรา เป็นเวลาหลายปี” คำจำกัดความที่แม่นยำอย่างน่าประหลาดใจ และยิ่งกว่านั้น ไม่ใช่เป็นเวลาหลายปี แต่ตามเวลาที่แสดง เป็นเวลาหลายทศวรรษ และเราจะไม่ชื่นชมความสามารถและความสามารถของเขาในการคาดการณ์การค้นหาของผู้กำกับรุ่นต่อ ๆ ไปหลายชั่วอายุคนได้อย่างไร เขาเสียชีวิตเมื่ออายุได้สามสิบเก้าปี ในการค้นหาของเขา เขายึดตามคำสอนของ Stanislavsky ซึ่งเป็นคำสอนของเขาเกี่ยวกับความจริงของศิลปะ ในขณะเดียวกันก็มุ่งไปสู่ความสดใสและมีสีสันไปพร้อมๆ กัน รูปแบบศิลปะไปจนถึงความรื่นเริงของโรงละคร มองหาวิธีใหม่ในการแสดงออกบนเวที การค้นหาโรงละครยังคงดำเนินต่อไปในปัจจุบันในการแสดงใหม่ในงานกำกับและการแสดงใหม่ซึ่งเป็นรากฐานของ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov ซึ่งเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมของเขา
กลุ่มดาวใหญ่
โรงเรียนการละครไม่ได้เป็นเพียงโรงเรียนเท่านั้น ไม่เพียงแต่การแสดงและบทบาทที่แสดงตามแนวทางเท่านั้น ประการแรกคือคนที่ยอมรับ สืบสาน พัฒนา และเสริมสร้างประเพณีของตน เมื่อมาถึงโรงละคร ฉันก็พบว่าตัวเองรายล้อมไปด้วยดาราดังมากมาย เห็นว่าการแสดงของใครน่าทึ่งมาก ปรากฏชัดว่า คุณยังทำอะไรไม่เป็น โรงเรียนนั้นเป็นเพียงก้าวแรกเท่านั้น ก้าวไปสู่อาชีพ และเพื่อที่จะก้าวต่อไป คุณจะต้องเฝ้าดู เรียนรู้ และรับเอาเคล็ดลับแห่งความเชี่ยวชาญจากผู้ที่อยู่ในระดับสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง และเราซึ่งเป็นคนหนุ่มสาวที่มาที่โรงละคร มองพวกเขาเป็นเทพเจ้า นักมายากล พ่อมด และเรียนรู้จากพวกเขา และมีบางคนและบางสิ่งที่ต้องเรียนรู้และรับเลี้ยงในโรงละคร Mikhail Fedorovich Astangov, Ruben Nikolaevich Simonov, Nikolai Sergeevich Plotnikov, Cecilia Lvovna Mansurova, Nikolai Olimpievich Gritsenko, Elizaveta Georgievna Alekseeva, Vladimir Ivanovich Osenev, Elena Dmitrievna Ponsova - ช่างเป็นความสามารถดั้งเดิมที่หลากหลายและมั่งคั่ง! การดูพวกเขาเล่นเป็นประสบการณ์การเรียนรู้ที่ยอดเยี่ยม ไม่ต้องพูดถึงว่าเราแต่ละคนได้มีส่วนร่วมกับการแสดงเดียวกันกับพวกเขามากแค่ไหน
ต้องบอกว่าทัศนคติต่อประเภทของนักแสดงไม่เปลี่ยนแปลง มันเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา เมื่อฉันมาที่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg ตามโรงเรียน Shchukin Vakhtangov อุดมคติคือนักแสดงที่มีการเปลี่ยนแปลงสูงสุด ความสามารถในการแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ไม่อาจจดจำได้ และแตกต่างจากตัวฉันเองคือจุดสูงสุดของการแสดงสำหรับฉัน ฉันยังคงชื่นชมสิ่งนี้ แต่ตอนนี้ฉันคิดว่าสิ่งที่มีค่าที่สุดคืออย่างอื่น - บุคลิกภาพของนักแสดงเอง ในกรณีแรก มีคนประทับใจกับทักษะอัจฉริยะของวิธีที่นักแสดงทำ ประการที่สอง - สิ่งสำคัญคือและเบื้องหลังนี้คือความลึกของมนุษย์ เอกลักษณ์ และความร่ำรวยทางจิตวิญญาณของบุคลิกภาพของนักแสดง: แน่นอนอย่างหนึ่ง ไม่ได้ยกเว้นอย่างอื่น นักแสดงที่น่าสนใจเช่น บุคลิกภาพของมนุษย์ให้ใช้การกลับชาติมาเกิดด้วยหากปราศจากสิ่งนี้ก็เป็นไปไม่ได้ในธุรกิจของเรา แต่ในขณะเดียวกัน ในทุกภาพที่พวกเขาสร้างขึ้น ก็ยังมีบุคลิกส่วนหนึ่งของพวกเขาอยู่ Cherkasov เก่งในเรื่องการเปลี่ยนแปลง สำหรับฉัน บทบาทที่สำคัญที่สุดของเขาคือ Dronov ซึ่งความลึกและความหมายของบุคลิกภาพของ Dronov ถูกคูณด้วยความลึกและความหมายของบุคลิกภาพของ Cherkasov และผลที่ได้คือเสียงร้องอันแหลมคมจากจิตวิญญาณของบุคคลที่สรุปชีวิตของเขา เสียงร้องจากจิตวิญญาณเกี่ยวกับวิธีการใช้ชีวิตเพื่อให้ความทรงจำเกี่ยวกับคุณถูกเก็บไว้ในใจของผู้คน
ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของนักแสดงเป็นสัญญาณของยุคสมัย ในปัจจุบัน สำหรับนักแสดงหลายคน บทบาทมีคุณค่าพอๆ กับการทำให้บุคลิกลักษณะและธีมของเขาโดดเด่นเท่านั้น
ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความคิดที่ทำให้คุณตื่นเต้นผ่านบทบาทเป็นสิ่งสำคัญสำหรับฉันในศิลปะการแสดง และสิ่งนี้ไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากด้านอารมณ์ของการแสดง ฉันพบอุดมคติในความกลมกลืนของทั้งสองอย่าง L. Pashkova ในละครเรื่อง Children of the Sun ใช้ชีวิตด้วยความรู้สึกที่เข้มข้นที่สุด แต่ความรุนแรงนี้ถูกกำหนดโดยความคิดเหล่านั้นที่ทำให้ทั้งลิซ่าและผู้แสดงบทบาทกังวล - L. Pashkova เพียงแค่กังวล กังวลเรื่องการแสดงก็ห้ามใช้โดยสิ้นเชิง อารมณ์ของความคิดคือสิ่งที่กำหนดนักแสดงในภาพยนตร์และละครในปัจจุบัน
ฉันได้เรียนรู้มากมายในเรื่องนี้จากนักแสดงที่ยอดเยี่ยมมิคาอิล Fedorovich Astangov เป็นครั้งแรกที่ฉันออกไปเล่นกับเขาในละครเรื่อง Before Sunset โดย G. Hauptmann ในตอนแรกในการแสดงนี้ฉันได้รับความไว้วางใจให้มีบทบาทเป็นฉากเล็ก ๆ น้อย ๆ - ที่ปรึกษาซึ่งนักแสดงหนุ่มเกือบทั้งหมดที่เข้าร่วมคณะละคร Evg ผ่านไป วาคทังกอฟ. ทุกครั้งหลังจากเล่นในตอนของฉัน ฉันจะไปที่หลังเวที และจากนั้นฉันก็ดูการเล่นของ Astangov มันเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงหนุ่ม
มิคาอิล เฟโดโรวิชเป็นนักแสดงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มีบุคลิกที่สดใส มีความเป็นส่วนตัว และไม่เหมือนใคร โดยทั่วไปผมคิดว่านักแสดงไม่ควรเป็นเหมือนใครๆ และถ้าทั้งหมดนี้ไม่เป็นเช่นนั้น ถ้าเขาไม่เป็นอิสระในการทำงาน ให้ติดตามใครสักคน เลียนแบบเกม ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทางการพูด การเคลื่อนไหว - นี่จะเป็นศิลปะรองอยู่แล้ว ตัวตนในโรงละครเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับความสำเร็จ
คุณลักษณะหลักของการแสดงของ Astangov คือเขายังคงมีบุคลิกที่ใหญ่โตและมีสีสันอยู่บนเวทีอยู่เสมอ สำหรับเขา ทุกบทบาทได้รับการจัดโครงสร้างอย่างมีเหตุผลและชัดเจนในทุกรายละเอียด ทุกการเคลื่อนไหวได้รับการตรวจสอบ มีความหมาย และนำไปสู่ความสมบูรณ์แบบ เป็นนักแสดง-นักวิเคราะห์ที่คิดกว้างๆ เขาไม่เคยปล่อยให้อารมณ์มาบดบังเขา แนวคิดหลักซึ่งเขาพยายามแสดงออกและถ่ายทอดให้กับผู้ชมในบทบาท แต่เมื่อพิจารณาจากเนื้อหาดราม่า เขาต้องเผชิญกับปัญหาของมนุษย์ทั่วโลก ความคิดอันลึกซึ้ง จิตใจของเขาดูเหมือนจะไม่มีขีดจำกัด ความคิดอันใหญ่โตกระตุ้นอารมณ์อันใหญ่โตในตัวเขา หากเขาปกป้องความคิด ตำแหน่งฮีโร่ เขาจะปกป้องมันด้วยความหลงใหล เจ้าอารมณ์ และด้วยแรงบันดาลใจ
ก่อนที่จะขึ้นเวทีมิคาอิล Fedorovich มักจะใช้เวลานานมากในการเตรียมตัวสำหรับบทบาทนั่งบนเวทีเป็นเวลานานเตรียมตัวสำหรับการเข้าและมักจะปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมที่ได้ใช้ชีวิตส่วนหนึ่งของชีวิตฮีโร่ของเขาไปแล้วภายในแล้ว ล้นหลามพร้อมที่จะโยนสภาพของเขาให้กับผู้ชม สำหรับการเปรียบเทียบ ฉันจะบอกว่า ตัวอย่างเช่น Cecilia Lvovna Mansurova ชอบที่จะกระโดดขึ้นไปบนเวทีและเล่นทั้งฉากด้วยคลื่นอารมณ์นี้
Ruben Nikolaevich Simonov ปรากฏตัวบนเวทีในช่วงสุดท้ายเขาชอบที่จะสายนิดหน่อยเพื่อที่พวกเขาจะรอทางเข้าของเขาอยู่แล้วจากนั้นก็มีเพียงเขาเท่านั้นที่ปรากฏ แต่ละคนมีจุดอ่อนของตัวเอง มีเทคนิคของตัวเอง ซึ่งแสดงให้เห็นถึงลักษณะของนักแสดงเหล่านี้ และความเป็นปัจเจกของพวกเขา
ตลอดชีวิตของฉันฉันจำวลีหนึ่งจาก Astangov ซึ่งเปิดเผยวิธีการทำงานของเขาเกี่ยวกับบทบาทและการแสดงโดยรวมเป็นหลัก เขากล่าวว่า: “เราต้องวางรางรถไฟก่อน จากนั้นไม่ว่าฉันจะอารมณ์ดีหรือไม่ก็ตาม รางรถไฟก็จะพาฉันไปในทิศทางที่ถูกต้อง” ดังนั้น ในการทำงานบทนี้ สิ่งแรกที่เขาทำคือวางรางรถไฟเพื่อนำฮีโร่ของเขาไปในทิศทางที่ถูกต้อง เขาเชื่อว่าบทบาทควรทำอย่างถูกต้องเพื่อไม่ให้ขึ้นอยู่กับอารมณ์ - วันนี้มีนักแสดงอยู่ในอารมณ์ซึ่งหมายความว่าเขาจะเล่นได้ดีไม่มีอารมณ์ - เขาก็จะต้อง รอการแสดงครั้งต่อไป รออารมณ์มาเยี่ยมเขา Astangov ไม่รวมช่วงเวลาแห่งการพึ่งพาเหตุผลภายนอกอารมณ์ของนักแสดงหรือไม่อารมณ์ในงานของเขา ผู้ชมและคู่หูบนเวทีไม่ควรขึ้นอยู่กับอารมณ์ของนักแสดงคนใดคนหนึ่ง ตามปกติแล้ว ผู้ชมทั่วไปจะมาชมการแสดงเพียงครั้งเดียวและแน่นอนว่าต้องการเห็นการแสดงในรูปแบบที่ดีที่สุด และถ้าบทบาทนี้ทำได้ดี ถ้า "วางราง" นักแสดงก็จะเล่นในระดับที่เป็นศิลปะเสมอ อย่างน้อยก็แม่นยำ ระดับการปฏิบัติงานของเขาในกรณีนี้นั้นถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าเป็นส่วนใหญ่แล้วโดยระดับการดำเนินการตามบทบาท ความแม่นยำ และระดับความพร้อม ในแง่นี้การทำงานร่วมกับ Astangov มีประโยชน์และจำเป็นอย่างยิ่งสำหรับฉันอย่างยิ่ง
การเล่นถัดจาก Nikolai Sergeevich Plotnikov เป็นโรงเรียนเดียวกัน ในละครเรื่อง The Great Sovereign โดย V. Solovyov ซึ่งเขารับบทเป็น Shuisky ฉันปรากฏตัวเป็นตัวประกอบจากนั้นก็อยู่จนจบการแสดงและดูเขาเล่น ฉันยังดู Ruben Nikolaevich Simonov เล่นหลายครั้งด้วย
เมื่อเร็วๆ นี้ เป็นเพียงการศึกษาอย่างใกล้ชิดเท่านั้น เราดูปรมาจารย์ละครเวทีผู้ยิ่งใหญ่ และเราต้องเป็นหุ้นส่วนกับพวกเขา และบทเรียนเหล่านี้มีประโยชน์มาก คุณต้องผ่านมันไป เพื่อที่ภายหลังเมื่อคุณได้มีโอกาสเล่นกับพวกเขาในการแสดงเดียวกัน จะได้ไม่สับสน เข้าทำนอง และกลายมาเป็นคู่หูบนเวทีจริงๆ . และสิ่งเหล่านี้เป็นบทเรียนในการทำงาน ในทางปฏิบัติ ในการสื่อสารกับผู้ทรงคุณวุฒิบนเวที อะไรจะทดแทนบทเรียนดังกล่าวได้?..
หลังจากรับบทที่ปรึกษาใน Before Sunset หลายผลงาน ในที่สุดฉันก็ได้รับบท Egmont การได้เล่นกับ Astangov ในการแสดงเดียวกัน เป็นครั้งแรกที่ฉันรู้สึกอย่างแท้จริงว่าคู่หูบนเวทีคืออะไร และการเป็นคู่หูของนักแสดงนั้นมีความหมายอย่างไร ฉันรู้สึกว่าดวงตาของมิคาอิล เฟโดโรวิชเจาะทะลุผ่านตัวคุณ เช่นเดียวกับการเอ็กซ์เรย์ เขาส่องทะลุ จ้องมอง และเรียกร้องจากคุณตลอดเวลาในชีวิตจริงบนเวที ความรู้สึกซึ่งกันและกัน การมีส่วนร่วม และความเห็นอกเห็นใจ เขาไม่เคยคิดถึงคู่ของเขาเลย เขารวมคุณไว้ในขอบเขตความสนใจของเขาอย่างสม่ำเสมอ มากเสียจนก่อนที่เขาจะจ้องมอง คุณจะไม่ถูกรบกวนอีกต่อไป พูด และไม่ได้ใช้ชีวิตทั้งฉากตั้งแต่ต้นจนจบ มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะจ่ายสิ่งนี้กับเขา ฉันเห็นว่าทัศนคติของเขาที่มีต่อตัวละครของฉันเปลี่ยนไปอย่างไรระหว่างการแสดง จากนั้นเขาก็มองมาที่ฉันอย่างระมัดระวังรอดูว่าลูกชายของเขาจะประพฤติตนอย่างไรในสถานการณ์ที่ยากลำบากสำหรับเขา - เขาจะไม่ทรยศต่อเขาเขาจะไม่กลายเป็นคนขี้ขลาดเหรอ? และฉันเกือบจะสัมผัสได้ถึงการจ้องมองของเขา ความตื่นเต้น ความห่วงใยที่มีต่อลูกชายของเขา เขาจะชื่นชมลูกชายของเขาเมื่อรู้ว่าเขาปฏิเสธที่จะลงนามในเอกสารหมิ่นประมาทเพื่อต่อต้านเขา และตะโกนอย่างร่าเริง: "โอ้ จิบเลย" อากาศบริสุทธิ์! เอ็กมอนต์มอบอากาศบริสุทธิ์ให้เขา และที่นี่เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ตอบคำถามเงียบๆ ของเขา ต่อสภาพจิตใจของเขา ไปจนถึงการระเบิดของความสุข เป็นไปไม่ได้ที่จะรู้สึกเฉยเมยอยู่ข้างๆ เขา ราวกับว่าคุณติดอยู่ในสนามแม่เหล็กที่มีอิทธิพล
พูดตามตรงเลย มันเกิดขึ้นว่าหลังจากแสดงทั้งหมดกับคู่หูคนอื่นแล้ว คุณจะไม่มีวันสบตาเขาเลย ส่วนใหญ่มักจะเป็นการมองคุณหรือมองไปในทิศทางของคุณ แต่ไม่ใช่ที่คุณไม่ใช่ในสายตาของคุณด้วยความปรารถนาที่จะอ่านบางสิ่งในนั้นความเจ็บปวดหรือความสุขด้วยความพร้อมที่จะตอบสนองต่อสภาพของคุณ และในบรรดาปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่สิ่งนี้มักจะให้ความสนใจต่อคู่ครองซึ่งเป็นทัศนคติอันศักดิ์สิทธิ์ต่อเขา พวกเขาเข้าใจเหมือนไม่มีใครว่าหากไม่มีคู่หู คุณจะไม่สามารถแสดงฉากนี้ได้เต็มศักยภาพ
ฉันมีสิ่งเดียวกันกับ Nikolai Sergeevich Plotnikov ทุกประการ ตอนที่เขาอยู่บนเวที ฉันละสายตาจากเขาไม่ได้เลย นี่เป็นกรณีใน “The Stone Guest” ซึ่งเขารับบทเป็นคนรับใช้ของ Leporello และนี่คือกรณีใน “Coronation” ของ L. Zorin เรามีฉากที่ยอดเยี่ยมในการแสดงครั้งนี้เมื่อหลานชายมาหาปู่ของเขา Kamshatov Sr. เพื่อชักชวนให้เขาไปร่วมงานฉลองวันครบรอบที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา Kamshatov ปฏิเสธที่จะทำเช่นนี้ซึ่งทำให้เกิดความปั่นป่วนในบ้าน ญาติๆ ของเขาทั้งหมดชักชวนให้เขาไปงานเฉลิมฉลอง ต่างมีผลประโยชน์ของตนเอง มีจุดมุ่งหมายของตนเอง แล้วฮีโร่ของฉันก็เป็นคนสุดท้ายที่มาหาเขา เขาเพิ่งสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยและมีความฝันที่จะประกอบอาชีพ ปกป้องวิทยานิพนธ์ระดับปริญญาเอก และเดินทางไปทำธุรกิจในต่างประเทศ ดังนั้นเขาจึงร่วมชักชวนปู่ที่ดื้อรั้นให้ไปงานวันครบรอบเพราะเขาเข้าใจว่าการกบฏของ Kamshatov Sr. นี้อาจส่งผลต่อ Kamshatov Jr. และอาชีพของเขาได้อย่างไร
ฉันก็เลยออกไปหาเขา Plotnikov-Kamshatov ทักทายฉันด้วยสายตาเหล่อย่างเจ้าเล่ห์พูดว่า มาเลย มาเลย คุณมากับอะไร? และเขาเสนอเกมสำหรับเด็กให้ฉันซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยเล่นกับฉันในวัยเด็ก เขาถามว่า “แล้วเจ้าของบ้านล่ะ?” ฉันตอบว่า: "ที่บ้าน" - “หีบเพลงพร้อมหรือยัง?” - "พร้อม." - "ฉันเล่นได้ไหม?" - "สามารถ". แล้วเขาก็ถามว่า:“ คุณถูกส่งไปแล้วเหรอ?” ซึ่งฉันตอบเขาไปว่า: “ทำไมคุณปู่ถึงทำเช่นนี้?” แม้ว่าฉันจะเห็นว่าปู่ของฉันเข้าใจทุกอย่างแล้ว แล้วเขาก็มองมาที่ฉันราวกับถามว่า: "มาเลยคุณจะชักชวนฉันอย่างไร" และฉันก็รอดูว่าจะใช้ข้อโต้แย้งอะไรบังคับให้เขาไปงานวันครบรอบ และฉันเห็นสีหน้าของเขาเปลี่ยนไปทีละน้อย จนถึงขั้นสติแตก ร้องไห้ เมื่อในที่สุดเขาก็เชื่อมั่นว่าอาชีพนี้เติบโตขึ้นมาข้างๆ เขา ซึ่งไม่มีอะไรศักดิ์สิทธิ์ และไม่ดูหมิ่นอะไรเลย
เราเล่นฉากนี้โดยไม่ละสายตาจากกัน อารมณ์แบบไหนที่ปะทุขึ้นใน Nikolai Sergeevich เขาเต็มไปด้วยเลือดได้อย่างไรกรีดร้องจากนั้นก็ดึงตัวออกจากฉันอย่างรังเกียจและฉันเกือบจะรู้สึกถึงทัศนคติของเขาที่มีต่อฉันทางร่างกาย ฉันไม่เคยหยุดที่จะชื่นชมว่าเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงหนุ่ม - โรงเรียนการแสดงที่สูงที่สุด
ฉันเล่นกับ Plotnikov มากมายและแน่นอนว่าฉันรู้สึกขอบคุณอย่างยิ่งต่อโชคชะตาสำหรับสิ่งนี้ ฉันจะบอกว่าเขาเป็นแบบนั้นเสมอโดยปรากฏตัวทันทีเหมือน Astangov หันหน้าเข้าหาคู่ของเขาเสมอ นอกจากนี้เขายังชอบที่จะสร้างตัวละครขนาดใหญ่ที่มีลายเส้นขนาดใหญ่และเข้มข้น เขาไม่ได้แบ่งบทบาทออกเป็นรายละเอียด ไม่ทำให้มันเล็ก ไม่หลงใหลกับการแสดงตัวละคร เขายังคงเป็น Plotnikov อยู่เสมอและในขณะเดียวกันก็มีส่วนร่วมในบทบาทจนดูเหมือนเป็นไปไม่ได้ที่จะร้อยเข็มระหว่างเขากับภาพที่เขาสร้างขึ้น - นั่นคือการเปลี่ยนแปลงของเขาเป็นตัวละคร เขาเกือบจะไม่ได้ใช้การแต่งหน้า แต่เขาไม่ต้องการมัน ด้วยการแสดงออกภายนอกขั้นต่ำ เขาจึงสร้างตัวละครที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นั่นคือสิ่งที่มันเป็น ไม้ลอยทักษะการแสดง
บางครั้งมันเกิดขึ้นที่นักแสดงในการแสวงหาตัวละครในความพยายามที่จะซ่อนตัวเองไว้เบื้องหลังบทบาทมาด้วยหน้ากากการแต่งหน้าที่ซับซ้อนและบางครั้งก็ถูกพาตัวไปโดยที่เบื้องหลังทั้งหมดนี้คุณจะไม่เห็นบุคคลนั้นอีกต่อไป แต่แทนที่จะมีหุ่นที่เตรียมไว้เดินไปรอบๆ เวทีแทน แต่ตัวละครของ Plotnikov ไม่เคยบดบังตัวเอง ความคิดริเริ่มของมนุษย์ และขนาดของบุคลิกภาพของเขา ภายนอกดูเหมือนเขาจะไม่เปลี่ยนแปลงอะไรเกี่ยวกับตัวเองและในขณะเดียวกันเขาก็แตกต่างอยู่เสมอ: ไม่ว่าจะเป็น Shuisky ใน "The Great Sovereign" หรือ Kamshatov ใน "Coronation", Leporello ใน "The Stone Guest" หรือ Domitian ใน "Lyon ". สำหรับเขาสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการสร้างภาพลักษณ์ภายใน เจาะลึกถึงแก่นแท้ของภาพ เข้าใจสิ่งสำคัญในนั้น และวิธีการแสดงออกก็สงวนไว้ แต่แม่นยำ กว้างขวาง และมีความหมายเสมอ การสร้างภาพลักษณ์ของ Shuisky ชายผู้น่ากลัว นักล่า ทรยศ ฉลาดและมีไหวพริบคนนี้ ภายนอกดูเหมือนว่าเขาไม่ได้เปลี่ยนแปลงอะไรเกี่ยวกับตัวเขาเอง แต่ภายในเขาเกิดใหม่ได้อย่างไร! มันเป็นสุนัขจิ้งจอกผู้รอบรู้ เป็นสัตว์ร้ายในร่างมนุษย์ ยิ้มเจ้าเล่ห์ เห็นทุกสิ่ง ถักทอสายใยที่ซับซ้อนแห่งอุบาย! และทั้งหมดนี้มีวิธีการแสดงออกภายนอกน้อยที่สุด นี่คือความหมายของการเปลี่ยนแปลงที่แท้จริงให้เป็นภาพ!
เรามักจะได้ยินหรือแม้แต่ถามตัวเองว่า “การเป็นบุคคลในงานศิลปะหมายความว่าอย่างไร” ดังนั้นฉันคิดว่า Nikolai Sergeevich ให้คำตอบที่ละเอียดถี่ถ้วนแก่ฉันสำหรับคำถามนี้ไม่ใช่ด้วยคำพูด แต่ด้วยการกระทำด้วยทัศนคติในการทำงานต่อผู้คนต่อสิ่งที่ตัวเขาเองได้เห็น - ตลอดชีวิต
นักแสดงยุคใหม่คิดไม่ถึงหากปราศจากความน่าสมเพชของพลเมือง วันนี้ผู้ชมจะไม่แปลกใจกับความเก่งกาจของวิธีการทางเทคนิค หากภาพสร้างขึ้นจากประสบการณ์ที่สั่งสมมาและการพิจารณาทั่วไปเท่านั้น ก็จะไม่พบเสียงสะท้อนที่ดีในหอประชุม
ขนาดภาพทั้งหมดที่สร้างขึ้นโดยนักแสดงจะพิจารณาจากขนาดบุคลิกภาพของเขาเป็นหลัก สิ่งสำคัญคือเขาใช้ชีวิตอย่างไร เขาตอบสนองต่อเหตุการณ์ในชีวิตอย่างไร โดยทั่วไป ฉันคิดว่าศิลปะและความเฉยเมย (เพื่อถอดความคำพูดของพุชกิน) เป็นแนวคิดที่ "เข้ากันไม่ได้" เมื่อฉันเห็นว่านักแสดงมีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างเฉยเมยหรือแม้แต่สงบต่อสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขา ต่อความอยุติธรรมในโลก ต่อความจริงที่ว่า ณ ที่ใดที่หนึ่ง แม้จะอยู่ห่างไกลมาก เลือดของผู้คนกำลังหลั่งไหล ราวกับว่าความชั่วร้ายแม้จะชั่วคราวกำลังได้รับ ด้านบนเข้าใจว่านักแสดงคนนี้เป็นศิลปินไปแล้วเขาจะไม่สร้างอะไรที่จริงจังหรือน่าตื่นเต้นอีกต่อไป สิ่งที่เหลืออยู่ก็คืองานฝีมือในความหมายที่เลวร้ายที่สุด ซึ่งพัฒนาขึ้นมาในอดีตเท่านั้น และศิลปะจะต้องปกป้องจุดยืน แก่นเรื่อง ความคิดนี้หรือสิ่งนั้นด้วยความสามารถและหลงใหล ไม่เช่นนั้นแล้วมันจะส่งผลเสียมากกว่าผลดี เพราะแม้แต่ความคิดที่ใจดีที่สุดซึ่งแสดงออกมาอย่างไร้ความสามารถและไร้เหตุผล ก็มีแนวโน้มที่จะถูกทำให้เสื่อมเสียชื่อเสียงมากกว่าที่จะพบเสียงสะท้อนในหัวใจของ ผู้ชม.
ใช่ นักแสดงจะต้องมีทั้งความเป็นพลเมืองและทักษะสูงผสมผสานกันอย่างแน่นอน และหากในคำปราศรัยของเขาต่อผู้อ่าน Nekrasov ยอมรับว่า "คุณอาจไม่ใช่กวี แต่คุณต้องเป็นพลเมือง" นักแสดงก็ต้องเป็นทั้งกวีและพลเมือง
และมีบุคลิกที่ไม่ธรรมดา และรักชีวิตอย่างที่ Plotnikov ชอบ
Nikolai Sergeevich เสียชีวิตเมื่ออายุแปดสิบสอง แต่เขาเป็นชายที่อายุน้อยที่สุดที่ฉันรู้จัก เขามีความมีชีวิตชีวา การมองโลกในแง่ดี และแม้กระทั่งความชั่วร้ายมากมาย วันหนึ่งเขาและฉันไปเดินเล่นหลังโรงละครริมอาร์บัต การเดินของเขาไม่แน่นอนอยู่แล้ว เข่าสั่น ขาไม่งอ และทันใดนั้นฉันก็เห็น: เขากำลัง "ยืน" ฉันถาม:“ คุณเป็นอะไรไป Nikolai Sergeevich?” และเขา:“ Vasechka ดูสิว่าเธอสวยแค่ไหน!” และเขาหรี่ตาเหมือนแมวจอมซน...
สามวันก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เขาบอกฉันที่ทางเดินในโรงละครว่า “วาเชคกา เมื่อฉันตาย ให้นั่งบนเก้าอี้ที่โต๊ะของฉันในห้องแต่งตัว ฉันยกตำแหน่งของฉันให้กับคุณ” ตั้งแต่นั้นมาฉันก็นั่งอยู่บนเก้าอี้ของเขา
ศิลปะการละครคือการฝึกฝนอย่างต่อเนื่อง เช่น การซ้อมในตอนเช้า การแสดงในตอนเย็น และอื่นๆ วันแล้ววันเล่า
ต่างจากภาพยนตร์ที่ผู้กำกับ ช่างกล้อง และบรรณาธิการตัดสินใจอย่างมากสำหรับศิลปิน ในโรงละครในระหว่างการแสดง ภาระทั้งหมดตกอยู่ที่นักแสดง และเขาก็ทำลายการผลิตหรือทำ "ขนม" จากละครธรรมดาๆ
โดยทั่วไปแล้ว ฉันโชคดีที่มีคนที่การสื่อสารไม่เพียงแต่เป็นการฝึกอบรมทางเทคนิคระดับมืออาชีพเท่านั้น นี่คือการสื่อสารทางจิตวิญญาณเสมอ เป็นโอกาสในการเรียนรู้ที่จะเป็นมนุษย์ ฉันประหลาดใจเสมอกับ Ruben Nikolaevich Simonov กับเยาวชนทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ที่น่าทึ่งและอารมณ์โรแมนติกของเขา ความซื่อสัตย์และความแข็งแกร่งอยู่ใกล้และเข้าใจได้สำหรับฉัน ตัวละครที่ทันสมัยใน Mikhail Ulyanov ความฉลาดระดับสูงและมนุษยนิยมของ Yuri Yakovlev ความมีน้ำใจของพรสวรรค์ของ Nikolai Olimpievich Gritsenko
แน่นอนว่าถิ่นที่อยู่ของ "กลุ่มดาวใหญ่" ของนักแสดงไม่ได้เป็นเพียงโรงละครเท่านั้น และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ไม่ใช่แค่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg เท่านั้น วาคทังกอฟ. ในกาแล็กซีอันไม่มีที่สิ้นสุด เราไม่ได้อยู่คนเดียวอย่างแน่นอน มีและเป็นดวงดาวและกลุ่มดาวที่มีขนาดไม่น้อยใน Moscow Art Theatre, Maly Theatre, Bolshoi Drama Theatre ซึ่งตั้งชื่อตาม G. A. Tovstonogov ใน Alexandrinka ที่มีชื่อเสียง - รายชื่อสามารถดำเนินต่อไปได้ ฉันแค่ตั้งชื่อคนที่ใกล้ชิดกับฉันมากขึ้นซึ่งการกระทำที่โชคชะตาพาฉันมาพบกันซึ่งฉันมีโอกาสสังเกตมากขึ้นสื่อสารเป็นเพื่อนและผู้ที่ฉันมีโอกาสเรียนรู้
ตัวอย่างเช่น ฉันได้พบกับ Alexei Kuznetsov นักแสดงที่โรงละคร Vakhtangov และเป็นเพื่อนเก่าของฉันเมื่อปี 1953 ในกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Certificate of Maturity" ตอนนั้นฉันอยู่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 10 และเล่นเป็นนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 10 ส่วน Alyosha Kuznetsov อยู่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 และเล่นเป็นน้องชายของฉันซึ่งเป็นนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 ในวันที่ถ่ายทำ เขาถูกรับตรงจากโรงเรียนและขับรถไปที่กองถ่าย พ่อของเขาเป็นผู้กำกับกลุ่มภาพยนตร์ที่ Mosfilm ซึ่งอาจเป็นสาเหตุว่าทำไมเขาถึงพบว่าตัวเองอยู่หน้ากล้องถ่ายภาพยนตร์ตั้งแต่อายุยังน้อย จากนั้นเมื่อถึงเวลาเขาก็เข้าโรงเรียนโรงละคร Shchukin เช่นเดียวกับฉัน พอเรียนจบก็เล่นบทคนแบกน้ำเก่งในละคร” เป็นคนใจดีจากเสฉวน” ตามที่ Brecht กล่าว Alexey ร่วมกับหลักสูตรที่นำโดย Yuri Petrovich Lyubimov ไปสร้างโรงละครใหม่“ On Taganka” แต่ Ruben Nikolaevich Simonov ชักชวนให้เขาอยู่ในโรงละครโดยสัญญาว่าจะมีโอกาสที่ดี และแน่นอนหลังจากเข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov เขาก็ยุ่งอยู่กับการแสดงและมีบทบาทมากมาย แต่สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าโรงละครสามารถใช้ความสามารถของเขาในฐานะฮีโร่ผู้แต่งโคลงสั้น ๆ และความสามารถด้านการแสดงตลกที่หายากของเขาได้บ่อยขึ้น และเมื่อโรงละครนำโดย Evgeniy Rubenovich Alexei ก็ไม่เป็นที่ต้องการอีกต่อไป จากนั้นฉันก็จำคำเตือนของ Lyubimov เกี่ยวกับสิ่งที่รอเขาอยู่ในโรงละครวิชาการ แต่เวลาผ่านไปแล้วและคุณไม่สามารถนำสิ่งที่คุณสูญเสียไปกลับคืนมาได้ ตอนนี้ Alexey สอนกับฉันที่โรงเรียน Shchukin ในภาควิชาศิลป์ดังนั้นเราจึงเชื่อมโยงกันอยู่แล้ว (ซึ่งอาจไม่เคยเกิดขึ้น) ด้วยมิตรภาพห้าสิบปี และฉันรู้สึกขอบคุณต่อโชคชะตาที่เธอมอบเพื่อนให้ฉัน - มีความสามารถเชื่อถือได้และภักดี ไม่ใช่ทุกคนที่โชคดีในชีวิต
ฉันจะยังคงมีโอกาสพูดคุยเกี่ยวกับ Ruben Nikolaevich Simonov ในหนังสือเล่มนี้ ตอนนี้ฉันจะสังเกตเพียงว่ารากฐานที่เขาวางไว้ในตัวฉันตั้งแต่วันแรกของการทำงานในโรงละครยังคงช่วยได้จนถึงทุกวันนี้ จริงอยู่ที่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาเขาได้แสดงละครมาบ้างแล้วและมีส่วนร่วมน้อยลงกว่าเดิม แต่ถึงแม้การประชุมไม่กี่ครั้งเหล่านั้นใน ทำงานร่วมกันเป็นสิ่งล้ำค่า
ความตกใจที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฉันจากการแสดงของ Ruben Nikolaevich เกี่ยวข้องกับการแสดงบทบาทของ Cyrano de Bergerac ในบทละครของ Rostand ที่มีชื่อเดียวกัน ถ้อยคำของพระองค์: “คุณได้ยินความเคลื่อนไหวของโลกหรือไม่ และคุณรู้ไหมว่าคำว่า “นิรันดร์” หมายถึงอะไร?” - ฉันยังคงเก็บความทรงจำของฉันไว้จนถึงความแตกต่างที่เล็กที่สุด ฉันมองเห็นเขาอย่างชัดเจนและฉันคิดว่าความตกใจจากการเล่นของเขานี้จะคงอยู่กับฉันไปตลอดชีวิต มันแสดงได้อย่างทรงพลังมาก บนคลื่นแห่งการระเบิดทางอารมณ์ ความหลงใหลในพลเมือง
ไม่ สิ่งที่แทรกซึมเข้าไปในจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้ง เข้าสู่จิตสำนึกและจิตใต้สำนึกในเวลาเดียวกัน สิ่งที่ทำให้หัวใจเต้นรัว ไม่มีอะไรถูกบดบังอีกต่อไป ความตกใจดังกล่าวพบชั้นวางของในตัวบุคคลและถูกเก็บไว้ในนั้นโดยขัดขืนไม่ได้อันศักดิ์สิทธิ์ สำหรับฉัน มันเหมือนกับส้อมเสียงที่คุณอยากปรับแต่งอยู่เสมอ เหมือนความสูงที่คุณมุ่งมั่นมาทั้งชีวิตในความคิดสร้างสรรค์ของคุณ มันเหมือนกับอุดมคติที่คุณต้องการบรรลุ กระตุ้นการเติบโตและไม่ยอมให้คุณพักผ่อนกับสิ่งที่คุณประสบความสำเร็จ เราแต่ละคนต้องการความสูงในด้านความคิดสร้างสรรค์ ในการทำงาน และในชีวิต
นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับนักแสดงรุ่นเยาว์ เพราะถ้าคนหนุ่มสาวไม่ยอมรับประเพณีของโรงละคร พวกเขาจะไม่รู้สึกโดยตรงในงานของพวกเขาว่าระดับการแสดงที่แท้จริงคืออะไร “ไม้ลอย” คืออะไร แล้วพวกเขาควรศึกษาอะไร ควรมุ่งมั่นทำผลงานแบบไหนเป็นแบบอย่างให้กับตนเอง? Ruben Nikolaevich Simonov เข้าใจสิ่งนี้เป็นอย่างดีและได้รับคำแนะนำจากความเข้าใจนี้ในทางปฏิบัติอย่างสม่ำเสมอ ในการกระจายบทบาทในการแสดงใหม่และแนะนำนักแสดงใหม่ไปสู่การแสดงเก่าเขาพยายามเสมอที่จะวางเด็กไว้ข้างๆนักแสดงที่มีประสบการณ์โดยที่ปรมาจารย์เขาไม่เคยแยกคนหนุ่มสาวออกจาก "คนแก่" เขามักจะ "ผสม" พวกเขาอยู่เสมอ . และมันก็ฉลาด เมื่อ Plotnikov เล่นทางขวา Mansurova ทางซ้าย Gritsenko อยู่ข้างหน้า และ Astangov อยู่ข้างหลัง มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่นได้แย่ ไม่ว่าคุณจะต้องการหรือไม่ก็ตาม คุณจะตกอยู่ในรัศมีของพวกเขา ปรับให้เข้ากับคลื่นไฟฟ้าแรงสูงของพวกเขา
Evgeniy Rubenovich ก็เกิดความเชื่อมั่นแบบเดียวกันแม้ว่าจะไม่ใช่ในทันทีจากประสบการณ์อันขมขื่นของเขาเองหลังจากที่เขาแสดงการแสดงหลายครั้งกับคนหนุ่มสาวเท่านั้น หลังจากนั้นไม่นานฉันก็เห็นว่าโรงละครเริ่มสูญเสียระดับการแสดงและสูญเสียโรงเรียนไปได้อย่างไร หากไม่มีการเติมเต็มอย่างต่อเนื่องโดยไม่มีการสื่อสารกับผู้เล่นเก่าของ Vakhtangov สไตล์การเล่นก็เริ่มลดลง รสชาติและความรู้สึกของสัดส่วนเริ่มหายไป ความอดทนเริ่มเกิดขึ้นโดยที่ Ruben Nikolaevich ไม่เคยยอมให้อยู่บนเวทีของโรงละคร Vakhtangov
ฉันคิดว่า M.A. Ulyanov ทำซ้ำข้อผิดพลาดเดียวกันระหว่างการเป็นผู้นำทางศิลปะของโรงละคร การพึ่งพาเฉพาะเยาวชนโดยไม่เกี่ยวข้องกับ "ผู้เฒ่า" ถือเป็นภัยคุกคามต่อเยาวชนและ "โรงละคร" - "การเชื่อมต่อของเวลา" กำลังพังทลายลง: ทั้งหมดนี้สำคัญกว่าสำหรับทิศทางการแสดงละครเช่นของ Vakhtangov - จำเป็นต้องมีการถ่ายทอดประเพณี
หลังจาก Ruben Nikolaevich Evgeniy Rubenovich Simonov ยังคงทำงานของพ่อในโรงละครต่อไป เราทำงานร่วมกับเขาในโรงละครมานานกว่าหนึ่งในสี่ของศตวรรษ เริ่มตั้งแต่ปี 1957 ชีวิตที่สร้างสรรค์ทั้งหมดของเราเกิดขึ้นต่อหน้าต่อตากันและกัน ในช่วงเวลานี้ความรู้สึกที่สำคัญมากในการทำงานร่วมกันได้ถูกสร้างขึ้น: ความไว้วางใจซึ่งกันและกัน, ความเข้าใจซึ่งกันและกัน, มุมมองร่วมกันเกี่ยวกับศิลปะการละคร, เกี่ยวกับชีวิตซึ่งแน่นอนว่าเอื้อต่อความคิดสร้างสรรค์ บทบาทแรกของฉันในโรงละคร - Baklanov ใน "Eternal Glory" - ถูกสร้างขึ้นร่วมกับเขา เขายังคงนำทางฉันผ่านเขาวงกตที่ซับซ้อนของโรงละคร ปกป้องฉันจากความล้มเหลว มอบความไว้วางใจให้ฉันแสดงบทบาทที่ยากลำบากและหลากหลาย ฉันเตรียมผลงานการแสดงที่สำคัญเกือบทั้งหมดในโรงละครโดยการมีส่วนร่วมหรือคำแนะนำทั่วไป
นอกจากละครแล้ว ดนตรีและบทกวียังพาเรามาพบกัน Evgeniy Rubenovich เองก็ชอบอ่านบทกวีและมักจะพูดซ้ำ:“ วาสยาตามฉันมาคุณอ่านบทกวีได้ดีกว่าใครในโรงละคร” แน่นอนว่านี่เป็นเรื่องตลก แต่สำหรับฉัน สิ่งสำคัญคือโรงละครบทกวีที่เขายอมรับว่าเป็นโรงละครของฉันด้วย
การแสดงของเขาเกือบทั้งหมดเป็นละครเพลง และดนตรีในนั้นไม่เพียงแต่ฟังดูเป็นเพลงประกอบหรือการตกแต่งสำหรับการแสดงละครเท่านั้น แต่ยังเป็นองค์ประกอบสำคัญของเพลงที่แทรกซึมผ่านเข้าไป ทำให้อารมณ์ทั่วไปของการแสดงและโครงเรื่องส่วนบุคคล ความหมาย และแนวอารมณ์ ในนั้น.
เป็นสิ่งสำคัญมากในความสัมพันธ์ระหว่างผู้กำกับและนักแสดงเพื่อให้สามารถพูดได้อย่างเท่าเทียมกัน และบางครั้งก็โต้เถียงกันเพื่อค้นหาทางออกที่ดีที่สุดสำหรับการแสดง ฉาก หรือบทบาท โดยไม่ต้องอดทนต่อข้อพิพาทที่สร้างสรรค์ในความสัมพันธ์ที่มีอยู่ สิ่งนี้เป็นไปได้ด้วย Evgeniy Rubenovich ดังนั้นนักแสดงจึงไม่กลัวที่จะขัดแย้งกับเขาโดยรู้ว่าข้อเสนอที่สมเหตุสมผลใด ๆ ของพวกเขาจะได้รับการรับฟังหากไม่ขัดแย้งกับแนวคิดของผู้กำกับทั่วไปในบทละครก็สามารถยอมรับได้ - บางส่วนหรือทั้งหมด - หรือวิธีแก้ปัญหาที่น่าสนใจกว่าประการที่สาม ตัวอย่างเช่นสิ่งนี้เกิดขึ้นกับเราขณะทำงานในละครเรื่อง "Antony and Cleopatra" ผู้กำกับกำหนดให้ฉันและมิคาอิล อุลยานอฟต้องสร้างความเป็นปฏิปักษ์ระดับโลกอย่างต่อเนื่องและเข้ากันไม่ได้ระหว่างคู่ต่อสู้สองคนที่คู่ควรต่อกัน เป็นศัตรูกันทั้งชีวิตและความตาย คำถามต้องเป็น: เขาหรือฉัน ไม่มีทางเลือกอื่น และในที่สุดซีซาร์ก็ต้องเอาชนะแอนโทนีในการต่อสู้ครั้งนี้ เป็นเรื่องง่ายที่จะบอกว่าชนะ แต่จะทำยังไงเมื่อบทบาทของแอนโทนี่ไม่ใช่ใครอื่นนอกจากอุลยานอฟ! นอกจากนี้ ฉากกับเขาในตอนแรกมีโครงสร้างในลักษณะที่แอนโทนีพบว่าตัวเองอยู่ในตำแหน่งที่ได้เปรียบมากกว่าต่อหน้าซีซาร์เสมอ จะชนะการต่อสู้ได้อย่างไรหากคุณพบว่าตัวเองอยู่เบื้องหลังหากคุณอยู่ในตำแหน่งที่ไม่เท่าเทียมกับเขา? นี่ทำให้ภารกิจของซีซาร์ในการเอาชนะคู่ต่อสู้เป็นไปได้น้อยลง และเมื่อฉันบอก Evgeny Rubenovich เกี่ยวกับเรื่องนี้แล้วก็ถามแล้วก็เรียกร้องให้เปลี่ยนฉากในฉาก "Triumvirate" ในตอนแรกเขาก็ลุกเป็นไฟ และในวันรุ่งขึ้นเมื่อมาถึงการซ้อมเขาก็มาหาฉันจับมือฉันแล้วพูดว่า: "คุณพูดถูกวาสยาทุกอย่างถูกต้อง" จากนั้นเขาก็นั่งตรงข้ามกัน เปลี่ยนคู่ต่อสู้ของเราให้เป็นการต่อสู้ที่เข้ากันไม่ได้ และ... ฉากนั้นก็ปรากฏ ผลที่ตามมาคือความขัดแย้งระหว่างวีรบุรุษแห่งโศกนาฏกรรมที่เข้มแข็งเท่าเทียมกันของเช็คสเปียร์ซึ่งในที่สุดซีซาร์ก็ชนะ
ภาพเดียวกันนี้เกิดขึ้นซ้ำที่นี่ใน "ด้านหน้า" และอีกครั้งที่ Ulyanov เป็นฝ่ายตรงข้ามของฉัน ฉันในบทบาทของ Ognev ต้องได้เปรียบในการโต้เถียงกับ Gorlov และด้วยเหตุผลบางอย่าง Ulyanov จึงกลายเป็น "เจ้าแห่งสถานการณ์" ที่อยู่ตรงกลางเวทีเสมอ และเมื่อฉากมีการเปลี่ยนแปลง อีกครั้งหลังจากที่ฉันร้องขออย่างต่อเนื่องให้ทำการจัดเรียงใหม่ในฉากของ Ognev และ Gorlov ทุกอย่างก็เข้าที่
ฉันคิดว่านี่เป็นคุณสมบัติอันมีค่าของการเป็นผู้กำกับ - เพื่อรับฟังความคิดเห็นของนักแสดงและไม่ตกอยู่ในความทะเยอทะยาน - นี่เป็นข้อพิสูจน์ถึงความแข็งแกร่งและความมั่นใจในตนเองของผู้กำกับ ไม่ใช่จุดอ่อนของเขา และเพื่อไม่ให้เพื่อนร่วมงานของคุณขุ่นเคืองบนเวทีแม้ว่าพวกเขาจะทำผิดไม่ต้องเก็บงำความขุ่นเคืองเพราะมีคนไม่เห็นด้วยกับคุณในบางสิ่งบางอย่างในข้อพิพาท - สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการสร้างสถานการณ์ที่ไว้วางใจและสร้างสรรค์อย่างแท้จริง . ทุกสิ่งที่ทำในการทำงานร่วมกันและที่จะทำในอนาคตไม่ควรถูกบดบังด้วยความขัดแย้ง ข้อพิพาท หรือสถานการณ์ความขัดแย้งใดๆ เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในความพยายามที่จะสร้างสรรค์ใดๆ และหากได้รับการปฏิบัติอย่างถูกต้อง ก็จะเป็นประโยชน์สำหรับทั้งนักแสดงและผู้กำกับ
โดยเฉพาะอย่างยิ่งฉันให้ความสำคัญกับความกล้าหาญของผู้กำกับความสามารถในการทดลองโดยไม่ต้องกลัวซึ่งแน่นอนว่าไม่ใช่เรื่องประมาท แต่เป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล ความพยายามสร้างสรรค์ใดๆ ก็ตามที่มีชีวิตนั้นเกี่ยวข้องกับความเสี่ยงในระดับหนึ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของผู้กำกับ ท้ายที่สุดแล้วหากเขาไม่เสี่ยง ไม่มองหาสิ่งใด กลัวการทำผิดอยู่ตลอดเวลา เขาก็จะไม่สามารถสร้างสรรค์สิ่งที่น่าสนใจ สดใหม่ แปลกใหม่ และจะไม่มีทางประสบความสำเร็จในฐานะผู้กำกับได้
ใช่ ฉันคิดว่าต้องใช้ความกล้าหาญอย่างมากในการตัดสินใจทดลอง ตัดสินใจ และหากจำเป็น ยืนกรานในเรื่องที่ไม่รับประกันความสำเร็จ ซึ่งในหลาย ๆ ด้านมีความเสี่ยงและไม่มั่นคง สิ่งนี้เกิดขึ้นเช่นระหว่างการกระจายบทบาทในละครเรื่อง The Thirteenth Chief โดย A. Abdullin ซึ่งฉันได้รับการเสนอ บทบาทหลัก. หลายคนประหลาดใจกับการตัดสินใจของ Evgeny Rubenovich และเพื่อนร่วมงานรุ่นเยาว์ของเขา - ผู้กำกับ V. Shalevich และ O. Forostenko พวกเขาถูกหยุดเตือนแนะนำให้คิดโดยพิจารณาจากบทบาทของ Sagadeev ประธานฟาร์มรวมไม่ใช่ของฉัน นอกจากนี้คณะละครยังมีประธาน "สำเร็จรูป" ซึ่งทุกคนยอมรับและยอมรับในภาพยนตร์เรื่อง "The Chief" - Mikhail Ulyanov สำหรับฉันในตอนแรกดูเหมือนว่าบทบาทไม่เหมาะกับคุณลักษณะของฉัน แต่ทั้งคำเตือนของเพื่อนร่วมงานและความสงสัยของฉันก็ไม่สามารถหยุดยั้งพวกเขาได้ และผลลัพธ์ก็เป็นสิ่งที่คาดไม่ถึงสำหรับทุกคนรวมทั้งฉันด้วย
Evgeniy Rubenovich ไว้วางใจนักแสดงบางครั้งเห็นพวกเขามากกว่าที่พวกเขาเห็นในตัวเองและมักจะชนะค้นพบคุณสมบัติใหม่ของความสามารถของพวกเขาในนักแสดงไม่อนุญาตให้พวกเขาซบเซาเพื่อหยุดการเคลื่อนไหวที่สูงขึ้น
สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับบทบาทของโรแลนด์ใน "The Hussar Girl" โดย F. Koni หลายคนดูเหมือนไม่ใช่บทบาทของฉัน หนังตลกนั้นไม่ใช่บทกวีของฉัน และเขาเชื่อในตัวฉัน ยืนกรานให้ฉันได้รับการแต่งตั้งให้รับบทบาทนี้ และเป็นคนที่มีความสุขที่สุดเมื่อเห็นได้ชัดว่าบทบาทนี้ได้ผล นักแสดงจะไม่รู้สึกขอบคุณผู้กำกับสำหรับเรื่องนี้ได้อย่างไร เขาจะไม่เชื่อสัญชาตญาณ ความเข้าใจ และความสามารถในการทำงานร่วมกับนักแสดงได้อย่างไร เป็นเรื่องธรรมดาที่เมื่อมีความเสี่ยง ความล้มเหลวก็จะเกิดขึ้น พวกเขามาเยี่ยมชมโรงละครของเราด้วย แต่สิ่งสำคัญคือต้องปฏิบัติต่อพวกเขาอย่างไร ในกรณีเหล่านี้ Evgeniy Rubenovich ไม่ได้พยายามที่จะโยนความผิดให้กับนักแสดงหรือใครก็ตาม เขาไม่กลัวที่จะยอมรับความผิดพลาดของเขา เขารับโทษตัวเอง และนี่ก็พูดถึงความแข็งแกร่งของผู้กำกับด้วย คุณสามารถไว้วางใจเขา และพึ่งพาเขาได้ และสิ่งนี้มีความหมายแค่ไหนในทุกธุรกิจ! นอกจากนี้ยังมีข้อเสนอแนะที่นี่ หากผู้กำกับเชื่อในตัวนักแสดง เขาจะกระตุ้นงานของเขา การค้นหาของเขา เปิดโอกาสให้เขาพัฒนาบทบาทด้วยตัวเอง และไม่เพียงแต่อาศัยคำใบ้เท่านั้น แต่ยังได้รับความช่วยเหลือจากผู้กำกับอีกด้วย
อาจมีผู้กำกับหลายคนเท่าที่มีอยู่ มีวิธีการทำงานละครหรือภาพยนตร์หลายวิธีพอๆ กัน Evgeniy Rubenovich (ต่างจากพ่อของเขา Ruben Nikolaevich ซึ่งมีความสนใจในการทำงานร่วมกับนักแสดงมากกว่าชอบที่จะทำและให้ความสนใจน้อยลงกับแง่มุมในการแสดงละครล้วนๆ) เป็นของผู้กำกับที่ให้ความสำคัญกับการสร้างฉากมากกว่า สร้างฉากทั่วไป ภาพลักษณ์ของการแสดง และการควบคุมพื้นที่บนเวที เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่นักแสดงจะไม่หลุดออกจากกลุ่มการแสดงทั่วไปเพื่อจุดประสงค์นี้เขาได้รับเพียงทิศทางทั่วไปในงานของเขา ส่วนที่เหลือเมื่อจบบทบาทได้รับมอบหมายให้ผู้ช่วยของเขาและปล่อยให้นักแสดงเอง ฉันไม่ชอบการตกแต่งเครื่องประดับเลย นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมฉันถึงไม่ชอบนักแสดงที่แค่ “มองเข้าไปในปากผู้กำกับ” โดยไม่นำอะไรของตัวเองมาแสดง
และสุดท้าย บางทีสิ่งที่ฉันให้คุณค่ามากที่สุดในตัวผู้กำกับละครก็คือความสามารถในการเห็นคุณค่าของอดีตของเขา ซึ่งเป็นสิ่งที่เราสืบทอดมาจากนักแสดงและผู้กำกับรุ่นก่อนๆ ไม่มีความลับที่มันมักจะเกิดขึ้นในโรงละคร - ผู้กำกับคนใหม่เข้ามาและเริ่มที่จะทำลายทุกสิ่งปรับโฉมใหม่ในแบบของเขาเองไม่ว่านักแสดงจะยอมสละชีวิตทั้งชีวิตบนเวทีเริ่มคำนวณชีวิตของ โรงละครตั้งแต่วันที่เขามาถึงได้รับการชี้นำโดยปรัชญาของฮีโร่เกอเธ่: "โลกนี้ไม่มีอยู่ต่อหน้าฉันและถูกสร้างขึ้นโดยฉัน"
Evgeniy Rubenovich ปฏิบัติต่อผู้คุม Vakhtangov เก่าซึ่งอาจพูดด้วยความเคารพโดยตระหนักว่าหากไม่มีประเพณีหากไม่มีอดีตก็จะไม่มีปัจจุบันที่เขาก็จะไม่มีอะไรจะเกิดมา มันเหมือนกับในครอบครัวที่คุณอดไม่ได้ที่จะให้เกียรติพ่อแม่และผู้อาวุโสของคุณ คุณไม่สามารถเป็นโธมัสที่จำเครือญาติของคุณได้ เพราะเมื่อนั้นลูก ๆ ของพวกเขาจะเติบโตขึ้นอย่างไร้วิญญาณ พวกเขาจะไม่ทำให้คุณแก่ชรา โดยคำนึงถึงพวกเขาจะไม่แสดงความเคารพต่อผู้สูงอายุ และพวกเขาจะเติบโตขึ้นเป็นสัตว์ประหลาดทางจิตวิญญาณ ในทำนองเดียวกัน ในโรงละคร มาตรฐานทางจริยธรรมเหล่านี้จะต้องได้รับการอนุรักษ์และปกป้องอย่างศักดิ์สิทธิ์จากความหยาบคาย การดูหมิ่น และความไม่เคารพในพิธีการ
มีกรณีเช่นนี้ในโรงละครของเรา นักเขียนบทละครชื่อดังอ่านบทละครใหม่ของเขาที่คณะ พวกเราทุกคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านความคิดสร้างสรรค์ ไม่ได้รับการยกเว้นจากความล้มเหลว สิ่งเหล่านี้เกิดขึ้นแม้ในหมู่ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ผู้ยิ่งใหญ่และ ศิลปินที่ได้รับการยอมรับ. สำหรับนักเขียนบทละคร นี่เป็นความล้มเหลวอย่างสร้างสรรค์ที่เป็นที่ยอมรับ เห็นได้ชัดว่าตัวเขาเองรู้สึกว่าไม่ใช่ทุกอย่างที่ได้ผลสำหรับเขาดังนั้นเมื่อการอภิปรายเรื่องละครเริ่มขึ้นเมื่อนักแสดงทีละคนเริ่ม "ทุบ" ละครเขานั่งเงียบ ๆ ไม่ได้พยายาม พูดอะไรเพื่อปกป้องเขา ไม่ได้พยายามอธิบายอะไร แต่ฉันจำใบหน้าของ Evgeniy Rubenovich ในระหว่างการสนทนานี้ - หน้าซีด, ตื่นเต้น, กังวล, ความอึดอัดใจและความอับอายของเขาต่อหน้านักเขียนบทละครของนักแสดง ไม่ใช่เพราะคุณธรรม ไม่ใช่เพราะพวกเขาพูดบทละครได้ไม่ดี แต่เป็นเพราะรูปแบบการสนทนา เนื่องจากความรุนแรงที่พวกเขายอมให้มีในการอภิปราย การไม่เคารพน้ำเสียงต่อผู้เขียน พวกเขาตีแบ็คแฮนด์อย่างไร้ความปราณีเพราะนักแสดงรู้วิธีทำโดยลืมไปว่าก่อนหน้านั้นคือคนเขียนที่เคยทำละครของเรามาเยอะแล้วและยังทำได้มากกว่านี้อีกมาก ใช่ ละครไม่ประสบความสำเร็จ เราไม่ชอบมัน แต่รูปแบบการสนทนาควรมีไหวพริบ ให้ความเคารพต่อคู่สนทนา แม้ว่าบางอย่างเกี่ยวกับเขาหรืองานของเขาจะไม่เหมาะกับคุณหรือทำให้คุณหงุดหงิดก็ตาม นี่ไม่ได้หมายความว่าคุณสามารถปล่อยให้ตัวเองหยาบคาย กักขฬะ และไร้ยางอายในกรณีเช่นนี้ได้
หลังจากที่ผู้เขียนออกจากโรงละคร Evgeniy Rubenovich ก็พูดถึงเรื่องนี้กับนักแสดงด้วยอารมณ์ที่หาได้ยากสำหรับเขา ช่างเป็นบทเรียนที่เขาสอนพวกเราทุกคน! สิ่งสำคัญคือต้องมีวัฒนธรรมและความเหมาะสมของมนุษย์ไม่ว่าเราจะพูดถึงชีวิตมนุษย์ในด้านใด - เขาบังคับให้หลายคนที่อยู่ในการสนทนานั้นคิดอย่างจริงจังและลึกซึ้งเกี่ยวกับเรื่องนี้ในวันนั้นและวาดบทเรียน จากเหตุการณ์นี้ไปตลอดชีวิต
เราทุกคนต้องจำสิ่งนี้ไว้เสมอ!
น่าเสียดายที่การทำงานในโรงละครในปีสุดท้ายไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับ Evgeniy Rubenovich เขาไม่รู้สึกว่าโรงละครกำลังสูญเสียตำแหน่งที่ชนะมาก่อนหน้านี้และกำลังจะตกต่ำลง เขายอมรับสำหรับการผลิตบทละครที่อ่อนแออย่างเห็นได้ชัดซึ่งถึงวาระที่จะล้มเหลวล่วงหน้า และไม่อนุญาตให้ผู้กำกับคนอื่นที่สามารถยกระดับการแสดงขึ้นแสดงได้ ด้วยการอาศัยแต่นักแสดงรุ่นเยาว์เท่านั้น เขาจึงลิดรอนโอกาสที่จะเรียนรู้จากผู้เฒ่าและได้รับประสบการณ์จริงๆ ดังนั้นโรงละครซึ่งค่อนข้างคึกคักไปด้วยผลงานที่น่าสนใจเมื่อเร็ว ๆ นี้จึงประสบปัญหาการลดลงอย่างเห็นได้ชัด การหมักเริ่มขึ้นในโรงละคร คณะแบ่งออกเป็นผู้สนับสนุนและฝ่ายตรงข้ามของหลักสูตรที่ผู้กำกับดำเนินการ หรือค่อนข้างขาดหลักสูตร คำถามเกี่ยวกับการเปลี่ยนทิศทางทางศิลปะเกิดขึ้นตามธรรมชาติ Evgeniy Rubenovich มีช่วงเวลาที่ยากลำบากในการออกจากโรงละครซึ่งเขาทำงานมาหลายปีและสร้างการแสดงมากกว่าหนึ่งรายการที่ประดับโปสเตอร์รวมถึง "Irkutsk Story", "Filumena Marturano", "Antony and Cleopatra", "Front" ที่มีชื่อเสียง คงจะถูกต้องกว่าถ้าจะบอกว่าเขาไม่รอดจากการจากไปและไม่พบว่าตัวเองอยู่ในโรงละครอื่นก็ถึงแก่กรรมในไม่ช้า นี่คือชะตากรรมของผู้กำกับที่มีพรสวรรค์คนนี้ แต่อย่างใดก็หายไปเมื่อสิ้นปีของเขา หลายปีต่อมาและเมื่อคิดถึงเขา สำหรับฉันดูเหมือนว่าทุกอย่างจะแตกต่างออกไปหากทั้งสองฝ่ายตกลงที่จะประนีประนอมบางอย่าง - ทั้งเราและเขา ฉันคิดว่าน่าจะพบได้ แต่ทั้งสองฝ่ายต่อต้าน - และนี่คือผลลัพธ์ ตอนนี้ฉันอยากจะบอกว่าฉันเสียใจที่เราไม่สามารถบรรลุข้อตกลงได้ แต่คุณไม่สามารถคืนสิ่งที่เกิดขึ้นได้
Vakhtangov มีกฎที่ยอดเยี่ยม: เขาจะต้อง "ส่งมอบ" ผลงานของเขางานสอนของเขาในกลุ่มสตูดิโอต่าง ๆ ในขณะที่เขาวางไว้ให้กับ Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko และทีมงานของ Art Theatre เขามักจะกล่าวถึงสิ่งนี้ในสมุดบันทึกของเขา โดยเชื่ออย่างถูกต้องว่าด้วยวิธีนี้การเชื่อมโยงแบบอินทรีย์ได้ถูกสร้างขึ้นระหว่างกิจกรรมการกำกับและการสอนของเขากับคำสอนของ Stanislavsky และชีวิตสร้างสรรค์ของ Moscow Art Theatre
การแสดงครั้งแรกที่ Vakhtangov จัดแสดงที่ Moscow Art Theatre Studio คือ "Feast of Peace" ของ Hauptmann รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี 1913 การแสดงนี้เป็นการแสดงออกถึงความหลงใหลครั้งแรกของ Vakhtangov ที่มีต่อหลักการของ "โรงเรียนแห่งประสบการณ์" ใหม่ที่ Stanislavsky ประกาศ ดังที่ P.A. นักวิจารณ์ละครชื่อดังเขียนไว้ Markov อยู่ใน "เทศกาลแห่งสันติภาพ" นักเรียนหนุ่มของ Sulerzhitsky ค้นพบเป้าหมายของตัวเองและเทคนิคการกำกับส่วนบุคคล Vakhtangov ขยายการเล่นและกิจกรรมต่างๆ ทำให้เป็นสากลมากขึ้น เผยสิ่งที่ซับซ้อนที่สุด สถานการณ์แนวเขตโดยที่คำพูดคนเดียวของทุกคนคือคำสารภาพครั้งสุดท้ายที่มีจุดเริ่มต้นอันน่าเศร้า ฮีโร่ในบทละครของ Vakhtangov เต็มไปด้วยความหลงใหลในการวิเคราะห์ชีวิต ผู้เฒ่าของ Moscow Art Theatre นำโดย Stanislavsky ไม่ยอมรับการแสดง: พวกเขาพบว่าการแสดงของนักแสดงมีอาการประสาทอ่อน และไม่น่าแปลกใจที่ครูของ Vakhtangov เมื่อเห็นหลักการของพวกเขานำไปสู่การแสดงออกที่รุนแรงที่สุดก็หยุดด้วยความงุนงงต่อหน้านักเรียนที่มีความสม่ำเสมอที่เข้ากันไม่ได้เช่นนี้โดยไม่รู้จักผลจากการสอนของพวกเขาเองในงานของเขา แต่เหนือสิ่งอื่นใด การแสดงนี้เป็นการแสดงออกถึงความหลงใหลอย่างยิ่งในการค้นหาเส้นทางที่นำไปสู่ความเจ็บปวด อุดมคติทางศีลธรรมความเมตตา ความรัก และมนุษยชาติ ผู้กำกับการแสดงนี้อุทิศตนอย่างกระตือรือร้นต่อสิ่งหนึ่งและอีกสิ่งหนึ่ง: หลักการของโรงละครที่มีจริยธรรมและคำสอนของ Stanislavsky สำหรับเขา เหรียญสองด้านนี้เป็นเหรียญเดียวกัน ตัวเขาเองก็อยู่ที่จุดตัดของอิทธิพลทั้งสองนี้ พวกเขารวมจิตสำนึกของเขาเข้าด้วยกันเป็นหนึ่งเดียวโดยผ่านครั้งแรกแน่นอนผ่านความคิดริเริ่มที่เป็นเอกลักษณ์ของบุคลิกภาพของมนุษย์และความคิดสร้างสรรค์ของเขาเองและผลที่ตามมาก็กลายเป็นสิ่งที่สาม - โดยเฉพาะ Vakhtangov
Vakhtangov จัดแสดงละครเรื่องที่สองเรื่อง "The Flood" โดยนักเขียน Berger ภายใต้กรอบงานของโรงละครที่มีจริยธรรมและ Moscow Art Theatre Studio สำหรับ Vakhtangov ละครเรื่องนี้กล่าวว่า: ตราบใดที่ระบบทุนนิยมและการแสวงหาผลประโยชน์จากมนุษย์ที่เกี่ยวข้องยังคงอยู่ ตราบใดที่มีความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม การแสวงหาเงินดอลลาร์ ตลาดหลักทรัพย์ มันไม่มีประโยชน์ที่จะฝันถึงความรักและความสามัคคี ของหัวใจ เงื่อนไขที่เป็นวัตถุประสงค์ของระบบทุนนิยมนั้นทำลายความเป็นไปได้ของชัยชนะของความรู้สึก "ดี" แต่ที่ Art Theatre Studio “The Flood” ได้รับการตีความแตกต่างออกไป “ทุกคนน่ารักและมีจิตใจอบอุ่น” Sulerzhitsky กล่าวถึงวีรบุรุษจาก “The Flood” “ทุกคนมีโอกาสที่ดีเยี่ยมในการมีน้ำใจ แต่ถนน เงินดอลลาร์ และตลาดหลักทรัพย์ได้พรากพวกเขาไป เปิดใจที่ใจดีของพวกเขา และปล่อยให้พวกเขาไปถึงจุดแห่งความปีติยินดีในความปีติยินดีจากความรู้สึกใหม่ๆ ที่เปิดเผย แล้วคุณจะเห็นว่าหัวใจของผู้ชมจะเปิดออกอย่างไร และผู้ชมต้องการสิ่งนี้ เพราะว่าเขามีถนน มีทองคำ มีตลาดหลักทรัพย์... เพียงเท่านี้ ก็คุ้มค่าที่จะจัดฉาก "The Flood" Vakhtangov ต้องการแสดงละครไม่ใช่เพื่อเปิดใจผู้ชมด้วยความรู้สึกรักและการให้อภัย แต่เพื่อปลุกความเกลียดชังและความกระหายในการต่อสู้ในใจ - นี่จะเป็นงานที่คู่ควรกับงานศิลปะที่สูงส่งและซื่อสัตย์ ที่จำเป็นในขณะนั้น ในการแสดงนี้มุมมองของ Vakhtangov และ Sulerzhitsky ขัดแย้งกันและในตัวเขามุมมองของ Art Theatre ทั้งหมดไม่ได้ไปในทิศทางที่ Vakhtangov ต้องการย้าย
Vakhtangov มีช่วงเวลาที่ยากลำบากในการประสบกับการปฏิวัติ แต่เธอกลายเป็นตัวเร่งให้เกิดความคิดและแรงบันดาลใจของเขา หลังจากการปฏิวัติ เขาเขียนบันทึกต่างๆ ลงในสมุดบันทึกของเขาเพื่อสรุป เข้าใจตามหลักทฤษฎี และหาเหตุผลสนับสนุนงานที่ทำไปแล้ว Vakhtangov เขียนไว้ในสมุดบันทึกของเขาว่า: “ถึงคนใหม่... เราต้องแสดงความดีที่มีอยู่ และรักษาความดีนี้ไว้เพื่อคนกลุ่มนี้เท่านั้น และในสภาพใหม่ของชีวิต ซึ่งเงื่อนไขหลักคือคนใหม่ เราจะต้อง ฟังอย่างมีพรสวรรค์เหมือนในชีวิตเก่าเพื่อสร้างสรรค์สิ่งใหม่มีคุณค่ายิ่งใหญ่ มีเพียงผู้คนเท่านั้นที่สร้าง มีเพียงพวกเขาเท่านั้นที่มีพลังสร้างสรรค์และเมล็ดพืชแห่งการสร้างสรรค์ในอนาคต” Vakhtangov เขียน - หากศิลปินต้องการสร้าง “สิ่งใหม่” ขึ้นมาภายหลังการปฏิวัติมาถึง เขาจะต้องสร้าง “ร่วมกัน” ร่วมกับประชาชน ไม่ใช่เพื่อเขา ไม่ใช่เพื่อเขา ไม่ใช่เพื่อเขา ไม่ใช่เพื่อเขา แต่เพื่อเขา” Vakhtangov พัฒนาแนวคิดใหม่เกี่ยวกับโรงละครหลังจากวิเคราะห์ประสบการณ์ของเขาและรวมเข้ากับความเป็นจริงแล้วเขาก็ได้ข้อสรุปใหม่เกี่ยวกับศิลปะประเภทใดที่ควรอยู่ในโรงละครตามความเข้าใจของเขาเอง ดังนั้นข้อสรุปที่วาดโดย Vakhtangov:
1. “ยิ่งศิลปินเรียกร้องเวลาอย่างต่อเนื่องมากขึ้น เพื่อที่เขาไม่เพียงแต่จะเข้าใจอย่างลึกซึ้งและชื่นชมความเป็นจริงเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้คนสร้างมันขึ้นมาใหม่ได้อย่างเด็ดขาด ยิ่งเป็นปรปักษ์ต่องานศิลปะมากขึ้นเท่านั้น ก็คือปรัชญาที่ไร้ปีกของลัทธิธรรมชาตินิยม มันกลายเป็นอุปสรรคที่ชัดเจนต่อการพัฒนางานศิลปะใหม่ที่ควรเกิดจากการปฏิวัติ”;
2. “เราจะต้องแสดงความรู้สึก ความคิดทั้งหมด การวิพากษ์วิจารณ์โลกเก่าจากใหม่ (นี่คือสิ่งสำคัญ!) จุดยืนที่ได้รับจากการปฏิวัติ ซึ่งยืนหยัดต่อประชาชนที่ได้รับชัยชนะ ประชาชน การสร้างการปฏิวัติ”
3. “ผู้ชมใหม่มาที่โรงละคร เพื่อให้โรงละครมีประสิทธิภาพ กระตือรือร้น ต้องใช้ทุกวิถีทางเพื่อมีอิทธิพลต่อจิตสำนึกของผู้ชม จำเป็นต้องคืนการแสดงละครให้กับโรงละคร จำเป็นต้องใช้อาวุธยุทโธปกรณ์ทั้งหมด ไม่เพียงแต่ประสบการณ์ ความคิด คำพูด แต่ยังรวมถึงการเคลื่อนไหว สี จังหวะ การแสดงออกของท่าทาง น้ำเสียง พลังการมองเห็นในการตกแต่ง และดนตรี จำเป็นต้องค้นหารูปแบบการแสดงที่ชัดเจน ชัดเจน และเฉียบคม รองจากเป้าหมายเดียวของการแสดง”
ข้อกำหนดสำหรับการแสดงละคร? การถอยห่างจากความสมจริงทางจิตวิทยา? จากคำสอนของ Stanislavsky? ไม่เลย. ก่อนเริ่มฤดูกาลใหม่ (พ.ศ. 2463/2464) Vakhtangov เขียนจดหมายถึง Stanislavsky:
“ เรียน Konstantin Sergeevich ฉันขอให้คุณยกโทษให้ฉันที่รบกวนคุณด้วยจดหมาย แต่ตอนนี้มันยากสำหรับฉันมาก ยากมากจนฉันอดไม่ได้ที่จะหันไปหาคุณ ฉันจะเขียนเกี่ยวกับสิ่งที่ฉันไม่เคยบอกคุณออกมาดัง ๆ ฉันรู้ว่าวันโลกของฉันนั้นสั้น ฉันรู้อย่างใจเย็นว่าฉันจะมีชีวิตอยู่ได้ไม่นาน และในที่สุดฉันต้องการให้คุณทราบทัศนคติของฉันที่มีต่อคุณ ต่อศิลปะการละคร และต่อตัวฉันเอง
ตั้งแต่วินาทีแรกที่ฉันได้รู้จักคุณ คุณกลายเป็นคนที่ฉันรักจนถึงที่สุด เป็นคนที่ฉันเชื่ออย่างที่สุด เป็นคนที่ฉันเริ่มใช้ชีวิตด้วย และเป็นคนที่ฉันเริ่มวัดชีวิตด้วย ด้วยความรักและความชื่นชมที่มีต่อคุณ ฉันแพร่เชื้อให้กับทุกคนที่สูญเสียการรู้จักคุณโดยตรงทั้งโดยสมัครใจและไม่สมัครใจ ฉันขอบคุณชีวิตที่ให้โอกาสฉันได้พบคุณอย่างใกล้ชิด และทำให้ฉันได้พูดคุยกับศิลปินระดับโลกเป็นครั้งคราว ด้วยความรักที่มีต่อคุณนี้ ฉันจะต้องตาย แม้ว่าคุณจะปฎิเสธไปจากฉันก็ตาม ฉันไม่รู้จักใครหรืออะไรที่สูงกว่าคุณ
ในงานศิลปะ ฉันรักเฉพาะความจริงที่คุณพูดถึงและที่คุณสอนเท่านั้น ความจริงนี้ไม่เพียงแทรกซึมเข้าไปในส่วนนั้นของฉันเท่านั้น ซึ่งเป็นส่วนที่เจียมเนื้อเจียมตัวซึ่งปรากฏอยู่ในโรงละคร แต่ยังเข้าไปในส่วนที่ถูกกำหนดโดยคำว่า "มนุษย์" ด้วย ความจริงนี้ทำให้ฉันแตกสลายวันแล้ววันเล่า และถ้าฉันไม่สามารถพัฒนาตัวเองให้ดีขึ้นได้ ก็เพียงเพราะฉันต้องพิชิตสิ่งต่างๆ มากมายในตัวเอง วันแล้ววันเล่า ความจริงนี้ทำให้ทัศนคติของฉันที่มีต่อผู้คน ความต้องการของฉันต่อตัวเอง เส้นทางชีวิต และทัศนคติของฉันที่มีต่อศิลปะสอดคล้องกัน ขอบคุณความจริงที่ได้รับจากคุณ ฉันเชื่อว่าศิลปะคือการรับใช้พระเจ้าสูงสุดในทุกสิ่ง ศิลปะไม่สามารถและไม่ควรเป็นทรัพย์สินของกลุ่ม ศิลปะเป็นทรัพย์สินของบุคคล แต่เป็นทรัพย์สินของประชาชน การให้บริการศิลปะคือการรับใช้ประชาชน ศิลปินไม่ใช่คุณค่าของกลุ่ม แต่เขาคือคุณค่าของผู้คน คุณเคยพูดว่า: "โรงละครศิลปะเป็นราชการของฉันในรัสเซีย" นี่คือสิ่งที่ทำให้ฉันหลงใหลฉันคนตัวเล็ก มันทำให้ฉันหลงใหล แม้ว่าฉันจะไม่ได้รับมอบหมายอะไรให้ทำ และถ้าฉันไม่ได้ทำอะไรเลยก็ตาม วลีของคุณนี้เป็นสัญลักษณ์ของความศรัทธาของศิลปินทุกคน...
ฉันขอให้คุณให้เวลาฉัน 2 ปีในการสร้างหน้าตาของกลุ่มของฉัน ฉันขอนำเสนอไม่ใช่ข้อความที่ตัดตอนมาไม่ใช่ไดอารี่ แต่เป็นการแสดงที่จะเปิดเผยสิ่งมีชีวิตทางจิตวิญญาณและศิลปะของกลุ่ม ฉันขอให้เวลาสองปีนี้ถ้าฉันสามารถทำงานได้ เพื่อพิสูจน์ความรักที่แท้จริงของฉันที่มีต่อคุณ การบูชาคุณอย่างแท้จริง การอุทิศตนอย่างไม่มีขอบเขตต่อคุณ”
เกือบจะในเวลาเดียวกันภายในสองปี เขาได้สร้างผลงานเรื่อง "The Miracle of St. Anthony", "The Wedding", "Eric XIV", "Gadibuk" และ "Princess Turandot"
งานแรกที่ดำเนินการบนพื้นฐานของหลักการใหม่คือเวอร์ชันที่สองของการผลิต "The Miracle of St. Anthony" โลกที่ต้องแสดงบนเวที - โลกที่โง่เขลาและเฉื่อยของชนชั้นกระฎุมพีที่หน้าซื่อใจคดและละโมบ - ปัจจุบันทำให้ Vakhtangov นึกถึงทัศนคติที่ไม่เป็นมิตรและเยาะเย้ยเกาะอย่างไร้ความปราณีใน Vakhtangov อดีต "รอยยิ้ม" กลายเป็นการเสียดสีการประชดที่น่ารักกลายเป็นเสียงหัวเราะที่เร่าร้อนตลกในชีวิตประจำวันเริ่มฟังดูเหมือนถ้อยคำเสียดสีทางสังคมที่ชั่วร้ายทัศนคติเสียดสีต่อบุคคลที่แสดงซึ่งก่อนหน้านี้ดูเหมือน "แย่มาก" สำหรับ Vakhtangov ตอนนี้เป็นพื้นฐานของการแสดงแล้ว .
"งานแต่งงาน" ของ Chekhov ซึ่งแสดงต่อผู้ชมเป็นครั้งแรกในห้องโถงเล็ก ๆ ของสตูดิโอ Vakhtangov บน Mansurovsky Lane ในฤดูใบไม้ร่วงปี 2463 ใน "การแสดงตอนเย็น" ของละครของ Chekhov กลายเป็นการแสดงครั้งที่สอง Vakhtangov วางแผนที่จะแสดง "A Feast in the Time of Plague" โดย A.S. ด้วยเทคนิคบนเวทีแบบใหม่ทั้งหมดในเย็นวันเดียวกับ "The Wedding" พุชกิน ใน “The Wedding” มีผู้อยู่อาศัยที่เต็มไปด้วยโรคระบาดซึ่งได้ยอมจำนนต่อโรคระบาด ทั้งคนรับใช้และทาสของมัน และในบทกวีอันน่าทึ่งของพุชกิน มีการท้าทายผู้คนที่ภาคภูมิใจ การยืนยันพลังแห่งเจตจำนงเสรีของมนุษย์ การยกย่องชีวิตและความสุขของมัน ซึ่งโรคระบาดไม่สามารถทำลายได้ มนุษย์มีชัยชนะ ความเข้มแข็งของจิตวิญญาณนำผู้คนออกจากความเป็นทาส เหตุใดจึงมีงานฉลองสองงานในเย็นวันเดียว ใน "The Wedding" Vakhtangov ต้องการให้นักแสดงค้นหา "เมล็ดพืช" ของแต่ละบทบาทเป็นอันดับแรก ซึ่งตามคำสอนของ Stanislavsky ทุกอย่างจะเติบโตขึ้น
ใน "Eric XIV" และ "Gadibuk" Vakhtangov แสดงให้เห็นว่าเทคนิคใดๆ ไม่ว่าจะเป็นการแสดงออก อิมเพรสชันนิสม์ ธรรมดาๆ พิสดาร หรืออะไรก็ตาม สามารถนำไปใช้ในการให้บริการตามความเป็นจริงที่แท้จริงของ Stanislavsky ได้สำเร็จ มันคือทั้งหมดที่เกี่ยวกับเป้าหมายสุดท้าย เขาจัดการเพื่อให้บรรลุถึงความสามัคคีของเนื้อหาที่ลึกซึ้งด้วยรูปแบบที่คมชัดที่สุด Vakhtangov เรียกร้องให้นักแสดงอย่าทำอะไร "พอดูได้" บนเวที เขาเรียกร้องให้ไม่มีสิ่งใดบนเวทีเกิดขึ้นโดยบังเอิญ เพื่อให้บรรลุการมุ่งความสนใจของผู้ชมไปยังวัตถุหนึ่งที่เหมือนกันสำหรับทุกคน Vakhtangov ได้กำหนดข้อกำหนดว่าไม่มีใครมีสิทธิ์ที่จะก้าวขึ้นไปบนเวทีในขณะที่อีกวัตถุหนึ่งกำลังพูด การหยุดนิ่งที่ไม่สามารถเคลื่อนไหวได้นี้จะดูไม่ได้ตั้งใจ ซึ่งถือเป็นการหลอกลวงสำหรับผู้ชม หากนักแสดงแต่ละคนที่เข้าร่วมในฉากที่กำหนดให้เหตุผลสำหรับตัวเองว่าทำไมควรจะทำให้เกิดการหยุดนี้โดยธรรมชาติและหลีกเลี่ยงไม่ได้ การใช้เทคนิคจากจุดหยุดที่สมเหตุสมผลจากภายใน การกระทำทางกายภาพด้วยความต่อเนื่องของสายงานภายในของนักแสดงแต่ละคน Vakhtangov ประสบความสำเร็จในการแสดงออกทางประติมากรรมของฉากและการจัดกลุ่ม ทุกท่าทาง ทุกน้ำเสียง ทุกการเคลื่อนไหว ทุกขั้นตอน ท่าทาง การรวมกลุ่มของมวลชน ทุกขั้นตอน และรายละเอียดการแสดงในทักษะอันน่าทึ่ง ล้วนถูกนำมาสู่ความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค ทุกขั้นตอนและช่วงเวลาการแสดงสามารถบันทึกเป็นภาพประติมากรรมที่หยุดนิ่งได้ ประติมากรรมชิ้นนี้ ซึ่งเป็นลักษณะเด่นที่สุดในการแสดงของเขา เป็นตัวกำหนดตัวเขา รูปแบบการแสดงละคร. Vakhtangov กำหนดรูปแบบการแสดงละครนี้ด้วยคำว่า "พิสดาร" นักวิจัยหลายคนหยิบยกทฤษฎีเกี่ยวกับความแตกต่างของมุมมองของ Stanislavsky และ Vakhtangov ในเวลานี้ แต่การวิเคราะห์จดหมายโต้ตอบอย่างรอบคอบและการศึกษาแนวทางปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของ Vakhtangov อย่างมีสติทำให้มีเหตุผลทุกประการที่จะพูดเกี่ยวกับความเป็นเอกฉันท์กับ Stanislavsky มากกว่าความขัดแย้งใด ๆ ระหว่างพวกเขา ความวิตกกังวลของ Stanislavsky ชัดเจน เขากลัวว่านักเรียนที่รักของเขาด้วยความหลงใหลในสิ่งแปลกประหลาดจะหลุดเข้าสู่เส้นทางที่เลวร้ายของ "การพูดเกินจริงภายนอกโดยไม่มีเหตุผลภายใน" ซึ่งรูปแบบกลายเป็น "ใหญ่กว่าและแข็งแกร่งกว่าเนื้อหา ” ความพิสดารของ Vakhtangov นั้นมีความจริงอย่างลึกซึ้ง อุดมไปด้วยเนื้อหาเชิงอุดมการณ์ของศิลปะที่เหมือนจริง มีพลังมหาศาลของลักษณะทั่วไปทางศิลปะ และมันใกล้เคียงกับอุดมคติที่ Stanislavsky กำหนดไว้อย่างชัดเจนและชัดเจนมากเมื่อพูดถึงเรื่องพิสดาร ต่อจากนั้นเมื่อดูการแสดงที่จัดแสดงโดย Vakhtangov แล้ว Stanislavsky ก็ยอมรับสิ่งนี้และด้วยเหตุนี้จึงได้ฝังตำนานแห่งการแตกแยกทางอุดมการณ์กับนักเรียนที่ดีที่สุดของเขาในที่สุด Stanislavsky ประกาศว่า Vakhtangov เป็น "ผู้สืบทอดเพียงคนเดียว" โดยเรียกเขาตามเชิงทำนายว่า "ความหวังของศิลปะรัสเซีย ผู้นำในอนาคตของโรงละครรัสเซีย"
ธีมของสองโลก - คนเป็นและคนตาย - ดำเนินผ่านการแสดงสี่ครั้งหลังสุดของ Vakhtangov ใน "Eric" และ "Gadibuk" ศิลปินค้นพบการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบที่สุดของธีมหลักที่ทำให้เขาทรมาน - ความสัมพันธ์ระหว่างคนเป็นและคนตายกับการเคลื่อนไหว: เขาไม่เพียงมองหาความแตกต่างเท่านั้น แต่ยังพยายามค้นหาการแทรกซึมอีกด้วย
แต่ผลงานล่าสุดของ Vakhtangov - "Princess Turandot" - แยกออกจากวงกลมที่ระบุไว้ ธีมที่น่าเศร้าและทุกสิ่งล้วนอุทิศให้กับชีวิตที่สนุกสนานและร่าเริง ความตายซึ่งเข้ามาใกล้ชีวิตของ Vakhtangov ได้ออกจากงานของเขาไปแล้ว ชีวิตที่เปี่ยมด้วยความสุข ด้วยความสุข ความรัก และแสงแดด เฉลิมฉลองชัยชนะเหนือความตายในการสร้างสรรค์ครั้งสุดท้ายของ Vakhtangov ในการสร้างการแสดงนี้ Vakhtangov ดำเนินการจากแนวคิดของเขาเกี่ยวกับตลก dell`arte Vakhtangov ด้วยความช่วยเหลือของวิธีการแสดงละครสมัยใหม่ต้องการที่จะฟื้นคืนชีพไม่ใช่รูปแบบภายนอก แต่เป็นแก่นแท้ธรรมชาติภายในจิตวิญญาณของหนังตลกอิตาลีโบราณ เนื้อหาของเทพนิยายถูกนำเสนอในการแสดงนี้ราวกับว่า "ไม่จริงจัง" การประชดที่นุ่มนวลและน่ารักแทรกซึมไปทั่วการแสดง แต่การนำเสนอเนื้อหาไร้เดียงสาในนิทานของ Gozzi แก่ผู้ชมโซเวียตในสมัยนั้นด้วยใบหน้าที่จริงจังถือเป็นความเท็จที่ไม่อาจทนทานได้ ผู้ชมจะรู้สึกถึงความเท็จในเรื่องนี้ และเนื้อหาของนิทานจะไม่ทำให้เขาหลงใหลเลย ในการตีความของ Vakhtangov เทพนิยายทำให้ผู้ชมหลงใหล เพราะสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีปรากฏเป็นความจริง ราวกับความจริงอันอัศจรรย์ของโรงละคร และผู้ชมก็ "เชื่อ" ความจริงข้อนี้
มีหลายช่วงเวลาใน "Princess Turandot" เมื่อนักแสดงจงใจเน้นว่าบนเวทีไม่มีชีวิต มีเพียงเกมเท่านั้น และด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงได้เปิดเผยธรรมชาติของโรงละครให้ผู้ชมได้รับรู้ เหตุใด Vakhtangov จึงต้องการช่วงเวลาเหล่านี้ เพียงเพื่อให้ช่วงเวลาแห่งความรู้สึกจริงใจของนักแสดงที่อยู่ข้างๆ พวกเขาฟังดูแข็งแกร่งยิ่งขึ้น และด้วยเหตุนี้พลังของโรงละคร ความสามารถในการปลุกเร้า "ศรัทธา" ในตัวผู้ชมต่อความจริงของชีวิตบนเวที จะถูกแสดงให้เห็นด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและ ความแข็งแกร่ง. กล่าวอีกนัยหนึ่ง Vakhtangov ในการแสดงนี้บางครั้งจงใจทำลาย "ศรัทธา" ของผู้ชมเพียงเพื่อแสดงให้เห็นว่าเขาสามารถฟื้นฟูมันได้อย่างง่ายดายและง่ายดายเพียงใด “Grain” “Turandot” - แปลงร่างเป็นฮีโร่บนเวทีของคุณบนเวทีต่อหน้าผู้ชม นี่เป็นเทคนิคทางศิลปะของนิทานของ Gozzi เวอร์ชันละครเวที เมื่อวันที่ 27 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2465 ทีมหนุ่มของ Vakhtangovites ตกอยู่ในอาการตื่นเต้นสุดจะพรรณนา การแสดงครั้งแรกของ “เจ้าหญิงทูรานดอท”! แล้วคนเยอะขนาดไหน! ในหอประชุมขนาดเล็ก มีกลุ่ม Art Theatre ทั้งหมด: กลุ่มหลักนำโดย K. S. Stanislavsky, First Studio, Second Studio, Habima Studio ไม่มีคนแปลกหน้า แค่นักแสดง. สตูดิโอแห่งที่สามของ Art Theatre ให้เช่าผลงานให้กับ Art Theatre เป็นไปได้ไหมที่จะลืมค่ำคืนสุดพิเศษนี้? เป็นไปได้ไหมที่จะลืมทะเลแห่งเสียงหัวเราะ เสียงปรบมือไม่หยุดหย่อน เสียงปรบมือไม่รู้จบในตอนท้ายของการแสดง ใบหน้าที่มีความสุขของผู้ชมที่ไม่ธรรมดาเหล่านี้ ซึ่ง Vakhtangov ด้วยพลังแห่งศิลปะของเขา กลายเป็นเด็กเป็นเวลาหลายชั่วโมง!
หลังจากการแสดงครั้งแรกความสำเร็จดังกล่าวถูกกำหนดโดยไม่มีใครในสตูดิโอคาดหวัง ในตอนท้ายมีการประกาศ "Bravo to Vakhtangov!" ในห้องโถง ทำให้เกิดพายุแห่งเสียงปรบมือ Konstantin Sergeevich ปราศรัยในสตูดิโอด้วยคำพูด: “ ตลอดยี่สิบสามปีของการดำรงอยู่ของ Art Theatre มีชัยชนะเพียงเล็กน้อย คุณได้พบสิ่งที่โรงภาพยนตร์หลายแห่งมองหาโดยเปล่าประโยชน์มานานแล้ว!”
เส้นทางสร้างสรรค์ที่ Vakhtangov ดำเนินไปในเส้นทางที่ค่อนข้างสั้นไม่สามารถเรียกได้ว่าง่าย มันมีขึ้นมีลง Vakhtangov ทำการทดลองและการทดลองในรูปแบบของการแสดงโดยอาศัยความเข้าใจของนักแสดงเกี่ยวกับภาพลักษณ์ เขาพยายามที่จะไม่เปลี่ยนความรู้สึกและทัศนคติต่อความทันสมัยอยู่เสมอแม้ว่าสิ่งนี้จะขัดแย้งกับกฎของโรงละครศิลปะก็ตาม เขาไม่ได้ปฏิเสธประสบการณ์การแสดงละครสมัยใหม่ ดังนั้น Vakhtangov จึงถูกจัดประเภทอย่างผิดพลาดว่าเป็นบุคคลในการแสดงละครของโรงละครที่เป็นทางการหรือในห้อง แต่นี่ไม่เป็นความจริง Vakhtangov เป็นลูกศิษย์ของ Stanislavsky และเพื่อที่จะซื่อสัตย์ต่ออาจารย์และรักษามรดกของเขาไว้ให้รุ่นต่อ ๆ ไป ลูกศิษย์ไม่เพียงแต่จะต้องปกป้องมรดกนี้เท่านั้น แต่ยังต้องเพิ่ม พัฒนา เสริม และหากจำเป็นก็เปลี่ยนแปลงแก้ไขในทางใดทางหนึ่ง ปรับปรุงมัน - พูดได้ไกลกว่าครูของคุณ Vakhtangov ทำเช่นนั้น สำหรับ Vakhtangov ระบบกลายเป็นรากฐานที่เขาสามารถสร้างรูปแบบการแสดงที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองได้ ซึ่งตัวเขาเองเรียกว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์"
วัยเด็ก เยาวชน และปีการศึกษาของ Evgeny Vakhtangov Evgeny Vakhtangov เกิดเมื่อวันที่ 13 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2426 ในเมือง Vladikavkaz ในครอบครัวพ่อค้ารัสเซีย - อาร์เมเนีย พ่อของเขาเป็นผู้ผลิตยาสูบรายใหญ่และหวังว่าลูกชายของเขาจะดำเนินธุรกิจต่อไป ประเพณีในบ้านนั้นรุนแรง พ่อเป็นคนโหดร้าย ยูจีนกลัวเขาอยู่ตลอดเวลา Vakhtangov เริ่มสนใจโรงละครในช่วงมัธยมปลายและตัดสินใจอุทิศทั้งชีวิตให้กับโรงละครแห่งนี้ แม้ว่าพ่อของเขาจะห้าม แต่ Evgeniy ก็แสดงบนเวทีสมัครเล่นในวลาดีคัฟคาซอย่างครอบคลุมและประสบความสำเร็จในช่วงมัธยมปลาย หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับมัธยมปลาย Evgeny Vakhtangov เข้ามหาวิทยาลัยมอสโกในภาควิชาฟิสิกส์และคณิตศาสตร์และเข้าร่วมกลุ่มโรงละครของนักเรียนทันที ในปีที่สองของเขา Vakhtangov ย้ายไปคณะนิติศาสตร์และในปีเดียวกันนั้นได้เปิดตัวในฐานะผู้อำนวยการโดยแสดงละครนักเรียนเรื่อง "Teachers" จากบทละครของ O. Ernst การแสดงเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 12 มกราคม พ.ศ. 2448 และมอบให้เพื่อประโยชน์แก่ผู้ขัดสน ในปี 1904-1905 Vakhtangov เข้าร่วมในการชุมนุมเยาวชนที่ผิดกฎหมาย ในโรงงานและโรงงานต่างๆ เขาได้แจกคำประกาศและใบปลิวเกี่ยวกับการปฏิวัติร่วมกับนักปฏิวัติ ในวันลุกฮือในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2448 Vakhtangov ได้สร้างเครื่องกีดขวางในตรอกซอกซอยแห่งหนึ่งของมอสโกและมีส่วนร่วมในการสร้างเครื่องช่วยเหลือด้านสุขอนามัยสำหรับผู้บาดเจ็บ ในฤดูร้อนปี 2452 Evgeny Vakhtangov เป็นผู้นำแวดวงศิลปะและละครของ Vladikavkaz และแสดงละครในนั้น "ลุงอีวาน"เอ.พี. เชคอฟและ “ที่ประตูอาณาจักร” เค. ฮัมซุน. พ่อของ Vakhtangov โกรธอีกครั้งโดยเชื่อว่าโปสเตอร์การแสดงชื่อ Vakhtangov ที่ติดไว้ทั่วเมืองทำให้เขาเสียเกียรติและก่อให้เกิดความเสียหายทางศีลธรรมต่อโรงงาน Vakhtangov ใช้เวลาช่วงฤดูร้อนปี 1910 อีกครั้งใน Vladikavkaz ร่วมกับภรรยาและลูกชายตัวน้อย Seryozha Evgeny Bagrationovich จัดแสดงละครโดยนักเขียนท้องถิ่น M. Popov ซึ่งประสบความสำเร็จใน Vladikavkaz และ Grozny Vakhtangov ออกจากคณะนิติศาสตร์และเข้าเรียนที่ A. Adashev School of Drama ในมอสโกหลังจากนั้นในปี 1911 เขาได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมคณะละครของ Moscow Art Theatre ความใกล้ชิดของ Vakhtangov กับ Stanislavsky และ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ในไม่ช้า K.S. ก็ดึงความสนใจไปที่นักแสดงหนุ่ม สตานิสลาฟสกี้ เขาสั่งให้ Vakhtangov จัดชั้นเรียนภาคปฏิบัติโดยใช้วิธีการแสดงของเขาที่สตูดิโอแห่งแรกของ Moscow Art Theatre ในสตูดิโอแห่งนี้พรสวรรค์ของ Vakhtangov ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ และในฐานะนักแสดง เขามีชื่อเสียงจากบทเฟรเซอร์ใน The Deluge ของ Berger บนเวทีของสตูดิโอ Vakhtangov ได้สร้างการแสดงในห้องต่างๆ หลายครั้งซึ่งเขายังทำหน้าที่เป็นนักแสดงด้วย ในสตูดิโอแรก Evgeniy Bagrationovich มองหาเทคนิคใหม่ ๆ อย่างต่อเนื่องในการพรรณนาถึงสภาพจิตใจของฮีโร่ เมื่อเวลาผ่านไป กรอบคำแนะนำที่เข้มงวดของ Stanislavsky เริ่มดูคับแคบสำหรับ Vakhtangov เขาเริ่มสนใจแนวคิดการแสดงละครของ Vsevolod Meyerhold แต่ไม่นานก็ปฏิเสธแนวคิดเหล่านั้น Yevgeny Vakhtangov สร้างความเข้าใจเกี่ยวกับการละครของตัวเองซึ่งค่อนข้างแตกต่างจาก Stanislavsky ซึ่งเขากำหนดไว้ในสโลแกนสั้น ๆ เดียว - "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" บนพื้นฐานของ "ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์" Vakhtangov ได้สร้างทฤษฎีโรงละครของเขาเอง เช่นเดียวกับ Stanislavsky เขาเชื่อว่าสิ่งสำคัญในการแสดงละครคือนักแสดงโดยธรรมชาติ แต่ Vakhtangov เสนอให้แยกบุคลิกภาพของนักแสดงออกจากภาพที่เขาแสดงบนเวทีอย่างเคร่งครัด Vakhtangov เริ่มแสดงละครในแบบของเขาเอง ของตกแต่งในนั้นประกอบด้วยของใช้ในครัวเรือนธรรมดาที่สุด ด้วยความช่วยเหลือของแสงและผ้าม่านศิลปินได้สร้างทิวทัศน์อันน่าอัศจรรย์ของเมืองในเทพนิยายเช่นสิ่งนี้เกิดขึ้นในการแสดงครั้งสุดท้ายและเป็นที่รักที่สุดของ Vakhtangov เรื่อง "Princess Turandot" Vakhtangov ยังเสนอให้เปลี่ยนแปลงเครื่องแต่งกายของนักแสดงด้วย ตัวอย่างเช่นมีการสวมเสื้อคลุมละครที่แปลกตาปักและตกแต่งในชุดสมัยใหม่ เพื่อเน้นย้ำถึงความธรรมดาของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที นักแสดงจึงสวมชุดต่อหน้าผู้ชม ดังนั้นจึงเปลี่ยนจากนักแสดงเป็นตัวละครในละครได้ในเวลาไม่กี่วินาที นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของโรงละครที่มีขอบเขตระหว่างตัวละครและศิลปิน Vakhtangov เองซึ่งยอมรับการปฏิวัติในปี 1917 อย่างกระตือรือร้นเชื่อว่ารูปแบบการแสดงนี้สอดคล้องกับยุคใหม่อย่างสมบูรณ์เนื่องจากการปฏิวัติได้แยกโลกใหม่ออกจากโลกเก่าอย่างรวดเร็ว ความพยายามของ Evgeny Vakhtangov ในการสร้างโรงละคร "ของผู้คน" Vakhtangov พยายามสร้างโรงละครใหม่ที่ไม่ใช่ชนชั้นสูง แต่เป็น "ของผู้คน" ตั้งแต่เช้าถึงเย็นเขาลุกขึ้น - การซ้อมเกิดขึ้นในสตูดิโอสามแห่ง: โรงละครศิลปะมอสโก, สตูดิโอชาวยิว "ฮาบิมา" และในคณะละคร โรงละครประชาชน,บทเรียนเตรียมการแสดงเนื่องในวาระครบรอบการปฏิวัติ Vakhtangov ฝันว่าจะแสดง "Cain" ของ Byron และพระคัมภีร์ แต่ความตายขัดขวางแผนการเหล่านี้ เพียงหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาได้ก่อตั้งสตูดิโอแห่งที่สามของโรงละครศิลปะมอสโกซึ่งต่อมาได้กลายเป็น โรงละครแห่งรัฐตั้งชื่อตาม E.B. วาคทังกอฟ. เมื่อต้นปี พ.ศ. 2464 การซ้อมของ Vakhtangov ในสตูดิโอที่สามหยุดลงชั่วคราว Evgeniy Bagrationovich ทุ่มเทเวลาทั้งหมดให้กับสตูดิโอ Habima ซึ่งเขาทำงานเรื่อง "Gadibuk" (1922) เสร็จ หลังจากส่งมอบ Gadibuk แล้ว Vakhtangov ก็ไปโรงพยาบาลเป็นเวลา 10 วัน ในปี 1921 บนเวทีสตูดิโอของเขา เขาได้แสดงละครของ M. Maeterlinck เรื่อง “The Miracle of St. Anthony” (ฉบับพิมพ์ครั้งที่สอง) ในการผลิตครั้งนี้ Vakhtangov ได้พยายามทำให้แนวคิดเชิงนวัตกรรมของเขาเป็นจริงแล้ว เป็นการแสดงที่สดใสมาก ซึ่งทั้งผู้กำกับและนักแสดงได้รวมตัวกันเป็นวงดนตรีสร้างสรรค์ชุดเดียว การแสดงสามารถถ่ายทอดให้ผู้ชมเห็นถึงสัญลักษณ์ที่ซับซ้อนของบทละครและการคิดเชิงเปรียบเทียบของนักเขียนบทละคร ผลงานของ Vakhtangov เรื่อง "Princess Turandot" ซึ่งสร้างจากเทพนิยายของนักเขียนบทละครชาวอิตาลี Carlo Gozzi, Vakhtangov ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ได้จัดฉาก "Princess Turandot" ด้วยการแสดงนี้เขาได้เปิดทิศทางใหม่ในการกำกับละคร การใช้ตัวละครที่สวมหน้ากากและเทคนิคของละครตลกอิตาลี dell'arte ทำให้ Vakhtangov เติมเต็มเรื่องราวด้วย ปัญหาสมัยใหม่และประเด็นเฉพาะ วีรบุรุษแห่งเทพนิยายพูดคุยกันทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในรัสเซียหลังการปฏิวัติทันทีจากเวทีในขณะที่การกระทำดำเนินไป อย่างไรก็ตาม Vakhtangov เสนอให้นำเสนอประเด็นสมัยใหม่ไม่ใช่โดยตรง แต่ในรูปแบบของเกมประเภทหนึ่ง - การโต้เถียงข้อพิพาทหรือบทสนทนาของฮีโร่ระหว่างกัน ดังนั้นนักแสดงไม่เพียงแต่ท่องบทละครที่จำได้เท่านั้น แต่ยังให้ลักษณะที่มักจะน่าขันและชั่วร้ายมากกับเหตุการณ์ทั้งหมดที่เกิดขึ้นในประเทศ ในคืนวันที่ 23-24 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2465 การซ้อมครั้งสุดท้ายในชีวิตของ Vakhtangov เกิดขึ้น การซ้อมเริ่มต้นด้วยการติดตั้งไฟ Vakhtangov ป่วยหนัก เขามีอุณหภูมิ 39 องศา เขาซ้อมโดยสวมเสื้อคลุมขนสัตว์ โดยมีผ้าเช็ดตัวเปียกพันรอบศีรษะ เมื่อกลับบ้านหลังจากการซ้อม Vakhtangov ก็นอนลงและไม่เคยลุกขึ้นอีกเลย หลังจากการซ้อมครั้งแรก "เจ้าหญิงทูรานดอต" Konstantin Sergeevich Stanislavsky บอกกับนักเรียนที่เก่งของเขาซึ่งไม่ได้ลุกจากเตียงอีกต่อไปว่าเขาสามารถหลับไปในฐานะผู้ชนะได้ เมื่อวันที่ 29 พฤษภาคม Nadezhda Mikhailovna ภรรยาของ Vakhtangov โทรหาสตูดิโอแห่งที่สามของ Moscow Art Theatre และกล่าวว่า: "มาเร็ว ๆ!"ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Vakhtangov หมดสติในบางครั้ง ฉันเฝ้ารอการมาถึงของลีโอ ตอลสตอยด้วยความเพ้อฝัน ฉันจินตนาการตัวเอง รัฐบุรุษให้คำแนะนำแก่นักเรียนถามว่าได้ทำอะไรไปแล้วในการต่อสู้กับไฟที่เมืองเปโตรกราด จากนั้นเขาก็เริ่มพูดถึงศิลปะอีกครั้ง Evgeniy Bagrationovich เสียชีวิตรายล้อมไปด้วยนักเรียนของเขา ก่อนเสียชีวิต สติสัมปชัญญะก็กลับคืนมา เขานั่งลงมองดูนักเรียนเป็นเวลานานแล้วพูดอย่างใจเย็น: - ลาก่อน. "เจ้าหญิงทูรานดอต" กลายเป็น งานสุดท้าย Vakhtangov เขาไม่ได้มีชีวิตอยู่เพียงไม่กี่สัปดาห์ก่อนรอบปฐมทัศน์ Vakhtangov ถูกฝังอยู่ที่สุสาน Novodevichy หลักการของ "โรงละครแบบเคลื่อนไหว" ที่ฝังอยู่ใน "Turandot" แบบไดนามิก เปลี่ยนแปลง และอมตะตามกาลเวลา ได้ถูกรักษาไว้ตลอดไปในประเพณีของโรงละครแห่งอนาคตที่ตั้งชื่อตาม E.B. Vakhtangov ซึ่งสตูดิโอ Moscow Art Theatre เติบโตขึ้น และ "เจ้าหญิง Turandot" ยังคงเป็นจุดเด่นของโรงละคร Vakhtangov ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเจ้าหญิง Turandot รับบทโดยนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในโรงละครแห่งนี้ - Cecilia Mansurova และ Yulia Borisova, Prince Calaf - Yuri Zavadsky, Ruben Simonov และ Vasily Lanovoy ห้าสิบปีหลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์ โรงละครก็กลับมาผลิต Vakhtangov นี้อีกครั้ง “ Princess Turandot” ยังคงอยู่บนเวทีของโรงละครในวันนี้ สรุป: 1. การแสดงจะต้องมีความกระตือรือร้นอย่างยิ่ง 2. ความสมจริงที่ยอดเยี่ยม (ความสัมพันธ์ระหว่างเนื้อหาและรูปแบบ) โรงละครแสวงหารูปแบบของตัวเอง ต้องการรูปแบบอื่น ละครแต่ละเรื่องให้กำเนิดรูปแบบของตัวเอง การแสดงมีมากมาย หลากหลายรูปแบบ วิธีเรียนรู้ได้ แต่รูปแบบต้องสร้างจินตนาการ เครื่องดูดควัน หน้าตาของการแสดงคือการเล่นที่มีคุณสมบัติครบถ้วน - เวลาและความทันสมัย - กลุ่มละคร ระดับของมัน - การสังเคราะห์ศิลปะแห่งประสบการณ์และการแสดง (สิ่งสำคัญบนเวทีคือประสบการณ์ และการแสดงคือรูปแบบหนึ่ง) ของการเปิดเผยประสบการณ์นี้) - การแสดงแต่ละครั้งถือเป็นการเฉลิมฉลอง BASIS SCHOOLS: ปฏิสัมพันธ์ของความรู้สึกที่แท้จริงและความรู้สึกของรูปแบบ การสังเคราะห์ประสบการณ์และการเป็นตัวแทน เทคนิคการเล่นภายในและภายนอก โรงละครที่มีรูปแบบสดใสและเนื้อหาที่ลึกซึ้ง