Cześć wszystkim! Są różne typy kolekcjonerów: niektórzy kochają znaczki i monety, inni uwielbiają butelki z odległych krajów, ale ja wiele lat temu bardzo uzależniłam się od prac cyfrowych artystów/po prostu artystów/fotografów. Dlatego w pierwszym testowym poście na blogu zwracam uwagę na wybór najciekawszych (moim zdaniem) artystów cyfrowych. Chodźmy!

Marek Okoń- Polski ilustrator z niesamowitym wyczuciem szczegółów i własnym, wyjątkowym stylem rysowania. Jest niesamowicie utalentowany w dziedzinie cyfrowego „malarstwa” i Sztuka cyfrowa. Obecnie działa przede wszystkim jako artysta konceptualny, projektant gier wideo i literatury. Duża liczba jego prac krąży w Internecie, a jego prace często wykorzystywane są jako tapety na pulpity.

Pokaż obraz

Daniela Conwaya- ma 23 lata i jest w ten moment mieszka w Wielkiej Brytanii. Daniel jest absolwentem Uniwersytetu w Dundee w Szkocji, gdzie spędził (jak sam mówi) trzy fantastyczne lata studiując zarówno animację tradycyjną, jak i cyfrową. Jak widać z jego osobistego portfolio, Daniel dużo zajmuje się malarstwem cyfrowym, tworzeniem obrazów zajmuje się od czterech lat.Działalność Daniela Conwaya jest natychmiast rozpoznawalna. Jego prace przepełnione są żywymi kolorami, a fantastyczne sceny są po prostu nieporównywalne. Zanurzają nas w świat, w którym człowiek i technologia żyją w kolorowej harmonii. Zaangażowanie Daniela w swoje rzemiosło jest wyraźnie widoczne w wielu jego galeriach najpiękniejsze rysunki, które zdobią cały świat. W uznaniu jego talentu Daniel Conway słusznie uważany jest za jednego z najbardziej... artyści odnoszący sukcesy w społeczności deviantART, której kierownictwo w październiku 2008 roku zdecydowało o przyznaniu mu comiesięcznej nagrody honorowej.

Pokaż obraz

Marta Dahlig(Marta Dahlig) to jedna ze współczesnych artystek tworzących w stylu sztuki cyfrowej. Marta Dahlig urodziła się 23 grudnia 1985 roku w Warszawie. Już w dzieciństwie fascynowała mnie twórczość Tadeusza Micińskiego i Bolesława Leśmiana, którzy stworzyli cudowną plejada baśni o magiczne stworzenia, o księżniczkach i czarodziejach.
Obecnie Marta jest studentką IV roku (choć informacje mogą być nieaktualne) na Uniwersytecie Krakowskim na Wydziale Zarządzania. Te skromne dane to na razie wszystko, co oficjalnie wiadomo na temat artystki, bo wypełniła ona profil w serwisie, na którym zamieszcza swoje prace.

Pokaż obraz

Franza Steinera - fotograf reklamowy, projektant 3D i dyrektor artystyczny własne studio. Studio specjalizuje się w retuszowaniu zdjęć i tworzeniu obrazów 3D. Pracownicy studia biegle posługują się profesjonalnymi narzędziami do retuszu, współpracując z dużymi i znanymi magazynami modowymi, studiami i agencjami. Prace tej pracowni zawsze wyróżniają się szczególnym blaskiem i urokiem. Ich prace błyszczą, bawią się refleksami i niewątpliwie przyciągają wzrok. Tak wysoka jakość prac pomogła pozyskać takich klientów jak: Apple, Microsoft, Mercedes-Benz, Renault, Braun, Volkswagen.

Pokaż obraz

Matta Allsoppa- ilustrator z niesamowitym wyczuciem szczegółów i własnym, wyjątkowym stylem rysowania. Specjalizuje się w ilustracji, projektowaniu postaci i grafice koncepcyjnej. Jego zaktualizowane portfolio obejmuje prace dla Killzone 2 (seria ilustracji stworzonych dla Sony i Guerrilla), projekty postaci dla Fight Night (EA Sports), a także dziesiątki innych oszałamiających ilustracji stworzonych dla takich klientów jak Microsoft, Fujitsu i BBC.

Pokaż obraz

Reida Southena- młody i utalentowany ilustrator z Michigan, często pracujący pod pseudonimem Rahl. Jest niezależnym ilustratorem współpracującym z firmami zajmującymi się produkcją gier wideo i filmów. Jego styl różni się od większości zwykłych artystów - brakiem zbędnych detali, dokładnym rysunkiem, ideologicznym charakterem i skalą. Jego portfolio stanowi połączenie osobistej pracy twórczej i zleceń komercyjnych. Aby zrozumieć skalę jej ogromnego talentu, wystarczy zajrzeć na jego niesamowitą stronę internetową.

Pokaż obraz

Radojavor- Słowacki ilustrator ze znakomitą znajomością grafiki. Jego zaktualizowane portfolio jest połączeniem osobistego dzieła twórcze i zadania komercyjne. Niezwykła cierpliwość i wytrwałość nie wysuszają prac - pozostają żywe i malownicze (jeśli można tak powiedzieć o jego ilustracjach). Prace artysty to rysowane postacie, statki i samoloty. Żyją w jego ilustracjach własne życie. Dlatego proponuję przejść bezpośrednio od tekstów, bliżej jego arcydzieł.

Pokaż obraz

Grafik, twórca i ilustrator Pirosca Marce l z Rumunii, który rysuje zupełnie niezwykłe przedmioty i przedmioty. Tworzy strony internetowe, interesuje się fotografią i projektowaniem. Większość jego prac można obejrzeć na stronie studioul. Ogólnie rzecz biorąc, Pirosca Marcel to całkowicie tajemniczy młody człowiek, który najwyraźniej jest tak pochłonięty swoją pracą, że nie ma już czasu na nic innego.

Pokaż obraz

Aleksa Broekla - utalentowany artysta z Niemiec. Od ponad 12 lat zajmuje się profesjonalną grafiką 3D. Większość czasu spędził jako projektant, artysta cyfrowy w branży rozrywkowej. Pracował przy relacjach TD do takich filmów jak Harry Potter i więzień Azkabanu, także na potrzeby tego filmu Romana Polańskiego- Oliver Twist. W jego portfolio znajdują się: fantastyczne statki, stacje, samoloty, bazy wojskowe i bitwy. Generalnie jest co oglądać.

Pokaż obraz

Artysta cyfrowy z Nowej Zelandii Stefana Morrella tworzy autentyczne futurystyczne ilustracje w najlepsze tradycje gatunek muzyczny. Aby to zrobić, wykorzystuje swoje umiejętności rysowania, a także umiejętności 3D. W swoim portfolio Stefan krótko opisuje, jak ukończono tę lub inną pracę i ile czasu mu to zajęło.

Pokaż obraz

Pogoń za Stonem, znany również jako Chase-SC2, to 21-letni ilustrator ze Stanów Zjednoczonych, który według niego w moich własnych słowach rysuje przez całe swoje dorosłe życie. Kształcił się także na ilustratora w Fashion Institute of Technology w Nowym Jorku i uważa, że ​​klasyczne techniki rysowania są bardzo ważne nawet w ilustracja cyfrowa, w którym zdobędzie chwałę.

Pokaż obraz

Utalentowany projektant 3D Max Chelyadnikov pracuje w kilku obszarach jednocześnie: modelowaniu, wizualizacji i animacji. Zastosowanie 3D w projektowaniu pozwala na realizację każdego pomysłu klienta. A doświadczenie i umiejętności takich specjalistów jak Maxim pozwalają nam to zagwarantować wysoka jakość praca. Świadczy usługi tworzenia wysokiej jakości fotorealistycznych wizualizacji 3D do wykorzystania w reklamach, prezentacjach i dokumentacji technicznej. Sprawia, że ​​reklama jest skuteczna, zamienia pomysły w rzeczywistość, tworząc profesjonalne filmy reklamowe i filmy prezentacyjne.

Pokaż obraz

Niesamowicie wysoka jakość! Tylko tak można scharakteryzować profesjonalny poziom pracy tureckiego projektanta 3D Mortezy Najafi. Jego główne obszary działalności to: projektowanie graficzne, modelowanie 3D i animacja. Na jego stronie prezentuje się stosunkowo niewiele duża lista działa, ale to właśnie dzięki tym pracom można prześledzić rozwój projektanta w kierunku zawodowym. Morteza Najafi był w stanie opracować własny unikalny styl a dziś jest odnoszącym sukcesy i poszukiwanym specjalistą w dziedzinie modelowania 3D.

Pokaż obraz

Renderowanie oktanowe to połączenie umiejętności architektonicznych i projektowych, wyczucia stylu z grafiką 3D i technologiami modelowania 3D w rękach profesjonalnych projektantów. Octane Render tworzy wizualizacje architektoniczne, projekty i animacje 3D, a także tworzenie wideo. Portfolio podzielone jest na kategorie: projektowanie produktów, architektura, biżuteria, projektowanie motoryzacyjne, fantasy i postacie, natura i sztuka abstrakcyjna.

Pokaż obraz

Maks Kostenko- utalentowany rosyjski ilustrator. Zajmuje się tworzeniem i rozwojem postaci, a także różne rodzaje ilustracja. Max współpracuje z wieloma rosyjskimi studiami i agencjami na całym świecie takimi jak: Kotetkat (Francja), lemoniada (Wielka Brytania), Lebedev Studio (Rosja). Ostatnio całkowicie zmieniłem wygląd swojej strony internetowej, czego nie żałuję. Teraz dla własnej przyjemności rysuje zabawnych i nie tylko małych ludzików i wiele z tego czerpie Wielka przyjemność a czasem i pieniądze.

Pokaż obraz

Dana LuVisiego to artysta cyfrowy zajmujący się kinematografią i tworzeniem gier wideo. Już w szkole dostrzeżono jego nieograniczony talent. Jego kariera rozpoczęła się w DC Comics, gdzie rysował różnych superbohaterów. Następnie pracował na rzecz Hasbro, Fox, Universal i Microsoft. Rozwinął swój własny styl, jego prace są rozpoznawalne i niepowtarzalne. Oprócz tego, że jest utalentowanym ilustratorem, Dan LuVisi jest także projektantem kostiumów, lubi malować, tworzyć scenorysy oraz rysować plakaty i opakowania.

Malarstwo cyfrowe

• Autor
• 30 marca 2016, 16:15


Ta społeczność jest poświęcona malowaniu rastrowemu lub malowaniu w edytorach rastrowych, takich jak Photoshop, SAI, Painter i inne.
Tutaj możesz publikować tutoriale, filmy, informacje o redaktorach, podkreślać zawiłości rysunku i dzielić się ciekawymi odkryciami i technikami rysowania itp. itp.

Niech żyją piksele

Jeśli interesuje Cię rysunek wektorowy, zapraszamy do .

• Autor
• 11 marca 2018, 18:23



Musiałem przetworzyć pewną liczbę czarno-białych zdjęć i usunąć ich tło, zapisując je jako PNG. Już to raz zrobiłem, ale znalazłem łatwiejszy sposób, którym się dzielę.

Zduplikuj obraz, z którym będziesz pracować, na nową warstwę lub odblokuj oryginalną warstwę.

Twój rysunek powinien być czarno-biały. Najlepiej przejść do menu Obraz > Dopasowania > Zmniejsz nasycenie lub kliknij Shift+Ctrl+U, następnie otwórz tam Poziomy i ustaw obraz tak kontrastowo, jak to tylko możliwe.





Wróć do warstw i kliknij Usuwać- tło zostanie usunięte.

Rysunek może być blady, więc kliknij przycisk z obrazka poniżej w górnym panelu, weź zwykły czarny pędzel i przesuń się po rysunku. Zamiast tego możesz także powielić warstwy, aby poeksperymentować z jakością.



Wszystko! Zapisz plik PNG i ciesz się życiem.

Świetnie sprawdza się w przypadku szkiców i grafik ołówkiem, a także wszelkich obrazów czarno-białych.
Metoda jest elementarna, oszczędza czas i zajmuje dosłownie minutę.

• Autor
• 1 października 2016, 20:03

Któregoś dnia pisałem i przyznaję, że jest to świetne rozwiązanie, dzięki któremu wszystko jest łatwe i eleganckie. Dziękuję Lettochka za udostępnienie :) Jest tylko jedna rzecz, pracuję w Illustratorze 5 i dlatego po prostu nie mam kreatora wzorów :(
Nie znalazłszy jeszcze tego artykułu Letty, próbowałem tworzyć wzory w Photoshopie za pomocą inteligentnych obiektów. Chcę się podzielić tym co zrobiłem, może komuś się przyda.
Zatem w kolejności:
1. Tworzę plik o rozmiarze powiedzmy 5000x5000. Na środku ustawiłem kwadratowy kształt o wymiarach 4000x4000 - to jest mój przyszły wzór. Następnie umieszczam prowadnice do krawędzi kwadratu (z włączonym przyciąganiem do obiektów). Wyłączam tło - teraz moje tło jest przezroczyste. Jest to plik szablonu, który będzie podstawą wszystkich moich przyszłych wzorów. Nadaję plikowi nazwę wzór_1 i zapisuję go.
2. W menu pliku wybieram - otwórz jako inteligentny obiekt - otwieram ten sam plik i zapisuję go, nazywając go, powiedzmy, wzór_1_3x3. Nazwa jest dowolna, tak ją nazwałem, żeby było jasne, że plik ten składa się z 9 kwadratów oryginalnego wzoru. W palecie warstw pojawi się inteligentny obiekt o pliku wzór_1.
3. Teraz powiększam rozmiar pliku wzór_1_3x3 za pomocą narzędzia przycinania do rozmiaru 12000x12000 (muszę zmieścić w nim te 9 kwadratów oryginalnego wzoru). Pierwszą mam już, jest na środku – resztę kopiuję i dopasowuję tak, żeby dokładnie pasowała – to ważne, żeby wzór był jednolity. Przesuwam warstwę z pierwszym inteligentnym obiektem – pierwszym białym kwadratem – na wierzch wszystkich warstw.
4. Na tym etapie mam otwarte w Photoshopie dwa pliki, wzór_1 i wzór_1_3x3, z którymi muszę pracować jednocześnie. Dla wygody podchodzę do panelu okiennego - układam - ustawiam dwa pionowo. Otwieram oba pliki, żeby zobaczyć Biały kwadrat, przewodniki i trochę miejsca wokół.

5. Następnie najpierw w pliku wzór_1 wyłączam warstwę z białym kwadratem - wtedy będzie mi to tylko przeszkadzać - i w przezroczystą przestrzeń pomiędzy prowadnicami wstawiam elementy przyszłego wzorca (mam je wszystko w PNG i w ustawieniach Photoshopa jest checkbox do wstawiania jako inteligentne obiekty (chodzi o to, żeby wszystkie elementy nie straciły na jakości podczas pracy z nimi) Teraz umieszczam elementy tak jak mi się podoba i zapisuję plik wzór_1.
6. Następnie otwierany obok plik wzór_1_3x3 jest aktualizowany i otrzymujemy w pełni skomponowany wzór.


Na razie ma przezroczyste tło, dlatego należy umieścić kwadrat 4000x4000 żądanego koloru w pliku wzór_1_3x3 pod wszystkimi warstwami - naszym tłem.
Dostosuj swój wzór_1 tak długo, jak to konieczne i zapisz go za każdym razem po poprawieniu i nie zapomnij zapisać pliku wzór_1_3x3 po każdej aktualizacji (na wszelki wypadek).
7. Gdy wzór jest już gotowy, w pliku wzór_1_3x3 wycinam go wzdłuż prowadnic i zapisuję jako JPG, podając ostateczną nazwę wzoru, u mnie jest to gałęzie_1. Będzie ucierpiał w rozmiarze 4000x4000 zgodnie z planem.


8. Po zapisaniu wzoru jako JPG wracam do pliku wzór_1_3x3 i anuluję akcję kadrowania. Oszczędzam.
Dlatego zachowuję plik wzór_1_3x3 jako szablon do budowania wzorców, a aby utworzyć nowy wzór, po prostu otwieram ten plik i znajduję centralny inteligentny obiekt wśród warstw. Podwójne kliknięcie otwiera go jako osobny dokument, w którym przeprowadzana jest cała praca z nowym wzorem, a efekt końcowy jest zapisywany jako JPG z pliku wzór_1_3x3.
Piękno pracy z inteligentnymi obiektami polega na tym, że zmieniasz wszystkie błędy wzorca w pliku wzór_1, a kiedy go zapiszesz, zobaczysz, jak to wygląda w wypełnionym wzorcu we wzorcu_1_3x3, zasadniczo w czasie rzeczywistym.
Ta metoda okazała się dla mnie całkiem wygodna. Być może niektórym z Was się to przyda. :)



• Autor
• 27 września 2016, 19:55

Już przewidziałem, ile osób skręci palec w moją skroń, jak wzór rastrowy w programie wektorowym, tak. Ale wyjaśnię, dlaczego piszę ten post. Kiedyś bardzo potrzebowałem tworzenia wzorów rastrowych i napotkałem problem. Oczywiście możesz tworzyć wzory w Photoshopie, ale ten program jest dostosowany do innych potrzeb. Ale wbudowany kreator wzorów w programie Illustrator zawsze mnie zachwycał, pozwalając mi szybko i łatwo tworzyć wszelkiego rodzaju wzory. Cóż, jestem ilustratoroholikiem, co jeszcze mogę powiedzieć. Jest też kwestia, że ​​zazwyczaj nie tworzę wzorów według siatek geometrycznych, ale rozrzucam obiekty losowo, a przy pomocy dowolnych metod w Photoshopie muszę ciągle dwukrotnie sprawdzać, czy obiekty stoją normalnie. Ilustrator oszczędza w tym zakresie mnóstwo czasu.

Ogólnie rzecz biorąc, program Illustrator może pracować z obiektami rastrowymi i rozpoznaje przezroczystą warstwę w formacie PNG. Oznacza to, że PNG pozostaje przezroczysty i kilka obrazów można łatwo nałożyć na siebie.

Aby zrobić wzór potrzebujemy obiektów z których będzie się składał w formacie PNG. Bierzemy nasze przezroczyste rzeczy i przeciągamy je do Illustratora, zwracamy uwagę na to, że tworzenie wzorów pojawiło się począwszy od CS6, więc ta metoda nie zadziała poniżej sześciu. W galerii zduplikowałam wszystkie zdjęcia z postu w większym rozmiarze.



Od razu ważny punkt: Nie polecam zwiększania obszaru roboczego. Illustrator wstawia obrazy jako inteligentne obiekty i ich jakość nie ulega zniekształceniu (zwykle moje oryginalne zdjęcia są również duże, od 2000 do 3000 px), dzięki czemu można zrobić wzór na małym obszarze i wyeksportować go w normalnym rozmiarze. Zwykle wykonuję wzory 600*600 px, po eksporcie 5000*5000 px.

Po przeciągnięciu musisz zrobić ważną rzecz, a mianowicie kliknąć przycisk „Osadź” na górnym panelu. Bez tego nie da się zrobić wzoru. Po wstawieniu zdjęcia, po zaznaczeniu, będą miały zwykłą ramkę, bez krzyżyka w środku.



Następnie zaznacz wszystkie obiekty i wybierz Obiekt > Wzór > Utwórz jak w przypadku zwykłego wektora. Otwiera się zwykłe okno, a główną zaletą dla mnie osobiście jest to, że mogę zobaczyć cały wzór i natychmiast zmienić położenie obiektów. Aby w Photoshopie zobaczyć wzór w dużym kawałku, musisz wykonać dodatkową serię czynności.





Gdy wzór będzie gotowy, kliknij „Gotowe” na górnym panelu. Następnie wyjmuję kawałek z swatchów i chowam nadmiar pod maską przycinającą. Następnie eksportujemy z uwzględnieniem obszaru roboczego JPEG lub PNG i voila, wzór rastrowy gotowy!



Przed zrobieniem nowego wzorka zazwyczaj usuwam poprzednie obiekty, bo zwiększają one rozmiar pliku i Illustrator może zacząć zwalniać. Jeśli muszę zapisać wzory, aby później je przenieść do środka, zbieram wszystkie wzory do pliku zawierającego kilka małych obszarów roboczych i zapisuję je jako wektor.

Być może dla niektórych ta metoda będzie wydawać się skomplikowana, ale dla innych pozwoli zaoszczędzić wiele nerwów i czasu.
C.G. Lub Malarstwo CG to nic innego jak rysunek cyfrowy lub skrót od Computer Graphic. Ten kierunek obejmuje wszystkie obrazy narysowane na komputerze lub, jak to się nazywa, cyfrowe.

To, co rysują artyści CG, zależy od tego, co dokładnie rysują. Z grubsza podzielone są raster, wektor i 3D. Wektor można jeszcze później animować.

Raster to przede wszystkim Adobe Photoshopie , w którym można rysować rastrowo, częściowo wektorowo, tworzyć animacje flash, pracować w technice foto-artu i kolaży.
Czy jest jeszcze coś? Malarz Corela z ogromną ilością różne pędzle, imitując prawdziwy obraz. Niektóre farby są mniej popularne PhotoImpact, GIMP, SAI, Artweaver, Open Canvas, Art Rage, MyPaint, Krita. I oczywiście w Farba, w którym, nawiasem mówiąc, wygodnie jest rysować grafikę pikselową, mówią.



Wektor rysowany jest głównie w Corela Drawa I Adobe Illustratorze. Oba mają swoje zalety i wady, ale oba są największymi i najbardziej znanymi edytorami wektorów.



Gracze 3D również mają wybór. 3D Max, Maya, ZBrush, Cinema4D– edytory do modelowania 3D. Aby w pełni stworzyć tego typu grafikę komputerową potrzebny jest BARDZO wydajny komputer.



W czym malarstwo cyfrowe jest lepsze od malarstwa tradycyjnego?

• Bardzo duża prędkość i duży wybór materiały. Wybór odpowiedniego koloru to kwestia sekund (w przeciwieństwie do tradycyjne malarstwo, gdzie trzeba wymieszać lub dokupić dodatkowe farby, aby uzyskać pożądany kolor - wymaga doświadczenia i czasu), wybór odpowiedniego pędzla/narzędzia również jest operacją niemal natychmiastową. Można pracować z imitacją olejów, pasteli, akwareli lub całością na raz, co jest trudne prawdziwy świat.
• Możliwość anulowania swoich działań, a także możliwość zapisania w dowolnym momencie pracy i powrotu do niej później, a także jeszcze większa lista funkcji i zalet – to wszystko sprawia, że ​​praca artysty jest kilkukrotnie szybsza przy tej samej jakości.
• Praca komputerowa jest od razu gotowa do wykorzystania w cyfrowych technologiach kina, gier, układu graficznego – prace wykonane na materiale za pomocą farb należy najpierw przenieść do widok cyfrowy i tutaj też jest sporo problemów, plus dodatkowy etap pracy.
• W przeciwieństwie do malarstwa tradycyjnego, malarstwo cyfrowe ma fajne i wygodne narzędzia i możliwości: na przykład pracę z warstwami lub nakładanie tekstur ze zdjęć na potrzebne obszary obrazu; generowanie hałasu danego typu; różne efekty pędzla; zdjęcia HDR; różne filtry i poprawki i wiele więcej.
Niemniej jednak istnieje wielki problem związane z oddawaniem barw - trudności z prezentacją sztuki na nośnikach materialnych. Większość monitorów pracuje w modelu kolorów RGB z przestrzenią barw sRGB, której granice kolorów nie są takie same, jak w typowej drukarce CMYK, która ma swoje własne ograniczenia gamy kolorów. Dzięki temu część kolorów widocznych na monitorze nie zostaje wydrukowana na papierze, a jednocześnie nie zostaje wykorzystany pełny potencjał drukarki w zakresie krycia. Aby rozwiązać ten problem, stosuje się profesjonalne monitory z przestrzenią kolorów ARGB (Adobe RGB), specjalnie zaprojektowaną tak, aby pomieścić prawie wszystkie kolory dostępne dla drukarki, oraz profile kolorów, aby jak najlepiej dopasować obrazy na monitorze i nośniku wydruku. Nie można jednak osiągnąć 100% zbiegu okoliczności, ponieważ Nawet najgorsza przestrzeń sRGB jest szersza w niektórych obszarach kolorów niż wiele przestrzeni CMYK.

Tworzenie rysunku/malarstwa od początku do końca na komputerze to stosunkowo nowy kierunek w sztukach plastycznych. Nie ma sensu ustalać dokładnej daty powstania pierwszego rysunku komputerowego (można się pogubić w ustalaniu, co jest wystarczająco artystyczne i poważne dla rysunku jako takiego); jednak przybliżona data powszechnego pojawienia się efektownych i kolorowych dzieł wykonywanych na komputerze to lata 1995-1996 (data ta zbiegła się z pojawieniem się i powszechnym stosowaniem stosunkowo niedrogich monitorów SVGA i kart graficznych zdolnych do wyświetlania 16,7 miliona kolorów)). W malarstwie cyfrowym komputer jest tym samym narzędziem, co pędzel i sztaluga. Aby dobrze rysować na komputerze, trzeba także znać i umieć zastosować całą wiedzę i doświadczenie zgromadzone przez pokolenia artystów (perspektywa, perspektywa powietrzna, koło kolorów, odblaski, refleksy itp.).

Przykłady prac artystów cyfrowych

• Kradzież w karawanseraju przez Guro.
• Przebiśnieg, przez Anry'ego.
• Panie Kurush, przez Anry'ego.
• Stokrotki i gargulce, autorstwa Ellyona.
• Zły facet, autorstwa Ellyona.

Zalety malarstwa cyfrowego

Dostępność

Aby tworzyć dzieła cyfrowe dowolnego poziomu, należy zakupić/posiadać komputer osobisty o odpowiedniej mocy i kilka programów do malowanie komputerowe. Wszystko to będzie kosztować ~1500 dolarów ( większość ta kwota to koszt programów licencjonowanych) w pierwotnej wersji (profesjonaliści kupują droższe komputery, monitory i tablety, ale one tylko zwiększają wygodę pracy). Więcej o wyposażeniu współczesnego (stan na 2006 rok) artysty CG można przeczytać w artykule „Sztuka cyfrowa: od czego zacząć?”.

Wysoka prędkość

Szczególnie krytyczne w sektorze płatnym działalność artystyczna: projektowanie książek, filmów, gier. Programy specjalistyczne dla artystów CG (na przykład) zawierają dużą liczbę narzędzi przyspieszających pracę. Wybór odpowiedniego koloru to kwestia sekund (w przeciwieństwie do tradycyjnego malowania, gdzie trzeba wymieszać farby, aby uzyskać odpowiedni kolor – wymaga doświadczenia i czasu), wybór odpowiedniego pędzla/narzędzia również jest operacją niemal natychmiastową. Możliwość anulowania swoich działań, a także możliwość zapisania w dowolnym momencie pracy i powrotu do niej później, a także jeszcze większa lista funkcji i zalet – to wszystko sprawia, że ​​praca profesjonalnego artysty jest kilkukrotnie szybsza dzięki ta sama jakość. Ponadto praca komputerowa jest od razu gotowa do wykorzystania w cyfrowych technologiach kina, gier i układu – płótno namalowane olejem należy najpierw przenieść do postaci cyfrowej.

Unikalne narzędzia

Na przykład praca z warstwami lub nakładanie tekstur ze zdjęć na potrzebne obszary obrazu; generowanie hałasu danego typu; różne efekty pędzla; zdjęcia HDR; rozmaite filtry i poprawki – tego wszystkiego i wielu innych po prostu nie ma w tradycyjnym malarstwie.

Horyzont

Sztuka tradycyjna praktycznie osiągnęła swój kres doskonałości technologicznej i środków już w XVIII wieku. Od tego czasu nie dodano nic nowego - nadal masz pigment, olej (lub ich gotową mieszankę), płótno i pędzle. I nic nowego się nie pojawi. Można śmiało powiedzieć, że współczesnemu malarstwu komputerowemu wciąż daleko do najlepszych obrazów geniuszy przeszłości pod względem jakości i skali pracy – ma jednak pole do rozwoju. Rośnie rozdzielczość monitorów, poprawia się jakość oddawania barw, rośnie moc komputerów, zmieniają się i udoskonalają programy do cyfrowego malowania, istnieje zasadnicza możliwość stworzenia nowych metod i urządzeń do pracy z kolorem/wyprowadzania koloru ( projektory lub holografia).

Łatwość użycia przez niektóre grupy ludzi i łatwość obsługi

Jeśli potrafisz pracować na komputerze i jesteś osobą dociekliwą i energiczną, zrozumienie interfejsu komputerowych programów do malowania nie będzie dla Ciebie trudne - jest taki sam jak większość programów Windows + całkowicie logiczny zestaw narzędzi cyfrowego artysty. Zarówno płatne, jak i bezpłatne lekcje wideo do pracy w tym czy innym programie. W przypadku programów cg-art takie lekcje wideo zawierają zapis wszystkich etapów pracy cyfrowego artysty nad obrazem.

Wady malarstwa cyfrowego

Trudność opanowania

W tej chwili szkół lub poważniejszych placówek edukacyjnych nauczających w tej specjalności jest bardzo niewiele – artyści cyfrowi to przede wszystkim osoby najbardziej energiczne i dociekliwe, a zwłaszcza dzieci, które potrafią samodzielnie się uczyć i znajdować informacje; projektanci i drukarze (z doświadczeniem w pracy z grafiką na komputerze PC); Najbardziej znani artyści cyfrowi ukończyli instytucje edukacyjne w zakresie malarstwa tradycyjnego i dopiero potem samodzielnie przeszli na sztukę CG. Ponadto współczesny artysta cyfrowy jest nie do pomyślenia bez Internetu (komunikacja ze współpracownikami, pracodawcami, poszukiwanie nowych programów lub metod rysowania itp.) - i znowu nie każdy to ma. Praktycznie nie ma książek o tworzeniu rysunków na komputerze, ale sytuacja stopniowo się poprawia.

Obecne ograniczenia technologii komputerowej

Współczesne monitory w dalszym ciągu nie pracują w rozdzielczościach bliskich rozdzielczości naszych oczu. Oznacza to, że monitor nie jest w stanie wyświetlić takiej ilości szczegółów, która może zapewnić obserwację na żywo fragmentu płótna o tym samym rozmiarze malarstwo klasyczne. Możesz wydrukować swój obraz na drukarce - ale rodzi to trzeci problem sztuki CG:

Problem z przesłaniem obrazu komputerowego na nośnik materialny

Monitory działają w przestrzeni barwnej wynoszącej 16,7 miliona kolorów. Druk na papierze nie jest w stanie fizycznie objąć całej tej gamy barw – przestrzeń barw obejmuje mniejszą liczbę barw i odcieni. W tej chwili nie ma porządnego nośnika rysunku cyfrowego. Monitory, które potrafią pokazać wszystkie kolory obrazu (i mają ustawienia jasności, kontrastu, koloru) mają zbyt niską rozdzielczość, która nie pozwala im pokazać wszystkich szczegółów obrazu (nie wyświetlają go w pełnym rozmiarze bez interpolacja - zwykły monitor nie może pokazać jednocześnie więcej niż 1-2 megapiksele, specjalne i dość drogie monitory LCD potrafią pokazać około 8 megapikseli).

Kwestia praw autorskich

Właścicielem rysunku jest ten, kto posiada oryginalny (źródłowy) plik rysunku. Jednak, jak każdą informację cyfrową, plik można powielać (kopiować) i replikować w nieograniczonych ilościach bez ponoszenia znaczących kosztów. Najprostszy przykład ochrona Twojego rysunku - umieszczenie małej kopii w Internecie (zwykle rysują profesjonalni artyści wysoka rozdzielczość- 6000x10000 pikseli lub nawet więcej - wygodnie jest rysować szczegóły, ale w Internecie publikowana jest mała wersja - 1600x1200 lub mniej; lub nawet fragment). W tym przypadku kto ma świetna opcja rysunek - jest jego autorem i właścicielem. Prawa autorskie do rysunku cyfrowego można łatwo zmienić i prawdziwa pomoc Tylko znani artyści mogą odczuć jego obecność.

Spinki do mankietów

Linki zewnętrzne do forów rosyjskojęzycznych

gdzie komunikują się artyści wszystkich gatunków

• FORUM SZTUKI GURO- założono najstarsze forum specjalistyczne sławny artysta Guro w grudniu 2002 r
• SKETCHERS.RU- nieco młodszy zasób, który ma wiele wygodnych funkcji (magazyny, galerie) dla artystów. Założona 17 stycznia 2004 roku przez artystę/projektanta AJ.
• Czas rzeczywisty- podsekcja szkoły Real Time. Jedna z nielicznych instytucji oferujących szkolenia sztuka komputerowa we wszystkich kierunkach (2D, 3D). Na początku rozwoju forum kierunek rysowania prowadził najsłynniejszy rosyjski artysta CG - Henz. Forum jest obecnie nieaktywne, ale archiwa są bardzo przydatne zarówno dla początkujących, jak i profesjonalistów.
• Centrum 3D- Popularna strona i forum na CG (Galerie prac 3d i 2d, W.I.P, lekcje i artykuły).

Teraz pomyślmy styl artystyczny. Tak się złożyło, że przyszedł czas na decyzję, co dokładnie i jak chcę przedstawić. Chyba zaczynam rozumieć, czego chcę. Oto prace moich ulubionych artystów cyfrowych. Mam nadzieję, że Cię zainspirują i pomogą Ci złapać falę. Następnie przychodzą moje oceny, oparte wyłącznie na moich preferencjach - mówimy o tym, jak chciałbym rysować i czy ktoś rysuje słabo. Poza tym prezentowane tu prace należą do artysty na tak poważnym poziomie, że w zasadzie nie mam prawa ich oceniać.

Zacznijmy więc od mojego odwiecznego faworyta pod względem techniki, nastroju i fabuły – ty_interestno .

Moja ulubiona technika wyraźnych pociągnięć:

Chmury rysowane są normalnie:

Lekkie przetarcia - dobre:

Z tego co znalazłem w sieci:

(niestety nie udało mi się znaleźć autora)

Tutaj pracowałbym prawidłowo nad twarzą:

Coś szalonego:

Wkurzają mnie takie rzeczy, ale byłbym zbyt leniwy, żeby sam to rozwiązać, więc uogólnię:

Za mało szczegółów:

Świetnie:

Bardzo podoba mi się ten rodzaj detali z nieostrożnymi pociągnięciami pędzla. Ale nie możesz w ten sposób przepracować całej swojej pracy! Z tego wnioskujemy, że chcę bardziej scentralizowanych kompozycji. A w zasadzie pejzaże nie są dla mnie - chyba że z jakimś głównym obiektem, żeby w efekcie otoczenie zostało jedynie zarysowane, skupiając uwagę na głównym obiekcie.

Przepiękne, ale wzrok za bardzo się kręci. Mocniej skupiłbym swoją uwagę na tej mechanicznej rzeczy i dziewczynie, a nawet odciąłbym część otoczenia. Bardzo podoba mi się to, jak starannie narysowana jest dziewczyna.

Ale tutaj, moim zdaniem, są dwa główne obiekty - więc narysowałbym zwierzę również ostrożniej. No cóż, otoczenie jest jeszcze bardziej ostrożne) I tak, rozumiem, że to concept art, to wszystko, że może zadanie było inne - ale to nie przeszkadza mi myśleć, jakby to była niezależna ilustracja.

No dobrze, ale nie podoba mi się tak oczywiste użycie tekstur w pracach. Najwyraźniej nie moje.

Za mało szczegółów =(Pysk mógł być naprawdę dobrze wykonany, futro, pasemka, wszystko...

Super, ale znowu dziewczyna byłaby bardziej szczegółowa... Zwłaszcza jej wydłużona noga.

Ale tutaj bardzo interesująca jest mieszanka stylów. Podobają mi się schludne pociągnięcia wież, ale nie tekstury i postacie z kreskówek. Ale zrobiono to w ciekawy sposób, owszem.

Znalazłem też fajny gif na stronie tego artysty:

(bardzo niezwykły artysta Mrok82)

Bardzo ciekawa praca z portretami, oprócz wyraźnych pociągnięć - podoba mi się.

Moim ulubionym Windrunnerem jest postać z Doty:

Traxex, z tej samej gry:

Pociągnięcia, kształt - jak:

Świetnie współpracuje z postaciami. Wygląda więc na to, że znalazłem osobę, na której mogę się skupić. Myślę, że jest wspaniały.

Ma fajne chmury (kot nasra na tablet, a ja to zakreślam, tak):

A ja nadal nie rozumiałem logiki jego uderzeń. Spróbuj na przykład narysować taki szalik:

Ogólnie prace są bardzo emocjonalne. Jest wiele do zobaczenia.

Również pod względem emocjonalności i porywczości lubię Leventep. Jego linie są chaotyczne (jak się wydaje), a jego pociągnięcia często są pozbawione kształtu. Uprawia bardziej malarstwo matowe niż rysunek - ale dobrze rysuje i doskonale wszystko łączy. Radzę ci się uczyć.

Ponownie w Dota (tylko w pierwszej) zauważyłem pracę kunkki, który rysował ilustracje do każdej aktualizacji mapy. Rysuje dobrze, ale kompozycją przez długi czas wyszła owsianka:

Teraz osiągnął wyższy poziom i ma na co popatrzeć:

I tutaj wydaje się, że detal został wyrażony poprzez liniowy rysunek. Również interesujące do obejrzenia (Kerem Beyit):

(artysta
Bez tekstur:

A niesamowite na tle pozostałych prac są te stylizowane rzeczy:

(ogólnie proszę o miłość i przysługę, artysta DavidRapozaArt)

Istnieją również prace oparte na modelach 3D, z dodatkiem tekstur i wszelkiego rodzaju efektami. Prace te są bardzo czyste, ale to nie dla mnie.

Analizowałem to sam różne style i zdecydowałem, czego chcę. Być może w tym też Ci pomogło.
Tutaj prezentuję prace tych artystów, którymi przyglądam się od półtora roku. To jest moja kolekcja =)
Czekam z niecierpliwością na Wasze linki, Wasze poglądy na temat stylów i Wasze preferencje. Jestem naprawdę zainteresowany.

W zeszłym tygodniu firma Wacom, praktycznie monopolistą na świecie rysunek cyfrowy, przedstawione Nowa technologia BĘDZIE– Język warstwy atramentu Wacom. Jest to nowy uniwersalny standard, który zapewnia wieloplatformowość i pracować razem lokalnie lub w chmurze, niezależnie od urządzenia i ekosystemu. Technologia polega na wykorzystaniu nie tylko specjalistycznych tabletów do cyfrowego malowania, ale także smartfonów i zwykłych tabletów wyposażonych w rysiki.

Bardzo interesującą dziedziną jest malarstwo cyfrowe, czyli tworzenie obrazów elektronicznych z wykorzystaniem komputerowych symulacji narzędzi artystycznych. Nie co tydzień słyszymy wielkie wieści o nowym tablecie graficznym i nie czekamy z zapartym tchem na nowe narzędzia, jednak ten obszar elektroniki użytkowej stale i ciągle się rozwija. wcale nie tak wysoce wyspecjalizowane jak, powiedzmy, programowanie. Dostępność technologii i narzędzi pozwala nawet nieprofesjonalnym artystom na tworzenie własnych cyfrowych obrazów. Jak rozwinęła się ta branża i co może nas czekać w przyszłości? Spróbujmy się tego dowiedzieć!

Kierunek malarstwa cyfrowego jest, co oczywiste, dość młody – do jego powstania konieczne było wystarczające rozwinięcie komputerów oraz urządzeń wejścia i wyjścia informacji. Dokładna data Pierwszy rysunek komputerowy w ogóle nie jest nikomu znany. A co można za takie uznać? Czy pseudografiki należy klasyfikować jako rysunek cyfrowy, czy nie? Pierwsze zauważalne i kolorowe prace wykonane na komputerze pojawiły się w połowie lat 90-tych ubiegłego wieku, kiedy to powszechnie stosowano Monitory SVGA oraz karty graficzne umożliwiające wyświetlanie 16,7 miliona kolorów.

Co ciekawe, przodek współczesnych narzędzi cyfrowych artystów, pierwszy tablet graficzny, pojawił się na długo przed rozwojem komputerów osobistych. W 1888 roku niejaka Elisha Gray opatentowała pierwszy tablet graficzny. Ale pierwsze urządzenie, bardzo podobne do współczesnych, składające się z długopisu i płaskiego urządzenia wrażliwego na nacisk, działało w połączeniu z komputerem Stylator i był używany do pisma ręcznego w 1957 roku.

W 1964 roku wprowadzono tablet graficzny, który wykorzystywał siatkę półprzewodników pod powierzchnią wejściową, do której przykładano trójskładnikowe impulsy elektryczne zakodowane w kodzie Graya. Pióro odebrało ten sygnał, który można było następnie zdekodować z powrotem na współrzędne.

Ale pierwsze konsumenckie urządzenia graficzne tzw KoalaPad zostały zaprojektowane do współpracy z komputerami Apple II, ich historia rozpoczęła się w 1984 roku. Wraz z tabletem użytkownikowi zaoferowano specjalne oprogramowanie do rysowania. Z biegiem czasu tablety Koala zaczęły współpracować z innymi komputerami (program graficzny dla IBM PC nosił nazwę PC Design), a wkrótce rynek tabletów konsumenckich rozszerzył się – weszły na niego nowe firmy.

Od końca XX wieku nastąpił szybki rozwój malarstwa cyfrowego tzw Sztuka CG(Sztuka grafiki komputerowej). Powodem tego była przede wszystkim dostępność. Aby rysować na komputerze, oprócz samego komputera, konieczne było zakupienie jedynie tabletu graficznego i oprogramowania. Drugim powodem wzrostu popularności był wzrost tempa pracy artysty. Programy graficzne oferują dużą liczbę narzędzi, nie mówiąc już o bogatej palecie kolorów. Do współczesnego artysty wystarczą dwa kliknięcia, aby wybrać żądany kolor– nie ma konieczności kupowania i mieszania farb. I nie zapomnij o największej zaletie komputera - każdą błędną czynność w programie można łatwo cofnąć. W rysunek cyfrowyłatwiej jest nanieść zmiany, a po ukończeniu można od razu wysłać pod wskazany adres – nie trzeba czekać aż farba wyschnie i przenosić płótno na nośnik cyfrowy.

Rosnąca popularność technologii pozwoliła na rozwój odpowiednich narzędzi – w arsenale współczesnego artysty cyfrowego, ilustratora czy grafika wielka ilość efekty, pędzle i filtry, których po prostu nie ma w tradycyjnym malarstwie.

U Malowanie cyfrowe wielkie perspektywy, ale i wielkie ograniczenia. Od XVIII wieku sztuka tradycyjna praktycznie nie istnieje rozwój techniczny, współcześni artyści tworzą niemal tym samym zestawem narzędzi, co ich koledzy sto lat temu: płótnem, pędzlami, olejem... Ale jednocześnie z roku na rok wzrasta rozdzielczość i gęstość pikseli wyświetlaczy, jakość oddawania barw poprawia się, rośnie moc obliczeniowa, rozwija się oprogramowanie - wszystko to jest czynnikiem decydującym o rozwoju rysunku cyfrowego. To jest z jednej strony. Z drugiej strony rozdzielczość współczesnych monitorów wciąż odbiega od rozdzielczości ludzkiego oka, monitor nie jest w stanie wyświetlić takiej ilości szczegółów, jaka byłaby w stanie zapewnić obserwację na żywo wycinka klasycznego malarstwa tej samej wielkości.

Kolejnym współczesnym problemem malarstwa cyfrowego jest po prostu brak odpowiedniego instytucje edukacyjne. Artysta cyfrowy dziś jest właściwie samoukiem. Najsłynniejsi artyści cyfrowi ukończyli instytucje edukacyjne w zakresie malarstwa tradycyjnego i dopiero potem samodzielnie przeszli na twórczość cyfrową.

Choć podręczników poświęconych malowaniu cyfrowemu jest bardzo niewiele, wybór tabletów graficznych na rynku jest dość szeroki. Modele firmowe są popularne w Rosji Geniusz I . Najtańszy model kosztuje nieco ponad tysiąc rubli, ale profesjonalne narzędzie o dużej przekątnej i funkcjonalności może kosztować 200 tysięcy rubli.