Lezione numero 8.Disegnare dal vero
Traguardi e obbiettivi: Disegnare dalla natura un fiore con uno stelo da un erbario o copiare un disegno botanico. Formato A4, matita, penna ad elio. Il disegno occupa ½ del foglio.
Presentazione grafica.
Compiti a casa: fare schizzi di forme vegetali.
Lezione numero 9.Silhouette
Traguardi e obbiettivi: Immagine planare dell'oggetto selezionato. Il trasferimento dei tratti caratteristici del fiore. Tagliare il superfluo e l'insignificante.
Grafica di presentazione (utilizzo di uno spot).
Formato A4, matita, inchiostro, pennarello, carta bianca. Il disegno occupa ½ del foglio.
Compiti a casa: implementazione di opzioni per la soluzione della silhouette delle forme vegetali.
Lezione numero 10.Trasformare la forma di un oggetto
Traguardi e obbiettivi: Modifica della forma della silhouette di un oggetto modificando le proporzioni dell'oggetto:
Rispetto all'asse verticale (espansione, contrazione);
Modifica delle proporzioni di un oggetto rispetto all'asse orizzontale (allungamento, appiattimento);
· modificare le proporzioni tra i principali elementi strutturali all'interno dell'oggetto raffigurato.
Presentazione grafica (uso di macchie e linee).
Formato A4, pennello, pennarello, carta bianca.
Compiti a casa: implementazione di opzioni aggiuntive per la trasformazione delle forme vegetali. La diversità della natura animata e inanimata è una fonte inesauribile di ispirazione per una persona creativa. Solo a contatto con la natura una persona conosce la sua bellezza, armonia e perfezione.
Le composizioni ornamentali, di regola, vengono create sulla base della trasformazione delle forme naturali.
Trasformazione: cambiamento, trasformazione, in questo caso, elaborazione decorativa di forme naturali, generalizzazione e selezione delle caratteristiche essenziali di un oggetto utilizzando determinate tecniche.
Le tecniche di elaborazione decorativa possono essere le seguenti: graduale generalizzazione della forma, aggiunta di dettagli, modifica del contorno, saturazione della forma con un ornamento, trasformazione di una forma tridimensionale in una planare, semplificazione o complicazione del suo design, evidenziazione della silhouette, sostituzione del colore reale, diverse soluzioni cromatiche di un motivo, ecc.
Nell'arte decorativa, nel processo di trasformazione della forma, l'artista, pur preservandone l'espressività plastica, cerca di evidenziare i dettagli principali, più tipici, rifiutando i dettagli minori.
La trasformazione delle forme naturali deve essere preceduta da schizzi della natura. Sulla base di immagini reali, l'artista crea oggetti decorativi basati sull'immaginazione creativa.
Il compito dell'artista non si riduce mai al semplice abbellimento. Ogni composizione decorativa dovrebbe enfatizzare, rivelare la forma e lo scopo dell'oggetto decorato. La sua soluzione stilistica, lineare e cromatica si basa su un ripensamento creativo della natura.
Trasformazione di forme vegetali in motivi ornamentali
La ricchezza del mondo vegetale con le sue forme e combinazioni di colori ha portato al fatto che i motivi vegetali hanno occupato a lungo una posizione dominante nell'ornamento.
Il mondo vegetale è in gran parte ritmico e ornamentale. Questo può essere rintracciato considerando la disposizione delle foglie su un ramo, le nervature su una foglia, i petali di un fiore, la corteccia di un albero e così via. Allo stesso tempo, è importante vedere il più caratteristico nella forma plastica del motivo osservato e realizzare la connessione naturale degli elementi del modello naturale. Sulla fig. 5.45 mostra schizzi di piante che, pur trasmettendo la loro immagine, non sono una copia assoluta. Eseguendo questi disegni, l'artista traccia l'alternanza ritmica degli elementi (rami, fiori, foglie), cercando di identificare i più importanti e caratteristici.
Per trasformare una forma naturale in un motivo ornamentale, bisogna prima trovare un oggetto che sia convincente nella sua espressività artistica. Tuttavia, generalizzando la forma, non è sempre necessario abbandonare i piccoli dettagli, poiché possono conferire alla forma più decorativa ed espressività.
L'identificazione delle caratteristiche plastiche delle forme naturali è facilitata da schizzi dalla natura. Da un oggetto è desiderabile realizzare una serie di schizzi da diversi punti di vista e da diverse angolazioni, sottolineando i lati espressivi dell'oggetto. Questi schizzi sono la base per l'elaborazione decorativa della forma naturale.
Vedere e riconoscere un ornamento in qualsiasi motivo naturale, essere in grado di rivelare e visualizzare l'organizzazione ritmica degli elementi di un motivo, interpretare espressamente la loro forma - tutto ciò costituisce i requisiti necessari per un artista quando crea un'immagine ornamentale.
Riso. 5.45. Schizzi naturali di piante
Riso. 5.49. Trasformazione del motivo vegetale. Lavoro accademico
Sulla fig. 5.49 mostra esempi di lavoro sulla trasformazione di una forma vegetale utilizzando una soluzione lineare, spot e lineare-spot.
Considerando le caratteristiche della trasformazione delle forme vegetali in motivi ornamentali, va notato che anche il colore e il colore dei motivi naturali sono soggetti a trasformazione artistica, e talvolta a un radicale ripensamento. Non sempre il colore naturale di una pianta può essere utilizzato in una composizione ornamentale. Un motivo vegetale può essere risolto in un colore condizionale, una combinazione di colori preselezionata, in una combinazione di colori correlati o contrastanti. È anche possibile un completo rifiuto del colore reale. È in questo caso che acquista una convenzione decorativa.
Trasformazione di forme animali in motivi ornamentali
Attingere dalla natura degli animali e il processo di trasformazione delle loro forme ha le sue caratteristiche. Insieme agli schizzi dal vero, una circostanza essenziale è l'acquisizione di abilità nel lavorare dalla memoria e dalla rappresentazione. È necessario non copiare la forma, ma studiarla, memorizzarne i tratti caratteristici, per poi generalizzarli a memoria. Un esempio sono gli schizzi di uccelli presentati in Fig. 5,50, che si fanno con una riga.
Riso. 5.50. Schizzi di uccelli dalla memoria e dalla rappresentazione
Riso. 5.52. Esempi di trasformazione della forma del corpo di un gatto in motivo decorativo.
Lavoro accademico
Il soggetto del ripensamento plastico dei motivi animali può essere non solo la figura di un animale, ma anche la variegata trama della copertina. Bisogna imparare a rivelare la struttura ornamentale della superficie dell'oggetto in studio, a sentirla anche dove non è molto nitida.
Contrariamente alle belle arti, nelle arti e nei mestieri l'identificazione del tipico avviene in modo diverso. Le caratteristiche di una particolare immagine individuale nell'ornamento a volte perdono il loro significato, diventano ridondanti. Così, un uccello o un animale di una particolare specie può trasformarsi, per così dire, in un uccello o in un animale in generale.
Nel processo del lavoro decorativo, la forma naturale acquisisce un significato decorativo condizionale; questo è spesso associato a una violazione delle proporzioni (è importante capire chiaramente perché questa violazione è consentita). Un ruolo essenziale nella trasformazione delle forme naturali è svolto dall'inizio figurativo. Di conseguenza, il motivo del mondo animale a volte acquisisce le caratteristiche della favolosità, della fantasia (figura 5.51).
Le modalità di trasformazione delle forme animali sono le stesse di quelle delle forme vegetative: questa è la selezione delle caratteristiche più essenziali, l'iperbolizzazione dei singoli elementi e il rifiuto di quelli secondari, il raggiungimento dell'unità del sistema ornamentale con la forma plastica dell'oggetto e l'armonizzazione delle strutture ornamentali esterne ed interne dell'oggetto. Nel processo di trasformazione delle forme animali vengono utilizzati anche mezzi espressivi come la linea e il punto (Fig. 5.52).
Quindi, il processo di trasformazione delle forme naturali può essere suddiviso in due fasi. Nella prima fase vengono eseguiti schizzi a grandezza naturale, che esprimono in un linguaggio grafico preciso e conciso i tratti più caratteristici della forma naturale e del suo ornamento materico. La seconda fase è il processo creativo stesso. L'artista, utilizzando un oggetto reale come fonte primaria, lo fantastica e lo trasforma in un'immagine costruita secondo le leggi dell'armonia dell'arte ornamentale.
I modi e i principi di trasformazione delle forme naturali considerati in questo paragrafo ci consentono di concludere che un punto importante, e forse il principale nel processo di trasformazione, è la creazione di un'immagine espressiva, la trasformazione della realtà al fine di identificare le sue nuove qualità estetiche.
Lezione numero 11.Geometrizzazione della forma
Traguardi e obbiettivi: Riportare un oggetto vegetale (fiore) modificato nella forma alle forme geometriche più semplici:
cerchio (ovale);
quadrato (rettangolo)
triangolo.
Presentazione grafica.
Formato A4, pennarello, carta bianca.
Compiti a casa: implementazione di opzioni aggiuntive per la geometrizzazione delle forme vegetali.
Sezione 3. Scienza del colore
Specifiche colore
Lezione numero 12.Ruota dei colori (8 colori)
Traguardi e obbiettivi: Introdurre gli studenti alla ruota dei colori e al colore come materiale artistico. L'implementazione della ruota dei colori per otto colori. Formato A4, gouache, carta, pennelli.
Compiti a casa: eseguire il markup del formato grafico per un rapido lavoro in classe nella lezione successiva.
5. Colore nella composizione decorativa
Uno dei mezzi compositivi e artistici ed espressivi più importanti nella composizione decorativa è il colore. Il colore è uno dei componenti principali di un'immagine decorativa.
Nel lavoro decorativo, l'artista cerca un rapporto armonico di colori. La base per la compilazione di diverse combinazioni di colori è l'uso di differenze di colore in tonalità, saturazione e luminosità. Queste tre caratteristiche cromatiche consentono di costruire molte armonie cromatiche.
Le serie armoniche di colore possono essere suddivise in contrastanti, in cui i colori si oppongono l'uno all'altro, e sfumate, in cui si combinano colori dello stesso tono, ma di tonalità diversa; o colori di tonalità diverse, ma ravvicinati nella ruota dei colori (azzurro e blu); o colori simili nel tono (verde, giallo, insalata). Pertanto, le sfumature sono relazioni cromatiche armoniche che presentano lievi differenze di tonalità, saturazione e luminosità.
Combinazioni armoniose possono anche dare colori acromatici, che hanno solo leggere differenze e sono combinati, di regola, in due o tre colori. Le combinazioni bicolore di colori acromatici sono espresse o come una sfumatura di toni ravvicinati di fila o come contrasto di toni distanti tra loro nella leggerezza.
Il contrasto più espressivo è il contrasto dei toni del bianco e nero. Tra loro ci sono diverse sfumature di grigio, che a loro volta possono formare combinazioni contrastanti (più vicine al nero o al bianco). Tuttavia, questi contrasti saranno meno espressivi del contrasto del bianco e nero.
Per creare armoniose combinazioni di colori cromatici, puoi utilizzare la ruota dei colori.
Nella ruota dei colori, divisa in quattro quarti (Fig. 5.19) alle estremità dei diametri reciprocamente perpendicolari, si trovano rispettivamente i colori: giallo e blu, rosso e verde. Secondo la combinazione armoniosa, si distinguono i colori correlati, contrastanti e correlati.
I colori correlati si trovano in un quarto della ruota dei colori e contengono almeno un colore comune (principale), ad esempio: giallo, giallo-rosso, giallo-rosso. Esistono quattro gruppi di colori correlati: giallo-rosso, rosso-blu, blu-verde e verde-giallo.
Colori contrastanti correlati
situati in due quarti adiacenti della ruota dei colori, hanno un colore comune (principale) e contengono colori contrastanti. Ci sono quattro gruppi di colori contrastanti correlati:
giallo-rosso e rosso-blu;
rosso-blu e blu-giallo;
blu-verde e verde-giallo;
verde-giallo e giallo-rosso.
Riso. 5.19. Schema di disposizione dei colori correlati, contrastanti e relativi contrastanti
Una composizione di colori avrà una forma chiara quando si baserà su un numero limitato di combinazioni di colori. Le combinazioni di colori dovrebbero costituire un'unità armoniosa, dando l'impressione di integrità coloristica, la relazione tra i colori, l'equilibrio del colore, l'unità del colore.
Ci sono quattro gruppi di armonie di colore: .
armonie monotonali (vedi fig. 26 su colore incl.);
armonie di colori correlati (vedi fig. 27 su colore incl.);
armonie di colori contrastanti correlati (vedi fig. 28 su colore incl.);
armonia di colori complementari contrastanti e contrastanti (vedi fig. 29 su colore incl.).
Le armonie monocromatiche di colori hanno fondamentalmente una qualsiasi tonalità di colore, che è presente in una quantità o nell'altra in ciascuno dei colori combinati. I colori differiscono l'uno dall'altro solo per saturazione e luminosità. Anche i colori acromatici sono usati in tali combinazioni. Solide armonie creano una colorazione dal carattere calmo ed equilibrato. Si può definire sfumato, anche se non si esclude il contrasto nel contrasto tra colori scuri e chiari.
Combinazioni armoniose di colori correlati si basano sulla presenza di impurità in essi degli stessi colori primari. Le combinazioni di colori correlati rappresentano una gamma di colori sobria e calma. Affinché il colore non sia monotono, usano l'introduzione di impurità acromatiche, ad es. scurire o schiarire alcuni colori, che introduce un contrasto di leggerezza nella composizione e contribuisce così alla sua espressività.
I colori correlati accuratamente selezionati offrono grandi opportunità per creare una composizione interessante.
Il tipo più ricco di armonia cromatica in termini di possibilità coloristiche è una combinazione armoniosa di colori contrastanti correlati. Tuttavia, non tutte le combinazioni di colori correlati ma contrastanti possono costituire una composizione cromatica di successo.
I colori contrastanti correlati saranno in armonia tra loro se il numero del colore primario che li unisce e il numero di colori primari contrastanti in essi sono gli stessi. Le combinazioni armoniose di due, tre e quattro colori contrastanti correlati si basano su questo principio.
Sulla fig. 5.20 mostra schemi per costruire combinazioni armoniose bicolore e multicolore di colori contrastanti correlati. Si può vedere dai diagrammi che due colori contrastanti correlati verranno combinati con successo se la loro posizione nella ruota dei colori è determinata dalle estremità di accordi strettamente verticali o orizzontali (Fig. 5.20, a).
Con una combinazione di tre tonalità di colore, sono possibili le seguenti opzioni:
Riso. 5.20. Schemi per la costruzione di combinazioni di colori armoniose
se un triangolo rettangolo è inscritto in un cerchio, la cui ipotenusa coinciderà con il diametro del cerchio, e le gambe prenderanno posizioni orizzontali e verticali nel cerchio, allora i vertici di questo triangolo indicheranno tre colori armoniosamente combinati (Fig. 5.20, b);
se un triangolo equilatero è inscritto in un cerchio in modo che uno dei suoi lati sia una corda orizzontale o verticale, allora l'apice dell'angolo opposto alla corda indicherà il colore principale che unisce gli altri due situati alle estremità della corda (Fig. 5.20, c). Così, i vertici dei triangoli equilateri inscritti in un cerchio indicheranno i colori che formano triadi armoniose;
armoniosa sarà anche la combinazione di colori situata ai vertici dei triangoli ottusi: l'apice dell'angolo ottuso indica il colore principale, e il lato opposto sarà una corda orizzontale o verticale del cerchio, le cui estremità indicano i colori che compongono la triade armoniosa principale (Fig. 5.20, d).
Gli angoli dei rettangoli inscritti in un cerchio segneranno accostamenti armoniosi di quattro colori correlati e contrastanti. I vertici del quadrato indicheranno la variante più stabile delle combinazioni di colori, sebbene sia caratterizzata da una maggiore attività cromatica e contrasto (Fig. 5.20, e).
I colori situati alle estremità dei diametri della ruota dei colori hanno proprietà polari. Le loro combinazioni danno tensione e dinamismo alla combinazione di colori. Combinazioni armoniose di colori contrastanti sono mostrate in fig. 5.20, e.
Tutte le qualità fisiche e psicologiche del colore, i principi della costruzione dell'armonia del colore devono essere presi in considerazione quando si risolve una composizione decorativa.
Controllare le domande e le attività
1. In quali due gruppi possono essere suddivise le serie armoniche di colore?
2. Parlaci delle opzioni per le combinazioni armoniche di colori acromatici.
3. Quali sono i colori correlati e correlati a contrasto?
4. Assegna un nome ai gruppi di armonie di colore.
5. Utilizzando la ruota dei colori, assegna un nome alle opzioni per le armonie multicolore.
6. Crea disegni di combinazioni di colori solidi, correlati, contrastanti e contrastanti (tre opzioni ciascuno).
Lezione numero 13.Gruppi di colori di base
Traguardi e obbiettivi: Seleziona i principali gruppi di colori in base all'impressione visiva:
· rosso,
· giallo,
· verde.
Componi sfumature dei principali gruppi di colori.
Tenendo conto dell'età degli studenti, la scala dei colori può essere eseguita in una forma insolita, ad esempio sotto forma di una foglia d'albero separata da strisce.
Le attività vengono eseguite su formato A4 con colori a guazzo.
Compiti a casa:
Lezione numero 14.Colori saturi, desaturati
Traguardi e obbiettivi: Modifica della saturazione del colore di tre passaggi aggiungendo i colori bianco e nero (per il gruppo principale di colori).
Formato A4, gouache, pennelli, carta bianca.
Compiti a casa: esecuzione del markup grafico del formato per un lavoro veloce in classe, esecuzione di composizioni coloristiche specificate (simile al lavoro in classe).
Lezione numero 15.Buio e luce
Traguardi e obbiettivi: Separazione dei colori in scuri e chiari: ritaglia tutte le sfumature di colori disponibili e stendile su uno sfondo grigio medio, mentre:
Tutti i colori che all'occhio appaiono più chiari dello sfondo sono chiari;
Tutti i colori che all'occhio appaiono più scuri dello sfondo possono essere definiti scuri .
Le attività vengono eseguite su formato A4, applique.
Compiti a casa:
Lezione numero 16.Caldo e freddo
Traguardi e obbiettivi: Determinazione delle tonalità di colore calde e fredde:
Tutti i colori disponibili sono disposti su uno sfondo grigio medio;
Dividi in due gruppi: caldo e freddo;
tra i colori si possono distinguere i poli termici (il blu è freddo e l'arancione è caldo).
Le attività vengono eseguite su formato A4 in modo applicativo.
Ottenere sfumature di colore caldo-freddo: stendere qualsiasi colore (ad eccezione del "palo") nei lati caldi e freddi.
Formato A4. Fornitura di colore. Gouache, carta, pennelli.
Compiti a casa: esecuzione di composizioni coloristiche specificate (per analogia con il lavoro in classe).
E dobbiamo ancora raccontare qualcosa in più sulla mostra.
Il Museo storico statale presenta per la prima volta una collezione unica di perline, così come altri oggetti di arti decorative, applicate e belle della prima metà del XIX secolo. con motivi floreali e vegetali e relativi simboli. La mostra mostra circa 100 reperti, interessanti nella loro storia.
Questo dal sito del museo.
La mostra è davvero molto piccola. E tutti i reperti sono piccoli, con la possibile eccezione di un paio di vasi e di un rivestimento di perline di un divano. Il momento in cui devi camminare e guardare. Le etichette sono poco dettagliate e le opere d'arte vengono lette sullo schermo in sala. (Alla mostra dei disegni di interni, sullo schermo è stata raccontata la storia dell'album esposto alla mostra, è stato molto interessante).
E la mostra è in qualche modo eclettica. Ho anche avuto l'impressione che non ci fosse abbastanza lavoro con le perline, o che la strategia del museo fosse quella di attrarre mostre da altri dipartimenti e altre organizzazioni, o per qualche altro motivo, ma un certo numero di mostre, ovviamente, conteneva immagini di foglie, fiori e così via, ma in qualche modo non si adattava davvero al contesto. Anche se, forse, non ho approfondito un po 'la mostra stessa. Quando fotografi le mostre, ti lasci trasportare da ognuna di esse, di conseguenza potresti non vedere la foresta per gli alberi. Eppure - questa è già la mia nona mostra in poco più di un anno all'Historical, ma quasi tutte quelle passate erano “monografiche”: cavalleria, costume popolare, oro greco, mobili Gambs e così via. E in questa mostra, le mostre sono unite da una sorta di connessione artistica tra loro. Insolito! Tuttavia, di seguito fornirò targhe prussiane, un bicchiere e altre due lettere dell'imperatrice Alexandra Feodorovna, moglie di Nicola I, che ovviamente caddero a causa di disegni su un pezzo di carta, anche il loro testo non è stato tradotto.
A proposito di perline. Capisco che gli oggetti presentati alla mostra - molti - sono tessuti da perline. Più precisamente, sono collegati da perline. Cioè, non c'è materiale, tessuto o pelle su cui verrebbero cucite le perline. Se è così, allora questa è una scoperta per me, non conoscevo una tecnica del genere.
Tutte le mostre di seguito provengono solo da due vetrine della mostra, cioè non appositamente selezionate da me.
Perline, filo di seta; maglieria
GIM 70488 BIS-1084
Perline, filo di seta; maglieria
GIM 77419/33 BIS-1432
Perline, tela, pelle, lega di rame; ricamo, sbalzo, doratura, zigrinatura
GIM 78112 BIS-1240
Lega di rame; fusione, doratura
GIM 68257/29 LU-6763; GIM 68257/47 LU-6764
AP Vershinin (autore e pittore)
Pianta Bakhmetiev, Russia, provincia di Penza., Distretto di Gorodishchensky, con. Nikolskoye, 1810
Cristallo incolore, vetro lattiginoso; sovrapposizione, taglio a diamante, verniciatura con colori ai silicati
GIM 61679/3 1771 art.
6. Lettera dell'imperatrice Alexandra Feodorovna. 1840
Lettera dell'imperatrice Alexandra Feodorovna a suo padre, il re Federico Guglielmo III di Prussia
Carta, inchiostro
GA RF, F. 728, op. 1, D. 829, Parte III, L. 179
Ministero dell'Istruzione e della Scienza della Federazione Russa
Agenzia federale per l'istruzione
Istituto di istruzione statale di istruzione professionale superiore
“Accademia sociale e pedagogica di Tobolsk intitolata a V.I. DI. Mendeleev"
Facoltà artistica e grafica
Dipartimento di Design e HO
Corsi sull'argomento:
Stilizzazione di motivi vegetali nell'esecuzione del pannello artistico "Fiori"
Tobolsk - 2010
introduzione
Il linguaggio delle belle arti è multiforme e diversificato. Una delle tecniche utilizzate dalle belle arti è la stilizzazione. La stilizzazione è una convenzione di un linguaggio espressivo che si ottiene per generalizzazione, il cui scopo è rendere un oggetto più espressivo. Ogni materiale detta il proprio stile di stile.
Nel processo di lavorazione di un'opera, e in particolare di un pannello decorativo, gli artisti ricorrono all'utilizzo di una tecnica come la stilizzazione, che consente non solo di ottenere espressività nella composizione cromatica, ma anche di enfatizzare l'immagine artistica. Non solo le arti e l'artigianato fanno appello alla stilizzazione, ma anche agli artisti da cavalletto: Matisse, Klimt, Jacks of Diamonds, World of Art, Gauguin, Andy Warhol e molti altri.
I motivi vegetali si trovano spesso nel lavoro di molti artisti. L'immagine degli elementi vegetali in una composizione può essere stilizzata in diversi modi, la gamma di opzioni per la comprensione creativa del mondo oggettivo da parte dell'artista è diversa: da un leggero tratto di contorni con una linea a una complessa forma spaziale tonale e cromatica.
Sulla base di quanto precede, è stato determinato lo scopo del lavoro del corso: utilizzare le tecniche di stilizzazione dei motivi vegetali per creare un pannello decorativo.
Nel processo di lavoro, sono stati risolti i seguenti compiti:
Considera il concetto di stilizzazione, i suoi tipi e metodi di implementazione;
Analizza le opere degli artisti e identifica le tecniche di stilizzazione utilizzate
identificare le specificità dell'uso delle tecniche di stilizzazione nel lavorare su un motivo vegetale;
studiare le caratteristiche del lavoro su una composizione nella tecnica della pittura a olio;
approfondire le conoscenze nel campo della costruzione di una composizione a partire da motivi stilizzati e dell'organizzazione ritmica dei motivi;
Oggetto di studio: la stilizzazione come tecnica per creare un'opera d'arte.
Oggetto di studio: caratteristiche dello sviluppo di un pannello decorativo basato sulla stilizzazione del colore e della forma di un motivo vegetale.
I seguenti metodi di ricerca hanno svolto un ruolo importante nel nostro lavoro:
analisi artistica di un'opera d'arte,
metodo di analisi stilistica,
analisi storica comparata.
Nel corso del nostro lavoro, ci siamo basati sulle seguenti fonti. GM Logvinenko "Composizione decorativa", che introduce i principi di base dell'organizzazione di una composizione decorativa, le proprietà dei colori e le opzioni per creare armonie cromatiche, metodi e tecniche di stilizzazione. Nel libro di E.V. Shorokhov "Fondamenti di composizione", vengono delineate le questioni teoriche e pratiche del corso di composizione. L'autore esamina in modo completo le leggi fondamentali della composizione in vari tipi e generi di belle arti, compresa l'arte monumentale.
Le questioni della tecnica del processo di lavorazione dei materiali pittorici sono considerate nel libro di testo "Pittura", che espone le basi della teoria, della metodologia e della pratica della rappresentazione pittorica.
Capitolo 1. La stilizzazione come mezzo per creare l'espressività di un'opera
.1 Tecniche di stilizzazione nelle opere d'arte
La stilizzazione è una generalizzazione decorativa e l'evidenziazione delle caratteristiche degli oggetti utilizzando una serie di tecniche condizionali. Puoi semplificare o complicare la forma, il colore, i dettagli dell'oggetto e anche rifiutare di trasferire il volume. Tuttavia, semplificare la forma non significa affatto impoverirla, semplificare significa enfatizzare i lati espressivi, omettere dettagli minori. La stilizzazione è un metodo necessario e naturale nell'arte decorativa, nei manifesti, nella pittura monumentale, nella grafica di silhouette, nella grafica applicata e in altre forme d'arte che richiedono un'organizzazione ritmica decorativa dell'insieme.
Lo stile può essere basato su vari principi.
La principale caratteristica visiva dell'oggetto raffigurato può essere la forma dell'oggetto, il suo contorno, la sagoma, il contorno. L'estrema semplificazione, la laconizzazione della forma e l'uso di un certo stile di immagine saranno uno dei metodi di styling. Nel processo di generalizzazione della forma, l'artista, pur mantenendo l'espressività plastica, individua il principale e il tipico, rifiutando i dettagli minori.
La prima tecnica di stilizzazione è la semplificazione delle relazioni cromatiche. Tutte le sfumature osservate nella forma reale, di regola, sono ridotte a pochi colori. È anche possibile un completo rifiuto del colore reale. La semplificazione dei rapporti tonali e cromatici, talvolta riducendoli al minimo, a due o tre toni, è un'altra condizione per lo styling (Appendice 1, Fig. 1)
Puoi modificare la composizione quantitativa di toni e colori, rifiutandone alcuni, puoi inoltre introdurre nuovi colori.
La semplificazione o il rifiuto della forma volumetrica degli oggetti, passando a un'interpretazione applicativa planare condizionale, comporta una libera interpretazione dei rapporti di luminosità del colore, la ricerca di nuove tavolozze cromatiche di colori, tranne nei casi in cui il compito prevede la conservazione dell'unità cromatica degli oggetti o della composizione.
La prossima tecnica di stilizzazione è l'organizzazione ritmica del tutto. Per organizzazione ritmica dell'insieme si intende innanzitutto portare la forma o il disegno dell'oggetto raffigurato a una certa configurazione geometrica, ornamentale o plastica. Le immagini simboliche hanno un'organizzazione ritmica diversa. A volte le stesse immagini ornamentali, del soggetto e della trama sono simboli o un sistema di simboli. Nelle immagini simboliche, linee e macchie possono trasformarsi in combinazioni più complesse, prive di uno specifico significato narrativo. Poi ci sono immagini stilizzate di natura geometrica. Possono mantenere la base della trama, ma l'accento sarà posto sulla rigorosa alternanza di elementi e sulle loro combinazioni di colori o sull'adesione incondizionata a qualche forma geometrica. (Appendice 1, Fig. 2)
D'altra parte, il principio fondamentale di ogni forma geometrica è una sorta di forma della vita reale, generalizzata e semplificata ai limiti.
Il processo di trasformazione delle immagini reali della natura in immagini stilizzate è di natura complessa, a volte è associato alla trasformazione attiva e alla deformazione dell'oggetto, con la sua iperbolizzazione o il completo rifiuto delle proprietà individuali della natura. Allo stesso tempo, un'immagine stilizzata è in grado di riflettere a modo suo le forme oggettive della natura, selezionando le più tipiche e caratteristiche, raccontandole metaforicamente e conferendole così un contenuto figurativo fondamentalmente nuovo. (Appendice 2, Fig. 1)
Esiste un metodo di stilizzazione in cui la base è la forma decorativa dell'oggetto raffigurato, trovata attraverso un contorno espressivo o una silhouette piena di elementi ornamentali. Questa forma può essere trovata in vari modi: in primo luogo, sulla base delle proprietà naturali insite nell'oggetto (colore, consistenza, ecc.); in secondo luogo, sulla base delle proprietà raffigurate: soggetto (fiori, foglie), geometrico (linee, quadrati) e una combinazione di entrambi. (Appendice 2, Figura 2)
Trasformando la forma naturale in un motivo stilizzato, bisogna prima trovare un'immagine plastica del motivo che sia convincente nella sua espressività artistica. Ogni trasformazione della realtà, infatti, viene compiuta per individuare nuovi criteri estetici.
Il mondo circostante è in gran parte ritmico, ornamentale. Questo può essere tracciato considerando la disposizione delle foglie su un ramo, le vene su una foglia, le nuvole impetuose, la corteccia degli alberi e così via. È importante catturare il più caratteristico nella forma plastica del motivo osservato e realizzare la connessione naturale degli elementi nel modello naturale.
È grazie ai diversi movimenti ritmici dei motivi, così come agli elementi all'interno di ciascun motivo, che l'artista è in grado di distinguere un motivo dall'altro. L'artista segue il percorso della generalizzazione delle forme vegetali, cercando di rivelare il più importante, il più caratteristico.
Parlando di ornamentalità, non bisogna dimenticare la forma plastica dei motivi, la bellezza e l'espressività delle linee che disegnano questa forma. Generalizzando la forma, non è sempre necessario abbandonare i piccoli dettagli, in quanto possono conferire alla silhouette della forma più decorativa ed espressiva.
Nel processo di stilizzazione, mezzi di espressione artistica come linea, macchia, colore giocano un ruolo importante.
Nel lavoro sulla stilizzazione dei motivi, un ruolo speciale appartiene al disegno lineare, poiché la linea trasmette in modo più nitido tutte le sfumature della forma plastica, le caratteristiche delle transizioni da un elemento all'altro, il movimento ritmico di questi elementi. Tuttavia, una certa parsimonia di un linguaggio lineare può portare all'aridità e persino allo schematismo.
Con un'interpretazione lineare del motivo, si distinguono tre soluzioni:
l'uso di linee sottili dello stesso spessore;
l'uso di linee spesse dello stesso spessore (se il disegno ha bisogno di dare attività, tensione, monumentalità);
l'uso di linee di diverso spessore. Tale soluzione ha grandi possibilità visive ed espressive, ma è piuttosto difficile. Per ottenere l'integrità, le linee di uno spessore devono essere combinate, formando il proprio motivo nella composizione, che deve resistere al motivo delle linee di un altro spessore. Più precisamente, dovrebbe essere una composizione di gigli di diverso spessore. (Appendice 3, Fig. 1,2,3)
La stilizzazione spot dei motivi contribuisce alla massima generalizzazione della silhouette delle forme. Può essere una sagoma nera su sfondo bianco e una sagoma bianca su sfondo nero. Il linguaggio artistico dello spot è rigoroso e sobrio. Tuttavia, lo spot può anche rivelare un'infinita varietà di stati. (Allegato 4)
Il più utilizzato è l'interpretazione lineare dei motivi. In questo caso, è molto importante organizzare punti e linee in una composizione armoniosa. È importante strutturare le macchie in un'unica composizione, interessante di per sé, nel ritmo e nella silhouette. È inoltre necessario collegare logicamente e armoniosamente le linee con punti ritmicamente sparsi in modo che entrambi, se combinati, creino un'immagine grafica olistica. Vale la pena notare che la macchia può essere utilizzata come rivestimento per la soluzione lineare del motivo. (Allegato 5)
Considerando le caratteristiche della stilizzazione delle forme, va notato che il colore e il colore dei motivi sono soggetti a trasformazione artistica, e talvolta a un radicale ripensamento. Non sempre il colore naturale di un oggetto può essere utilizzato in una composizione stilizzata. Il motivo scelto può essere risolto in un colore condizionale, in una combinazione di colori preselezionata, in una combinazione di colori correlati o contrastanti. È in questo caso che acquista la convenzionalità caratteristica della stilizzazione.
1.2 Motivi floreali nell'art
I fiori - un simbolo della primavera, la personificazione del più luminoso e puro sulla terra, venivano cantati nell'antica antichità. Gli artisti hanno sempre saputo gioire e stupirsi dei fiori. Nell'antico Egitto, le colonne del tempio erano realizzate sotto forma di mazzi di loto o papiro e i capitelli erano realizzati sotto forma di boccioli dipinti già pronti. Antiche pergamene cinesi e giapponesi hanno riportato ai nostri giorni vivi i colori delle peonie, dei glicini, dei gigli. Se non ci fossero i fiori, le arti ei mestieri sarebbero infinitamente impoveriti. (Appendice 6, Fig. 1, 2)
L'arte russa si è ripetutamente rivolta a motivi floreali. Artisti di varie aspirazioni creative hanno affrontato questo argomento. Quindi, I.I. Levitan, essendo principalmente un paesaggista, prestava attenzione alla natura morta dei fiori.
Nelle composizioni del maestro erano comuni produzioni costituite da un gran numero di fiori. Levitan attribuiva grande importanza alla pittura dei colori nel padroneggiare il colore e le relazioni cromatiche. Composizione "Primavera. White Lilac" è interessante in termini di tecnologia e combinazione di colori. Pastello con la sua consistenza vellutata e, in particolare, il metodo di posa di grandi piani di colore, sui quali viene applicato un colore diverso dall'alto con tratti di matita, per così dire, una velatura di un colore diverso: questa tecnica ha reso più facile per Levitan generalizzare le forme e collegarle tra loro. Ciò ha ottenuto una soluzione più decorativa e di natura morta al motivo di un mazzo di fiori lilla in un vaso. Troviamo tutto questo in forma ancora più sviluppata nelle nature morte "Bouquet di fiordalisi" e "Coleus". (Appendice 7, Fig.1,2)
In Russia negli anni '90. 19esimo secolo molti artisti K. Korovin, Z.E. Serebryakova, V.A. Serov, A.Ya. Golovin, N.E. Grabar si è rivolto a motivi floreali. Questi artisti creano nature morte per un'analisi speciale di colore, forma, composizione decorativa, ritmo; la planarità appare nelle soluzioni pittoriche.
Il motivo per cui K. Korovin ha creato opere è sempre stato una realtà concreta, nuova e mutevole in ogni momento. Pertanto, ad esempio, rose dipinte in tempi diversi: "Fiori e frutti", "Rose e viole", "Rose", "Natura morta". Roses”, ogni volta portano un riflesso dell'unicità del momento, un nuovo stato d'animo. Ma il maestro lo fa sempre: glorificare la gioia, il multicolore, la ricchezza della vita terrena. La tela "Fiori e frutti", scintillante di sole in ogni centimetro, è un vero capolavoro dell'impressionismo russo. (Appendice 7, Fig. 3)
Anche il maestro dell'arte teatrale e decorativa A. Golovin affronta il tema della natura morta. Nelle sue nature morte "Porcelain and Flowers", "Girl and Porcelain", "Still Life. Phloxes", apparve la caratteristica calligrafia del maestro: grafica, contorni chiari, motivi planari, squisita colorazione dell'immagine. Il tratto è volutamente lineare. In questo modo decorativo, segnato dall'influenza dell'Art Nouveau, sono state risolte composizioni floreali che ricordano gli arazzi.
Le nature morte di Golovin si distinguono per lo squisito splendore. Ciò si rifletteva anche nell'inclinazione dell'artista per la decorazione. (Appendice 8, Fig. 1)
Durante la sua lunga vita creativa, Saryan ha dipinto molti bellissimi dipinti. Ha trasmesso in modo sorprendentemente penetrante, lirico e veritiero la maestosa bellezza e l'originalità della vita e della natura circostante. Ha creato immagini piene di gioia giubilante, ha rivelato alle persone il mondo: gentile, generoso, solare.
Nature morte "verbose", spaziali e vicine alla natura. Invece di pochi oggetti accuratamente selezionati in termini di forme e colori, la cui originalità di ciascuno è sottolineata da uno sfondo neutro, come accadeva in Grapes, l'artista riempie la tela di molte cose, fiori, frutti, godendo di questa abbondanza.
Molte delle opere di Saryan appartengono alle vette della sua arte, combinando la forza e l'energia del pennello con la sottigliezza e la complessità dell'espressione. (Appendice 8, Fig. 2)
Le ricerche coloristiche di Saryan hanno portato l'artista al tema della natura morta. Questo genere ha dato all'artista una grande libertà nel maneggiare forme e colori, permettendo loro di essere combinati in qualsiasi combinazione.
Il lirismo e l'incredibile pittoricità sono caratteristici delle nature morte di S. Gerasimov.
"Amo così tanto la mia terra natale che tutto ciò che è connesso con essa, che vive e cresce su di essa mi è caro ..." - questo è ciò che ha detto Gerasimov, e queste parole possono essere ugualmente attribuite alle sue magnifiche nature morte. Rintracciano facilmente le tradizioni che sono alla base dell'arte del maestro. Le migliori nature morte dell'artista sono caratterizzate da un vivido pittoresco. Allo stesso tempo, è impossibile non vedere una differenza diretta tra la pittura grezza di Gerasimov e le creazioni poetiche di A. Arkhipov o K. Korovin.
Scritte con ampi tratti strutturati, le nature morte di Gerasimov trasmettono bene la succosità delle foglie verdi, l'elegante luminosità dei fiori, tutto questo con una materialità visibile, privando però la natura di una vibrante poesia. Indubbiamente, le migliori opere di Gerasimov includono una grande composizione "quadro", "paesaggio-natura morta" "After the Rain" ("Wet Terrace"). Questo lavoro ha incarnato con successo l'interesse del pittore per il paesaggio, la natura morta e l'interno. Come si può vedere dalle memorie della sorella dell'artista, lui, letteralmente scioccato dalla vista del giardino dopo una pioggia torrenziale e tempestosa, ha dipinto il quadro "alla velocità della luce" - entro tre ore.
Scritto con l'impressione che ha catturato completamente il suo creatore, "Wet Terrace", tuttavia, non sembra uno studio che catturi uno stato di natura vivido, ma fugace. Questa è un'immagine completamente finita, caratterizzata dall'integrità e dalla generalizzazione dell'immagine artistica. La sua composizione, piena di dinamica, è contrassegnata, tuttavia, da una rigorosa ponderazione. Dietro il tavolo, spostato all'ingresso del terrazzo, si apre la profondità del vecchio giardino. Le assi bagnate del pavimento brillano luminose, pesanti gocce di pioggia brillano sul verde lussureggiante dei cespugli, sui petali delle peonie in una brocca di vetro, sui bordi di un bicchiere rovesciato dalla pioggia. Le nuvole non si sono ancora disperse, e quindi tutto in natura, rinfrescato da un generoso acquazzone estivo, si tinge di freddi e puri toni argentei. La combinazione di colori freddi e sonori in cui è stata eseguita la "Terrazza bagnata" ha permesso a Gerasimov di esprimere la sua ammirazione per la ricchezza e la bellezza del mondo, per creare uno stato d'animo gioioso, che il pittore condivide generosamente con il pubblico. In un'altra natura morta - "Rose" - si può vedere l'influenza di K. Korovin, l'appello di Gerasimov a certi metodi della sua pittura. Ciò si avverte non solo nella scelta della trama, ma anche nell '"approfondimento" dello spazio del quadro inserendo uno specchio nella composizione, nella frammentazione complessiva della natura morta.
L'artista ha un'ottima padronanza del colore, il mezzo espressivo più importante della pittura, e in questa natura morta lo si sente bene nel modo in cui dipinge verde trasparente fuori dalla finestra o foglie di rosa dense e scure. E le rose stesse, che solo le sfumature di rosso non sono nella loro immagine - dal rosa pallido al viola intenso. La diversità delle nature morte del pittore è testimoniata dai suoi dipinti "Doni d'autunno", "Bouquet" e altri. (Appendice 8, Fig. 3)
Il colore, la sua espressività, un'interpretazione generalizzata della forma: questo è il linguaggio di questi artisti del XX secolo. In essi i confini della natura morta come genere pittorico si allargano straordinariamente. In una natura morta si sentono non solo le specificità del modo di vivere, ma anche quelle caratteristiche uniche che sono inerenti a una certa individualità.
Con la ricchezza di forme e colori, il concetto di bellezza nella natura morta è diventato più vario.
I fiori, a quanto pare, non sono affatto difficili da scrivere, ma questa impressione è ingannevole. I fiori aiuteranno a sviluppare il gusto, padroneggiare l'alfabetizzazione professionale, dare una comprensione delle leggi della forma, del chiaroscuro, del colore. "Un fiore non può essere dipinto" così così ", dice Konchalovsky, con tratti semplici, deve essere studiato e profondamente come tutto il resto". I fiori sono i grandi maestri degli artisti: per comprendere e smontare la struttura di una rosa, bisogna impegnarsi non meno che nello studio di un volto umano. Le rose hanno tutto ciò che esiste in natura, solo in forme più raffinate e complesse, e in ogni fiore, e soprattutto in un mazzo di fiori di campo, bisogna capirlo come in una specie di boschetto, finché non si coglie la logica della costruzione, dedurre le leggi da combinazioni che sembrano casuali.
I fiori possono essere dipinti e dipinti tutto l'anno. In inverno - al coperto, e nei bucaneve di marzo e aprile. Quindi si accendono le luci gialle di calendule, kupavnets, denti di leone. Non tutti preferiscono rose lussuose, peonie e dalie lussureggianti, squisiti gladioli. I. Shishkin, I. Levitan, S. Polenov raffiguravano più spesso foreste modeste e fiori selvatici: fiordalisi, margherite, denti di leone.
Ad alcune persone piacciono i mazzi enormi e colorati, ad altri piacciono piccoli, solo poche piante.
La vita della natura nell'arte si reincarna in immagini artistiche e diventa interessante non solo in sé, ma anche come immagine dei processi vitali interpretati dall'artista, come il suo atteggiamento nei confronti della realtà. A questo proposito, mediato dalla visione del mondo e dalla visione del mondo dell'individuo, si esprime il giudizio dell'autore sulla realtà, si realizza l'intenzione artistica.
I fiori per gli artisti sono severi esaminatori. Dal modo in cui li vede, da come li tratta, da come li ritrae, si può giudicare il suo atteggiamento nei confronti delle persone, della natura, della vita.
1.3 Tecniche di stilizzazione nelle opere degli artisti
L'arte ha affrontato le tecniche di stilizzazione da tempo immemorabile. Anche in tempi primitivi, le persone si sono rivolte a questa tecnica realizzando pitture rupestri.
Vediamo la tecnica della stilizzazione nel lavoro di molti importanti artisti russi e stranieri.
Ad esempio, Gustav Klimt utilizza ampiamente la stilizzazione ornamentale e la stilizzazione del colore nelle sue opere. (Appendice 9, Fig. 1). Henri Matisse dà più preferenza alla stilizzazione del colore. (Appendice 9, Figura 2)
Nelle opere di Fernand Leger vediamo figure di persone stilizzate linearmente. (Appendice 9, Figura 3)
Le opere degli artisti d'avanguardia Piet Mondrian e Pablo Picasso si basano sui principi e sulle tecniche della stilizzazione.
Non meno ampiamente vengono utilizzate tecniche di stilizzazione per creare una natura morta floreale.
Questo genere è il più coerente con il temperamento burrascoso di Cézanne. Nel suo studio poteva, con instancabile diligenza, riordinare mele, piatti e piatti, vasi di fiori, fino a trovare un soggetto che lo soddisfacesse. Cézanne ha trascorso settimane, e spesso mesi, a lavorare alle sue nature morte.
Così, ad esempio, la composizione "Blue Vase" porta tracce dell'influenza degli impressionisti, che hanno contribuito a chiarire la tavolozza di Cézanne negli anni '70. Sulla natura morta "Vaso di fiori", opera del 1903, Cézanne ha lavorato per più di un anno e, nonostante sembri abbastanza finito, lo considerava incompiuto. (Appendice 10, Fig. 1)
Per la prima volta, i post-impressionisti P. Gauguin e Van Gogh in una natura morta di fiori sono apparsi intense combinazioni di colori, un contorno grafico che delinea piani colorati. Ma la decorazione non era ancora l'obiettivo principale di questi artisti.
È così che Paul Gauguin ha affrontato questo genere. "Natura morta con peonie giapponesi in un vaso e un mandolino" ha un colore squisito e una composizione finemente pensata. L'artista ha scelto questo particolare vaso per il suo dipinto dai colori intensi, che si armonizza con il blu intenso della parete sullo sfondo, mentre i colori cangianti del bouquet - bianco, rosso e verde, si combinano con i toni del dipinto appeso al muro. L'artista ha raggiunto l'armonia anche nell'interazione delle forme: i contorni arrotondati degli oggetti corrispondono alla forma del tavolo rotondo su cui sono posti. La scelta dei soggetti corrispondeva non solo a compiti formali, ma anche concettuali. Il mandolino può essere assunto come simbolo dell'armonia che Gauguin cercava nel rapporto tra forma e colore, mentre il vaso e il piatto testimoniano l'interesse dell'artista per la stilizzazione nell'arte dell'ornamento. (Appendice 10, Fig. 2)
Anche Vincent van Gogh, pittore olandese, ha detto la sua parola nella soluzione pittorica di una natura morta, risolta in luce, blu puro, giallo dorato, toni rossi e tratti dinamici, come se fossero fluidi, caratteristici di lui. La dinamica del colore e del tratto riempie le nature morte del maestro, come "Girasoli" e "Iris", di vita spirituale e movimento interiore. (Appendice 10, Fig. 3)
Nel XX secolo, Henri Matisse si è rivolto al tema della natura morta nella pittura europea, che non è estraneo anche ai temi floreali.
Le nature morte più espressive di Matisse sono scritte a Siviglia, in una stanza d'albergo, "Siviglia Still Life" e "Spanish Still Life". Gli ornamenti floreali degli scialli spagnoli sono abbinati ai motivi del rivestimento del divano. I fiori sul tavolo si trasformano in un motivo di tessuto e i tessuti dipinti con fiori e arabeschi rotolano sul bouquet in onde colorate. La pittura decorativa di Matisse raggiunge nuove vette in queste nature morte. "Questo è stato il mio dipinto preferito per molti anni", dice Matisse di Natura morta con magnolie. Ha dipinto questa composizione in dettaglio, oggetto dopo oggetto, colore dopo colore, composta da rosso, nero, giallo ocra, bianco, giallo cadmio medio, sovrapposto alla velatura con vernice scarlatta. (Appendice 10, Fig. 4)
Pertanto, sulla base di quanto precede, possiamo affermare che il tema dei fiori e della natura morta floreale è rimasto oggetto di interesse per molti artisti di epoche e stili diversi, dove potevano utilizzare tecniche di stilizzazione. Nel processo di lavoro, i maestri hanno sollevato interrogativi non solo sull'ambiente del soggetto, ma anche sulla sua soluzione pittorica e plastica.
capitolo 2
.1 Soluzione composita di un pannello decorativo
Nel processo di realizzazione di schizzi e schizzi, viene selezionata la soluzione compositiva più interessante.
Tutto il lavoro compositivo si concentra sul posizionamento del motivo floreale all'interno del piano dell'immagine.
I fiori non dovrebbero essere disposti in modo casuale o casuale. Ogni fiore deve essere collegato nel significato con un altro. È molto importante metterli in tali posizioni che saranno più naturali per loro.
La dimensione dell'immagine dell'intero gruppo di colori deve essere conforme allo sfondo. Le immagini dei fiori non dovrebbero essere affollate sull'aereo, ma lo sfondo non dovrebbe prevalere sull'immagine. Gli oggetti dovrebbero essere disposti in modo tale da non bloccarsi a vicenda, evidenziando bene le loro proprietà caratteristiche.
Il formato orizzontale e verticale è più adatto alla composizione narrativa. Il formato quasi quadrato dà l'impressione di stabilità visiva. Il formato verticale evoca una sensazione di aspirante altezza, monumentalità.
Quando abbiamo lavorato su un motivo floreale stilizzato, abbiamo utilizzato vari principi e tecniche di stilizzazione.La principale caratteristica visiva degli oggetti raffigurati era la forma degli oggetti, i loro contorni, il colore e la silhouette. Abbiamo fatto ricorso alla massima semplificazione della forma dei fiori, dello spazio, e abbiamo abbandonato il colore reale e semplificato le relazioni tonali e cromatiche.
Nel nostro lavoro, abbiamo utilizzato una tecnica di stilizzazione tale da portare la forma dell'oggetto raffigurato a una certa configurazione geometrica.
Il nostro tipo di composizione si può definire policromatico, in quanto dominato da più di quattro colori cromatici. Un multicolore è una composizione cromatica in cui dominano quattro o più colori cromatici. Solitamente nel multicolor si usano due coppie principali, o quattro colori cromatici primari: rosso, giallo, verde, blu, così come le loro sfumature.
Per raggiungere l'espressività in una composizione decorativa, un ruolo importante è svolto dall'organizzazione ritmica e dall'interconnessione degli elementi pittorici sul piano.
Nell'organizzazione ritmica dei motivi della nostra composizione, abbiamo utilizzato il metodo dell'alternanza ritmica di elementi con diminuzione o aumento di determinate qualità (dimensioni, giri, misura di complessità, saturazione del colore o tonale, grado di elaborazione grafica o decorativa della forma). (Allegato 11)
2.2 Caratterizzazione delle proprietà della pittura ad olio
La varietà apparentemente infinita di stili e tecniche pittoriche non è solo dovuta all'enorme varietà di vita, ma anche alla presenza di un assortimento di materiali artistici. A seconda del prodotto utilizzato, ogni colore ha le sue caratteristiche che devono essere divulgate e utilizzate; e, quando si usano leganti diversi, questi colori assumono personalità completamente diverse.
La nostra composizione è realizzata con colori ad olio. I vantaggi di questo materiale artistico sono innegabili e consente all'artista di combinare varie tecniche in un dipinto, come "alla prima" e velatura, o passare alla pittura decorativa.
L'olio può essere dipinto rapidamente e paesaggi, nature morte, ritratti e composizioni complesse vengono creati con una tale tecnica pittorica che richiede un lavoro a lungo termine utilizzando il metodo della velatura. Ma allo stesso tempo è importante mantenere la freschezza, non "asciugarla", evitare l'oscurità.
Le proprietà della pittura a olio si riflettono nella consistenza e nella capacità di lavorare con una spatola.
È noto quale grande importanza sia stata sempre attribuita alla padronanza della tecnica e della tecnologia di lavorazione dei materiali pittorici. La padronanza delle tecniche professionali nella pittura, la conoscenza della tecnologia di lavorazione dei materiali pittorici e varie tecniche e metodi di pittura, la capacità di applicare questa conoscenza sono necessarie per l'artista.
“La tecnica è il linguaggio dell'artista; svilupparlo inesorabilmente, fino al virtuosismo. Senza di esso, non sarai mai in grado di raccontare alla gente i tuoi sogni, le tue esperienze, la bellezza che hai visto", ha detto P.P. Chistyakov.
Esistono diversi modi per condurre uno schizzo pittorico con colori ad olio: un metodo a più sessioni o velatura, un metodo a sessione singola utilizzando il metodo "a la prima". Puoi usare una tecnica mista: una parte dell'immagine è prescritta con vetri multipli e l'altra parte - usando il metodo "a la prima". La scelta del metodo di svolgimento del lavoro dipende dai compiti assegnati ed è determinata anche dalla natura della composizione.
Il metodo "a la prima" consiste nel fatto che dopo la soluzione compositiva trovata della messa in scena e del disegno preparatorio, l'intero studio viene eseguito in una sessione. Il colore di ogni dettaglio della produzione viene preso immediatamente in pieno vigore, vale a dire La pittura viene eseguita quasi in uno strato.
Il vantaggio del metodo sta nel fatto che durante l'intera sessione viene preservata l'impressione iniziale, che contribuisce alla colorazione brillante ed emotiva dell'opera. Inoltre, il metodo consente di prendere immediatamente il colore nella pittura in piena forza e di condurre l'intero studio allo stesso tempo, aggiungendo colore a un tratto già posato se necessario, senza applicare la vernice più volte in un punto.
Il lavoro pittoresco, scritto in questo modo, si distingue per freschezza, profondità di colore.
Il primo strato pittorico denota le parti scure degli oggetti per colore e tono. Il secondo strato di vernice viene applicato sul lavoro essiccato. Concretizza la forma, arricchisce e affina i rapporti cromatici e tonali.
I tratti vengono eseguiti rigorosamente in base alla forma degli oggetti. In questa fase vengono specificati i tocchi. È necessario tracciare i luoghi di tocchi chiari e contrastanti della forma degli oggetti con lo sfondo e altri dettagli, i luoghi di morbida combinazione del contorno dell'oggetto con lo sfondo, nonché i luoghi in cui alcuni dettagli sono immersi in un'ombra comune.
Dopo che lo studio si è asciugato, lo strato successivo satura il colore delle ombre, affina le sfumature dei mezzitoni e affina il lavoro sulle forme della messa in scena. L'opera si completa portando ad un adeguato stato cromatico e tonale tutti i dettagli della produzione, sottolineando le qualità principali, più interessanti e caratteristiche della produzione e livellando quelle secondarie.
Quando si applica uno strato di vernice all'altro, è necessario tenere conto dell'influenza del colore del primo strato sul colore del successivo. Ad esempio, il blu su giallo produce il verde, il rosso su giallo produce l'arancione e così via. Qui, oltre alle abilità pratiche nella pittura, è necessaria la conoscenza del corso di scienza del colore.
Nel nostro lavoro abbiamo usato una miscela di varie tecniche.
2.3 Base per pittura a olio
Esistono molte ricette di primer per la pittura su tela, ma le migliori sono i primer i cui componenti sono legati ai leganti della vernice.
Per la pittura ad olio, come primer, è possibile utilizzare il bianco prodotto in fabbrica o preparato mescolando l'emulsione di olio di caseina e il bianco di zinco secco.
N.V. Odnoralov offre una ricetta per il primer per emulsione con pre-incollaggio. La composizione di collatura comprende 7 parti di caseina sciolte in 100 centimetri cubi di acqua, 9 parti di una soluzione al 3% di borace, che migliora le proprietà adesive della caseina. Dopo che il dimensionamento si è asciugato, sulla tela viene applicato un primer per emulsione di consistenza cremosa della seguente composizione (numero di parti): caseina - 200, borace - 9, olio di lino - 10, bianco di zinco - 50-80, glicerina - 5, fenolo - 0,1, acqua - 300 millilitri.
Tele e cartone rivestiti con primer per emulsione sono prodotti dall'impianto di produzione del Fondo artistico della Federazione Russa. Prima di iniziare il lavoro, tale tela e cartone devono essere adescati con un ulteriore strato sottile di olio di caseina bianco, altrimenti la vernice potrebbe asciugarsi. Quando si adesca una base per dipingere o rivestire una tela di emulsione con olio di caseina bianco, è necessario utilizzare un flauto a setole larghe, muovendosi prima nella direzione dei fili dell'ordito e poi nella direzione dei fili della trama. Puoi iniziare a scrivere su tele e cartone innescati solo dopo l'asciugatura finale del primer o dell'olio di caseina bianco. Per il nostro lavoro, abbiamo utilizzato tele fabbricate in fabbrica.
Esistono anche altre ricette di primer descritte nella letteratura specializzata sulle tecniche pittoriche. Per la preparazione di terre colorate colorate, a queste terre viene aggiunto il colore desiderato della tempera di olio di caseina.
Pennelli, spatole, tavolozze. Per la pittura a olio vengono utilizzati pennelli a setole piatte e rotonde, kolinsky e scoiattolo. Per eseguire il lavoro, abbiamo utilizzato pennelli a setole piatte e kolinsky di tre dimensioni: grande n. 28-30, medio n. 16-18, piccolo n. 8-10.
Le spatole vengono utilizzate nella pittura come strumento per rimuovere la vernice dalla tavolozza al termine del lavoro e anche come strumento per lavorare con le vernici anziché con un pennello. Le vernici mescolate con una spatola si distinguono per sonorità e profondità, dipingere con una spatola consente di ottenere interessanti effetti materici su una superficie pittorica. Ma per lavorare con una spatola è necessaria un'adeguata preparazione, poiché il fascino degli effetti materici esterni a volte danneggia la verità artistica della natura. Nel nostro caso, la spatola è stata utilizzata per applicare lo strato di vernice principale.
Nel nostro lavoro, abbiamo utilizzato un metodo multisessione per lavorare su una composizione decorativa.
La sequenza dell'immagine dello schizzo nella tecnica della pittura a olio.
Primo stadio. Esecuzione di un disegno dettagliato della composizione con linee sottili, identificando le principali relazioni proporzionali degli oggetti.
Seconda fase. Esecuzione della tinteggiatura. La prima posa dei colori locali. Il colore degli oggetti è compilato su una tavolozza.
Terzo stadio. Identificazione delle relazioni di colore e tono. Elaborazione e raffinatezza dei dettagli. L'olio ti consente di apportare modifiche al lavoro.
Quarta tappa. Generalizzazione e completamento del lavoro. (Allegato 12)
Conclusione
vernice per stilizzazione del pannello decorativo
La capacità di vedere e comprendere l'armonia nella vita e nell'arte, di pensare in modo creativo è molto importante quando si crea una composizione stilizzata. Concentrandoci su questa tesi, abbiamo creato la nostra composizione. Nel processo di lavoro, abbiamo tenuto conto dell'effetto delle regole, delle tecniche e dei mezzi di stilizzazione, per i quali abbiamo considerato le opere di artisti russi ed europei. Sono state prese in considerazione anche le regole dell'organizzazione cromatica-ritmica della composizione,
Lavorando su un pannello decorativo, abbiamo studiato le caratteristiche del lavoro su una composizione decorativa utilizzando tecniche di stilizzazione, approfondito le nostre conoscenze nel campo della costruzione di una composizione cromatica e dell'organizzazione ritmica dei motivi, migliorato le nostre conoscenze, abilità e abilità nella tecnologia di lavorazione nella tecnica della pittura acrilica.
Lavorando sulla composizione, abbiamo utilizzato la tecnica di dividere il piano in parti, che è stata eseguita da linee rette in più direzioni. Abbiamo utilizzato la tecnica dell'alternanza ritmica di diversi colori con dimensioni decrescenti, saturazione del colore e un certo grado di elaborazione decorativa della forma.
Quando insegna un certo tipo di pittura con colori artistici, un pittore alle prime armi deve, prima di tutto, familiarizzare con materiali, strumenti, tecniche e tecnologia. Senza la conoscenza delle specificità dei vari tipi di pittura e la gestione professionale di materiali e strumenti, il successo nel padroneggiare le basi dell'alfabetizzazione pittorica è impossibile.
Come materiale pittorico, abbiamo scelto la pittura ad olio, che ha un colore sfaccettato e proprietà plastiche. Sono queste proprietà che sono più attraenti per gli artisti alle prime armi che padroneggiano le abilità della pittura. Nel nostro lavoro abbiamo utilizzato una tale tecnica "a la prima", che ha permesso di migliorare le capacità di scrittura pittorica, per enfatizzare la trama dello strato pittorico nella composizione.
Il risultato delle attività creative e di ricerca, a nostro avviso, è stato il raggiungimento dell'obiettivo prefissato, la soluzione dei compiti individuati all'inizio del lavoro.
Quelle abilità e conoscenze, l'esperienza e le abilità che sono state acquisite e consolidate nel processo di lavoro, penso, aiuteranno in un'ulteriore attività creativa.
Elenco delle fonti utilizzate
1.Aleksandrov, V.N. Storia dell'arte russa / V.N. Aleksandrov. - Minsk: Vendemmia, 2004. .Alekhin, A.D. Quando l'artista inizia / A.D. Alekhin - M., 1993. .Guai, G.V. Fondamenti di alfabetizzazione visiva: Disegno. Pittura. Composizione: Una guida per gli artisti. - Contare. falso. ped. in-tov /G.V. Guai - M.: Istruzione, 1969. .Vizer, V.V. Scrittura pittoresca. Il sistema del colore nelle belle arti /V.V. Vizer - San Pietroburgo: Peter, 2006. - 192. .Volkov, A. Lavora su schizzi pittoreschi /A. Volkov - M., 1984. .Volkov, n.n. Composizione in pittura / N.N. Volkov - M.: Illuminismo, 1977. .Volkov, n.n. Il colore nella pittura / A. Volkov - M., 1965. -170 p. .Dmitrieva, N.A. Breve storia dell'arte. Numero 1-3 / N.D. Dmitrieva - M., 1969, 1989, 1992. .Girard K. Matisse. -M.2001. .Ioganson, B.V. A proposito di pittura /B.V. Ioganson - M., 1960. .Storia dell'arte russa: in 2 volumi. T. 2, libro. 2. Libro di testo. - M., 1981. - 288 p. .Kiplik, DI Tecnica pittorica / D.I. Kiplik - M., 1999. - 203 p. .Kirtser, Yu.M. Disegno e pittura: Proc. indennità. - 3a ed. cancellato / Yu.M. Kirtser - M., 2000 - 271 p. .Kovtun E.F., Babanazarova M.M., Gazieva E.D. Vanguard si fermò in fuga. - L., 1989. .Kruglov, V.F. Korovin / V.F. Kruglov - San Pietroburgo, 2000. .Logvinenko G.M. Composizione decorativa: libro di testo. Manuale per gli studenti degli istituti di istruzione superiore. - M., 2004. - 144s. .Malevich: artista e teorico: raccolta di articoli. - M., 1990. .Martiros Saryan. - M., 1974. .Mironova, L.N. Il colore nelle arti visive. / LN Mironova. - Minsk, 2003. .Neklyudova, M.G. Tradizioni e innovazione nell'arte russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo / M.G. Neklyudova - M., 1991. .Petrov, V. Isaac Ilyich Levitan / V. Petrov - San Pietroburgo, 1992. .Pozharskaya, M. Alexander Golovin: La via dell'artista. Artista e tempo / M. Pozarskaya. - M., 1990. - 264 p. .Pospelova, G.G. Saggi di storia dell'arte /G.G. Pospelova - M., 1987. .Sarabyanov, D.V. Storia dell'arte russa della fine del XIX - inizio del XX secolo / D.V. Sarabyanov - M.: Galart, 2001. .Saryan, M. Dalla mia vita / M. Saryan. - M., 1990. - 304 p. .Sergej Gerasimov. -M.1974. .Sokolnikova, N. M. Arti visive: un libro di testo per uch. 5-8 celle: alle ore 4. Parte 3. Fondamenti di composizione / N.M. Sokolnikova - Obninsk: Titolo, 1999. - Anni '80. .Fedorov - Davydov, A.A. I primi lavori di Levitan. //Arte. - N. 8. - 1962. - p.51. .Harris N. Klimt. - M.: casa editrice "Spica", 1995. .Scuola di Belle Arti: vol. 5 - M., 1994. - 200 p. .Shorokhov, E.V. Fondamenti di composizione / E.V. Shorokhov - M .: Illuminismo, 1979. .Yuferova, N.A. Isaac Ilyich Levitan / N.A. Yuferova - L., 1962. .Yakovleva, N.A. Analisi e interpretazione di un'opera d'arte. Co-creazione artistica: Proc. Indennità / ed. SUL. Yakovleva - M: più in alto. scuola, 2005. - 551 pag.
Per la prima volta, il Museo storico statale ha presentato una collezione unica di perline della prima metà del XIX secolo, periodo in cui questa arte fiorì. Anche lì puoi vedere oggetti di arti e mestieri e belle arti con motivi floreali.
Due sale sono aperte ai visitatori. Il primo riflette un richiamo ai motivi floreali: ornamenti floreali, forme stilizzate come piante o fiori. Ecco gli effetti personali dell'imperatrice Alexandra Feodorovna: diari con schizzi di fiori, un erbario e lettere.
Questa parte dell'esposizione contiene anche riviste e manuali che dimostrano la popolarità di un fenomeno come il linguaggio dei fiori. Nella sala viene trasmesso un video, il cui materiale erano le poesie e le poesie di Delisle, Zhukovsky, Pushkin, Karamzin. Queste opere riflettono il linguaggio dei fiori e il simbolismo dei fiori.
.jpg)
.jpg)
La seconda sala, costruita secondo il principio della complicazione delle composizioni, è composta da più sezioni. Il primo rivela i significati delle singole piante, fiori e l'uso di questi significati nelle arti e nei mestieri.
Puoi vedere gli oggetti con messaggi floreali crittografati in mazzi e ghirlande nella seconda sezione. Il terzo espone oggetti di arte decorativa e applicata, il cui design utilizza una combinazione di colori e vari attributi che completano i significati floreali. E nel quarto - piante e personaggi mitologici.
L'esposizione comprende anche le opere di gioiellieri moderni, che si basano sulle tradizioni dell'arte del XIX secolo. Inoltre, vengono mostrati per la prima volta oggetti provenienti da collezioni private.
Istituto scolastico di bilancio statale
formazione professionale iniziale
liceo professionale № 24, Sibay
Sviluppo metodologico di una lezione nella disciplina
"Fondamenti di composizione e scienza del colore"
sul tema di: « Ornamento. Tipi di ornamenti»
Sviluppato da: maestro della categoria di qualificazione p / o I
G.K. Zainulina
NOTA ESPLICATIVA
La moderna cultura mondiale è proprietaria di un enorme patrimonio nel campo di tutti i tipi di belle arti. Studiando i più grandi monumenti di architettura, pittura, scultura e arti decorative e applicate, non si può ignorare un'altra area della creatività artistica. Si tratta di decorazione. Usando il ruolo dell'uno o dell'altro oggetto, un ornamento (lat. Ornamentum - decorazione) non può esistere separatamente al di fuori di una certa opera d'arte, ha funzioni applicate. L'opera d'arte è l'oggetto stesso, decorato con un ornamento.
Con un attento studio del ruolo e della funzione dell'ornamento, diventa evidente che il suo significato nel sistema dei mezzi espressivi di un'opera d'arte è molto maggiore della funzione decorativa e non si limita a un solo carattere applicato. A differenza del colore, della trama, della plasticità, che non possono esistere al di fuori di un certo oggetto senza perdere le sue immagini, un ornamento può conservarlo anche in frammenti o durante il ridisegno. Inoltre, alcuni motivi ornamentali sono intrinsecamente stabili, consentendo di utilizzare un determinato motivo per un lungo periodo di tempo e su vari oggetti, in materiali diversi, senza privarlo della logica della sua forma ornamentale.
L'ornamento fa parte della cultura materiale della società. Un attento studio e sviluppo del più ricco patrimonio di questa componente della cultura artistica mondiale contribuisce alla coltivazione del gusto artistico, alla formazione di idee nel campo della storia culturale e rende il mondo interiore più significativo. Lo sviluppo creativo dell'arte decorativa e ornamentale di epoche precedenti arricchisce la pratica di artisti e architetti contemporanei.
Argomento della lezione. Ornamento. Tipi di ornamenti.
Obiettivi della lezione. 1. Familiarizzazione degli studenti con l'ornamento, con i suoi tipi. Raccontare
sulla struttura degli ornamenti, sulla diversità e l'unità degli ornamenti
tal motivi di paesi e popoli.
2. Formazione di abilità e conoscenze. Sviluppa la capacità di analisi
stabilire, stabilire connessioni e relazioni. Sviluppare capacità
pianificare le loro attività, la memoria degli studenti.
3. Coltivare cordialità, cordialità. Genera messaggi
forza, responsabilità e determinazione.
Tipo di lezione. Lezione di comunicazione di nuovo materiale.
Supporto didattico e metodologico e TCO. Libro di testo di N.M. Sokolnikov "Belle arti", "Fondamenti di composizione", illustrazioni, riproduzioni di grandi artisti.
Durante le lezioni
1. Momento organizzativo.
a) verifica delle presenze degli studenti secondo il giornale;
b) controllo visivo;
c) verifica della disponibilità di materiale didattico.
2. Controllo dei compiti.
Sondaggio frontale:
a) Cos'è la coloristica (scienza del colore)?
b) Raccontaci la storia dello sviluppo della scienza del colore.
c) Quale contributo ha dato Leonardo da Vinci alla storia dello sviluppo del colore?
d) Parlaci dell'idea della combinazione di colori a sei colori di Leonardo da Vinci.
e) Quale contributo alla storia dello sviluppo della scienza del colore è stato dato da Newton, Roger de Piles, M.V. Lomonosov e Runge?
3. Comunicazione di nuovo materiale.
Un ornamento è un motivo costruito su un'alternanza ritmica e una disposizione organizzata di elementi.
Il termine "ornamento" è correlato alla parola "decorazione". A seconda della natura dei motivi si distinguono i seguenti tipi di ornamenti: geometrici, floreali, zoomorfi, antropomorfi e combinati.
Il ritmo in un ornamento è l'alternanza di elementi del motivo in una certa sequenza.
Il motivo può essere piatto e voluminoso. Un motivo piatto viene creato sovrapponendo completamente o parzialmente una forma a un'altra compenetrando queste figure.
Un modello piatto può essere ripetuto molte volte. Questa ripetizione è chiamata motivo, O rapporto.
Tra gli ornamenti, i più comuni sono il nastro, la maglia e la chiusura compositiva.
Un ornamento a nastro (striscia) è costituito da elementi identici, ripetuti o alternati disposti lungo una linea curva o retta.
Elementi ripetuti della stessa dimensione creano monotonia e monotonia del ritmo, elementi alternati danno origine a una composizione più “viva” con un ritmo crescente e ondulato.
Gli elementi alternati o ripetuti possono avere dimensioni diverse, ovvero sono costruiti sul contrasto di forme (grandi, medie, piccole) con i loro diversi movimenti. Il contrasto aiuta a rivelare le caratteristiche figurative delle forme utilizzate.
Il contrasto può manifestarsi anche nella distribuzione delle macchie di tono in bianco e nero, quando alcune macchie sono esaltate e altre sono indebolite.
Di grande importanza è il principio del contrasto della luce, che si esprime nel fatto che qualsiasi colore si scurisce alla luce e si illumina al buio. Questo fenomeno si applica in varia misura sia ai colori acromatici (bianco e nero) che cromatici.
L'ornamento del nastro può essere sotto forma di una striscia orizzontale, verticale o inclinata. Un tale ornamento è caratterizzato dall'apertura, cioè dall'importanza della sua continuazione. Seguiamo successivamente come viene costruito un ornamento a strisce, posizionato verticalmente, orizzontalmente o sotto forma di una striscia inclinata. Disegniamo una striscia per l'ornamento richiesto in larghezza, suddividendola rispettivamente in quadrati, rettangoli e disegnando assi di simmetria in essi. Quindi forme pre-stilizzate, tratte, ad esempio, da schizzi di piante, vengono poste su un piano, costruendo elementi alternati dell'ornamento.
Successivamente, esaminiamo se siamo soddisfatti di quanto accaduto. In caso contrario, aggiungiamo forme più piccole o medie (secondo il principio della natura tricomponente di queste forme).
Completando la composizione, è necessario determinare dove saranno i punti più scuri e più chiari, come si ripeteranno sul piano, dove si troveranno i punti grigi e cosa completeranno: elementi scuri o chiari dell'ornamento.
Al centro dell'ornamento a rete c'è una cella con inscritto un motivo ornamentale: il rapporto. Le dimensioni delle celle possono variare.
L'ornamento a rete è tipico dei tessuti in misura maggiore. Una cella può essere ripetuta più volte. L'ornamento a rete è costruito in modo simile all'ornamento a strisce. Il compito principale nella sua costruzione è tracciare correttamente gli assi di simmetria.
La simmetria nell'arte è l'esatta regolarità della disposizione di oggetti o parti di un tutto artistico.
Storia delle origini
Ornamento(latino ornemantum - decorazione) - un motivo basato sulla ripetizione e l'alternanza dei suoi elementi costitutivi; progettato per decorare vari oggetti. L'ornamento è uno dei tipi più antichi di attività pittorica umana, che in un lontano passato aveva un significato simbolico e magico, il simbolismo. A quei tempi, quando una persona passava a uno stile di vita stabile e iniziava a fabbricare utensili e oggetti per la casa. Il desiderio di decorare la tua casa è caratteristico di una persona di qualsiasi epoca. Eppure, nell'antica arte applicata, l'elemento magico prevaleva su quello estetico, fungendo da talismano contro gli elementi e le forze del male. Apparentemente, il primissimo ornamento adornava un vaso modellato in argilla, quando l'invenzione del tornio da vasaio era ancora lontana. E un tale ornamento consisteva in una serie di semplici rientranze praticate sul collo con un dito approssimativamente ad uguale distanza l'una dall'altra .. naturalmente, queste rientranze non potevano rendere la nave più comoda da usare. Tuttavia, lo hanno reso più interessante (piaciuto alla vista) e, soprattutto, "protetto" dalla penetrazione degli spiriti maligni attraverso il collo. Lo stesso vale per la decorazione dei vestiti. I segni magici su di esso proteggevano il corpo umano dalle forze del male. Pertanto, non sorprende che i motivi degli incantesimi siano stati posizionati sul colletto, sulle maniche e sull'orlo. L'emergere dell'ornamento risale a secoli fa e, per la prima volta, le sue tracce furono catturate nell'era paleolitica (15-10 mila anni a.C.). Nella cultura neolitica, l'ornamento ha già raggiunto un'ampia varietà di forme e ha cominciato a dominare. Nel tempo, l'ornamento perde la sua posizione dominante e il suo significato conoscitivo, conservando, tuttavia, un importante ruolo di snellimento e decorazione nel sistema dell'arte plastica. Ogni epoca, stile, cultura nazionale costantemente emergente ha elaborato il proprio sistema; pertanto, l'ornamento è un segno affidabile dell'appartenenza delle opere a un determinato tempo, popolo, paese. Lo scopo dell'ornamento era determinato: decorare. L'ornamento raggiunge uno sviluppo speciale dove prevalgono le forme condizionali di riflessione della realtà: nell'Antico Oriente, nell'America precolombiana, nelle culture asiatiche dell'antichità e del Medioevo, nel Medioevo europeo. Nell'arte popolare, fin dai tempi antichi, si sono formati principi stabili e forme di ornamento, che determinano in gran parte le tradizioni artistiche nazionali. Ad esempio, in India è stata preservata l'antica arte del rangoli (alpona) - un motivo ornamentale - la preghiera.
Tipi e tipi di ornamento
Ci sono quattro tipi di ornamenti:
Ornamento geometrico. L'ornamento geometrico è costituito da punti, linee e forme geometriche.
Ornamento floreale. L'ornamento floreale è costituito da foglie stilizzate, fiori, frutti, rami, ecc.
ornamento zoomorfo. L'ornamento zoomorfo comprende immagini stilizzate di animali reali o fantastici.
Ornamento antropomorfo. L'ornamento antropomorfo utilizza come motivi figure stilizzate maschili e femminili o singole parti del corpo umano.
Tipi:
Ornamento a fascia con alternanza lineare verticale od orizzontale del motivo (nastro). Ciò include fregi, bordi, cornici, bordi, ecc.
ornamento chiuso.È disposto in un rettangolo, quadrato o cerchio (rosone). Il motivo in esso o non ha una ripetizione o si ripete con una rotazione sul piano (la cosiddetta simmetria rotazionale).
A geometrico includono ornamenti, i cui motivi sono costituiti da varie forme geometriche, linee e loro combinazioni.
In natura le forme geometriche non esistono. La correttezza geometrica è una conquista della mente umana, una via di astrazione. Qualsiasi forma geometricamente corretta sembra meccanica, morta. Il principio fondamentale di quasi tutte le forme geometriche è una forma di vita reale, generalizzata e semplificata ai limiti. Uno dei modi principali per creare un ornamento geometrico è la graduale semplificazione e schematizzazione (stilizzazione) di motivi che originariamente avevano un carattere pittorico.
Elementi di ornamento geometrico: linee - linee rette, linee spezzate, curve; forme geometriche: triangoli, quadrati, rettangoli, cerchi, ellissi, nonché forme complesse ottenute da combinazioni di forme semplici.
Bene viene chiamato un ornamento, i cui motivi riproducono oggetti e forme specifici del mondo reale: piante (ornamento vegetale), animali (motivi zoomorfi), umani (motivi antropomorfi), ecc. I veri motivi della natura nell'ornamento sono elaborati in modo significativo e non riprodotti, come nella pittura o nella grafica. Nell'ornamento, le forme naturali richiedono una certa misura di semplificazione, stilizzazione, tipizzazione e, in ultima analisi, geometrizzazione. Ciò è probabilmente dovuto alla ripetuta ripetizione del motivo dell'ornamento.
La natura e il mondo che ci circonda sono alla base dell'arte ornamentale. Nel processo creativo di progettazione di un ornamento, è necessario scartare dettagli e dettagli insignificanti degli oggetti e lasciare solo le caratteristiche generali, più caratteristiche e distintive. Ad esempio, un fiore di camomilla o di girasole può sembrare semplificato in un ornamento.
La forma naturale viene reincarnata dal potere dell'immaginazione con l'aiuto di forme condizionali, linee, punti in qualcosa di completamente nuovo. La forma esistente è semplificata in una forma geometrica estremamente generalizzata e familiare. Ciò consente di ripetere ripetutamente la forma dell'ornamento. Ciò che è stato perso dalla forma naturale durante la semplificazione e la generalizzazione vi ritorna quando si utilizzano mezzi ornamentali artistici: il ritmo dei giri, le diverse scale, la piattezza dell'immagine, le soluzioni coloristiche delle forme nell'ornamento.
Come avviene la trasformazione delle forme naturali in motivi ornamentali? Innanzitutto, viene realizzato uno schizzo dalla natura, che trasmette la somiglianza e i dettagli nel modo più accurato possibile (la fase della "fotografia"). Il significato della reincarnazione è il passaggio da uno schizzo a una forma condizionale. Questa è la seconda fase: trasformazione, stilizzazione del motivo. Pertanto, la stilizzazione nell'ornamento è l'arte della reincarnazione. Da uno schizzo si possono estrarre varie soluzioni ornamentali.
Il metodo di formazione di un ornamento e la scelta delle forme ornamentali, di regola, è coerente con le possibilità di un mezzo visivo.
Modelli di costruzioni compositive
IL CONCETTO DI COMPOSIZIONE DELL'ORNAMENTO
Composizione(dal lat. compposito) - compilazione, arrangiamento, costruzione; la struttura di un'opera d'arte, determinata dal suo contenuto, carattere e scopo.
Creare una composizione da ritagli di tessuto è la scelta di un tema, motivo, trama ornamentale e coloristico, che determina le dimensioni complessive e interne dell'opera, nonché la posizione relativa delle sue parti.
composizione ornamentale- questa è la compilazione, la costruzione, la struttura del modello.
Gli elementi della composizione ornamentale e allo stesso tempo i suoi mezzi espressivi includono: punto, punto, linea, colore, trama. Questi elementi (mezzi) della composizione nell'opera si trasformano in motivi ornamentali.
Parlando degli schemi delle composizioni ornamentali, prima di tutto è necessario dire delle proporzioni. Le proporzioni determinano altri modelli di costruzione di composizioni ornamentali (che significa ritmo, plasticità, simmetria e asimmetria, statica e dinamica.
RITMO E PLASTICA
Ritmo in una composizione ornamentale chiamano il motivo dell'alternanza e della ripetizione di motivi, figure e intervalli tra loro. Il ritmo è il principale principio organizzativo di qualsiasi composizione ornamentale. La caratteristica più importante di un ornamento è la ripetizione ritmica di motivi ed elementi di questi motivi, le loro inclinazioni e svolte, le superfici dei punti del motivo e gli intervalli tra di loro.
organizzazione ritmica- questa è la posizione relativa dei motivi sul piano compositivo. Il ritmo organizza una sorta di movimento nell'ornamento: passaggi dal piccolo al grande, dal semplice al complesso, dal chiaro allo scuro, o la ripetizione delle stesse forme a intervalli uguali o diversi. Il ritmo può essere:
1) metrico (uniforme);
2) irregolare.
A seconda del ritmo, il pattern diventa statico o dinamico.
scala ritmica determina il ritmo dei motivi in righe verticali e orizzontali, il numero di motivi, le caratteristiche plastiche della forma dei motivi e le caratteristiche della posizione dei motivi in rapporto.
motivo- parte dell'ornamento, il suo principale elemento formante.
Le composizioni ornamentali in cui il motivo si ripete a intervalli regolari sono chiamate composizioni rapport.
rapporto- l'area di forma minima e semplice occupata dal motivo e la distanza dal motivo adiacente.
La ripetizione regolare del rapporto verticalmente e orizzontalmente forma una griglia di rapporto. I rapporti si affiancano, senza sovrapporsi e senza lasciare vuoti.
A seconda della forma della superficie che decorano, gli ornamenti sono: monorapport o chiusi; rapporto lineare o nastro; rapporto di maglia o maglia.
Ornamenti monorapport rappresentare figure finali (ad esempio stemma, emblema, ecc.).
Negli ornamenti a rapporto lineare, il motivo (rapporto) si ripete lungo una linea retta. Un ornamento a nastro è un motivo i cui elementi creano una riga ritmica che si inserisce in un nastro a due vie.
Rapporto mesh gli ornamenti hanno due assi di trasferimento: orizzontale e verticale. Un ornamento a rete è un motivo i cui elementi si trovano lungo molti assi di trasferimento e creano movimento in tutte le direzioni. L'ornamento del rapporto di maglia più semplice è una griglia di parallelogrammi.
Negli ornamenti complessi è sempre possibile identificare una griglia, i cui nodi costituiscono un certo sistema di punti nell'ornamento. I rapporti di forma complessa sono costruiti come segue. In uno dei rapporti di una griglia rettangolare, le linee spezzate o curve sono disegnate all'esterno a destra e in alto, ea sinistra e in basso - le stesse linee, ma all'interno della cella. Si ottiene così una struttura complessa, la cui area è uguale a un rettangolo.
Con queste figure, l'area dell'ornamento viene riempita senza spazi vuoti.
La composizione dell'ornamento a maglie si basa su cinque sistemi (griglie): parallelogramma quadrato, rettangolare, triangolare regolare, rombico e obliquo.
Per determinare il tipo di rete, è necessario collegare la ripetizione
elementi ornamentali.
La serie ritmica suggerisce la presenza di almeno tre o quattro elementi ornamentali, in quanto una serie troppo breve non può soddisfare
ruolo organizzativo nella composizione.
La novità della composizione dell'ornamento, come notato da V. M. Shugaev, noto specialista nel campo della teoria dell'ornamento su tessuto, non si manifesta in nuovi motivi, ma principalmente in nuove costruzioni ritmiche, nuove combinazioni di elementi ornamentali. Pertanto, viene data particolare importanza al ritmo nella composizione dell'ornamento. Il ritmo, insieme al colore, è alla base dell'espressività emotiva dell'ornamento.
Plastica nell'arte ornamentale, è consuetudine chiamare transizioni fluide e continue da un elemento di forma all'altro. Se durante i movimenti ritmici gli elementi si trovano a una certa distanza l'uno dall'altro, durante il movimento plastico si fondono.
Le forme ornamentali, a seconda dell'impatto emotivo, sono suddivise condizionatamente in pesante e leggero. Le forme pesanti includono un quadrato, un cubo, un cerchio, una palla, quelle leggere: una linea, un rettangolo, un'ellisse.
SIMMETRIA
Simmetria- questa è la proprietà di una figura (o motivo ornamentale) di sovrapporsi a se stessa in modo tale che tutti i punti occupino la loro posizione originaria. L'asimmetria è l'assenza o la violazione della simmetria.
Nelle arti visive, la simmetria è uno dei mezzi per costruire una forma d'arte. La simmetria è solitamente presente in qualsiasi composizione ornamentale, questa è una delle forme di manifestazione del principio ritmico nell'ornamento.
Elementi base di simmetria: piano di simmetria, asse di simmetria, asse di trasferimento, piano di riflessione radente.
Piano di simmetria - un piano immaginario che divide una figura in due parti speculari
- figure con un piano di simmetria,
Una figura con due piani di simmetria,
- con quattro piani di simmetria.
4. Regole per costruire un ornamento.
Mostrare e spiegare la costruzione degli ornamenti:
a) nastro;
b) maglia.
5. Consolidamento del materiale studiato.
1. Rilievo frontale:
Qual è lo scopo dell'ornamento?
Quali tipi di ornamenti, a seconda della struttura, conosci?
Quali tipi di ornamenti, a seconda dei motivi prevalenti in essi, conosci?
Trova segni di ornamenti di diversi popoli del mondo con gli stessi motivi.
Quali tipi di ornamenti conosci?
Cos'è un ornamento? Cos'è l'arte ornamentale?
Cos'è il ritmo nell'ornamento? Cos'è il rapporto?
Cosa si chiama simmetria nell'arte?
Cos'è un piano di simmetria?
2. Esercizio:
a) la costruzione di un ornamento a nastro;
b) costruzione di un ornamento a rete.
6. Riassumendo.
7. Compiti a casa.
Crea i tuoi ornamenti in un cerchio, in un quadrato e in una striscia, usando forme geometriche o vegetazione.
