Allego anche a questo video vecchio articolo della prima versione del corso sulla composizione degli strumenti
Per creare l'arrangiamento corretto, prima di tutto, è necessario comprendere chiaramente quale funzione svolge lo strumento musicale nel tessuto musicale dell'opera. Per un migliore orientamento tutto strumenti musicali divisi in diversi gruppi. Ogni gruppo ha funzioni diverse.
Ogni gruppo di strumenti ha le proprie regole stabilite per scrivere parti che suonino bene in qualsiasi stile. Poiché in ogni stile musicale esistono composizioni di strumenti molto diverse ed è impossibile considerarle tutte in questo articolo, considereremo le composizioni e i gruppi di strumenti più comuni.
L'introduzione di una tale definizione è necessaria, in primo luogo, perché si tratta di un tipo di composizione storicamente rafforzata. In secondo luogo, aiuta a organizzare in qualche modo l'enorme numero di ensemble che possono essere organizzati all'interno di un dato gruppo.
Ora diamo un'occhiata ai gruppi di strumenti più comuni: 
La base degli arrangiamenti più moderni è il gruppo -.
Lo schema mostra la composizione classica: Batteria, Basso, Chitarra, Pianoforte.
Da altri gruppi di strumenti Grande importanza hanno ottoni, archi e strumenti elettronici.
La funzione principale di questi strumenti è quella di creare pedali e vari tipi di contrappunti, o assoli. Occasionalmente partecipano anche all'organizzazione, ma, di regola, hanno una funzione mista (svolgono cioè sia il ruolo di strumento solista che quello di strumento ritmico).
Gruppi di strumenti come fiati, percussioni certa altezza suono, ecc. si trovano principalmente nelle composizioni orchestrali di strumenti, ma vorrei sottolineare che gli arrangiamenti moderni sono molto caratterizzati dall'uso di questi strumenti in un'ambientazione inaspettata di composizioni da camera (ad esempio flauto, xilofono, chitarra, basso, percussione).
Pertanto, quando inizi a scrivere un arrangiamento, determina quale composizione di strumenti hai o quale composizione di strumenti corrisponde alla struttura figurativa della musica.
Questo è un punto molto importante.
I compositori e gli arrangiatori principianti, di regola, cercano di utilizzare tutti gli strumenti per i quali hanno già imparato a scrivere. Ad esempio, non c'è niente di peggio che inserire corde, tamburi, ecc. in ognuno di essi al posto giusto e fuori posto. È simile a uno strumentista che cerca di mostrare tutta la tecnica che possiede in un unico pezzo.
In sostanza, non esistono tecniche segrete per l'arrangiamento e la composizione. Segreto principale questa è moderazione. Se ascolti gli arrangiamenti più eccezionali, noterai solo uno schema: l'uso abile delle risorse preselezionate.
Poiché la musica ci offre un numero illimitato di possibilità, la capacità di limitarci è il primo passo verso la creazione di un suono di alta qualità.
Scrivi su un pezzo di carta il numero degli strumenti, i loro nomi e il ruolo che questi strumenti avranno nel tuo arrangiamento.
Compito: ascolta la tua musica preferita e prova a classificare la composizione, i gruppi di strumenti e tracciare quali funzioni svolgono.
1) Mezzi e metodi per attaccare le piante in una disposizione. Strumenti e materiali ausiliari.
2) La nave come elemento dell'arrangiamento.
3) Preparazione materiale vegetale.
4) Fiori essiccati: tecniche di conservazione e lavorazione delle piante.
L'arrangiamento floreale è la realizzazione di varie composizioni da fiori freschi e secchi e altre parti di piante, corteccia d'albero, semi e altri materiali simili.
Una composizione floreale può fungere da aggiunta a un regalo o da regalo stesso.
Materiali per il fissaggio degli impianti.
1) Spugna floreale(oasis) è disponibile in due tipologie: per piante vive – verde e per fiori artificiali e secchi – marrone o grigio. Vantaggi: gli steli delle piante possono essere fissati in qualsiasi angolazione, il rischio di marciume dovuto all'acqua è ridotto. Un'oasi per fiori freschi non può essere immersa con la forza nell'acqua, un blocco asciutto viene posto sulla superficie dell'acqua fino a completa saturazione d'acqua.
2) Dispositivi di trattenimento: tatuaggi, fili, reti metalliche, cuscinetti di muschio, supporti per fori. Allo stesso tempo, puoi anche usare sabbia bagnata, ghiaia, plastilina, gesso, mastice per finestre e imbuti.
· Tatuaggi (kenzan) – usati per proteggere le oasi e sono un cerchio di piombo con punte verticali. Se la composizione è molto grande e vengono utilizzate diverse oasi, sono collegate con diverse forcine. A loro volta, i tatuaggi sono attaccati alla nave con una massa speciale o plastilina.
Rami e steli possono essere montati direttamente sui tatuaggi.
- Filo e rete metallica: gli steli di alcune piante sono avvolti con filo metallico per rinforzarli in modo che non possano piegarsi e interrompere la composizione. Se annesso ad un'oasi un gran numero di le piante o le piante stesse sono pesanti, quindi prima di installarle, sulla sua superficie viene stesa una rete floreale, che impedisce la distruzione dell'oasi sotto il peso. Costituisce anche un comodo supporto in vasi alti, a collo largo o stretto. La rete è ritagliata a forma di quadrato, i bordi sono piegati attorno al perimetro del collo, inseriti all'interno o fissati all'esterno. Al posto della rete si possono utilizzare dei reticoli di rametti, che vengono legati con filo di ferro, nastro, rafia, oppure incollati e fissati al vaso con del nastro adesivo. Inoltre, il fissaggio dei rami può diventare un elemento decorativo indipendente della composizione.
- Tamponi di muschio - realizzati con muschio di sfagno inumidito, hanno la forma di una semisfera e sono avvolti con filo metallico per fissare meglio i fiori. Il tampone viene posto in acqua per alcuni minuti e posto in un recipiente. Usando un bastoncino affilato, fai delle rientranze in cui inserire le piante agli angoli desiderati.
- L'idrogel è uno speciale polimero che assorbe l'acqua. Il volume di acqua assorbente è decine di volte maggiore del volume del polimero stesso. L'idrogel ha sfumature diverse e lucentezza espressiva. Rilasciano gradualmente e dosata acqua alle piante, prevenendone la putrefazione.
- I supporti dei fori sono piastre forme diverse, spesso diversi mm, in cui vengono praticati i fori. Possono essere in ceramica, plastica, metallo. Queste piastre vengono utilizzate per coprire i vasi in cui viene versata l'acqua e le piante vengono inserite nei fori.
Strumenti e materiali ausiliari: cesoie, forbici, coltello da fiori, diversi tipi di filo, pinzette, bastoncini di legno per rinforzare gli steli, plastilina o mastice per finestre, buste di plastica, nastro adesivo, provette, polistirolo espanso, carta da imballaggio, treccia, coloranti, colla, cartone, lenza.
La nave potrebbe esserlo varie forme, colorato e realizzato con tutti i tipi di materiali, l'importante è che enfatizzi la bellezza della composizione senza dominarla o oscurarla. La scelta del contenitore dipende dalla natura della composizione, dalla consistenza e dal colore del materiale vegetale, dallo sfondo, dalla destinazione e dal metodo di installazione.
1) Vaso- si tratta di un vaso la cui altezza è uguale o maggiore della larghezza, solitamente con il collo più stretto; per realizzare mazzi e composizioni è meglio acquistare vasi semplici, modesti e dai colori tenui. Combinato armoniosamente con fiori di qualsiasi colore, vasi di tutte le sfumature del marrone e fiori verdi, così come il bianco e il nero. Vasi dai colori vivaci o vasi decorati con pittura o modellazione variegata sono più adatti per i bouquet invernali.
Per i fiori semplici e modesti vengono selezionati semplici vasi di argilla non smaltata, vasi di legno e cestini di vimini di paglia o salice.
Rami fioriti, così come rami secchi e rami con bacche, mazzi di piante pubescenti, erbe dei prati, carici, canne si sposano bene con la ceramica.
I mazzi di cereali stanno meglio nei vasi di vetro.
Per i fiori grandi e pesanti (dalia, crisantemo), è meglio scegliere vasi di ceramica massicci e grezzi.
Garofani, rose, orchidee, anthurium vengono posti in vasi costosi o in metallo realizzati a mano.
I fiori con un gambo sottile senza foglie (gerbera, camomilla), così come fiori aggraziati e fragili, sono posti in vasi di porcellana o di vetro.
Piante basse o fiori dal gambo corto (viole, bucaneve, primule, muscari, mughetti) vengono posti in vasi bassi e piatti o piccoli bicchieri da vino di cristallo o vetro fumé.
Regola per la scelta del vaso:.
1) Il massimo principio fondamentale– il principio di analogia: la forma del bouquet deve ripetere la forma del vaso oppure continuarla.
2) Non è possibile posizionare mazzi di fiori dalla forma tonda in un vaso snello e alto; è necessario dare alla composizione la stessa forma allungata selezionando piante con steli sottili.
3) Un vaso alto e a bocca larga è adatto per un bouquet monofacciale con la parte anteriore ben disegnata
4) Per un bouquet corto e ampio è necessario un vaso basso e largo.
Se un vaso deve essere “inserito” in una tavola, dovrebbe essere realizzato con lo stesso materiale dei piatti.
5) Brocche – adatte per creare composizioni antiche e bouquet da cucina
6) Cesti: molto spesso vengono utilizzati cestini intrecciati materiali naturali(vite, bambù). La dimensione del cestino dovrebbe corrispondere alla dimensione delle piante e del materiale. La tessitura dovrebbe essere stretta.
Un vassoio è un recipiente piatto con bordi rialzati. Utilizzato per creare composizioni da tavolo.
Altri oggetti: padelle, mestoli, brocche per il latte, teiere, zuccheriere, grandi conchiglie, legni, giocattoli per bambini, vasi di frutta, ecc.
Un contenitore di angurie, meloni e zucchine tagliate.
Supporti per vasi - realizzati con fette di albero, radici, spessi pezzi di corteccia, lastre di ardesia, pietre, ecc.
I fiori vengono tagliati sotto il nodo fogliare, ad angolo coltello affilato. Quando si utilizza un coltello smussato, i tessuti dello stelo si raggrinziscono, impedendo la penetrazione dell'acqua. Le foglie vengono rimosse dalla parte inferiore dello stelo, che marciscono rapidamente in acqua. Questo non si fa per le rose e i crisantemi, perché... le loro foglie assorbono l'acqua; le spine e la corteccia non possono essere rimosse. Per un migliore assorbimento dell'acqua, il taglio inferiore viene rinnovato sotto l'acqua corrente. Se i fusti di una pianta secernono succo lattiginoso quando vengono tagliati (papavero, euforbia, dalia, zinnia), allora le sezioni vengono trattate con la fiamma o immerse in acqua bollente, quindi le sezioni vengono poste in acqua fredda. Gli steli delle bulbose vanno tagliati verdi, perché... la parte del gambo non verniciata non assorbe bene l'acqua e va rimossa. I rami autunnali e il bambù vengono immersi in una soluzione zuccherina concentrata, quindi diventano lucidi e durano a lungo. Negli steli delle ninfee viene iniettato un infuso di marangone dal ciuffo in modo che il fiore rimanga aperto e si conservi a lungo. Le margherite sono trattate con sale. Le particelle di polvere vengono rimosse da gigli, tulipani e altri fiori.
piante, perché le sostanze rilasciate da alcune piante sono tossiche per altre.
Incompatibili: garofani e rose; piselli dolci e rose; rose rosso scuro e rose tea; mughetti e viole; mughetti e lillà; gigli e margherite; gigli e papaveri; gigli e fiordalisi; papaveri e orchidee; nontiscordardime e tulipani; tulipani e narcisi; tulipani e mughetti; primule gialle e muscari; primule gialle e altre primule.
Sì... C'è un argomento di cui puoi parlare molto e a lungo, e alla fine della conversazione non muoverai un solo passo. La questione “come concludere un accordo” pone un vicolo cieco senza speranza. Inizi a chiederti: come puoi spiegare a una persona come deve essere fatto, se lavorare su un arrangiamento richiede non solo un computer con un mucchio di software, e nemmeno uno studio pieno di sintetizzatori ed elaborazioni. Ciò richiede qualcos'altro: gusto, conoscenza, udito, esperienza musicale, esperienza... Naturalmente, sono importanti anche una stanza decente, un controllo adeguato e un ambiente di registrazione di alta qualità.
Quindi è improbabile che nelle prossime decine di paragrafi e diverse migliaia di parole riesca a descrivere a fondo l'algoritmo per la creazione di un arrangiamento. Inoltre, non posso fornire raccomandazioni chiare su cosa è necessario fare affinché il tuo arrangiamento possa essere immediatamente ascoltato su tutte le stazioni radio. Ma posso ancora dirti una cosa. E questo ti permetterà di evitare gli errori più comuni. Bene, sai, come nel proverbio: è pulito non dove si lavano, ma dove non gettano rifiuti. Questo è più o meno ciò di cui parleremo, in misura maggiore non su cosa fare, ma su cosa non fare.
Quindi, i problemi più comuni che l'arrangiatore medio deve affrontare, e quindi risolverli.
Per cominciare, dobbiamo capire chiaramente che un arrangiamento non è un lavoro. Questo inquadratura dell'opera, il modo di presentarlo. Pertanto, devi pensare se il contenuto corrisponde alla forma che gli darai? Ad esempio, prendi una canzone del genere chanson e prova a farne una discoteca. È possibile, ovviamente, che ti ritroverai con qualcosa di disco, ma per gli amanti della chanson sarà uno schiaffo in faccia, e gli appassionati di generi dance molto probabilmente ignoreranno semplicemente il tuo gioiello.
Scegli il genere in cui la canzone verrà ascoltata nel modo più autentico e armonioso possibile. Non è necessario cercare di far passare una canzone russa di danza rotonda per bossa nova, non è necessario creare una ninna nanna con l'heavy metal. No, se il tuo obiettivo sono gli esperimenti, allora, ovviamente, la bandiera è nelle tue mani. Ma qui parleremo di un approccio più o meno standard, “accademico”.
Quindi, capisci se vale la pena dedicare giorni e notti al materiale scelto, cercando di riportarlo allo stato "pre-hit". Prestare attenzione ai dati di origine. Il testo è buono? La musica è interessante? Se il testo è pieno di errori, modelli e spropositi, molto probabilmente, anche con la migliore disposizione, il risultato finale sarà negativo per molti. Se il messaggio musicale è povero e poco interessante, si può ovviamente praticare sostituzioni armoniche, riscrivere gran parte delle linee melodiche e così via, ma la domanda è: ne vale la pena? Potrebbe essere più facile intraprendere qualcos'altro o venire con nuova canzone da zero?
Certamente se stiamo parlando sull'adempimento di un ordine commerciale per un accordo: dovrai sopportarlo. E sbattere la testa contro il muro, cercando di lustrarla e tirare fuori un colpo con le tenaglie dalla triste massa grigia delle lettere sonore. Potresti anche essere in grado di trarre un successo da una brutta canzone, ma non sarai mai in grado di renderla buona. Ciò significa che la canzone “cantierà da sola” alla radio e in occasione di eventi aziendali, e verrà dimenticata al sicuro. Se la questione si riduce ai soldi, allora Dio la benedica. Ma se avviene un approccio creativo, diventa triste...
Troppo non significa bene
Uno dei problemi principali di ogni arrangiatore, non importa se esperto o principiante, è la difficoltà di guardare il proprio lavoro con uno sguardo ordinato e fresco. O meglio, l'orecchio. Inventiamo un gioco, lo portiamo allo stato ideale secondo noi e poi iniziamo a inventare qualcos'altro. E il primo lotto gira, gira, gira e col tempo ci abituiamo così tanto che iniziamo a dimenticare che esiste. Inventiamo sempre più giochi. E ci abituiamo a ciascuno di essi. E tutti pensiamo che l'arrangiamento sembri scadente, che le nostre capacità non siano ancora state rivelate, che possiamo fare di meglio, di più interessante, di più grande! E nessuno apprezzerà il nostro genio se non aggiungiamo uno strumento in più qui e altri due o tre qui.
Ad un certo punto, arriva la consapevolezza che la musica non può più respirare. Abbiamo stipato così tante idee, suoni, parti e voci che non è più chiaro quale di queste sia musica. Iniziamo a ricordare: beh, proprio all'inizio mi è venuta in mente una "mossa brillante", ma dov'è? E, beh, si è bloccato in un altro “magnifico passaggio” oppure si è perso tra queste due “meravigliose sequenze” o tra le centoquarantatré voci dello “strabiliante corale”. Ed è comunque positivo se questa consapevolezza si verifica. Perché nella maggior parte dei casi, senza un intervento esterno, l'arrangiatore non capisce mai che “questo” non può essere ascoltato.
Allora cosa dovremmo fare adesso? Dobbiamo liberarci di qualcosa... Ma da cosa? E questo è positivo, ed è fantastico, è offensivo e patetico, ed è stato sprecato così tanto tempo...
Non forzatelo a tendere le orecchie nel tentativo di distinguere ciò che si sente da qualche parte. Non cercare di riempire ogni pausa con qualche suono. Se dubiti della necessità di una festa, allora sicuramente non è necessaria. Infine, lascia che un paio di amici ascoltino il tuo lavoro intermedio e chiedi loro di criticarlo. E assicurati di colpirti sulle mani.
Vendi alto
Questo accade spesso: abbiamo ideato una mossa che riteniamo interessante o ne abbiamo progettato uno molto bel suono su un sintetizzatore. L'hanno inserito dopo la seconda riga. Abbiamo ascoltato – molto bene. E pensiamo: cosa succede se qualcuno non sente questo movimento o questo suono? Aggiungiamolo ancora una volta dopo la terza riga e fissiamolo dopo la quarta. E in generale, visto che “spinge” così tanto nella strofa, può essere spinto nel ritornello? Beh, almeno un paio di volte? E poi nel bridge, nell'intro, nel codice...
E così, non con un suono, ma con molti. Cosa otteniamo di conseguenza? La pepita che abbiamo trovato si è rivelata essere un pezzo di granito, e proprio gli stessi giacciono sotto i nostri piedi ovunque e sempre, e siamo troppo pigri per piegarci davanti a loro...
È molto importante evidenziare i momenti di maggior successo dell'arrangiamento. Portateli all'ascoltatore. Ma è anche importante non rimpinzarlo di poltiglia di carote a colazione, pranzo e cena, sette giorni su sette.
Quindi, suggerimento tre. Vendi poco, ma vendi alto. Ripeti la tua mossa riuscita in un altro verso, o meglio ancora, attraverso il verso. Lascia che l'ascoltatore riproduca nuovamente la canzone dall'inizio, solo per sentire di nuovo questo esatto momento.
Fai attenzione
L'udito umano è parte di un meccanismo complesso, parte del sistema nervoso. Non si tratta solo di orecchie forate che catturano la pulsazione dei bassi e trasmettono comandi ritmici agli arti per “Twitch!” (e molti, tra l'altro, sono irregolari).
Il compito dell'arrangiatore è stimolare l'attenzione dell'ascoltatore, non lasciarlo annoiare, aggiungi periodicamente deliziose inclusioni sonore, grazie alle quali non cambierà la canzone.
La psiche umana è strutturata in questo modo: l'attenzione dura dai 15 ai 30 secondi su un oggetto, e poi si verifica la dipendenza e il cervello inizia a cercare nuove impressioni e sensazioni. Sapendo questo, usalo. Hai moltissimi mezzi espressivi: armonia, ritmo, tempo, soluzioni timbriche, accenti e declini dinamici, echi melodici, effetti speciali, elaborazioni spaziali, modulazioni (sia in senso teorico musicale che in senso sound design) e così via . Spaventa l'ascoltatore, fallo ridere o inventa qualcosa di tuo. Il tuo compito è la sua attenzione.
Ma è importante non esagerare! Non è necessario creare un mosaico con la musica, a meno che, ovviamente, non ti venga assegnato un compito tecnico di questo tipo.
In generale, suggerimento quattro. Non andare nel deserto con una lattina di cola nella speranza che dopo un paio di dune sulla tua strada ti imbatti in uno stallo. In breve, progettate elementi che stimolino l'attenzione in tutta la canzone per evitare che l'ascoltatore si addormenti per la noia.
Evita i cliché
C'era una volta, mentre studiavo nell'ambito di un corso di composizione con la meravigliosa insegnante e compositrice Polina Viktorovna Medyulyanova, ho sentito una sua frase eccellente che ho ricordato per sempre. Ricordavo molte cose che aveva detto, ma questa frase mi è rimasta in mente. “Quando un compositore non ha niente da dire, usa scala cromatica o accordo di settima diminuita." Gusto e saggezza musicale sono concentrati in questa frase. E, naturalmente, implica non solo i mezzi primitivi di espressività stessi, che sono gli elementi elencati, ma anche molti altri gadget standard. Questi gadget possono essere collegati sia alla composizione che all'arrangiamento, poiché l'arrangiamento include quasi necessariamente l'inizio del compositore.
Lasciami spiegare un po'. Alcuni elementi del modello tornano molto utili quando ne vale la pena compito specifico, e dovrà essere ultimato in breve tempo. Ad esempio, chiedono a un compositore di scrivere una “canzone lacrimosa sull'amore” - arriva dritta al punto “ sequenza aurea", rivoluzione armonica standard (esempio - Dm–G–C–F–Hm♭5–E7–Am). In questi casi, i modelli aiutano a soddisfare tutti: il cliente è felice (“che compositore brillante!”), il compositore è ben nutrito.
Ma è comunque piuttosto caso speciale, anche se abbastanza comune. E spesso il musicista che ha inventato la canzone vuole arrangiarla da solo, il che significa che tratta questo processo non come un mestiere, ma come creatività. Ma la creatività deve avere anche limiti severi, e se entro questi limiti si violano delle regole, allora queste le violazioni devono essere consapevoli e giustificate. Quindi, dovrai stabilire una regola per evitare modelli e cliché, in modo da non finire nel fuoco di colleghi musicisti pronti a paragonarti a qualsiasi codardo di canto in TV.
Allora, quali sono alcuni cliché nell'arrangiamento? Ce ne sono molti. Qualcosa, forse, ti ha irritato più di una volta nelle “successi” alla radio. Ad esempio, le ultime 3-4 parole della canzone, pronunciate con un patetico sussurro. Sì, sì, anche lavorare con la voce è un arrangiamento. E se ogni arrangiatore si ferma sempre con una pausa (stop time) piena di dolci sussurri prima dell'accordo finale, presto i burloni del comedy club inizieranno a parlarne.
Un altro esempio di modello utilizza " Effetto Cher"sulla voce. C'era una volta, alla fine degli anni '90, la cantante Cher eseguì l'eccellente canzone Believe, e molti ascoltatori furono entusiasti del modo in cui la sua voce veniva elaborata in alcuni punti. Da allora, anche il produttore provinciale più muschioso considera suo dovere inserire un tale effetto in ogni canzone, apparentemente considerandolo un segno di successo e abilità. In sostanza, questa elaborazione vocale non è altro che un effetto collaterale dell'accordatura vocale, e in molti casi è più che altro un difetto. Ma non c'è niente da fare: la moda è moda, e su tutti i canali musicali in ogni video vediamo e ascoltiamo cantanti con "nodi" nei legamenti, che emettono strani suoni uterini invece di cantare. Inoltre, ora, dopo un decennio e mezzo, questo effetto non si manifesta sporadicamente. A volte, con l'accordatura “dura” attivata, viene cantata l'intera canzone.
Un altro modello possibile è modulazione. Stiamo parlando della modulazione del tono in in questo caso. Quasi sempre la modulazione è un’ammissione della propria inadeguatezza come arrangiatore. Quando l'arrangiatore se ne rende conto la canzone è accesa verso la fine, ma non ci sono idee per lo sviluppo e il raggiungimento del climax: usa una tecnica banale e collaudata. E cosa? Molto bene! Copia una strofa e un ritornello, quindi ancora una volta e alza tutto di un semitono o tono. Affari per 15 secondi. Ma per qualche motivo tutti dimenticano che la modulazione lo è mezzi di espressione, che richiede lo stesso approccio attento dell'ideazione di una melodia, dello sviluppo di una sezione ritmica o.
Esistono esempi isolati dell'uso creativo della modulazione nella musica popolare.
Ella Fitzgerald, eseguendo Mack The Knife - durante tutta la canzone ha costantemente alzato la tonalità. Il significato di ciò non sta nella tecnica di arrangiamento, ma nel metodo dimostrare abilità vocali il più grande cantante.
Ho fatto spesso la stessa cosa Freddie Mercury nelle canzoni dei Queen e nelle sue lavoro solista. Ululare in alto per tutta la canzone è antiestetico, ma è anche un peccato tenere sotto controllo le notevoli capacità vocali. Pertanto, nelle canzoni veniva spesso utilizzata la modulazione, e nemmeno di un semitono o di un tono, ma anche a intervalli più ampi. Molto buon esempio- canzone Dave Clark Il tempo, eseguito da Mercurio. Scritta per il musical, la canzone ha tenuto conto delle caratteristiche della voce del cantante e, iniziando in sol maggiore, alla fine suona su larga scala in do, salendo di quarta. Naturalmente, oltre al passaggio a un'altra tonalità stessa, sono stati utilizzati altri modi per enfatizzare il movimento teso verso il climax: recitazione, saturazione con parti corali, tutti orchestrali e così via.
Una canzone diventata popolarissima grazie ad un altro musical Bella– un altro esempio di eccellente padronanza delle tecniche di modulazione e sottile gusto compositivo. Riccardo Cocciante, ovviamente, da maestro nel suo mestiere, ogni poche battute sposta la tonalità verso l'alto di una terza minore, chiudendo il piano tonale in quello stesso accordo di settima diminuita, che ora suona davvero poco banale.
Bene, a proposito, non possiamo fare a meno di ricordare i nostri compatrioti: la canzone " Chistye Prudy» David Tukhmanov, che è diventato popolare nelle prestazioni Igor Talkov. A partire da C#m, quindi, apparentemente in modo primitivo, si passa a Dm. E qui non ci sarebbe nulla di straordinario se proprio alla fine, durante il triste e drammatico assolo di fisarmonica, non si fosse verificata all'improvviso una pausa allarmante e la tonalità non fosse tornata su C#m. Come è stato fatto - Puoi trovare e ascoltare questa registrazione. Questo è semplicemente un capolavoro.
La modulazione è abbastanza chiara. Non farlo se non ne hai bisogno. Deve risolvere problemi artistici, ma in nessun caso essere fine a se stesso.
Scale cromatiche, accordi di settima diminuita, tempo fermato con un sussurro: anche in tutto questo devi stare estremamente attento.
Ho anche scritto di alcuni altri cliché nell'articolo su. Anche il testo fa parte della canzone, e lavorare sul testo, sul suo ritmo, sulla sua melodiosità è lo stesso arrangiamento. Forse questo articolo sarà utile anche a qualcuno.
In generale, consiglio numero cinque. Gli specchi sono inutili in una stanza senza luce. Utilizzare i mezzi di espressione disponibili solo quando sono giustificati. Chiediti ogni volta: "perché lo sto facendo?"
Principi di base
E qualcosa in più sui principi di base da seguire quando si lavora su un accordo.
Il principio dei contrasti
Il principio di contrasto sottende ogni forma di art. Pittura, letteratura, musica, cinema: sono ovunque linee contrastanti. Natura morta: frutti luminosi su uno sfondo monotono. Nei film e nei romanzi: positivo e eroi negativi, testi e intensità della trama. È lo stesso nella musica: non dobbiamo dimenticare i contrasti.
La strofa è scarica, il ritornello è killer. La cantante ha un timbro di voce basso? Aggiungi un sottile suono solista acuto nelle pause tra le frasi. Sezione ritmica? Nella strofa c'è un charleston - nel ritornello c'è un ride, nella strofa c'è una bacchetta laterale - nel ritornello c'è un rullante con un rim shot.
Principio di sviluppo
Non dimenticartene Rapporto aureo , i cui principi sono stati formulati nel modo più chiaro da Leonardo Da Vinci nel suo Uomo Vitruviano. Per capire come viene implementato il principio della sezione aurea nella musica, non è necessario studiare l'opera di Da Vinci (sebbene, dal punto di vista dello sviluppo complessivo, sia molto utile). Basti capire che proprio questo punto si trova all'incirca nel terzo quarto della tua opera. A questo punto dovresti fare di tutto per portare lo sviluppo al suo culmine. È in questa parte che si verifica più spesso climax, seguito da un decadimento che dura circa un quarto del prodotto.
Inoltre, non dimenticare il graduale sviluppo di versetto in versetto. Inoltre, sviluppo non significa necessariamente densificare il tessuto o aggiungere altri strumenti. Forse troverai il tuo modo di sviluppo.
A volte lo sviluppo può essere quasi impercettibile. Bene, diciamo che abbiamo aggiunto un riempimento di batteria o dato un po' più di ritardo o riverbero alla voce. Oppure hanno lanciato una sorta di effetto speciale irripetibile. In generale, abbiamo fatto una sorta di passo avanti.
Spesso gli arrangiatori utilizzano il pianoforte o la chitarra come accompagnamento nella prima strofa, aggiungono basso e batteria nella seconda, chitarra overdrive o sintetizzatori nel ritornello e così via. Anche questo è una sorta di modello, ma è, per così dire, un classico e i classici, come sappiamo, non diventano obsoleti. È vero, questo non significa che ogni accordo debba essere costruito esattamente in questo modo.
Uno degli esempi più sorprendenti di lavoro sullo sviluppo di un'opera musicale è la canzone del gruppo Regina intitolato Voglio tutto. Molto spesso fornisco esempi tratti dal lavoro di questo gruppo, in primo luogo per questo Grande amore alla loro musica e, in secondo luogo, per il suo equilibrio unico. Non per niente” rock classico“- osserva quasi tutte le leggi della musica classica. Tuttavia, come avrai già notato, non pubblico i loro post per non violare i diritti degli autori. Ognuno può decidere da solo dove e come ascoltarli, io do solo consigli. Consiglio vivamente di ascoltare attentamente la composizione indicata. Un esempio di drammaturgia brillante, costruita su soli tre o quattro accordi con piccole deviazioni. Ci sono cambiamenti nei ritmi, una saturazione morbida dei versi, l'uso di diverse trame di accompagnamento, potenti assoli di chitarra drammatici, un'elaborazione di alta qualità della coda, una magnifica parte centrale e corali, in generale: l'arrangiamento stesso è un'opera d'arte .
Snellezza della forma
Inoltre, non dimenticare la forma musicale. Della “terza parte”, dei “ponti” (ne ho parlato nel già citato articolo sul testo della canzone). Non dimenticare che a volte dopo un rapido sviluppo vuoi qualcosa di rilassato e astratto.
Studia, leggi su Internet quali forme di opere musicali esistono. Studenti di musica istituzioni educative lo insegnano da un grosso libro " Analisi di opere musicali»Mazel e Zuckerman. Se lo trovi e lo padroneggi, sarà un grande vantaggio. Ma anche in caso contrario, chiedi almeno ai motori di ricerca quali sono le tipologie principali forme musicali. Le forme più comuni nella musica popolare sono la canzone ( AABA), strofa-ritornello ( ABAB), talvolta viene utilizzata anche la forma rondò ( ABAVAG O BAWAGA) o forma periodica semplice ( AAA). Inoltre, compositori e arrangiatori esperti utilizzano una forma sviluppata, dove oltre alla strofa e al ritornello c'è una parte di collegamento: il ponte ( ABCBBC). È improbabile che tu voglia immediatamente padroneggiare le tecniche forma sonata, tuttavia, se approfondisci la domanda, questa può rivelarsi una conoscenza piuttosto utile.
Sembra proprio che la forma abbia poco significato per l'ascoltatore. In realtà è molto potente agente psicoacustico al subconscio. Alternando le parti, introduci l'ascoltatore in una sorta di stato di trance, affascinando e attirando la sua attenzione. Se una delle parti è troppo stretta o troppo corta, potrebbe fuoriuscire lo stato desiderato, distrarti e farti perdere interesse per la musica.
Nel caso della forma non c'è bisogno di inventare nulla. Nel corso dei secoli, le menti musicali hanno cristallizzato modelli "di lavoro" che ora possiamo semplicemente utilizzare. Questi schemi influenzano, prima di tutto, il subconscio, quindi consapevolmente è improbabile che qualcuno ti accusi di plagio. Al contrario, se qualcuno definisce il vostro lavoro armonioso nella forma, potete star certi di aver ascoltato un giudizio molto lusinghiero da parte di un professionista.
Strumentazione
Nozioni di base strumentazione mentire in un altro scienza musicale- V contrappunto. In precedenza, quando non esisteva una tale varietà di strumenti, molto spesso il ruolo dell'orchestra (che, tra l'altro, non esisteva ancora in senso classico) era o un organo, o un coro, o, ad esempio, un clavicembalo. E i partiti spesso erano divisi non per strumenti, ma per voci, per registri. C'è una voce superiore, una media, una inferiore... Molto spesso c'erano quattro voci - secondo il principio di un corale (due voci di donne- soprano e contralto, e due maschili - tenore e basso). Poi cominciarono ad apparire invenzioni e fughe, con schemi melodici più complessi e, di conseguenza, spesso con meno voci (due o tre).
Naturalmente, quando voci diverse suonano all'incirca lo stesso suono su un organo, è necessario garantire la leggibilità di queste voci. Di conseguenza, i partiti sono stati allineati secondo determinate leggi (scrittura rigorosa), che garantivano che ogni voto fosse trattato individualmente.
Ora che mezzi musicali sono diventati estremamente accessibili, gli arrangiatori corrotti da questa circostanza spesso permettono il caos nelle loro creazioni. Non ci sono restrizioni sulle risorse: anche il freno interno è disattivato. Il risultato è una disposizione sovraccarica e sovrasatura.
Qualsiasi strumentazione dovrebbe essere basata su elementi di contrappunto. Le seguenti voci dovrebbero suonare contemporaneamente (preferibilmente non di più!):
— strumento solista(voce, chitarra, sintetizzatore);
- uno strumento armonico (pianoforte, archi, chitarra o una combinazione ordinata di essi);
— ritmo (batteria, percussioni, );
— basso (la base dell'arrangiamento, il fondamento);
— controaddizioni (sottovoci, fill-in, parti solistiche aggiuntive).
A questo si possono aggiungere, magari, vari effetti speciali, e poi bisogna controllarsi per non esagerare. I cori non dovrebbero sopraffare la voce, dovrebbero attivarla. Gli strumenti di un gruppo armonico non devono scontrarsi tra loro né nelle parti né nei registri.
Talvolta alcuni degli elementi elencati potrebbero mancare. Occasionalmente puoi intervallare giochi aggiuntivi, ma il tessuto principale non deve essere sovraccaricato.
In senso figurato, se bella donna pesatelo tutto come oro: non solo non migliorerà, ma rischierà di crollare, rompersi le gambe e soffocare. È lo stesso con la musica. Decoralo con una catena, un anello e orecchini, pettinalo, vestilo, indossa le scarpe. E sarà bellissimo. E se sono tutte decorazioni, crolla.
Il punto di vista del tecnico del suono
Tieni presente che la canzone non viene inviata immediatamente alla radio dopo aver completato l'arrangiamento. Questo arrangiamento deve ancora essere registrato, mixato e masterizzato. Quindi, quando lavori ad un accordo, pensa a coloro che ti succederanno nella carica.
Se è difficile per un cantante cantare, una buona esecuzione non funzionerà. I cantanti sono persone fragili, la minima cosa dà loro sui nervi, si preoccupano, non ne viene fuori niente... Se l'arrangiamento non lascia respirare l'esecutore, è un cattivo arrangiamento. Il cantante deve sentirsi a suo agio. Poi canterà magnificamente e con l'anima. Allora il tuo arrangiamento sarà più facile e divertente da ascoltare.
Se l'ingegnere del missaggio durante la registrazione trova troppo difficile inserire le tue parti nel mix, puoi dire addio a metà delle tue scoperte, le taglierà semplicemente. Perché un minor numero di parti ben miscelate è migliore di una batteria di suoni mal miscelati. Ogni arrangiatore dovrebbe avere almeno una certa conoscenza del processo di mixaggio. Quando inventi giochi, devi preoccuparti di quale sarà il loro destino futuro.
Ricordiamo la corrispondenza tra forma e contenuto. Una buona canzone è ben arrangiata. Un buon accordo si combina bene. Un buon prodotto è facile da ascoltare. La ricetta, come potete vedere, è semplice. Dovrebbe andare tutto bene.
Diventa creativo
In generale, come ho detto, al termine di una lunga conversazione sull’accordo, puoi arrivare alla conclusione che non ti sei trasferito da nessuna parte. In realtà non ho detto nulla di nuovo o di segreto; tutti coloro che hanno letto questo articolo probabilmente si sono sorpresi a pensare più di una volta: “ e lo sapevo già! Sì, tutto ciò che è descritto è logico e semplice. Ma in questa semplicità, la difficoltà a volte sta nella necessità di mettere insieme tutte le tesi, affrontare il processo in modo significativo e produrre un risultato prevedibile.
Spero di essere riuscito in qualche modo a sistematizzare tutte le informazioni necessarie. Bene e consiglio principale, che può essere dato a qualsiasi arrangiatore: ascolta buona musica, assorbilo in te stesso e, se possibile, analizzalo. E poi nessuna regola e legge ti distrarrà dalla creatività.
Separatamente Voglio ringraziare gli iscritti a questo blog e solo lettori. Sono molto contento che ogni giorno in media 4-5cento persone guardino qui, e che il numero di abbonati in pochi mesi sia già aumentato avvicinandosi al centinaio. Cercherò di rivelare quanti più argomenti musicali interessanti e rilevanti possibile. Spero che il numero dei lettori aumenti. Grazie ancora a tutti. Bene, se non sei ancora iscritto, puoi farlo adesso.
A proposito, voglio invitare sul mio profilo anche tutti coloro che sono interessati al suono e ai sintetizzatori
Questo articolo è dedicato all'esame degli errori più comuni commessi dai compositori alle prime armi durante la creazione di musica/arrangiamenti Orchestra Sinfonica. Tuttavia, gli errori di cui parleremo sono abbastanza comuni non solo in musica sinfonica, ma anche in arrangiamenti di musica pop, rock, ecc.
Esistono due gruppi di errori caratteristici dei compositori:
- 1. Il primo gruppo è dovuto alla mancanza di conoscenza ed esperienza. Questo problema è facile da risolvere.
- 2. Il secondo gruppo è il risultato di una carenza esperienza di vita e gusto informe. Questo fattore è difficile da spiegare, ma spesso gioca ancora di più ruolo importante che formazione.
Ne parleremo di seguito.
Quindi, diamo un'occhiata ai principali errori che meritano un'attenzione speciale.
1. Prestito inconscio
Il prestito inconscio può anche essere chiamato plagio involontario. Quasi tutti riscontrano questo errore. Per risolvere questo problema, dovresti ascoltare quanti più tipi di musica diversi possibile. Spesso, ascoltare un compositore o un artista ha forte influenza su di te c'è una stretta connessione tra te e gli elementi della musica.
Tuttavia, se ascolti abbastanza compositori diversi e gruppi musicali, quindi non li copierai inconsapevolmente, ma scriverai i tuoi materiale unico. I prestiti possono aiutarti, ma non dovrebbero farti una copia di qualche altro compositore.
2. Mancanza di equilibrio
3. Trame noiose
Trame dello stesso tipo annoiano l'ascoltatore per un lungo periodo di tempo. Se ascolti le partiture dei professionisti, spesso puoi vedere che ad ogni misura vengono apportati dei cambiamenti all'orchestra, che la colorano in un modo nuovo. È molto raro che uno strumento venga utilizzato per eseguire una melodia. Vengono costantemente aggiunte duplicazioni, i timbri vengono modificati, ecc.
Per evitare la monotonia, studia gli arrangiamenti degli altri e analizza le tecniche che vedi in essi.
4. Sforzo extra
Stiamo parlando di tecniche insolite giochi che richiedono la massima concentrazione da parte dell'esecutore per essere utilizzati. Spesso di più tecniche semplici aiutano ad ottenere una disposizione più armoniosa. È consigliabile utilizzare tecniche rare quando è giustificato, in altre parole, se l'effetto emotivo desiderato non può essere ottenuto in nessun altro modo.
Naturalmente, i compositori famosi utilizzano tutte le massime capacità dell'orchestra, ma quanto nervi costa loro? regola d'oro- più semplice è, meglio è. Se graviti verso l'avanguardia, prova prima a trovare un'orchestra che sia disposta e in grado di suonarla.
5. Mancanza di emozioni e pienezza intellettuale
Continuo a dire che l’equilibrio è la chiave. La tua musica avrà profondità intellettuale ed emotiva solo se vivi una vita interessante e appagante.
Quasi tutti i compositori hanno trascorso molto tempo viaggiando e partecipando attivamente vita pubblica. Dove troverai nuove idee se tutta la tua vita è concentrata tra quattro mura? Il fattore intellettuale implica riflettere la tua visione del mondo nella tua musica.
Studia filosofia, esoterismo e discipline affini- questo ti aiuterà a sviluppare in modo creativo. Solo una persona con grande anima. Per scrivere musica non basta imparare a farlo. La capacità di comunicare con le persone e con l’ambiente è di grande importanza.
6. Isteria e sovraccarico intellettuale
Sentimenti eccessivi o fredda intellettualità non portano a nulla di buono. Devi mettere in musica le emozioni controllate dalla mente. Altrimenti perderai l'essenza stessa dell'arte musicale.
7. Utilizzo dei modelli
La creatività muore dove vengono utilizzati cliché consolidati, cliché, ecc .. Usando tutto questo, diventi come un auto-arrangiatore. Dovresti sforzarti di rendere unico ogni tuo lavoro, per riflettere la tua individualità in esso. Questo vale anche per l'arrangiamento di una canzone pop. Pertanto, dovresti cercare costantemente nuove tecniche, stili incrociati ed evitare ripetizioni.
I modelli dal buon suono possono sicuramente servirti bene, ma di conseguenza potresti finire per perderti.
8. Ignoranza degli strumenti
L'uso errato delle gamme di strumenti non è raro. Senza conoscere le tecniche, puoi scrivere parti che i musicisti semplicemente non possono eseguire.
Vale anche la pena prestare attenzione al fatto che una parte scritta con successo ha un buon suono anche se eseguita con strumenti virtuali, mentre le parti che non sono state scritte tenendo conto delle specificità dello strumento suoneranno poco convincenti anche se eseguite dal vivo.
Ad un musicista professionista basta guardare lo spartito per capire quanto questa parte sia compatibile con il suo strumento. In altre parole, la maggior parte delle parti possono essere suonate, ma possono essere così scomode che impararle è inutile, o scritte in modo tale che anche se suonate, ad esempio, su una chitarra, il loro suono assomiglierà a quello di un altro strumento.
Per evitare ciò, dovresti ascoltare attentamente i brani solisti degli strumenti con cui stai lavorando. L'opzione migliore è padroneggiare le tecniche di base del gioco. Puoi anche consultare il solista, mostrandogli il tuo lavoro.
Questo ti aiuterà a imparare rapidamente come scrivere parti comode che puoi suonare. Quando scrivi per musicisti di sessione, la facilità con cui le tue parti possono essere suonate a prima vista o la velocità con cui possono essere cancellate è molto importante.
9. Spartiti con suono artificiale
Perché la maggior parte Gli autori lavorano su un computer con strumenti virtuali, è molto importante ottenere un suono realistico dei tuoi arrangiamenti praticamente senza correzioni. Come accennato in precedenza, le parti ben scritte suonano bene anche se riprodotte da un computer. Questa affermazione è vera sia per un gruppo rock che per un'intera orchestra sinfonica.
Dovresti mirare a ottenere un effetto in cui l'ascoltatore non si chieda se l'orchestra suona meccanica o se la batteria è programmata. Naturalmente ascoltando con attenzione si capisce facilmente se si tratta di un'esibizione dal vivo o di un programma.
Le mani e le orecchie sono i tuoi principali aiutanti.
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L'argomento dell'articolo di oggi è tecniche di struttura e arrangiamento (Arrangiamento inglese). Non è un segreto che la parola disposizione spesso evochi paura e orrore tra gli studenti e le studentesse corsi iniziali tutti università musicali Paesi. E non c'è da stupirsi: dopo tutto, questa scienza esclusivamente creativa richiede sforzi titanici e costante sviluppo personale. Ma soprattutto - esclusivamente approccio creativo al punto, amore genuino per la musica.
Accade spesso che alcuni dei tuoi frammenti preferiti, o una parte molto lunga e intensa dell'arrangiamento, risultino completamente inutili e tu debba cancellarli per motivi di successo quadro generale composizioni. TopSound
Nel nostro articolo, abbiamo cercato di comprendere alcune caratteristiche, tecniche nell'arrangiamento, nonché di comprenderne la struttura di creazione. Questa professione non si ferma; ciò che era rilevante solo 10-20 anni fa, oggi in termini tecnici - in materia di processo lavorativo - è cambiato radicalmente.
Prezzi per i servizi di registrazione |
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|---|---|---|
| Servizio | Metodo di pagamento | Prezzo |
| Registrazione vocale | Ogni ora | 750 rubli/ora |
| Mixaggio e mastering | Ogni ora | 750 rubli. |
| RAP meno | Fisso | 3000 rubli. |
| RAP meno "Premium" (con effetti aggiuntivi) | Fisso | 4000 rubli |
| Canzone con meno "Light" (1 ora di registrazione + elaborazione senza accordatura) | Fisso | 3000 rubli. |
| Canzone con meno "Premium" (1 ora di registrazione + elaborazione e accordatura profonda) | Fisso | 5000 rubli. |
Strumenti tradizionali
Ecco alcune tecniche di base per arrangiare con i comuni strumenti musicali standard.
Di solito i sassofoni o le trombe, ma anche le chitarre (i cosiddetti strumenti traspositori) vengono scritti prima nella tonalità di Do. È necessario scriverli nella stessa gamma in cui si trova il loro suono effettivo.
Tutti amano usare i tratti notazione dinamica, come forte, crescendo, pianoforte, ecc. Nei modelli moderni, di regola, non sono indicati, quindi tutti questi elementi sono completamente e dipendono completamente dalla tua immaginazione personale.
Esempi di portafogli con concordato (ROCK, POP, REP)
TZEsempio 1. ROCCIA
Gruppo "Wires" - canzone "Deep"
Esempio 2. ROCCIA
Gruppo "Hellya" - canzone "Coco"
Esempio 3. POP
Gruppo “The Produkt$” - canzone “I Have a Dream”
Esempio 4. POP
Canzone "Cling On" Disposizione chiavi in mano
Esempio 5. REP
Canzone "Dammelo" Arrangiamento + mixaggio
Esempio 6. REP
Canzone "Tomboy". Arrangiamento + mixaggio
È difficile garantire il rispetto della reale estensione dello strumento per il quale è stata scritta la parte musicale. All'inizio può essere particolarmente difficile capire il basso, la chitarra, ecc. Ma non importa, un musicista esperto potrà “correggerlo” sul momento.
Hai sentito parlare del General MIDI? Puoi sempre usare i tuoi suoni registrati da te, ma devo dire che tutti i sintetizzatori hanno il proprio banco di suoni standard. Di norma, la selezione dei timbri si basa proprio su di essi.
Caratteristiche degli strumenti a percussione
Registra i suoni della batteria in note semplici. Per fare ciò, è necessario comprendere lo standard GM (General MIDI). Una regola semplice per lavorare con questo formato è provare a scrivere la batteria un paio di ottave più alte della loro altezza normale se la parte è facile da leggere.
Notare che la maggior parte stili moderni comprende molti strumenti a percussione. Saranno scritti su più righi. Successivamente, vengono trasposti in una chiave conveniente, riducendo il numero di segni non necessari e un intervallo conveniente per il musicista (ovvero 1-2 ottave). Inoltre, non dimenticare di tradurre le note di un vero batterista nel suo "linguaggio" professionale.
Guarda il video. Un ottimo esempio di come la batteria viene registrata utilizzando il MIDI. I segnali vengono trasmessi dal controller (in questo caso, batteria elettronica) al computer e nel sequenziatore vengono “appesi” e vengono configurati i suoni desiderati. Come controller, puoi utilizzare una normale tastiera midi con tasti o pad tradizionali (funzionerà anche un sintetizzatore economico con uscita midi).
Le percussioni sono convenzionalmente divise in soli 5 gruppi. Quello principale comprende tutte le dimensioni di fusti. E anche i tom che permettono di vedere la linea principale della batteria, e tutto il lavoro aggiuntivo con le bacchette su parti del tamburo. Prossimo gruppo importante– pedali, sia chiusi che aperti. Questo gruppo è chiamato charleston. Nella musica latinoamericana, la terza comunità considera separatamente il lavoro di congas, bongo e timballi. Esistono anche strumenti a percussione con i cosiddetti attacchi morbidi e taglienti. I primi includono shaker e maracas, mentre i secondi – triangoli e clave.
Puoi leggere informazioni sulla registrazione di batteria e strumenti a percussione nel nostro articolo.
Comprendere la struttura dell'accordo
Per iniziare, datti da fare creazione e disegno della struttura. In questa fase è importante decidere il numero esatto di barre per tutte le parti. Quante strofe e ritornelli ci saranno, quale sarà la coda e quale sarà l'assolo di chitarra. Per questo avrai bisogno di uno spartito o di uno spartito normale, basta contrassegnarlo con delle battute, rispettando la struttura della canzone.
Il passo successivo è selezionare i toni che utilizzerai nel tuo arrangiamento. Ora dobbiamo decidere le funzioni di ciascuno, quale sarà solista e quale sarà accompagnamento.
La terza fase: prendi come base un modello di libro, o meglio ancora, uno che hai inventato tu stesso e svolgi il compito scrupoloso principale: scrivi appunti per loro.
Di norma, il modello dovrebbe apparire accessibile e semplice, quindi è in do maggiore (questo semplifica il lavoro con il materiale grazie all'assenza di chiavi di modifica sul pentagramma) ed ha una lunghezza di 1-2 misure. Tutto quello che devi fare è rifarlo per adattarlo ai tasti che ti servono e inserirlo nel numero di battute richiesto. Ecco come nasce un brano musicale. Ciò potrebbe far sì che alcuni strumenti abbiano troppe battute vuote. Questo è normale, perché a differenza della disposizione classica, una semplificazione del lavoro di qualcun altro, ora stiamo parlando di vera creatività. Non importa se desideri aggiungere qualcosa in seguito, quindi per evitare confusione ti consigliamo di registrare misure vuote. In generale, in questa fase dovresti prepararti spartiti personalizzati per tutti i tuoi strumenti.
Dopo aver svolto un lavoro titanico, vale la pena concedersi una breve pausa, quindi inizia un nuovo ciclo di creatività altrettanto profonda. Raccogli una bozza dell'intera partitura della canzone. Ricorda, non è necessario rimpiangere lo spartito, scrivere tutte le battute vuote, a meno che, ovviamente, non si stia scrivendo una versione chiara per uno studio, per una casa editrice o, diciamo, per un'orchestra. Dopo aver salvato un paio di spartiti, succede che il compositore perde ore e giorni per ricreare l'immagine di cui ha bisogno.
Successivamente, devi inserire tutte le parti e le tracce nel sequenziatore del dispositivo su cui stai lavorando, sia esso un sintetizzatore o un computer. Non è necessario concentrarsi a lungo sui singoli lotti, ma è meglio eseguire questo lavoro il più rapidamente possibile. Perchè lo chiedi. Appena, il tempo passerà e puoi sempre tornare ad essi se desideri modificarli. È un peccato, ma capita davvero spesso che alcuni dei vostri frammenti preferiti, o una parte molto lunga e intensa dell'arrangiamento, risultino del tutto superflui, e siate costretti a cancellarli. per il successo del quadro generale della composizione.
Parte finale
Ora è il momento di ascoltare la registrazione finita, farlo con attenzione e poi decidere se migliorarla o lasciare il capolavoro così com'è. Attenzione, questa fase è davvero molto interessante, la più importante di tutto il lavoro. Ora dovrai lavorare sulla regolazione dei toni lavori finiti. Molto probabilmente, dovrai spostare alcuni frammenti di un'ottava verso il basso o verso l'alto. Registrare nuovamente le sezioni o le parti non riuscite. Prova a “ravvivare” le parti soliste
Con questo sei quasi arrivato alla fine. Ora, se ne hai l'opportunità e il desiderio, aggiungi il riverbero o altri elementi di elaborazione del suono. E anche corretto bilanciare il volume di ciascuna unità musicale nel tuo ensemble.
Tutto! Infine basta chiamare Elton John e dire al cantante che è tutto pronto. Lascia che prenda rapidamente il tuo lavoro, ovviamente, se non ti dispiace darlo via.