Francisco José de Goya e Lucientes - grande artista spagnolo, rappresentante del romanticismo. Nato nel 1746 a Fuendetodos, vicino a Saragozza. All'inizio della sua carriera artistica (1780) fu eletto all'Accademia di Belle Arti di Madrid, e nel 1786 fu nominato artista di corte e risultò essere il primo pittore del re. A quel tempo, Goya divenne ampiamente noto come ritrattista molto abile. Lo stile e il carattere dei dipinti di questo artista cambiarono radicalmente dopo la Grande Rivoluzione francese all’inizio degli anni Novanta del Settecento; inoltre, le condizioni dell’artista peggiorarono notevolmente e, a causa della sua malattia, Francisco perse l’udito.

Da questo momento nei dipinti dell’artista regna sempre di più l’oscurità, che non fa solo da sfondo alle sue tele, ma assorbe anche le figure stesse. Iniziò a utilizzare maggiormente alcune delle tecniche di Rembrandt e a rappresentare una certa disperazione, persino un orrore mortale. La sensazione di solitudine, confronto interno, ambiente esterno ostile: tutto questo è migrato nelle opere del pittore. Nonostante ciò, Goya dipinse in modo così astratto e professionale che i suoi dipinti erano ampiamente conosciuti durante la sua vita e non sono meno famosi ai nostri tempi.

Il suo famoso dipinto La famiglia del re Carlo IV (1800) stupì critici e intenditori d'arte. Nessuno ha mai osato ritrarre i cortigiani in quel modo. Marie-Louise vi è raffigurata come imperiosa e persino un po' ripugnante nella sua bruttezza, e l'artista stesso si trova in un angolo buio, quasi nell'oscurità.

Nel 1797-98 l'artista dipinse senza alcun timore la bruttezza delle fondamenta politiche della sua terra natale. Basta guardare il dipinto “L’esecuzione dei ribelli nella notte del 3 maggio 1808”, pieno di tragedia e ingiustizia. Qui c'è il dolore personale di Goya per la sua Spagna, una protesta contro la guerra e lo spargimento di sangue. Nel quadro " Saturno divora i suoi figli” Goya raffigurato un tempo spietato che distrugge le persone sconsideratamente ed estremamente crudelmente: un'immagine inquietante e amara e grottesca.

Il grande artista spagnolo dipinse per settant'anni. Trascorse gli ultimi anni della sua vita a Bordeaux, dove morì nel 1828.

Antonia Zarate

Maha nuda

Mahi sul balcone

Ritratto della moglie dell'artista

Venditore di stoviglie

Passato e presente

Trasportatore d'acqua

Saturno divora i suoi figli

Questo dipinto è considerato da molti la prima manifestazione dell'impressionismo in pittura. Pennellate leggere formano l'immagine di una bella ragazza seduta, che stupisce gli intenditori d'arte con la sua insolita. Quindi, al posto della chiarezza quasi fotografica e della concentrazione [...]

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La tela appartiene al pennello dell'artista spagnolo Francisco Goya. La data esatta della sua creazione è sconosciuta. Si ritiene che il dipinto sia stato dipinto tra il 1812 e il 1819. Il posto centrale è occupato da una folla inferocita di persone che portano uno striscione con […]

Nel XVIII secolo la situazione con la pittura spagnola non era facile. Il predominio straniero è penetrato nell'arte spagnola, nella sua pittura. Le autorità, rendendo omaggio alla moda e alle ambizioni politiche, promossero i pittori stranieri a posizioni di comando e […]

Il dipinto di Francisco Goya "La vendemmia" fu dipinto nel 1786. Attualmente l'opera adorna il Museo Nazionale del Prado a Madrid. Le dimensioni della tela arrivano fino a 267,5 x 190,5 cm, dal punto di vista stilistico l'opera può essere […]

Goya Francesco

Goya. Francisco José de Goya e Lucientes(Francisco José de Goya) 1746-1828 - Artista e incisore spagnolo, uno dei primi e più importanti maestri delle belle arti dell'era romantica. Goya era un artista molto prolifico, notato anche in gioventù. La sua colossale diligenza gli permise di lavorare fino a tarda età, e durante la sua vita ci lasciò tante belle opere. L’accuratezza dei suoi ritratti ci permette di vedere l’aspetto della nobiltà spagnola e la visione dell’artista di una serie di eventi storici.

Goya si distingue per la sua audace innovazione artistica dai sostenitori dell'accademismo. Interesse costante per il grottesco, creazione di acqueforti che ridicolizzano gli ordini sociali e religiosi nella società.

Nel corso della sua vita, Francisco Goya è stato riconosciuto nell'alta società per il suo talento e il suo duro lavoro. Gode ​​costantemente del patrocinio dei rappresentanti delle famiglie più nobili della Spagna. Sebbene in gioventù abbia ricevuto un'educazione superficiale (Goya scriverà sempre con errori). La sua fruttuosa creatività per tutta la sua lunga vita, la costante ricerca della conoscenza e dell'auto-miglioramento continuarono fino alla tarda età (nonostante la malattia), fornendo un chiaro esempio della diligenza sconfinata di una persona di talento.

Dipinti di Francisco de Goya:

Biografia di Francisco Goya:

1746 Francisco Goya nasce a Zarogosa, in una famiglia della classe media. Dopo la nascita, la famiglia si trasferì nella provincia rurale vicino a Zarogosa, dove visse fino al 1760. A Saragozza, il giovane Francisco fu mandato alla bottega dell'artista Luzana y Martinez.

Nel 1763 partecipò al concorso per la migliore copia del Sileno in gesso, ma la sua opera non ottenne riconoscimenti.

Nel 1764 tentò senza successo di entrare all'Accademia di San Fernando a Madrid.

Nel 1766 Goya si reca a Madrid e partecipa nuovamente al concorso per entrare all'Accademia di San Fernando, ma ancora una volta fallisce. A Madrid, Goya studiò con artisti di corte, studiando le loro opere. Nello stesso anno Francisco Goya si trasferì a Roma.

Nel 1771 partecipò ad un concorso dell'Accademia di Parma per un dipinto di tema antico. Al concorso il suo lavoro si fa notare e riceve il secondo premio dell'Accademia di Belle Arti di Parma. Goya ritorna a Saragozza e la Chiesa del Pilar incarica Francisco Goya di completare i bozzetti per la cappella dell'architetto Ventura Rodriguez e gli commissiona un dipinto di prova. L'opera di Goya è ammirata dal collegio dei sacerdoti.

1772 Goya è invitato a dipingere l'oratorio del Palazzo Sobradiel. Riceve il patrocinio di Ramona Pignatelli.

1772-1774 fu invitato nella certosa di Aula Dei (vicino a Saragozza) e creò 11 grandi composizioni su temi della vita della Santa Vergine Maria.

Nel 1773, Goya dovette sposare Josefa (a causa della sua gravidanza), sorella di Francisco Bayeu (artista di corte del re Carlo IV e della regina Maria Luisa). Il figlio nato morì presto. In totale, Goya e Josepha ebbero 5 figli, ma solo un figlio sopravvisse (Francisco Javier Pedro), che divenne anche lui un artista. Dopo aver ottenuto il riconoscimento da parte dell'aristocrazia (con l'aiuto di Francisco Bayeu), Francisco Goya perse interesse per sua moglie, ma rimase comunque sposato con Josefa fino alla sua morte nel 1812.

Nel 1775 Goya si trasferì a Madrid da Francisco Bayeu e lavorò nella sua bottega. Nello stesso anno, Goya ricevette la prima commissione di corte per scene di caccia nel Palazzo dell'Escorial per il Principe delle Asturie (il futuro Carlo IV).

Nel 1778 Francisco incide dipinti di Diego Velazquez nel palazzo reale di Madrid.

Nel 1779, l'artista presentò al re 4 dei suoi dipinti. E presto Goya fa già domanda per la posizione di artista di corte, ma viene rifiutato (a causa delle proteste di suo cognato Francisco Bayeu). A quel tempo, Goya era già un artista ricco.

Nel 1780 Goya firma un contratto per dipingere la cupola della Cattedrale del Pilar. Questo contratto alla fine porta al conflitto tra Francisco e suo cognato (a cui è costretto a obbedire in questo progetto). Il Consiglio dei Sacerdoti viene coinvolto nel conflitto e costringe Goya a sottomettersi alle richieste di Francisco Bayeu. A causa del risentimento, Goya non tornò nella sua nativa Saragozza per molto tempo.

Nel 1781 Goya, insieme a Francisco Bayeu e Maella, dipinse la Chiesa di S. Francesco Magno a Madrid. Scrive “Il sermone di San Bernardino da Siena al cospetto del Re d'Aragona” e lì Goya si raffigurò alla sinistra del santo.

Nel 1783 dipinse un ritratto del conte di Floridablanca.

Nel 1784 ad Arenas de San Pedro dipinge il fratello minore del re, l'Infante Don Luis, sua moglie Maria Teresa Vallabriga e il loro architetto Ventura Rodriguez.

Nel 1785 Goya incontrò la famiglia del marchese de Penafel, che sarebbe stato suo cliente abituale per 30 anni.

Nel 1785 divenne vicedirettore della Royal Academy.

Nel 1786 Goya fu nominato artista reale e ricevette un ordine per una serie di dipinti per la sala da pranzo reale nel Palazzo Pardo. Le opere più importanti di questa serie sono "Spring" ("Flower Girls"), "Summer" ("Harvest") e "Winter" ("Blizzard"). Successivamente, Goya dipinse i ritratti del conte Altamira e del re Carlo III.

Nel 1789 Carlo III morì e Goya divenne l'artista di corte di Carlo IV (e nel 1799 il suo primo pittore).

Nel 1789 Goya non ha ordini a causa degli eventi della Rivoluzione francese. La corte spagnola perse interesse per la decorazione dei palazzi. La paura della rivoluzione provoca la persecuzione delle persone istruite della Spagna, tra cui Francisco Goya. Nel luglio 1790 fu inviato a Valencia, ma presto tornò a Madrid, dove riacquistò la sua precedente posizione negli intrighi di corte. Ma gli ordini non sono ancora molti.

Nel 1793 Goya era gravemente malato (i documenti non conservavano la diagnosi), fu colpito da paralisi e perdita dell'udito.

Nel 1795 Goya realizzò un ritratto del Duca d'Alba e di sua moglie. Circolavano voci sulla reciproca passione di Goya e della duchessa d'Alba, ma non vi era alcuna conferma diretta. Nei ritratti dipinti di Alba si possono trovare solo accenni a una possibile connessione. Goya ha anche disegni della duchessa d'Alba (molto caustici). C'è anche un piccolo dipinto in cui Goya ha raffigurato Alba e la sua governante in una scena libera e quotidiana.

Nel luglio 1795 muore il cognato di Goya, Francisco Bayeu (al quale deve l'inizio della sua carriera). Nello stesso anno Francisco Goya fu eletto direttore del dipartimento di pittura dell'Accademia di San Fernando e ricevette un buon stipendio.

1796 Goya si reca con la corte reale in Andalusia per venerare le spoglie di San Ferdinando di Siviglia. Allo stesso tempo, dipinge 3 grandi tele con innovazione nel rappresentare la vita di Cristo. Apparve il "Sanlúcar Album" di Goya con i suoi primi schizzi.

Nel 1797 Goya dipinse il dipinto “La duchessa d'Alba in mantiglia” raffigurata in un abito mahi (mantiglia e gonna nere) con l'iscrizione nella sabbia “Solo Goya” (Solo Goya). La duchessa d'Alba a quel tempo era già vedova. A causa delle cattive condizioni di salute, Goya fu costretto a dimettersi dalla carica di direttore del dipartimento di pittura dell'Accademia di San Fernando.

Nel 1798, il re Carlo IV incaricò Goya di dipingere la cupola della sua chiesa di campagna di San Antonio de la Florida.

Nel 1799, nella sagrestia della Cattedrale di Toledo fu installato il dipinto “La Presa in custodia di Cristo”, noto per la sua perfetta resa dell’illuminazione notturna. Nello stesso anno fu pubblicata la famosa serie di acqueforti di Goya “Caprichos”, che ridicolizzava gli ordini sociali e religiosi nella società. (La famosa opera di questa serie è "Il sonno della ragione dà alla luce i mostri"). La pubblicazione di "Caprichos" costringe l'Inquisizione a intervenire e a bloccarne le vendite.

Nel 1799 Goya fu nominato primo artista di corte con uno stipendio di 50.000 reais all'anno

Nel 1800 fu dipinto il famoso dipinto “Nude Macha”.

1801 Goya completa il famoso “Ritratto della famiglia di Carlo IV”

Nel 1802 apparve il dipinto “Mach Dressed”, in cui appariva lo stesso modello e nella stessa posa di “Mach Nude”. Presto morì la protettrice di Goya, la duchessa d'Alba; Goya lavorò al disegno di una tomba per la duchessa (il disegno è stato conservato).

Dal 1803 al 1808 Francisco Goya realizzò solo ritratti.

1808 La Spagna fu occupata dai francesi. La rivolta di Madrid portò alla guerriglia. Il nuovo re Ferdinando VII, recandosi a Bayonne, commissiona a Goya di dipingere il suo ritratto. Ma verrà arrestato insieme a tutta la famiglia reale e l'artista dovrà completare il ritratto a memoria. Insieme al paese, Goya prova odio per la guerra e Napoleone I, che si riflette in una serie di piccoli dipinti.

1814 Ferdinando VII abrogò la costituzione del 1812. In Spagna si profilava una situazione di dittatura. Sebbene Ferdinando VII fosse ostile a Goya, tutte le accuse contro di lui furono ritirate e il suo stipendio gli fu restituito.

Nel 1818 Goya completò una grande tela raffigurante i due santi patroni di Siviglia, Justa e Rufina, sotto forma di altalene formose, per la Cattedrale di Siviglia. Successivamente completò il dipinto “L'Ultima Comunione di San Giuseppe di Calasan” per la chiesa Escuelas Pias di Madrid. Un lavoro così duro è sorprendente, considerando che l'artista ha già 72 anni!

Nel 1820 Goya si ammalò gravemente e cessò di essere presente all'Accademia.

Nel 1823 Francisco Goya incontrò Leocadia de Weiss, che divorziò dal marito e diede alla luce una figlia, Rosarita (a quel tempo Goya aveva 77 anni). Nel 1824, Goya, insieme a Leocadia e alla piccola Rosarita, andò in Francia, per poi trasferirsi da amici a Bardo. Allo stesso tempo, ha continuato a dipingere quadri e creare litografie.

Nel 1826 Goya tornò a Madrid e chiese il permesso di ritirarsi con lo stipendio intatto.

Il 16 aprile 1828 Francisco Goya muore nel suo appartamento della Fosse de l'Intendance a Bordeaux.

Artista famoso Francisco de Goya è nato il 30 marzo 1746 a Fuendetodos in Spagna. Ha iniziato i suoi studi d'arte da adolescente e ha trascorso anche un po' di tempo in , per approfondire le sue capacità. Nel 1770, Goya lavorò alla corte reale spagnola. Oltre a commissionare ritratti di nobili, creò opere che criticavano i problemi sociali e politici della sua epoca.

Figlio di un fiorino, Goya trascorse parte della sua giovinezza a Saragozza. Lì iniziò a dipingere all'età di circa quattordici anni. Era uno studente di Jose Martinez Luzan. Ha copiato le opere di grandi maestri, trovando ispirazione nel lavoro di artisti come Diego Rodriguez de Silva e Velazquez.

Successivamente Goya si trasferì a , dove iniziò a lavorare con i fratelli Francisco e Ramon Bayeu a Subías nel loro studio. Cercò di continuare la sua formazione artistica nel 1770 o 1771, viaggiando attraverso l'Italia. A Roma, Goya studiò classici e lavorò lì. Ha presentato il dipinto ad un concorso indetto dall'Accademia di Belle Arti di Parma. Anche se ai giudici il suo lavoro è piaciuto, non è riuscito a vincere il primo premio.

Attraverso l'artista tedesco Anton Raphael Mengs, Goya iniziò a creare opere per la famiglia reale spagnola. Per prima cosa disegnò caricature degli arazzi, che servirono da modello nella fabbrica di Madrid. Queste opere mostravano scene di vita quotidiana, come "L'ombrello" (1777) e "Il ceramista" (1779).

Nel 1779 Goya ricevette un incarico come pittore alla corte reale. Continuò a crescere di status, ottenendo l'ammissione alla Royal Academy di San Fernando l'anno successivo. Nel corso del tempo, Goya si è guadagnato la reputazione di ritrattista. L'opera "Il duca e la duchessa di Osuna e i loro figli" (1787-1788) lo illustra perfettamente. Ha dipinto abilmente gli elementi più piccoli dei loro volti e dei loro vestiti.

Nel 1792 Goya divenne completamente sordo e successivamente soffrì di una malattia sconosciuta. Il suo stile è leggermente cambiato. Continuando a svilupparsi professionalmente, Goya fu nominato direttore della Royal Academy nel 1795, ma non dimenticò mai la difficile situazione del popolo spagnolo e la rifletté nelle sue opere.

Goya creò una serie di fotografie chiamate "Caprichos" nel 1799. Anche nel suo lavoro ufficiale, secondo i ricercatori, ha rivolto uno sguardo critico ai suoi soggetti. Dipinse un ritratto della famiglia del re Carlo IV intorno al 1800, che rimane una delle sue opere più famose.

Successivamente la situazione politica nel paese divenne così tesa che Goya andò volontariamente in esilio nel 1824. Nonostante la sua cattiva salute, pensava che sarebbe stato più al sicuro fuori dalla Spagna. Goya si trasferì a Bordeaux, dove trascorse il resto della sua vita. Qui ha continuato a scrivere. Alcuni dei suoi lavori successivi sono ritratti di amici e vita in esilio. L'artista morì il 16 aprile 1828 a Bordeaux in Francia.

Durante un viaggio in Spagna nel 1824, Eugene Delacroix scrisse nel suo diario: “Goya tremava intorno a me”. Goya non è solo l'artista più nazionale della Spagna, la formazione dell'arte moderna è associata al suo nome.

L'opera di Goya, contemporaneo della Rivoluzione francese, della guerra di liberazione nazionale della Spagna con la Francia napoleonica, della rapida ascesa delle forze sociali e della reazione brutale, si è verificata durante uno dei periodi più drammatici della storia spagnola. Combinava il pensiero progressista dell'epoca e gli echi di idee popolari stabili, l'ampiezza delle posizioni sociali e l'impronta più forte delle sue esperienze soggettive, il temperamento focoso, la natura impulsiva e l'immaginazione sconfinata. L'arte di Goya emana una forza emozionante, è davvero inesauribile e non soggetta a fredda analisi. Il suo linguaggio artistico è nettamente esposto, spietatamente tagliente e allo stesso tempo complicato, crittografato, mutevole e talvolta difficile da spiegare.

Goya è nato nel villaggio di Fuendestodos vicino a Saragozza nella famiglia di un artigiano doratore. Studiò a Saragozza con J. Luzan Martinez, poi a Madrid con F. Bayeu, di cui sposò la figlia Josefa nel 1773. La gioventù tempestosa e avventurosa di Goya è poco conosciuta. Ha visitato l'Italia, dove ha partecipato al concorso dell'Accademia di Parma e ha ricevuto il secondo premio. Dal 1773 visse e lavorò a Madrid e nel 1786 fu nominato pittore di corte.

Goya emerse come artista importante relativamente tardi. Il suo primo significativo successo gli furono procurati da due serie (1776-1791) di numerosi pannelli (cartoni per tappeti) per la Real Manifattura di Santa Barbara a Madrid, che raffigurano passeggiate, picnic, balli, feste della gioventù urbana, scene di mercati , lavandaie sulle rive del Manzanares, poveri al pozzo, chitarrista cieco, matrimonio di villaggio. Goya ha arricchito la pittura decorativa con innovazioni nella composizione, ingrandimento delle figure, risultati coloristici colorati e, soprattutto, un senso diretto della vita nazionale, che ha percepito non dallo sguardo di un osservatore esterno, ma come dall'interno; questo ambiente gli era familiare fin dalla giovinezza.

L'Ombrello (Madrid, Prado), scritto nel 1777, non ha una trama sviluppata. Un motivo che a quel tempo era di moda nella pittura di genere lo ispirò a creare un'immagine pittorica accattivante in cui il volto della ragazza e parte della sua figura, ombreggiati dai raggi del sole da un ombrello verde, sono pieni di leggeri riflessi colorati. Qui puoi vedere quanto Goya deve a Velazquez, che, insieme alla natura e Rembrandt, considerava il suo maestro.

Goya divenne un ritrattista alla moda, inondato di ordini. È difficile trovare un altro grande ritrattista che mostri in modo così deciso il suo atteggiamento personale nei confronti delle persone che raffigura. Ad alcuni di essi è rimasto del tutto indifferente, e quindi i suoi ritratti su commissione sembrano stranamente senza vita, insensibili. Un artista che ha una padronanza impeccabile della forma plastica diventa inaspettatamente indifeso e permette negligenza nel disegno e nella composizione. Non è un caso che in una lettera all’amico di Goya, il direttore della Royal Academy of History chieda di influenzare l’artista a dipingere il suo ritratto “come può, quando vuole”.

I ritratti di Goya rappresentano la società dell'epoca in tutta la sua ampiezza. La portata della sua evoluzione creativa è sorprendente, dai ritratti cerimoniali nella tradizione del XVIII secolo alle opere che anticipano le conquiste più audaci dell'arte del XIX secolo. La vicinanza di Goya al popolo progressista spagnolo ha riempito la sua arte di un nuovo senso della vita. Tra i suoi amici ci sono scrittori, poeti, politici e attori. Tratta i loro ritratti con particolare attenzione (ritratti dell'artista F. Bayeu, del dottor Peral, del personaggio pubblico Jovellanos, del poeta L. Moratin). All'inizio del XIX secolo, nei ritratti di Goya apparivano immagini piene di energia e fiducia in se stessi, caratteristiche vicine agli ideali dell'era del romanticismo. Nel famoso ritratto di Isabel Cobos de Porcel (1806, Londra, National Gallery), l'apparizione di una giovane donna in fiore con uno sguardo focoso e pizzo nero spagnolo è caratterizzata da un acuto carattere nazionale.

Alla fine del secolo, la carriera di corte di Goya, che raggiunse il suo apice nel 1799, quando divenne il primo pittore del re, gli portò molta amarezza e delusione.

Alla fine degli anni Novanta del Settecento, percependo sempre più chiaramente e acutamente i lati oscuri e brutti della vita che lo circondava, Goya sperimentò una crisi mentale, aggravata dalla perdita dell'udito a causa di una grave malattia. L'artista ha sopportato la sua sordità con raro coraggio, cercando di trovare un mezzo di comunicazione con il mondo esterno.

Potenti impulsi di ispirazione creativa dominavano la natura contraddittoria di Goya. La fine del XVIII secolo fu segnata da alti risultati artistici nel suo lavoro. Completò il lavoro su una serie di acqueforti chiamate Caprichos, che lo annoverarono tra i più grandi maestri dell'arte grafica mondiale. In questo insuperabile esempio di tragico grottesco, Goya mette a nudo le ulcere della Spagna feudale-cattolica.

Nel 1798 Goya realizzò gli affreschi per la chiesa madrilena di San Antonio de la Florida. In loro trionfa un principio luminoso e che afferma la vita. Il dipinto della cupola raffigura una leggenda medievale sulla miracolosa resurrezione a Lisbona di un uomo assassinato da Sant'Antonio di Padova, che fece il nome del suo vero assassino. Il miracolo è stato trasferito dall'artista nello scenario della vita contemporanea, svolgendosi sullo sfondo della libera natura castigliana, all'aria aperta, in presenza di una folla discordante. I dipinti della chiesa sono un risultato grandioso di Goya come maestro della pittura monumentale. Furono accolti con gioia ed entusiasmo; uno dei suoi biografi scrisse che a Madrid avvennero due miracoli, uno compiuto da Antonio da Padova, l'altro dall'artista Goya.

Nel giugno 1800, Goya iniziò il “Ritratto della famiglia del re Carlo IV” (Madrid, Prado), che univa quattordici figure. I personaggi congelati della casa reale, allineati in una delle stanze del palazzo di Aranjuez, riempiono la tela da un bordo all'altro. Tutto è in balia della tensione prevalente e dell'ostilità reciproca. Il ritratto brilla di un magico splendore di colori, sembra essere composto da pietre preziose. Da questo splendore reale emergono figure insensibili, ma i volti sono particolarmente nudi e dipinti in modo nitido: insignificanti, gonfi, soddisfatti di sé. La famosa opera di Goya non ha analoghi nella pittura mondiale. Rompe la tradizione delle immagini ufficiali cerimoniali. Sarebbe una semplificazione estrema considerarla una caricatura, perché qui tutto è la più crudele verità. A coloro che l'hanno ordinato, elevato all'apice del potere, non è stata data la possibilità di comprenderne il potere rivelatore. Il ritratto mi è piaciuto ed è stato accolto favorevolmente. La stessa cosa accadde nel 1803, quando Goya, temendo l'Inquisizione, decise di fare un passo coraggioso e presentò rispettosamente al re le tavole delle incisioni di Caprichos.

Un posto speciale tra le sue opere dell'inizio del XIX secolo è occupato dall'immagine di una giovane donna, catturata due volte: vestita e nuda. Non appartiene strettamente al genere dei ritratti. Qui è incarnato il tipo di bellezza femminile sensuale, caratteristico a livello nazionale, che ha attratto l'artista, infinitamente lontano dai canoni accademici. L'irregolarità del delicato corpo nudo dorato pallido e apparentemente tangibilmente vivo risiede nel suo fascino emozionante. La verniciatura fluida e fluida risulta plastica e impeccabile. Ancora oggi molto rimane poco chiaro: le circostanze dell'ordine dei due dipinti, la loro datazione esatta e il titolo finale, la questione di chi fosse questa donna, raffigurata così audacemente nuda dall'artista in violazione del divieto dell'Inquisizione. Di solito i doppi dipinti sono chiamati “Maja vestita” e “Maja nuda” (entrambi - 1800 circa, Madrid, Prado), ma la parola stessa “Maja” - “dandy di città” - apparve in relazione ad essi solo nel 1831, e in nei vecchi inventari si trattava della Zingara, Venere. L’ipotesi che la sua amata duchessa Cayetana Alba posasse per Goya fu respinta a causa delle differenze fisiche e di età tra la duchessa e la ragazza sconosciuta che servì da modella all’artista. L'Inquisizione si interessò a questi dipinti e nel 1815 l'artista fu convocato al Tribunale di Madrid, dove dovette identificarli e spiegare per chi e per quale scopo erano stati realizzati. Ma il protocollo dell'interrogatorio non è stato conservato. Entrambi i Mach sono tra le opere più famose di Goya, circondate da un'aura romantica e da varie speculazioni.

Nel paese infuriava una sanguinosa guerra contro coloro che Goya e i suoi amici “francesizzati” avevano recentemente considerato i portatori della libertà tanto attesa. Patriota spagnolo, soffrì profondamente e si indignò. Nel piccolo dipinto “Colossus” (1810-1812, Madrid, Prado) c'è uno spettacolo di caos generale generato dall'apparizione inaspettata di una figura colossale di un gigante nudo, che cresce terribilmente oltre i contorni delle montagne e tocca le nuvole . L'immagine fantastica è stata interpretata in diversi modi. Probabilmente il colosso, stringendo minacciosamente il pugno e voltando le spalle alla valle, dove persone e animali si disperdono in una confusione selvaggia, cavalieri e carri cadono, personifica le spietate forze della guerra, portando rovina generale, panico e morte. Ciò che Goya - testimone dell'invasione napoleonica - visse nella Madrid occupata, nella sofferente Saragozza, distrutta dagli assedi francesi, che visitò nell'autunno del 1808, diede un nuovo potente impulso al suo lavoro sia nella pittura che nella grafica, portando alla creazione di opere dal suono tragico ed eroico. La potenza drammatica contenuta nella sua opera raggiunse la massima intensità.

Le grandi tele del Prado, che formano un dittico storico e raffigurano “L'insurrezione della Puerta del Sol del 2 maggio 1808” e “L'esecuzione dei ribelli nella notte del 3 maggio”, rimarranno per sempre nella memoria. La composizione del primo dipinto è legata con un nodo elastico. Goya assistette dalla casa di suo figlio alla battaglia tra i madrileni e la cavalleria francese sulla Puerta del Sol. La seconda foto è famosa in tutto il mondo. Su Madrid e sulle colline brulle che la circondano c'è una notte opaca e apparentemente eterna. Sotto il cielo nero si nascondeva la Madrid schiava e calpestata. Da lì, come un fiume oscuro, una folla di vittime si muove lungo le colline verso il luogo dell'esecuzione. Mancava un ultimo momento prima della salva. L'inquietante luce gialla di una lanterna fa uscire dall'oscurità un gruppo di ribelli addossato al fianco della collina, contro i quali sono puntati i fucili alzati di una linea senza volto di soldati francesi. L'inesorabilità della catastrofe imminente è nettamente contrastata dalla forza dei sentimenti umani. L'artista trasmette semplicemente, duramente, nudamente e allo stesso tempo profondamente umanamente un sentimento di rovina, paura al limite della follia, compostezza volitiva e odio ardente per il nemico.

La capacità intrinseca di Goya di rispondere con tutta la passione del suo temperamento agli eventi del nostro tempo trovò la sua espressione più chiara in una serie di acqueforti conosciute come "I disastri della guerra", donatele dall'Accademia di San Fernando quando furono pubblicate nel 1863. La tragedia nazionale viene qui mostrata in tutta la sua spietatezza. Sono montagne di cadaveri, esecuzioni di partigiani, feroci battaglie, oltraggi di predoni, morsi della fame, spedizioni punitive, donne disonorate, bambini orfani.

L'opera successiva di Goya coincide con gli anni della reazione violenta dopo la sconfitta di due rivoluzioni borghesi spagnole. In uno stato di confusione mentale e di cupa disperazione, si stabilì in una nuova casa conosciuta come “Quinta del Sordo” (“Casa dei Sordi”). Goya coprì le pareti della casa a due piani con quattordici dipinti ad olio scuri e fantastici. Pieni di allegorie, allusioni e associazioni, sono completamente unici nella loro struttura figurativa e nel potente impatto artistico. I "Quadri Neri" - come vengono comunemente chiamati - rischiavano di scomparire del tutto quando la Quinta del Sordo fu demolita nel 1910. Fortunatamente, il dipinto di Goya è stato trasferito su tela, restaurato e si trova al Prado.

I dipinti sono dominati da un principio diabolico, spaventoso e innaturale; un'immagine minacciosa appare come in un incubo. Volpi sdentate o anziani con teschi nudi - le sembianze della Morte stessa - bevono avidamente lo stufato, una folla urlante e frenetica di mostri marcia verso la fonte di San Isidro, il diavolo sotto forma di un'enorme capra nera in una veste monastica guida un raduno delle streghe vili. L'insieme dei colori è aspro, avaro, quasi monocromatico: nero, bianco, rossastro, ocra, i colori sembrano aver assorbito le sfumature della terra spagnola bruciata dal sole, la ruggine delle rocce, la fiamma cova delle terre rosse, il i colpi sono ampi e rapidi. Un parallelo grafico ai dipinti di Kinta era la serie "Disparates" ("Proverbi", 1820-1823) con immagini crittografate ancora più complesse.

Nel 1824, durante gli anni della reazione, Goya fu costretto a emigrare in Francia, nella città di Bordeaux, dove morì. Un'inesauribile sete di creatività non lo ha abbandonato fino agli ultimi anni della sua vita. Completamente sordo e cieco, l'artista continuò a creare dipinti, ritratti, miniature e litografie. "...Solo la volontà mi sostiene", scriveva agli amici.

Nelle sue opere più recenti, Goya ritorna all'immagine della giovinezza trionfante (La lattaia di Bordeaux, 1826, Madrid, Prado).

Opere letterarie, biografie romanzate e film sono dedicati alla vita di Goya. La sua arte ha avuto un enorme impatto sulla cultura artistica spagnola del XIX e XX secolo, non solo nella pittura e nella grafica, ma anche nella letteratura, nel teatro, nel teatro e nel cinema. Molti maestri della cultura mondiale si sono rivolti a Goya, da Delacroix a Picasso, da Edouard Manet ai maestri messicani della grafica popolare. E oggi Goya rimane immancabilmente moderno.

Tatiana Kaptereva