Natalia Markova,
capo del dipartimento di grafica del Museo Pushkin im. A, S, Puskin

Natura morta nell'Olanda del XVII secolo

Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono stati espulsi dall'immagine. In molti dipinti si possono trovare "cornici" con una natura morta Artisti olandesi 16 ° secolo È facile da rappresentare nella forma autodipinto tavola apparecchiata da ritratto di famiglia» Martin van Hemskerk (1530 circa. Musei statali, Kassel) o un vaso di fiori da una composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel ha fatto qualcosa del genere, scrivendo in proprio inizio XVII V. le prime nature morte floreali indipendenti. Apparvero intorno al 1600: questa volta è considerata la data di nascita del genere.

Martin van Hemskerk. Ritratto di famiglia. Frammento. OK. 1530. Musei statali, Kassel.

In quel momento il O va per definirlo non esisteva ancora. Il termine "natura morta" ha origine in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa “natura morta”, “natura morta” (nature morte). In Olanda i dipinti raffiguranti oggetti venivano chiamati “stillleven”, che può essere tradotto sia come “natura morta, modello”, sia come “ vita tranquilla”, che trasmette in modo molto più accurato le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale entrò in uso solo a partire dal 1650, e fino a quel momento i dipinti furono chiamati secondo la trama dell'immagine: b lumentopf - un vaso di fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutta, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - dipinti raffiguranti un teschio. Già da questa enumerazione risulta evidente quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, tutto il mondo oggettivo che li circondava sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.

Abraham van Beuren. Natura morta con aragoste. XVII secolo.Kunsthaus, Zurigo

Nell'arte, ciò significò una rivoluzione non inferiore a quella che gli olandesi fecero nella sfera economica e sociale, avendo ottenuto l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia e Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, dipinti e affreschi su temi della mitologia antica per sale del palazzo, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute degli angoli del loro paesaggio nativo, balli durante una vacanza in villaggio o un concerto casalingo in una casa borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di appuntamenti, tavole apparecchiate con la colazione o il dessert, cioè, la natura è "bassa", senza pretese, non oscurata dalla tradizione poetica antica o rinascimentale, fatta eccezione forse per la poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d’Europa era stridente.

I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e erano destinati a decorare le stanze delle case dei cittadini, e persino dei residenti rurali, di quelli più ricchi. Successivamente, nel XVIII e XIX secoli, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, queste collezioni di dipinti nazionali furono ampiamente vendute alle aste e acquisite volentieri in collezioni reali e aristocratiche in tutta Europa, da dove alla fine migrarono in principali musei pace. Quando dentro metà del diciannovesimo V. gli artisti di tutto il mondo si dedicarono alla rappresentazione della realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.

Jan Venix. Natura morta con pavone bianco. 1692. Eremo di Stato, San Pietroburgo

caratteristica Pittura olandese c'era una specializzazione degli artisti per genere. Nell'ambito del genere della natura morta, c'era persino una divisione secondo Argomenti Selezionati, inoltre, diverse città avevano i loro tipi preferiti di natura morta, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava radicalmente la sua arte e iniziava a scrivere quelle varietà del genere che erano popolari in questo luogo.

Haarlem divenne la città natale del aspetto caratteristico Natura morta olandese - "colazione". I dipinti di Pieter Claesz raffigurano una tavola imbandita con piatti e stoviglie. Un piatto di peltro, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: una selezione parsimoniosa e precisa degli oggetti crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine "pittoresco" introdotto nella disposizione delle cose, e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuta dalla trasmissione dell'ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marrone combina gli oggetti in un'unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti individuali di una persona, del suo stile di vita.

Allo stesso modo di Klas, lavorò un altro Harleman, Willem Heda. Il colore dei suoi quadri è fermo Di più subordinato all'unità del tono, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.

Abraham van Beuren. Colazione. XVII secolo. Museo Pushkin im. Pushkin, Mosca

A Utrecht si è sviluppata una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, famoso soprattutto per la sua scrittura meticolosa e i suoi colori chiari.

A L'Aia, il centro dell'industria marittima, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beijeren perfezionarono l'immagine dei pesci e degli altri abitanti del mare, il colore dei loro dipinti proietta una lucentezza di scaglie, in cui macchie di rosa, rosso, i colori blu lampeggiano. L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davidsz de Heem, con oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrena (armature, libri, attributi artistici, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti), il teschio o clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da "cucina" più democratica ha avuto origine a Rotterdam nell'opera di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e le sue migliori realizzazioni sono associate ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.

A metà del secolo, il tema delle modeste "colazioni" si trasforma, nelle opere di Willem van Aelst, Urian van Streck e, in particolare, Willem Kalf e Abraham van Beyeren, in lussuosi "banchetti" e "dessert". Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per l'eleganza e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni "monocromatiche" vengono sostituite da colori succosi, riccamente saturi e dorati. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori dei dipinti di Kalf dall'interno, poetizzando il mondo oggettivo.

Willem Kalf. Natura morta con calice - nautilus e ciotola Porcellana cinese. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Maestri dell'immagine dei "trofei di caccia" e dei "cantieri di uccelli" furono Jan-Baptiste Veniks, suo figlio Jan Veniks e Melchior de Hondekuter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la sistemazione delle tenute e l'intrattenimento mediante la caccia. dipingerne due ultimi artisti mostra un aumento della decoratività, del colore, del desiderio di effetti esterni.

La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità fu apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX, che videro nelle nature morte, prima di tutto, e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per gli stessi olandesi XVII secolo queste immagini erano piene di significato, offrivano cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, l'inutilità delle aspirazioni umane, indirizzando i loro pensieri verso riflessioni filosofiche riguardo al significato vita umana.

La natura morta olandese dei secoli XVI-XVII è peculiare gioco intellettuale, in cui allo spettatore veniva chiesto di svelare alcuni segni. Ciò che oggi veniva letto facilmente dai contemporanei non è chiaro a tutti e non sempre.

Cosa significano gli oggetti raffigurati dagli artisti?

Jean Calvin (1509-1564, teologo francese, riformatore della chiesa, fondatore del calvinismo) insegnò che le cose quotidiane hanno un significato nascosto e che dietro ogni immagine dovrebbe esserci una lezione morale. Gli oggetti raffigurati nella natura morta sono ambigui: erano dotati di sfumature edificanti, religiose o di altro tipo. Ad esempio, le ostriche erano considerate un simbolo erotico, e questo era ovvio ai contemporanei: le ostriche presumibilmente stimolavano la potenza sessuale e Venere, la dea dell'amore, nacque da una conchiglia. Da un lato le ostriche alludevano alle tentazioni mondane, dall'altro il guscio aperto significava un'anima pronta a lasciare il corpo, cioè prometteva la salvezza. Regole severe come leggere una natura morta, ovviamente, non esisteva, e lo spettatore indovinava sulla tela esattamente quei personaggi che voleva vedere. Inoltre, non dobbiamo dimenticare che ogni elemento faceva parte della composizione e poteva essere letto in modi diversi, a seconda del contesto e del messaggio generale della natura morta.

Fino al XVIII secolo, un mazzo di fiori, di regola, simboleggiava la fragilità, perché le gioie terrene sono transitorie come la bellezza di un fiore. Il simbolismo delle piante è particolarmente complesso e ambiguo, e i libri di emblemi, popolari in Europa nei secoli XVI-XVII, dove illustrazioni allegoriche e motti erano accompagnati da testi esplicativi, aiutarono a catturarne il significato. composizioni floreali non era facile da interpretare: lo stesso fiore aveva tanti significati, a volte direttamente opposti. Ad esempio, il narciso indicava il narcisismo e allo stesso tempo era considerato un simbolo della Madre di Dio. Nelle nature morte, di regola, entrambi i significati dell'immagine venivano preservati e lo spettatore era libero di scegliere uno dei due significati o di combinarli.

Le composizioni floreali erano spesso integrate con frutta, piccoli oggetti, immagini di animali. Queste immagini esprimevano l'idea principale dell'opera, sottolineando il motivo della caducità, dell'appassimento, della peccaminosità di tutto ciò che è terreno e dell'imperitabilità della virtù.

Jan Davids de Heem.
Fiori in un vaso.

Nel dipinto di Jan Davidsz de Heem, alla base del vaso, l'artista ha raffigurato simboli di fragilità: fiori appassiti e spezzati, petali sgretolati e baccelli di piselli secchi. Ecco una lumaca: è associata all'anima di un peccatore. Al centro del bouquet vediamo simboli di modestia e purezza: fiori di campo, viole e nontiscordardime. Sono circondati da tulipani, che simboleggiano la bellezza sbiadita e lo spreco insensato (la coltivazione dei tulipani era considerata in Olanda una delle occupazioni più vane e anche non economiche); rose e papaveri rigogliosi, che ricordano la fragilità della vita. La composizione è coronata da due grandi fiori che hanno un significato positivo. L'iride blu rappresenta la remissione dei peccati e indica la possibilità di salvezza attraverso la virtù. Il papavero rosso, tradizionalmente associato al sonno e alla morte, ha cambiato interpretazione a causa della sua posizione nel bouquet: qui rappresenta il sacrificio espiatorio di Cristo.

Altri simboli di salvezza sono le spighette di pane e una farfalla seduta su uno stelo rappresenta un'anima immortale.

Jan Baumann.
Fiori, frutti e una scimmia. Prima metà del XVII secolo.

Dipinto di Jan Bauman "Fiori, frutti e una scimmia" - buon esempio stratificazione semantica e ambiguità della natura morta e degli oggetti su di essa. A prima vista, la combinazione di piante e animali sembra casuale. In effetti, questa natura morta ricorda anche la caducità della vita e la peccaminosità dell'esistenza terrena. Ogni oggetto raffigurato trasmette una certa idea: una lumaca e una lucertola questo caso indicare la mortalità di tutto ciò che è terreno; un tulipano adagiato vicino a una ciotola di frutta simboleggia il rapido appassimento; le conchiglie sparse sul tavolo suggeriscono uno spreco di denaro; e una scimmia con una pesca indica il peccato originale e la depravazione. D'altra parte, una farfalla svolazzante e frutti: grappoli d'uva, mele, pesche e pere - parlano dell'immortalità dell'anima e del sacrificio espiatorio di Cristo. Su un altro livello allegorico, i frutti, i frutti, i fiori e gli animali presentati nell'immagine rappresentano i quattro elementi: conchiglie e lumache - acqua; farfalla: aria; frutti e fiori: la terra; la scimmia è il fuoco.

Natura morta in una macelleria

Pietro Artsen.
La Macelleria, ovvero La Cucina con la Fuga in Egitto. 1551

L'immagine della macelleria è stata tradizionalmente associata all'idea della vita fisica, alla personificazione dell'elemento terra, e anche alla golosità. In un dipinto di Peter Aartsen

quasi tutto lo spazio è occupato da una tavola stracolma di cibo. Vediamo molti tipi di carne: pollame ucciso e carcasse macellate, fegato e prosciutto, prosciutti e salsicce. Queste immagini simboleggiano l'eccesso, la gola e l'attaccamento ai piaceri carnali. Ora rivolgiamo la nostra attenzione allo sfondo. Sul lato sinistro dell'immagine, nell'apertura della finestra, è collocata la scena evangelica della fuga in Egitto, che contrasta nettamente con la natura morta in primo piano. La Vergine Maria porge l'ultimo pezzo di pane ad una povera ragazza. Si noti che la finestra si trova sopra il piatto, dove due pesci giacciono trasversalmente (un simbolo della crocifissione) - un simbolo del cristianesimo e di Cristo. A destra in profondità c'è una taverna. Una compagnia allegra siede a un tavolo accanto al fuoco, bevendo e mangiando ostriche, che, come ricordiamo, sono associate alla lussuria. Accanto al tavolo è appesa una carcassa macellata, a indicare l'inevitabilità della morte e la caducità delle gioie terrene. Un macellaio in camicia rossa diluisce il vino con l'acqua. Questa scena riecheggia l'idea principale della natura morta e si riferisce alla parabola di figliol prodigo. La scena nell'osteria, così come la macelleria piena di cibo, parla di una vita oziosa, dissoluta, di attaccamento ai piaceri terreni, piacevoli per il corpo, ma distruttivi per l'anima. Nella scena della fuga in Egitto, i personaggi sono praticamente rivolti verso lo spettatore: si muovono più in profondità nell'immagine, lontano dalla macelleria. Questa è una metafora per una fuga da una vita dissoluta piena di gioie sensuali. Rinunciare a loro è un modo per salvare la tua anima.

Natura morta in una pescheria

La natura morta del pesce è un'allegoria dell'elemento acqua. Tali opere, come le macellerie, facevano spesso parte del cosiddetto ciclo elementare e, di regola, venivano create per decorare le sale da pranzo del palazzo. In primo piano ci sono i dipinti di Frans Snyders Pescheria» raffigura molti pesci. Ci sono trespoli e storioni, carassi, pesci gatto, salmoni e altri frutti di mare. Alcuni sono già stati tagliati, altri aspettano il loro turno. Queste immagini di pesci non portano alcun sottotesto: cantano la ricchezza delle Fiandre.

Frans Snyders.
Pescheria. 1616

Accanto al ragazzo vediamo un cesto con i doni che ha ricevuto per il giorno di San Nicola. Ciò è indicato da scarpe rosse di legno legate al cestino. Oltre a dolci, frutta e noci, nel cestino ci sono anche delle bacchette - come accenno all'educazione con "carota e bastone". Il contenuto del cestino parla delle gioie e dei dolori della vita umana, che si sostituiscono costantemente. La donna spiega al bambino che i bambini obbedienti ricevono doni, mentre i bambini cattivi ricevono punizioni. Il ragazzo si ritrasse inorridito: pensava che invece dei dolci avrebbe ricevuto colpi con le verghe. Sulla destra vediamo un'apertura finestra dalla quale si vede la piazza della città. Un gruppo di bambini sta sotto le finestre e saluta con gioia il burattino-giullare sul balcone. Il giullare è un attributo essenziale delle feste popolari.

Natura morta con tavola apparecchiata

Nelle numerose varianti della tavola sulle tele dei maestri olandesi vediamo pane e torte, noci e limoni, salsicce e prosciutti, aragoste e gamberi, piatti con ostriche, pesce o conchiglie vuote. Puoi capire queste nature morte a seconda dell'insieme degli oggetti.

Gerrit Willems Heda.
Prosciutto e argenteria. 1649

Nel dipinto di Gerrit Willems Heda vediamo un piatto, una brocca, un alto calice di vetro e un vaso rovesciato, un vasetto di senape, un prosciutto, un tovagliolo spiegazzato e un limone. Questo è il set tradizionale e preferito di Kheda. La collocazione degli oggetti e la loro scelta non sono casuali. Gli utensili d'argento simboleggiano le ricchezze terrene e la loro futilità, il prosciutto - piaceri carnali, attraente nell'aspetto e acido all'interno, il limone rappresenta il tradimento. Una candela spenta indica fragilità e transitorietà. esistenza umana, pasticcio sul tavolo - alla distruzione. Un alto "flauto" di vetro (nel XVII secolo tali bicchieri venivano usati come contenitori di misurazione con segni) è fragile, come la vita umana, e allo stesso tempo simboleggia la moderazione e la capacità di una persona di controllare i propri impulsi. In generale, in questa natura morta, come in tante altre "colazioni", con l'aiuto di oggetti, viene messo in risalto il tema della vanità delle vanità e dell'insensatezza dei piaceri terreni.

Pietro Klas.
Natura morta con braciere, aringhe, ostriche e pipa fumante. 1624

La maggior parte degli oggetti raffigurati nella natura morta di Pieter Claesz sono simboli erotici. Le ostriche, la pipa, il vino si riferiscono a brevi e dubbi piaceri carnali. Ma questa è solo una versione della lettura di una natura morta. Guardiamo queste immagini da una prospettiva diversa. Quindi le conchiglie sono simboli della fragilità della carne; una pipa con la quale non solo fumavano, ma anche soffiavano bolla, - un simbolo dell'improvvisa morte. Un contemporaneo di Claes, il poeta olandese Willem Godschalk van Vockenborch, nella poesia "La mia speranza è fumo" scrisse:

Come puoi vedere, essere è come fumare la pipa,
E qual è la differenza? Davvero non lo so:
Uno è solo un gioco da ragazzi, l'altro è solo fumo.

Il tema della caducità dell'esistenza umana si oppone all'immortalità dell'anima, e i segni della fragilità si rivelano improvvisamente simboli di salvezza. Il pane e il bicchiere di vino sullo sfondo sono associati al corpo e al sangue di Gesù e indicano il sacramento del sacramento. L'aringa - un altro simbolo di Cristo - ricorda il digiuno e il cibo quaresimale. E i gusci aperti con le ostriche possono cambiare il loro significato negativo nell'esatto opposto, denotando anima umana separato dal corpo e pronto per entrarvi vita eterna.

Diversi livelli di interpretazione degli oggetti dicono in modo discreto allo spettatore che una persona è sempre libera di scegliere tra lo spirituale, l'eterno e il transitorio terreno.

Vanitas, o natura morta dello "Scienziato".

Il genere della cosiddetta natura morta "da scienziato" era chiamato vanitas - in latino significa "vanità delle vanità", in altre parole - " Memento mori" ("Memento mori"). Questo è il tipo più intellettuale di natura morta, un'allegoria dell'eternità dell'arte, della fragilità della gloria terrena e della vita umana.

Jurian van Streck.
Vanità. 1670

La spada e l'elmo con un lussuoso pennacchio nel dipinto di Jurian van Streck indicano la caducità della gloria terrena. Il corno da caccia simboleggia la ricchezza che non può essere portata con te in un'altra vita. Nelle nature morte "accademiche" ci sono spesso immagini di libri aperti o di documenti con iscrizioni che giacciono con noncuranza. Non solo invitano a pensare agli oggetti raffigurati, ma permettono anche di utilizzarli per lo scopo previsto: leggere pagine aperte o riprodurre musica registrata su un taccuino musicale. Van Streck ha disegnato uno schizzo della testa di un ragazzo e un libro aperto: questa è la tragedia Elettra di Sofocle, tradotta in olandese. Queste immagini indicano che l'arte è eterna. Ma le pagine del libro sono piegate e il disegno è ammaccato. Questi sono segni dell'inizio del danno, suggerendo che anche l'arte non sarà più utile dopo la morte. Il teschio parla anche dell'inevitabilità della morte, ma la spiga di pane che lo avvolge simboleggia la speranza per la risurrezione e la vita eterna. Entro la metà del XVII secolo, un teschio intrecciato con una spiga di pane o un'edera sempreverde sarebbe diventato un soggetto obbligatorio per la rappresentazione nelle nature morte in stile vanitas.

Fenomeno culturale unico XVII secolo chiamato la natura morta floreale olandese, che ha avuto un impatto significativo su tutti ulteriori sviluppi pittura in Europa.

Con amore e attenzione, gli artisti hanno scoperto la bellezza della natura e del mondo delle cose, hanno mostrato la loro ricchezza e diversità. I mazzi di rose, nontiscordardimé e tulipani di Ambrosius Bosschaert il Vecchio, che divenne il fondatore della pittura di nature morte floreali come tendenza indipendente, incantano e attirano lo sguardo.

ABROSIUS BOSHART IL VECCHIO 1573-1621

Bosschaert ha iniziato la sua carriera ad Anversa nel 1588. Dal 1593 al 1613 lavorò a Middelburg, poi a Utrecht (dal 1616) e a Breda.

Le tele di Bosschaert raffigurano spesso farfalle o conchiglie accanto a mazzi di fiori. In molti casi i fiori vengono toccati dall'appassimento, il che introduce nelle tele di Bosshart il motivo allegorico della fragilità dell'essere ( vanità)

Tulipani, rose, garofani bianchi e rosa, nontiscordardime e altri fiori in un vaso.

A prima vista, i mazzi di fiori sembrano dipinti dalla natura, ma dopo un esame più attento diventa evidente che sono costituiti da piante che fioriscono in tempo diverso.L'impressione di naturalezza e plausibilità nasce dal fatto che le immagini colori individuali sulla base di “studi” naturali individuali

Un frammento ingrandito di uno schizzo di Jan Van Huysum conservato al Met.

Jan Baptiste von Fornenbruch. Mezzo 17 ° secolo

Questo era il metodo di lavoro abituale dei pittori di nature morte di fiori. Gli artisti hanno eseguito meticolosi disegni ad acquerello e tempera, traendo fiori dalla natura, in angoli diversi e sotto un'illuminazione diversa, e questi disegni li hanno poi serviti ripetutamente - li hanno ripetuti nelle immagini.

Giacobbe Morrel. "Due Tulipani"

Come materiale di lavoro furono utilizzati anche disegni di altri artisti, incisioni provenienti da collezioni a stampa e atlanti botanici.

I clienti, nobili e borghesi, apprezzavano nelle nature morte che i fiori raffigurati fossero "come vivi". Ma queste immagini non erano naturalistiche. Sono romantici, poetici. La natura in loro si trasforma attraverso la pittura.

Natura morta con fiori in un vaso 1619

“Ritratti” di fiori, dipinti su pergamena ad acquerello e tempera, furono creati per album floristici, in cui i giardinieri cercavano di perpetuare piante stravaganti. Soprattutto numerose immagini di tulipani. Quasi ogni natura morta olandese contiene tulipani.

Ambrosius Bosschaert "Fiori in un vaso" 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.

Nel XVII secolo in Olanda c'è stato un vero boom dei tulipani, a volte una casa veniva ipotecata per un raro bulbo di tulipano.
I tulipani arrivarono in Europa nel 1554. Furono inviati ad Augusta dall'ambasciatore tedesco presso la corte turca, Busbek. Durante il suo viaggio attraverso il paese, rimase affascinato dalla vista di questi fiori delicati.

Ben presto i tulipani si diffusero in Francia e Inghilterra, in Germania e in Olanda. I proprietari di bulbi di tulipano a quei tempi erano persone veramente ricche: persone di sangue reale o persone a loro vicine. A Versailles si sono svolte speciali celebrazioni solenni in onore dell'allevamento di nuove varietà.

Natura morta con fiori.
Non solo i nobili olandesi, ma anche i comuni borghesi potevano permettersi di possedere bellissime nature morte.

Il numero di nature morte floreali olandesi è enorme, ma ciò non le toglie nulla. valore artistico. Dopo le aste situazione economica L'Olanda non divenne brillante, collezioni pittoresche dalle case dei borghesi finirono nei palazzi dei nobili e dei re europei.

Mazzo di fiori 1920

Al centro di questo bouquet vediamo un croco, ma è enorme, alcune informazioni su questo fiore le conosciamo.

Il croco è una pianta medicinale, afrodisiaca e colorante. Dai suoi stami si ottiene una spezia meravigliosa: lo zafferano, che viene aggiunto ai dolci orientali. La patria del croco è la Grecia e Asia minore. Proprio come i giacinti e i gigli, il croco divenne l'eroe dei miti degli antichi greci, raffigurato nelle scene dei murali dei palazzi.

Secondo l'antica leggenda, la terra era ricoperta di giacinti e crochi in occasione delle nozze e della prima notte di nozze di Era e Zeus.

Un'altra leggenda descrive la storia di un giovane di nome Crocus, che attirò l'attenzione di una ninfa con la sua bellezza, ma rimase indifferente alla sua bellezza. Quindi la dea Afrodite trasformò il giovane in un fiore e la ninfa in un convolvolo, creando così un'unione inseparabile.

Fiori in un vaso di vetro.

Il desiderio degli artisti di diversificare la composizione dei loro bouquet li ha spinti a viaggiare diverse città, e realizza disegni naturali nei giardini degli amanti dei fiori ad Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem, Leiden. Anche gli artisti dovevano aspettare il cambio delle stagioni per catturare il fiore giusto.

Fiori. 1619

Fiori in un vaso cinese.

Fiori in un cestino.

Natura morta con fiori in una nicchia.

Fiori in una nicchia.

Nelle nature morte di frutta e fiori, la combinazione apparentemente casuale di rappresentanti di flora e fauna esteriormente non correlati incarnava indirettamente l'idea della peccaminosità mortale di tutto ciò che è terreno e, al contrario, dell'incorruttibilità della vera virtù cristiana.

Quasi ogni "personaggio" di una natura morta lingua difficile i simboli denotavano una certa idea: la mortalità di tutto ciò che è terreno (ad esempio lucertole o lumache), la stupida peccaminosità e fragilità della vita umana, che potrebbe essere simboleggiata, in particolare, da un tulipano.

Fiori in un vaso di vetro.1606

Secondo le idee dei fiamminghi e degli olandesi, questo fiore delicato non era solo l'incarnazione visibile di una bellezza che stava rapidamente svanendo, ma la sua coltivazione era percepita da molti come una delle professioni più vane ed egoistiche);

Le conchiglie esotiche d'oltremare, che erano oggetti da collezione alla moda, suggerivano uno spreco di denaro; La scimmia con la pesca è tradizionalmente considerata simbolo del peccato originale.

Natura morta con fiori in una bottiglia di vetro verde.

D'altra parte, una mosca sulla stessa pesca o rosa evocava solitamente associazioni con il simbolismo della morte, del male e del peccato; uva e noci spezzate - alludono alla Caduta e, allo stesso tempo, al sacrificio espiatorio di Cristo sulla croce, Bacche rosse di ciliegie mature - un simbolo dell'amore divino, mentre una farfalla svolazzante - personifica l'anima salvata dei giusti.

Cestino.

La direzione artistica di Ambrosius Bosschaert ha continuato a svilupparsi con i suoi tre figli: Ambrosius Bosschaert il Giovane, Abraham Bosschaert e Johannes Bosschaert, nonché suo genero Balthasar van der Ast. Le loro opere, generalmente molto numerose, sono invariabilmente richieste a aste d'arte.

Fonti.

Pieter Klass "Colazione con prosciutto" 1647

Gli esperti dicono che ogni natura morta ha il suo significato nascosto cosa comprensibile ai contemporanei. E possiamo solo immaginare cosa e a chi l'artista abbia voluto dire.

G La natura morta olandese del XVII secolo è caratterizzata da una ristretta specializzazione dei maestri olandesi all'interno del genere. Il tema "Fiori e frutti" include, di regola, una varietà di insetti. I "trofei di caccia" sono, prima di tutto, trofei di caccia: uccelli morti e selvaggina. "Colazioni" e "Dessert", così come immagini di pesci - vivi e addormentati, vari uccelli - sono solo una parte dei più argomenti famosi Nature morte.

Nel loro insieme, questi singoli appezzamenti caratterizzano lo stretto interesse degli olandesi per gli appezzamenti Vita di ogni giorno, e i loro passatempi preferiti, e la passione per l'esotico di terre lontane (nelle composizioni ci sono conchiglie e frutti stravaganti). Spesso nelle opere con motivi di natura "viva" e "morta" viene posto un sottotesto simbolico, facilmente comprensibile per uno spettatore colto del XVII secolo.

Così, l'accostamento di singoli oggetti potrebbe fungere da accenno alla fragilità dell'esistenza terrena: rose appassite, un bruciatore di incenso, una candela, un orologio; o associati ad abitudini moralmente condannate: torce, pipe fumanti; o indicato storia d'amore; scrittura, strumenti musicali, braciere. Non c'è dubbio che il significato di queste composizioni sia molto più ampio del loro contenuto simbolico.

Le nature morte olandesi attraggono, prima di tutto, con le loro espressività artistica completezza, capacità di rivelare la vita spiritualizzata del mondo oggettivo.

A differenza dei fiamminghi, che preferiscono dipinti di grandi dimensioni con abbondanza di tutti i tipi di oggetti, i pittori olandesi si limitano a pochi oggetti di contemplazione, lottando per la massima unità compositiva e cromatica. La natura morta ("Stilleven" - che significa "vita tranquilla" in olandese) è un ramo peculiare e piuttosto popolare della pittura olandese.

Natura morta olandese del XVII secolo

Pieter Klass "Pipa e braciere" 1636

Balthasar van der Ast "Natura morta con frutta"

Balthasar van der Ast "Piatto con frutta e conchiglie" 1630

Melchior de Hondekuter "Gli uccelli nel parco"

Bartolomeo van der Hels nuovo mercato ad Amsterdam" 1666

Willem Klass Hedp "Colazione con granchio" 1648

Ferdinand Bol "Brutto gioco"

Abraham Mignon "Frutti"

Melchior de Hondekuter "Trofei di caccia"

Johannes Lemans "Caccia alla natura morta"

Martin Bullema de Stomme. "Natura morta con coppa Nautilus"

Willem Heda. "Natura morta con prosciutto". 1656

Jan Brueghel il Vecchio. "Fiori in un vaso di legno". 1606/07

Ambrosius Bosshart il Vecchio. "Mazzo di fiori in una nicchia." 1618

Balthasar van der Ast. "Cesto di fiori". 1622

Hans Bollongier. "Natura morta di fiori". 1639

Nicola Gillis. "Tavola apparecchiata". 1611

Floris van Dijk. "Natura morta con formaggio". OK. 1615

Jacob van Huelsdonk. Natura morta con carciofi, ravanelli, asparagi, prugne e pesche in un cestino. 1608-1647

Clara Peters. "Tavola servita". 1611

Willem Claesz Heda. "Natura morta con una brocca d'argento e una torta." 1645

Pietro Klas. "Natura morta con saliera". OK. 1644

Gerrit Willems Heda. "Natura morta con brocca di terracotta"

Floris Gerrits van Schoten. Natura morta con frutta, verdura e scena della cena in Emmaus. 1630

Cornelis Delff. "Natura morta in cucina" 1610-1620

La natura morta olandese ispira e artisti contemporanei, un tempo era una sorta di svolta che non poteva passare inosservata. La natura morta olandese è interessante non solo per gli intenditori di pittura, ti invito a goderti i dipinti e la storia.

La natura morta olandese aveva diverse direzioni, ad esempio, le immagini di selvaggina e di un uccello battuto erano molto popolari, questo apparteneva alla categoria "Trofei di caccia", ora mi sembra che queste nature morte "amatoriali" non siano molto piacevoli da guardare alle carcasse di animali, ma nel XVII secolo era più facile identificarsi con questo.

Melchior de Hondekuter "Trofei di caccia"

Un'altra direzione della natura morta olandese è Colazione e dessert, immagini di cibi cotti, che sono più piacevoli, spesso nei dipinti si potevano vedere frutti di mare, pollame e un'abbondanza di frutta.

BALTHAZAR VAN DER AST "Piatto con frutta e conchiglie" 1630 g

La tendenza più piacevole della natura morta olandese del XVII secolo è quella dei fiori e dei frutti, che potrebbero essere raffigurati insieme in un unico dipinto, quasi sempre nei dipinti c'è un'immagine di insetti, spesso farfalle.

BALTHASAR VAN DER AST "Natura morta con frutta"

Natura morta olandese significato simbolico, non era solo un'immagine di prodotti, fiori, ecc. l'idea principale caratteristica della natura morta olandese di quel tempo era la caducità di tutto ciò che è terreno e l'inevitabilità della morte. Con l'aiuto di oggetti simbolici come orologi, rose appassite, una candela, gli artisti dicevano che nulla dura per sempre in questo mondo. Inoltre, alcuni oggetti indicavano abitudini condannate dalla moralità, come fumare la pipa, o intrighi attraverso la scrittura, strumenti musicali ecc. Sfortunatamente, in pittura moderna il simbolismo è perduto e anche gli esperti di pittura non riescono a spiegare il significato di tutti i simboli della pittura olandese XVII secolo... E in quei tempi lontani, gli olandesi si riunivano la sera nella casa del proprietario di una natura morta, la esaminavano e abbiamo discusso sul significato di questo o quel simbolo: sbiadito Corona di alloro- transitorietà della fama, vanità delle monete, ecc.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Tieni presente che nei dipinti di artisti olandesi del XVII secolo, i fiori sembrano tratti dalla natura, ma non è sempre stato così, perché le composizioni sono costituite da piante da fiore e da frutto in tempi diversi. , gli artisti lo hanno dipinto con cura in diverse luci, da diverse angolazioni, ecc., era un pezzo grezzo, che gli artisti hanno poi utilizzato più volte nelle loro nature morte. Per arricchire le loro nature morte Artisti olandesiè andato a realizzare disegni di fiori nei giardini di famosi amanti dei fiori ad Amsterdam, Bruxelles, Leida, ecc.

Le nature morte floreali in Olanda erano popolari tra i nobili e la nobiltà, in quasi tutti natura morta di fiori Nel XVII secolo i tulipani erano presenti in Olanda, mentre il paese stava vivendo un boom dei tulipani. Una casa poteva essere ipotecata per un raro bulbo di tulipano, coltivare tulipani era considerato un privilegio degli aristocratici. C'è un caso noto in cui un mugnaio scambiava il suo mulino con un bulbo di tulipano, un bulbo di tulipano era considerato una buona dote. monocolore, meno spesso bicolore. Ora puoi capire perché i tulipani si incontrano spesso nelle nature morte degli artisti olandesi.

Jan Davids de Heem
Jan Davids de Heem

Una delle più artisti famosi chi ha scritto natura morta olandese era Jan Davidsz de Heem, i suoi dipinti erano molto popolari e si distinguevano per la ricchezza di colori, il realismo e un alto grado di trasparenza dei colori.

Alcune delle più belle nature morte olandesi di Jan Davidsz de Heem.