Dipinto olandese del XVII secolo Natura morta. Natura morta in una pescheria. Temi e immagini pittoriche

Le prime nature morte da cavalletto apparvero nel 1600 ad opera di Jan Brueghel e Ambrosius Bosschaert ed erano composizioni di molti fiori abilmente disposte, spesso collocate in un prezioso vaso di vetro veneziano o in porcellana cinese.


Jan Brueghel Velluto. "Natura morta". 1598. Kunsthistorisches Museum, Vienna.

Ambrosius Bosschaert "Fiori in un vaso" 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.

Balthasar van der Ast. "Natura morta con fiori".1632. Rijksmuseum, Amsterdam.

Natalia Markova,
capo del dipartimento di grafica del Museo Pushkin im. A, S, Puskin

Natura morta nell'Olanda del XVII secolo

Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono stati espulsi dall'immagine. "Cornici" con una natura morta si trovano in molti dipinti di artisti olandesi del XVI secolo. È facile da rappresentare nella forma autodipinto tavola apparecchiata da ritratto di famiglia» Martin van Heemskerk (1530 circa. Museo statale, Kassel) ovvero un vaso di fiori da una composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel fece qualcosa del genere, scrivendo all'inizio del XVII secolo. le prime nature morte floreali indipendenti. Apparvero intorno al 1600: questa volta è considerata la data di nascita del genere.

Martin van Hemskerk. Ritratto di famiglia. Frammento. OK. 1530. Musei statali, Kassel.

In quel momento il O va per definirlo non esisteva ancora. Il termine "natura morta" ha origine in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa “natura morta”, “natura morta” (nature morte). In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti erano chiamati “stillleven”, che può essere tradotto sia come “natura morta, modello”, sia come “vita tranquilla”, che trasmette in modo molto più accurato le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale entrò in uso solo a partire dal 1650, e fino a quel momento i dipinti furono chiamati secondo la trama dell'immagine: b lumentopf - un vaso di fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutta, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - dipinti raffiguranti un teschio. Già da questa enumerazione risulta evidente quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, tutto il mondo oggettivo che li circondava sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.

Abraham van Beuren. Natura morta con aragoste. XVII secolo.Kunsthaus, Zurigo

Nell'arte, ciò significò una rivoluzione non inferiore a quella che gli olandesi fecero nella sfera economica e sociale, avendo ottenuto l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia e Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, dipinti e affreschi su temi della mitologia antica per sale del palazzo, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute degli angoli del loro paesaggio nativo, balli durante una vacanza in villaggio o un concerto casalingo in una casa borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di appuntamenti, tavole apparecchiate con la colazione o il dessert, cioè, la natura è "bassa", senza pretese, non oscurata dalla tradizione poetica antica o rinascimentale, fatta eccezione forse per la poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d’Europa era stridente.

I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e erano destinati a decorare le stanze delle case dei cittadini, e persino dei residenti rurali, di quelli più ricchi. Successivamente, nel XVIII e XIX secoli, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, queste collezioni di dipinti nazionali furono ampiamente vendute alle aste e acquisite volentieri in collezioni reali e aristocratiche in tutta Europa, da dove alla fine migrarono in principali musei pace. Quando dentro metà del diciannovesimo V. gli artisti di tutto il mondo si dedicarono alla rappresentazione della realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.

Jan Venix. Natura morta con pavone bianco. 1692. Eremo di Stato, San Pietroburgo

caratteristica Pittura olandese c'era una specializzazione degli artisti per genere. All'interno del genere della natura morta, c'era persino una divisione in argomenti separati, e diverse città avevano i loro tipi preferiti di natura morta, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava radicalmente la sua arte e iniziava a dipingere quelle varietà di il genere che era popolare in questo posto.

Haarlem divenne la città natale del aspetto caratteristico Natura morta olandese - "colazione". I dipinti di Pieter Claesz raffigurano una tavola imbandita con piatti e stoviglie. Un piatto di peltro, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: una selezione parsimoniosa e precisa degli oggetti crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine "pittoresco" introdotto nella disposizione delle cose, e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuta dalla trasmissione dell'ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marrone combina gli oggetti in un'unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti individuali di una persona, del suo stile di vita.

Allo stesso modo di Klas, lavorò un altro Harleman, Willem Heda. Il colore dei suoi quadri è fermo Di più subordinato all'unità del tono, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.

Abraham van Beuren. Colazione. XVII secolo. Museo Pushkin im. Pushkin, Mosca

A Utrecht si è sviluppata una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, famoso soprattutto per la sua scrittura meticolosa e i suoi colori chiari.

A L'Aia, il centro dell'industria marittima, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beijeren perfezionarono l'immagine dei pesci e degli altri abitanti del mare, il colore dei loro dipinti proietta una lucentezza di scaglie, in cui macchie di rosa, rosso, i colori blu lampeggiano. L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davidsz de Heem, con oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrena (armature, libri, attributi artistici, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti), il teschio o clessidra come promemoria della caducità della vita. Una natura morta da "cucina" più democratica ha avuto origine a Rotterdam nell'opera di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e le sue migliori realizzazioni sono associate ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.

A metà del secolo, il tema delle modeste "colazioni" si trasforma, nelle opere di Willem van Aelst, Urian van Streck e, in particolare, Willem Kalf e Abraham van Beyeren, in lussuosi "banchetti" e "dessert". Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per l'eleganza e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni "monocromatiche" vengono sostituite da colori succosi, riccamente saturi e dorati. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori dei dipinti di Kalf dall'interno, poetizzando il mondo oggettivo.

Willem Kalf. Natura morta con un calice - nautilus e una ciotola di porcellana cinese. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Maestri dell'immagine dei "trofei di caccia" e dei "cantieri di uccelli" furono Jan-Baptiste Veniks, suo figlio Jan Veniks e Melchior de Hondekuter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la sistemazione delle tenute e l'intrattenimento mediante la caccia. La pittura degli ultimi due artisti mostra un aumento della decoratività, del colore e del desiderio di effetti esterni.

La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità fu apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX, che videro nelle nature morte, prima di tutto, e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per se stessi XVII olandese per secoli questi dipinti furono carichi di significato, offrirono cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, l'inutilità delle aspirazioni umane, indirizzando i loro pensieri verso riflessioni filosofiche sul significato della vita umana.

Un fenomeno straordinario nella storia delle belle arti mondiali ha avuto luogo nel Nord Europa XVII secolo. È noto come natura morta olandese ed è considerato uno dei pinnacoli della pittura a olio.

Gli intenditori e i professionisti lo hanno ferma convinzione, qual è l'importo grandi maestri, che possedevano la tecnologia più avanzata e crearono così tanti capolavori di livello mondiale, mentre vivevano in una piccola parte del continente europeo, non sono mai stati visti nella storia dell'arte.

Il nuovo significato del mestiere dell'artista

La particolare importanza che da allora ha acquisito la professione di artista in Olanda inizio XVII secolo, fu il risultato dell'emergere, dopo le prime rivoluzioni antifeudali, degli inizi di un nuovo sistema borghese, la formazione di una classe di borghesi urbani e contadini ricchi. Per i pittori, questi erano potenziali clienti che plasmavano la moda delle opere d'arte, rendendo la natura morta olandese un bene ricercato nel mercato emergente.

Nelle terre settentrionali dei Paesi Bassi, le tendenze riformiste del cristianesimo, sorte nella lotta contro il cattolicesimo, divennero l'ideologia più influente. Anche questa circostanza fece della natura morta olandese il genere principale di interi laboratori artistici. I leader spirituali del protestantesimo, in particolare i calvinisti, negarono il valore salvifico della scultura e della pittura a soggetto religioso, espulsero addirittura la musica dalle chiesa, che costrinse i pittori a cercare nuovi soggetti.

Nelle vicine Fiandre, che rimasero sotto l’influenza dei cattolici, arte si svilupparono secondo altre leggi, ma la vicinanza territoriale causò l'inevitabile influenza reciproca. Gli studiosi - storici dell'arte - trovano molte cose che uniscono l'olandese e Natura morta fiamminga, notando le loro differenze cardinali e le caratteristiche uniche.

Natura morta di fiori precoci

Il genere "puro" della natura morta, apparso nel XVII secolo, assume forme speciali in Olanda e il nome simbolico "vita tranquilla" - stilleven. In molti modi, la natura morta olandese è diventata un riflesso attività violenta La Compagnia delle Indie Orientali, che portava dall'Oriente beni di lusso mai visti prima in Europa. Dalla Persia l'azienda portò i primi tulipani, che in seguito divennero il simbolo dell'Olanda, e furono i fiori raffigurati nei dipinti a diventare la decorazione più apprezzata per edifici residenziali, numerosi uffici, negozi e banche.

Lo scopo delle composizioni floreali magistralmente dipinte era diverso. Decorando case e uffici, enfatizzavano il benessere dei loro proprietari, e per i venditori di piantine di fiori, bulbi di tulipani, erano quello che oggi viene chiamato un prodotto pubblicitario visivo: poster e opuscoli. Pertanto, la natura morta olandese con fiori è, prima di tutto, una rappresentazione botanicamente accurata di fiori e frutti, allo stesso tempo piena di molti simboli e allegorie. Queste sono le migliori tele di interi laboratori, guidati da Ambrosius Bosschaert il Vecchio, Jakob de Hein il Giovane, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar e altri.

Tavola apparecchiata e colazioni

La pittura in Olanda nel XVII secolo non poteva sfuggire all'influenza del nuovo relazioni pubbliche e sviluppo economico. La natura morta olandese del XVII secolo era un bene redditizio e furono organizzati grandi laboratori per "produrre" dipinti. Oltre ai pittori, tra i quali apparivano una rigorosa specializzazione e divisione del lavoro, lì lavoravano coloro che preparavano le basi per i dipinti: tavole o tele, primerizzate, realizzate cornici, ecc .. La feroce concorrenza, come in ogni relazione di mercato, ha portato ad un aumento nella qualità delle nature morte di altissimo livello.

La specializzazione di genere degli artisti assunse anche un carattere geografico. composizioni floreali furono scritti in molte città olandesi: Utrecht, Delft, L'Aia, ma fu Haarlem a diventare il centro per lo sviluppo di nature morte raffiguranti tavole servite, cibo e piatti pronti. Tali tele possono variare in scala e carattere, da complesse e multisoggetto a concise. C'erano le "colazioni": nature morte di artisti olandesi raffiguranti le diverse fasi del pasto. Descrivono la presenza di una persona sotto forma di briciole, panini morsicati, ecc storie interessanti pieno di allusioni e simboli moralizzanti comuni ai dipinti di quel tempo. Particolarmente significativi sono i dipinti di Nicholas Gillis, Floris Gerrits van Schoten, Clara Peters, Hans Van Essen, Rulof Koots e altri.

Natura morta tonale. Pieter Claesz e Willem Claesz Heda

Per i contemporanei, i simboli di cui è satura la tradizionale natura morta olandese erano rilevanti e comprensibili. I dipinti erano simili nel contenuto ai libri di più pagine e per questo erano particolarmente apprezzati. Ma esiste un concetto che non è meno impressionante sia per gli intenditori moderni che per gli amanti dell'arte. Si chiama "natura morta tonale" e la cosa principale in essa è la massima abilità tecnica, una colorazione sorprendentemente raffinata, una straordinaria abilità nella trasmissione. sottili sfumature illuminazione.

Queste qualità sono in ogni modo coerenti con le tele di due importanti maestri, i cui dipinti sono considerati i migliori esempi di natura morta tonale: Pieter Claesz e Willem Claesz Head. Hanno scelto composizioni da un piccolo numero di oggetti privi di colori luminosi e un carattere decorativo speciale, che non ha impedito loro di creare cose di straordinaria bellezza ed espressività, il cui valore non diminuisce nel tempo.

vanità

Il tema della caducità della vita, dell'uguaglianza prima della morte sia del re che del mendicante, era molto popolare nella letteratura e nella filosofia di quel periodo di transizione. E nella pittura, ha trovato espressione in dipinti raffiguranti scene, il cui elemento principale era il teschio. Questo genere era chiamato vanitas - dal latino "vanità delle vanità". La popolarità delle nature morte, simili ai trattati filosofici, fu promossa dallo sviluppo della scienza e dell'istruzione, il cui centro era l'Università di Leida, famosa in tutta Europa.

Vanitas occupa un posto serio nell'opera di molti maestri olandesi dell'epoca: Jacob de Gein il Giovane, David Gein, Harmen Stenwijk e altri. I migliori campioni Le "vanitas" non sono semplici storie dell'orrore, non provocano orrore inspiegabile, ma contemplazione calma e saggia, piena di pensieri sulle cose più problemi importanti essendo.

Finti dipinti

I dipinti sono stati la decorazione più popolare degli interni olandesi sin dal tardo Medioevo, cosa che la crescente popolazione delle città poteva permettersi. Per interessare gli acquirenti, gli artisti hanno fatto ricorso a vari trucchi. Se l'abilità lo consentiva, creavano "trucchi" o "trompe-l'oeil", dal francese trompe-l "oeil - un'illusione ottica. Il punto era che una tipica natura morta olandese è fiori e frutti, un uccello spezzato e pesci, o oggetti legati alla scienza - libri, strumenti ottici, ecc. - contenevano una completa illusione di realtà. Un libro che è uscito dallo spazio del quadro e sta per cadere, una mosca che si è posata su un vaso che che vuoi sbattere sono le trame tipiche di un dipinto falso.

I dipinti dei principali maestri della natura morta nello stile di "tromple" - Gerard Dou, Samuel van Hoogstraten e altri - spesso raffigurano una nicchia incassata nel muro con scaffali su cui ci sono molte cose diverse. L'abilità tecnica dell'artista nel trasmettere trame e superfici, luci e ombre era così grande che la mano stessa ha raggiunto un libro o un bicchiere.

Orario della fioritura e ora del tramonto

Entro la metà del XVII secolo, le principali varietà di natura morta nei dipinti dei maestri olandesi raggiunsero il loro apice. La natura morta “lussuosa” sta diventando popolare, perché la ricchezza dei borghesi cresce e piatti ricchi, tessuti preziosi e abbondanza di cibo non sembrano estranei all'interno di una casa di città o di una ricca tenuta rurale.

I dipinti aumentano di dimensioni, stupiscono per il numero di trame diverse. Allo stesso tempo, gli autori sono alla ricerca di modi per aumentare l'intrattenimento per lo spettatore. Per fare questo, la tradizionale natura morta olandese - con frutti e fiori, trofei di caccia e piatti di vari materiali - è completata da insetti esotici o piccoli animali e uccelli. Oltre a creare le solite associazioni allegoriche, l'artista spesso le introduceva semplicemente emozioni positive, per aumentare l'attrattiva commerciale del terreno.

I maestri della "lussuosa natura morta" - Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf - divennero i precursori del tempo a venire, quando una maggiore decoratività divenne importante, creando un'impressione impressionante.

Fine dell'età dell'oro

Le priorità e la moda cambiarono, l'influenza del dogma religioso sulla scelta dei soggetti per i pittori svanì gradualmente nel passato, il concetto stesso di età dell'oro, che la pittura olandese conosceva, si stava ritirando nel passato. Le nature morte sono entrate nella storia di quest'epoca come una delle pagine più importanti e impressionanti.

Oggi ne incontreremo uno i migliori artigiani Natura morta di lusso olandese WILLEM KALF 1619-1693

Willem Kalf era il sesto figlio di un ricco commerciante di tessuti di Rotterdam e membro del consiglio comunale di Rotterdam. Il padre di Willem morì nel 1625 quando il ragazzo aveva 6 anni. La madre continuò l'attività di famiglia, ma senza molto successo.

Non sono stati conservati dati su quale degli artisti con cui Kalf abbia studiato; forse il suo insegnante era Hendrik Pot di Haarlem, dove vivevano i parenti dei Kalf. Poco prima della morte di sua madre nel 1638, Willem se ne andò città natale e si trasferì all'Aia, e poi nel 1640-41. si stabilì a Parigi.

Là, grazie a loro interni contadini ”, scritto nella tradizione fiamminga, vicino al lavoro di David Teniers e altri artisti del XVII in., Kalf ottenne rapidamente il riconoscimento.

Sui suoi interni rustici figure umane erano piuttosto sullo sfondo e tutta l'attenzione dello spettatore era concentrata su frutta, verdura e vari articoli per la casa ben illuminati, colorati e sapientemente disposti.

Qui creò una nuova forma di natura morta raggruppata ad arte con oggetti costosi e riccamente decorati (per lo più bottiglie, piatti, bicchieri) realizzati con materiali che riflettono la luce: oro, argento, peltro o vetro. Questa maestria dell'artista raggiunse l'apice nel periodo di Amsterdam del suo lavoro in ammaliatore " NATURA MORTA LUSSUOSA»

Natura morta con corno potorio della corporazione dei tiratori di San Sebastiano, aragosta e bicchieri - Willem Kalf. Circa 1653.

Questa natura morta è una delle più famose.

Fu creato nel 1565 per la corporazione degli arcieri di Amsterdam. Quando l'artista lavorava a questa natura morta, il corno veniva ancora utilizzato durante le riunioni delle corporazioni.

Questo meraviglioso vaso è fatto di corno di bufalo, la montatura è d'argento, se guardi da vicino, puoi vedere figure in miniatura di persone nel disegno del corno - questa scena ci racconta la sofferenza di San Pietro. Sebastiano, patrono degli arcieri.

La tradizione di aggiungere il limone sbucciato al vino renano deriva dal fatto che gli olandesi consideravano questo tipo di vino troppo dolce.

Un'aragosta, un corno da vino con una scintillante cornice d'argento in filigrana, bicchieri trasparenti, un limone e un tappeto turco sono resi con una cura così sorprendente che c'è l'illusione che siano reali e puoi toccarli con mano.

Il luogo in cui posizionare ciascun oggetto è scelto con tale cura che il gruppo nel suo insieme forma un'armonia di colore, forma e consistenza. Luce calda avvolgere gli oggetti, donando loro la dignità di preziosi gioielleria, e la loro rarità, splendore e stravaganza riflettono i gusti raffinati dei collezionisti olandesi del XVII secolo, un'epoca in cui i dipinti di natura morta erano straordinariamente popolari.

Natura morta con brocca e frutta. 1660

Nel 1646 Willem Kalf ritornò per un po' a Rotterdam, poi si trasferì ad Amsterdam e Hoorn, dove nel 1651 sposò Cornelia Plouvier, figlia di un ministro protestante.

Cornelia era una nota calligrafa e poetessa, era amica di Konstantin Huygens, il segretario personale dei tre statilder della giovane Repubblica olandese, un poeta rispettato e probabilmente il più esperto conoscitore del mondo teatrale e arte musicale del suo tempo.

Nel 1653 sposi si trasferirono ad Amsterdam, dove ebbero quattro figli. Nonostante la sua ricchezza, Kalf non ebbe mai una casa propria.

Natura morta con una teiera.

Nel periodo di Amsterdam, Kalf cominciò a includere oggetti esotici nelle sue perfette nature morte: vasi cinesi, conchiglie e frutti tropicali fino ad allora invisibili: arance e limoni semi-sbucciati. Questi oggetti furono portati nei Paesi Bassi dall'America, erano oggetti di prestigio preferiti dai ricchi borghesi, che ostentavano la loro prosperità.

Natura morta con nautilus e ciotola cinese.

Gli olandesi amavano e comprendevano un buon interno, una tavola confortevole, dove tutto ciò di cui hai bisogno è a portata di mano, in piatti convenienti - nel mondo materiale che circonda una persona.

Al centro vediamo un elegante calice nautilus fatto di conchiglie, oltre ad un bellissimo vaso cinese, all'esterno è decorato con otto figure in rilievo che rappresentano gli otto immortali del taoismo, una protuberanza sul coperchio è la sagoma di un leone buddista.
Questa natura morta è completata da un tradizionale tappeto persiano Kalf e da un limone con una sottile buccia a spirale.

La piramide degli oggetti affoga nella foschia del crepuscolo, a volte solo i riflessi della luce indicano la forma delle cose. La natura ha creato la conchiglia, l'artigiano l'ha trasformata in un calice, l'artista ha dipinto una natura morta e noi godiamo di tutta questa bellezza. Dopotutto, anche saper vedere la bellezza è un talento.

Natura morta con calice di vetro e frutta, 1655

Come tutte le nature morte di quel tempo, le creazioni di Kalf avevano lo scopo di esprimere l'idea iconografica di fragilità - "memento mori" ("ricorda la morte"), per servire da avvertimento che tutte le cose, vive e inanimate, sono in definitiva transitorie.

Natura morta con frutta e coppa di nautilus.1660g

Kalf, però, era un'altra cosa. Nel corso della sua vita, nutrì un vivo interesse per i giochi di luce e gli effetti luminosi su vari materiali, dalla trama dei tappeti di lana, alla brillante lucentezza degli oggetti metallici in oro, argento o stagno, alla morbida lucentezza della porcellana e dei multi- conchiglie colorate, al misterioso luccichio dei bordi dei più bei bicchieri e vasi in stile veneziano.

Natura morta con una zuppiera cinese.

Dessert Eremo.

Prima del suo arrivo all'Ermitage nel 1915, il dipinto "Dessert" faceva parte della collezione del famoso geografo e viaggiatore russo P.P. Semenov-Tyan-Shansky, grande conoscitore e amante dell'arte olandese e fiamminga.

Un brillante fascio di luce fa uscire dalla semioscurità un cesto di frutta, una pesca su un vassoio d'argento e una tovaglia bianca stropicciata. I calici in vetro e argento riflettono ancora la luce, mentre un sottile calice pieno di vino quasi si confonde con lo sfondo.

L'artista trasmette abilmente la trama di ogni oggetto: un bicchiere, un piatto dipinto in maiolica, un calice dorato, un tappeto orientale, un tovagliolo bianco come la neve. Il dipinto mostra la forte influenza che la pittura di Rembrandt ebbe su Calf: gli oggetti sono mostrati su uno sfondo scuro, luce luminosa come se li ravvivasse, avvolgendoli con il calore di raggi dorati.

Natura morta con vaso di porcellana, brocca in argento dorato e bicchieri

Pronk Natura morta con ciotola Holbein, tazza Nautilus, calice di vetro e piatto di frutta

La composizione delle nature morte di Kalf, pensata nei minimi dettagli, è fornita non solo da regole specifiche, ma anche da una regia unica e complessa.Sveta.

Oggetti di valore - calici sfaccettati, spesso riempiti a metà di vino, appaiono gradualmente dall'oscurità dello sfondo, dopo un po'. Spesso la loro forma è solo sorprendentemente indovinata nella riflessione dei raggi di luce. Nessuno oltre a Kalf è riuscito a rappresentare in modo così realistico la luce che penetra attraverso il guscio di un nautilus. Kalf è giustamente chiamato il "Wermeer della pittura di natura morta", e in alcuni punti Kalf lo ha superato.

Dal 1663 Kalf scrisse meno, si dedicò al commercio d'arte e divenne un ricercato esperto d'arte.

Willem Kalf è morto all'età di 74 anni dopo aver subito un infortunio dovuto a una caduta mentre tornava a casa da una visita.

Grazie alle sue capacità visive uniche, abbinate ad un'eccellente istruzione e ad una vasta conoscenza dell'arte Scienze naturali ha notevolmente ampliato le possibilità illusionistiche della natura morta. Le sue creazioni sono esempi insuperabili di quest'arte.

L'emergere del genere della "natura morta" nei Paesi Bassi è un dono del protestantesimo. In epoca cattolica la Chiesa era il principale cliente degli artisti e, naturalmente, la pittura era limitata a soggetti religiosi ed edificanti. Il calvinismo non riconosceva le icone e l'arte sacra in generale. I pittori stavano guardando nuovo mercato vendita, e la trovammo nelle case degli albergatori, dei mercanti e dei contadini.

In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti erano chiamati “stillleven”, che può essere tradotto sia come “natura morta, modello”, sia come “vita tranquilla”, che trasmette in modo molto accurato le specificità della natura morta olandese.
Il centro dell'attenzione degli artisti discendeva dal cielo sulla terra, ora erano interessati non a pie riflessioni, ma a uno studio attento dei dettagli del mondo materiale. Ma nella Creazione cercavano il Creatore.

“Il Signore ci ha dato due libri: il libro della Scrittura e il libro della Creazione. Dal primo apprendiamo la Sua grazia di Salvatore, dal secondo la grandezza del Creatore", ha scritto il filosofo medievale Alan di Lille. Anche la creazione partecipa alla storia della salvezza: l'uomo cade attraverso la mela, e attraverso il pane e il vino riconquista la salvezza. Anche il simbolismo contenuto nell'immagine è rimasto delle tradizioni precedenti.

I primi ancora sono semplici: pane, bicchiere di vino, frutta, pesce, pancetta. Ma tutti gli oggetti in essi contenuti sono simbolici: il pesce è un simbolo di Gesù Cristo; carne: carne mortale; coltello: un simbolo della vittima; limone: un simbolo di sete insaziabile; qualche noce in un guscio: un'anima vincolata dal peccato; la mela ricorda l'autunno; vino o uva: un simbolo del sangue; il pane è un simbolo della carne di Cristo. La fragilità dell'esistenza terrena è ricordata da insetti, teschi umani, piatti rotti e selvaggina morta, spesso inclusa nella composizione delle tele. La conchiglia è una conchiglia lasciata da una creatura che un tempo la abitava, i fiori appassiti sono simbolo di morte. Una farfalla nata da un bozzolo significa resurrezione.

Come risultato delle attività della Compagnia olandese delle Indie Orientali, che equipaggiava le navi mercantili Lontano est, spezie, porcellana cinese, seta e altri beni esotici venivano venduti nei negozi olandesi. Inoltre, si formarono colonie olandesi al Capo di Buona Speranza, in Indonesia, nel Suriname, nelle Antille e in tutta l'Asia. Le colonie arricchirono il paese e le nature morte cominciarono a riempirsi di ricchezza terrena: tovaglie di tappeti, calici d'argento, madreperla. Il cibo semplice fu sostituito da ostriche, prosciutto, frutti esotici. Il simbolismo lascia il posto all'ingenua ammirazione per la creazione delle mani umane.

Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. Nell'ambito del genere della natura morta, c'era persino una divisione in argomenti separati, e in diverse città la natura morta aveva i suoi tipi preferiti, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava radicalmente la sua arte e iniziava a dipingere quelle varietà del genere che erano popolari in questo luogo.

Haarlem divenne il luogo di nascita del tipo più caratteristico di natura morta olandese: la "colazione". I dipinti di Pieter Claesz raffigurano una tavola imbandita con piatti e stoviglie. Un piatto di peltro, un'aringa o un prosciutto, un panino, un bicchiere di vino, un tovagliolo spiegazzato, un limone o un ramo d'uva, posate: una selezione parsimoniosa e precisa degli oggetti crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona.

La presenza di una persona è indicata dal disordine "pittoresco" introdotto nella disposizione delle cose, e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuta dalla trasmissione dell'ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-marrone combina gli oggetti in un'unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti individuali di una persona, del suo stile di vita.

Allo stesso modo di Klas, lavorò un altro Harleman, Willem Heda. Il colore dei suoi dipinti è ancora più subordinato all'unità del tono, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati “colazioni monocromatiche”.

A Utrecht si è sviluppata una natura morta floreale rigogliosa ed elegante. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, famoso soprattutto per la sua scrittura meticolosa e i suoi colori chiari.

L'Università di Leida ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davidsz de Heem, oggetti che incarnano la gloria e la ricchezza terrena (armature, libri, attributi artistici, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono affiancati da un teschio o da una clessidra come un ricordo della caducità della vita.

A metà del secolo, il tema delle modeste "colazioni" si trasforma nelle opere di Willem van Elst, Willem Kalf e Abraham van Beyeren in lussuosi "banchetti" e "dessert". Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per l'eleganza e la ricchezza che si affermò nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni "monocromatiche" vengono sostituite da colori succosi, riccamente saturi e dorati.