C'è molto fermento intorno alla fotografia; questo hobby in forte espansione è praticato da un numero enorme di persone in tutto il mondo. Con la proliferazione di fotocamere per smartphone di alta qualità e fotocamere dedicate poco costose, quasi chiunque può permettersi di dedicarsi alla fotografia. Ma non è così semplice. Ci sono molte insidie ​​​​che i fotografi devono affrontare.

Ecco cinque verità sulla fotografia:

1 Molte attrezzature non ti renderanno un fotografo migliore.

Non fraintendermi, adoro le fotocamere e le videocamere. Nuovi obiettivi e accessori possono rinfrescarti gli occhi e divertirti imparando a conoscere l'attrezzatura, ma non ti renderanno magicamente il miglior fotografo. Diventare bravo fotografo, devi imparare come creare fotografie. L'attrezzatura può aiutare a scattare una foto, ma trovarla bel colpo, costruisci una scena, scegli un'angolazione: questi sono affari del fotografo.

Ogni volta che penso di acquistare una nuova attrezzatura, mi chiedo: “La mia attuale attrezzatura sta limitando le mie capacità?” A volte la risposta è sì. Potrebbe essere un obiettivo per riprese notturne troppo scuro, che non consente di ottenere una foto sufficientemente dettagliata, oppure i limiti della fotocamera non consentono di scattare foto con la risoluzione richiesta dal cliente.

Ma molto spesso la risposta alla domanda se l’attrezzatura inibisca la creatività è no. Il vero motivo Il motivo per cui tutti vogliono comprare qualcosa di nuovo è il desiderio di varietà e l’indulgenza negli espedienti di marketing. Se questa novità non migliora significativamente le foto, non ha senso effettuare un acquisto.

Alcune immagini richiedono attrezzature specifiche. Senza un grande teleobiettivo non è possibile scattare molte fotografie. La foto della luna qui sotto ne è un ottimo esempio.

Ricorda che la buona fotografia viene dal tuo cuore e dalla tua mente, non dal tuo portafoglio.

2 Nessuna abilità

Alcune persone imparano rapidamente l'arte della fotografia, mentre altre la imparano più lentamente. La fotografia è un'arte, non un intrattenimento.

A volte le persone guardano belle foto e dicono che il fotografo è stato fortunato a scattare questa foto. Non stanno cercando di insultare il maestro. Le persone semplicemente non capiscono che ogni buon tiro non è fortuna, ma lavoro scrupoloso. Anni di allenamenti, allenamenti, migliaia di tiri falliti e lunghe ore, giorni, settimane e mesi di viaggio alla ricerca bei posti. Inoltre, la fotografia professionale richiede attrezzature professionali, che costano migliaia di dollari. Tenendo conto di tutto ciò, è impossibile dirlo bella foto- questa è una questione di fortuna. Questo è il risultato lavoro duro e un grande investimento.

Le basi della fotografia possono essere apprese. Con la pratica si arriva alla comprensione di come luce e ombra, linee e oggetti interagiscono per creare una composizione.

3 Devi essere paziente

Molte buone fotografie sono il risultato della paziente attesa di un singolo momento. A volte un fotografo deve stare in piedi e tenere tra le mani una macchina fotografica pesante con un teleobiettivo per decine di minuti. E questo non è sempre giustificato. Spesso il tiro non funziona e bisogna dimostrare una resistenza ancora maggiore.

Succede che le foto escono rapidamente. Quando l'illuminazione converge e la cornice è piena, la foto può essere scattata e ottenuta immediatamente buon risultato, ma questo non sempre avviene. Molto spesso devi cercare a lungo posto perfetto e aspetta.

Molti nuovi fotografi vogliono solo scattare. Non vogliono aspettare e lavorare. Per loro la fotografia è intrattenimento.

4 Non c'è vergogna nell'essere un dilettante

Se un fotografo è un dilettante, ciò non significa che abbia meno talento di un professionista. In realtà, in molti casi è esattamente il contrario. Gli specialisti trascorrono gran parte del loro tempo facendo il lavoro sporco: fatturazione, marketing, ricerca di clienti, e non rimane molto tempo per lavorare con le immagini. I professionisti scattano foto per i clienti, ma le loro idee creative rimangono nascoste. Fondamentalmente, le fotografie scattate per gli altri non sono buone come quelle che sono nate dentro di noi. Gli hobbisti possono scattare quello che vogliono, il che significa che scattano foto che sono significative per loro.

L'ironia più grande è che i professionisti spesso non possono permettersi le novità e le migliori la migliore tecnologia. Ad eccezione dei fotografi più famosi, i professionisti non sono milionari. Il loro magro reddito è diviso tra cibo, spese per apparecchiature informatiche, software, viaggi, famiglia e una delle voci è l'acquisto di attrezzatura fotografica.

5 La post-elaborazione è uno strumento, non una panacea

Se un'immagine è brutta prima dell'elaborazione, sarà ancora brutta dopo Photoshop o Lightroom. E nessuna quantità di regolazioni, ritagli, aggiunta di contrasto o saturazione sarà di aiuto.

È impossibile fare di una brutta foto un capolavoro. Al massimo potrai nascondere alcune sfumature e lucidare l'immagine, migliorandola in termini di colore o nitidezza, ma non modificherai la trama, l'inquadratura, l'angolazione scelta e il momento scelto.

Molti fotografi apportano modifiche minime alle loro immagini. Se scatti foto buona qualità Durante le riprese, non dovrai dedicare molto tempo all'elaborazione e il risultato sarà impressionante.

Conclusione

Alla fine, ciò che conta davvero nella fotografia non è l’immagine finale, ma il processo di creazione. Quindi dimentica le nuove attrezzature, fai pratica, sii paziente e fai del tuo meglio immagini di alta qualità utilizzando una fotocamera, senza fare affidamento sull'elaborazione. Tutto il resto sono dettagli.

Hai qualcos'altro da aggiungere a questa lista? Si prega di condividere nei commenti qui sotto.

In questo articolo esamineremo una dozzina di miti sulle fotografie e sui loro creatori: i fotografi. Ci auguriamo che possa incoraggiare molti a intraprendere questa attività difficile, ma allo stesso tempo molto interessante.

1. Più costosa è la fotocamera, migliore è la foto.
Molte persone sono convinte che più la fotocamera è costosa, migliori saranno le immagini. La verità è un po' diversa: se sai come utilizzare lo strumento, ogni fotocamera può produrre risultati eccellenti. Un set di attrezzature più costoso significa maggiori capacità di tiro. Tuttavia, spendere un sacco di soldi per ottenere una foto non ti renderà un professionista e dovrai comunque dedicare molto tempo ad imparare i rudimenti.

2. Tutto ciò di cui hai bisogno è una macchina fotografica per diventare un fotografo

Possedere una macchina fotografica non ti renderà un fotografo professionista. Dovresti essere appassionato di fotografia, prenderti del tempo per migliorare le tue capacità e poi eventualmente provare a fare della fotografia la tua carriera. Amatore o professionista, non importa, ogni fotografo si spende un gran numero di tempo, migliorando le proprie capacità e creatività. Pertanto, non sorprende che le persone che pensano che diventerai un fotografo subito dopo aver acquistato una macchina fotografica decente si arrabbino.

3. I fotografi professionisti devono lavorare a qualsiasi ora del giorno e della notte.

È vero che nella maggior parte dei casi i fotografi professionisti hanno orari di lavoro insoliti. In effetti, non lavorano quasi mai dalle 9 alle 5 perché devono lavorare per soddisfare le esigenze dei loro clienti. I fotografi spesso lavorano orario serale e nei fine settimana, ma ciò non significa che debbano essere reperibili 24 ore su 24, 7 giorni su 7. Hanno bisogno di riposo, proprio come tutti gli altri.

4. Se vieni elogiato per la tua foto, significa che dovresti diventare un professionista.

Questo accade spesso alle persone a cui piace scattare fotografie tempo libero. Il fatto che ti piaccia la fotografia e meriti di essere elogiato per questo non è sufficiente per iniziare la tua carriera professionale. Se sei appassionato di questo organismo, allora dovresti prendere in considerazione l'idea di ricevere un'istruzione in questo campo, che può darti una maggiore conoscenza di base sulla professione. Tuttavia, non fidarti sempre dei tuoi amici e della tua famiglia riguardo alla qualità delle tue foto: cerca una valutazione professionale e cerca sempre di migliorare le tue capacità.

5. Fotocamera Nikon è migliore rispetto a Canon o viceversa

Questo argomento è così diffuso che è difficile pensare a qualcos'altro di più discusso tra gli appassionati dell'arte fotografica. Non esiste una risposta giusta o sbagliata per scegliere la marca della tua fotocamera. Sconsigliamo di attenersi all'opinione di qualcun altro semplicemente perché lui o lei "conosce la fotografia". Prova diverse marche e modelli e trova quello più adatto alle tue esigenze personali.

6. La fotografia a colori è migliore di quella in bianco e nero e viceversa.

Questo è un altro mito sulla fotografia quando cercano di confrontarne due completamente amico diverso cose da amici. In effetti, dipende dalle tue preferenze personali, preferisci una cosa e il tuo vicino ha qualcosa di completamente diverso.

7. Utilizzano solo fotografi professionisti fotocamere Nikon o Canonico.

Come accennato in precedenza, l’argomento della superiorità fotocamere Nikon oppure Canon è così popolare che molte persone pensano ancora che questi siano gli unici marchi utilizzati dai fotografi professionisti. Produttori di apparecchiature come Fujifilm, Sony, Pentax, Leica, Panasonic e Olympus affermano all'unanimità che le loro fotocamere non sono meno interessanti dei modelli offerti da Nikon e Canon.

8. I fotografi hanno bisogno di molti obiettivi per scattare buone foto.

Gli obiettivi sono importanti per la fotografia tanto quanto il resto della tua fotocamera, solo se sai come e quando usarli. Non ha senso acquistare tanti obiettivi diversi se non capisci le differenze tra loro o se scatti foto solo per divertimento. I fotografi professionisti probabilmente hanno bisogno solo di pochi obiettivi diversi per soddisfare le loro esigenze, ma non sono sempre necessari. Che tu ci creda o no, ma fotografo professionale puoi portare a termine il lavoro con un solo obiettivo!

9. “So usare Photoshop, ecco perché sono un fotografo!”

Vaffanculo! Se pensi che padroneggiare Photoshop ti renda un fotografo, allora la tua fantasia è molto lontana dalla realtà. Come fotografo, spesso devi apportare modifiche alle tue immagini utilizzando il popolare software Adobe, ma ciò non è sempre necessario. Le tue foto potrebbero richiedere o meno modifiche, ma per ora dimentica i tuoi progetti di carriera fotografica a meno che tu non sia disposto a padroneggiare l'arte di utilizzare una fotocamera prima di apprendere qualsiasi altra abilità.

10. Ogni foto può essere corretta in Photoshop.

Abbastanza malinteso popolare che puoi modificare ogni foto sfruttando la potenza del programma Adobe Photoshop. La verità è che una foto davvero brutta non può essere riparata nemmeno dal miglior guru di Photoshop. Nella maggior parte delle situazioni, ti ritroverai a scattare molte più immagini di quelle di cui hai realmente bisogno, ma avere di più su cui lavorare è quasi sempre meglio che averne di meno quando si tratta di scattare buone foto. La post-produzione è molto una parte importante professione di fotografo, ma dovrebbe essere utilizzato solo come ultima risorsa per correggere errori gravi o una serie di modifiche di routine che devono essere apportate alle fotografie.

11. Non potrai scattare foto professionali con il tuo cellulare.

Le nuove tecnologie utilizzate nella produzione dei telefoni cellulari hanno permesso di ottenere una qualità fotografica paragonabile a quella ottenuta con una fotocamera digitale. Se ami la fotografia, non c'è niente di sbagliato nello scattare foto con il cellulare quando non vuoi utilizzare la tua fotocamera completa o semplicemente non ne hai una con te. Risultato finale potrebbe non essere bello come vorresti, ma ciò non significa che le foto mobili non siano abbastanza buone.

12. I fotografi sono più bravi a scattare su pellicola rispetto alle normali fotocamere digitali.

Ci saranno sempre persone che preferiscono usare il cinema rispetto al moderno Camera digitale. Tuttavia, sarebbe errato classificare queste persone come meno o più professionali dei loro colleghi. Il risultato finale, ovviamente, dipende da questo in modo significativo, ma non critico. Se non hai ancora provato a girare un film, vai a dare un'occhiata se ti piace. Se non hai mai usato una fotocamera digitale, provala, non c'è niente di sbagliato in termini di acquisizione di nuove esperienze. Finché mantieni la tua passione per la fotografia, non esiste una risposta giusta o sbagliata a questa domanda.

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Nella vita, tutto ha il suo inizio, proprio come ogni scienza e arte hanno origine da qualche parte nel profondo dei secoli, e poi si sviluppano, migliorano, si formano nuove direzioni, nuove tendenze. Questo vale anche per la fotografia, che percepisco come un'arte, il cui sviluppo è direttamente correlato alla scienza, intendo lo sviluppo dell'attrezzatura fotografica. Questo articolo, intitolato "Una breve storia della fotografia", contiene i fatti più importanti sull'origine e lo sviluppo della grande arte della fotografia.

Vale la pena iniziare con la definizione principale di fotografia, che deriva dalle antiche parole greche "luce" e "scrittura", ad es. Il light painting è una tecnica di pittura con la luce. Questa è la capacità di creare e salvare un'immagine utilizzando materiale fotosensibile (matrice) nella fotocamera. Questa è la formulazione tecnicamente corretta. Se parliamo di fotografia come forma d'arte, la definizione potrebbe suonare così: processo creativo ricercando e realizzando una composizione teoricamente corretta ed artistica, che a sua volta, seppur parzialmente, è determinata dalla visione. Il termine stesso apparve nel 1839.

Breve storia della fotografia

Nel 1826, il francese Joseph Nicéphore Niepce sorprese molti scattando la prima fotografia della storia umana utilizzando una “camera oscura” su una lastra di stagno ricoperta da un sottile strato di asfalto siriano. Questa fotografia raffigurava la vista dalla finestra del laboratorio di J.N. Niepce ed è stata realizzata in 8 ore, continuamente esposta alla luce solare diretta.

Quasi contemporaneamente a Zh.N. Un altro francese, Louis Jacques Mande Daguerre, lavorò con Niépce per ottenere un'immagine stabile. Nel 1829, dopo essersi unito a Niepce e aver ricevuto tutto informazioni dettagliate Sulla base delle sue precedenti esperienze, Louis Daguerre inizia a lavorare attivamente per migliorare il processo. E nel 1837 raggiunse il successo e ottenne un'immagine in 30 minuti, utilizzando il sale da cucina come fissativo. Questo metodo è chiamato dagherrotipo. Tuttavia, a differenza del metodo di J. Niepce, era impossibile copiare le immagini.

Insieme ai francesi, l'inglese William Fox Henry Talbot lavorò alla creazione di un'immagine stabile e nel 1839 creò il proprio metodo per produrre un'immagine negativa chiamato calotipo (in seguito divenne noto come talbotipo). La differenza principale tra questo processo è modo speciale preparazione di carta sensibile. Questo processo ha dominato la creazione sia di ritratti che di immagini architettoniche.

La storia dello sviluppo della fotografia continua nel 1850. Louis Brancard Hervar trova nuovo tipo carta fotografica - albume, che venne poi utilizzata come principale fino alla fine del secolo.

Nel 1851, il francese Gustave Le Grae inventò i negativi in ​​cera, che a loro volta sostituirono il tallotipo. Questa innovazione ha notevolmente semplificato il processo di creazione di immagini in natura.

La storia della fotografia continua nel 1847, quando una sorta di nuova fase nel suo sviluppo. Quest'anno segna l'inizio dell'era dei negativi su vetro, con Claude Félix Abel Niépce che ottiene i primi risultati impressionanti in questo processo. E già nel 1851, l'inglese Frederick Scott Archer sviluppò il processo del callodio umido. A causa dell'incertezza giuridica questo processo, si diffuse rapidamente e contribuì ad aumentare. Nel 1854 apparve il nome ambrotipo brevettato in America, che era una sorta di versione più semplificata del dagherrotipo.

Nel 1861, il fisico inglese James Maxwell fu il primo al mondo ad ottenerla immagine a colori , che era il risultato di tre fotografie dello stesso soggetto, con filtri diversi (rosso, blu e verde). L'uso più ampio della fotografia a colori è diventato possibile grazie ad Adolf Miethe. Ha inventato i sensibilizzatori che rendono la lastra fotografica più sensibile ad altre aree dello spettro. Un contributo ancora maggiore allo sviluppo di questo è stato dato da Sergei Prokudin-Gorsky, che ha sviluppato tecnologie che consentono di ridurre la velocità dell'otturatore.

Lo sviluppo non si è fermato, di anno in anno gli scienziati hanno cercato di migliorare il processo di creazione delle immagini. Così, una nuova fase nella storia della fotografia iniziò nel 1872, quando l'inglese Richard Leach Maddox annunciò la creazione di una lastra al collodio secco.

Nel 1876 iniziò in Inghilterra un approccio globale allo studio del processo fotografico da parte di W. Driffield e F. Harter, che concentrarono la loro attenzione sullo studio della relazione tra il tempo di esposizione e la quantità di argento formato nella pellicola. Nel 1879, J. Swan aprì la prima produzione di speciale carta fotografica agli alogenuri d'argento a base di gelatina, che divenne l'elemento principale nella produzione di carta fotografica e viene utilizzata ancora oggi nella produzione industriale. A questo punto, i lavoratori coinvolti nella produzione di stampe fotografiche potrebbero già regolare leggermente la tonalità e il contrasto dell'immagine durante la produzione.

Il banchiere americano George Eastman nel 1880, dopo un viaggio in Inghilterra, aprì la propria società in America chiamata Eastman Dry Record Company, che fu successivamente ribattezzata e registrata come KODAK Company nel 1888. E nello stesso anno in estate fu rilasciato questo marchio.

Nel 1869, Eadweard James Muybridge creò uno dei primi otturatori fotografici, che usò per fotografare i cavalli. Inoltre, ha creato il proprio sistema fotografico. Nel 1881, le fotografie di cavalli portarono Muybridge alla fama mondiale.

La storia della fotografia continua: nel 1884, D. Eastman ricevette un brevetto per una pellicola fotografica a rullo su supporto di carta e cassetta, che rappresentò una grande innovazione nel processo fotografico. E già nel 1888, D. Eastman ricevette un brevetto per una macchina fotografica portatile, che conteneva la pellicola fotografica a rullo da lui precedentemente brevettata. E già nel 1889 iniziò la produzione di massa di film.

Nel 1911 Oskar Barnack venne a lavorare per la società tedesca Leitz, che contribuì enorme contributo V ulteriori sviluppi fotografie. Grazie ai suoi sforzi e alle sue ricerche, fu messo in vendita nel 1925. un nuovo tipo di fotocamera di piccolo formato chiamata Leica I(il nome deriva dalla fusione delle due parole Leitz e Camera), che lavorava su pellicola standard. Sempre quest'anno P. Wierkotter si assicurò i diritti sulla prima lampada flash da lui inventata e nel 1931 G. Edgerton inventò il primo flash fotografico elettronico al mondo, che naturalmente sostituì la lampada flash.

Nel 1932, il primo al mondo fotocamera a telemetro di piccolo formato Leica II.

A partire dagli anni '30 circa. si sta diffondendo fotografia a colori, tutto grazie a Kodak, la prima a lanciare la pellicola reversibile a colori Kodachrome. E nel 1942, l'azienda iniziò a produrre pellicole Kodacolor, che divennero molto popolari tra professionisti e fotografi dilettanti.

Nel 1948, Polaroid fece una svolta nel campo della fotografia con il lancio della fotocamera Polaroid Land 95, che inaugurò l'era della fotografia istantanea.

Nel 1975, l'ingegnere Kodak Stephen Sassoon sviluppò e presentò al pubblico la prima fotocamera digitale. aveva una risoluzione di 0,1 mega pixel.

Il crescente interesse del pubblico per la fotografia richiedeva un modello più conveniente e un maggiore volume di produzione e nel 1988 FUJI introdusse un modello di fotocamera digitale veramente portatile, la FUJI DS - 1P.

In questi giorni, anche quando Telefono cellulare hanno fotocamere integrate in grado di scattare fotografie abbastanza buone, può essere difficile immaginare che le persone una volta trascorressero grande quantitàè tempo di scattare solo una foto.

Il risultato logico dello sviluppo della fotografia è stata la sua trasformazione in vera arte. E personalmente, sono infinitamente felice che ci sia adesso più possibilità creare fotografie veramente artistiche e artistiche.

Alcuni fatti più interessanti della storia della fotografia:

— Louis Dugger nel 1838 scattò una fotografia che è considerata la prima a raffigurare una persona.

— Nel 1839, Robert Cornelius fece il suo primo autoritratto.

— Nel 1858, Gaspard Tournache scattò la prima fotografia aerea di Parigi.

— Nel 1856, William Thompson scattò la prima fotografia subacquea. La sua macchina fotografica era attaccata a un palo.

— Nel 1840, il professor John William Draper scattò con successo la prima fotografia della Luna.

— Nel 1972, la prima fotografia a colori del ns bellissimo pianeta Terra.

Che cosa? Dove? Quando? Breve recensione

Di artisti famosi puoi trovare un'enorme quantità di informazioni: come vivevano, come creavano le loro opere immortali. Molte persone di solito non pensano alle caratteristiche del carattere e dello stile di vita dell’artista. Ma alcuni fatti della biografia o della storia della creazione di questa o quella foto a volte sono molto divertenti e persino provocatori.

Pablo Picasso
I bravi artisti copiano, i grandi artisti rubano.

Quando nacque Pablo Picasso, l'ostetrica lo considerava nato morto. Il bambino è stato salvato da suo zio, che fumava sigari e, vedendo il bambino sdraiato sul tavolo, gli ha soffiato il fumo in faccia, dopo di che Pablo ha iniziato a ruggire. Quindi, possiamo dire che il fumo ha salvato la vita di Picasso.

A quanto pare Pablo è nato artista: la sua prima parola è stata PIZ, abbreviazione di LAPIZ (“matita” in spagnolo).

IN nei primi anni Durante la sua vita a Parigi, Picasso era così povero che a volte era costretto a bruciare i suoi dipinti invece della legna da ardere.

Picasso indossava abiti lunghi e li aveva anche capelli lunghi, cosa inaudita a quel tempo

Il nome completo di Picasso è composto da 23 parole: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz e-Picasso.

Vincent van Gogh
Non aver paura di commettere errori. Molte persone credono che diventeranno buone se non fanno nulla di male.

Abbondanza colore giallo e si ritiene che le macchie gialle di diverse tonalità nei suoi dipinti siano state causate grande quantità prendendo farmaci per l'epilessia, che si è sviluppata dal consumo eccessivo di assenzio. " Notte stellata", "Girasoli".

Per me vita frenetica Van Gogh ne visitò più di uno ospedale psichiatrico con diagnosi che vanno dalla schizofrenia alla psicosi maniaco-depressiva. Il suo dipinto più famoso, “Notte stellata”, fu dipinto nel 1889 in un ospedale nella città di San Remy.

Si è suicidato. Si è sparato allo stomaco mentre si nascondeva nel cortile di una fattoria dietro un mucchio di letame. Aveva 37 anni.

Per tutta la sua vita, Van Gogh soffrì di una bassa autostima. Durante la sua vita vendette solo una delle sue opere: Vigna Rossa ad Arles. E la fama gli arrivò solo dopo la sua morte. Se solo Van Gogh sapesse quanto diventerebbero popolari le sue opere.

Van Gogh non si tagliò l'intero orecchio, ma solo un pezzo del lobo, che non gli fece quasi male. Tuttavia, esiste ancora una leggenda diffusa secondo cui l'artista si sarebbe amputato l'intero orecchio. Questa leggenda si rifletteva persino nel comportamento di un paziente che opera su se stesso o insiste per una determinata operazione: si chiamava sindrome di Van Gogh.

Leonardo Da Vinci
Chi vive nella paura muore di paura.

Leonardo fu il primo a spiegare perché il cielo è azzurro. Nel libro “Sulla pittura” scrive: “L’azzurro del cielo è dovuto allo spessore delle particelle d’aria illuminate, che si trovano tra la Terra e l’oscurità sovrastante”.

Leonardo era ambidestro - in allo stesso grado Era bravo con la mano destra e sinistra. Dicono addirittura che potesse scrivere testi diversi contemporaneamente mani diverse. Tuttavia, ha scritto la maggior parte delle sue opere con la mano sinistra da destra a sinistra.

Suonava magistralmente la lira. Quando il caso di Leonardo fu ascoltato presso il tribunale di Milano, vi apparve proprio come musicista, e non come artista o inventore.

Leonardo fu il primo pittore a smembrare i cadaveri per comprendere la posizione e la struttura dei muscoli.

Leonardo da Vinci era un vegetariano rigoroso e non beveva mai il latte di mucca, poiché lo considerava un furto.

Salvador Dalì
Se non avessi nemici non sarei quello che sono. Ma, grazie a Dio, c'erano abbastanza nemici.

Arrivato a New York nel 1934, portava tra le mani una pagnotta lunga 2 metri come accessorio e, mentre visitava una mostra di creatività surrealista a Londra, indossava una muta da sub.

Tela “Persistenza della memoria” (“ Orologio morbido") Dalì scrisse sotto l'impressione della teoria della relatività di Einstein. L'idea ha preso forma nella testa di Salvador mentre guardava un pezzo di formaggio Camembert in una calda giornata d'agosto.

Salvador Dalì andava spesso a letto con una chiave in mano. Seduto su una sedia, si addormentò con una pesante chiave stretta tra le dita. A poco a poco la presa si allentò, la chiave cadde e colpì un piatto steso sul pavimento. I pensieri emersi durante i sonnellini potrebbero essere nuove idee o soluzioni a problemi complessi.

Durante la sua vita, il grande artista lasciò in eredità di essere sepolto in modo tale che le persone potessero camminare sulla tomba, quindi il suo corpo fu murato in un muro nel Museo Dalì di Figueres. In questa stanza non è consentito scattare foto con il flash.

Il soprannome di Salvador Dalì era "Avida Dollars", che tradotto significa "appassionato di dollari".

Il logo Chupa Chups è stato disegnato da Salvador Dalì. In una forma leggermente modificata, è sopravvissuta fino ad oggi.

Quasi tutte le opere di Dalì contengono un suo ritratto o una sua sagoma.

Henri Matisse
I fiori sbocciano ovunque per chiunque voglia vederli.

Nel 1961, il dipinto di Henri Matisse "La Barca" (Le Bateau), esposto al Museo di New York arte contemporanea, appeso a testa in giù per quarantasette giorni. Il dipinto fu appeso nella Galleria il 17 ottobre e solo il 3 dicembre qualcuno si accorse dell'errore.

Henri Matisse soffriva di depressione e insonnia, a volte piangeva nel sonno e si svegliava urlando. Un giorno, senza alcuna ragione, improvvisamente ebbe paura di diventare cieco. E ha anche imparato a suonare il violino per guadagnarsi da vivere musicista di strada quando perde la vista.

Per molti anni Matisse visse in povertà. Aveva circa quarant'anni quando riuscì finalmente a mantenere da solo la sua famiglia.

Henri Matisse non ha mai dipinto rocce, case di cristallo, campi coltivati.

Negli ultimi 10 anni della sua vita gli fu diagnosticato un cancro al duodeno e dovette rimanere su una sedia a rotelle.

Edvard Munch
Nella mia arte ho cercato di spiegare a me stesso la vita e il suo significato, ho anche cercato di aiutare gli altri a spiegare la loro vita.

Munch aveva solo cinque anni quando sua madre morì di tubercolosi e poi perse la sorella maggiore. Da allora, il tema della morte è apparso più di una volta nel suo lavoro e percorso di vita Fin dai primi passi, l'artista si è dichiarato un dramma di vita.

Il suo dipinto “L'urlo” è il massimo pezzo costoso arte venduta all'asta aperta.

Era ossessionato dal lavoro e lo diceva lui stesso: “Scrivere per me è una malattia e un'ebbrezza. Una malattia dalla quale non voglio liberarmi e un’ebbrezza nella quale voglio restare”.

Paolo Gauguin
L'arte è un'astrazione, estraila dalla natura, fantastica sulla base di essa e pensa più al processo di creazione piuttosto che al risultato.

L'artista è nato a Parigi, ma ha trascorso la sua infanzia in Perù. Da qui il suo amore per i paesi esotici e tropicali.

Gauguin cambiò facilmente tecniche e materiali. Era interessato anche alla scultura in legno. Spesso incontrando difficoltà finanziarie, non era in grado di acquistare vernici. Poi prese il coltello e il legno. Decorò le porte della sua casa nelle Isole Marchesi con pannelli intagliati.

Paul Gauguin lavorò come operaio nel Canale di Panama.

L'artista ha dipinto nature morte principalmente senza ricorrere a un modello.

Nel 1889, dopo aver studiato a fondo la Bibbia, dipinse quattro tele in cui si raffigurò a immagine di Cristo.

Rapporti frequenti e promiscui con le ragazze portarono Gauguin ad ammalarsi di sifilide.

RenoirPierre Auguste
All'età di quarant'anni ho scoperto che il re di tutti i colori è il nero.

Intorno al 1880, Renoir ruppe per la prima volta il suo mano destra. Invece di arrabbiarsi e addolorarsi per questo, prende il pennello con la sinistra e dopo un po' nessuno dubita che sarà in grado di dipingere capolavori con entrambe le mani.

Riuscì a dipingere circa 6.000 dipinti in 60 anni.

Renoir era così innamorato della pittura che non smise di lavorare nemmeno in età avanzata, quando era malato. in diverse forme artrite e dipinto con un pennello legato alla manica. Un giorno il suo caro amico Matisse gli chiese: “Auguste, perché non smetti di dipingere, stai soffrendo così tanto?” Renoir si limitò a rispondere: “La douleur passe, la beauté reste” (Il dolore passa, ma la bellezza resta).

Pittura artisti contemporanei in vendita

La creazione di ogni artista è unica; ogni dipinto contiene un pezzo dell’anima del suo creatore. Ma come ogni altra attività, la pittura ha le sue sfumature, gli artisti hanno i loro trucchi. Associato ad ogni immagine Fatti interessanti, più quelli interessanti che vi presenteremo.

1. Apelle(370-306 a.C.) fu un eccezionale artista greco antico, amico di Alessandro Magno. Molti fatti interessanti sono associati al suo nome. Secondo una leggenda, Apelle indisse una competizione con un altro artista per determinare il realismo dell'immagine. Quando hanno rimosso la tela dal dipinto del concorrente, gli uccelli si sono subito precipitati sul ramo d’uva sorprendentemente vivo. Quindi iniziarono a rimuovere il copriletto dal dipinto di Apelle, ma gli assistenti non furono in grado di farlo: il copriletto era raffigurato nel dipinto!

2. Uno dei più dipinti famosi Rubens La data di creazione de “La Festa degli Dei sull'Olimpo” è rimasta sconosciuta per molto tempo. Alla fine, gli astronomi lo osservarono più da vicino e si scoprì che i personaggi si trovavano esattamente come si trovavano sull’orizzonte del pianeta nel 1602.

3.B Tempo sovietico ogni artista doveva essere in grado di far passare la propria pittura attraverso una commissione di cui spesso aveva poca conoscenza belle arti. Ho dovuto inventare le mosse più interessanti e inaspettate. Quindi un artista ha dipinto un cane giallo del tutto inappropriato nell'angolo del quadro. È stato questo cane giallo a diventare tema principale discussione per la commissione, che non prestava più attenzione ad altro. È stato emesso un verdetto: accettare il dipinto dopo aver rimosso il cane.

4. Van Meegeren era il più talentuoso Artista olandese. Purtroppo le sue opere non furono apprezzate, ma le sue copie di dipinti lo furono pittori famosi godette di una popolarità senza precedenti. Furono queste copie che vendette ai nazisti. Dopo la guerra dovette affrontare un dilemma: essere accusato di vendita Tesoro nazionale o dimostrare che erano falsi. È interessante notare che in pochi giorni, sotto la supervisione del tribunale, ha effettivamente creato un nuovo dipinto.

5. Vasilij Dmitrievich Polenov(1844-1927) fu un maestro riconosciuto pittura storica. I suoi pennelli appartengono immagine interessante con il titolo originale "Cristo e il peccatore". Ma l'immagine a quel tempo non fu accettata, poiché l'artista raffigurò Cristo senza l'aureola obbligatoria, infatti, come persona ordinaria. È stato possibile esporre l'immagine al pubblico solo dopo che è stata ribattezzata "La moglie prodiga".

6. Un artista è riuscito a presentare il suo falso nel modo più originale. Dipinse un altro quadro sopra la tela finta e portò il tutto al restauratore. Nel processo di lavoro, ha scoperto questo fatto "doppio" interessante ed è stata annunciata la scoperta di uno "sconosciuto". Monet", la cui autenticità non fu messa in dubbio per molto tempo.

7. Un altro modo originale ti consente di vendere un falso. Nella cornice sono inseriti due quadri di cui uno autentico. L'intero "sandwich" viene testato e riceve una conclusione ufficiale sull'autenticità dell'opera. Successivamente, uno dei dipinti viene rimosso e il secondo viene venduto a un acquirente ingenuo.

8. Dipinti Viktor Michajlovic Vasnetsov SU storie epiche tra gli altri artisti russi non erano particolarmente popolari, alcuni addirittura chiamavano il suo “Dopo la battaglia di Igor Svyatoslavovich con i Polovtsiani” “Uomo morto”, e il suo favoloso “Tappeto volante” “Tappeto con le orecchie”.

9. Affari interessanti realizzato da una signora in un dipinto con l'autografo di Ilya Efimovich Repin. Ha semplicemente comprato un certo dipinto per soli 10 rubli, ma con una firma orgogliosa " I. Repin"La signora ha mostrato quest'opera a Ilya Efimovich dopo un po' di tempo. L'artista ha riso e ha aggiunto: "Questo non è Repin", dopo di che la signora ha venduto il suo autografo (insieme alla foto, ovviamente) per 100 rubli.

10. Gli artisti spesso si aiutavano a vicenda, perché ognuno ha i propri soggetti preferiti, ma ci sono anche dei punti deboli. In questo caso è naturale avvalersi dell'aiuto di un amico - ha scritto Repin a Pushkin per la foto Aivazovsky"Pushkin in riva al mare", Nikolai Cechov ha ritratto una donna vestita di nero per il dipinto "Giorno d'autunno. Sokolniki" Levitan, UN orsi famosi da "Morning in." di Shishkin pineta" ha scritto Savitskij.