Parliamo di contrasto oggi. Cos'è questo contrasto? Molti fotografi, soprattutto i principianti, saranno sorpresi nel sentire che il contrasto è un elemento della composizione. Ma, tuttavia, questo è vero. Dopotutto, il contrasto non è solo la differenza di toni e colori di un'immagine.
Il contrasto come elemento compositivo rende la foto più espressiva, più interessante e attraente per lo spettatore. Il contrasto conferisce alla fotografia una risonanza emotiva. Ma prima di capire come “funziona” il contrasto nell’arte della fotografia, dobbiamo capire in che modo i concetti di “contrasto” e “contrasto” differiscono l’uno dall’altro.
Il contrasto è innanzitutto la differenza tra le aree dell'immagine in tutte le loro diverse caratteristiche. Questa differenza può essere espressa in misura maggiore o minore. Ma il contrasto è la capacità della fotocamera di vedere e catturare questa differenza, cioè la differenza tra gli elementi contrastanti dell’immagine.
È molto importante che un fotografo impari a utilizzare correttamente questo metodo. Per fare questo, prima di tutto, devi guardare la fotografia come una sorta di immagine astratta, dimenticare le sue specificità. Dimentica la funzionalità delle cose raffigurate su di esso. Guarda e determina quale tipo di contrasto c'è in questa immagine, in questa composizione specifica più appropriato. Ed è necessario lì in linea di principio? Il fotografo deve assicurarsi che gli elementi contrastanti dell'immagine, almeno in qualche modo, risuonino con la sua componente trama. È inoltre necessario decidere in anticipo se la foto sarà a colori o monocromatica (ovvero in bianco e nero o in tonalità seppia, ad esempio). Ciò potrebbe influire, ad esempio, sulla luminosità e sulla nitidezza degli elementi dell'immagine incompatibili tra loro.
Ora parliamo di come il contrasto degli elementi può essere espresso nelle fotografie, in quali tipi e forme ciò può verificarsi.
Contrasto tonale
Il contrasto tonale si riferisce all'oscuramento deliberato del primo piano e allo schiarimento e all'evidenziazione dello sfondo. O vice versa. In questo modo, le aree chiare e scure dell'immagine nella fotografia vengono confrontate tra loro in modo che l'immagine inizi a trasmettere la profondità dello spazio, il suo volume. La fotografia crea quella che viene chiamata prospettiva tonale. Questa tecnica funziona bene nella fotografia monocromatica, in bianco e nero. Nelle fotografie a colori, utilizzando il contrasto tonale, è consuetudine raffigurare le sagome delle persone che si trovano in primo piano nell'immagine.
Contrasto di colore
Questo tipo di contrasto è un po' più difficile da usare rispetto a quello che abbiamo descritto sopra. Se il contrasto cromatico viene applicato in modo competente e corretto, la foto attirerà immediatamente l'attenzione dello spettatore e attirerà la sua attenzione. È così che funziona il nostro cervello che una persona seleziona immediatamente un'immagine con colori contrastanti da molte altre immagini. Il contrasto cromatico consiste nella scelta dei colori che si trovano sui lati opposti della ruota dei colori. Ad esempio, giallo e blu, rosso e verde. Inoltre, più luminose e sature sono le sfumature di questi colori in contrasto tra loro, meglio è. L'uso del contrasto cromatico è molto importante quando si lavora su nature morte, paesaggi e fotografie di fiori. Bene, ad esempio, uno scatto paesaggistico di un bordo verde della foresta con una macchia luminosa di sorbo rosso da qualche parte al centro.
Contrasto di texture
Ma cosa succede se nella cornice sono presenti oggetti dello stesso colore? Bene, è così che è successo. Il cliente voleva il giallo su giallo o il blu su blu? Ricorda che oltre a qualsiasi altro contrasto, esiste anche un contrasto di trame. La regola qui è semplice: maggiore è la differenza nella trama degli oggetti, meglio viene enfatizzata la forma di questi oggetti nella foto. E il contrasto delle trame è una grande opportunità per evidenziare con la luce tutti gli elementi necessari di una fotografia. Questo tipo di contrasto è utile anche se è necessario attirare l'attenzione dello spettatore su una o un'altra caratteristica dell'oggetto fotografato. Esempi? Quanto vuoi. Il viso rugoso di una vecchia nonna e la guancia rosa e tenera di una nipote. O il giglio più delicato sullo sfondo di un muro di mattoni grezzi.
Contrasto di statica e dinamica
Contrasto tra oggetti in movimento e oggetti stazionari in una fotografia. Ad esempio, un'auto solitaria che si muove ad alta velocità lungo un'autostrada di campagna sullo sfondo di un campo infinito e di un enorme cielo blu. O un saltatore in alto, congelato nell'inquadratura nel suo movimento sullo sfondo di tribune silenziose e vuote. Capelli fluenti in movimento bella ragazza. Questo è molto aspetto complesso contrasto. Non tutti i fotografi lo usano correttamente. Alcuni sono addirittura propensi a credere che il contrasto tra statica e dinamica sia in conflitto con le regole fondamentali e le leggi della composizione. Ma se sei riuscito a ottenere un contrasto di questo tipo così pronunciato nella tua foto, stai certo che il tuo lavoro avrà successo. Questa fotografia attirerà l'attenzione degli spettatori e si distinguerà da una serie di opere di altri autori.
Contrasto semantico
Un tipo di contrasto molto complesso, forse anche il più difficile da utilizzare. La sua essenza è combinare cose apparentemente incompatibili sul piano di una fotografia. Ebbene, ad esempio, un uomo in abito invernale in piedi con gli sci su una spiaggia calda in riva al mare. O una modella nuda in una strada affollata grande città. Tali fotografie dovrebbero sempre essere pensate con molta attenzione. Altrimenti, lo spettatore potrebbe scambiarli per la fantasia malata del loro autore ed esprimere dubbi sulla salute della sua psiche. Il contrasto semantico viene solitamente utilizzato nella fotografia di genere.
Bene, poche parole per riassumere tutto quanto sopra. Se ci pensi vari tipi contrasto nei tuoi lavori, le tue immagini saranno molto più attraenti per lo spettatore. E non dimenticare che in un colpo solo puoi utilizzare diverse delle tecniche di cui sopra contemporaneamente.
La composizione è una connessione e una combinazione varie parti in un unico insieme secondo qualche idea.
Ciò che è importante nella composizione: integrità, contrasti, novità, subordinazione di tutti i mezzi di composizione piano ideologico, il rapporto tra l'immagine e i bordi del foglio, la scelta del formato e della cornice.
Legge di integrità- questo è quando l'opera viene percepita come un tutto unico e indivisibile. Tutto è unito da un significato, una luce, situata in un unico ambiente. Cioè è brutto se un'opera viene percepita come la somma di più parti indipendenti. Niente dovrebbe essere casuale. Era bello quando non si poteva aggiungere o togliere nulla.
"L'apparizione di Cristo al popolo" Ivanov
Legge dei contrasti.
Il contrasto è importante nella composizione: con il suo aiuto puoi evidenziare la cosa principale e attirare l'attenzione dello spettatore. Il contrasto più forte è centro compositivo dipinti. Ci sono diversi contrasti: grande - piccolo, chiaro - scuro, bianco e nero - colore, rotondo - quadrato, piatto - volumetrico, morbido - nitido, orizzontale - verticale.
Senza contrasti di luce e ombra, contrasti di forme, dimensioni, contrasti di colori, una persona non vedrà né forma né volume. Non ci sarà un centro compositivo e tutto si fonderà insieme sul foglio. Non sarà né interessante né possibile per una persona guardare l'immagine.
Cioè, ad esempio, nell'oscurità assoluta o in una luce molto debole una persona non vede nulla, né volume né forma. né colore. O se viene posizionato un cerchio verde sfondo verde, anche la persona non vedrà nulla. Se, ad esempio, è accesa una voluminosa palla di gesso bianco sfondo scuro illuminare uniformemente da tutti i lati in modo che non ci siano ombre o penombra, quindi una persona percepirà la forma, ma non il volume. Questi esempi mostrano quanto siano importanti i contrasti di tono e colore nella vita.
In “La ragazza con le pesche” di Serov, su uno sfondo chiaro c'è la sagoma scura di un volto. È un contrasto.
In contrasto, un lavoratore psicologicamente sporco era accovacciato sul pavimento di terra battuta dell’officina accanto a un proprietario di una fabbrica riccamente e sontuosamente vestito che guardava l’operaio nel dipinto di Ioganson “Alla vecchia fabbrica degli Urali”.
Il contrasto si esprime anche nell'opposizione di colori caldi e freddi o in una combinazione colori aggiuntivi- rosso con verde, blu con arancione, viola con giallo, bianco con nero. È vero che più è buia la notte, più luminose sono le stelle?
"Notte stellata" di Van Gogh
Ma nell’illustrazione “Elefante e Carlino” il contrasto delle dimensioni è chiaramente visibile. L'elefante sullo sfondo di un minuscolo carlino diventa ancora più grande.
"Elefante e Carlino"
Trama e centro compositivo. Il centro della composizione è la parte che esprime chiaramente idea principale trama, inizialmente attira l'occhio dello spettatore, le restanti parti sono subordinate all'idea principale, l'occhio va idealmente dal centro compositivo per poi “vagare” da un elemento all'altro. Se non c’è un centro compositivo o ce ne sono troppi, allora nasce il caos e lo spettatore “impazzisce”, non sapendo dove guardare.
Nella prima opera non c'è un centro compositivo, tutto è dilaniato, ma nella seconda il centro compositivo è ben visibile.
La trama e il centro compositivo possono essere espressi attraverso contrasti di tono o di colore, contrasti di dimensioni e forme. Deve esserci una trama e un centro compositivo.
Il paesaggio ha un centro compositivo: questo è un ponte. Contrasto di luce e buio, contrasto di colori.
Ma l'icona non ha un centro compositivo.
Ritmo.
Nell’arte il ritmo non è rigido, non è matematicamente preciso; presuppone “interruzioni”, accenti e vuoti.
Il ritmo si manifesta in contrasti lineari, tonali e cromatici. Influenzano la percezione dell’immagine da parte dello spettatore (umore), danno una sensazione di pace o, al contrario, paura, movimento o pace.
L’alternanza di elementi nella composizione fa riflettere lo spettatore, “strisciando” con lo sguardo nello spazio della tela da un elemento all’altro, guardandolo, suscitando interesse.
Il ritmo contribuisce anche all'ordinamento, all'organizzazione dell'intero piano dell'immagine, alla sua integrità.
Bryullov nel dipinto “L'ultimo giorno di Pompei”, con l'aiuto di linee ritmiche intersecanti, crea l'impressione di caos e confusione che regnano in un'enorme folla. I ritmi dell'architettura ripetono i movimenti delle persone. Anche qui viene utilizzato il ritmo di luce e ombra. Questo ritmo crea una sensazione di tensione.
"L'ultimo giorno di Pompei" Bryullov
Anche il ritmo della corsa può creare l'atmosfera giusta. Ad esempio, nel ritratto di Frans Hals “L'allegro ubriacone”, il ritmo creato dalle pennellate serve a caratterizzare la persona. Le pennellate sul colletto bianco creano il ritmo di un ventaglio aperto. Energico, lunghezze varie, tratti ampi colore scuro sulla manica rendono i contorni dell'abito irregolari e ondulati. Sul petto dal colletto alla cintura sono sottili colpi lunghi, creando un ritmo verticale. Tutti i ritmi dell'abbigliamento sono multidirezionali e creano l'impressione di mobilità e disorganizzazione, caratteristiche del carattere di questa persona allegra.
"L'allegro ubriacone" di Frans Hals
Se hai bisogno di dinamica, non è necessario che il centro compositivo della trama sia al centro. Se, al contrario, hai bisogno di completa pace e tranquillità nella foto, allora questo è possibile. È anche importante che ci sia equilibrio, aria. Una buona composizione è quella a cui non si può togliere nulla e a cui non si può aggiungere nulla.
Simmetria- equilibrio delle parti in massa, tono, colore e anche forma. Spesso una parte è quasi un'immagine speculare della seconda. Le composizioni simmetriche hanno spesso un centro pronunciato. Di norma, coincide con il centro dell'immagine. La costruzione simmetrica della composizione trasmette uno stato di pace.
Asimmetria l'opposto della simmetria.
Qui l'equilibrio è raggiunto attraverso l'opposizione di forme grandi e piccole, contrasti di buio e luce, colori luminosi e tenui.
A volte in una composizione del genere l'equilibrio è indebolito o completamente assente.
Nel dipinto “Expansion”, le ragazze che corrono creano l’impressione di dinamica. La composizione è asimmetrica, ma equilibrata. Integrità ed equilibrio sono creati alternando figure leggere con elementi paesaggistici.
“Razdolie” di Dainek
La posizione della cosa principale sul secondo piano spaziale. A volte la cosa principale attore oppure il gruppo è posto in secondo piano nella composizione, mentre il primo piano funge da avvicinamento ad essi. Tutti gli altri piani spaziali svolgono una funzione aggiuntiva. Insieme al primo piano, creano un ambiente, un'ambientazione per l'azione principale, formandone la “cornice decorativa”, in un modo o nell'altro collegata a ciò che sta accadendo sullo sfondo.
“Allegoria della pittura” di Johannes Vermeer di Delft
Disposizione del ritratto. Se stai lavorando ritratto psicologico, creare composizione interessante. Supponiamo che una persona sia pensierosa o triste, mettila sul bordo. Se questo ritratto cerimoniale, posiziona la forma al centro.
Novità. Sarà interessante per te guardare l'ordinario, ciò che è diventato familiare da tempo e non evoca nuove emozioni e impressioni? Un artista è qualcuno che trova qualcosa di nuovo anche nell'ordinario e lo mostra in modo tale che lo spettatore lo trovi interessante. Nonostante abbiamo visto molte volte le opere di grandi maestri epoche diverse, ci emozionano ogni volta di nuovo con la loro bellezza e armonia senza età.Quei lavori basati su un modello o uno schema non sono nuovi e non sono interessanti.
È interessante per te? 
Ma la composizione del dipinto di David “La morte di Marat” è stata una vera scoperta in termini di sorpresa, inedita e coraggio della decisione.
La legge del rapporto tra i bordi di un quadro e il suo piano.
1) un oggetto raffigurato su un campo uniforme vicino alla “cornice” viene percepito come adagiato vicino al piano della “cornice” o addirittura parzialmente fuso con esso.
Ad esempio, qui sia l'albero che il pilastro in primo piano si fondono con i bordi del foglio.
2) un oggetto situato non vicino alla “cornice”, e soprattutto nella zona centrale dell'immagine, viene percepito come in profondità;
Nella foto successiva lo spazio è ulteriormente aggravato dalla prospettiva della strada.
3) l'intersezione degli oggetti lontani e secondari (paesaggio) con i bordi del foglio è neutra. L'intersezione degli oggetti e delle figure in primo piano con i bordi dell'immagine, in particolare il bordo inferiore dell'immagine, porta sempre una sorta di carico.
Ad esempio, nel dipinto di Rembrandt "David e Uriah" Uriah va avanti, "lasciando lo spazio dell'immagine".
4) movimento o immagine statica.
Su un campo piatto e omogeneo, limitato da una “cornice”, dove non sono indicati né il cielo né la terra, un oggetto raffigurato nella parte superiore del campo viene percepito come cadente e nella parte inferiore giace su un piano orizzontale.
caduta di oggetti
triangolo rosso sdraiato
Segmenti inclinatidi solito sembrano andare in profondità.
Raggiungere le profondità
Un aspetto importante sono le verticali, le orizzontali e le diagonali nell'immagine.
Le linee verticali e orizzontali nell'immagine insieme alla cornice rettangolare creano una stabilità ancora maggiore.
Regola del trasferimento del resto:
- se nella foto non ci sono direzioni diagonali;
- se non c'è spazio libero davanti all'oggetto in movimento;
- se gli oggetti sono raffigurati in pose calme (statiche), non c'è il culmine dell'azione;
- se la composizione è simmetrica, equilibrata o forma semplici motivi geometrici (triangolo, cerchio, ovale, quadrato, rettangolo), allora è considerata statica.
Le direzioni oblique in interazione con le verticali e le orizzontali enfatizzano l'instabilità.
Regola di trasferimento del movimento:
Se il dipinto utilizza una o più linee diagonali l'immagine apparirà più dinamica;
- l'effetto del movimento può essere creato se si lascia spazio libero davanti all'oggetto in movimento;
- Per trasmettere il movimento, dovresti sceglierne un certo momento, che riflette più chiaramente la natura del movimento ed è il suo culmine.
La sensazione di movimento può essere ottenuta utilizzando sfondo sfocato, contorni poco chiari e sfocati degli oggetti sullo sfondo.
Il formato allungato verso l'alto crea una sensazione di armonia e sublimità.
Un formato allungato in larghezza è caratterizzato da “apertura”.
I formati circolari e quadrati sono percepiti come statici. Ed è molto più difficile organizzare le immagini al loro interno.
È anche importante ricordare lo spessore del noi e il suo colore. Ciò influenzerà anche la percezione complessiva del lavoro.
I tipi più comuni di cornici sono rettangolari, rotonde e ovali.
Buona creatività
Il contrasto come tecnica compositiva.
Il concetto di contrasto è familiare a tutti. Penso che non sia necessario spiegare molto e in dettaglio cosa significa questa parola. Vediamo abbastanza esempi di contrasto intorno a noi ogni giorno. Il contrasto è l'opposto. Contrastare il piccolo con il grande, il buio con la luce, il caldo con il freddo, ecc. e così via..
Il contrasto è molto mezzi di espressione composizioni. Figure contrastanti di solito si rafforzano a vicenda. La tecnica del contrasto è spesso utilizzata nella composizione. L'esempio più semplice di contrasto è il nero e Colore bianco. Composizioni grafiche, dove c'è solo bianco e nero, sono sempre molto espressivi.
Non solo le dimensioni e i colori sono contrastanti, ma anche le forme. Ad esempio, rotondo, morbido, liscio e, al contrario, spigoloso, duro. Puoi anche pensare alle texture superficiali, che possono essere lisce o, al contrario, ruvide, lucide o opache, ecc. .
Un compito sull'uso del contrasto nella composizione.
Crea una composizione in cui venga applicato il principio del contrasto in qualsiasi forma. O meglio ancora, diversi contemporaneamente. Ad esempio, il contrasto tra buio e luce, il contrasto delle forme, il contrasto delle dimensioni. La composizione può essere eseguita in qualsiasi tipo di genere in bianco e nero. Si consiglia di non dimenticare il significato (se non è geometrico astratto), ad es. riguardo al contenuto. E ricorda, ovviamente, l'equilibrio e l'integrità. Opzioni attività:
1).composizione astratta da forme geometriche,
2).natura morta,
3).paesaggio,
4).genere (trama con figure).
Perché stiamo parlando in questo caso per quanto riguarda il contrasto, è meglio utilizzare una soluzione silhouette nell'attività. Quelli. Ti consiglio di non usare i mezzitoni in questo caso, perché attenuano i contrasti. Solo bianco e nero. Linea e punto. Nessun tratto e nessun colore grigio. Più la tua composizione è originale, meglio è. Più prezioso sarà per te.
Qui faremo una breve digressione su come iniziare a lavorare su un compito di composizione. Di solito il processo inizia con piccoli schizzi o schizzi. Questi sono disegni così brevi e veloci. Sono anche chiamati "foresketches" - cioè schizzi preliminari Qui non è necessario provare a disegnare "magnificamente". La cosa principale è CERCARE l'argomento. Quelli. Nella prima fase, devi fare una scelta: di cosa parlerà il lavoro. Trova un argomento che ti interessa.
Un piccolo esempio non vuole essere un campione. Su un foglio A4 si disegnano a mano dei piccoli rettangoli dove avviene la stessa ricerca. Disegni così piccoli non richiedono molto tempo e fatica.
Ti consiglio di iniziare con la prima cosa che ti viene in mente. Guardati intorno, pensa a ciò che ti interessa, a ciò che ti è vicino, a ciò che conosci bene. Ad esempio, una natura morta di oggetti intorno a te. Trova quelli contrastanti tra loro e creane un gruppo. Oppure potrebbe essere un paesaggio - urbano o rurale, solo alberi... piante... Composizione del soggetto, se questo è più interessante per te - (puoi rivolgerti alla letteratura) consisterà in schizzi di figure di persone (personaggi) in qualche situazione o, forse, animali e uccelli, ecc. e così via.
Nel processo di lavoro con una matita, di solito si verificano "scoperte" e risultati. Devi solo "pensare con una matita tra le mani". Questo è il mio consiglio Anche se ammetto che ci sono persone che pensano e comprendono tutto nella loro testa, e solo quando si è già formato qualcosa di comprensibile prendono in mano una matita. Questo è tutto individuale, ovviamente. La cosa principale è il risultato. Provalo diversi modi e trova il tuo.
Buona fortuna!
Contrasto- questa è una netta differenza tra gli oggetti secondo determinate proprietà (dimensione, forma, colore, luce e ombra, ecc.), un'opposizione nettamente espressa: lungo - corto, spesso - sottile, grande - piccolo. Il contrasto - l'opposizione, la lotta tra diversi principi compositivi - è sempre stato uno dei mezzi più utilizzati nelle mani del pittore, dello scultore e dell'architetto. Per storia secolare Nell'arte, il tema del contrasto variava, acquisendo una varietà di espressioni a seconda della natura dell'opera, dello stile dell'epoca e dell'individualità dell'autore. Al contrario, la differenza prevale sulla somiglianza. L'essenza di una composizione costruita sul contrasto è l'attività del suo impatto visivo: a differenza di quelle sfumate, i rapporti contrastanti si rivelano immediatamente se vengono abilmente utilizzati dal designer.
Nel design artistico, il contrasto è uno dei principali mezzi di composizione. Se prendiamo una composizione in cui c'è subordinazione delle parti e identificazione della cosa principale, nella stragrande maggioranza dei casi la cosa principale sarà più contrastante rispetto agli elementi circostanti.
Al contrario, puoi migliorare l'espressività del prodotto. Ciò si ottiene utilizzando materiali diversi(ad esempio, su una TV - uno schermo in vetro, una scatola in legno, manopole e griglie in plastica, bordi - metallo) e, a causa del trattamento superficiale del materiale, una superficie metallica lucida o una struttura ruvida , legno lucidato o semplicemente verniciato. Se usato abilmente, il contrasto può svolgere un ruolo decisivo nella composizione. Subordinato agli interessi della composizione, attiva la forma. In assenza di contrasto la forma risulta inespressiva e noiosa.
I confronti contrastanti aiutano ad affinare la percezione dell'insieme. Il contrasto esalta ed enfatizza la differenza nelle proprietà delle forme, rendendo la loro unità più intensa e impressionante.
Un esempio illustrativo di contrasto è la connessione di figure geometriche, quando una di esse aumenta di dimensioni rispetto alle altre per determinare il centro della composizione. Essendo in una certa connessione tra loro, tali composizioni rappresentano un esempio di connessione costruttiva e combinatoria. Tali esercizi sono di particolare importanza e rappresentano accessorio necessario basi della composizione.
Quando gli elementi geometrici, accoppiandosi tra loro, formano qualcosa di intero, armonioso, e questo insieme rappresenta una certa composizione coerente, allora questo in una certa misura risolve il problema delle costruzioni combinatorie. La comunanza di tutti gli elementi partecipanti suggerisce che la combinazione di questi elementi crea un fenomeno che chiamiamo composizione, design.
La connessione tra gli elementi di una composizione convenzionale diventa più organica e chiara se contiene elemento principale, attorno al quale su base artistica il resto si unisce. Questo elemento principale è convenzionalmente chiamato il centro della composizione. La subordinazione del dettaglio a una forma complessa sviluppata compositivamente può anche avere un proprio centro, ma in termini di forza espressiva dovrebbe essere meno significativo del centro generale. Introduzione principale elemento compositivo e la giusta subordinazione delle restanti parti migliora citofono dettagli tra loro e aumenta l'espressività complessiva. Il centro compositivo acquista particolare importanza quando si costruiscono composizioni convenzionali.
Consideriamo diverse opzioni per gli schemi compositivi condizionali realizzati tecnica grafica su un piano di forme geometriche, con l'aiuto del quale viene organizzata l'interazione di motivi che definiscono il centro della composizione (vedi figura).
L'armonia è strettamente correlata all'espressività nella composizione, il cui compito principale è creare l'impressione di equilibrio, eleganza e accuratezza dell'immagine della forma e coerenza artistica degli elementi combinatori. Il contrasto è uno dei principali mezzi di composizione nella tecnologia. Qui è dovuto alla differenza nelle strutture: complesse, ricche di ombre e completamente semplici; sia attraverso la lavorazione del materiale, quando, ad esempio, la struttura ruvida della fusione grezza si contrappone a superfici rettificate o lucidate, sia contrastando una struttura leggera e traforata con una base monolitica pesante. Il basso si contrappone all'alto, l'orizzontale al verticale, il chiaro allo scuro, il ruvido al liscio, il saturo al chiaroscuro e il plasticamente complesso al calmo e semplice. Tutte queste e molte altre relazioni basate su differenze chiaramente espresse sono contrastanti. La giustapposizione dei due principi nella composizione stessa rende evidente la forma, distinguendola dalle altre. Usare il contrasto significa provocare una lotta interna nella composizione, aggravarla e trovare armonia nella giustapposizione degli opposti. Il contrasto nella tecnologia ha radici diverse. In alcuni casi, è predeterminato dal design stesso, dall'intero layout del prodotto. Qui il compito del designer è sviluppare un obiettivo inizio contrastante e, se necessario, affilarlo, usandolo come mezzo figurativo. In altri casi, la base della forma è tale che il contrasto non si manifesta in alcun modo, e risulta essere inespressivo, noioso: come dicono i professionisti, la composizione non ha nulla che la supporti. In questi casi tecnica compositiva impone la necessità di introdurre un contrasto “artificiale”. Ad esempio, un volume geometricamente semplice viene suddiviso utilizzando combinazioni contrastanti di colore e tono, vengono evidenziati alcuni elementi funzionali, vengono create proporzioni artificiali contrastanti utilizzando profili sovrapposti che dividono diverse zone di colore, ecc. ultimo appuntamento spesso utilizzato, ad esempio, quando si lavora sulla composizione dei veicoli.
L'uso del contrasto nella tecnologia è anche associato alla necessità di creare condizioni ottimali per il lavoratore. Il contrasto dovrebbe essere moderato, poiché contrasti eccessivamente netti contribuiranno ad un affaticamento prematuro, e la completa assenza di contrasto creerà monotonia e causerà l’opacizzazione dell’attenzione del lavoratore. Il contrasto cromatico (macchia, sfondo) è molto diffuso nella composizione dei prodotti industriali. Contrastante relazioni di colore permettono di evidenziare le aree più critiche della macchina e del quadro comandi, e focalizzare l’attenzione dell’operatore sui sistemi di controllo più importanti. In considerazione di ciò, quando si lavora su un progetto per un prodotto industriale, il contrasto, come molte altre categorie, dovrebbe essere considerato non solo in senso puramente compositivo, ma anche da un punto di vista pratico, in relazione a determinate attività umane.
In molti ambiti del design, il contrasto compositivo a volte è estremamente sottile, eppure è proprio questo: contrasto. Contrasto molto forte, la combinazione di volumi grandi e piccoli può distruggere visivamente struttura compositiva. Pertanto, il grado di contrasto utilizzato è limitato dalle esigenze di mantenimento dell'integrità dell'impronta. La scelta del grado di contrasto è determinata in base all'estro artistico e all'esperienza pratica del designer e In misura maggiore dipende dallo scopo e dal luogo di utilizzo del prodotto industriale.
Il contrasto di strutture complesse e semplici, in contrasto con il contrasto tono-colore, è associato a una forte e profonda saturazione della forma con luci e ombre. Deve quindi essere utilizzato in modo particolarmente preciso e mirato. Se un errore nella forza del tono non può causare una grave perdita di integrità, un contrasto di strutture utilizzato in modo errato può disturbare irrimediabilmente l'armonia della forma.
Il contrasto attiva qualsiasi forma, ma per raggiungere l'armonia deve essere integrato con quelle necessarie relazioni sfumate, senza le quali può essere troppo duro. Paradossalmente la debolezza del contrasto è la sua forza. Qualsiasi farmaco potente richiede cautela: il suo eccesso è distruttivo. Questo è il contrasto. Quando lo si utilizza nella composizione di uno specifico prodotto industriale, bisogna fare attenzione che non risulti eccessivo, cioè si osservi un certo grado, una misura di contrasto. Per elementi contrastanti puoi costruire tutta la linea dal grado di contrasto più basso a quello più alto. Prendiamo, ad esempio, il contrasto tra la macchia e lo sfondo. Se lo sfondo è bianco assoluto e la macchia è nera assoluta, il contrasto è massimo. Ma anche il rapporto tra una superficie non del tutto bianca, ma un po 'colorata e una macchia non del tutto nera, ma grigio scuro (di tonalità diversa) sarà contrastante.
Per l'espressività e l'integrità di un particolare prodotto, il grado di contrasto è di notevole importanza. Ad esempio, quando è piccolo punto nero contrasta con un ampio sfondo chiaro, il grado di contrasto può essere estremamente forte. Si tratta di piccole manopole nere e altri dettagli scuri su un pannello bianco o bianco sporco. Ma se tutti questi dettagli vengono aumentati notevolmente, in modo che il nero totale si avvicini all'area bianca, l'effetto di contrasto si indebolirà e la composizione potrebbe diventare molto meno espressiva e meno olistica rispetto al primo caso. Ciò è spiegato dal fatto che piccoli dettagli scuri contrastano con lo sfondo non solo nel colore e nel tono, ma anche nelle dimensioni: il piccolo contrasta con il grande. Nel secondo caso, uno dei segni di contrasto è scomparso, e l'uguaglianza quantitativa tra bianchi e neri ha sostanzialmente cancellato tutta la gravità dell'opposizione.
Contrasti e sfumature nella composizione
La sfumatura di contrasto è il filo che tiene insieme tutte le sezioni della “composizione”. Siamo in grado di vedere solo ciò che è diverso dallo sfondo. La linea lungo la linea chiara viene disegnata con la linea scura, altrimenti non sarà visibile.
Allenta gradualmente la pressione sulla matita in modo che, mentre si scioglie, la linea si inserisca delicatamente nello spazio della carta. Una linea di tonalità e larghezza variabili riceve caratteristiche spaziali. Le aree scure che contrastano con lo sfondo ci sembrano vicine, ma man mano che il contrasto si attenua, la linea si allontana. Come puoi vedere, contrasto e sfumatura lavorano insieme qui.
La trama di una linea può essere creata artificialmente, ma nella maggior parte dei casi dipende da cosa e su cosa disegniamo. Il carboncino nero su carta ruvida produrrà una linea frastagliata con una grana caratteristica. Una penna stilografica su carta patinata darà una linea con bordi lisci. Ci sarà una conversazione separata sulla trama artificiale.
La linea strutturata contrasta con quella liscia. Entrambe le linee nere sono in contrasto con la carta bianca e tra loro in spessore.
Inizia a elencare i tipi di contrasti. Non importa quello che dici, ci saranno due facce della stessa medaglia.
Forma: grande e piccola, semplice e complessa, scura e chiara, liscia e ruvida, trasparente e opaca...
Colore: brillante, ricco e opaco, incolore, scuro e chiaro, caldo e freddo...
Umore: calmo ed eccitato, dolore e gioia...
Se sei un filosofo, ti verrà in mente un diverso elenco di coppie contrastanti: luce e ombra, verità e menzogna, ordine e caos, vita e morte. L'uno contrasta con l'altro e non è separabile dall'altro.
Ma ci sono sfumature, ci sono sfumature dello stesso fenomeno. Si trovano tra i punti estremi (di contrasto) di questo fenomeno. Contrasto e sfumatura sono sempre esplorati in interazione tra loro. Ci muoviamo verso il contrasto, allontanandoci dalla sfumatura, e viceversa, ci muoviamo verso la sfumatura, allontanandoci dal contrasto.
È necessario evidenziare il centro compositivo, esaltare i contrasti e ammorbidire l'ambiente circostante.
Hai bisogno di lirismo e pace, non abusare dei contrasti, costruire la composizione sulle sfumature.
La gioia esuberante è impensabile senza contrasti di colore e tono.
E la profondità dello spazio, senza il contrasto tra primo piano e sfondo per dimensioni, tono, colore, dettaglio.
E così, mentre lavoriamo su una composizione, ricordiamo che abbiamo sempre la scelta tra un sussurro e un urlo, e tutta la gamma di voci intermedie. Stiamo imparando a fare delle scelte nel rispetto delle regole stabilite! Tutta la vita consiste nei nostri tentativi di rompere gli stereotipi del passato. Se funziona, otterrai la libertà creativa e il disprezzo degli altri per tutta la vita. Ma poi puoi contare sull'immortalità.
Le informazioni di base sul fenomeno del contrasto sono fornite in una pagina separata (vedi link -).
Le linee stesse possono diventare l'oggetto del gioco. Puoi renderli spessi, puoi strapparne i bordi, cambiare colore o tono.
Potrebbe essere caos, ma è caos organizzato. Lo spazio è uniformemente riempito e limitato da una cornice. Si noti che le linee rette della cornice contrastano con le curve all'interno della cornice. Le linee del disegno inferiore sono distorte “pittorescamente” e cercano di non ripetersi nella loro direzione.
Come può svilupparsi ulteriormente il lavoro su questa composizione? E questa è una composizione, non ha alcun significato di trama, ma c'è un inizio decorativo.
Il contrasto gioca un ruolo qui?
Sembrerebbe che l'ultima cosa di cui abbiamo bisogno sia il contrasto quando creiamo la trama (le composizioni proposte finora sembrano più campioni di trame).
Considera una tecnica molto comune per organizzare elementi aggrovigliati (rami di alberi, reti, masse di trucioli di legno o pile di mattoni) in qualcosa di memorabile.
Il problema è che una persona è in grado di mantenere 4-7 elementi nella RAM. Tutto ciò che va oltre viene percepito dalle masse non organizzate. Lo sconforto causato dall'apparente monotonia deve essere reso espressivo e indimenticabile.
In questi casi viene utilizzata la divisione visiva della composizione in due o tre grandi parti, assorbendo particelle di caos e stratificazione spaziale. In questa forma sono accessibili alla nostra percezione.
Prendiamo come base il primo "motivo" di linee aggrovigliate.
Non ci siamo sbarazzati della texture, l’abbiamo resa un elemento della composizione. Il disegno ha acquisito un ritmo dinamico con linee rette in contrasto con la griglia.
Il disegno inferiore è diviso lungo una curva di disegno in due parti in tonalità contrastante.
Usiamo il secondo motivo dell'insieme di linee curve.
Puoi trasformare sia lo sfondo che se stesso motivo decorativo, cercando di mettere in risalto la loro relazione. E qui il contrasto può giocare un ruolo chiave, migliorando o indebolendo la visibilità di alcune aree della composizione.
È stata nuovamente utilizzata la tecnica di dividere una serie di elementi sparsi in più oggetti chiaramente leggibili.
Come puoi vedere, le opere hanno poca somiglianza con le multifigure dipinti. Eppure queste sono composizioni.
Non essere pigro nel guardare il tuo lavoro più spesso da lontano, quando rientra completamente nel campo della tua visione acuta.
Continuiamo ad assaporare il contrasto con un gruppo di linee parallele.
Abbiamo riunito due opposti, linee spesse e sottili, e li abbiamo affiancati. C'era un contrasto.
Ora stringiamo una serie di altre linee che cambiano gradualmente tra le linee contrastanti. Il contrasto di spessore viene attenuato da passaggi intermedi; sottili sfumature nei passaggi da una linea all'altra. Le linee sfumate ci fanno pensare alla profondità dello spazio. Perché? La modifica dello spessore schiarisce le linee e fa sembrare gli oggetti in prospettiva. Prendilo come nota, viene usato spesso.
Proviamo
esplorare le potenzialità di un fascio di linee di spessore variabile.
Cerchiamo di rimanere nell'aereo, senza ricorrere ad angoli e luci e ombre (le specificità dei disegni dei bambini).
Tra una varietà di forme facili da realizzare, ho scelto un ovale su cui attaccare gli occhi (a me, come i bambini, sembra tutto animato). Ecco come sono apparsi gli oggetti per creare una composizione.
Abbiamo provato molte opzioni e ne abbiamo scelte due.
Nelle fasi iniziali del lavoro, sono sempre attratto dalla creazione di una silhouette che sia chiaramente percepita da lontano. Altrimenti, dopo aver elaborato i dettagli dell'immagine, tutto verrà percepito da lontano come un pasticcio senza volto, appena comprensibile.
Puoi sviluppare una composizione utilizzando la tecnica dell'applicazione, della matita e dell'acquerello, non ci sono divieti.
Qui però mi affido ad un linguaggio grafico formale, che ha maggiore chiarezza nella presentazione del materiale didattico.
Tutti sono stanchi del suo contrasto, ma cosa puoi fare, è presente anche qui, come una giustapposizione tra un monolite dalla forma chiara e un'informalità traforata e sciolta. Luminoso e scuro, sottile e denso. Per ora non chiediamoci cosa stiamo raffigurando.
Ad un certo punto, c'è il desiderio di concretizzare l'immagine e introdurre dettagli. Iniziare dal minimo, da qualcosa senza il quale l'immagine semplicemente non è riconoscibile. Per i principianti, questo è un test terribile: scoppiano semplicemente dal desiderio di disegnare tutto nei minimi dettagli.
Quando il principio di costruzione della composizione ti è chiaro (è stato trovato un disegno di silhouette e la sua posizione), procediamo ai dettagli.
Stiamo cercando di aggiungere uno sfondo sotto forma di linee di nastro leggere e spesse. Riempiono i vuoti della cornice, creando una sensazione di traforatura. Si avverte come lo spazio sia stratificato a causa delle molteplici sovrapposizioni di alcuni elementi con altri. Anche il colore contribuisce a questo. Il più luminoso è in primo piano, il più chiaro e meno saturo è sullo sfondo.
Tutti capiscono già che le linee dei capelli sono necessarie per contrastare la silhouette della testa. Uno spot grande senza il supporto di elementi leggeri appare noioso e monotono. Tali espulsioni impulsive di materia dalla silhouette sono semplicemente necessarie; ravvivano l’immagine. Non è caso speciale, il contrasto della densità degli oggetti viene utilizzato nella maggior parte delle composizioni. Guarda l'immagine con occhio critico, immagina quali toni e colori sceglieresti. Non è un caso che ho scelto il rosso scuro. Non rompe la silhouette generale, si fonde con essa in un unico punto, creando una sensazione di controluce.
Non appena la cornice fu rimossa, la grafica si allargò sulla carta. L'effetto sarà migliorato se la grafica in alcuni punti supera i confini della cornice invisibile. In questa forma, il design si adatta bene al carattere, formando con esso un tutt'uno.
Se provo a descrivere dettagliatamente ogni fase della nascita di una composizione, è unicamente per comodità dei lettori. Lavoro vero soggetto agli impulsi dell'anima, lampi di intuizione interiore. Spesso l'immaginazione si aggrappa a una sciocchezza insignificante e, secondo la sua volontà, ti dimentichi della sequenza memorizzata nel tuo lavoro, cercando di registrare rapidamente un'idea vagamente sentita su carta. L'idea è tutto! Se esiste, tutto il resto è questione di tecnica. La tecnica di “orchestrazione” associata alla progettazione di un'idea in una forma “vendibile” sarà discussa in altre pagine.
Dovevo “riportare alla mente” qualche immagine, senza però abbandonare la questione a metà.
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Pensa ai contrasti e alle sfumature quando prendi in considerazione opere d'arte. Diventiamo più intelligenti non solo nel processo di pratica personale, ma anche nel processo di studio dei capolavori del mondo. Nel nostro lavoro facciamo affidamento sulle nostre idee sulla correttezza e sull'inesattezza e queste si formano nel corso degli anni. Impara a trovare l'uso dei contrasti dai maestri e impara ad applicarli tu stesso. Ricorda solo che ci sono dei contrasti: fedeli alleati nel lavoro, compagni di ricchezza e luminosità, agli antipodi dell'ottusità e della noia.