SVILUPPO CREATIVO DEGLI STUDENTI.
Negli ultimi anni, il concetto di educazione allo sviluppo è stato praticamente dominante nella moderna scienza pedagogica. Nel processo di apprendimento, c'è uno sviluppo intenso e completo delle capacità degli studenti. Influenzando direttamente la sfera emotiva e morale del bambino, la musica gioca un ruolo enorme nella formazione di una personalità spiritualmente ricca dal pensiero creativo.Fare musica d'insiemeè noto da tempo non solo come una sorta di attività performativa, ma anche come una delle forme più accessibili per introdurre gli studenti al mondo della musica. La performance congiunta suscita un genuino interesse tra gli studenti, che, come sapete,è un potente motivatore. L'atmosfera creativa di queste classi implica la partecipazione attiva dei bambini al processo di apprendimento. La gioia e il piacere di fare musica insieme fin dai primi giorni di formazione è una garanzia di interesse per questo tipo di arte - musica. Allo stesso tempo, ogni bambino diventa un membro attivo dell'ensemble, indipendentemente dal livello delle sue capacità al momento, il che contribuisce al rilassamento psicologico, alla libertà e all'atmosfera amichevole in classe. I praticanti sanno che suonare in un ensemble è il modo migliore per migliorare la capacità di leggere da una vista, è indispensabile in termini di sviluppo delle capacità tecniche e delle capacità necessarie per l'esecuzione da solista. Ancora più importante, suonare in un ensemble ti insegna ad ascoltare il tuo partner, a condurre un dialogo, cioè a essere in grado di dare spunti a tempo e cedere a tempo. Se quest'arte è compresa da un musicista, allora possiamo sperare che padroneggerà con successo i dettagli del suonare il pianoforte.
Suonare il pianoforte a 4 mani è una sorta di creazione musicale congiunta, che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale, ed è praticata ancora oggi. Quali sono i vantaggi di suonare in ensemble? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo creativo degli studenti?
Questa è, prima di tutto, un'opportunità per conoscere la letteratura musicale di vari stili ed epoche artistiche, che contribuisce allo sviluppo della musicalità, della reattività emotiva alla musica. È anche lo sviluppo di abilità specifiche: orecchio per la musica, memoria, ritmo, tecnica.
Molto spesso, gli studenti con capacità medie (e, sfortunatamente, la maggior parte di loro) non possono eseguire lavori abbastanza seri e vividi al pianoforte, poiché hanno problemi nell'analizzare il testo, capiscono a malapena la trama del pianoforte. Pertanto, non possono imparare un brano da concerto in cui difficoltà tecniche, armonie complesse e un grande volume sono al di là delle loro forze. Finiscono la scuola senza aver conosciuto le enormi possibilità del pianoforte, che non per niente viene chiamato lo strumento: l'orchestra. Archisti, populisti, suonatori di fiati, frequentando il soggetto "orchestra", partecipano al processo creativo collettivo. La parte di ogni membro dell'orchestra non è molto complicata, ma insieme suona alla grande. Pertanto, agli studenti piace suonare nell'orchestra. I pianisti ne sono privati. Ma almeno in un ensemble di pianoforte, dove il materiale musicale è diviso in due parti, il che facilita in una certa misura l'esecuzione, gli studenti hanno l'opportunità di suonare opere per pianoforte piuttosto complesse e interessanti e di esibirsi in un concerto. Uno studente non ha potuto suonare un'opera di questo livello, ma insieme si scopre. Ecco la risposta alla domanda: "Perché i bambini sono interessati all'ensemble con grande interesse?"
La formazione delle rappresentazioni del tono del suono inizia già nel periodo musicale con la selezione di melodie basate su canzoni per bambini e popolari con testo, che sviluppa un orecchio melodico. Questo periodo è strettamente connesso con la musica d'insieme in un duetto: insegnante-allievo. A causa dell'accompagnamento armonico, la performance diventa più colorata. Ora ci sono molti ensemble che abituano immediatamente il bambino ad armonie complesse. Lo sviluppo dell'udito armonico andrà di pari passo con quello melodico, poiché lo studente percepirà l'intera verticale.
Il gioco d'insieme ha ampie opportunità nello sviluppo del timbro - udito dinamico. Questa è una ricerca di colori timbrici, sfumature dinamiche, effetti di tratto, il suono degli strumenti orchestrali inassoloe sonorotutti. Suonare in un ensemble ti consente di lavorare con successo sullo sviluppo del sentimento ritmico, uno degli elementi principali della musica. "La sensazione di uniformità del movimento viene acquisita da qualsiasi gioco congiunto", ha scritto N.A. Rimskij-Korsakov.
Nell'esecuzione d'insieme, bisogna fare i conti con i momenti del conteggio delle lunghe pause. Un modo semplice ed efficace per superare questa difficoltà è suonare la musica del tuo partner. La memoria di un suonatore d'insieme si forma più intensamente di quella di un solista, poiché c'è bisogno di conoscere, immaginare la parte di un partner, oltre che essere in grado di cogliere nel tempo (se si è fermato), orientarsi e rimettersi in gioco.
L'ensemble inizia sempre con la selezione dei partner. Questo non è un compito facile, poiché è auspicabile che corrispondano tra loro in termini di livello di prestazioni, formazione tecnica. Aiuta molto quando i bambini che giocano nell'ensemble sono amici, hanno l'opportunità di visitarsi, giocare insieme. Si consiglia di selezionare un repertorio, tenendo conto degli interessi e dei gusti di entrambi i partner. E quando distribuisci per lotto, tieni conto delle caratteristiche specifiche di ogni bambino: musicalità, allenamento tecnico, dimensioni del braccio. Qui sia la sopravvalutazione che la sottovalutazione delle difficoltà del partito sono ugualmente inaccettabili. Nel primo caso, lo studente lo imparerà troppo a lungo e si esibirà semplicemente male, nel secondo caso non riceverà la soddisfazione creativa attesa dalle classi dell'ensemble.
I primi passi per padroneggiare la tecnica d'insieme comprendono le seguenti sezioni dell'istruzione primaria: caratteristiche di atterraggio e pedalata; modi per ottenere la sincronia quando si prende e si rimuove il suono; equilibrio del suono nei raddoppi, negli accordi e negli unisoni; trasferimento vocale da partner a partner; osservanza della generalità del polso ritmico.
Approdoquando si suona a quattro mani con uno strumento, differisce in quanto ognuno ha a disposizione solo metà della tastiera. I partner dovrebbero "dividerlo" in modo da non interferire l'uno con l'altro, specialmente quando convergono o incrociano la voce principale (un gomito sotto l'altro).
pedaliesecutore della seconda parte, in quanto funge da fondamento della melodia, passando il più delle volte nei registri superiori. Allo stesso tempo, ha bisogno di monitorare attentamente ciò che sta accadendo nella festa vicina, ascoltare il suo amico e tenere conto dei suoi "interessi" esecutivi.La capacità di ascoltare non solo ciò che suoni tu stesso, ma allo stesso tempo ciò che sta suonando il tuo partner è alla base della performance congiunta in tutte le sue forme. Per affinare l'udito dello studente, puoi offrire all'esecutore della seconda parte, senza suonare, solo pedalare durante l'esecuzione. Allo stesso tempo, verrà immediatamente rivelato quanto sia insolito e richieda un'attenzione e un'abilità speciali.
Spesso sorgono problemi a causa della mancanza di abilità dei pianisti nel girare le pagine e nel contare le lunghe pause.. Il musicista deve essere in grado di non perdere il filo della narrazione durante le pause del suono, di comprendere il significato espressivo di una lunga pausa o di un suono sostenuto. Il modo più semplice per superare la paura di perdere l'introduzione è conoscere la musica del tuo partner. Quindi la pausa cessa di essere una noiosa attesa e si riempie di suoni dal vivo.Dovrebbe essere stabilito quale dei partner, a seconda dell'impiego delle mani, è più conveniente voltare pagina - anche questo deve essere appreso.
La sincronizzazione del suono è il risultato delle qualità più importanti dell'ensemble e uno dei requisiti tecnici per suonare insieme. L'introduzione simultanea è solitamente ottenuta da un gesto impercettibile di uno dei membri dell'ensemble. Con questo gesto è utile consigliare agli esecutori di riprendere fiato allo stesso tempo. Il finale simultaneo non è meno importante dell'inizio. Un accordo non preso insieme produce la stessa spiacevole impressione di uno non preso insieme.
Di grande importanza nell'esecuzione d'insieme è il tempo, che è determinato dallo schema ritmico della melodia o delle voci di accompagnamento, ad esempio, sotto forma di figurazione armonica. Uno dei partner acquisisce le funzioni di "leader" e l'altro di "schiavo". Queste funzioni cambiano durante l'esecuzione. Nel gioco d'insieme, i partner devono determinare il tempo prima di iniziare l'esibizione congiunta, e durante il gioco il tempo-ritmo deve essere collettivo. La mancanza di stabilità ritmica è spesso associata a una tendenza ad accelerare, che di solito si verifica quandocrescendo, nei passaggi, se lo si desidera, "salta" luoghi tecnici difficili. In un duetto, uno dei partecipanti risulta certamente essere, per così dire, un correttore di bozze.
La dinamica nell'esecuzione d'insieme è uno dei mezzi espressivi più efficaci. Acquisisce grande importanza nel campo del fraseggio: accenti logici diversamente collocati mutano radicalmente il senso della costruzione musicale. La dinamica di un ensemble è sempre più ampia e ricca di una performance da solista. Un prerequisito per un ensemble coordinato è l'istituzione di colpi comuni e istruzioni di esecuzione nelle parti. Importante è anche la corretta scelta della diteggiatura, che aiuta a superare molte difficoltà pianistiche.
Pertanto, la padronanza della tecnica dell'esecuzione congiunta si basa sulle componenti specifiche del gioco articolare: atterraggio, pedalata, sincronia, unità tempo-ritmica, diversità dinamica.
Le lezioni di accompagnamento servono come logica continuazione delle lezioni nella classe dell'ensemble di pianoforte. Tutti questi sviluppi dovrebbero essere ulteriormente sviluppati e, di conseguenza, è auspicabile che alla fine del corso di formazione gli studenti possano accompagnare, leggere da una vista e suonare musica.
A differenza dei duetti per pianoforte, gli ensemble da camera con la partecipazione del pianoforte (trio per pianoforte, duetti di vari strumenti e pianoforte) si formano raramente in una scuola di musica.Mi è capitato di dirigere un ensemble da camera classico: un trio (violino, violoncello e pianoforte) nelle classi medie e un duetto (violino e pianoforte) nelle classi superiori. Ho riscontrato subito un problema.repertorio per bambini. Possono essere sia opere originali di musica strumentale da camera di compositori nazionali e stranieri, sia trascrizioni. Ad esempio, i bambini si divertono a suonare brani accessibili dal "Children's Album" di P.I. Tchaikovsky e "Album for Youth" di R. Schumann, arrangiato per trio.
Per i pianisti che suonano in un ensemble con strumenti ad arco, il compito è complicato dalla combinazione di strumenti diversi. Ciò causa ulteriori difficoltà in termini di coerenza tecnica e dinamica, nello sviluppo di una sana unità. Mentre i suonatori di archi incontrano il pianoforte come strumento di accompagnamento nelle loro classi professionali, lavorare con un violinista e un violoncellista è un'area sconosciuta per i giovani pianisti.
Camerainsiemeinizialmente presuppone l'uguaglianza dei partner.Studiare in classemusica strumentale, l'insegnante dovrebbe concentrarsi sui suoi migliori esempi. Di solito, la parte del pianoforte in tali opere è piuttosto difficile, quindi dovresti selezionare opere che corrispondano al livello della scuola di musica. Le lezioni devono iniziare con una conoscenza dettagliata dello strumento con cui lo studente suonerà: caratteristiche della struttura, notazione musicale, scienza del suono, ruolo nell'orchestra, ecc.
Prima di tutto, si dovrebbericonsiderare le questioni della dinamica nella direzione della sua mitigazione. Forte, suonando insieme a un violinista e violoncellista, non raggiunge mai la forza che è possibile quando si esegue un programma solista. Insegnare ad ascoltare un partner e stabilire il giusto equilibrio del suono è la legge fondamentale dell'esecuzione d'insieme.
Il pianista-musicista d'ensemble dovrebbe usare il pedale con più parsimonia. Un pedale "grasso" è generalmente controindicato per gli strumenti a corda. È particolarmente importante mantenere la sensibilità del pedale nei punti in cui le corde suonano in modo trasparente, nei lavori con sviluppo polifonico., il pedale è ridotto al minimo. Dovresti rimuovere molto accuratamente il pedale alla fine delle frasi congiunte, quando la cessazione del suono dovrebbe essere simultanea con l'arresto dell'archetto.
Il pianista deve conoscere la tecnologia degli strumenti a corda, la loro specificità di colpo per avvicinare il suono del pianoforte al carattere di estrarre il suono dello strumento in luoghi appropriati (pizzicato, flagioletto), e anche tenere conto del registro in quale viene eseguita una data frase o tratto (stacco, legato).
N. Perelman ha osservato: "Per tutti gli strumenti a corda"tenuto"- azione, solo per il pianoforte è inazione, ma, per fortuna, immaginaria. La statica esterna qui è sostituita da dinamiche tese di udito, attenzione e controllo.
Il pianista - suonatore d'insieme deve adattarsi all'esecuzione congiunta degli accordi. Come sai, gli strumentisti li "rompono" e devi raccogliere la parte superiore dell'accordo, saltando quella inferiore. Dovresti anche tenere conto dei momenti di transizione da una corda all'altra o del cambio di posizione durante i salti.
È necessario stabilire la comunanza di fraseggio di leghe e tratti in modo che coincidano esattamente in punti simili.
Il miglioramento continuo dell'ensemble richiede la tecnica di "raccogliere" passaggi di scala - un'introduzione e un trasferimento accurati della voce principale da una parte all'altra.
Uno dei principali indicatori della qualità dell'esecuzione in ensemble è la sincronicità del suono. È necessario che tutte le accelerazioni e le decelerazioni del ritmo siano sentite ed elaborate, senza essere memorizzate una volta per tutte. Quando si lavora sulla coerenza d'insieme, è necessario imparare il brano a un ritmo lento. È a un ritmo lento che verranno identificate ed eliminate varie imprecisioni, gli elementi principali del piano delle prestazioni verranno elaborati e corretti. Quando si suona un'opera a un tempo medio, è consigliabile prima di tutto prestare attenzione al fatto che l'esecuzione rivela sviluppo musicale, dinamica e agogica. Anche quando i lavori su un'opera sono in fase di ultimazione, è consigliabile tornare periodicamente a un ritmo lento e medio. Un principio simile dovrebbe essere osservato quando si lavora su sfumature dinamiche. A differenza dell'esibizione da solista, la variazione del modello dinamico durante un'esibizione pop da parte di uno dei musicisti dell'ensemble può influire negativamente sulla qualità dell'esecuzione, distruggendo l'integrità e l'espressività del suono.
Il risultato di un lavoro scrupoloso e multilaterale è un concerto. Per qualsiasi esecutore, specialmente per un ensemble inesperto, entrare in una grande sala è sempre stressante. Le lezioni di prova si svolgono in aula, in acustica da camera, naturale per la produzione di musica d'insieme. In classe si sviluppano il modo e il tono appropriati delle osservazioni, si misurano i parametri -F EP , si stabilisce un contatto tra i partner, cioè si sentono abbastanza naturali e liberi.
Tuttavia, la prima prova in sala può portare più dolore che gioia, sia all'ensemble stesso che al suo leader. I partner non sentono bene se stessi e l'un l'altro e stanno chiaramente vivendo un disagio psicologico. Dell'ex performance di classe, brillante e convincente, rimane solo un ricordo. Ruvidità che sembravano insignificanti in classe possono trasformarsi in difetti sul palco, a volte influenzando l'interpretazione dell'opera nel suo insieme. In una situazione del genere, l'insegnante deve cambiare i suoi piani, stabilire nuovi obiettivi per l'ensemble. Molti insegnanti e musicisti praticano la cosiddetta "corsa" - un'esecuzione continua di un brano dall'inizio alla fine, invitando solitamente studenti e amici della classe "per il pubblico". Tali prove - i concerti aiutano non solo a sentire l'integrità della performance, ma anche ad adattare gli artisti al palcoscenico. Il palco del concerto serve come una buona prova del lavoro svolto.
L'ensemble da camera è una sorta di comunicazione musicale, co-creazione.Da qui la conclusione: in un'orchestra o in un'esibizione da solista, il comando di un solo uomo è obbligatorio e in un ensemble - solo l'uguaglianza.
La musica d'insieme in una scuola di musica ha un enorme potenziale di sviluppo per l'intero complesso delle capacità degli studenti: gli orizzonti musicali, l'intelletto del musicista si stanno espandendo, il gusto artistico viene allevato e formato, la comprensione dello stile, della forma, contenuto del lavoro svolto. Le risorse vengono mobilitate, appare il significato delle lezioni, il bambino sente il successo, l'unica fonte di forza e motivazione interne. E quando lo studente riceve soddisfazione dal lavoro congiunto svolto, prova la gioia del sostegno reciproco - possiamo presumere che le classi della classe d'insieme abbiano dato il risultato desiderato.
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Suonare il pianoforte a quattro mani è una sorta di esecuzione musicale congiunta che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale viene ancora praticata. Il valore pedagogico di questo tipo di fare musica in comune non è sufficientemente conosciuto e quindi è usato troppo raramente nell'insegnamento. Sebbene i benefici dell'ensemble per lo sviluppo degli studenti siano noti da molto tempo.
Il crescente interesse per vari ensemble da camera ha reso particolarmente rilevante il compito di educare i musicisti di ensemble. Questo compito, che è necessario risolvere in tutte le fasi dell'educazione, a partire dai primi, ci fa dare uno sguardo nuovo alla possibilità di fare musica in duetto.
Qual è il vantaggio di fare musica d'insieme? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo musicale generale degli studenti?
Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Davanti al musicista ci sono opere di vari stili artistici di epoche storiche. Va notato che il suonatore d'insieme si trova allo stesso tempo in condizioni particolarmente favorevoli - insieme al repertorio indirizzato al pianoforte vero e proprio, può anche utilizzare clavicembali d'opera, arrangiamenti di opere sinfoniche da camera-strumentali e vocali. In altre parole, l'esecuzione in ensemble è un costante e rapido cambiamento di nuove percezioni delle impressioni delle "scoperte", un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diversificate. Il significato del suonare in ensemble: ampliare gli orizzonti di ciò che gli studenti conoscono in musica, reintegrare il fondo delle sue impressioni uditive, arricchire l'esperienza professionale, aumentare il bagaglio di informazioni specifiche, ecc. è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale.
La musica d'insieme crea le condizioni più favorevoli per la cristallizzazione delle qualità musicali e intellettuali dello studente. Perché, in quali circostanze? Innanzitutto, poiché il gioco d'insieme è una forma di lavoro intraclasse, in fondo non viene portato in scena. Lo studente tratta il materiale con le parole di V.A. Sukhomlinsky "non per memorizzare, non per memorizzare, ma perdonami per il bisogno di pensare, scoprire, scoprire, finalmente, stupirmi" (00 p. 00). Ecco perché c'è un atteggiamento psicologico speciale durante le lezioni nell'ensemble. Il pensiero musicale migliora notevolmente la percezione diventa più luminoso, vivace, affilato tenace.
Garantendo un flusso continuo di impressioni fresche e diverse di esperienze, la produzione di musica d'insieme contribuisce allo sviluppo del "centro della musicalità": la reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di un orecchio musicale di immaginazione artistica. Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano anche le possibilità del pensiero musicale (la generalizzazione delle caratteristiche essenziali di un gran numero di fatti musicali stimola la formazione di un sistema di concetti).
Sulla cresta di un'onda emotiva, c'è un aumento generale delle azioni musicali e intellettuali. Da ciò ne consegue che le lezioni di esecuzione d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o l'accumulo di informazioni teorico-musicali e storico-musicali - queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale . Quindi suonare a quattro mani è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. È nel processo dell'esecuzione d'insieme che i principi didattici di base dell'educazione allo sviluppo menzionati in precedenza vengono pienamente e distintamente rivelati: a) un aumento del volume del materiale musicale eseguito nell'insegnamento e b) un'accelerazione del ritmo del suo passaggio. Pertanto, un gioco d'insieme non è altro che l'assimilazione di un massimo di informazioni in un tempo minimo.
Lo sviluppo dell'intelletto musicale professionale riceve una visione completa solo se si basa sulla capacità di apprendere attivamente in modo indipendente per ottenere le conoscenze e le abilità necessarie senza un aiuto esterno per navigare nell'intera varietà di fenomeni dell'arte musicale. Nei processi di formazione del pensiero musicale gioca un ruolo non solo cosa e quanto è stato acquisito dagli allievi-esecutori durante le lezioni sullo strumento, ma anche come sono state fatte queste acquisizioni, in che modo sono stati raggiunti i risultati. Il requisito dell'iniziativa e dell'indipendenza delle azioni mentali dello studente riflette il quarto dei principi dell'educazione allo sviluppo in generale.
Il problema della formazione dell'attività e dell'indipendenza del pensiero dello studente ai nostri giorni ha acquisito un suono particolarmente vivido; la sua rilevanza è strettamente correlata al compito di intensificare l'apprendimento e rafforzare il suo effetto sullo sviluppo. L'indipendenza delle operazioni mentali è un fattore che assicura lo sviluppo stabile dell'intelletto dello studente. L'attività intellettuale basata su un approccio indipendente è un obiettivo importante per un insegnante di qualsiasi specialità. Quanto più le azioni educative dell'animale domestico della classe esecutore si avvicinano alle azioni pratiche del musicista-interprete, tanto più favorevoli sono le condizioni per la formazione dell'autonomia della creazione artistica dello studente. L'interpretazione della musica, la comprensione e l'esecuzione della divulgazione del suo contenuto figurativo e poetico è un modo efficace per diventare un intelletto professionale di un musicista.
L'effetto di sviluppo del fare musica d'insieme si manifesta solo quando si basa su una base metodologica razionale. Ciò include la politica del repertorio e l'organizzazione appropriata del lavoro sul lavoro e metodi ponderati di orientamento pedagogico. Comporremo la "tecnologia" sviluppata della creazione di musica d'insieme e le scoperte metodologiche di insegnanti innovativi che lavorano nel sistema di formazione educativa generale degli studenti. Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. La loro decisione determina l'organizzazione del repertorio del processo di apprendimento. lavorare su un'opera è il principale tipo di attività educativa nelle classi di discipline musicali e performative. Il suo potenziale di sviluppo cresce se la selezione del repertorio d'insieme viene effettuata sulla base della somiglianza delle opere in una serie di caratteristiche importanti (lo stile dei singoli mezzi di espressività musicale, il tipo di trama e tecnica del pianoforte) nei blocchi originali. La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali dei fatti delle abilità creerà le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione, che contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale. Questo processo è particolarmente evidente quando gli studenti padroneggiano lo stile musicale. La maggior parte degli insegnanti di musica di spicco come G.G. Neugauz N.N. Shumnov sottolinea la necessità di un'ampia conoscenza del lavoro dell'autore dell'opera in esame. Tale requisito risponde al principio di fondarsi sul contenuto teorico della materia oggetto di studio, legando la formazione pianistica all'origine del corso delle discipline teoriche musicali.
L'organizzazione "a blocchi" del materiale musicale viene utilizzata anche per padroneggiare determinate forme e generi di opere musicali, mezzi per eseguire l'espressività. Questo principio può essere considerato equivalente ai principi dell'attuazione di grandi blocchi da parte dei rappresentanti della pedagogia della cooperazione. La forma dell'ensemble è la più appropriata per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per sviluppare la reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. L'ascesa dell'energia creativa dello studente aiuta a far fronte a molte difficoltà della crescita pianistica. Il repertorio per la creazione di musica d'insieme può includere arrangiamenti per pianoforte e trascrizioni di musica da camera e opera-sinfonica, nonché composizioni apprezzate dal pubblico amatoriale. La scelta delle opere è soggetta sia alla prospettiva di sviluppo dello studente che agli obiettivi di apprendimento. L'insegnante tiene conto del grado di sviluppo musicale e pianistico dello studente, dei suoi risultati e delle carenze del repertorio passato. In termini di difficoltà, ogni opera dovrebbe corrispondere all'ulteriore sviluppo delle sue capacità musicali e pianistiche, tenendo conto della loro obbligatoria versatilità. Pertanto, la forma d'insieme dello studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione in anticipo rispetto alla definizione degli obiettivi della libera scelta dell'educazione senza coercizione. Questa forma di lavoro comporta una politica di repertorio più flessibile e audace volta allo sviluppo armonioso completo dello studente.
La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee principali della pedagogia della cooperazione: cambiare il rapporto tra l'insegnante e lo studente, i principi della definizione degli obiettivi e dell'educazione creativa. Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, l'esecuzione congiunta di musica d'insieme è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti: atterrare, impostare le mani, studiare la tastiera, modi per suonare le note, contare le pause, i tasti, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere quello principale: in questo periodo cruciale, non solo mantenere l'amore per la musica, ma anche sviluppare un interesse per le attività musicali. Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. Dopotutto, per qualche tempo l'insegnante diventa la personificazione del musicista e della persona ideali. Eseguendo la canzone più semplice, l'insegnante è ispirato dal suo stato d'animo ed è più facile per lui trasmettere questo stato d'animo e ispirazione allo studente. Questa esperienza congiunta di musica è il contatto più importante che spesso è decisivo per il successo dello studente. Così. l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali per lavorare su un'immagine artistica. E, cosa più importante, questo contatto musicale di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Questo risveglio dell'iniziativa di una tensione attiva alla realizzazione è il primo successo nel lavoro pedagogico e il criterio principale per il corretto approccio allo studente. "Nell'ensemble insegnante-studente, l'unità è stabilita non solo tra i due, ma soprattutto, un effetto armonico tra lo studente e il compositore attraverso il mezzo dell'insegnante", sottolinea Neuhaus G.G. Il gioco di uno studente in un ensemble con un insegnante include la possibilità di trasferire l'esperienza musicale e di vita del credo esecutivo e le visioni estetiche dell'insegnante allo studente direttamente nel processo di esecuzione di un brano musicale.
Si noti anche l'originalità dell'eco con i riscontri metodologici della pedagogia della cooperazione. I dati dell'analisi teorica dell'opera (confronto delle caratteristiche del piano tonale del linguaggio armonioso della trama della melodia dell'atto) sono veri e propri segnali di riferimento. L'analisi emotiva ed estetica delle opere si riflette nella fissazione verbale o grafica di un programma emotivo soggettivo - una catena di stati d'animo vissuti dall'esecutore (V. Medushevsky, V. Ratnikov, K. Tsaturyan, Ts. Nasyrova). Pertanto, i principi dei segnali di riferimento hanno trovato una varietà di soluzioni metodologiche nella pedagogia del pianoforte.
Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della creazione di musica d'insieme ti consente di trovare il carattere e la forma di valutazione più ottimali. Di norma, questo tipo di lavoro non è soggetto a esami e non è soggetto a rigidi criteri di valutazione. E quindi, i bambini che svolgono questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare insieme. Fare musica d'insieme comporta anche forme di controllo come le “conversazioni al pianoforte”, riunioni collettive su un argomento prestabilito. L'ultima opzione è l'incarnazione dell'idea di pedagogia della cooperazione sulla creatività collettiva degli studenti. La pedagogia pianistica in quest'area ha le sue tradizioni provenienti da A.G. e N.G. Rubensteinov, V.N. Safonov. N.K. Medtner, G.G. Neuhaus. La forma del fare musica d'insieme è l'area dell'azione più visiva e attiva dei principi della pedagogia della cooperazione e, allo stesso tempo, un esempio della loro rifrazione creativa secondo i compiti e le caratteristiche della pedagogia musicale. Il gioco d'insieme è terreno fertile per la nascita di un prodotto collettivo in un'atmosfera di collaborazione. Sopperisce alla mancanza di formazione individuale e la creazione di musica d'insieme, durante la quale avviene la creazione congiunta di un'immagine, è il modo per risolvere questo problema.
Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. Imparare elementare a suonare il pianoforte - un'area di lavoro con uno studente che ha le sue caratteristiche specifiche I principi di tenere conto delle caratteristiche crescenti dello studente emergono chiaramente. I bambini iniziano a conoscere la musica e lo strumento all'età di 0 - 0 anni. Questa è la transizione dall'attività di gioco a quella educativa e cognitiva. Dopo aver ricevuto una serie di conoscenze e abilità preparatorie, lo studente inizia a padroneggiare le basi soprattutto del pianoforte. E immediatamente compaiono molti nuovi compiti: atterrare l'impostazione delle mani, contare le note, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. È importante che il passaggio dal gioco alle attività educative e preparatorie avvenga in modo più fluido e indolore. E in questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Fin dalla prima lezione, lo studente è coinvolto nella produzione musicale attiva. Insieme all'insegnante suona brani semplici ma già artistici. I bambini provano immediatamente la gioia della percezione diretta anche di un granello d'arte. “La performance congiunta dell'insegnante e dello studente collega l'udito dei bambini a quello che Busoni chiamava “il chiaro di luna che si riversa sul paesaggio”. Intendo il pedale del pianoforte. Il suono riprodotto con il pedale diventa più ricco e contribuisce a uno sviluppo più intenso dell'immagine sonora. (00 sec. 000)
Il ruolo del gioco d'insieme nella formazione di una personalità sviluppata in modo completo di un bambino negli istituti di istruzione aggiuntiva.
L'arte musicale gioca un ruolo enorme nella formazione di una personalità creativa, spiritualmente ricca e sviluppata in modo completo. Influenzando la sfera emotiva del bambino, le lezioni di musica formano il gusto e il carattere del bambino, sviluppano il pensiero creativo, influenzano la sfera morale, educando così il bambino non solo come musicista, ma anche come persona.
L'ensemble che suona strumenti musicali offre un'opportunità per lo sviluppo completo dello studente. La musica d'insieme migliora la capacità di leggere da un foglio, sviluppa l'udito e il sentimento ritmico. Insieme a questo, suonare in un ensemble insegna l'interazione: la capacità di ascoltare un partner, recitare la tua parte per far parte di un'esibizione musicale e non un solista.
Negli istituti di istruzione aggiuntiva, c'è l'opportunità di impegnarsi non solo in un ensemble di pianoforte, ma anche di unire artisti su vari strumenti in un ensemble, il che amplia notevolmente le possibilità del repertorio. È noto che il pianoforte ha un repertorio particolarmente ricco: attraverso l'esecuzione, lo studente può familiarizzare con la musica operistica-sinfonica, da camera-strumentale, vocale-corale. Pertanto, quando diversi strumenti vengono combinati in un ensemble, si verifica un arricchimento reciproco in termini di repertorio, si acquisiscono nuove esperienze musicali ed esecutive, si sviluppano capacità e abilità musicali (orecchio musicale, memoria, sensazione ritmica, capacità motorie). E in generale, lo studente sviluppa interesse per l'arte musicale e la performance.
Suonare in un ensemble implementa i principi dell'apprendimento evolutivo come:
-aumento della quantità di materiale utilizzato nel lavoro educativo e pedagogico(Espansione della struttura del repertorio.)
Pertanto, un lavoro tecnicamente complesso può essere facilitato arrangiando per due o più esecutori, senza perdere la presentazione materica e il suono del registro. Pertanto, c'è un'espansione dell'esperienza uditiva degli studenti e un aumento del numero di repertori trasmessi.
-Il principio di accelerare il ritmo di passaggio di parte del materiale educativo(perché il lavoro di rifinitura del repertorio spesso consuma molto tempo a scapito dello sviluppo musicale generale).
In questo caso, il compito non è rifinire il lavoro per portarlo sul palco del concerto. Questo principio - un passaggio introduttivo di un'opera, o la lettura da un foglio - contribuisce all'accumulo di esperienza musicale e uditiva, lo studente acquisisce il "bagaglio musicale", conosce il lavoro e le biografie di vari compositori.
-Sviluppo dell'iniziativa creativa.
Lo sviluppo dell'iniziativa creativa è il principio dell'allontanamento dai metodi passivi di attività, quando l'insegnante agisce in modo autorevole. Poiché lo sviluppo è possibile in linea con l'attività mentale indipendente e la risposta emotiva.
Ci sono alcuni problemi nella performance d'insieme che dovrebbero essere presi in considerazione:
1) tempo-ritmico,
2) pausa,
3) presa simultanea, rimozione di suoni,
4) comprensione della trama,
5)pedalare,
6)dinamica.
1)Problemi di esecuzione tempo-ritmica.
Spesso, quando si suona in un ensemble, gli studenti hanno la tendenza ad accelerare (principalmente in brani di un piano tecnico, brillante e dinamico). L'accelerazione del tempo si verifica in parti del brano in cui la dinamica è migliorata. Pertanto, è molto importante focalizzare l'attenzione degli studenti su questo e seguire le istruzioni sul tempo dell'autore.
2)Problemi di pausa.
Con lunghe pause che si verificano nella festa, per evitare discrepanze, puoi invitare lo studente a cantare l'episodio che suona dal partner.
3)Presa simultanea, rimozione di suoni.
La sincronicità è uno dei requisiti tecnici per suonare insieme. È qui che le partnership sono importanti. Gli studenti devono imparare a dare un segno per una cattura congiunta, o rimozione di un suono, o di un accordo. L'introduzione e il rilascio del suono si ottengono più facilmente quando i partner ottengono il tempo giusto prima dell'inizio del gioco.
La tecnica per trasferire un brano o una melodia da una parte all'altra, "di mano in mano", viene elaborata in classe. Gli studenti devono imparare a raccogliere una frase incompiuta e passarla a un partner senza strappare il tessuto musicale.
4)Comprendere le caratteristiche materiche dell'opera.
Quando si suona in un ensemble, gli studenti devono capire in quali momenti del brano la parte che esegue è di fondamentale importanza, e in quale svolge il ruolo di accompagnamento, e dove entrambe le parti hanno uguale importanza.
A volte nel gioco d'insieme c'è un problema di interazione personale dei bambini, quando entrambi i bambini si considerano leader. Pertanto, l'insegnante deve tenere conto delle caratteristiche psicologiche dei suoi studenti e, sulla base di ciò, combinarle in un insieme. D'altra parte, in questo caso, i ragazzi imparano un lavoro di squadra efficace, la capacità di ascoltare le opinioni degli altri, sviluppare qualità volitive e iniziano anche a sentirsi parte di un'intera performance musicale, dipingendo in un unico multicolore tavolozza musicale.
I partner dovrebbero essere in grado di "condividere la tastiera", se parliamo di un ensemble di pianoforte, come tenere i gomiti per non interferire l'uno con l'altro.
5)Pedalare.
L'opera è pedalata dall'esecutore della parte seconda o, poiché di solito serve come fondamento della melodia. Pertanto, è importante che l'esecutore di questa parte ascolti non solo la propria parte, ma anche la parte del suo partner, nonché il suono simultaneo di entrambe le parti.
6)Dinamica.
Gli ensemble devono rappresentare il piano dinamico generale del brano. Conoscere la sfumatura, il climax, il fraseggio del lavoro e simili. La creazione di un'unica composizione dinamica logica crea un'interpretazione competente dell'opera.
Un aspetto importante nella performance d'insieme è la selezione del repertorio.
I seguenti criteri dovrebbero essere presi in considerazione nella scelta del materiale educativo:
Estetico,
Psicologico,
Musicale e pedagogico.
Il criterio estetico comporta la selezione di opere di significato estetico e artistico. Ai bambini dovrebbe essere insegnata la buona musica di vari generi ed epoche, formando il gusto e la capacità di sentire il bello.
La musica classica e moderna di alto livello incoraggia il bambino ad essere creativo.
Una varietà di materiale stilistico e di genere dà un incentivo a ulteriori lezioni di musica. Quando si sceglie il materiale musicale, è importante tenere conto del fattore psicologico. Il contenuto delle opere dovrebbe corrispondere all'età, all'esperienza di vita e alle caratteristiche psicologiche della personalità del bambino. Allo stesso tempo, è possibile includere nel repertorio opere più complesse rispetto al precedente livello di opere, determinando così le prospettive di ulteriore sviluppo degli studenti.
I criteri musicali e pedagogici implicano la scelta di opere che corrispondono al contenuto tematico del programma. Quando si sceglie un repertorio, vengono presi in considerazione non solo i compiti musicali e di esecuzione, ma anche il temperamento, l'abilità artistica, l'intelligenza del bambino, nonché i suoi desideri. Ad alcuni studenti piace eseguire brani di carattere cantilena, mentre altri sono brani tecnici e commoventi. Se a un bambino letargico e lento viene chiesto di suonare un brano brillante a un ritmo commovente, difficilmente ci si può aspettare il successo, ma suonare tali brani è necessario per lo sviluppo di queste qualità.
Pertanto, la forma d'insieme di studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione: anticipazione, libera scelta, apprendimento senza coercizione. Questa forma di lavoro è finalizzata allo sviluppo armonioso completo della personalità del bambino.
Quindi, da quanto precede, possiamo concludere che la produzione di musica d'insieme contribuisce all'attuazione dei principi dell'educazione allo sviluppo.
Aiuta lo sviluppo di una personalità creativa, reintegra il fondo di impressioni uditive, arricchisce l'esperienza professionale, aumentando il bagaglio di conoscenze specifiche. Favorisce lo sviluppo di un complesso di abilità specifiche: orecchio per la musica, sensibilità ritmica, memoria musicale, abilità motorie, sviluppa il gusto, allarga i propri orizzonti. La musica d'insieme può svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale, del pensiero e dell'intelletto di un bambino.
Bibliografia.
1. Tsypin G. Imparare a suonare il pianoforte. M., 1998.
2. Tsypin G. Lo sviluppo di uno studente-musicista nel processo di apprendimento del pianoforte. M., 1993.
3. Yakimanskaya I.S. Educazione allo sviluppo. M., 1999.
4. Gotlib A. Fondamenti di tecnica d'insieme. M., 1989.
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introduzione
L'educazione musicale universale è di grande importanza nell'adempimento dei compiti dell'educazione estetica degli scolari, che impone requisiti moderni alla qualità dell'educazione e alla personalità dell'insegnante. Lo scopo e la specificità dell'insegnamento ai bambini nell'educazione musicale di massa è l'educazione degli amanti della musica alfabetizzati, l'espansione dei loro orizzonti, la formazione di capacità creative di gusto musicale e artistico e, nelle lezioni individuali, l'acquisizione di abilità puramente professionali, la rinascita delle forme del fare musica: suonare in un ensemble, selezionare a orecchio, leggere da uno spartito, trasporre un saggio.
I bambini possono ricevere una formazione più professionale per le scuole musicali per bambini e più accessibile per l'educazione musicale: circoli, studi, scuole d'arte, laboratori musicali, ecc. La particolarità di lavorare con un contingente di tali istituzioni educative e musicali è che è necessario trovare un approccio più creativo. A differenza delle scuole di musica, in tali istituzioni educative e musicali possono studiare i bambini con un'ampia varietà di abilità musicali che hanno espresso il desiderio di studiare. Fondamentalmente, non passano attraverso una rigorosa selezione competitiva.
Le lezioni di pianoforte sono il mezzo più potente di educazione musicale. Pertanto, dovrebbe essere sviluppato, cioè specificamente focalizzato sullo sviluppo completo degli studenti. Trovare la soluzione ottimale al problema dell'insegnamento evolutivo nella classe del pianoforte significa contribuire alla soluzione di questo problema sulla scala dell'intera pratica musicale e pedagogica.
Lo sviluppo dell'educazione ha recentemente guadagnato un posto nella pedagogia del pianoforte. Ci sono nuove opere pedagogiche. Ma non può ancora essere considerato saldamente radicato, perché il tradizionalismo è ancora conservato (non c'è ricerca di una nuova fermata su vecchie forme e metodi di lavoro). Nelle forme e nei metodi tradizionali, l'importante è lavorare
un brano musicale che assorbe il 000% del tempo di studio e sostituisce forme più efficaci in termini di apprendimento evolutivo.
Tra gli immeritatamente offesi - musica d'insieme che suona. Di solito questa forma di lavoro viene utilizzata ma non occupa molto spazio. Ad esempio, i bambini che studiano l'esecuzione musicale nella pratica quotidiana hanno a che fare con un numero limitato di opere, la lezione spesso si trasforma in formazione di qualità esecutive professionali, gli studenti non sviluppano un'attività indipendente e un'iniziativa creativa.
Il valore pedagogico della musica d'insieme non è ben noto. Questo tipo di lavoro non ha ricevuto copertura pratica nella letteratura metodologica. Non esiste un metodo per suonare d'insieme come forma di lavoro educativo nella fase iniziale della formazione musicale degli scolari.
Allo stesso tempo, la produzione di musica d'insieme ha grandi capacità, la cui considerazione ci ha permesso di avanzare la seguente ipotesi: la produzione di musica d'insieme può aumentare l'effetto evolutivo dell'insegnamento del pianoforte e ci consentirà di attuare le idee della pedagogia della cooperazione.
Lo scopo del lavoro è considerare l'esecuzione d'insieme come una forma di educazione allo sviluppo nella classe del pianoforte. Per raggiungerlo, è stato necessario risolvere i seguenti compiti:
0. Considerare lo sviluppo dell'educazione musicale alla luce della moderna pedagogia e psicologia.
0. Studiare il ruolo della musica d'insieme nell'attuazione dei principi dello sviluppo dell'educazione musicale.
0. Rivelare il ruolo dell'ensemble nella formazione delle capacità musicali degli scolari (ritmo, udito, memoria, padronanza della conoscenza teorica delle abilità di gioco)
In conformità con i compiti, il lavoro ha incluso:
0) studio della letteratura;
0) analisi dell'esperienza degli insegnanti - pianisti;
0) proprio lavoro sperimentale e pratico.
La struttura dello studio è determinata dai compiti di cui sopra. Si compone di tre sezioni dell'introduzione e conclusione della bibliografia che contiene 00 riferimenti.
1. Il problema dello sviluppo dell'educazione musicale alla luce della moderna pedagogia e psicologia
1.1 Il problema della correlazione tra formazione e sviluppo nella scienza pedagogica
Formazione in via di sviluppo - formazione che, fornendo la piena assimilazione delle conoscenze, forma attività educative e quindi influisce direttamente sullo sviluppo mentale. Questa è una formazione in cui l'assimilazione della conoscenza funge da processo di lavoro attivo e indipendente dello studente. Pertanto, l'individualizzazione dell'apprendimento è sia una conseguenza di tale apprendimento sia il suo contenuto principale.
I principi dell'educazione allo sviluppo assicurano la consapevolezza dell'apprendimento, l'attività degli studenti, la possibilità del loro lavoro indipendente, ecc. È necessario creare tali condizioni di apprendimento che garantiscano l'interazione dei due lati dell'attività di apprendimento: il pensiero e i processi di osservazione. Il compito di sviluppare l'educazione è il massimo sviluppo possibile di tutte le qualità psicologiche e personali di una persona: capacità, interessi, inclinazioni, processi cognitivi, qualità volitive, ecc. in altre parole, lo sviluppo intensivo e completo delle capacità degli studenti nel corso dell'istruzione.
Le attività educative sono organizzate dall'educazione allo sviluppo, tenendo conto delle caratteristiche di età e delle differenze individuali degli studenti. Nel contesto dell'apprendimento evolutivo, gli studenti, tra gli altri obiettivi di apprendimento, si prefiggono l'obiettivo di padroneggiare il sistema di tecniche di cui hanno bisogno sia per l'ulteriore apprendimento che per attività extrascolastiche indipendenti.
Un'altra componente dell'attività educativa deve essere individuata nelle condizioni di sviluppo dell'educazione: padroneggiare i sistemi di metodi generalizzati di gestione della propria attività educativa (metodi di pianificazione dell'autocontrollo, organizzazione dei propri interessi cognitivi e attenzione). I metodi del lavoro educativo sono strettamente correlati ai metodi di gestione delle attività educative e i metodi del lavoro educativo sono strettamente correlati alla conoscenza. Nelle condizioni dell'educazione allo sviluppo, i metodi del lavoro educativo e la sua gestione servono come base su cui gli studenti acquisiscono le competenze e le abilità pertinenti. Tutto ciò richiederà una ristrutturazione in un certo senso di tutti i collegamenti nell'istruzione. "Affinché il processo di apprendimento sia un processo di formazione della personalità degli studenti, è necessario procedere fin dall'inizio dal riconoscimento di ogni studente come personalità unica e non solo oggetto delle influenze educative ed educative dell'insegnante ( 00 p.00).” Al fine di formare ogni studente come una personalità creativamente attiva e socialmente matura sviluppata in modo completo, è necessario organizzare e condurre il processo educativo secondo i principi pertinenti.
Lo sviluppo completo da un punto di vista psicologico significa il massimo sviluppo possibile di tutte le qualità mentali e personali di una persona. Tale sviluppo dovrebbe essere inteso come l'uguaglianza di opportunità e condizioni per lo sviluppo delle caratteristiche individuali di ciascun individuo al fine di identificare e sviluppare quelle capacità di questo individuo per le quali ha le inclinazioni. Un mare. Anufriev "la cosa principale nello sviluppo globale dell'individuo è creare condizioni reali non solo per lo sviluppo, ma anche per la realizzazione di tutte le potenziali capacità di ogni persona (0 p. 000)"
Il processo educativo, la sua organizzazione e il suo svolgimento devono essere tali da contribuire in ogni modo possibile all'identificazione e alla realizzazione dell'individualità di ogni alunno. Lo sviluppo a tutto tondo della personalità si forma sulla base dell'impegno per un tipo di attività per un tipo di hobby. È importante solo che l'impegno selettivo dell'individuo non si trasformi nella sua unilateralità, ma che questa passione per una materia serva da leva e incentivo per padroneggiare tutta la ricchezza della scienza della cultura dell'arte per lo sviluppo del individuo nel suo insieme.
Il problema del rapporto tra formazione e sviluppo è uno dei più urgenti. La ricerca della sua soluzione ottimale continua attualmente.
La formazione e lo sviluppo sono categorie diverse. L'efficacia dell'apprendimento è misurata dalla quantità e dalla qualità delle conoscenze acquisite e l'efficacia dello sviluppo è misurata dal livello raggiunto dalle capacità degli studenti. Più K.D. Ushinsky sosteneva che l'istruzione fosse evolutiva. Ma a quei tempi il problema dell'educazione allo sviluppo non poteva essere risolto in modo soddisfacente perché le classi dirigenti non erano interessate allo sviluppo mentale della popolazione e la penetrazione della conoscenza scientifica nei programmi educativi era limitata. Ecco perché a quei tempi c'era la tendenza a sviluppare la mente del bambino non sulla base dell'assimilazione della conoscenza scientifica, ma sulla base di speciali esercizi logici.
Nelle opere di psicologi domestici: L.S. Vygotskij B.G. Ananyeva A.n. Leontieva L.V. Zankov - ha teoricamente motivato la necessità di organizzare la formazione per lo sviluppo avanzato, nonché la disposizione su due zone di sviluppo interconnesse: attuale e immediata. Se l'allenamento è in anticipo rispetto al livello attuale e rende attive le forze che si trovano nella zona di sviluppo prossimale, soddisfa il bisogno di conoscenza del bambino, gli dà gioia, è vissuto come un'attività entusiasmante. Allo stesso tempo, l'orientamento degli studenti al domani determina la necessità di affidarsi all'assistenza della collaborazione dell'insegnante. "Il punto centrale per tutta la psicologia è la possibilità di elevarsi in collaborazione al più alto livello intellettuale, la possibilità di transizione da ciò che il bambino può a ciò che non può (0 p. 000)."
Affrontare correttamente la questione del rapporto tra sviluppo e apprendimento è di fondamentale importanza. Ogni concetto di apprendimento è centrale. Ogni concetto di apprendimento include un certo concetto di sviluppo e viceversa. Il bambino si sviluppa attraverso l'educazione e l'apprendimento. Ciò significa che l'educazione e l'istruzione sono incluse nel processo stesso di sviluppo del bambino e non sono costruite su di esso. Il compito dell'istruzione e della formazione è quello di plasmare lo sviluppo.
Se lo studente comprende le basi di quelle operazioni che possiede, allora il loro studio dà un certo contributo al fondo del suo sviluppo. Se, attraverso esercizi ripetuti, un bambino impara a eseguire determinate operazioni senza rendersene conto, ciò non lo fa avanzare nello sviluppo generale.
La psicologia moderna ritiene che l'apprendimento e lo sviluppo non siano processi adeguati. Allo stesso tempo, questi processi sono strettamente interconnessi e rappresentano un'unità. Lo sviluppo viene effettuato durante la formazione man mano che gli studenti acquisiscono una certa quantità di conoscenza. Con il progredire dello sviluppo, le funzioni mentali vengono ricostruite nella direzione della complicazione, la qualità delle operazioni mentali cambia. L'apprendimento, a sua volta, si basa sui processi di sviluppo. Le proprietà intellettuali dello sviluppo della coscienza dello studente hanno un impatto diretto sul corso della lettura: contenuto, struttura, indicatori di qualità, risultati finali.
Da ciò possiamo concludere che lo sviluppo in modo naturale viene effettuato nel corso dell'allenamento. Ma l'effetto sullo sviluppo dell'apprendimento non è sempre lo stesso. Quali fattori influenzano la funzione evolutiva dell'apprendimento? Decisivo è: la costruzione del processo educativo, il contenuto della forma e dei metodi di insegnamento.
1.2 Pedagogia della cooperazione alla luce del problema dell'apprendimento e dello sviluppo
Lo sviluppo dell'educazione è impossibile da immaginare senza una pedagogia collaborativa. La pedagogia della cooperazione è indissolubilmente legata alle principali direzioni della ristrutturazione della nostra società: la sua democratizzazione e umanizzazione. Il compito della scuola di oggi è attivare l'iniziativa e la creatività dei bambini, per rivelare il potenziale personale di ogni giovane. In senso figurato, la pedagogia della cooperazione è il percorso della personalità dello studente.
Il desiderio di mettere un tale percorso per creare le condizioni per un'educazione "non invadente" è sorto in momenti diversi in diversi paesi. È sufficiente per completare le opere di J. Comenius I. Pestalozzi K. Ushinsky V. Sukhommensky. Questo testimone è stato raccolto da insegnanti moderni - innovatori: Sh. Amonashvili S. Lysenkova I. Volkov V. Shatalov E. Goncharova e altri Le idee e l'esperienza di questi insegnanti sono ora ampiamente riconosciute.
L'idea principale della pedagogia della cooperazione è cambiare la natura delle relazioni interpersonali tra insegnante e studente. Per lei, un atteggiamento tipico è aprire una comunicazione riservata con gli studenti, accettandoli così come sono, comprensione e simpatia. “L'attività educativa dello studente è stimolata non solo dal materiale didattico interessante e dai vari metodi di insegnamento, ma anche dalla natura del rapporto che l'insegnante afferma nel processo di apprendimento. In un clima di amore, benevolenza, fiducia, empatia, rispetto, lo studente accetta facilmente e volentieri il compito educativo e conoscitivo (0 p. 000).
Le relazioni per tipo di cooperazione creano opportunità per l'emergere di un contatto psicologico tra l'insegnante e lo studente. La democratizzazione della comunicazione interpersonale è un ambiente fertile per lo sviluppo delle proprietà psicologiche di base dello studente. Insegnanti - gli innovatori cercano di allontanarsi dai tradizionali metodi di insegnamento informativo per stimolare l'attività cognitiva degli studenti. È importante non "insegnare" ma creare un'atmosfera in cui lo studente stesso e con piacere si unisca al superamento delle difficoltà intellettuali emergenti.
Il rafforzamento dell'attività cognitiva degli studenti, la creazione delle condizioni per la manifestazione della loro indipendenza e iniziativa portano al concetto di insegnamento dell'attività creativa. La comunicazione è una lezione di co-creazione del pensiero comune di partenariato. una lezione di libertà dove ognuno deve esprimersi. Insegnanti - gli innovatori offrono forme di attività creativa collettiva volte a creare studenti per creare un prodotto originale (layout di una poesia, canzone)
L'organizzazione delle attività di valutazione degli studenti acquista grande importanza nella pedagogia della cooperazione. La valutazione di qualsiasi tipo di attività è percepita come una valutazione della sua personalità. Se questa valutazione è negativa, può causare lo sviluppo di una bassa autostima, che forma un complesso di inferiorità e crea tensione nella comprensione reciproca tra insegnante e studente. Pertanto, si propone di modificare la natura e le forme della valutazione a favore del rafforzamento del suo contenuto, sviluppando negli studenti un senso di sicurezza, fiducia nel successo, formando un'adeguata autovalutazione basata sulle capacità di introspezione.
L'idea di aiutare lo studente è di natura profondamente umanistica e costituisce il fondamento della pedagogia collaborativa. I suoi componenti di base possono essere riassunti come un sistema di principi. Tuttavia, va sottolineato che la padronanza delle scoperte individuali di insegnanti innovativi senza la trasformazione da parte dell'insegnante della sua posizione personale nell'assimilazione di una nuova filosofia pedagogica non può essere una garanzia dell'efficacia del processo educativo. Il compito dell'insegnante è utilizzare l'idea e i principi della pedagogia della cooperazione per trovare la propria strada alla ricerca di sussidi didattici ottimali.
Pertanto, la connessione tra i problemi dello sviluppo dell'istruzione e delle relazioni di collaborazione è la più stretta. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione può essere considerata come una delle condizioni più importanti per ottenere un effetto di sviluppo nell'educazione. D'altra parte, un'atmosfera di fraternità tra insegnante e studente può essere stabilita solo quando lo sviluppo di quest'ultimo viene proposto come un obiettivo speciale dell'attività pedagogica. È naturale presumere che le forme ei metodi dell'educazione funzionino. quelli che incarnano più chiaramente le idee dell'educazione allo sviluppo sono anche promettenti in termini di attuazione pratica dei principi della cooperazione. Ecco perché ci siamo rivolti alla forma d'insieme di fare musica nella classe del pianoforte.
Nel nostro lavoro, cercheremo di dimostrare che fare musica d'insieme è la migliore forma di cooperazione tra un insegnante e uno studente che darà un effetto di sviluppo. Ma prima di procedere allo studio di questa forma di lavoro educativo, è necessario considerare i principi dell'educazione allo sviluppo nella pedagogia musicale.
1.3 Principi di educazione allo sviluppo in pedagogia musicale
ensemble musicale che insegna pianoforte
La ristrutturazione in atto sul fronte pedagogico non può lasciare indifferenti insegnanti e musicisti. Influenzando direttamente la sfera emotiva e morale, l'arte musicale gioca un ruolo enorme nella formazione di una personalità spiritualmente ricca dal pensiero creativo. Il contenuto stesso dell'arte richiede una relazione speciale tra insegnante e studente basata sulla comprensione empatica (compassionevole). “La tendenza più importante della pedagogia musicale avanzata del nostro tempo determina in gran parte i suoi metodi. può essere caratterizzato come un desiderio di raggiungere - insieme alla pedagogia generale - lo sviluppo armonioso della personalità umana raggiungendo un equilibrio tra ragione e anima (0 p. 0).
Ma i fenomeni negativi osservati nel sistema dell'educazione generale non hanno scavalcato l'educazione musicale. Molti insegnanti-musicisti vedono il loro compito nello sviluppare un fondo limitato di conoscenze e abilità esecutive negli studenti. Lo stile autoritario dell'insegnamento non stimola lo sviluppo dei sensi dell'intelletto e degli interessi cognitivi degli studenti. Non è un segreto che la maggior parte degli alunni della musica per bambini e delle istituzioni educative abbandoni le lezioni di musica subito dopo la laurea. Non conoscono i metodi del fare musica indipendente e perdono il loro amore per l'arte della musica.
Insieme a questo, la pedagogia ha accumulato la più ricca esperienza di insegnanti di musica eccezionali. Le idee stabilite negli ultimi due decenni nella metodologia dell'apprendimento strumentale sono, in sostanza, l'incarnazione pratica del concetto pedagogico di cooperazione. Esempi brillanti di sviluppo della pedagogia sono le opere dei maestri delle scuole di pianoforte russe e sovietiche: A.G. e N.G. Rubinsteinov V.I. Safonov A.N. Esipova N.S. Zvereva F.M. Blumenfeld K.N. Igumino G.G. Neuhausa L.V. Nikolaeva A.B. Gondelweiser e altri.
Come viene rifratta l'idea di educazione allo sviluppo in relazione alla teoria e alla pratica dell'insegnamento del pianoforte? Tsypin ritiene che, in primo luogo, i metodi e i metodi di insegnamento nel sistema di educazione e educazione musicale di massa dovrebbero essere direttamente correlati alla padronanza dello studente delle opere a lui assegnate e, in secondo luogo, è necessario che gli stessi metodi e metodi di istruzione attività contribuiscono allo sviluppo musicale complessivo degli studenti.
Il problema del rapporto tra formazione e sviluppo è rilevante anche nella pedagogia musicale. Sfortunatamente, ancora oggi molti praticanti sono convinti che la formazione e lo sviluppo nell'esecuzione musicale siano concetti sinonimi. Da qui la sproporzione tra formazione e sviluppo. C'è apprendimento invece che secondo il concetto didattico di L.S. Il "correre avanti rispetto allo sviluppo" di Vygotsky "fugge" di gran lunga da esso, e quindi la formazione di abilità e abilità di gioco professionale esaurisce quasi completamente il contenuto del processo educativo. Il compito di un insegnante che lavora nel sistema dell'educazione musicale di massa è ottenere il massimo effetto di sviluppo possibile. Il rapporto tra l'assimilazione delle conoscenze musicali e delle capacità esecutive, da un lato, e lo sviluppo musicale, dall'altro ... non è affatto così diretto e semplice come a volte sembra ad alcuni insegnanti. L'educazione di massa al pianoforte spesso “può essere tangenziale allo sviluppo e non avere un impatto significativo su di esso; l'addestramento dogmatico che porta all'assimilazione e alla memorizzazione di determinati schemi musicali può rallentare lo sviluppo e distorcere il pensiero dello studente (0 p. 000).
L'impoverimento e la portata limitata del repertorio musicale studiato, il focus ristretto delle lezioni individuali nella classe di pianoforte, lo stile autoritario dell'insegnamento - tutto questo è una manifestazione del concetto secondo il quale lo sviluppo degli studenti è una conseguenza inevitabile di insegnare a coloro che non richiedono cure particolari.
Il lavoro su un brano musicale si trasforma in un fine a se stesso dettato dal desiderio di ottenere voti alti per un'esibizione. Da qui - "allenamento" quando lo studente adempie diligentemente alle numerose istruzioni dell'insegnante, lucidando i contorni sonori esterni della composizione. In sostanza, l'insegnante esegue il lavoro con le mani dello studente.
La lucidatura di più giorni di opere limita nettamente la gamma di opere studiate. Nel frattempo, è l'esperienza musicale accumulata nel lavoro su una varietà di materiale musicale che costituisce la base per lo sviluppo intensivo dello studente. L'apprendimento che fa avanzare lo sviluppo e quindi stimola la necessità di cooperazione richiede un ritmo veloce di apprendimento del materiale con un alto livello di difficoltà. Il fondamento dell'educazione allo sviluppo nelle lezioni di musica e di esecuzione è formato da un sistema di principi che dichiarano un aumento del volume e un'accelerazione del ritmo del passaggio di materiale musicale ed educativo, il rifiuto di un'interpretazione puramente pragmatica delle lezioni e la transizione dall'insegnamento autoritario alla massima autonomia e iniziativa creativa dello studente.
L'istruzione nelle classi performanti di solito porta alla formazione di abilità e abilità locali altamente sviluppate ma allo stesso tempo ristrette. In questo caso, vengono violati gli interessi dello sviluppo dello studente-musicista. Lo sviluppo musicale generale è un processo sfaccettato. Uno dei suoi aspetti importanti è associato allo sviluppo di un complesso di abilità speciali (orecchio musicale, senso del ritmo musicale, memoria musicale). Significativi anche in termini di sviluppo musicale generale sono i cambiamenti interni che vengono migliorati nel campo del pensiero professionale della coscienza artistica dello studente.
La formazione e lo sviluppo dell'intelligenza musicale è stata effettuata nel corso dell'arricchimento dell'esperienza personale dell'individuo. Nel processo di apprendimento del pianoforte, vengono create condizioni ottimali per reintegrare la conoscenza dello studente. Grandi in questo senso sono le possibilità della pedagogia pianistica, che permette agli studenti di entrare in contatto con un repertorio ricco e versatile. Qui sta il potenziale valore dell'aspetto cognitivo della lezione di pianoforte: lo studente può incontrare un numero e una varietà di fenomeni sonori maggiore che in una lezione di qualsiasi altra classe esecutiva.
Imparare a suonare il pianoforte occupa uno dei posti più importanti nell'ampia educazione e educazione musicale. È al centro dei circoli e degli studi della Children's Music School e del VMSh of Music Laboratories, ecc. Il pianoforte è uno strumento dalla più ampia gamma di azione, che svolge un ruolo eccezionalmente importante nell'educazione e nell'educazione musicale di massa, nessuno che abbia a che fare con l'apprendimento della musica può evitare di incontrarlo. Trovare la soluzione ottimale al problema dell'insegnamento evolutivo nella classe del pianoforte significa contribuire alla soluzione di questo problema sulla scala dell'intera pratica musicale e pedagogica.
È l'esecuzione pianistica che ha un potenziale particolarmente ricco in relazione allo sviluppo musicale dello studente. Le risorse educative del fare musica per pianoforte non si limitano al solo lavoro sul repertorio pianistico. Con l'aiuto del pianoforte, qualsiasi musica viene riconosciuta e padroneggiata nella pratica educativa: coro vocale-strumentale da camera-strumentale, ecc. La stessa letteratura per pianoforte ha ampie possibilità di sviluppo, la cui padronanza sistematica è una dimostrazione di una moltitudine dei più diversi fenomeni artistici e stilistici.
Lo sviluppo musicale generale degli studenti è migliorato nel processo di apprendimento. Nella musica, come altrove, lo sviluppo al di fuori dell'insegnamento, in linea di principio, non può essere. I modi per risolvere il problema dello sviluppo musicale generale degli studenti dovrebbero essere ricercati all'interno del processo di apprendimento in un'organizzazione tale da garantire risultati elevati nello sviluppo.
La questione dei principi musicali e didattici volti a raggiungere il massimo effetto evolutivo nell'insegnamento è, in sostanza, il punto culminante centrale nelle questioni in esame. Ci sono quattro principali principi musicali e didattici che, presi insieme, possono costituire una base abbastanza solida per lo sviluppo dell'educazione nelle classi di esecuzione.
1. Aumentare il volume del materiale utilizzato nel lavoro educativo e pedagogico, ampliare la struttura del repertorio rivolgendosi a opere più musicali. Questo principio è di grande importanza per lo sviluppo musicale generale dello studente, arricchendo la sua coscienza professionale con l'esperienza musicale e intellettuale.
2. Accelerazione del ritmo di passaggio di una certa parte del materiale educativo; rifiuto di lunghi periodi di lavoro su opere musicali; installazione sulla padronanza degli esercizi e delle abilità di esecuzione necessari in brevi periodi di tempo. Questo principio fornisce un afflusso costante e rapido di varie informazioni nel processo musicale e pedagogico e contribuisce all'espansione degli orizzonti professionali.
3. Un aumento della misura della capacità teorica delle lezioni di esecuzione musicale, l'uso di una più ampia gamma di informazioni di natura musicale e storica durante la lezione. Questo principio arricchisce la coscienza con sistemi dispiegati.
4. La necessità di lavorare con materiale in cui si manifesti con la massima completezza l'indipendenza dell'iniziativa creativa dell'allievo-esecutore.
Questi sono i principi fondamentali in base ai quali l'insegnamento della musica per l'esecuzione musicale può diventare veramente di natura evolutiva. La loro attuazione pratica influisce sul contenuto dell'educazione, porta in primo piano determinati tipi e forme di lavoro nel processo educativo, non lascia da parte i metodi di insegnamento. “... l'insegnante è chiamato non solo a stare al passo con i tempi, ma anche ad anticiparli. Deve essere un appassionato propagandista e un profondo conoscitore della scienza delle basi di cui insegna, ben consapevole degli ultimi dati in essa contenuti. Ha bisogno di comprendere correttamente e tenere conto nel suo lavoro dei fenomeni e dei processi della vita sociale. È obbligato a verificare costantemente le sue capacità pedagogiche nella misura in cui è in grado di risolvere problemi professionali, di cercare le vie migliori per la mente e il cuore dei bambini ”(00 p. 00).
Si discuterà ulteriormente di come il campo dell'esecuzione musicale - l'esecuzione di musica d'insieme aiuti ad attuare i principi dell'educazione allo sviluppo.
Quindi riassumiamo quanto detto:
0. Lo sviluppo viene effettuato nel corso della formazione. La funzione evolutiva dell'apprendimento è influenzata dalla costruzione del processo educativo, dal contenuto della forma e dai metodi di insegnamento.
0. L'attuazione dei principi della pedagogia della cooperazione è la condizione più importante per ottenere un effetto di sviluppo nell'educazione.
0. Fare musica d'insieme è la migliore forma di cooperazione tra insegnanti e studenti che dà un effetto di sviluppo.
2. Il ruolo della musica d'insieme nell'attuazione dei principi dello sviluppo dell'educazione musicale
2.1 La musica d'insieme come metodo di sviluppo globale degli studenti
Suonare il pianoforte a quattro mani è una sorta di esecuzione musicale congiunta che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale viene ancora praticata. Il valore pedagogico di questo tipo di fare musica in comune non è sufficientemente conosciuto e quindi è usato troppo raramente nell'insegnamento. Sebbene i benefici dell'ensemble per lo sviluppo degli studenti siano noti da molto tempo.
Il crescente interesse per vari ensemble da camera ha reso particolarmente rilevante il compito di educare i musicisti di ensemble. Questo compito, che è necessario risolvere in tutte le fasi dell'educazione, a partire dai primi, ci fa dare uno sguardo nuovo alla possibilità di fare musica in duetto.
Qual è il vantaggio di fare musica d'insieme? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo musicale generale degli studenti?
Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Davanti al musicista ci sono opere di vari stili artistici di epoche storiche. Va notato che il suonatore d'insieme si trova allo stesso tempo in condizioni particolarmente favorevoli - insieme al repertorio indirizzato al pianoforte vero e proprio, può anche utilizzare clavicembali d'opera, arrangiamenti di opere sinfoniche da camera-strumentali e vocali. In altre parole, l'esecuzione in ensemble è un costante e rapido cambiamento di nuove percezioni delle impressioni delle "scoperte", un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diversificate. Il significato del suonare in ensemble: ampliare gli orizzonti di ciò che gli studenti conoscono in musica, reintegrare il fondo delle sue impressioni uditive, arricchire l'esperienza professionale, aumentare il bagaglio di informazioni specifiche, ecc. è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale.
La musica d'insieme crea le condizioni più favorevoli per la cristallizzazione delle qualità musicali e intellettuali dello studente. Perché, in quali circostanze? Innanzitutto, poiché il gioco d'insieme è una forma di lavoro intraclasse, in fondo non viene portato in scena. Lo studente tratta il materiale con le parole di V.A. Sukhomlinsky "non per memorizzare, non per memorizzare, ma perdonami per il bisogno di pensare, scoprire, scoprire, finalmente, stupirmi" (00 p. 00). Ecco perché c'è un atteggiamento psicologico speciale durante le lezioni nell'ensemble. Il pensiero musicale migliora notevolmente la percezione diventa più luminoso, vivace, affilato tenace.
Garantendo un flusso continuo di impressioni fresche e diverse di esperienze, la produzione di musica d'insieme contribuisce allo sviluppo del "centro della musicalità": la reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di un orecchio musicale di immaginazione artistica. Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano anche le possibilità del pensiero musicale (la generalizzazione delle caratteristiche essenziali di un gran numero di fatti musicali stimola la formazione di un sistema di concetti).
Sulla cresta di un'onda emotiva, c'è un aumento generale delle azioni musicali e intellettuali. Da ciò ne consegue che le lezioni di esecuzione d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o l'accumulo di informazioni teorico-musicali e storico-musicali - queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale . Quindi suonare a quattro mani è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. È nel processo dell'esecuzione d'insieme che i principi didattici di base dell'educazione allo sviluppo menzionati in precedenza vengono pienamente e distintamente rivelati: a) un aumento del volume del materiale musicale eseguito nell'insegnamento e b) un'accelerazione del ritmo del suo passaggio. Pertanto, un gioco d'insieme non è altro che l'assimilazione di un massimo di informazioni in un tempo minimo.
Lo sviluppo dell'intelletto musicale professionale riceve una visione completa solo se si basa sulla capacità di apprendere attivamente in modo indipendente per ottenere le conoscenze e le abilità necessarie senza un aiuto esterno per navigare nell'intera varietà di fenomeni dell'arte musicale. Nei processi di formazione del pensiero musicale gioca un ruolo non solo cosa e quanto è stato acquisito dagli allievi-esecutori durante le lezioni sullo strumento, ma anche come sono state fatte queste acquisizioni, in che modo sono stati raggiunti i risultati. Il requisito dell'iniziativa e dell'indipendenza delle azioni mentali dello studente riflette il quarto dei principi dell'educazione allo sviluppo in generale.
Il problema della formazione dell'attività e dell'indipendenza del pensiero dello studente ai nostri giorni ha acquisito un suono particolarmente vivido; la sua rilevanza è strettamente correlata al compito di intensificare l'apprendimento e rafforzare il suo effetto sullo sviluppo. L'indipendenza delle operazioni mentali è un fattore che assicura lo sviluppo stabile dell'intelletto dello studente. L'attività intellettuale basata su un approccio indipendente è un obiettivo importante per un insegnante di qualsiasi specialità. Quanto più le azioni educative dell'animale domestico della classe esecutore si avvicinano alle azioni pratiche del musicista-interprete, tanto più favorevoli sono le condizioni per la formazione dell'autonomia della creazione artistica dello studente. L'interpretazione della musica, la comprensione e l'esecuzione della divulgazione del suo contenuto figurativo e poetico è un modo efficace per diventare un intelletto professionale di un musicista.
L'effetto di sviluppo del fare musica d'insieme si manifesta solo quando si basa su una base metodologica razionale. Ciò include la politica del repertorio e l'organizzazione appropriata del lavoro sul lavoro e metodi ponderati di orientamento pedagogico. Comporremo la "tecnologia" sviluppata della creazione di musica d'insieme e le scoperte metodologiche di insegnanti innovativi che lavorano nel sistema di formazione educativa generale degli studenti. Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. La loro decisione determina l'organizzazione del repertorio del processo di apprendimento. lavorare su un'opera è il principale tipo di attività educativa nelle classi di discipline musicali e performative. Il suo potenziale di sviluppo cresce se la selezione del repertorio d'insieme viene effettuata sulla base della somiglianza delle opere in una serie di caratteristiche importanti (lo stile dei singoli mezzi di espressività musicale, il tipo di trama e tecnica del pianoforte) nei blocchi originali. La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali dei fatti delle abilità creerà le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione, che contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale. Questo processo è particolarmente evidente quando gli studenti padroneggiano lo stile musicale. La maggior parte degli insegnanti di musica di spicco come G.G. Neugauz N.N. Shumnov sottolinea la necessità di un'ampia conoscenza del lavoro dell'autore dell'opera in esame. Tale requisito risponde al principio di fondarsi sul contenuto teorico della materia oggetto di studio, legando la formazione pianistica all'origine del corso delle discipline teoriche musicali.
L'organizzazione "a blocchi" del materiale musicale viene utilizzata anche per padroneggiare determinate forme e generi di opere musicali, mezzi per eseguire l'espressività. Questo principio può essere considerato equivalente ai principi dell'attuazione di grandi blocchi da parte dei rappresentanti della pedagogia della cooperazione. La forma dell'ensemble è la più appropriata per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per sviluppare la reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. L'ascesa dell'energia creativa dello studente aiuta a far fronte a molte difficoltà della crescita pianistica. Il repertorio per la creazione di musica d'insieme può includere arrangiamenti per pianoforte e trascrizioni di musica da camera e opera-sinfonica, nonché composizioni apprezzate dal pubblico amatoriale. La scelta delle opere è soggetta sia alla prospettiva di sviluppo dello studente che agli obiettivi di apprendimento. L'insegnante tiene conto del grado di sviluppo musicale e pianistico dello studente, dei suoi risultati e delle carenze del repertorio passato. In termini di difficoltà, ogni opera dovrebbe corrispondere all'ulteriore sviluppo delle sue capacità musicali e pianistiche, tenendo conto della loro obbligatoria versatilità. Pertanto, la forma d'insieme dello studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione in anticipo rispetto alla definizione degli obiettivi della libera scelta dell'educazione senza coercizione. Questa forma di lavoro comporta una politica di repertorio più flessibile e audace volta allo sviluppo armonioso completo dello studente.
La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione. Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee principali della pedagogia della cooperazione: cambiare il rapporto tra l'insegnante e lo studente, i principi della definizione degli obiettivi e dell'educazione creativa. Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, l'esecuzione congiunta di musica d'insieme è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti: atterrare, impostare le mani, studiare la tastiera, modi per suonare le note, contare le pause, i tasti, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere quello principale: in questo periodo cruciale, non solo mantenere l'amore per la musica, ma anche sviluppare un interesse per le attività musicali. Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. Dopotutto, per qualche tempo l'insegnante diventa la personificazione del musicista e della persona ideali. Eseguendo la canzone più semplice, l'insegnante è ispirato dal suo stato d'animo ed è più facile per lui trasmettere questo stato d'animo e ispirazione allo studente. Questa esperienza congiunta di musica è il contatto più importante che spesso è decisivo per il successo dello studente. Così. l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali per lavorare su un'immagine artistica. E, cosa più importante, questo contatto musicale di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Questo risveglio dell'iniziativa di una tensione attiva alla realizzazione è il primo successo nel lavoro pedagogico e il criterio principale per il corretto approccio allo studente. "Nell'ensemble insegnante-studente, l'unità è stabilita non solo tra i due, ma soprattutto, un effetto armonico tra lo studente e il compositore attraverso il mezzo dell'insegnante", sottolinea Neuhaus G.G. Il gioco di uno studente in un ensemble con un insegnante include la possibilità di trasferire l'esperienza musicale e di vita del credo esecutivo e le visioni estetiche dell'insegnante allo studente direttamente nel processo di esecuzione di un brano musicale.
Si noti anche l'originalità dell'eco con i riscontri metodologici della pedagogia della cooperazione. I dati dell'analisi teorica dell'opera (confronto delle caratteristiche del piano tonale del linguaggio armonioso della trama della melodia dell'atto) sono veri e propri segnali di riferimento. L'analisi emotiva ed estetica delle opere si riflette nella fissazione verbale o grafica di un programma emotivo soggettivo - una catena di stati d'animo vissuti dall'esecutore (V. Medushevsky, V. Ratnikov, K. Tsaturyan, Ts. Nasyrova). Pertanto, i principi dei segnali di riferimento hanno trovato una varietà di soluzioni metodologiche nella pedagogia del pianoforte.
Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della creazione di musica d'insieme ti consente di trovare il carattere e la forma di valutazione più ottimali. Di norma, questo tipo di lavoro non è soggetto a esami e non è soggetto a rigidi criteri di valutazione. E quindi, i bambini che svolgono questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare insieme. Fare musica d'insieme comporta anche forme di controllo come le “conversazioni al pianoforte”, riunioni collettive su un argomento prestabilito. L'ultima opzione è l'incarnazione dell'idea di pedagogia della cooperazione sulla creatività collettiva degli studenti. La pedagogia pianistica in quest'area ha le sue tradizioni provenienti da A.G. e N.G. Rubensteinov, V.N. Safonov. N.K. Medtner, G.G. Neuhaus. La forma del fare musica d'insieme è l'area dell'azione più visiva e attiva dei principi della pedagogia della cooperazione e, allo stesso tempo, un esempio della loro rifrazione creativa secondo i compiti e le caratteristiche della pedagogia musicale. Il gioco d'insieme è terreno fertile per la nascita di un prodotto collettivo in un'atmosfera di collaborazione. Sopperisce alla mancanza di formazione individuale e la creazione di musica d'insieme, durante la quale avviene la creazione congiunta di un'immagine, è il modo per risolvere questo problema.
Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. Imparare elementare a suonare il pianoforte - un'area di lavoro con uno studente che ha le sue caratteristiche specifiche I principi di tenere conto delle caratteristiche crescenti dello studente emergono chiaramente. I bambini iniziano a conoscere la musica e lo strumento all'età di 0 - 0 anni. Questa è la transizione dall'attività di gioco a quella educativa e cognitiva. Dopo aver ricevuto una serie di conoscenze e abilità preparatorie, lo studente inizia a padroneggiare le basi soprattutto del pianoforte. E immediatamente compaiono molti nuovi compiti: atterrare l'impostazione delle mani, contare le note, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. È importante che il passaggio dal gioco alle attività educative e preparatorie avvenga in modo più fluido e indolore. E in questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Fin dalla prima lezione, lo studente è coinvolto nella produzione musicale attiva. Insieme all'insegnante suona brani semplici ma già artistici. I bambini provano immediatamente la gioia della percezione diretta anche di un granello d'arte. “La performance congiunta dell'insegnante e dello studente collega l'udito dei bambini a quello che Busoni chiamava “il chiaro di luna che si riversa sul paesaggio”. Intendo il pedale del pianoforte. Il suono riprodotto con il pedale diventa più ricco e contribuisce a uno sviluppo più intenso dell'immagine sonora. (00 sec. 000)
2.2 La musica d'insieme come forma collettiva di attività esecutiva e creativa degli studenti
Fin dai primi passi, è necessario considerare il suonare d'insieme come una forma di fare musica creativa, una forma di creazione nel campo della musica.
"Se un bambino salta le fasi dello sviluppo, non suona musica, ma solo "interpreta" ... non è possibile gettare le basi della musicalità in un'ampia massa di bambini", osserva K. Orff. La musica d'insieme può essere paragonata ad altri tipi di attività esecutive collettive (gruppi teatrali e corali, ensemble di cori vocali e folcloristici, ensemble di strumenti musicali per bambini), tra i quali spicca il famoso "Schulwerk" di K. Orff nel primo posto.
La metodologia dell'educazione musicale per bambini e giovani sviluppata da K. Orff si basa sull'ampio sviluppo dell'iniziativa creativa degli studenti "Schulwerk" contiene materiale per la pratica della musica. Questo tipo di scuola elementare generale di musicalità prima dell'educazione musicale speciale è obbligatoria per tutti i bambini. Il compito dell'educazione musicale, secondo Orfak, è stimolare e dirigere l'immaginazione creativa, la capacità di improvvisare e comporre nel processo di produzione musicale individuale e collettiva. K. Orff consiglia di iniziare l'educazione musicale anche in età prescolare con musica collettiva suonata su strumenti che quasi non richiedono una formazione speciale. Questo è un fattore importante nell'educazione del gusto estetico dei bambini.
Ensemble di pianoforte - può essere considerato una forma di transizione dal tipo semplice dell'orchestra per bambini di K. Orff alla forma solista dell'esecutore al pianoforte. Ti consente di cavartela con tipi semplificati di tecnica pianistica e focalizzare l'attenzione dell'insegnante sulla padronanza delle basi della musica.
K. Orff ritiene che se il bambino non diventa un musicista, l'iniziativa creativa stabilita nelle lezioni di musica influenzerà tutto ciò che farà in età avanzata. Il principio alla base del lavoro su "Schulwerk" è sviluppare l'indipendenza degli studenti in ogni fase, spingerli a ricerche creative.
"Schulwerk" di K. Orff è considerato un manuale per bambini in età prescolare. Le sue collezioni, infatti, sono destinate ai bambini da 0 a 00 anni. Orff credeva che la musica elementare fosse possibile e necessaria a qualsiasi età. Pertanto, l'analogia con l'opportunità di forme collettive di fare musica tra i metodi di educazione musicale e la formazione pianistica è valida anche in relazione agli studenti dei circoli pianistici.
L'ensemble, come forma di fare musica creativa, è ancora più vicino ad altre forme collettive attraverso l'uso dell'improvvisazione congiunta, la selezione a orecchio, la composizione. Queste forme predominano. corrispondono alle caratteristiche psicologiche dell'età della scuola primaria. La particolarità dello sviluppo emotivo si esprime particolarmente attivamente nel desiderio di comunicazione nel desiderio di avvicinarsi alla vita spirituale dei coetanei. I bambini hanno un forte aumento della necessità di correlare le loro esperienze con altre persone. Le forme collettive di classi soddisfano le esigenze degli studenti più giovani, il loro bisogno di espressione artistica, introduce un elemento ludico nella lezione, aiuta a creare un'atmosfera di entusiasmo per le lezioni di musica.
Uno studio sulla teoria dell'educazione musicale dell'età della scuola primaria ritiene che la forma più comune di produzione musicale dei bambini sia l'azione di un piccolo gruppo di studenti. Le lezioni di musica con un piccolo gruppo hanno enormi vantaggi se l'insegnante ha a che fare con bambini che hanno idee musicali e uditive non sufficientemente sviluppate sensibilità musicale e ritmica con bambini timidi che possono essere creativi ma hanno paura di agire in grandi gruppi di coetanei o mostrano isolamento e distacco in privato con un insegnante (in lezioni individuali).
Pertanto, la produzione di musica d'insieme, insieme ad altre forme collettive di lezioni di musica, consente di tenere maggiormente conto sia delle caratteristiche di età di un contingente significativo di studenti sia delle proprietà mentali individuali dei singoli bambini. Quindi, lavorando con una studentessa Katya K., abbiamo riscontrato molta attività, isolamento e silenzio di una ragazza che non si è "separata" anche dopo diverse lezioni. Ma quando lo studente è stato incluso in un duetto per pianoforte con un pari di livello più avanzato e di carattere attivo, il quadro è cambiato. Katya cominciò a sentirsi più rilassata.
La creazione di musica d'insieme consente di includere gli scolari in un ambiente musicale attivo fin dai primi passi della formazione. Hanno l'opportunità di eseguire piccoli brani per ensemble di pianoforte davanti ai loro coetanei già nei primi mesi di lezione. Inoltre, non dimentichiamoci di un'interessante forma di lezioni di musica: un gioco a quattro flussi introdotto da D.B. Cabalsky. Il compito di tali classi è quello di attirare gli studenti all'esecuzione, insieme all'insegnante, di opere figurative non complesse e di piccolo volume ma luminose, e anche di presentarli allo strumento universale dal suono più ricco: il pianoforte.
Da ciò possiamo concludere che l'ensemble di pianoforte è una forma collettiva di educazione professionale di un musicista basata su un metodo di insegnamento di gruppo individuale. Il bambino sviluppa un senso di comunità. La riproduzione creativa individuale di ogni singola parte è combinata in un unico insieme. L'opportunità di ascoltarsi costantemente l'un l'altro, fondere il suono della propria parte con un'altra, l'opportunità di unire le forze per raggiungere un obiettivo comune, così come l'atmosfera delle lezioni di gruppo creano opportunità favorevoli per lo sviluppo delle capacità.
2.3 Il ruolo della musica d'insieme nella formazione delle capacità musicali degli scolari nella fase iniziale dell'istruzione
Nel complesso delle capacità specifiche di un allievo-musicista spiccano quelle primarie: orecchio per la musica, sensibilità ritmica, memoria, capacità motorie ("tecniche"), pensiero musicale. Lo sviluppo delle capacità musicali può avvenire in vari tipi di attività musicali: ascoltare musica, studiare discipline musicali e teoriche. Ma i processi di sviluppo di uno studente-musicista sono particolarmente efficaci quando opera con il materiale con le proprie mani. È questa opportunità che gli offre una performance musicale. "Il modo migliore per padroneggiare un fenomeno è ricrearlo e riprodurlo" (S.I. Savshinsky). In accordo con il compito, consideriamo come il gioco d'insieme contribuisce allo sviluppo accelerato delle capacità musicali dello studente.
0. La formazione delle rappresentazioni del tono del suono è la prima fase dell'educazione uditiva di uno studente. Imparare a suonare il pianoforte inizia con il cosiddetto periodo di donazione. Il suo obiettivo è sviluppare l'udito del tono dello studente del tipo principale di orecchio musicale. A tal fine, la maggior parte degli insegnanti inizia il periodo di donazione con la selezione delle melodie. Questo processo dovrebbe passare al materiale delle canzoni per bambini e popolari, che dovranno essere organizzate in ordine crescente di complessità. Sono ricordati dal bambino e sono selezionati a orecchio da chiavi diverse. Le melodie per la selezione sono utilizzate al meglio con un testo poetico, che contribuisce alla comprensione del lavoro eseguito e facilita la sensazione del ritmo della metropolitana e della struttura della melodia. Nel processo di selezione, il bambino è costretto a cercare la giusta intonazione all'inizio della produzione musicale, che lo conduce al più acuto senso dell'altezza nel modo più breve.
Alcune melodie di canzoni vengono eseguite al meglio in un ensemble con un insegnante. Grazie all'accompagnamento ricco di colori melodici e armonici, la performance diventa più colorata e vivace. Come dimostra la pratica, i bambini prendono parte a questa forma di allenamento con piacere e gioia. “Prima di iniziare a imparare qualsiasi strumento. lo studente deve già padroneggiare spiritualmente un qualche tipo di musica: per così dire, tenerla nella sua mente, indossarla nella sua anima e ascoltarla con il suo orecchio” (00 p. 00).
0. L'udito armonico spesso è in ritardo rispetto al melodico. L'allievo può confrontarsi liberamente all'unanimità ma allo stesso tempo sperimentare difficoltà di orientamento uditivo nella polifonia del magazzino armonico. Riproduci accordo di polifonia verticale - condizioni particolarmente favorevoli per lo sviluppo dell'orecchio armonico. "Nell'interesse di sviluppare l'orecchio armonico di un musicista", scrive L.A. Barenboim ha bisogno di sviluppare in modo persistente e persistente un senso olistico della verticale musicale fin dall'infanzia.
Il mezzo più efficace per sviluppare l'udito armonico è la selezione dell'accompagnamento armonico a varie melodie, che può avvenire come una speciale tecnica educativa uditiva nella maggior parte delle fasi della formazione di un pianista. Ma di regola, un lungo periodo associato al posizionamento delle mani e all'esecuzione di melodie prevalentemente monofoniche non consente al bambino di eseguire immediatamente brani con accompagnamento armonico. In questo caso è consigliabile eseguire brani in ensemble dove l'accompagnamento armonico sarà eseguito da un insegnante o da un altro allievo. Questo permetterà allo studente di partecipare all'esecuzione della musica polifonica fin dalle prime lezioni. Lo sviluppo dell'orecchio armonico andrà di pari passo con quello melodico. il bambino percepirà completamente verticale.
Di recente sono comparsi molti ensemble che abituano immediatamente l'orecchio di un piccolo studente ad armonie piuttosto complesse.
3.1 Caratteristiche della selezione del repertorio e principi di arrangiamento
In molte raccolte, con una quantità significativa di repertorio d'insieme di una varietà di soluzioni materiche, non c'è un focus metodico, lontano da tutte le possibilità del lavoro educativo con gli studenti. I criteri per la selezione del materiale musicale consentono di individuare i seguenti indicatori strettamente correlati: estetico - opere di significato ideologico ed estetico moderno; vari generi e stili che si sono sviluppati nella cultura musicale; opere artisticamente complete e accessibili; psicologico - opere il cui contenuto è consono alla vita e all'esperienza musicale degli scolari sono più complesse rispetto al livello precedente; opere che, in relazione alla vita e all'esperienza musicale degli scolari, sono in successione; opere che vanno oltre l'esperienza musicale della vita degli scolari e determinare la prospettiva del loro sviluppo musicale; musicale e pedagogico - opere corrispondenti al contenuto teatrale del programma; opere su argomenti per bambini; scritti indirizzati ai figli di tutta la terra; opere disponibili per le prestazioni dei bambini (tenendo conto delle caratteristiche della macchina da gioco); opere scritte e arrangiate non solo tenendo conto dei meriti ideologici e artistici delle caratteristiche legate all'età della percezione della musica, ma anche della formazione di rappresentazioni musicali e uditive.
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La metodologia dell'insegnamento a suonare vari strumenti musicali è parte integrante della pedagogia musicale, che considera i modelli generali del processo di apprendimento su vari strumenti musicali e in altre aree della pedagogia.
Fare musica d'insieme come metodo di sviluppo completo degli studenti. Suonare il pianoforte a quattro mani è una sorta di esecuzione musicale congiunta che è stata praticata in ogni momento in ogni occasione ea qualsiasi livello di competenza strumentale viene ancora praticata. Il valore pedagogico di questo tipo di fare musica in comune non è sufficientemente conosciuto e quindi è usato troppo raramente nell'insegnamento.
Sebbene i benefici dell'ensemble per lo sviluppo degli studenti siano noti da molto tempo. Il crescente interesse per vari ensemble da camera ha reso particolarmente rilevante il compito di educare i musicisti di ensemble. Questo compito, che deve essere risolto in tutte le fasi dell'educazione, a partire dal primo, ci fa dare uno sguardo nuovo alla possibilità di fare musica in duetto: qual è il vantaggio di fare musica d'insieme? Per quali motivi è in grado di stimolare lo sviluppo musicale generale degli studenti? Il gioco d'insieme è una forma di attività che apre le opportunità più favorevoli per una conoscenza completa e ampia della letteratura musicale. Davanti al musicista ci sono opere di vari stili artistici di epoche storiche. Va notato che il suonatore d'insieme si trova allo stesso tempo in condizioni particolarmente favorevoli - insieme al repertorio indirizzato al pianoforte vero e proprio, può anche utilizzare clavicembali d'opera, arrangiamenti di opere sinfoniche da camera-strumentali e vocali.
In altre parole, suonare in ensemble è un cambiamento costante e rapido di nuove percezioni di impressioni di scoperte, un intenso afflusso di informazioni musicali ricche e diverse. Il significato dell'esecuzione d'insieme ha ampliato gli orizzonti di ciò che gli studenti conoscono in musica, reintegrando il fondo delle loro impressioni uditive, arricchendo l'esperienza professionale, aumentando il bagaglio di informazioni specifiche, ecc. è in grado di svolgere un ruolo attivo nella formazione e nello sviluppo della coscienza musicale.
La musica d'insieme crea le condizioni più favorevoli per la cristallizzazione delle qualità musicali e intellettuali dello studente.
Perché, in quali circostanze? Innanzitutto, poiché il gioco d'insieme è una forma di lavoro intraclasse, in fondo non viene portato in scena. Lo studente tratta il materiale con le parole di V.A. Sukhomlinsky, non per memorizzare, non per memorizzare, ma perdonami per il bisogno di pensare, scoprire, comprendere, finalmente, stupirmi 00 p.00. Ecco perché c'è un atteggiamento psicologico speciale durante le lezioni nell'ensemble.
Il pensiero musicale migliora notevolmente la percezione diventa più luminoso, vivace, affilato tenace. Garantendo un flusso continuo di impressioni fresche e diverse di esperienze, la produzione di musica d'insieme contribuisce allo sviluppo del centro della musicalità: la reattività emotiva alla musica. L'accumulo di uno stock di rappresentazioni uditive numerose e luminose stimola la formazione di un orecchio musicale di immaginazione artistica.
Con l'espansione del volume della musica compresa e analizzata, aumentano le possibilità del pensiero musicale, la generalizzazione delle caratteristiche essenziali di un gran numero di fatti musicali stimola la formazione di un sistema di concetti. Sulla cresta di un'onda emotiva, c'è un aumento generale delle azioni musicali e intellettuali. Da ciò ne consegue che le lezioni di esecuzione d'insieme sono importanti non solo come un modo per espandere gli orizzonti del repertorio o l'accumulo di informazioni teorico-musicali e storico-musicali - queste lezioni contribuiscono a un miglioramento qualitativo nei processi del pensiero musicale .
Quindi suonare a quattro mani è uno dei modi più brevi e promettenti di sviluppo musicale generale degli studenti. È nel processo dell'esecuzione d'insieme che i principi didattici di base dell'educazione allo sviluppo, menzionati in precedenza, si rivelano in pienezza e chiarezza: un aumento del volume del materiale musicale eseguito nell'insegnamento e un'accelerazione del ritmo del suo passaggio .
Pertanto, un gioco d'insieme non è altro che l'assimilazione di un massimo di informazioni in un tempo minimo. Lo sviluppo dell'intelletto musicale professionale riceve una visione completa solo se si basa sulla capacità di apprendere attivamente in modo indipendente per ottenere le conoscenze e le abilità necessarie senza un aiuto esterno per navigare nell'intera varietà di fenomeni dell'arte musicale. Nei processi di formazione del pensiero musicale gioca un ruolo non solo cosa e quanto è stato acquisito dagli allievi-esecutori durante le lezioni sullo strumento, ma anche come sono state fatte queste acquisizioni, in che modo sono stati raggiunti i risultati.
Il requisito dell'iniziativa e dell'indipendenza delle azioni mentali dello studente riflette il quarto dei principi dell'educazione allo sviluppo in generale. Il problema della formazione dell'attività e dell'indipendenza del pensiero dello studente ai nostri giorni ha acquisito un suono particolarmente brillante, la sua rilevanza è strettamente correlata al compito di intensificare l'apprendimento e rafforzare il suo effetto sullo sviluppo.
L'indipendenza delle operazioni mentali è un fattore che assicura lo sviluppo stabile dell'intelletto dello studente. L'attività intellettuale basata su un approccio indipendente è un obiettivo importante per un insegnante di qualsiasi specialità. Quanto più le azioni educative dell'animale domestico della classe esecutore si avvicinano alle azioni pratiche del musicista-interprete, tanto più favorevoli sono le condizioni per la formazione dell'autonomia della creazione artistica dello studente.
L'interpretazione della musica, la comprensione e l'esecuzione della divulgazione del suo contenuto figurativo e poetico è un modo efficace per diventare un intelletto professionale di un musicista. L'effetto di sviluppo del fare musica d'insieme si manifesta solo quando si basa su una base metodologica razionale. Ciò include la politica del repertorio e l'organizzazione appropriata del lavoro sul lavoro e metodi ponderati di orientamento pedagogico.
Comporremo la tecnologia sviluppata della creazione di musica d'insieme e le scoperte metodologiche di insegnanti innovativi che lavorano nel sistema di formazione educativa generale degli studenti. Ad esempio, prendiamo come esempio la selezione del repertorio. La loro decisione determina l'organizzazione del repertorio del processo di apprendimento. lavorare su un'opera è il principale tipo di attività educativa nelle classi di discipline musicali e performative. Il suo potenziale di sviluppo cresce se la selezione del repertorio d'insieme viene effettuata sulla base della somiglianza delle opere in termini di una serie di caratteristiche più importanti dello stile dei singoli mezzi di espressività musicale, come la trama del pianoforte e le tecniche tecniche in blocchi originali.
La presenza nel lavoro dello stesso tipo di fenomeni musicali dei fatti delle abilità creerà le condizioni per la loro comprensione attiva e generalizzazione, che contribuisce allo sviluppo dell'intelligenza musicale. Questo processo è particolarmente evidente quando gli studenti padroneggiano lo stile musicale. La maggior parte degli insegnanti di musica di spicco come G.G. Neugauz N.N. Shumnov sottolinea la necessità di un'ampia conoscenza del lavoro dell'autore dell'opera in esame.
Tale requisito risponde al principio di fondarsi sul contenuto teorico della materia oggetto di studio, legando la formazione pianistica all'origine del corso delle discipline teoriche musicali. L'organizzazione a blocchi di materiale musicale viene utilizzata anche per assimilare determinate forme e generi di opere musicali mediante l'espressività esecutiva. Questo principio può essere considerato equivalente ai principi dell'attuazione di grandi blocchi da parte dei rappresentanti della pedagogia della cooperazione.
La forma dell'ensemble è la più appropriata per lavorare sul materiale di cui lo studente ha bisogno per uno sviluppo musicale a tutti gli effetti. Una delle condizioni per sviluppare la reattività emotiva alla musica è fare affidamento sugli interessi musicali dello studente. È auspicabile la più attiva partecipazione dello studente alla scelta del repertorio, tenendo conto dei suoi gusti artistici individuali. L'ascesa dell'energia creativa dello studente aiuta a far fronte a molte difficoltà della crescita pianistica.
Il repertorio per la creazione di musica d'insieme può includere arrangiamenti per pianoforte e trascrizioni di musica da camera e opera-sinfonica, nonché composizioni apprezzate dal pubblico amatoriale. La scelta delle opere è soggetta sia alla prospettiva di sviluppo dello studente che agli obiettivi di apprendimento. L'insegnante tiene conto del grado di sviluppo musicale e pianistico dello studente, dei suoi risultati e delle carenze del repertorio passato. In termini di difficoltà, ogni opera dovrebbe corrispondere all'ulteriore sviluppo delle sue capacità musicali e pianistiche, tenendo conto della loro obbligatoria versatilità. Pertanto, la forma d'insieme dello studio del repertorio implementa una serie di principi della pedagogia della cooperazione in anticipo rispetto alla definizione degli obiettivi della libera scelta dell'educazione senza coercizione.
Questa forma di lavoro comporta una politica di repertorio più flessibile e audace volta allo sviluppo armonioso completo dello studente. La cooperazione tra un insegnante e uno studente in pedagogia musicale è intesa come co-creazione.
Nel processo co-creativo di lavorare su un'opera d'arte, sorgono le condizioni per l'attuazione delle idee di base della pedagogia della cooperazione, cambiando il rapporto tra l'insegnante e lo studente, i principi della definizione degli obiettivi e dell'educazione creativa. Per stabilire un contatto creativo reciproco tra un insegnante e uno studente, l'esecuzione congiunta di musica d'insieme è un mezzo ideale. Fin dall'inizio dell'insegnamento a un bambino a suonare uno strumento, compaiono molti compiti, atterrare, impostare le mani, studiare la tastiera, modi per suonare le note, contare le pause, i tasti, ecc. Ma tra l'abbondanza di compiti da risolvere, è importante non perdere quello principale: in questo periodo cruciale, non solo mantenere l'amore per la musica, ma anche sviluppare un interesse per le attività musicali.
Dipende da molte condizioni, tra le quali un ruolo importante è svolto dalla personalità dell'insegnante e dai suoi contatti con lo studente. Dopotutto, per qualche tempo l'insegnante diventa la personificazione del musicista e della persona ideali. Eseguendo la canzone più semplice, l'insegnante è ispirato dal suo stato d'animo ed è più facile per lui trasmettere questo stato d'animo e ispirazione allo studente.
Questa esperienza congiunta di musica è il contatto più importante che spesso è decisivo per il successo dello studente. Così. l'insegnante crea le condizioni per lo sviluppo di vivide impressioni musicali per lavorare su un'immagine artistica. E, cosa più importante, questo contatto musicale di solito contribuisce all'emergere di una maggiore iniziativa nello studente. Questo risveglio dell'iniziativa di una tensione attiva alla realizzazione è il primo successo nel lavoro pedagogico e il criterio principale per il corretto approccio allo studente.
Nell'ensemble insegnante-studente, l'unità è stabilita non solo tra i due, ma soprattutto, l'effetto armonico tra lo studente e il compositore attraverso il mezzo dell'insegnante, sottolinea G.G. Neuhaus. Il gioco di uno studente in un ensemble con un insegnante include la possibilità di trasferire l'esperienza musicale e di vita del credo esecutivo e le visioni estetiche dell'insegnante allo studente direttamente nel processo di esecuzione di un brano musicale.
Si noti anche l'originalità dell'eco con i riscontri metodologici della pedagogia della cooperazione. I dati dell'analisi teorica dell'opera, il confronto delle caratteristiche del piano tonale del linguaggio armonico della trama della melodia dell'atto, sono veri e propri segnali di riferimento. L'analisi emotiva ed estetica delle opere si riflette nella fissazione verbale o grafica del programma emotivo soggettivo - la catena di stati d'animo sperimentati dall'esecutore V. Medushevsky V. Ratnikov K. Tsaturyan Ts. Nasyrova. Pertanto, i principi dei segnali di riferimento hanno trovato una varietà di soluzioni metodologiche nella pedagogia del pianoforte.
Con questa forma di lavoro, il principio di valutazione dell'attività dello studente cambia. Viene rimosso il rischio di una valutazione negativa della prestazione e si pone la possibilità di altre forme di valutazione volte a sviluppare un senso di sicurezza fiducia. La forma della creazione di musica d'insieme ti consente di trovare il carattere e la forma di valutazione più ottimali.
Di norma, questo tipo di lavoro non è soggetto a esami e non è soggetto a rigidi criteri di valutazione. E quindi, i bambini che svolgono questo tipo di lavoro in classe, esibendosi ai concerti, ricevono una carica emotiva positiva dal suonare insieme. Fare musica d'insieme implica anche forme di controllo come conversazioni al pianoforte, riunioni collettive su un argomento predeterminato. L'ultima opzione è l'incarnazione dell'idea di pedagogia della cooperazione sulla creatività collettiva degli studenti.
La pedagogia pianistica in quest'area ha le sue tradizioni provenienti da A.G. e N.G. Rubensteinov V.N. Safonov N.K. Medtner G.G. Neuhaus. La forma del fare musica d'insieme è l'area dell'azione più visiva e attiva dei principi della pedagogia della cooperazione e, allo stesso tempo, un esempio della loro rifrazione creativa secondo i compiti e le caratteristiche della pedagogia musicale. Il gioco d'insieme è terreno fertile per la nascita di un prodotto collettivo in un'atmosfera di collaborazione.
Sopperisce alla mancanza di formazione individuale e la creazione di musica d'insieme, durante la quale avviene la creazione congiunta di un'immagine, è il modo per risolvere questo problema. Il ruolo dell'ensemble nella fase iniziale dell'apprendimento del pianoforte è inestimabile. È il modo migliore per interessare il bambino, aiuta a colorare emotivamente la fase iniziale di apprendimento solitamente poco interessante. Imparare elementare a suonare il pianoforte - un'area di lavoro con uno studente che ha le sue caratteristiche specifiche I principi di tenere conto delle caratteristiche crescenti dello studente emergono chiaramente.
I bambini iniziano a conoscere la musica e lo strumento all'età di 0 - 0 anni. Questa è la transizione dall'attività di gioco a quella educativa e cognitiva. Dopo aver ricevuto una serie di conoscenze e abilità preparatorie, lo studente inizia a padroneggiare le basi soprattutto del pianoforte. E immediatamente compaiono molti nuovi compiti di piantare l'impostazione delle lancette, contare le note, ecc. Spesso questo spaventa il bambino lontano da ulteriori attività. È importante che il passaggio dal gioco alle attività educative e preparatorie avvenga in modo più fluido e indolore.
E in questa situazione, fare musica d'insieme sarà la forma ideale di lavoro con gli studenti. Fin dalla prima lezione, lo studente è coinvolto nella produzione musicale attiva. Insieme all'insegnante suona brani semplici ma già artistici. I bambini provano immediatamente la gioia della percezione diretta anche di un granello d'arte. La performance congiunta dell'insegnante e dell'allievo lega l'udito dei bambini a quello che Busoni chiamava il chiaro di luna che si riversava sul paesaggio. Intendo il pedale del pianoforte.
Il suono riprodotto con il pedale diventa più ricco e contribuisce a uno sviluppo più intenso dell'immagine sonora. 00 sec.000 0.
Fine del lavoro -
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La musica d'insieme come forma di sviluppo della formazione pianistica
Lo scopo e la specificità dell'insegnamento ai bambini nell'educazione musicale di massa è educare gli amanti della musica alfabetizzati, espandere i loro orizzonti, formarli...
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