Jakie są rodzaje instrumentów dętych? Mosiężne instrumenty muzyczne. Główne grupy, ich rola i możliwości

29.03.2019

Róg francuski(z niemieckiego Waldhorn - „róg leśny”, włoski corno, angielski róg, francuski cor) - mosiężny instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym. Wywodzący się z rogu sygnalizacyjnego myśliwskiego, wszedł do orkiestry w połowie XVII wieku. Do lat trzydziestych XIX wieku, podobnie jak inne instrumenty dęte blaszane, nie posiadał zaworów i był instrumentem naturalnym o ograniczonej skali (tzw. „róg naturalny”, którym posługiwał się Beethoven). Róg używany jest w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także jako instrument zespołowy i solowy. Obecnie używany jest głównie w tonacji F (w stroju Fa), w orkiestrach dętych także w Es (w stroju E). Rzeczywisty zakres dźwięku tuby wynosi od H1 (przeciwoktawa B) do f² (druga oktawa F) ze wszystkimi dźwiękami pośrednimi w skali chromatycznej. Nuty na róg zapisywane są w kluczu wiolinowym o jedną piątą wyżej od rzeczywistego dźwięku, a w kluczu basowym o jedną czwartą niżej od rzeczywistego dźwięku (poprzednio zapisywane bez znaków tonacyjnych). Barwa instrumentu jest nieco szorstka w dolnym rejestrze, na fortepianie miękka i melodyjna, na forte jasna i jasna – w środkowym i górnym rejestrze.

Róg dobrze radzi sobie z graniem długich nut (w tym na organach) i melodii o szerokim oddechu. Zużycie powietrza na tym instrumencie jest stosunkowo niewielkie (nie licząc skrajnych rejestrów).

W
Tuba Agnera(niemiecka Wagnertuba, angielska tuba Wagnera, włoska Tuba wagneriana lub Tuba di Wagner, francuska Tuba wagnerien; nazwa pochodzi od nazwiska kompozytora Ryszarda Wagnera) – blaszany instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym, łączący w sobie cechy konstrukcyjne róg i tuba. Nazwa „tuba Wagnera” nie jest do końca trafna, gdyż instrument ten konstrukcją bliższy jest tubie, a dodatkowo posiada ustnik tubowy, dlatego w zdecydowanej większości przypadków grają na nim profesjonalni waltorniści. Bardziej poprawne jest zaklasyfikowanie go jako rodzaju rogu. Jednak istniejąca nazwa rozwinęła się historycznie w kilku językach europejskich. Dźwięk tuby Wagnera przypomina eufonium, dlatego w przypadku braku tego instrumentu w orkiestrze często zastępuje go eufonium.

Wynalezienie tego instrumentu przypisuje się Richardowi Wagnerowi, który jako pierwszy użył go w swoich dziełach. Przypuszczalnie w projektowaniu tuby Wagnera brał także udział wynalazca saksofonu, Adolf Sax. Tuba Wagnera jest używana przez kompozytorów dość rzadko. Najsławniejszy dzieła muzyczne z udziałem tego instrumentu – tetralogię Ryszarda Wagnera „Pierścień Nibelungów”, VII, VIII i IX symfonie Antona Brucknera, balet Igora Strawińskiego „Pietruszka”, opery Ryszarda Straussa „Elektra” i „Kobieta bez cienia”, a także jego „Home Symphony”.

T pocierać (naturalnie), mimo swojej wielowiekowej historii, instrument jest bardzo młody. Jednak to prawda! Trąbka jest dzieckiem postępu technologicznego, jej produkcja związana jest z obróbką metali, a pierwsze instrumenty, które można nazwać trąbką, pojawiły się około 3600 roku p.n.e. – w epoce brązu.

Znane są trąby egipskie z czasów panowania faraona Tutanchamona (1500 p.n.e.), trąby rzymskie: lur, cornu, lituus, buccina. Każda runda postępu niezmiennie odbijała się na jakości i kształcie produkowanych rur. Zmieniła się grubość blachy, z której wykonano narzędzie, poprawiła się jakość połączeń lutowniczych, zmienił się także sam metal, z którego wykonano rurę (brąz, srebro, miedź). Naturalnie istniała różnorodność form instrumentów. Najważniejsze pozostało - cel rury. Przez wieki używany był w orszakach władców oraz jako instrument sygnalizacyjny wśród wojsk.

Wreszcie na początku XVII wieku fajka nabrała innej jakości i kształtu. Tak znali to kompozytorzy, od Monteverdiego i Purcella po Mendelssohna i Berlioza. (Pierwsza wzmianka o wytwórcach instrumentów, takich jak Schnitzer w Niemczech, pochodzi z około 1590 roku.) Przez następne dwa stulecia kształt fajki niewiele się zmieniał. Obecnie nazywamy ten instrument naturalną trąbką. Dźwięki na nim powstają poprzez dmuchanie i budowane są według alikwotów. Ze względu na dużą długość instrumentu, nuta dolna (pedałowa) została umiejscowiona w dużej oktawie, a od ósmego alikwotu można było stosować pasaże przypominające gamę.

„Złotym wiekiem” fajki naturalnej był XVII wiek. Naturalna trąbka błyszczy w dziełach takich mistrzów jak G. Purcell, A. Scarlatti, A. Vivaldi, G.F. Telemanna i osiąga szczyty w muzyce G.F. Handel i J.S. Kawaler. Rola trąbki w muzyce tamtych czasów jest dwojaka. Po pierwsze, trąbka pozostaje instrumentem sygnałowym, a grupa trąbek (zwykle trzech muzyków) wraz z kotłami tworzy świąteczny, zachęcający dźwięk. Po drugie, kompozytorzy wykorzystują górny rejestr trąbki solowej do poruszających fraz i rocznic (np. w sonatach G. Purcella i A. Corelliego, koncertach A. Vivaldiego, G. F. Telemanna, II Koncercie Brandenburskim J. S. Bacha) i znakomicie łączą go z głosem solowym (sześć arii A. Scarlattiego, arie z kantat J. S. Bacha i oratoria G. F. Handla). Trąbka na równych prawach konkuruje z głosem. Niestety, takie konkursy nie zawsze kończyły się sukcesem dla trębaczy. Przypomnijmy sobie film „Castrato Farinelli” o słynnym śpiewaku-wirtuozie, w którym na rynku jest scena, gdy Farinelli wdaje się w rywalizację z trębaczem i pokonuje go, okazując się bardziej wirtuozowskim.

Historia zachowała dla nas nazwiska ówczesnych trębaczy. To Girolamo Fantini, autor ośmiu sonat na trąbkę i „Modo per impare a sonare di tromba” – pierwszej opublikowanej szkoły gry na trąbce, D. Shore, I. Clark, dla których G. Purcell i G.F. Handel, a także Johann Gottfried Reiche z Lipska – pierwszy wykonawca muzyki J.S. Kawaler. Koniec XVIII wieku to początek zmian technicznych, które doprowadziły rurę do obecnego wyglądu i jakości. Wykonawcy potrzebowali instrumentu chromatycznego, a kompozytorzy zaczęli stosować w swoich kompozycjach coraz bardziej złożone kombinacje tonacji. Pierwsza trąbka chromatyczna (wzmianki o niej pochodzą z 1793 r.) posiadała zawory instalowane na wzór fletu i klarnetu. Choć innowacja ta nie była dalej rozwijana, gdyż przy otwartych zaworach trąbka traciła dźwięk, trąbka zaworowa została uwieczniona na koncertach I. Haydna (1798) i I.N. Hummela (1803), zamówionego przez wiedeńskiego trębacza Antona Weidingera (1766-1852). Koncerty te nadal cieszą się największą popularnością w repertuarze trębaczy. Eksperymenty były kontynuowane. Ich praktycznym znaczeniem było zastosowanie mechanizmów wydłużających tubę instrumentu i obniżających tony skali naturalnej. Nie myśl, że podczas tych poszukiwań naturalna fajka straciła swoją pozycję. Instrumenty chromatyczne dotychczas pod względem jakości dźwięku ustępowały naturalnym, a kompozytorzy musieli wykazywać się cudami pomysłowości, znajdując więcej pauz na zmianę wysokości dźwięku lub, jak G. Berlioz i wczesny R. Wagner, używając czterech naturalnych trąbek o różnym stroju W parach.

T
koszula piccolo, podobnie jak mała trąbka D, została wynaleziona mniej więcej w tym samym czasie i w tym samym celu – do występów muzyka dawna. Jego piękna, dźwięczna barwa i szeroka skala pozwoliły ożywić wiele pięknych dzieł dawnych mistrzów.

W 1884 roku słynny niemiecki trębacz Juliusz Kozlek (1835-1905) po wielu eksperymentach zaprojektował trąbkę w stroju A z dwoma zaworami, na której mógł z łatwością grać najtrudniejsze partie klarino.Ponadto stosując ustnik z głębokim stożkiem w kształcie miseczki, uzyskał niezwykle lekką i piękną barwę dźwięku.

Trąbka piccolo posiada 4 zawory i 4 dodatkowe korony. Czwarty zawór jest zaworem kwartetowym, czyli obniża każdy naturalny dźwięk o jedną kwartę. Służy do wypełnienia strefy od C do F pierwszej oktawy, a także do budować pojedyncze, niedokładnie intonowane dźwięki. Instrument posiada dodatkową tubę do strojenia od B do A.

Obecnie gra się na nim mniejszym ustnikiem, co ułatwia wydobywanie dźwięków w górnym rejestrze i wyraźniejszą intonację.

Trąbkę piccolo zaczęto stosować w orkiestrach w XX wieku (np. Strawiński w „Pietruszce”, gdzie znajduje się słynne solo na trąbce piccolo), a w praktyce solowej podczas wykonywania muzyki dawnej instrument jest jeszcze bardziej popularny niż trąbka piccolo Trąbka D.

Na małych trąbkach i trąbkach piccolo grali i grają tak wspaniali trębacze jak Adolf Scherbaum, Ludwig Güttler, Maurice Andre, Wynton Marsalis, Hakan Hardenberger i wielu innych.

T
ruba(włoska tromba, francuska trompette, niemiecka Trompete, angielska trąbka) to blaszany instrument muzyczny w rejestrze altowo-sopranowym, o najwyższym brzmieniu wśród instrumentów dętych blaszanych. Naturalna trąbka była używana jako instrument sygnalizacyjny od czasów starożytnych, a częścią orkiestry stała się około XVII wieku. Wraz z wynalezieniem mechanizmu zaworowego trąbka otrzymała pełną skalę chromatyczną i od połowy XIX wieku stała się pełnoprawnym instrumentem muzyki klasycznej. Instrument ma jasną, olśniewającą barwę i jest używany jako instrument solowy, w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także w jazzie i innych gatunkach.

Rury wykonane są z mosiądzu lub miedzi, rzadziej ze srebra i innych metali. Już w starożytności istniała technologia wykonywania instrumentu z jednej blachy.

Rdzeń rury to długa rura wygięta wyłącznie w celu uzyskania zwartości. Zwęża się nieznacznie przy ustniku, rozszerza się przy dzwonku, a w pozostałych miejscach ma kształt cylindryczny. To właśnie ten kształt tuby nadaje trąbce jasną barwę. Podczas wykonywania fajki ważne jest niezwykle dokładne obliczenie zarówno długości samej fajki, jak i stopnia rozszerzenia dzwonu - to radykalnie wpływa na konstrukcję instrumentu.

Podstawową zasadą gry na trąbce jest uzyskanie współbrzmień harmonicznych poprzez zmianę położenia warg i zmianę długości słupa powietrza w instrumencie, osiąganą za pomocą mechanizmu zaworowego. W trąbce zastosowano trzy zawory, które redukują dźwięk o ton, półton i półtora tonu. Jednoczesne naciśnięcie dwóch lub trzech zaworów pozwala obniżyć ogólną skalę instrumentu do trzech tonów. W ten sposób trąbka otrzymuje skalę chromatyczną.

W niektórych typach trąbek (np. trąbce piccolo) znajduje się także zawór czwarty (quart Valve), który obniża strój o jedną kwartę (pięć półtonów).

Trąbka jest instrumentem praworęcznym: podczas gry zawory wciska się prawą ręką, lewa ręka podtrzymuje instrument.

DO
puzon łapowy różni się od zwykłego puzonu tym, że wysokość nut zmieniana jest za pomocą trzech zaworów (podobna zasada stosowana jest w trąbce orkiestrowej). Lampy te dają wykonawcy dość dużą swobodę, ale dźwięk puzonu zaworowego jest gorszy pod względem jasności i bogactwa niż zwykły puzon. Do połowy XX wieku puzony zaworowe były szeroko rozpowszechnione w zespołach tanecznych i orkiestrach teatralnych, obecnie wykorzystuje się je głównie w muzyce jazzowej.

DO
orneta(włoski cornetto - „róg”) lub kornet-a-piston (francuski kornet à tłoki - „róg z tłokami”) - mosiężny instrument muzyczny dęty, który przypomina trąbkę, ale ma szerszą i krótszą rurkę i nie jest wyposażony w zawory , ale tłoki. Pochodzi z rogu pocztowego. Został zbudowany we Francji około 1830 roku.

Głośność rzeczywistego dźwięku kornetu pokrywa się z zakresem trąbki – od e (oktawa mała E) do c3 (do trzeciej oktawy). Używane w strojach B-dur (w B) i A (w A), nuty są zwykle zapisywane bez znaków tonacyjnych, o ton lub półtora (w zależności od stroju) wyższe niż rzeczywisty dźwięk.

W XIX wieku do orkiestry często wprowadzano kornety wraz z trąbkami. Mimo że trąbki były już instrumentami chromatycznymi, kompozytorzy rzadko powierzali im epizody solowe i wirtuozowskie. Uważano, że kornet ma większe możliwości wirtuozowskie i łagodniejszą barwę niż trąbka. Kornety wykorzystywano w dziełach orkiestrowych Berlioza (symfonia „Harold we Włoszech”), Bizeta (muzyka do dramatu „La Arlesienne”), Czajkowskiego (włoskie Capriccio, „Francesca da Rimini”). Jeden z najbardziej sławnych numery solowe kornet – taniec neapolitański z baletu Czajkowskiego „Jezioro łabędzie”.

W drugiej połowie XIX wieku kornet był bardzo popularny. W 1869 roku w Konserwatorium Paryskim otwarto klasę kornetu, której założycielem i pierwszym profesorem był słynny wirtuoz kornetu Jean Baptiste Arban.

W XX wieku udoskonalenie konstrukcji trąbek i umiejętności trębaczy praktycznie wyeliminowało problem płynności i barwy, a kornety zniknęły z orkiestry. Obecnie partie orkiestrowe kornetów wykonywane są z reguły na trąbkach, choć czasami wykorzystuje się instrument oryginalny.

Kornet jest zwykłym członkiem orkiestry dętej, w której wykonuje głos melodyczny. Był używany we wczesnych fazach jazzu, ale później ustąpił miejsca trąbce.

Obecnie kornet, oprócz orkiestry dętej, służy jako instrument dydaktyczny, a okazjonalnie jako solista.

T
ube(z włoskiego tuba łacińska - „trąbka”, tuba angielska, tuba niemiecka, tuba francuska) to blaszany instrument muzyczny o szerokim otworze, najniższy w rejestrze. Nowoczesny model instrumentu został zaprojektowany w drugiej ćwierci XIX wieku przez Adolphe'a Saxa. Tuba ma szorstką, masywną barwę, dźwięk tuby jest trudny do intonowania. Stosowany jest głównie w orkiestrze symfonicznej, gdzie pełni rolę instrumentu basowego w sekcji dętej. Jest aktywnie wykorzystywany w orkiestrach dętych, stosunkowo rzadziej w różnych orkiestrach i zespołach jazzowych i popowych. Tuba pojawia się stosunkowo rzadko jako instrument solowy.

W orkiestrze symfonicznej używa się z reguły jednej, rzadziej dwóch lub trzech tub. W zespole rolę basu pełni zazwyczaj tuba. instrumenty dęte blaszane. W partyturze partia tuby zapisana jest poniżej pozostałych instrumentów z tej grupy, często w tej samej linii co partia trzeciego puzonu.

Dzięki zaworowemu mechanizmowi tuba jest instrumentem dość elastycznym technicznie (co nie dotyczy jednak najbardziej skrajnych rejestrów), jednakże w szybkich, przypominających skalę pasażach diatonicznych i chromatycznych, a także w arpeggiach intonacja tuba staje się niewyraźna.

Staccato na tubie brzmi dość wyraziście, choć nieco ciężko. Lepiej sprawdza się w forte niż w fortepianie.

Na tubie stosuje się tryle zaworowe, dodatkowo istnieje możliwość wydobycia kilku tryli wargami w górnym rejestrze.

Ze względu na dość imponującą wagę instrumentu wykonawcy rzadko grają na stojąco, korzystając z pasa nośnego lub czasami całego ich systemu. Zwykle gra na tubie na stojąco jest środkiem koniecznym, wynikającym z faktu, że orkiestra gra w ruchu (w marszu). W innych sytuacjach, gdy orkiestra gra na stojąco, nierzadko zdarza się, że tubiści pozostają na miejscach siedzących: ponieważ są zwykle umieszczani w najdalszym rzędzie orkiestry, nie psuje to wyglądu orkiestry z przodu.

Do tuby stworzono różnorodne tłumiki. Jednak w związku z „cichym protestem”, że wykonawcy muszą nosić i tak już trudny instrument, muzycy w większości bojkotują używanie tłumików.

mi
gitara elektryczna- rodzaj gitary z przetwornikami elektrycznymi przetwarzającymi drgania metalowe sznurki na wahania prądu elektrycznego. Sygnał z przetworników można przetwarzać w celu uzyskania różnych efektów dźwiękowych, a następnie wzmacniać w celu odtwarzania przez głośniki. Samo słowo „gitara elektryczna” powstało od wyrażenia „gitara elektryczna”, ale wiele osób o tym zapomina, błędnie nazywając ją „gitarą elektroniczną”.

Niektórzy myślą, że gitary elektryczne są wykonane z plastiku lub metalu, ale w rzeczywistości są one zwykle wykonane z drewna. Najpopularniejszymi materiałami są olcha, jesion, mahoń (mahoń), klon. Jako podstrunnice wykorzystuje się drewno różane, heban i klon.

Najpopularniejsze są gitary elektryczne sześciostrunowe. Klasyczny strój gitary sześciostrunowej jest podobny do strojenia gitary akustycznej: E B G D A E. Dość często stosuje się strojenie „dropped D”, w którym dolna struna jest nastrojona na D (D) oraz stroje niższe (Drop C, Drop B), które są używane głównie przez gitarzystów metalowych i muzyki alternatywnej. W siedmiostrunowych gitarach elektrycznych najczęściej dodatkowa niska struna jest dostrojona do B (B). Gitara ośmiostrunowa - gitara elektryczna z dodatkowymi 7 i 8 strunami dla ekstremalnych ciężka muzyka. Po raz pierwszy wykonany na zamówienie i używany przez szwedzki zespół metalowy Meshuggah. Dzięki popularności tej grupy, dla fanów tego typu muzyki wypuszczono pierwszą masowo produkowaną gitarę 8-strunową Ibanez 2228.

Typowymi, najpopularniejszymi i jednymi z najstarszych modeli gitar elektrycznych są Telecaster (wydany w 1951 r.) i Stratocaster (1954) firmy Fender, a także Les Paul (1952) firmy Gibson. Gitary te są uważane za gitary referencyjne i mają wiele kopii i imitacji wyprodukowanych przez inne firmy. Wiele współczesnych dużych firm zajmujących się instrumentami muzycznymi zaczynało od produkcji wyłącznie kopii popularnych modeli Fender i Gibson. Jednak później takie firmy jak Rickenbacker, Ibanez, Jackson, Yamaha, Hamer (angielski), B.C. Rich, ESP, Schecter i inni wypuścili własne serie instrumentów, które stały się bardzo popularne na świecie.

B gitara elektryczna- instrument muzyczny szarpany, przeznaczony do gry w zakresie basu. Jest używany w wielu stylach i gatunkach muzycznych jako instrument towarzyszący i rzadziej solowy. Od czasu pojawienia się w połowie XX wieku stał się jednym z najpopularniejszych instrumentów basowych.

Partia gitary basowej w utworze muzycznym nazywana jest linią basową lub linią basową, a gracz grający na gitarze basowej nazywany jest gitarzystą basowym lub basistą.

Głównym obszarem zastosowania gitary basowej jest współczesna muzyka popularna i jazzowa, m.in muzyka klasyczna Gitara basowa jest używana rzadziej niż zwykła gitara sześciostrunowa. Rola gitary basowej w zespole różni się także od roli zwykłej gitary – gitara basowa jest częściej wykorzystywana do akompaniamentu i wsparcia rytmicznego niż jako instrument solowy.

Gitara basowa brzmi o oktawę niżej niż zwykle. Jest całkowicie symetryczny (tzn. każda kolejna otwarta struna jest nastrojona o czwartą niżej od poprzedniej), więc standardowe strojenie gitary basowej jest takie samo, jak strojenie czterech strun basowych zwykłej gitary, tylko o oktawę niższy (strojenie gitary basowej przebiega tak samo, jak strojenie kontrabasu). Zasięg zwykłej czterostrunowej gitary basowej w stroju klasycznym wynosi nieco ponad trzy oktawy - od przeciwoktawy E do pierwszej oktawy G.

W odróżnieniu od innych typów gitar, gitara basowa posiada następujące cechy konstrukcyjne, ze względu na konieczność uzyskania niższego zakresu dźwięku:

Duże rozmiary;

Zwiększona długość skali (864 mm (34 cale) w porównaniu do 650 mm w przypadku gitary klasycznej);

Grubsze sznurki;

Zmniejszona liczba strun (najczęściej stosowane są 4-strunowe gitary basowe).

Historycznie rzecz biorąc, gitara basowa najpierw pojawiła się w postaci basu elektrycznego, a dopiero potem powstała wersja akustyczna, w przeciwieństwie do gitary, gdzie wszystko było na odwrót – najpierw pojawienie się gitary akustycznej, a potem jej przekształcenie w gitarę elektryczną.

I
Instrument wywodzący się ze starożytnej cytry pojawia się przed nami w jednym z najbardziej zręcznych profesjonalnych wcieleń.

cymbały węgierskie do dziś można je spotkać głównie w węgierskich zespołach cygańskich, gdzie po mistrzowsku grają na nich muzycy ubrani w stroje ludowe.

W koniec XIX wieku, kiedy pojawiła się koncertowa wersja węgierskiego cymbału, instrument ten nadal uchodził za etniczny, ludowy, mimo że sięgnął po niego maestro Franciszek Liszt.

Sytuację zmienili wybitni przedstawiciele węgierskiej szkoły kompozytorskiej Béla Bartók i Zenon Kodály. Później dołączył do nich Igor Strawiński, który nigdy nie przepuścił okazji do eksperymentowania z nowym dźwiękiem. Indywidualna barwa i styl węgierskiego cymbała upiększyły i urozmaiciły tkankę muzyczną jego kompozycji Opowieść o lisie.

C itra(niemiecki: Cytra) to instrument muzyczny szarpany, który stał się najbardziej rozpowszechniony w Austrii i Niemczech w XVIII wieku. Posiada płaski drewniany korpus o nieregularnym kształcie, na którym naciągniętych jest od 30 do 45 strun (w zależności od wielkości instrumentu). Kilka strun znajdujących się najbliżej wykonawcy (zwykle 4-5), naciągniętych na gryf z metalowymi progami, szarpie się poprzez założenie kciuk prawa ręka plektron, grana jest na nich melodia. Pozostałe smyczki służą jako akompaniament akordowy i gra się na nich pozostałymi palcami.

Atrakcja Różne rodzaje cytra: cytra wysokotonowa, cytra basowa, cytra koncertowa itp. Całkowita wielkość zespołu obejmuje okres od przeciwoktawy G do czwartej oktawy D. W utworach orkiestrowych cytra gra najczęściej solo.

Cytra jest znana w Zachodnia Europa z końca XVIII w., w Rosji pojawił się w drugiej połowie XIX w. Podobne instrumenty starożytnego pochodzenia można znaleźć wśród wielu ludów. Dlatego cytry były powszechne w Chinach i na Bliskim Wschodzie.

DO
oto(japoński 琴) lub cytra japońska to japoński instrument muzyczny szarpany. Koto, wraz z fletami hayashi i shakuhachi, bębnem tsuzumi i lutnią shamisen, to tradycyjny japoński instrument muzyczny.

Podobne instrumenty są charakterystyczne dla kultury Korei (Gayageum) i Chin (Qixianqin).

Historia koto jako japońskiego instrumentu muzycznego sięga ponad tysiąca lat. Został sprowadzony do Japonii z Chin w okresie Nara (710-793 n.e.) jako instrument orkiestry pałacowej i był używany w muzyce gagaku (雅楽). Koto osiągnęło swój szczyt w erze Heian, jako niezmienny atrybut arystokratycznej edukacji i rozrywki. Jednym z najsłynniejszych utworów napisanych specjalnie dla koto jest kompozycja „Rokudan no Shirabe” (六段の調べ, „Muzyka sześciu kroków”) stworzona w XVII wieku przez niewidomego mistrza Yatsuhashi Kengyo.

Na koto gra się za pomocą sztucznych wykałaczek (kotozume, japońskie 琴爪), umieszczanych na kciuku, indeksie i środkowe palce prawa ręka. Tryby i klawisze są regulowane za pomocą mostków strunowych bezpośrednio przed grą.

Gra na koto to jedna z tradycyjnych japońskich sztuk narodowych, która rozpowszechniła się przede wszystkim na dworze cesarskim. Jednak nawet dzisiaj ten instrument jest bardzo popularny. Koto dzięki swojej plastyczności znajduje zastosowanie we współczesnej muzyce japońskiej i przyczynia się do jej rozwoju.

Obecnie istnieją dwa główne typy narzędzi:

Siedmiostrunowy „kin” o długości 1 m - używany jako instrument solowy;

oraz „so” – o długości od 1,80 do 2,00 m, przy liczbie strun od 13 i więcej – używane jako instrument orkiestrowy.

G
Itara Torres. Ten typ gitary produkował od 1852 roku mieszkający w Almerii hiszpański mistrz Antonio de Torres Jurado.

Gitara Torresa była standardową podstawą współczesnej gitary klasycznej. Torres zwiększył rozmiar korpusu gitary i przeprojektował konstrukcję wewnętrzną, co znacznie poprawiło brzmienie instrumentu.

Gitara ta jest bezpośrednim poprzednikiem współczesnej gitary akustycznej. Swoją nazwę otrzymała na cześć swojego twórcy, Antonio de Torresa (1817-1892). Gitara ma duży korpus, szczególnie w dolnej części. Wewnątrz, pod Górny pokład w określony sposób rozmieszczone są paski rezonujące, których zadaniem jest wzmocnienie dźwięku i poprawa barwy.

System wentylatorów to zestaw pasków wzmacniających pokład umieszczonych po wewnętrznej stronie pokładu i rozchodzących się wachlarzowo od wylotu. Rozprowadza wibracje i wzbogaca brzmienie instrumentu. Torres nie wynalazł systemu wentylatorów, ale go ulepszył. Ustalił optymalną liczbę (siedem) sprężyn wentylatorowych i nową zasadę ich lokalizacji. Wydają się kierować powietrze w stronę słuchacza.

Stanowisko: Stanowisko Torresa było kolejnym. ważny krok. Od 1857 roku mistrz zaczął stosować na statywie dolną nakrętkę (kościę), co pozwalało mu precyzyjnie regulować wysokość strun. Sznurki przechodzące przez stojak mocowane są do niego za pomocą węzłów.

Sheika: To jedna z najważniejszych części tworzenia gitary. Należy tu uwzględnić grubość szyjki, Górny pokład, wysokość stojaka. Torres zwiększył szerokość gryfu od strony tunera do 5 cm, co ułatwiło grę lewą ręką. Kąt gryfy określa położenie struny względem progów, a charakter dźwięku zależy od kąta naprężenia struny względem górnej płyty rezonansowej. Gryf stał się szerszy i nieco bardziej wypukły w stosunku do płaszczyzny płyty rezonansowej i rozciąga się aż do otworu rezonansowego, który pokrywa się z 12. progiem

Materiały: Szczególną uwagę przywiązuje do wyboru drewna na blat, ale nie przejmuje się zbytnio wyborem materiału na elementy kosmetyczne. Ponadto na tył i boki użył cyprysu, klonu, palisandru i innych gatunków drewna, bez szczególnych preferencji. Sam Torres pracował ze zbyt cienkim drewnem. Dzięki temu gitara stała się żywsza, ale być może bardziej delikatna.

Wykończenie (rozety itp.): Wykonywał zarówno rozety proste, jak i te delikatniejsze i bardziej skomplikowane, zawsze jednak podążając za kontekstem. Zależy za co zapłacił klient. Większość jego gitar miała proste wykończenia. O ile oczywiście nie dotyczyło to funkcjonalnych części instrumentu.

Reszta: Brał pod uwagę różne elementy - grubość i kształt szyjki, szerokość nakrętki, kąt główki strojenia, mechanikę, mieszankę i dopasowanie materiałów, wykończenie itp. i tak dalej.

U
kulele(z hawajskiego ʻukulele [ˈʔukuˈlele]) to czterostrunowy instrument muzyczny szarpany. Pojawił się w latach 80. XIX wieku jako rozwinięcie braguinha, miniaturowej gitary z Madery, spokrewnionej z portugalskim cavaquinho. Ukulele jest powszechne na różnych wyspach Pacyfiku, ale jest kojarzone przede wszystkim z muzyką hawajską, odkąd hawajscy muzycy odbyli trasę koncertową na wystawie Pacific Exposition w San Francisco w 1915 roku. Standardowe strojenie to GCEA (Sol-Do-E-A).

Nazwę tę tłumaczy się według jednej wersji jako „skacząca pchła”, ponieważ ruch palców podczas gry na ukulele przypomina skakanie pchły, według innej – jako „prezent, który tu przyszedł”.

Istnieją 4 rodzaje ukulele:

sopran (długość całkowita 53 cm) – pierwszy i najczęstszy typ;

koncert (58 cm) - nieco większy;

tenor (66 cm) - pojawił się w latach 20. XX wieku;

baryton (76 cm) – największy, pojawił się w latach 40. XX wieku.

B
Alałajka- rosyjski ludowy, trójstrunowy instrument muzyczny szarpany, o długości od 600-700 mm (prima bałałajka) do 1,7 m (bałałajka kontrabasowa), z trójkątnym lekko zakrzywionym (w XVIII-XIX wiek również owalny) drewniany korpus. Bałałajka to jeden z instrumentów, który stał się (wraz z akordeonem i, w mniejszym stopniu, szkoda) muzycznym symbolem narodu rosyjskiego.

Ciało jest sklejone z oddzielnych (6-7) segmentów, głowa długiej szyi jest lekko odchylona do tyłu. Struny są metalowe (w XVIII wieku dwie z nich były strunami żyłkowymi; współczesne bałałajki mają nylon lub węgiel). Na gryfie współczesnej bałałajki znajduje się 16-31 metalowych progów (do końca XIX wieku - 5-7 stałych progów).

Dźwięk jest czysty, ale miękki. Najpopularniejsze techniki wytwarzania dźwięku: grzechotanie, pizzicato, podwójne pizzicato, pojedyncze pizzicato, vibrato, tremolo, rolki, techniki gitarowe.

Przed przekształceniem bałałajki w instrument koncertowy pod koniec XIX wieku przez Wasilija Andriejewa nie miała ona stałego, powszechnego systemu. Każdy wykonawca nastrajał instrument zgodnie ze swoim sposobem wykonania, ogólnym nastrojem wykonywanych utworów oraz lokalnymi tradycjami.

System wprowadzony przez Andriejewa (dwie struny unisono – nuta „E”, jedna – ćwierć wyższa – nuta „A” (zarówno „E”, jak i „A” pierwszej oktawy) rozpowszechnił się wśród koncertujących bałałajków i zaczął nazwać „akademickim”. Jest też strojenie „ludowe” – pierwsza struna to „G”, druga to „E”, trzecia to „C”. W tym stroju łatwiej jest przyjąć triady, ale Wadą jest trudność gry na otwartych strunach.Oprócz tego istnieją także regionalne tradycje strojenia instrumentu. Liczba rzadkich ustawień lokalnych sięga dwudziestu.

We współczesnej orkiestrze rosyjskich instrumentów ludowych stosuje się pięć odmian bałałajek: prima, druga, altówka, bas i kontrabas. Spośród nich tylko prima jest instrumentem solowym, wirtuozowskim, pozostałym przypisano funkcje czysto orkiestrowe: sekunda i altówka realizują akompaniament akordowy, a funkcję basu pełnią bas i kontrabas.

Bałałajka to dość powszechny instrument muzyczny, którego uczy się w akademickich szkołach muzycznych w Rosji, Białorusi, Ukrainie i Kazachstanie.

Czas trwania szkolenia na bałałajce w przedszkolu Szkoła Muzyczna wynosi 5 – 7 lat (w zależności od wieku ucznia) i przeciętnie instytucja edukacyjna- 4 lata, w szkole wyższej 4-5 lat. Repertuar: opracowania pieśni ludowych, transkrypcje dzieła klasyczne, oryginalna muzyka.

Klawiatury

O
Organ Hammonda to organy elektryczne zaprojektowane i zbudowane przez Lawrence'a Hammonda w kwietniu 1935 roku. Organy Hammonda były pierwotnie sprzedawane kościołom jako niedroga alternatywa dla organów piszczałkowych, ale instrument ten był często używany w bluesie, jazzie, rock and rollu (lata 60. i 70. XX wieku) oraz gospel. Organy Hammonda zyskały dużą popularność w zespołach wojskowych podczas II wojny światowej i w latach powojennych.

Obecnie (2011) właścicielem marki Hammond jest Suzuki Musical Inst. Mfg. Co., Ltd. i nosi nazwę Hammond Suzuki Co., Ltd.

Aby symulować dźwięki organów z rzędami piszczałek w wielu rejestrach, organy Hammonda wykorzystały syntezę addytywną sygnału dźwiękowego z szeregu harmonicznego. To rozwiązanie technologiczne przypomina wczesne modele Telharmonium Thaddeusa Cahilla, w których każdy indywidualny sygnał był tworzony przez mechaniczne koło dźwiękowe obracające się pod przetwornikiem elektromagnetycznym. Organy Hammonda często nazywane są organami elektronicznymi, co w zasadzie nie jest do końca prawdą. W ścisłym tego słowa znaczeniu organy Hammonda należy nazwać organami elektrycznymi, ponieważ dźwięk w oryginalnych instrumentach nie jest generowany przez oscylator elektroniczny, ale przez mechaniczne koło dźwiękowe.

Cechą charakterystyczną organów Hammonda były małe dźwignie, za pomocą których można było to zrobić na różne sposoby mieszać różne kształty sygnałów. Późniejsze modele instrumentów posiadały również wibrato elektromechaniczne. Charakterystyczny dźwięk „kliknięcia”, który pierwotnie był raczej wadą konstrukcyjną, szybko stał się częścią charakterystycznego brzmienia organów Hammonda. Cecha ta jest brana pod uwagę przy tworzeniu nowoczesnych kopii oryginalnych instrumentów. Jednocześnie dokładne symulowanie brzmienia organów Hammonda w oparciu o układy elektroniczne jest dość trudne, gdyż w ten sposób trudno jedynie dokładnie odtworzyć zmiany zależności fazowej pomiędzy kołami fonicznymi.

Głośniki Leslie były szeroko stosowane w organach Hammonda, chociaż Leslie był początkowo poważnym konkurentem Hammonda. Głośniki Leslie miały obrotowy element zapewniający efekt wibrato i bardzo szybko stały się de facto standardem dla organów Hammonda, ponieważ tworzyły typowy „warczący” dźwięk.

B-3 zawsze był i pozostaje najpopularniejszym modelem, choć C-3 różni się jedynie szczegółami wygląd. Konwencjonalnie „organy Hammonda” można podzielić na dwie grupy:

pełnowymiarowe organy konsolowe, takie jak B-3, C-3, A-100, posiadające dwie 61-klawiszowe manuały

kompaktowe organy spinetowe, takie jak L-100 i M-100, które mają dwa 44-klawiszowe manuały.

Większość organów Hammonda nie posiada pełnego zestawu pedałów AGO, co znacząco zwiększa koszt i gabaryty instrumentu (a także wagę: całkowita waga modelu B3 z ławeczką i zestawem pedałów wyniosła 193 kg).

Instrument dęty zajmuje ważne miejsce w kulturze wszystkich narodów. Nie wiadomo dlaczego, ale prawie każdy naród miał swój własny instrument muzyczny tego typu. Co jest takiego wyjątkowego w instrumentach dętych i dlaczego nie tracą swoich fanów? Rozwiążmy to.

Co to jest?

Instrumenty dęte należą do rodziny instrumentów muzycznych, w których źródłem dźwięku jest słup powietrza. Nawiasem mówiąc, to wyjaśnia samą nazwę instrumentów: słowo „duch” jest używane w znaczeniu „powietrza”. Aby instrument dęty „przemówił” należy wdmuchnąć do niego strumień powietrza.

Możliwości instrumentów tego typu są wyjątkowe. Można je stosować zarówno w orkiestrach (dętych, jazzowych, symfonicznych), jak i w zespołach występy solowe czy w awangardowych kierunkach muzyki współczesnej.

Historia pochodzenia

Zanim rozważysz rodzaje instrumentów dętych, a także spróbujesz zrozumieć, jak nauczyć się na nich grać, musisz pamiętać, jak powstały.

Prawdopodobnie starożytny człowiek po raz pierwszy nauczył się dmuchać w róg lub muszlę. Były to pierwsze prymitywne instrumenty dęte, których myśliwi lub szamani używali do celów okultystycznych. Stopniowo człowiek nauczył się obrabiać metal, co radykalnie wpłynęło nie tylko na jego narzędzia i broń, ale także instrumenty dęte. instrumenty muzyczne. Choć obecnie jako materiał używano metalu, kształt instrumentów pozostał praktycznie niezmieniony i naśladował formy naturalne.

Za przodków dzisiejszych instrumentów dętych blaszanych można uznać pierwsze rogi pocztowe, a także trąby sygnałowe i rogi myśliwskie. Jednak paleta brzmień, jaką można było wydobyć z takich instrumentów, była raczej skromna, wręcz prymitywna i zależała wyłącznie od talentu muzyka. A powodem jest to, że takie instrumenty nie były jeszcze wyposażone w mechanizm zaworowy. Pomimo prymitywizmu, skala ta stała się podstawą do stworzenia fanfar.

Poprawa jakości obróbki metali pozytywnie wpłynęła na rozwój muzyki. Teraz każdy dęty instrument muzyczny mógł otrzymać trąbkę podane wymiary. W rezultacie otrzymali nazwę naturalną.

Możliwości instrumentów dętych można było radykalnie rozszerzyć dopiero w XIX wieku, kiedy wynaleziono mechanizm wentylacyjny. To on miał duży wpływ na technikę gry.

Jak nauczyć się grać?

Rozpoczęcie nauki gry na instrumencie dętym jest konieczne w zależności od wieku i cech fizjologicznych dziecka. Faktem jest, że istnieją na to ograniczenia wiekowe.

Pierwszym instrumentem, którego uczy się dziecko, jest flet prosty. Pomaga rozwijać oddech, a także zrozumieć podstawy notacji muzycznej. Instrument ten jest dobry również dlatego, że stanowi podstawę do nauki innych rodzajów instrumentów dętych.

W wieku około 8-10 lat dziecko może przejść na bardziej dorosły instrument dęty. Najczęściej jest to obój, saksofon, flet poprzeczny lub klarnet. Mały muzyk będzie już po dziesięciu latach w stanie opanować grę na trąbce, rogu i puzonie.

Orkiestra dęta: instrumenty i funkcje

Taka orkiestra składa się z grupy muzyków, z których każdy gra na instrumentach dętych. W zależności od składu orkiestra dęta może być mała lub mieszana (mała, średnia, duża).

Jeżeli orkiestra składa się wyłącznie z klarnetów, altów, tenorów, barytonów i basów, wówczas klasyfikuje się ją jako małą orkiestrę dętą. W zależności od tego, jakie instrumenty są do nich przymocowane, powstają inne typy. Można dodać zarówno instrumenty dęte drewniane (flet, obój, klarnet, saksofon, fagot), jak i instrumenty dęte blaszane.

Mały orkiestra dęta radzi sobie z prostą muzyką, np. marszem lub tańcem. Aby zagrać bardziej złożony repertuar, konieczne jest użycie orkiestry mieszanej.

Główne typy instrumentów miedzianych

Często rodzice nie mogą dokonać wyboru: jaki instrument dęty będzie odpowiedni dla ich dziecka? Aby nie popełniać błędów, należy posiadać wszelkie informacje z nimi związane. Ponieważ instrumenty miedziane są obecnie szeroko stosowane, porozmawiamy o nich.

Istnieje kilka rodzajów instrumentów miedzianych:

Zawór. Taki instrument dęty ma w swojej konstrukcji trzy lub cztery zawory, którymi steruje sam muzyk. Posiada również dodatkową koronkę, która nie tylko zwiększa długość instrumentu, ale także obniża jego akcję. Ta rodzina instrumentów dętych blaszanych obejmuje trąbki, tuby, sakshorny i rogi.
Za kulisami. Takie instrumenty mają wysuwaną dmuchawkę - sznurek. Umożliwia kontrolę długości powietrza wpływającego do kanału. Ruchy muzyka powodują wznoszenie się lub opadanie dźwięku. Klasyczny przykład instrument rockowy - puzon.
Naturalny. Z takiego instrumentu można wydobyć tylko te dźwięki, które należą do skali naturalnej. Są to trąbka, róg, fanfara, róg alpejski i róg sygnałowy.
Zawór Instrumenty te wyróżniają się tym, że posiadają dziury w korpusie. Podczas gry muzyk je zamyka lub otwiera. Instrumenty zaworowe były szeroko stosowane w XVIII wieku, ale stopniowo zostały porzucone. Wynika to przede wszystkim z niedogodności w ich obsłudze. Ten typ obejmuje węża, kornet i trąbkę zaworową.

Zalety instrumentów dętych

Naukowcy już dawno udowodnili, że gra na instrumentach dętych ma pozytywny wpływ na układ oddechowy człowieka. Tego typu sztukę warto uprawiać dla osób cierpiących na astmę lub przewlekłe zapalenie oskrzeli. Ponadto gra na takich instrumentach pomaga w leczeniu zaburzeń nerwowych. Jeśli dzieci zaczną grać na instrumentach dętych, wkrótce staną się spokojniejsze i bardziej zrównoważone.

Gra na większości instrumentów dętych wymaga użycia ludzkiego oddechu. Stąd wzięła się ich nazwa: starożytna Rosyjskie słowo„duch” oznacza powietrze. Korpusem brzmiącym każdego instrumentu dętego jest kolumna powietrza zamknięta w otworze.

Klasyfikacja instrumentów muzycznych opiera się na ich podziale ze względu na charakter i warunki użytkowania korpusów sondujących. Ze względu na sposób wytwarzania dźwięku, czyli rodzaj wibratora, który wprawia w drgania słup powietrza, instrumenty dęte dzielą się na flet, stroik i ustnik. Flet (wargowy lub sybilant)
Wibratorem tych instrumentów jest strumień powietrza przecięty ostrą krawędzią otworu wargowego lub ścianką lufy. Flety obejmują:

instrumenty w kształcie okaryny - różne gwizdki ceramiczne z otworami do gry;

rowki podłużne:

otwarte - instrumenty, których lufa jest otwarta z obu stron;
wielolufowe - instrumenty będące zestawem rurek o różnych rozmiarach, z jednym końcem każdej rurki zamkniętym, a drugim otwartym;
gwizdek - instrumenty, w górnym końcu (głowicy) lufy, w które włożona jest tuleja, warga lub język wykonawcy, tworząc szczelinę, przez którą strumień powietrza kierowany jest na ostrą krawędź wycięcia otworu gwizdka;
flety poprzeczne to instrumenty posiadające jeden zamknięty koniec (głowicę), w którym znajduje się otwór dźwiękowy, na którego krawędź kierowany jest strumień powietrza.

Trzcina

Wibrator dla tej grupy instrumentów to elastyczna płytka - młotek (laska, peep). Do tej grupy zaliczają się:

instrumenty z wolnym językiem: w postaci talerza z kory brzozy, liścia trawy itp.;
instrumenty z pojedynczym lub podwójnym językiem bijącym;
instrumenty ze ślizgającym się stroikiem: harmonijki ustne, fisharmonie itp.

Ustniki

Wibratorem tych instrumentów są usta wykonawcy, które są odpowiednio zamknięte i zebrane. Położenie, stopień elastyczności i elastyczności mięśni warg i twarzy wykonawcy, ich wytrenowanie, wytrzymałość i siła podczas gry na instrumencie dętym nazywane są zwykle zadęciem. Wykonawcy grający na instrumentach ustnikowych mocno przyciskają usta do ustnika, a wysyłany strumień powietrza wprawia je w wibracje. Zatem w odróżnieniu od wszystkich innych instrumentów dętych, zadęcia ustnikowe nie tylko uczestniczą w procesie powstawania dźwięku, ale są bezpośrednim wzbudnikiem drgań – wibratorem. I choć wykonawcy na instrumentach fletowych i trzcinowych również muszą posiadać zadęcie (flecista używa go do kierowania strumienia powietrza na nacięcie instrumentu, to wykonawca na instrumencie trzcinowym, zasłaniając stroik ustami, wykorzystuje zadęcie do sterowania jego wibracje), to instrumenty ustnikowe nazywane są zadęciami.

Flet i instrumenty trzcinowe instrumenty używane w profesjonalnym wykonaniu nazywane są zwykle instrumentami dętymi drewnianymi, mimo że materiałem do ich produkcji nie zawsze jest drewno; ustniki - instrumenty dęte blaszane.

Częstotliwość drgań słupa powietrza zamkniętego w tubie instrumentu dętego (wysokość dźwięku) zależy od długości tuby. Wraz ze wzrostem długości maleje częstotliwość oscylacji (maleje wysokość dźwięku), a wraz ze zmniejszaniem się długości zwiększa się częstotliwość oscylacji (wzrasta wysokość dźwięku). Dodatkowo, zwiększając napięcie zadęcia i prędkość wdmuchiwanego powietrza (nadmuchu), można wprawić słup powietrza w drgania nie tylko jako całość, ale także podzielić go na 2, 3, 4 itd. równe części. Cały słup powietrza wytwarza ton podstawowy. Słup powietrza podzielony na dwie równe części brzmi oktawę powyżej tonu podstawowego, na trzy równe części - dwunastnicę nad tonem podstawowym, na cztery równe części - dwie oktawy powyżej tonu podstawowego itd. Powstała ta sekwencja dźwięków na instrumencie dętym poprzez dmuchanie, nazywa się skalą naturalną, a same dźwięki nazywane są naturalnymi lub alikwotami. Na oboju, klarnecie i fagocie dmuchanie odbywa się za pomocą specjalnych zaworów „oktawowych”. Dla przejrzystości przedstawiamy skalę naturalną zbudowaną od dźwięku do oktawy głównej (patrz przykład 1).

Jak już wskazano, wysokość bezwzględna tonu podstawowego zależy od długości tuby instrumentu, natomiast odstępy między alikwotami nie zależą od wysokości bezwzględnej tonu podstawowego, ale zawsze pozostają stałe: pomiędzy pierwszym a drugim alikwotem znajduje się czysta oktawa, między drugą a tercją kwinta doskonała, między tercją a czwartą kwarta doskonała itd. Odstępy między alikwotami nie odpowiadają tym samym interwałom skali równomiernie temperowanej, ale ta rozbieżność nie jest na tyle dobry, aby w praktyce nie wykorzystywać naturalnych dźwięków. Wyjątkiem są alikwoty siódmy, jedenasty, trzynasty i czternasty, które tak bardzo różnią się od odpowiadających im dźwięków skali równomiernie temperowanej, że są odbierane przez ucho jako fałszywe. Mimo to przed wynalezieniem instrumentów chromatycznych powszechnie używano ich podczas gry na rogach naturalnych i trąbkach.

Instrumenty muzyczne dęte znane są już w czasach prehistorycznych. Prawdopodobnie w epoce paleolitu (około 80-13 tysięcy lat p.n.e.) pojawiły się flet, trąbka i fujarka; w epoce neolitu (około 5-2 tys. lat p.n.e.) flet z otworami do grania, flet Pana, flet poprzeczny, trąbka poprzeczna, piszczałki jednostroikowe, flet nosowy, trąbka metalowa, piszczałki dwustroikowe.

Instrumenty dęte fletowe i trzcinowe to puste rurki o przekroju cylindrycznym lub stożkowym, a czasem odwróconym stożkowym. Najprostsze instrumenty fletowe i trzcinowe pozwalały wydobyć na nich jedynie niewielką ilość naturalnych dźwięków. Na flecie Pana progresywną skalę dźwięku uzyskano za pomocą rurek o różnych rozmiarach (im krótsza rura, tym wyższy dźwięk). Jednak zmiana ich w trakcie gry utrudniała technikę. Powstał pomysł, aby spróbować zmieniać długość słupa powietrza w jednej rurze, wiercąc w niej otwory. Otwarty otwór umożliwiał wypuszczenie powietrza wprowadzanego przez wykonawcę do instrumentu z tuby przed jej końcem, co skracało słup powietrza i tym samym zwiększało dźwięk. Otwór zamknięty palcem przywrócił integralność rurki.

Flet stał się powszechny w Starożytny Egipt(mem – flet podłużny z pięcioma otworami grającymi i sebi – poprzeczny), Palestyny (ugab – flet podłużny otwarty), w Chinach (paixiao – rodzaj fletu Pana; xiao – podłużny flet bambusowy z sześcioma otworami grającymi; di – bambusowy flet poprzeczny z sześcioma otworami do gry, czterema otworami do strojenia i jednym do barwienia barwy; xuan – podłużny flet gliniany z sześcioma otworami do grania), Indie (vansha – flet poprzeczny i Layu – podłużny). W znacznie mniejszym stopniu instrument ten był szeroko rozpowszechniony w Starożytna Grecja i Rzym. Są to odmiany syrinx (piszczałki): harmoniczna (wysoki rejestr typu fletu podłużnego) z otworami grającymi oraz flet Pana.
W krajach Świat starożytny Oprócz fletów powszechne były instrumenty trzcinowe. W starożytnej Grecji jednym z najbardziej ukochanych instrumentów był aulos. Instrumentem była cylindryczna lub stożkowa tuba z 3-4 lub 6 otworami do grania i podwójnym stroikiem. Wykonawca zazwyczaj używał dwóch aulos jednocześnie. Z jednej strony brzmiała melodia, z drugiej towarzyszący jej stały ton. W ostatnim stuleciu p.n.e. aulos został udoskonalony. Liczba dołków do gry wzrosła do 15. Część z nich została zamknięta obrotowymi pierścieniami, co ułatwiło proces wykonania. Aulos towarzyszył występom teatralnym, ćwiczeniom gimnastycznym, a także był używany jako instrument wojskowy w kampaniach wojskowych. Popularne były aulo pytyjskie (niskie) i chóralne (wysokie). W Rzymie aulos nazywano piszczelem.

Argul stał się powszechny w starożytnym Egipcie. Instrument składał się z dwóch połączonych ze sobą rurek o różnej długości oraz ustników w kształcie dzioba z pojedynczymi stroikami. Krótka rurka miała 6 otworów do zabawy, a dłuższa miała tylko otwór do przepuszczania powietrza. Grali na dwóch piszczałkach jednocześnie, jak na aulosie. W przeciwieństwie do argula, arabska tsummara miała dziury w obu rurach. W Chinach używano instrumentów typu guan i son.

Pojawienie się oboju europejskiego wiąże się z dwoma średniowiecznymi typami oboju wschodniego. To zurna indyjska i zurna arabska. Muzycy europejscy stosowali wschodni sposób gry: stroik instrumentu był całkowicie zanurzony w ustach i swobodnie wibrował, przez co dźwięk był bardzo głośny i monotonny. W średniowieczu powstała odnoga grupy obojów – rodzina zachodnioeuropejskich piszczałek ze stożkową lufą. Piszczałki wiolinowe i sopranowe nazywano szalami, piszczałki altowe i tenorowe nazywano pommerami, a piszczałki basowe nazywano bombardami lub dużymi pommerami basowymi. Instrumenty te miały skalę diatoniczną prawie dwóch oktaw i różniły się strojem. Całkowity zasięg rodziny rur wynosił około koniec XVI V. pięć i pół oktawy: od przeciwoktawy F do tercji B.

Udoskonalanie instrumentów dętych drewnianych wiąże się przede wszystkim ze wzrostem liczby dołków grających. Umieszczone w pewnych odległościach od siebie zaczęto je dzielić na główne i na otwory z zaworami. Te ostatnie z kolei podzielono na otwory z zaworami początkowo w pozycji zamkniętej i otwory z zaworami początkowo w pozycji otwartej.

Główne otwory umożliwiły uzyskanie głównej skali diatonicznej instrumentu. Z reguły są one pokryte pierścieniami (okularami) połączonymi ze specjalnymi zaworami korekcyjnymi. Otwory z zaworami, które są w pozycji zamkniętej i otwierają się po naciśnięciu, umożliwiają uzyskanie zmienionych brzmień na instrumencie. Otwory z zaworami, które są w pozycji otwartej i zamykają się po naciśnięciu, służą do wydobycia najniższych dźwięków instrumentu.

Obój, klarnet i fagot również mają zawory oktawowe. Znajdują się one po przeciwnej stronie głównych otworów i pomagają wykonawcy w nadmiernym napompowaniu. W przypadku wydźwięku oktawowego stosuje się takie samo palcowanie jak w przypadku tonu podstawowego (bardziej skomplikowane na fagocie), tylko cała skala instrumentu zabrzmi o oktawę wyżej.

Flet, obój i fagot należą do instrumentów „oktawowych”. Wytwarzają zarówno parzyste, jak i nieparzyste podteksty. Klarnet jest instrumentem „kwintującym”, ponieważ po dmuchaniu natychmiast wytwarza kwintę o oktawę od tonu podstawowego. Nie da się na nim uzyskać nawet wydźwięku.

Poprzednikami współczesnych instrumentów dętych blaszanych były muszle i rogi, które powstały w czasach prehistorycznych. Proste rogi, wykonane z rogów zwierząt, a nawet kłów słoniowych, były szeroko stosowane w przypadkach, gdy konieczne było wytworzenie sygnału silniejszego niż ludzki głos. Wydobyli kilka dźwięków naturalnych, pozbawionych wyrazu barwowego, z przewagą niskich tonów.

W starożytnym Egipcie, Palestynie, Grecji i Rzymie prosta metalowa fajka stała się powszechna jako instrument wojskowy i sygnalizacyjny. W starożytnych Chinach używano fajek z brązu: da-chun-ku (z dużym dzwonkiem) i xiao-chun-ku (z małym dzwonkiem). Najpopularniejszymi instrumentami dętymi w starożytnych Indiach były shankha (trąbka z muszli) i rana-sringa (róg).

W prymitywnym społeczeństwie komunalnym oddziały słowiańskie miały najprostsze instrumenty muzyczne. Rogów Tury używano do zbierania oddziałów i dawania sygnałów wojskowych. W kronikach X-XI wieku. wspomina się o trąbach i tamburynach, a na freskach kijowskiej katedry św. Zofii (XI w.) znajdują się wizerunki fletów i prostych trąbek. Kronika Ipatiewa z 1151 r. podaje, że ruch wojsk w oddziałach kijowskich rozpoczynał się od dźwięku trąb. Za panowania Jurija Dołgorukiego (lata 90. XI w. - 1157 r.) liczbę żołnierzy określała liczba sztandarów i odpowiadająca im liczba trąb i tamburynów.

W XII wieku. istniał podział na trąby i rogi. Trąby zaczęto wykorzystywać w praktyce wojskowej, rogi zaczęto używać jako strażników, myśliwych i pasterzy. W epoce krucjaty fajki stały się własnością klas uprzywilejowanych (1096-1270), w swoim znaczeniu utożsamiano je z bronią.

Proste rogi były używane przez wiele narodów Europy aż do średniowiecza. Występowały trzy rodzaje rogów: małe (cynkowe), średnie i pełne oraz połówki. Wykonywano je z rogu bawolego. W XIV wieku. pień rogu zaczął się wyginać. Tak powstały rogi myśliwskie lub leśne w kształcie pierścienia, a pod koniec XV wieku - początek XVI stulecie - nieco mniejsze rozmiary sygnałów (pocztowych). Na początku XVI wieku. W Niemczech pojawiły się rogi myśliwskie z trzema zwojami.

Dalsze doskonalenie instrumentów dętych blaszanych wiąże się przede wszystkim z uzupełnianiem ich naturalnej skali. Dzięki temu na długich instrumentach o wąskiej średnicy 12 możliwe stało się wydobycie naturalnej skali od alikwotu drugiego do szesnastego, a na instrumentach krótkich o szerokiej średnicy od alikwotu drugiego do szóstego do ósmego. Wraz z udoskonalaniem instrumentów dętych doskonaliła się także technika wykonawcza. Więc w koniec XVII— początek XVIII V. powstał Nowa technologia gry - clarino (od łac. clarus - jasne). Polegało to na maksymalnym wykorzystaniu górnego odcinka skali naturalnej, gdzie sekwencja wytwarzanych dźwięków staje się progresywna. Ciągłe używanie górnego rejestru instrumentu (trąbki lub rogu) wymagało od wykonawcy najwyższych umiejętności. Największe osiągnięcia tej techniki znajdują odzwierciedlenie w twórczości kompozytorów A. Vivaldiego (1678-1741), G. Handla (1685-1759) i J.-S. Bacha (1685-1750).

Poszukiwania związane z tworzeniem chromatycznych instrumentów dętych dętych najlepiej widać na przykładzie udoskonalania waltorni (patrz waltornia). Czasami poszukiwania te prowadziły do zupełnie nieoczekiwanych wyników. Tym samym doświadczenia tworzenia rogu z zaworami, podjęte w 1760 roku przez F. Kelbela, doprowadziły do powstania bugelhornów – instrumentów o szerokim otworze z zaworami, które upowszechniły się w orkiestrach dętych.

Mechanizm zaworowy wynaleziony w początek XIX c., znacznie rozszerzyły możliwości instrumentów dętych blaszanych, choć pod względem barwy instrumenty naturalne przewyższały instrumenty chromatyczne. Istnieją dwa rodzaje mechanizmu zaworowego: pompujący (tłokowy) i obrotowy. Pompę po raz pierwszy zastosowali berlińscy mistrzowie F. Blümel i G. Stölzel w 1814 roku do wykonania rogu. Projekt zaworu obrotowego stworzył w 1832 roku P. Riedl z Wiednia. Mechanizm zaworowy składa się z kilku dodatkowych rurek lub koron o różnych długościach. Każda z koronek odpowiada dwóm zaworom, które obejmują korony w rurze głównej i odpowiednio obniżają cały strój instrumentu.

Wszystkie chromatyczne instrumenty dęte blaszane z wyjątkiem puzonu mają trzy główne zawory. Pierwszy zawór obniża cały strój instrumentu o 1 ton, drugi o 1/2 tonu, trzeci o 2,5 tonu. Wszystkie trzy zawory wciśnięte razem obniżają strój instrumentu o 3 tony. W ten sposób wszystkie przerwy pomiędzy dźwiękami naturalnymi (z wyjątkiem oktawy pomiędzy I i II) są wypełnione chromatycznie. Należy wziąć pod uwagę, że gdy korony są włączane osobno, skala głównej rury jest zmniejszana dokładnie o wymaganą wielkość: aby zmniejszyć o 1/2 tonu, długość głównej rury należy zwiększyć o 1/15 ze swojej strony zmniejszyć o ton - o 1/8, zmniejszyć o półtora tonu - o 1/5. Kiedy włączysz dwie lub trzy korony jednocześnie, stosunek zmieni się radykalnie. Tak więc, jeśli naciśniesz trzeci zawór jednocześnie z pierwszym, długość jego korony nie będzie już wynosić 1/5 długości głównej rurki, ale kilka mniejsza wartość, ponieważ długość pierwszej korony została już dodana do długości rury głównej. Gdy włączysz jednocześnie wszystkie trzy korony, różnica ta stanie się jeszcze bardziej zauważalna (zamiast zmniejszać się o 3 tony, ogólna skala zmniejszy się o 2,3/4 tony). Dlatego każda korona jest nieco dłuższa niż obliczona, co tylko nieznacznie zmniejsza dźwięki przy naciśnięciu dowolnego zaworu. Ale łącząc zawory, uzyskuje się czystsze intonacyjnie dźwięki. Jednakże w kombinacjach z trzecim zaworem obliczone zależności pomiędzy rurą główną i dodatkową zmieniają się znacząco.

Zastosowanie czwartego zaworu (kwarta) w niektórych instrumentach umożliwia chromatyczne wypełnienie odstępów między tonami I i II, ale prawie wszystkie dźwięki uzyskane za pomocą kombinacji zaworów brzmią znacznie wyżej, a zamiast tego, gdy wszystkie cztery zawory zostaną wciśnięte jednocześnie obniżeniu o 5,1/2 tony, skala główna zmniejszy się jedynie o 5 ton. Jednakże zastosowanie zaworu ćwiartkowego upraszcza kombinacje zaworów. Ponadto zastosowanie zaworu ćwiartkowego zwiększa zasięg instrumentu o jedną trzecią większą w dół.

Mechanizm kołyskowy posiada jeden instrument – puzon (

Instrumenty dęte bardzo różnią się budową i brzmieniem od wszystkich innych instrumentów i od czasów prehistorycznych wyróżniały się w muzyce wszystkich kultur. Klasyfikacja tych instrumentów dobrze odzwierciedla zależności i różnice pomiędzy nimi różne rodzaje mosiądz.

Jak zbudowane są instrumenty dęte?

Instrument dęty składa się z rezonatorów pewien typ(zwykle w postaci rurek). W nich powstają drgania w słupie powietrza, które gracz wdmuchuje do instrumentu dętego, w efekcie czego dźwięk ulega wzmocnieniu.

Zasięg dźwięku instrumentu dętego zależy od wielkości jego rezonatorów. Na przykład dźwięk wytwarzany przez grubą rurę jest niski, ponieważ długość jej kanału powietrznego sprzyja wibracjom przepływu powietrza o niskiej częstotliwości. A dźwięk cienkiego fletu będzie wysoki ze względu na węższy kształt instrumentu i odpowiednio mniejszą objętość rezonatora: w takich warunkach kolumna powietrza częściej wibruje o jego ścianki, dlatego dźwięk staje się wyższy .

Częstotliwość oscylacji kolumny można zwiększyć przyspieszając wtrysk powietrza, czyli tworząc szybszy i ostrzejszy strumień powietrza.

Klasyfikacja instrumentów dętych

Instrumenty dęte dzielą się na dwie grupy:

instrumenty dęte blaszane;
instrumenty dęte drewniane;
instrumenty dęte klawiszowe.

Początkowo rozkład ten wynikał z materiałów, z jakich wykonano dany instrument, później jednak zaczął się bardziej wiązać ze sposobem wydobywania z niego dźwięku. Materiał instrumentów wytwarzanych w naszych czasach nie ogranicza się do miedzi i drewna i może być bardzo różnorodny - od metalu po plastik, od mosiądzu po szkło, ale instrumenty te nadal będą przypisane do jednej z powyższych grup.

Podczas ich odtwarzania dźwięk powstaje poprzez zmianę długości słupa powietrza. Można to osiągnąć otwierając specjalne otwory znajdujące się na narzędziu, a które dokładnie zależą od odległości, w jakiej te otwory znajdują się od siebie.

Instrumenty dęte drewniane dzielą się na dwie podgrupy: wargową i trzcinową. Rozkład zależy od sposobu wdmuchiwania powietrza do instrumentu.

W wargowy powietrze wdmuchiwane jest przez poprzeczną szczelinę znajdującą się na główce instrumentu: dzięki temu strumień powietrza jest odcinany i sprzyja wewnętrznym wibracjom powietrza.

Wargowe instrumenty dęte obejmują fajkę, a także flet i jego odmiany.

W trzcina wtrysk odbywa się za pomocą języka - cienkiej płytki na górze instrumentu, w wyniku czego wibruje słup powietrza.

Do instrumentów dętych trzcinowych zalicza się: saksofon, klarnet, fagot i ich odmiany, a także instrumenty takie jak balaban i zurna.

O przynależności instrumentu do instrumentu dętego blaszanego decyduje sposób wytwarzania dźwięku, wywołany określonym położeniem warg na instrumencie i siłą nadmuchu strumienia powietrza. Te instrumenty dęte były dawniej wykonane z mosiądzu, później z mosiądzu, a czasem ze srebra.

Instrumenty dęte blaszane są również podzielone na podgrupy.

Osobliwość zawór instrumenty polegają na tym, że tak naprawdę są one wyposażone w trzy lub cztery zawory, którymi gracz steruje palcami. Są one potrzebne, aby zwiększyć długość strumienia powietrza poprzez zwiększenie długości samego instrumentu i tym samym zmniejszyć dźwięk. Dzieje się tak w momencie naciśnięcia zaworu, gdy w rurze zostanie wkręcona dodatkowa koronka i narzędzie zostanie dodatkowo wysunięte.

Do instrumentów Valve zalicza się: trąbkę, róg, tubę, sakshorn i inne.

Ale w naturalny instrumenty dęte w ogóle nie mają dodatkowych lamp: wydobywają dźwięki jedynie ze skali naturalnej i nie potrafią grać linii melodycznych, dlatego praktycznie przestały być używane na początku XIX wieku. Do tej podgrupy zalicza się trąbkę, fanfarę, róg myśliwski i podobne instrumenty.

Dodatkowa wysuwana rurka w kształcie litery U tzw za kulisami, charakteryzuje ten typ instrumentu dętego blaszanego, jakim jest puzon. Ruch tej rurki wpływa na długość przepływu powietrza i odpowiednio na ton dźwięku.

Instrumenty dęte klawiszowe

Odrębnie w tej klasyfikacji znajdują się instrumenty dęte klawiszowe. Ich osobliwością jest to, że ich konstrukcja zawiera trzcinę i ruchome rurki - powietrze jest wpompowywane do nich przez specjalne miechy.

Wśród nich można wyróżnić dwie podgrupy:

stroik - fisharmonia, akordeon, melodica, akordeon guzikowy;
pneumatyczne – organy i niektóre ich rodzaje.

Instrumenty dęte orkiestry symfonicznej

Flet, fagot, obój, tuba, róg, puzon, klarnet i trąbka to dęte instrumenty muzyczne zaliczane do Orkiestra symfoniczna. Rozważmy niektóre z nich.

flet prosty

Początkowo flet rzeczywiście wykonywano z drewna, ale później, w XIX wieku, głównym materiałem na ten instrument stało się srebro. Samo słowo „flet” sięga czasów starożytnych; wówczas nazwą tą określano wszystkie bez wyjątku instrumenty dęte. Uważa się, że flet jest w zasadzie jednym z najstarszych instrumentów muzycznych - pierwsi przodkowie tego instrumentu pojawili się około 43 tysiące lat temu.

Wcześniej istniał flet podłużny, który muzyk trzyma przed sobą jak fajkę, ale w okresie pobarokowym zastąpiono go fletem poprzecznym, który trzyma się z boku, z ramionami przesuniętymi na boki . Większość ludzi wyobraża sobie tę wersję poprzeczną, gdy słyszą pojęcie „fletu”. Orkiestra symfoniczna używa głównie dwóch fletów. Flet jest najczęściej używany w utworach klasycznych. Spośród innych instrumentów dętych opanowanie gry na flecie jest najlepsze dla większości ludzi, a nauka nut na flecie nie jest trudniejsza niż nauka nut na fortepianie lub gitarze.

Puzon

Puzon to jedyny instrument dęty blaszany, który przez wieki swojego istnienia nie uległ żadnym zmianom i pozostaje taki sam, jak znali go starożytni muzycy. Puzon jest jedynym instrumentem, który nie dokonuje transpozycji, to znaczy wysokość dźwięku rzeczywistego pokrywa się z wysokością dźwięku w notacja muzyczna. Słowo „puzon” zwykle odnosi się do jego odmiany zwanej puzonem tenorowym. Istnieją również puzony altowe i basowe, ale są one używane bardzo rzadko.

Orkiestra symfoniczna ma zwykle trzy puzony. Najczęściej puzon występuje w takich gatunki muzyczne, jak jazz i ska-punk.

Obój

Obój ma wygląd, jaki ma obecnie w XVIII wieku. Jej poprzednikami od czasów starożytnych były takie instrumenty jak aulos, zurna, dudy i inne. Obój charakteryzuje się melodyjną barwą, zbliżoną do ludzki głos. Sam ma stożkowy kształt i zestaw dwudziestu trzech zaworów miedzioniklowych na korpusie.

W skład orkiestry symfonicznej wchodzą dwa oboje. Głównym repertuarem tego instrumentu są dzieła z epoki klasycyzmu i baroku.

Rura

Spośród instrumentów dętych to trąbka potrafi zabrzmieć najwyżej. Wykonany jest z materiałów takich jak mosiądz, miedź czy srebro. Jest to jeden z najstarszych instrumentów. Początkowo był używany jako instrument sygnalizacyjny, ale z XVII wiek stał się elementem orkiestry symfonicznej.

Orkiestra symfoniczna gra na trzech trąbkach. Instrument ten jest używany w wielu różnych gatunkach: muzyce klasycznej, jazzie itp.

Tuba

Tuba, w przeciwieństwie do trąbki, jest elementem najniżej brzmiącym. Ponadto tuba przewyższa także wszystkie inne instrumenty dęte blaszane pod względem wielkości i wagi. Z tego powodu często gra się na stojąco, co wiąże się między innymi z koniecznością odpowiedniego przygotowania fizycznego muzyka. Jest to wynalazek XIX-wiecznego Belga Adolphe’a Saxa. Podobnie jak trąbka, tuba jest instrumentem zaworowym.

Orkiestra gra głównie na jednej tubie.

Mniej lub bardziej poważny poziom gry na dowolnym instrumencie dętym można osiągnąć w ciągu trzech do czterech lat systematycznej praktyki. Rozwijanie ucha do muzyki pomoże przyspieszyć postęp. Uważa się, że instrumenty dęte drewniane są nieco łatwiejsze do nauczenia niż instrumenty dęte blaszane; a najtrudniejsze dla uczniów rzeczy do nauczenia się to gra na rogu i puzonie.

Za pomocą filmu łatwiej będzie wyjaśnić małym dzieciom, czym są instrumenty dęte blaszane. Zapraszamy do obejrzenia poniższego filmu:

Na lekcjach w szkole muzycznej uczenie się instrumenty orkiestry symfonicznej. Zaczęliśmy od grupy dętej. W domu chciałam utrwalić z synem nazwy instrumentów i ich głosy. Zebrane w jednym miejscu zdjęcie instrumentów dętych I wykonywaną przez nich muzykę. Instrumentów można posłuchać online. Mam nadzieję, że komuś się przyda i zajmie znacznie mniej czasu niż nam.

Instrumenty muzyczne dęte dzielą się na drewniany I miedź. Początkowo klasyfikacja ta wynikała z materiału, z którego zostały wykonane. Teraz ten podział jest bardzo dowolny, np. flet i saksofon wykonane są z metalu, choć należą do instrumentów dętych drewnianych.

INSTRUMENTY BINDUJ| ZDJĘCIE:

Instrumenty dęte drewniane: Posłuchaj dźwięków instrumentów

Flet| Słuchaj online

Klarnet| Słuchaj online
Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierać Ostatnia wersja. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

Obój | Słuchaj online
Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

Fagot | Słuchaj online
Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.

Instrumenty dęte blaszane: słuchaj dźwięków instrumentów

Rura| Słuchaj online
Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript.