Paruyr Davtyan ha inventato la mitragliatrice. Il distributore automatico è speciale, anche se ovviamente sembra un distributore automatico di caramelle. Una speciale capsula che fuoriesce dalla macchina contiene una caramella con un pezzo di carta su cui è stampata una citazione. Questo è un detto di un grande uomo, e forse anche uomo comune. Tutti i partecipanti, grandi e semplici, definiscono l'arte. Ci sono molte risposte a questa domanda che sono difficili da ignorare. Tutto questo insieme cambia il nostro mondo, in meglio, ovviamente.
Le caramelle costano solo 10 rubli. I soldi delle capsule di caramelle vendute andranno a programmi educativi.
Paruyr Davtyan, artista concettuale, membro dei gruppi "Cupid", "Edelweiss", "King of the Mountain", partecipante alla 6a Biennale di Mosca arte contemporanea, progettista.
Paruyr, questo progetto speciale inizia all'apertura della Biennale?
Sì, inizia con l'apertura della Biennale di Arte Contemporanea di Mosca. I primi dispositivi - e queste sono solo auto che vendono dolciumi - appariranno all'NCCA e alla Petrovka, nel Museo di Arte Moderna. Allo stesso tempo, il progetto è stato concepito non come parte della Biennale, ma come un processo continuo in continua crescita. Spero che non finisca mai. Voglio che il maggior numero possibile di istituzioni, musei, gallerie inizi a installare queste macchine. Il loro numero non sarà limitato. Ma all'inizio saranno localizzati in circa 15 siti: questi sono NCCA, CTI FABRIKA, Fondazione Culturale"Catherine", Stella Art Foundation, MMOMA, Museo delle Arti Decorative e Applicate, Museo Darwin eccetera.
E ora di più, per favore...
Protagonista del progetto è una capsula. Conterrà una caramella con un pezzo di carta su cui è stampata una citazione. Questa è una dichiarazione di una grande figura o di una persona semplice che ha deciso di partecipare al progetto e definire l'arte attraverso il sito web www.whatisart.ru. La caramella costa 10 rubli. I soldi delle capsule vendute con i dolci andranno ai programmi educativi dell'Istituto di Arte Contemporanea.
E le citazioni?
Li seleziono io stesso. Ho cercato nei libri, su Internet, ce ne sono molti. Ad oggi sono state raccolte circa 500 citazioni di grandi persone e 300 dichiarazioni di nostri contemporanei, utenti di Internet che hanno visitato il sito www.whatisart.ru. C'è solo una finestra in cui devi inserire la tua risposta alla domanda "Cos'è l'arte?" e iscriviti. Ad un certo punto, questa affermazione, insieme al nome dell'autore, cade in una delle capsule. Sono convinto che arte si possa definire non solo grande classico o un esperto riconosciuto - parole persone normali e i nostri contemporanei non sono meno importanti. Ad ogni modo, non do la priorità. Non mi concentro su ciò che la gente ha detto, ma sulla libertà di espressione e sull'accesso ad essa. Il mio interesse principale è la moltitudine. Voglio dimostrare chiaramente che ci sono molte risposte alla domanda posta. Non è che non lo sappiamo, ma quando si materializzano in tante piccole capsule, questa realtà diventa più difficile da mettere da parte.
Dove dovrebbero essere i dispositivi?
Li ho volutamente messi fuori dallo spazio museale, per non esporre la macchina come un'opera d'arte, perché non lo è. Li ho messi davanti all'ingresso. Se vuoi, cambia look prima di entrare. Quindi, guardi già quest'arte con occhi diversi, entri nella galleria con pensieri diversi. Questo incontro casuale può cambiare molto. Procedo dal fatto che la scelta è sempre imprevedibile. Arriviamo anche all'arte in modo abbastanza casuale, anche se per molti questo movimento sembra intenzionale. Il lavoro tocca in parte questi aspetti irrazionali della scelta. Per quanto riguarda ulteriore destino progetto, allora deve assumere una vita propria. In un certo senso ho acceso la miccia e me ne sono andato. Le persone parlano, le loro dichiarazioni finiscono in caramelle e io prendo poca parte a questo processo. lavoro fisico(portare, installare la macchina, tirare fuori un po 'da lì, firmare un contratto, ecc.) può essere eseguito da chiunque senza di me.
È il primo progetto?
Questo tipo di prima. Questa è una sorta di critica alle istituzioni artistiche che si trasformano in attrazioni. C'è la percezione che per attirare i visitatori, i musei debbano offrire ogni tipo di intrattenimento. Con l'aiuto dei dolci, infatti, ho costruito una sorta di modello dell'esistenza dell'arte contemporanea e dei suoi spazi. Macchina per caramelle - personificazione museo contemporaneo, che vende caramelle, intrattenimento per una persona da pagare, entrare e divertirsi. Oggi c'è la tendenza a rendere il museo alla moda. È organicamente integrato nella sfera del consumo raffinato dell'élite. Se prima il museo veniva criticato per aver trasformato tutto in un souvenir, evirando le specificità delle opere e appianando le contraddizioni, ora trasforma tutto in un'attrazione. E il mio automa agisce come reazione a questo stato di cose.
Come si svilupperà il progetto stesso? Forse a Londra? A Parigi?
Possibile. Abbiamo scherzato sul fatto che le caramelle in capsula sarebbero state vendute alla prossima Biennale di Venezia. È vero, non per 10 rubli, ma per 1 euro. Sono stato guidato dalla cifra che ognuno ha in tasca e che non è un peccato spendere. Non puoi comprare nulla per 10 rubli. Ma, stranamente, possono supportare lo studente.
Su di me.
Vengo da una famiglia di pittori e ho iniziato come pittore. Poi "è andato in discesa", ha incontrato vari compagni. Ora lavoro insieme a Yuri Albert, Victor Skersis e Andrey Filippov. Abbiamo 3 gruppi contemporaneamente: "Cupido", "Edelweiss" e "King of the Hill". Allo stesso tempo, la composizione è la stessa e facciamo tutto noi. "Cupido" è impegnato in installazioni totali. (Il 29 settembre è stata aperta una mostra presso la Stella Art Foundation.) Il gruppo King of the Hill è apparso quest'anno ed è impegnato nella ricerca sulla pittura. In estate abbiamo avuto il nostro primo plein-air congiunto: siamo andati ad Aix-en-Provence, abbiamo scalato il Monte Sainte-Victoire, che Cézanne ha dipinto per molto tempo, e abbiamo dipinto il luogo in cui si supponeva si trovasse dalla montagna. E il gruppo Edelweiss è impegnato in "azioni", spettacoli con elementi di teatro. I ruoli degli attori, ovviamente, non sono esplicitati: facciamo sempre affidamento su qualche tipo di possibilità ...
Nell'ambito di programma speciale Alla 6a Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca, l'artista Paruyr Davtyan presenta un progetto interattivo "Cos'è l'arte", in cui affermazioni sull'arte di personaggi famosi cultura e anche critici contemporanei e la gente comune sarà confezionata in una speciale capsula con caramelle, acquistabili presso appositi distributori automatici presso le sedi della Biennale di Mosca. Le caramelle con citazioni ricordano le iconiche gomme da masticare "Love is..." con divertenti detti sull'amore, come osserva lo stesso autore. Ekaterina Frolova ha parlato con Paruyr Davtyan in particolare per ARTIST TALK su ciò che può essere considerato arte oggi, perché le domande sono più importanti delle risposte e perché gli artisti si stanno allontanando dalla "bellezza".
Le macchine per caramelle saranno collocate al VDNKh nel Padiglione Centrale, nella Ekaterina Cultural Foundation, in Centro Statale arte contemporanea (NCCA), al Museo statale di arte contemporanea (MMSI) a 25 Petrovka, al Museo statale Darwin, al Centro per le industrie creative "Fabrika" e al Museo tutto russo di arte decorativa, applicata e popolare.
Paruirperché hai fatto la domandacos'è l'arte? Forse hai dei dubbi su questo problema?
L'artista moderno non può fare a meno di dubitare di questa domanda, altrimenti la sua pretesa di modernità si affievolirà sensibilmente. Relativamente parlando, se prima un artista poteva farla franca dimostrando le proprie capacità nell'ambito di un sistema fisso di generi, ora, o meglio, da cento anni, deve affrontare un compito più ambizioso: tracciare il confine tra arte e non -l'arte in un modo nuovo, per cercare tra l'abbondanza travolgente cose che a volte sono lontane dall'arte e ad essa estranee, qualcosa che può potenzialmente diventare arte. Ci sono anche una serie di questioni etiche qui. Uno di questi è che dando a qualcosa, evento o fenomeno uno status artistico, li salviamo, li liberiamo dall'oblio, dal decadimento, dalla distruzione, a cui tutto è condannato in un modo o nell'altro. Ed è la scelta, e non la creazione o la fabbricazione di questo o quel manufatto, che qui gioca un ruolo chiave e richiede una notevole responsabilità.
Non ti importa che lo spettatore potrebbe non prendere sul serio il tuo progetto e percepire la macchina delle caramelle solo come parte di un complesso di intrattenimento ?
In effetti, è quello che sto cercando. Ma i messaggi sono due: il primo è che è " cosa frivola”, e il secondo che questa “cosa frivola” è in un “posto serio”. E lo spettatore ha un pensiero: "Perché è qui?" E quando prende la caramella, capisce che dietro questo guscio "frivolo" si nasconde qualcosa di serio.
L'opera è stata originariamente concepita come una critica alle istituzioni museali. C'è la tendenza che quando le persone vengono in una certa città, visitino sicuramente i musei di arte moderna in cui scattano foto, in generale lo trattano come una sorta di intrattenimento, ma ogni museo ha una funzione più profonda. Allo stesso tempo, i musei, seguendo la guida dello spettatore, si trasformano in punti di intrattenimento. E di conseguenza, se prima il museo era molto per gli "eletti", ora coinvolge un pubblico più ampio, e il "grande pubblico" spesso desidera uno spettacolo spettacolare. Gli spettatori si trasformano in clienti, i curatori in animatori e l'arte in un'attrazione di intrattenimento.
"Comprando una caramella, non puoi ottenere un'opera d'arte, ma puoi diventarne parte"
Capisco cosìche attraverso il suo lavoro ironico, macchina per caramellestai cercando di convincere lo spettatore a pensarequell'arte- non è affatto divertente, UNoccupazione intellettuale?
La presentazione stessa comporta sia intrattenimento che, in una certa misura, sforzo intellettuale. In questo senso sono fedele a Orazio, che invitava i poeti a delectare, cioè a intrattenere o deliziare il lettore, e allo stesso tempo docere - a istruirlo. Nel mio caso, il piacere sarà letterale.
Il visitatore della mostra deve acquistare una caramella con un preventivo in una macchina appositamente progettata. Quanto costerà allo spettatore"dolce intuizione«?
"Dolce intuizione" costerà dieci rubli. Tutti hanno una moneta del genere in tasca e, stranamente, non è più possibile acquistare nulla con essa. Tutti i fondi raccolti andranno a programmi educativi presso l'Istituto di Arte Contemporanea. Si presume inoltre che se qualche istituzione, sia essa un museo o una galleria, conserva questo apparato, allora il ricavato sarà destinato anche alla formazione nel campo dell'arte contemporanea, ma a sua discrezione.
"A volte l'incomprensione produttiva è un'esperienza molto più preziosa e trasformativa della comprensione"
Comprare caramelle, gli spettatori riceveranno un'opera d'arte?
Acquistando caramelle, non puoi ottenere un'opera d'arte, ma puoi diventarne parte. Ma hai chiesto buona domanda. Cos'è l'arte in quest'opera? L'opera è stata concepita da me come un happening, privo della provocazione insita in questo genere. Forse, nel tempo, apparirà qualcos'altro.
Ci saranno citazioni in caramelleche ha cambiato il tuo atteggiamento e la tua percezione dell'arte?
Più probabilmente no che sì. Le citazioni per me sono come tessere di un mosaico che cambia all'infinito, ma già questo può capovolgere la mia percezione dell'arte. Anche se c'è stato un altro momento. Ho iniziato come artista classico, cresciuto nella famiglia di un artista-pittore. Poi ho conosciuto il concettualismo di Mosca, ha davvero capovolto la mia percezione dell'arte. Ce n'erano diversi mostre personali, studiando all'IPSI (Institute of Contemporary Art Problems. - Circa ed.) con Joseph Bakshtein, mi ha invitato lui stesso. Ora lavoro in un gruppo con Yuri Albert, Andrey Filippov e Victor Skersis. In realtà abbiamo tre gruppi con nomi diversi, ma con la stessa composizione - "Cupido", "Edelweiss" e "King of the Hill". Sono molto diversi nell'estetica e sono impegnati direzioni diverse nell'arte: "Cupido" - installazioni totali, "King of the Hill" - pittura e studio della pittura, e "Edelweiss" - sono pratiche vicine all'happening e alla performance, ma le chiamiamo "azioni".
Hai chiesto alla gente di definire l'arte, e cosa consideri personalmente arte?
La tua domanda contiene già la risposta. Considero arte, tra l'altro, una richiesta di definizione dell'arte rivolta alla gente comune.
"Ci sono cose che gli artisti in questo mondo stanno cambiando, ma noi non lo sappiamo, perché non ci accorgiamo della connessione"
Dicono quasi tuttiqual è lo scopo dell'arte contemporanea, in contrasto con il classiconon dare rispostee fare domande. Perché fare domande è diventato più importante o più interessantepiuttosto che dare risposte?
Questa è una domanda puramente filosofica. E il fatto che sia rivolto all'artista è abbastanza indicativo e, mi sembra, non è un caso. Filosofia e arte sono strettamente intrecciate almeno dagli anni '60. Non è solo così raro mostra moderna fa a meno di un lungo e ponderato commento, ma anche nel fatto che anche sul più superficiale, livello esterno l'arte è sempre meno come una pratica di creare oggetti estetici e sempre più come un'attività di ricerca. Insomma, l'arte ha molto in comune con la filosofia. La filosofia, invece, è sempre stata, scusate il gioco di parole, l'arte di porre le domande giuste. Jacques Derrida lo ha espresso in una formulazione tautologica, caratterizzando la comunità dei filosofi come "la comunità della domanda della possibilità della domanda". L'arte è autoriflesiva, il che significa che, anche quando risponde a una domanda, ha cura di porla prima di nuovo, a modo suo, in modo diverso.
Non pensiche lo spettatore di oggi è altrettanto importante conoscerecome capire l'arte contemporanea?
Il concettualista di Mosca Andrei Monastyrsky una volta disse: "Deve esserci una grande quantità di malintesi, altrimenti non sarà arte". Sono completamente d'accordo con questa affermazione. A volte malinteso produttivo- l'esperienza è molto più preziosa e trasformativa della comprensione. L'incomprensione, per così dire, consente a una persona di superare il proprio narcisismo, di andare oltre i propri limiti angusti e confortevoli, risveglia il pensiero. In questo senso, il compito di comprendere è molto più semplice: basta leggere una dozzina di libri. Quindi, parafrasando la tua domanda, direi che è importante per lo spettatore di oggi riuscire a non capire l'arte contemporanea.
"Come ha detto Oleg Petrenko del gruppo Peppers, tutto sembra ridicolo accanto a x..em, quindi nel mio caso una bella immagine diventa autosufficiente e mette da parte il significato investito in essa"
Si scoprecosa cercare di capirequale domanda sta ponendo l'artista- questo è il punto?
Cercherò di spiegare semplicemente: in qualsiasi lavoro artista contemporaneo pone una domanda o un problema. La comprensione di un'opera si raggiunge, secondo me, quando la domanda che l'artista pone nella sua opera viene posta dallo stesso spettatore.
SÌ, anche i professionisti ammettonoche hanno bisogno di leggere descrizioni e commenti alle operee persino parlare con l'artista stessoper capire i significati. Ma il problema èche la maggior parte degli spettatori non ha l'opportunità di uno studio così approssimativo della biografia e dei contesti dell'artista, in cui esiste il prodotto. Non ci sono modi"rapido consumo di significati«?
Non lo so. Forse c'è. Ma non vedo il punto nel "consumo veloce di significati". Inoltre, molto spesso l'arte si rivela un mezzo per “rallentare” il tempo, un'oasi di lentezza e regolarità. Qui puoi fare molti esempi: dal film di otto ore "Empire" di Warhol alla performance di 700 ore "In presenza dell'artista" di Marina Abramovic.
Forse, ogni artista credeche i suoi scritti avrebbero influenzato la società e la storia. Hai sogni sucome l'arte cambierà il mondo?
Non ho un sogno del genere. Ma l'arte cambia il mondo, e il più delle volte lato migliore. Ad esempio, la lingua in cui mi stai intervistando ora, la cosiddetta "nuova lingua russa", è apparsa grazie agli Oberiuts (un gruppo di scrittori e personaggi della cultura nel 1927-1930 - ndr). Hanno “spezzato” la lingua e l'hanno ricostruita, perché la lingua parlata cento anni fa è molto diversa da come la parliamo oggi. In Russia, arte e poesia sono fortemente combinate, Arte russa generalmente molto narrativo. L'avanguardia russa e il concettualismo moscovita, come due correnti che sono entrate nella storia dell'arte mondiale, sono entrambe narrative e abbastanza vicine alla letteratura. Tra le altre cose, quando vediamo operai stradali in arancione o un dottore in camice blu - questo è tutto dalle opere di Malevich, così come segnali stradali- cioè infografica. Ha cambiato la vita delle persone o no? Allo stesso modo, l'arte della cattedrale di Kandinsky e Scriabin ha portato alla combinazione di suono e luce, e oggi balliamo in una discoteca al ritmo della musica della luce. Ci sono cose che gli artisti in questo mondo cambiano, ma noi non lo sappiamo, perché non ci accorgiamo della connessione.
Come pensiperché nell'arte moderna non c'è praticamente desiderio di bellezza, alla creazione di nuovi ideali estetici, non ha senso??
Questo è assolutamente normale. L'arte perde alcune funzioni e ne acquisisce altre. C'era una volta, generalmente aveva solo un culto e significato rituale, e a nessuno sarebbe mai venuto in mente di considerare, ad esempio, un dipinto come un oggetto bello indipendente. Per me personalmente, l'arte appare nel momento in cui è separata dalla chiesa. Per quanto riguarda gli ideali estetici, nel mio lavoro mi allontano deliberatamente dall'estetica. Come ha detto Oleg Petrenko del gruppo "Peppers", accanto a x..em tutto sembra ridicolo, quindi nel mio caso, bella immagine diventa autosufficiente e mette da parte il significato investito in esso.
“In ogni caso, quando cominciamo a dubitare che sia arte o no, la chiamiamo già arte”
I risultati del tuo sondaggio sono almeno questione acuta - è tuttoquella che oggi si chiama arte, è effettivamente?
Un artista può chiamare arte un oggetto arbitrario, ma non può invertire il gesto. Questo è ciò che fa la censura. Stai cercando di applicare un sistema binario all'arte - arte o non arte. Nel caso dell'arte, questo non funziona, secondo me. Parlerei di una sorta di stato quantico, quando il lavoro arbitrario è allo stesso tempo arte e non arte. Oppure, come Yura Albert, ha più di questi stati, come "50 sfumature di grigio" - quasi arte, non proprio arte, molto vicino all'arte, già arte e così via. In ogni caso, quando iniziamo a dubitare che questa sia o meno arte, la chiamiamo già arte. Come accade da un punto di vista religioso, quando un ateo afferma che Dio non esiste, determina già che c'è un dio, ma non esiste. Ci sono diversi livelli di essere nell'ontologia. A livello fenomenologico Dio certamente esiste, perché anche gli atei dicono “Dio lo sa”, “Dio gli perdoni” e così via. Per loro non esiste sul piano materiale, ma esiste sul piano fenomenologico. Anche con l'arte, quando poniamo la domanda, intendiamo già che è l'arte, ma non l'arte che vorremmo esistesse come arte.
Paruir, questo progetto è stato ispirato dall'iconica gomma da masticare"AmoreÈ…". Non posso fare a meno di chiederecome l'amore e l'arte si intersecano oggi nella tua vita?
L'amore, come l'arte, media tra il mortale e l'immortale, il momentaneo e l'eterno. Di tutte le banalità, questa è probabilmente la più affidabile.
Intervista: Ekaterina Frolova
Il nome della mostra di Paruyr Davtyan "Zero to Infinity" rimanda lo spettatore al mondo delle formule matematiche, che l'artista interpreta nel suo progetto come un linguaggio astratto universale che permette al maestro di trovare nuovi spazi e dimensioni dell'arte. Usando la "magia" dei numeri e delle operazioni algebriche, Davtyan crea la propria ontologia, ben consapevole dell'inutilità delle operazioni matematiche con lo zero. Basandosi sulla nostra comprensione che qualsiasi oggetto materiale o semantico può avere un numero infinito di interpretazioni nello spazio della cultura, Davtyan crea un complesso spazio espositivo carico di "atomi logici". Nel suo progetto, Davtyan parte da una circostanza molto importante: nel momento in cui l'umanità ha revocato il divieto di divisione per zero, ma ha scoperto per sé l'infinito.
Per l'opera "Binary Fog", l'autore ha scattato una fotografia scattata in Olanda. "Sul congelato mulini a vento le nuvole sono scese, sembrava che la fitta nebbia trasportasse qualcosa di nascosto e il processo di trasformazione continua (come dal vento nasce l'elettricità). L'artista, partendo dalla prima impressione, continua il tema della trasformazione, che acquista un carattere rigorosamente matematico. Il quadrato di una fotografia in bianco e nero è interpretato dall'autore come un campo binario di pixel. Utilizzando il codice binario (il principale linguaggio di programmazione), l'artista traduce lo spazio visivo in testo. Come se "scorresse" indietro storia biblica, cerca, con l'aiuto del linguaggio puro e universale della matematica, di ritrovare la Parola perduta nella nebbia.
Nell'installazione Four-Dimensional Suprematism and Its Shadow, l'artista si rivolge all'estetica ascetica dei numeri, cercando di ripensare maggiori scoperte arte del Novecento. In particolare, per risolvere il "mistero" della quarta dimensione che preoccupava le menti di cubisti, futuristi, suprematisti. Tuttavia, la maggior parte dei maestri d'avanguardia, incluso Malevich, credeva che la quarta dimensione fosse il tempo scienza modernaè chiaro che il tempo è una proprietà dello spazio, ma non una struttura. L'unica via d'uscita nella quarta dimensione è la matematica, tuttavia, è ovvio che questo spazio non può essere percepito occhio umano. Pertanto, le più semplici unità di forma ("supremus"), tradotte nella quarta dimensione, possono essere presentate allo spettatore solo come "ombre" tridimensionali, copie ridotte delle loro formule prototipo esistenti nello spazio. Passando all'interpretazione platonica dell'arte, l'autore crea composizione scultorea, che non è in alcun modo l'opera principale, ma solo la sua ombra.
La serie di xerografie presentata in mostra ci riporta allo stesso spazio delle “ombre”, che può essere percepito come una continuazione del tema del “Suprematismo quadridimensionale” nella dimensione umana. L'utilizzo di una fotocopiatrice invece di una fotocamera consente all'autore di raggiungere la massima distanza dall'oggetto. La freddezza di una macchina imparziale che fissa un volto umano in un'unità di tempo è priva non solo della posizione dell'autore, ma anche di quasi ogni intervento umano. Le "copie" bidimensionali di persone, fissate nel tempo e nello spazio, sono simili a segni matematici distaccati.
Multimedia Art Museum, Mosca presenta il progetto "Allegorical Abstraction" dell'Artel "King of the Hill" (Yuri Albert, Paruyr Davtyan, Victor Skersis, Andrey Filippov). L'ingresso alla mostra per i partecipanti è gratuito.
Artel "King of the Mountain" - non il primo un progetto comune quattro noti artisti. Nella stessa composizione nel 2008 si sono formati Associazione creativa Cupido, che ha creato principalmente installazioni, e nel 2011 ha organizzato il gruppo Edelweiss, specializzato in eventi performativi complessi che coinvolgono cavalli, cori, bellezze e alieni. Infine, nel 2014, gli artisti si sono uniti nell'Artel "King of the Mountain" - per lezioni di pittura congiunte.
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Nel ciclo presentato alla mostra Artel "King of the Hill" dimostra una sorta di fusione delle realizzazioni più significative pittura astratta e le tradizioni dell'accademismo allegorico, affermando la tesi sulla possibilità di fondere gli opposti in una sintesi trionfante.
Filosofia Artel
L'immagine dell'immaginario, l'immaginazione dell'immagine, l'immagine dell'immagine, l'immaginazione dell'immaginario, l'immagine dell'immagine immaginaria, l'immaginazione dell'immagine dell'immaginario ... - ecco dove si trova il cane della creatività sepolto!
Progetti congiunti di artisti
Associazione creativa (t / o) "Cupido":
2008 Vitya e Zaitsy, Fragma, Pragma ed Enigma, Cupido. TsTI Fabrika, Mosca
2009 Mostra e racconta: Omut. Fondazione Stella Art, Mosca
2010 Presa d'acqua. TsTI Fabrika, Mosca
2010 Kaspar, David, Friedrich... Centro comunicazione culturale, Klaipeda
2011 Metamorfosi. Fondazione Stella Art, Mosca
2015 Capo stazione. Fondazione Stella Art, Mosca
Opere del gruppo Edelweiss:
2011 Tea rosa. Galleria ART+ART, Winzavod, Mosca
2011 Nasturzio. Central House of Artists, mostra dei finalisti del Premio Kandinsky
2011 Vittoria Regia. Museo d'arte multimediale, Mosca
2013 Ciliegio di uccello. Museo Ebraico e centro di tolleranza, Mosca
Eventi dell'Artel "Re della montagna":
2015 Partenza per Aix-en-Provence. Una serie di paesaggi "Viste dal Monte Sainte-Victoire"
2015 Mostra "Comunità artistiche di Mosca". Museo della città di Mosca
2016 Partenza per Rouen. Una serie di paesaggi "Cattedrale di Rouen a mezzanotte"
Juri Alberto
Nato nel 1959 a Mosca.
1995 Mami, schau ein Kunstler! Galerie Hohenthal und Bergen, Colonia
1996 Autoritratto con occhi chiusi. Centro per l'Arte Contemporanea, Mosca
Mostra 2007. Fondazione Era, Mosca
2008 Pittura, scultura, grafica. Fondazione Stella Art, Mosca
2008 Storie d'arte. Stato di Nižnij Novgorod Museo d'Arte/ Filiale Volga dell'NCCA, Nizhny Novgorod
Scelta di Mosca del 2009. Galleria dei lavori di cartoleria, Mosca
2011 Autoritratti bendati. Galleria dei lavori di cartoleria, Mosca
2013–2014 Cosa intendeva l'artista con questo? Museo di arte moderna di Mosca
2014 Fragen der Kunst: Moskauer Abstimmung. Museo d'Arte Contemporanea Weserburg, Brema
Mostre collettive selezionate:
1989–1990 10 + 10. Moderno Museo d'Arte, Forte Valore; Museo d'arte moderna, San Francisco; Galleria Albright Knox, Bufalo; Museo d'Arte Moderna, Washington DC; Casa Centrale degli Artisti, Mosca
2005 cospiratori. Opere collettive e interattive nell'arte russa 1960-2000. Stato Galleria Tretyakov, Mosca
2005 Angeli della storia. Il concettualismo di Mosca e la sua influenza. Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen, Anversa
2008 Illuminazione totale. Arte concettuale di Mosca 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Francoforte sul Meno / Fundación Juan March, Madrid
Paruyr Davtyan
Nato nel 1976 a Leninakan, Armenia.
Mostre personali:
2010 Zero all'infinito. TsTI Fabrika, Mosca
2015 Cos'è l'arte? VI Biennale Internazionale, Mosca: Padiglione Principale, TsTI Fabrika, NCCA, Museo delle Arti Decorative e Applicate, Museo di Mosca, Museo Darwin, Centro Zverev per l'Arte Contemporanea
2017 Sala d'attesa. Galleria Osnova, Mosca
Victor Skersis
Nato a Mosca nel 1956.
Mostre personali selezionate:
1983–1984 Apt-Art SZ, Mosca
2008 Aspetti della metaarte. Progetto di fabbrica, Mosca
2009 L'artista e la sua modella, Stella Art Foundation, Mosca
Mostre collettive selezionate:
1975 Esposizione di opere di artisti moscoviti. VDNH, padiglione "Casa della Cultura", Mosca
1982-1984 APTART / APTART. Galleria APTART, Mosca; Centro d'Arte Russo Contemporaneo d'America, New York; Progetto Washington per il Arte, Washington DC
2005 cospiratori. Galleria Statale Tretyakov, Mosca
2010 Campo d'azione. La scuola concettuale di Mosca e il suo contesto. Fondazione culturale "Ekaterina", Mosca
2016 Le immagini pensanti. Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Nuovo Brunswick (NJ)
Collektsia 2016–2017! Centre Pompidou, Parigi
Andrej Filippov
Nato nel 1959 a Petropavlovsk-Kamchatsky.
Mostre personali selezionate:
1990 Due al potere due. Krings-Ernst Galerie, Colonia
2006 L'ho visto! Progetto speciale per la mostra “Modus R. Design District”, Miami, Florida; Loft Spinnerei, Lipsia
2011 Campo d'azione. Museo d'arte multimediale, Mosca
2012 Blackout a rotazione. Fondazione Stella Art, Mosca
2015 Dipartimento delle Aquile. Special guest della VI Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca. Fondazione culturale "Ekaterina", Mosca
Mostre collettive selezionate:
1989 Mosca - Terza Roma. Sala 1, Roma
1990–1991 Tra primavera ed estate. L'arte sovietica nell'era del tardo comunismo, Tacoma Art Museum, Washington DC; ICA, Boston, MA: Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa
1991 Museo MANI - 40 Moskauer Kunstler. Karmelitenkloster, Francoforte sul Meno
2003–2004 Berlino - Mosca / Mosca - Berlino 1950–2000. Martin-Gropius-Bau, Berlino; Stato Museo storico, Mosca
2006 Attenzione: vetro! Arte contemporanea a Murano. Museo di Stato belle arti prende il nome da A.S. Pushkin, Mosca
2008–2009 Illuminismo totale - Arte concettuale a Mosca 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Francoforte sul Meno; Fondazione Juan March, Madrid
2010 Campo d'azione. La scuola concettuale di Mosca e il suo contesto. Anni '70 - '80 del Novecento. Fondazione culturale "Ekaterina", Mosca
2015 in vista. Episodi vita artistica 1986–1992 Progetto speciale della VI Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca. Fondazione culturale "Ekaterina", Mosca
2016 Le immagini pensanti. Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Nuovo Brunswick (NJ)
Collektsia 2016–2017! Centre Pompidou, Parigi
Informazioni sui contatti
Sito web: http://mamm-mdf.ru/
Indirizzo: Mosca, Ostozhenka, 16.
Prezzo del biglietto: adulti: 500 rubli, studenti a tempo pieno della Federazione Russa: 250 rubli, pensionati e scolari: 50 rubli, disabili dei gruppi I e II: gratuiti.
Per i membri del club foto russa"L'ingresso è gratuito.
Orari e giorni di apertura: 12:00 - 21:00, tutti i giorni tranne il lunedì.