Paruyr Davtyan ha inventato la mitragliatrice. Il distributore automatico è speciale, anche se ovviamente sembra un distributore automatico di caramelle. Una capsula speciale che cade dalla macchina contiene una caramella con un pezzo di carta su cui è stampata una citazione. Questo è un detto di un grande uomo, e forse anche uomo comune. Tutti i partecipanti, grandi e semplici, definiscono l'arte. Ci sono molte risposte a questa domanda che sono difficili da ignorare. Tutto questo insieme cambia il nostro mondo, in meglio, ovviamente.
Le caramelle costano solo 10 rubli. Il denaro ricavato dalle capsule di caramelle vendute andrà a programmi educativi.
Paruyr Davtyan, artista concettuale, membro dei gruppi "Cupid", "Edelweiss", "King of the Mountain", partecipante alla 6a Biennale di Mosca arte contemporanea, progettista.
Paruyr, questo progetto speciale inizia con l'apertura della Biennale?
Sì, si comincia con l'apertura della Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca. I primi dispositivi - e queste sono solo macchine per la vendita di dolciumi - appariranno nel Centro Nazionale per l'Arte Contemporanea e Petrovka, nel Museo d'Arte Moderna. Allo stesso tempo, il progetto non è stato concepito come parte della Biennale, ma come un processo continuo in continua crescita. Spero che non finisca mai. Voglio che quante più istituzioni, musei, gallerie comincino a installare queste macchine. Il loro numero non sarà limitato. Ma inizialmente saranno dislocati in una quindicina di siti: si tratta di NCCA, CTI FABRIKA, Fondazione Culturale"Catherine", Stella Art Foundation, MMOMA, Museo delle arti decorative e applicate, Museo Darwin eccetera.
E ora di più, per favore...
La protagonista del progetto è una capsula. Conterrà una caramella con un pezzo di carta su cui è stampata una citazione. Questa è la dichiarazione di una grande figura o di una persona semplice che ha deciso di partecipare al progetto e definire l'arte attraverso il sito web www.whatisart.ru. La caramella costa 10 rubli. Il denaro ricavato dalle capsule con i dolci venduti andrà ai programmi educativi dell'Istituto d'Arte Contemporanea.
E le citazioni?
Li seleziono io stesso. Ho cercato nei libri, su Internet, ce ne sono molti. Ad oggi sono state raccolte circa 500 citazioni di grandi persone e 300 dichiarazioni dei nostri contemporanei, utenti di Internet che hanno visitato il sito www.whatisart.ru. C'è solo una finestra in cui devi inserire la tua risposta alla domanda "Cos'è l'arte?" e iscriviti. Ad un certo punto, questa affermazione, insieme al nome dell'autore, cade in una delle capsule. Sono convinto che l'arte possa essere definita non solo grande classico o un esperto riconosciuto - parole persone normali e i nostri contemporanei non sono meno importanti. Ad ogni modo, non stabilisco le priorità. Non mi concentro su ciò che le persone hanno detto, ma sulla libertà di espressione e sull'accesso ad essa. Il mio interesse principale è la moltitudine. Voglio dimostrare chiaramente che ci sono molte risposte alla domanda posta. Non è che non lo sappiamo, ma quando si materializzano in tante piccole capsule, questa realtà diventa più difficile da ignorare.
Dove dovrebbero essere i dispositivi?
Li ho volutamente messi fuori dallo spazio museale, per non esporre la macchina come un'opera d'arte, perché non lo è. Li ho messi davanti all'ingresso. Se vuoi, cambia look prima di entrare. Quindi, guardi già quest'arte con occhi diversi, entri nella galleria con pensieri diversi. Questo incontro casuale può cambiare molto. Parto dal fatto che la scelta è sempre imprevedibile. Anche noi arriviamo all'arte in modo abbastanza casuale, anche se per molti questo movimento sembra intenzionale. Il lavoro tocca in parte questi aspetti irrazionali della scelta. Riguardo ulteriore destino progetto, allora deve assumere vita propria. In un certo senso ho acceso la miccia e me ne sono andato. Le persone parlano apertamente, le loro dichiarazioni finiscono in caramelle e io prendo poca parte in questo processo. lavoro fisico(portare, installare la macchina, tirare fuori una sciocchezza da lì, firmare un contratto, ecc.) può essere eseguito da chiunque senza di me.
È questo il primo progetto?
Questo tipo di prima. Questa è una sorta di critica alle istituzioni artistiche che si trasformano in attrazioni. Si ritiene che per attirare i visitatori i musei debbano offrire ogni tipo di intrattenimento. Infatti, con l'aiuto dei dolci, ho costruito una sorta di modello di esistenza dell'arte contemporanea e dei suoi spazi. Macchina per caramelle - personificazione museo contemporaneo, che vende caramelle, intrattenimento per una persona con cui pagare, entrare e divertirsi. Oggi si tende a rendere il museo di moda. È organicamente integrato nella sfera del consumo raffinato d’élite. Se prima il museo veniva criticato per aver trasformato tutto in un souvenir, indebolendo la specificità delle opere e appianando le contraddizioni, ora trasforma tutto in un'attrazione. E il mio automa agisce come reazione a questo stato di cose.
Come si svilupperà il progetto? Forse a Londra? A Parigi?
Abbastanza possibile. Avevamo scherzato sul fatto che le caramelle in capsula sarebbero state vendute alla prossima Biennale di Venezia. È vero, non per 10 rubli, ma per 1 euro. Mi sono lasciato guidare dalla cifra che ognuno ha in tasca e che non è un peccato spendere. Non puoi comprare nulla per 10 rubli. Ma, stranamente, possono supportare lo studente.
Su di me.
Vengo da una famiglia di pittori e ho iniziato come pittore. Poi è "andato in discesa", ha incontrato vari compagni. Ora lavoro insieme a Yuri Albert, Victor Skersis e Andrey Filippov. Abbiamo 3 gruppi contemporaneamente: "Cupid", "Edelweiss" e "King of the Hill". Allo stesso tempo, la composizione è la stessa e facciamo tutto. "Cupido" è impegnato in installazioni totali. (Il 29 settembre è stata inaugurata una mostra presso la Stella Art Foundation.) Quest'anno è apparso il gruppo King of the Hill ed è impegnato nella ricerca pittorica. In estate abbiamo avuto il nostro primo plein air comune: siamo andati ad Aix-en-Provence, abbiamo scalato il monte Sainte-Victoire, che Cézanne ha dipinto a lungo, e abbiamo dipinto dalla montagna il luogo in cui si supponeva si trovasse. E il gruppo Edelweiss è impegnato in "azioni", spettacoli con elementi teatrali. I ruoli degli attori, ovviamente, non sono specificati: facciamo sempre affidamento su qualche tipo di possibilità...
Nell'ambito di programma speciale Alla 6a Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca, l'artista Paruyr Davtyan presenta un progetto interattivo "Cos'è l'arte", in cui affermazioni sull'arte di personaggi famosi cultura e anche critici contemporanei e la gente comune sarà racchiusa in una speciale capsula di caramelle, che sarà disponibile presso speciali distributori automatici nelle sedi della Biennale di Mosca. Le caramelle con le virgolette ricordano le iconiche gomme da masticare "Love is..." con frasi divertenti sull'amore, come nota lo stesso autore. Ekaterina Frolova ha parlato con Paruyr Davtyan appositamente per ARTIST TALK di cosa può essere considerata arte oggi, perché le domande sono più importanti delle risposte e perché gli artisti si stanno allontanando dalla “bellezza”.
Le macchine per dolciumi saranno collocate alla VDNKh nel Padiglione Centrale, nella Fondazione Culturale Ekaterina, a Centro statale arte contemporanea (NCCA), al Museo statale di arte contemporanea (MMSI) in 25 Petrovka, al Museo statale Darwin, al Centro per le industrie creative "Fabrika" e al Museo panrusso di arte decorativa, applicata e popolare.
Paruyrperché hai fatto la domanda?cos'è l'arte? Forse hai dei dubbi su questo problema?
L’artista moderno non può fare a meno di dubitare di questa domanda, altrimenti la sua pretesa di modernità si affievolirà sensibilmente. Relativamente parlando, se prima un artista poteva farla franca dimostrando le sue capacità nell'ambito di un sistema fisso di generi, ora, o meglio, da cent'anni a questa parte, si trova di fronte a un compito più ambizioso: tracciare il confine tra arte e non -l'arte in modo nuovo, per ricercare nella stragrande abbondanza ciò che a volte è lontano dall'arte e ad essa estraneo, qualcosa che potenzialmente può diventare arte. Ci sono anche una serie di questioni etiche qui. Uno di questi è che dando a qualcosa, evento o fenomeno uno status artistico, li salviamo, li liberiamo dall'oblio, dal decadimento, dalla distruzione, a cui tutto è condannato in un modo o nell'altro. Ed è la scelta, e non la creazione o la fabbricazione di questo o quell'artefatto, che gioca qui un ruolo chiave e richiede una notevole responsabilità.
Non ti interessa che lo spettatore potrebbe non prendere sul serio il tuo progetto e percepire la macchina per le caramelle solo come parte di un complesso di intrattenimento ?
In effetti, è quello che sto cercando. Ma i messaggi sono due: il primo è che è così” cosa frivola”, e la seconda che questa “cosa frivola” si trova in un “posto serio”. E lo spettatore ha un pensiero: "Perché è qui?" E quando prende la caramella, capisce che dietro questo involucro “frivolo” si nasconde qualcosa di serio.
L'opera è stata originariamente concepita come una critica alle istituzioni museali. C'è la tendenza che quando le persone vengono in una certa città, visitano sicuramente i musei di arte moderna in cui scattano foto, in generale lo trattano come una sorta di intrattenimento, ma ogni museo ha una funzione più profonda. Allo stesso tempo, i musei, seguendo la guida dello spettatore, si trasformano in luoghi di intrattenimento. E di conseguenza, se prima il museo era molto riservato agli “eletti”, ora coinvolge un pubblico più vasto, e il “grande pubblico” spesso desidera uno spettacolo spettacolare. Gli spettatori si trasformano in clienti, i curatori in animatori e l’arte in un’attrazione di intrattenimento.
"Comprando una caramella non puoi ricevere un'opera d'arte, ma puoi diventarne parte"
Lo capiscoche attraverso il suo lavoro ironico, macchina per caramellestai cercando di far riflettere lo spettatorequell'art- non è affatto divertente, UNoccupazione intellettuale?
La presentazione stessa implica sia intrattenimento che, in una certa misura, sforzo intellettuale. In questo senso sono fedele a Orazio, che invitava i poeti a delectare, cioè a intrattenere o dilettare il lettore, e allo stesso tempo a docere, a istruirlo. Nel mio caso, il piacere sarà letterale.
Il visitatore della mostra deve acquistare una caramella con una citazione in una macchina appositamente progettata. Quanto costerà allo spettatore"dolce intuizione«?
"Dolce intuizione" costerà dieci rubli. Tutti hanno una moneta del genere in tasca e, stranamente, non è più possibile comprarci nulla. Tutti i fondi raccolti andranno ai programmi educativi dell'Istituto d'Arte Contemporanea. Si presume inoltre che se qualche istituzione, sia essa un museo o una galleria, conserva questo dispositivo, il ricavato verrà devoluto anche all'educazione nel campo dell'arte contemporanea, ma a sua discrezione.
“A volte l’incomprensione produttiva è un’esperienza molto più preziosa e trasformativa della comprensione”
Comprare caramelle, gli spettatori riceveranno un'opera d'arte?
Acquistando caramelle non puoi ottenere un'opera d'arte, ma puoi diventarne parte. Ma hai chiesto buona domanda. Cos'è l'arte in quest'opera? L'opera è stata concepita da me come un evento, privo della provocazione insita in questo genere. Forse, col tempo, apparirà qualcos'altro.
Ci saranno virgolette nelle caramelleche ha cambiato il tuo atteggiamento e la tua percezione dell’arte?
Più probabilmente no che sì. Le citazioni per me sono come pezzi di un mosaico in continuo cambiamento, ma questo può già capovolgere la mia percezione dell'arte. Anche se c'è stato un altro momento. Ho iniziato come artista classico, è cresciuto nella famiglia di un artista-pittore. Poi ho conosciuto il concettualismo di Mosca, che ha davvero capovolto la mia percezione dell'arte. Ce n'erano diversi mostre personali, studiando all'IPSI (Istituto per i problemi dell'arte contemporanea. - ca. ndr) con Joseph Bakshtein, lui stesso mi ha invitato. Ora lavoro in gruppo con Yuri Albert, Andrey Filippov e Victor Skersis. In realtà abbiamo tre gruppi con nomi diversi, ma con la stessa composizione: "Cupido", "Edelweiss" e "King of the Hill". Sono molto diversi nell'estetica e sono impegnati direzioni diverse nell'arte: "Cupido" - installazioni totali, "King of the Hill" - pittura e studio della pittura, e "Edelweiss" - queste sono pratiche vicine all'happening e alla performance, ma le chiamiamo "azioni".
Hai chiesto alle persone di definire l'arte, e cosa consideri personalmente l'art?
La tua domanda contiene già la risposta. Considero arte, tra l'altro, una richiesta di definizione di arte rivolta alla gente comune.
“Ci sono cose che gli artisti in questo mondo stanno cambiando, ma noi non lo sappiamo, perché non notiamo la connessione”
Lo dicono quasi tuttiqual è lo scopo dell'arte moderna, a differenza del classiconon dare rispostee fare domande. Perché fare domande è diventato più importante o più interessantepiuttosto che dare risposte?
Questa è una questione puramente filosofica. E il fatto che sia indirizzato all'artista è abbastanza indicativo e, mi sembra, non è un caso. Filosofia e arte sono strettamente intrecciate almeno dagli anni '60. Non è solo così raro mostra moderna fa a meno di un lungo commento ponderato, ma anche nel fatto che anche sul piano più superficiale, livello esterno l'arte è sempre meno una pratica di creazione di oggetti estetici e sempre più un'attività di ricerca. Insomma, l’arte ha molto in comune con la filosofia. La filosofia, invece, è sempre stata, scusate il gioco di parole, l'arte di porre le domande giuste. Jacques Derrida lo ha espresso in una formulazione tautologica, caratterizzando la comunità dei filosofi come "la comunità della domanda sulla possibilità della domanda". L'arte è autoriflessiva, il che significa che, anche quando risponde a una domanda, ha cura di riproporla prima, a modo suo, in modo diverso.
Non credi?che lo spettatore di oggi è altrettanto importante saperecome comprendere l'arte contemporanea?
Il concettualista moscovita Andrei Monastyrsky una volta disse: “Ci devono essere molti malintesi, altrimenti non sarebbe arte”. Sono completamente d'accordo con questa affermazione. A volte malinteso produttivo- L'esperienza è molto più preziosa e trasformativa della comprensione. L'incomprensione, per così dire, permette a una persona di superare il proprio narcisismo, di andare oltre i suoi limiti stretti e confortevoli, risveglia il pensiero. In questo senso, il compito di comprendere è molto più semplice: basta leggere una dozzina di libri. Pertanto, riformulando la tua domanda, direi che è importante che lo spettatore di oggi sia in grado di non capire l'arte contemporanea.
"Come ha detto Oleg Petrenko del gruppo Peppers, tutto sembra ridicolo accanto a x..em, quindi nel mio caso una bella immagine diventa autosufficiente e mette da parte il significato in essa investito"
Si scoprecosa cercare di capirequale domanda si sta ponendo l'artista?- questo è il punto?
Cercherò di spiegarlo semplicemente: in qualsiasi lavoro artista contemporaneo pone una domanda o un problema. La comprensione di un'opera si raggiunge, secondo me, quando la domanda che l'artista pone nella sua opera viene posta dallo spettatore stesso.
SÌ, ammettono anche i professionistiche hanno bisogno di leggere descrizioni e commenti sulle operee persino parlare con l'artista stessoper comprenderne i significati. Ma il problema èche la maggior parte degli spettatori non ha l'opportunità di uno studio così approssimativo della biografia e dei contesti dell'artista, in cui esiste il prodotto. Non ci sono modi"rapido consumo di significati«?
Non lo so. Forse c'è. Ma non vedo il senso del "rapido consumo di significati". Inoltre, molto spesso l'arte risulta essere un mezzo per “rallentare” il tempo, un'oasi di lentezza e regolarità. Qui puoi citare molti esempi: dal film di otto ore "Empire" di Warhol alla performance di 700 ore "In presenza dell'artista" di Marina Abramovic.
Forse, crede ogni artistache i suoi scritti avrebbero influenzato la società e la storia. Hai dei sogni?come l'arte cambierà il mondo?
Non ho un sogno del genere. Ma l’arte cambia il mondo, e il più delle volte lato migliore. Ad esempio, la lingua in cui mi stai intervistando ora, la cosiddetta "nuova lingua russa", è apparsa grazie agli Oberiut (un gruppo di scrittori e personaggi della cultura nel 1927-1930 - ndr). Hanno “rotto” la lingua e l’hanno ricostruita, perché la lingua parlata cento anni fa è molto diversa da come la parliamo oggi. In Russia, arte e poesia sono fortemente combinate, Arte russa generalmente molto narrativo. L'avanguardia russa e il concettualismo moscovita, in quanto due correnti entrate nella storia dell'arte mondiale, sono entrambe narrative e piuttosto vicine alla letteratura. Tra le altre cose, quando vediamo operai stradali in arancione o un medico in camice blu, tutto questo proviene dalle opere di Malevich, così come segnali stradali- cioè infografica. Ha cambiato la vita delle persone oppure no? Allo stesso modo, l’arte della cattedrale di Kandinsky e Scriabin ha portato alla combinazione di suono e luce, e oggi balliamo in discoteca al ritmo della musica della luce. Ci sono cose che gli artisti in questo mondo cambiano, ma noi non lo sappiamo, perché non notiamo la connessione.
Come pensiperché nell'arte moderna non c'è praticamente alcun desiderio di bellezza, alla creazione di nuovi ideali estetici, non ha senso??
Questo è assolutamente normale. L’arte perde alcune funzioni e ne acquisisce altre. C'era una volta generalmente solo un culto e significato rituale, e non sarebbe mai venuto in mente a nessuno di considerare, ad esempio, un dipinto come un oggetto bello e indipendente. Per me personalmente l'arte appare nel momento in cui è separata dalla chiesa. Per quanto riguarda gli ideali estetici, nel mio lavoro mi allontano deliberatamente dall'estetica. Come ha detto Oleg Petrenko del gruppo "Peppers", accanto a x..em tutto sembra ridicolo, quindi nel mio caso, bella immagine diventa autosufficiente e mette da parte il significato in esso investito.
“In ogni caso, quando cominciamo a dubitare che sia arte oppure no, già la chiamiamo arte”
I risultati del tuo sondaggio sono almeno questione acuta - è tuttociò che oggi si chiama arte, è effettivamente?
Un artista può chiamare arte un oggetto arbitrario, ma non può invertire il gesto. Questo è ciò che fa la censura. Stai cercando di applicare un sistema binario all'arte: arte o non arte. Nel caso dell’arte, secondo me, questo non funziona. Parlerei di una sorta di stato quantico, in cui il lavoro arbitrario è allo stesso tempo arte e non arte. Oppure, come Yura Albert, ha più di questi stati, come "50 sfumature di grigio" - quasi arte, non proprio arte, molto vicino all'arte, già arte e così via. In ogni caso, quando cominciamo a dubitare che questa sia arte o meno, la chiamiamo già arte. Come avviene dal punto di vista religioso, quando un ateo afferma che Dio non esiste, stabilisce già che Dio esiste, ma non esiste. Ci sono diversi livelli dell’essere nell’ontologia. A livello fenomenologico Dio certamente esiste, perché anche gli atei dicono “Dio sa”, “Dio lo perdoni” e così via. Per loro non esiste sul piano materiale, ma esiste sul piano fenomenologico. Anche con l'arte, quando poniamo la questione, intendiamo già che è arte, ma non l'arte che vorremmo esistesse come arte.
Paruyr, questo progetto è stato ispirato dall'iconica gomma da masticare"AmoreÈ…". Non posso fare a meno di chiederecome l'amore e l'arte si intersecano nella tua vita oggi?
L'amore, come l'arte, media tra il mortale e l'immortale, il momentaneo e l'eterno. Di tutte le banalità, questa è probabilmente la più affidabile.
Intervista: Ekaterina Frolova
Il nome della mostra di Paruyr Davtyan "Zero to Infinity" rimanda lo spettatore al mondo delle formule matematiche, che l'artista interpreta nel suo progetto come un linguaggio astratto universale che permette al maestro di trovare nuovi spazi e dimensioni dell'arte. Utilizzando la "magia" dei numeri e delle operazioni algebriche, Davtyan crea la propria ontologia, ben consapevole dell'inutilità delle operazioni matematiche con zero. Basandosi sulla nostra comprensione che qualsiasi oggetto materiale o semantico può avere un numero infinito di interpretazioni nello spazio della cultura, Davtyan crea uno spazio espositivo complesso carico di "atomi logici". Nel suo progetto, Davtyan parte da una circostanza molto importante: nel momento in cui l'umanità ha revocato il divieto di divisione per zero, ma ha scoperto da sola l'infinito.
Per l'opera “Binary Fog”, l'autore ha scattato una fotografia scattata in Olanda. "Sul congelato mulini a vento le nuvole scesero, sembrava che la fitta nebbia trasportasse qualcosa di nascosto e il processo di trasformazione continua (come dal vento nasce l'elettricità). L'artista, partendo dalla prima impressione, prosegue il tema della trasformazione, che acquisisce un carattere rigorosamente matematico. Il quadrato di una fotografia in bianco e nero viene interpretato dall'autore come un campo binario di pixel. Utilizzando il codice binario (il principale linguaggio di programmazione), l'artista traduce lo spazio visivo in testo. Come se "scorresse" indietro storia biblica, cerca, con l'aiuto del linguaggio puro e universale della matematica, di ritrovare la Parola perduta nella nebbia.
Nell'installazione Four-Dimensional Suprematism and Its Shadow, l'artista si rivolge all'estetica ascetica dei numeri, cercando di ripensare scoperte importanti arte del XX secolo. In particolare per risolvere il "mistero" della quarta dimensione che preoccupava le menti di cubisti, futuristi, suprematisti. Tuttavia, la maggior parte dei maestri dell’avanguardia, incluso Malevich, credeva che la quarta dimensione fosse il tempo scienza modernaè chiaro che il tempo è una proprietà dello spazio, ma non una struttura. L'unica via d'uscita nella quarta dimensione è la matematica, tuttavia è ovvio che questo spazio non può essere percepito occhio umano. Pertanto, le unità formali più semplici (“supremuse”), tradotte nella quarta dimensione, possono essere presentate allo spettatore solo come “ombre” tridimensionali, copie ridotte delle loro formule prototipali esistenti nello spazio. Passando all'interpretazione platonica dell'arte, l'autore crea composizione scultorea, che non è in alcun modo l'opera principale, ma solo la sua ombra.
La serie di xerografie presentate in mostra ci riporta allo stesso spazio delle “ombre”, che può essere percepito come una continuazione del tema del “Suprematismo quadridimensionale” nella dimensione umana. L'utilizzo di una fotocopiatrice anziché di una fotocamera consente all'autore di raggiungere la massima distanza dall'oggetto. La freddezza di una macchina imparziale che fissa un volto umano in un'unità di tempo è priva non solo della posizione dell'autore, ma anche di quasi ogni intervento umano. Le "copie" bidimensionali di persone, fissate nel tempo e nello spazio, sono simili a segni matematici distaccati.
Multimedia Art Museum, Mosca presenta il progetto "Astrazione allegorica" dell'Artel "King of the Hill" (Yuri Albert, Paruyr Davtyan, Victor Skersis, Andrey Filippov). L'ingresso alla mostra per i partecipanti è gratuito.
Artel "King of the Mountain" - non il primo un progetto comune quattro artisti famosi. Nella stessa composizione nel 2008 si sono formati Associazione creativa Cupid, che ha creato principalmente installazioni, e nel 2011 ha organizzato il gruppo Edelweiss, specializzato in eventi performativi complessi che coinvolgono cavalli, cori, bellezze e alieni. Infine, nel 2014, gli artisti si sono uniti nell'Artel "King of the Mountain" - per lezioni congiunte di pittura.
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Nel ciclo presentato alla mostra Artel "King of the Hill" mostra una sorta di fusione delle realizzazioni più significative pittura astratta e le tradizioni dell'accademismo allegorico, affermando la tesi sulla possibilità di fondere gli opposti in una sintesi trionfante.
Filosofia Artel
L'immagine dell'immaginario, l'immaginazione dell'immagine, l'immagine dell'immagine, l'immaginazione dell'immaginario, l'immagine dell'immagine immaginaria, l'immaginazione dell'immagine dell'immaginario ... - ecco dove si trova il cane della creatività sepolto!
Progetti congiunti di artisti
Associazione creativa (t/o) "Cupido":
2008 Vitya e Zaitsy, Fragma, Pragma ed Enigma, Cupido. TSTI Fabrika, Mosca
2009 Mostra e racconta: Omut. Fondazione Stella Art, Mosca
2010 Presa d'acqua. TSTI Fabrika, Mosca
2010 Kaspar, David, Friedrich... Centro comunicazione culturale, Klaipeda
2011 Metamorfeo. Fondazione Stella Art, Mosca
2015 Capo stazione. Fondazione Stella Art, Mosca
Opere del gruppo Edelweiss:
2011 Rosa tea. Galleria ART+ART, Winzavod, Mosca
2011 Nasturzio. Casa Centrale degli Artisti, mostra dei partecipanti selezionati del Premio Kandinsky
2011 Vittoria Regia. Museo d'arte multimediale, Mosca
2013 Ciliegia d'uccello. Museo Ebraico e centro di tolleranza, Mosca
Eventi dell'Artel "Re della Montagna":
2015 Partenza per Aix-en-Provence. Una serie di paesaggi "Viste dal Monte Saint-Victoire"
2015 Mostra "Comunità artistiche di Mosca". Museo della città di Mosca
2016 Partenza per Rouen. Una serie di paesaggi "Cattedrale di Rouen a mezzanotte"
Yuri Alberto
Nato nel 1959 a Mosca.
1995 Mami, schau ein Kunstler! Galerie Hohenthal und Bergen, Colonia
1996 Autoritratto con occhi chiusi. Centro per l'Arte Contemporanea, Mosca
Mostra del 2007. Fondazione Era, Mosca
2008 Pittura, scultura, grafica. Fondazione Stella Art, Mosca
2008 Storie d'arte. Stato di Nižnij Novgorod Museo d'Arte/ Filiale del Volga della NCCA, Nizhny Novgorod
Scelta di Mosca 2009. Galleria Paperworks, Mosca
2011 Autoritratti bendati. Galleria Paperworks, Mosca
2013–2014 Cosa intendeva l'artista con questo? Museo d'arte moderna di Mosca
2014 Fragen der Kunst: Moskauer Abstimmung. Museo d'Arte Contemporanea Weserburg, Brema
Mostre collettive selezionate:
1989–1990 10 + 10. Moderno Museo d'Arte, Fort Worth; Museo di arte moderna, San Francisco; Galleria Albright Knox, Buffalo; Museo di Arte Moderna, Washington DC; Casa Centrale degli Artisti, Mosca
2005 Cospiratori. Opere collettive e interattive nell'arte russa 1960–2000. Stato Galleria Tretyakov, Mosca
2005 Angeli della storia. Il concettualismo di Mosca e la sua influenza. Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen, Anversa
2008 Illuminazione totale. Arte concettuale di Mosca 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Francoforte sul Meno / Fundación Juan March, Madrid
Paruyr Davtyan
Nato nel 1976 a Leninakan, Armenia.
Mostre personali:
2010 Da zero all'infinito. TSTI Fabrika, Mosca
2015 Cos'è l'arte? VI Biennale Internazionale, Mosca: Padiglione Principale, TsTI Fabrika, NCCA, Museo delle Arti Decorative e Applicate, Museo di Mosca, Museo Darwin, Centro Zverev per l'Arte Contemporanea
2017 Sala d'attesa. Galleria Osnova, Mosca
Victor Skersis
Nato a Mosca nel 1956.
Mostre personali selezionate:
1983–1984 Apt-Art SZ, Mosca
2008 Aspetti della metaarte. Progetto di fabbrica, Mosca
2009 L'artista e la sua modella, Stella Art Foundation, Mosca
Mostre collettive selezionate:
1975 Mostra di opere di artisti moscoviti. VDNH, padiglione "Casa della Cultura", Mosca
1982-1984 APTART / APTART. Galleria APTART, Mosca; Centro d'Arte Russa Contemporanea d'America, New York; Progetto Washington per il Arti, Washington DC
2005 Cospiratori. Galleria Statale Tretyakov, Mosca
2010 Campo d'azione. La scuola concettuale di Mosca e il suo contesto. Fondazione Culturale "Ekaterina", Mosca
2016 Le immagini pensanti. Museo d'arte Jane Voorhees Zimmerli, Nuovo Brunswick (NJ)
2016–2017 Kollektsia! Centro Pompidou, Parigi
Andrej Filippov
Nato nel 1959 a Petropavlovsk-Kamchatsky.
Mostre personali selezionate:
1990 Due in Potenza Due. Galleria Krings-Ernst, Colonia
2006 L'ho visto! Progetto speciale per la mostra “Modus R. Design District”, Miami, Florida; Loft Spinnerei, Lipsia
2011 Campo d'azione. Museo d'arte multimediale, Mosca
2012 Blackout continuo. Fondazione Stella Art, Mosca
2015 Dipartimento delle Aquile. Ospite speciale della VI Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca. Fondazione Culturale "Ekaterina", Mosca
Mostre collettive selezionate:
1989 Mosca - Terza Roma. Sala 1, Roma
1990–1991 Tra primavera ed estate. Arte sovietica nell'era del tardo comunismo, Tacoma Art Museum, Washington DC; ICA, Boston, MA: Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa
1991 Museo MANI - 40 Moskauer Kunstler. Karmelitenkloster, Francoforte sul Meno
2003–2004 Berlino - Mosca / Mosca - Berlino 1950–2000. Martin-Gropius-Bau, Berlino; Stato Museo storico, Mosca
2006 Attenzione: vetro! Arte contemporanea a Murano. Museo statale belle arti intitolato ad A.S. Pushkin, Mosca
2008–2009 Illuminismo totale - Arte concettuale a Mosca 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Francoforte sul Meno; Fondazione Juan March, Madrid
2010 Campo d'azione. La scuola concettuale di Mosca e il suo contesto. Anni '70 -'80 del XX secolo. Fondazione Culturale "Ekaterina", Mosca
2015 in vista. Episodi vita artistica 1986–1992 Progetto speciale della VI Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca. Fondazione Culturale "Ekaterina", Mosca
2016 Le immagini pensanti. Museo d'arte Jane Voorhees Zimmerli, Nuovo Brunswick (NJ)
2016–2017 Kollektsia! Centro Pompidou, Parigi
Informazioni sui contatti
Sito web: http://mamm-mdf.ru/
Indirizzo: Mosca, Ostozhenka, 16.
Prezzo del biglietto: adulti: 500 rubli, studenti a tempo pieno della Federazione Russa: 250 rubli, pensionati e scolari: 50 rubli, disabili dei gruppi I e II: gratuito.
Per i soci del club Foto russa"l'ingresso è gratuito.
Orari e giorni di apertura: 12:00 - 21:00, tutti i giorni tranne il lunedì.