È consuetudine chiamare arte contemporanea tutti i tipi di movimenti artistici sviluppatisi alla fine del XX secolo. Nel dopoguerra fu una sorta di sbocco che insegnò ancora una volta a sognare e a inventare nuove realtà della vita.
Stanchi delle catene delle dure regole del passato, i giovani artisti hanno deciso di infrangere le vecchie norme artistiche. Hanno cercato di creare nuove pratiche precedentemente sconosciute. Opponendosi al modernismo, si sono rivolti a nuovi modi per rivelare le loro storie. L'artista e il concetto alla base della sua creazione sono diventati molto più importanti del risultato stesso dell'attività creativa. Il desiderio di allontanarsi dal quadro eretto ha portato all'emergere di nuovi generi.
Cominciarono a sorgere controversie tra gli artisti sul significato dell'arte e sui modi di esprimerla. Cos'è l'arte? Con quali mezzi si può raggiungere la vera arte? Concettualisti e minimalisti hanno trovato la risposta nella frase: "Se l'arte può essere tutto, allora non può essere niente". Per loro, l'allontanamento dai consueti mezzi visivi ha dato luogo a varie azioni, avvenimenti e performance. Qual è la peculiarità dell’arte contemporanea nel 21° secolo? Questo è ciò di cui parleremo nell'articolo.
La grafica tridimensionale nell'arte del XXI secolo
L'arte del 21° secolo nella grafica 3D è famosa. Con lo sviluppo della tecnologia informatica, gli artisti hanno accesso a nuovi mezzi per creare la propria arte. L'essenza della grafica tridimensionale è creare immagini modellando oggetti nello spazio tridimensionale. Se consideriamo la maggior parte delle forme d'arte moderna del 21° secolo, la creazione di immagini tridimensionali sarà la più tradizionale. La grafica 3D ha molti lati, nel vero senso della parola. Viene utilizzato durante la creazione di programmi, giochi, immagini e video su un computer. Ma lo puoi vedere anche proprio sotto i tuoi piedi, sul marciapiede.
La grafica tridimensionale è arrivata nelle strade diversi decenni fa e da allora è rimasta una delle forme più importanti di street art. Molti artisti disegnano sui loro "quadri" immagini tridimensionali che possono stupire con il loro realismo. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e molti altri artisti contemporanei creano oggi un'arte che può sorprendere chiunque.
Arte di strada del 21° secolo
In precedenza, l'occupazione era riservata alle persone benestanti. Per secoli fu nascosto dalle mura di istituti speciali, dove l'accesso ai non iniziati era chiuso. Ovviamente, la sua forza grandiosa non poteva languire per sempre all'interno di edifici soffocanti. Fu allora che uscì - nelle strade grigie e cupe. Scelto per cambiare la tua storia per sempre. Anche se all'inizio non era così facile.
Non tutti erano contenti della sua nascita. Molti lo consideravano il risultato di una brutta esperienza. Alcuni si rifiutarono addirittura di prestare attenzione alla sua esistenza. Nel frattempo, l'idea ha continuato a crescere e svilupparsi.
Gli artisti di strada hanno affrontato difficoltà lungo il percorso. Con tutta la sua varietà di forme, a volte la street art era difficile da distinguere dal vandalismo.
Tutto è iniziato negli anni '70 del secolo scorso a New York. A quel tempo, la street art era agli inizi. E Julio 204 e Taki 183 hanno sostenuto la sua vita, lasciando iscrizioni in diversi luoghi della loro zona, dopo aver ampliato il territorio di distribuzione. Altri ragazzi hanno deciso di competere con loro. Fu allora che iniziò la cosa più interessante. Entusiasmo e voglia di mettersi in mostra hanno dato vita ad una battaglia di creatività. Tutti erano ansiosi di scoprire per sé e per gli altri un modo più originale per lasciare il segno.
Nel 1981 la street art riuscì ad attraversare l’oceano. In questo è stato aiutato dall'artista di strada francese BlekleRat. È considerato uno dei primi artisti di graffiti a Parigi. È anche chiamato il padre dei graffiti con gli stencil. Il suo tocco distintivo sono i disegni di ratti, che si riferiscono al nome del loro creatore. L'autore ha notato che dopo aver riorganizzato le lettere nella parola rat (ratto), si ottiene arte (arte). Blek una volta osservò: "Il topo è l'unico animale libero a Parigi che va ovunque, proprio come l'arte di strada".
L'artista di strada più famoso è Banksy, che chiama BlekleRat il suo principale insegnante. L'opera d'attualità di questo talentuoso britannico è in grado di mettere a tacere tutti. Nei suoi disegni, realizzati utilizzando gli stencil, denuncia la società moderna con i suoi vizi. Banksy tende ad essere tradizionale, permettendoti di lasciare un'impressione ancora maggiore sul pubblico. Un fatto interessante è che fino ad ora l'identità di Banksy è avvolta nel mistero. Nessuno è ancora riuscito a risolvere l'enigma della personalità dell'artista.
Nel frattempo, la street art sta rapidamente guadagnando slancio. Un tempo relegata a correnti marginali, la street art è assurta al palcoscenico delle aste. Le opere degli artisti vengono vendute per cifre favolose da chi un tempo si rifiutava di parlare di lui. Che cos'è, la forza vivificante dell'arte o le tendenze tradizionali?
Forme
Ad oggi si contano diverse manifestazioni di arte contemporanea piuttosto interessanti. Panoramica sulle forme più insolite dell'arte contemporanea verrà portato alla tua attenzione di seguito.
Già pronto
Il termine readymade deriva dall'inglese e significa "pronto". In effetti, l'obiettivo di questa direzione non è creare nulla di materiale. L'idea principale qui è che, a seconda dell'ambiente in cui si trova un oggetto, cambia anche la percezione dell'oggetto stesso da parte di una persona. L'antenato della corrente è Marcel Duchamp. La sua opera più famosa è "Fontana", ovvero un orinatoio con autografo e data.
Anamorfosi
L'anamorfosi è chiamata la tecnica per creare immagini in modo tale che sia possibile vederle completamente solo da una certa angolazione. Uno dei rappresentanti più brillanti di questa tendenza è il francese Bernard Pras. Crea installazioni utilizzando tutto ciò che gli capita a portata di mano. Grazie alla sua abilità riesce a creare opere sorprendenti, che però possono essere viste solo da una certa angolazione.
Fluidi biologici nell'art
Una delle correnti più controverse dell'arte moderna del 21° secolo è il disegno, dipinto con fluidi umani. Spesso i seguaci di questa forma d'arte moderna usano sangue e urina. Il colore dei dipinti in questo caso assume spesso un aspetto cupo e spaventoso. Herman Nitsch, ad esempio, utilizza sangue animale e urina. L'autore spiega l'uso di materiali così inaspettati dall'infanzia difficile avvenuta durante la seconda guerra mondiale.
Dipinto del XX-XXI secolo
Una breve storia della pittura contiene informazioni che la fine del XX secolo è diventata il punto di partenza per molti artisti di culto del nostro tempo. Negli anni difficili del dopoguerra la sfera conobbe la sua rinascita. Gli artisti hanno cercato di scoprire nuovi aspetti delle loro capacità.
Suprematismo
Kazimir Malevich è considerato il creatore del Suprematismo. Essendo il principale teorico, proclamò il Suprematismo come un modo per purificare l'arte da tutto ciò che è superfluo. Rifiutando i modi consueti di trasmettere l'immagine, gli artisti hanno cercato di liberare l'arte dal non artistico. L'opera più importante di questo genere è il famoso "Quadrato nero" di Malevich.
Pop Art
La pop art ha le sue origini negli Stati Uniti. Negli anni del dopoguerra la società ha vissuto cambiamenti globali. Le persone ora potevano permettersi di più. Il consumo è diventato una parte essenziale della vita. Le persone iniziarono a essere erette in un culto e i prodotti di consumo in simboli. Jasper Johns, Andy Warhol e altri seguaci della corrente cercarono di utilizzare questi simboli nei loro dipinti.
Futurismo
Il futurismo fu scoperto nel 1910. L'idea principale di questa tendenza era il desiderio di qualcosa di nuovo, la distruzione delle strutture del passato. Gli artisti hanno rappresentato questo desiderio con l'aiuto di una tecnica speciale. Tratti netti, afflussi, connessioni e intersezioni sono segni di futurismo. I rappresentanti più famosi del futurismo sono Marinetti, Severini, Carrà.
L'arte contemporanea in Russia nel 21° secolo
L'arte contemporanea in Russia (21° secolo) è fluita senza intoppi dall'arte sotterranea e "non ufficiale" dell'URSS. I giovani artisti degli anni '90 erano alla ricerca di nuovi modi per realizzare le proprie ambizioni artistiche in un nuovo paese. In questo periodo nacque l’azionismo di Mosca. I suoi seguaci sfidarono il passato e la sua ideologia. La distruzione dei confini (nel senso letterale e figurato della parola) ha permesso di rappresentare l'atteggiamento delle generazioni più giovani nei confronti della situazione nel Paese. L'arte contemporanea del 21° secolo è diventata espressiva, spaventosa, scioccante. Quello da cui la società si è chiusa per tanto tempo. Azioni di Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Contro tutti", "Barricata su Bolshaya Nikitskaya"), il movimento ETI ("testo ETI"), Oleg Kulik ("Il maialino fa regali", "Cane pazzo o l'ultimo Tabù custodito da un Cerbero solitario"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") ha cambiato per sempre la storia dell'arte contemporanea.
Nuova generazione
Slava ATGM è un artista contemporaneo di Ekaterinburg. Alcuni dei suoi lavori potrebbero ricordare il lavoro di Banksy. Tuttavia, le opere di Slava portano idee e sentimenti familiari solo a un cittadino russo. Uno dei suoi lavori più importanti è la campagna "Land of Opportunities". L'artista ha creato un'iscrizione fatta di stampelle sull'edificio di un ospedale abbandonato a Ekaterinburg. Slava comprava le stampelle dagli abitanti della città, che una volta le usavano. L'artista ha annunciato l'azione sulla sua pagina sul social network, integrandola con un appello ai concittadini.
Musei d'arte moderna
Forse, un tempo, l'arte visiva contemporanea del 21° secolo sembrava essere un ambiente marginale, ma oggi sempre più persone cercano di unirsi a un nuovo campo artistico. Sempre più musei aprono le porte a nuovi mezzi espressivi. New York detiene il record per l’arte contemporanea. Ci sono anche due musei che sono tra i migliori al mondo.
Il primo è il MoMA, che è un deposito di dipinti di Matisse, Dalì, Warhol. Il secondo è un museo: l'insolita architettura dell'edificio è adiacente alle creazioni di Picasso, Marc Chagall, Kandinsky e molti altri.
L'Europa è famosa anche per i suoi magnifici musei di arte contemporanea del 21° secolo. Il museo KIASMA di Helsinki permette di toccare con mano gli oggetti della mostra. Il centro della capitale francese colpisce per l'architettura insolita e le opere di artisti contemporanei. Lo Stedelijkmuseum di Amsterdam ospita la più grande collezione di dipinti di Malevich. nella capitale della Gran Bretagna ha un numero enorme di oggetti d'arte moderna. Il Museo d'Arte Moderna di Vienna espone opere di Andy Warhol e di altri talentuosi artisti contemporanei.
L'arte moderna del 21 ° secolo (pittura) - misteriosa, incomprensibile, ammaliante, ha cambiato per sempre il vettore di sviluppo non solo di una sfera separata, ma dell'intera vita dell'umanità. Riflette e crea modernità allo stesso tempo. In continua evoluzione, l'arte della modernità permette a una persona che ha costantemente fretta di fermarsi un attimo. Pausa per ricordare i sentimenti più profondi. Fermati per riprendere il ritmo e precipitarti nel turbinio degli eventi e delle vicende.
Le belle arti domestiche, fino a poco tempo fa, erano una fusione organica delle culture artistiche nazionali. Parlando delle scuole nazionali, si potrebbero citare le principali qualità di ciascuna di esse. Ad esempio, si consideri lo psicologismo tradizionale della scuola russa; emotività e lirismo - ucraino; carattere drammatico e persino, come notano i ricercatori, tragedia eroica - bielorusso; un alto senso di monumentalismo - georgiano; allegra decoratività - delle scuole moldava o armena; particolare vicinanza alle fonti popolari: scuole lituane, kirghise, uzbeke; lo spirito razionale-intellettuale della scuola estone, ecc. Ma queste sarebbero, ovviamente, caratteristiche molto limitate, unilaterali e quindi generalmente errate. Ciascuna delle scuole nazionali, con la sua complessa specificità figurativa e stilistica, rimase fedele ai principali ideali umani in varie forme, tecniche e stili.
Va detto questo con tutte le complessità dello sviluppo storico della nostra società: dalla guerra civile alla Grande Guerra Patriottica, dalla carestia della fine degli anni '20 e dell'inizio degli anni '30. all'economia distrutta del dopoguerra, dalle bugie e falsità della politica dello stato totalitario - alla "rivoluzione" dei primi anni '90, nell'ambito delle libertà strettamente limitate del "realismo socialista", - con tutto questo, lo ammettiamo, molte meravigliose opere d'arte sono state create da maestri meravigliosi (e quante altre sarebbero state create da coloro che sprofondarono nell'oblio durante gli anni di repressione o bruciarono nel fuoco della Grande Guerra Patriottica!). E questo va ricordato.
Il quadro della vita artistica qui presentato riflette lo stato dell'arte prima del drammatico periodo del crollo dell'URSS. L'ideatore del libro di testo dell'autore non può non esprimere la sua posizione in relazione all'ulteriore sviluppo della situazione nella vita artistica della Russia nel territorio delle sue ex repubbliche. Non possiamo negare che l'incredibile impennata di tutte le arti nelle repubbliche nazionali dell'URSS, l'emergere di interi strati culturali - dalla scrittura alle belle arti - è stato possibile grazie al ruolo "nutriente" e di scambio culturale della cultura russa, grazie a volte anche agli sforzi sacrificali dei rappresentanti dell'intellighenzia russa. Dopo il crollo dell'Unione Sovietica, alcune élite nazionali dei nuovi stati creati sul suo ex territorio hanno mostrato egoismo e ingratitudine, cercando di cancellare il ruolo del popolo russo e della sua cultura nella vita dei loro paesi, e in alcuni libri e libri di testo chiamavano addirittura invasori russi. Dobbiamo ammettere che il progetto comunista di creare un'unica nazione sovietica non è stato coronato dal successo, infatti solo i russi sono stati educati negli ideali dell'amicizia tra i popoli, dell'abnegazione e di un astratto "dovere internazionale". Ma speriamo che i "mulini della storia" macinino calunnie e falsificazioni e che, col tempo, il ruolo della cultura russa nel XX secolo scompaia. sarà debitamente apprezzato "dalle fredde rocce finlandesi all'ardente Colchide". Per non parlare di ciò significherebbe distorcere il processo di sviluppo della cultura artistica in futuro.
A causa della violazione e della rottura dei legami culturali stabiliti tra le repubbliche, non possiamo giudicare i processi artistici che si stanno svolgendo lì, quindi possiamo parlare dell'arte dell'ultimo decennio del XX - inizio del XXI secolo. e solo la Russia.
Il cosidetto arte post-sovietica la fine del secolo si inserisce in un arco di tempo troppo breve per poter selezionare dei nomi per un quadro storico oggettivo (se possibile). Solo il futuro rimetterà ogni cosa al suo posto e permetterà allo storico dell'arte di trarre le giuste conclusioni e dare corrette valutazioni. Ma è già possibile delineare i problemi principali.
E uno di questi problemi è pittura religiosa, che per la prima volta nella storia moderna del nostro Stato si è dichiarato negli anni '90. Fu allora, durante gli anni del rapido declino del livello morale della società, che la generazione più anziana di artisti non solo affermati, ma anche all'apice della fama, si rivolse sempre più a soggetti cristiani nei dipinti da cavalletto (i temi di Golgota di E. Moiseenko e A. Mylnikov, "Memoria eterna..." V. Ivanov, "L'Annunciazione" (vedi inserto a colori) e "Giuda" di G. Korzhev, "L'Ultima Cena" e "Portare il Croce" della pittrice della generazione più giovane N. Nesterova; anche la precedente "Cappella settentrionale" "V. Popkova può essere menzionata in questa serie). Ma la parola principale, si è scoperto, qui non apparteneva ai pittori da cavalletto, ma ai muralisti.
La pittura sacra ortodossa russa, che conobbe la sua massima fioritura nel Medioevo, continuò il suo sviluppo già nell'ambito dell'arte accademica, trovò ricercatori seri a cavallo tra il XIX e il XX secolo e cessò di esistere nel 1917. La politica statale dell'ateismo , avendo inferto un duro colpo all'Ortodossia, interrompendo così sia lo sviluppo della pittura di icone che la costruzione del tempio. Tuttavia, eminenti critici d'arte russi (Olsufiev, Grabar, Lazarev, Alpatov, ecc.) Erano impegnati nella ricerca di vecchie icone (ad esempio, nel 1922 furono trovate icone di Rublev dall'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir) e nel loro restauro.
L'ultimo quarto del XX e il primo decennio del XXI secolo. - una nuova pagina nello sviluppo della pittura ortodossa in Russia. Nel 1989 è stata fondata a Mosca la Fondazione indipendente per la rinascita dell'arte sacra. In occasione della celebrazione del Millennio del Battesimo della Rus' a Mosca, è stata organizzata la mostra "Icona moderna", nel 1997 - in occasione dell'850° anniversario di Mosca - la mostra "Icona russa alla fine del XX secolo ", che rappresentano diverse direzioni nello sviluppo dell'icona, a partire da Bisanzio. Particolare attenzione è stata prestata al gruppo di icone della "direzione popolare", provenienti dall'immagine popolare, dalla stampa popolare. Importanti pittori di icone apparvero con la propria scuola, avendo successo all'estero (ad esempio, il già citato archimandrita padre Zinon). A Mosca, nel 2000, c'erano più di 30 laboratori di pittura di icone. A San Pietroburgo, le scuole principali sono i laboratori di pittura di icone presso l'Accademia e Seminario Teologico (diretto dall'abate Alexander) e il laboratorio di pittura e restauro di icone presso l'Alexander Nevsky Lavra (diretto da D. Mironenko), senza contare i numerosi laboratori presso monasteri e fattorie. Nella capitale settentrionale è apparsa anche la prima galleria russa di pittura di icone moderne "Russian Icon" (2003), che riunisce opere di artisti di Mosca, San Pietroburgo, Yaroslavl, Novgorod, Pskov, Tver e così via. La scuola di Pietroburgo ha generalmente mostrato una varietà di tendenze stilistiche. Mostre 1994, 1999, 2000, 2001 ha riunito artisti non solo di diverse generazioni e diverse tendenze stilistiche, ma anche di diversi tipi e generi d'arte: muralisti, artisti di vari tipi di arte applicata, come gli smaltatori, e, di regola, sempre di alto livello professionale eseguito insieme ai pittori di icone.
Nel 2002, nel Museo di arte applicata dell'Accademia statale d'arte di San Pietroburgo intitolato al barone A. L. Stieglitz, per la prima volta, oltre alle icone di San Pietroburgo, Mosca, Nord-Ovest, ecc. affreschi, mosaici, copie di antichi maestri e opere proprie. La mostra ha dimostrato chiaramente la profonda comprensione da parte degli artisti dell'icona, il loro studio del suo canone e il significato dello spazio del tempio per essa. Ma soprattutto, ha rivelato due tendenze principali nell'arte religiosa: una - dalle sue fonti, Bisanzio e l'antica Rus', l'altra - dall'arte della cosiddetta periodo sinodale. Questa direzione nella pittura sacra si distingue per un appello alle tradizioni dell'arte dell'Europa occidentale ("scuola di Bologna") e alle tradizioni accademiche domestiche (un esempio è la pittura di icone di Borovikovsky nella cattedrale di Mogilev o le sue icone nella cattedrale di Kazan a San Pietroburgo Pietroburgo). Un particolare interesse tra gli artisti di questa tendenza dovrebbe essere notato nel lavoro di V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, in centri di pittura di icone come Palekh e Mstera, proprio perché, ciascuno a modo suo, combinano queste tradizioni (V. Lebedev. "Giovanni evangelista" icona di Mstera, inizi del XXI secolo; vedere inserto colore). Qual è il modo più corretto? Non esiste una risposta unica a questa domanda. I pittori di icone cercano la propria espressione moderna in entrambi i casi: sia quando si rivolgono alle antiche fonti russe, sia quando cercano terreno nell'accademismo. Lo stesso V. M. Vasnetsov, dopo aver lavorato nella Cattedrale di Vladimir a Kiev, scrisse di sentirsi insoddisfatto e "lontano" dall'autentico, tanto che i moderni pittori di icone hanno ancora molti problemi che devono essere affrontati.
Pittori e restauratori di icone moderne iniziarono a guadagnare fama all'estero (ad esempio, E. Bolshakov, Yu. Bobrov lavorò su Athos, A. Chashkin, E. Maksimov - negli Stati Uniti, N. Mukhin - in Serbia). Gli artisti che lavorano oggi nel campo della pittura religiosa, come già accennato, sono caratterizzati da una profonda comprensione dell'arte religiosa, sia delle forme da cavalletto che di quelle monumentali. Il grande merito dei maestri moderni nella creazione di una nuova iconografia di Xenia di Pietroburgo (1988); San Giovanni di Kronstadt, l'immagine del Battesimo della Rus' (icone di Padre Zinon, 1988, o Natalia e Nikolai Bogdanov, 2000; vedi inserto a colori), così come San Serafino di Vyritsky, Veniamin di Pietrogrado e altri recentemente riposto nella Cattedrale nel 2000. Si sta facendo molto lavoro per creare l'iconografia dei "martiri reali", che fino ad oggi non è stata completata. Tuttavia, anche nell’iconografia tradizionale e consolidata, molti pittori mostrano un brillante inizio creativo. Basti nominare, ad esempio, un artista come G. Tonkov. Nel suo "Santa Trinità" si vede il sigillo delle forti antiche tradizioni russe, e lo stile pittorico espressivo del maestro è simile a Novgorod e direttamente ai dipinti murali di Volotovo (la Chiesa dell'Assunzione sul campo di Volotovo), ma è stato scritto da un artista moderno, con un moderno comprensione di quanto rappresentato.
Il restauro e la costruzione di nuove chiese negli ultimi 15-20 anni sono diventati molto diffusi. Di conseguenza, è sorta la domanda sul loro design decorativo. Solo a San Pietroburgo, dalla metà degli anni '90. furono restaurati e costruiti più di 100 templi e cappelle. Un esempio dell'interazione riuscita tra architettura e pittura di icone, pittura murale e mosaici completamente nuovi è il Convento Novodevichy della Resurrezione di San Pietroburgo sulla Prospettiva Moskovsky. A questo proposito, va notato che lo è mosaico divenne particolarmente richiesto nella costruzione di nuovi templi.
L'arte arrivata in Rus' da Bisanzio conobbe una nuova nascita nel XVIII secolo. gli sforzi e il talento di M.V. Lomonosov e un nuovo decollo nel XIX secolo. Innanzitutto, tra le mura dell'Accademia Imperiale delle Arti, il mosaico non fu dimenticato durante gli anni del potere sovietico. Abbiamo già raccontato come negli anni '30. in connessione con la costruzione della metropolitana e di altri edifici pubblici, le sue possibilità decorative furono ampiamente utilizzate e, soprattutto, il suo carattere propagandistico. Negli anni del dopoguerra e successivamente, asili nido e sanatori, ospedali, aziende, pareti scolastiche, ecc. Erano decorati con mosaici. A San Pietroburgo, oltre al laboratorio di mosaico dell'Accademia delle arti, i diplomati della Scuola d'arte superiore intitolata a V.I.
I ricercatori notano giustamente che l’esperienza del mosaico del periodo sovietico, nonostante tutto il suo impegno, ha aiutato molto i giovani artisti in una nuova fase del suo sviluppo, iniziata negli anni ’90, sia nel modo in cui si sono impostati, comprendendo le possibilità del materiali e nell’applicazione delle nuove tecnologie. Laureato all’Accademia delle Arti, studente di A. A. Mylnikov, A. Bystrov decora la stazione della metropolitana Alexander Nevsky con la scena della famosa battaglia – e questa è l’ultima opera creata a San Pietroburgo prima del crollo dell’URSS. L'ultimo ordine del XX secolo. per i laboratori di mosaico dell'Accademia delle Arti e lo stesso maestro ha realizzato pannelli di mosaico per la stazione "Sportivnaya" (1998-1999; vedi inserto a colori) su "temi olimpici", in cui l'artista ha mostrato conoscenza e una sottile comprensione degli antichi mitologia e arte antica. Successivamente, A. Bystrov (insieme a E. Bystrov e altri) decorò gli interni delle stazioni della metropolitana "Volkovskaya", "Admiralteiskaya", ecc. Un'altra squadra di famosi muralisti di San Pietroburgo: S. Repin, N. Fomin, I. Uralov, V. Sukhov - gli autori dei mosaici delle stazioni della metropolitana "Ozerki", "Dostoevskaya", "Isola Krestovsky", "Sennaya", ecc. Lo stesso gruppo di artisti famosi ha eseguito mosaici nella Chiesa della Natività della Vergine a il villaggio di Aleksandrovskoye, regione di Leningrado (architetti A. Schreter, A. Golovin, G. Uralov).
Dall'inizio degli anni 2000 ci sono cambiamenti significativi a livello nazionale arte monumentale nel senso che lo Stato cessa di essere il suo unico cliente, compare un cliente privato. Per quanto riguarda l'arte da cavalletto degli ultimi decenni, il suo sviluppo in questo periodo è piuttosto vario. Molti artisti continuano a lavorare, che si sono dichiarati negli anni '70 -'80, come lo stesso A. Kulinich (vedi le sue meravigliose litografie a colori dedicate alla storia dei monasteri Kirillo-Belozersky e Spaso-Kamenny (regione di Vologda), le sue illustrazioni per Gogol, ancora in attesa della loro pubblicazione, e il suo bellissimo dipinto colorato, pieno di fantasia e umorismo popolare). E questo è solo un esempio di un artista che si è fatto conoscere negli anni '70 -'80, tra coloro che lavorano fruttuosamente oggi, il loro numero può essere continuato. E quanti sono ancora piuttosto giovani, stanno appena entrando nella vita creativa, con coraggio e libertà, pensando in modo interessante: il tempo, speriamo, metterà in risalto i loro nomi.
Possiamo trarre solo una conclusione ora. Per tutta l'arte domestica moderna (figurativa) della seconda metà del XX - inizio XXI secolo. particolarmente caratteristica è la diffusione dell'influenza della cerchia delle tradizioni russe, allontanandosi dalle avanguardie attraverso l'arte della fine del XX-XIX secolo. all'arte dell'antica Russia, e in materiale estraneo - dagli esperimenti dell'inizio del secolo scorso attraverso il postimpressionismo - impressionismo - romanticismo fino alla grande arte del Rinascimento. In altre parole, continuano le principali tradizioni che si sono sviluppate nell'arte del XX secolo: l'accademismo russo, l'impressionismo russo, il "cezannismo" russo, così come le fantasie postmoderne sui temi del Rinascimento e l'accademismo già puramente da salone a cavallo tra dei secoli XIX-XX. Numerose mostre degli ultimi anni lo illustrano perfettamente.
Allo stesso tempo, è impossibile non notare che in assenza di ideologie statali c'è un'evidente tendenza a sostenere il mecenatismo ai livelli più alti e che nell'organizzazione delle mostre museali stesse si preferiscono principalmente varie forme di neo-patrocinio. -avanguardia. Con la scomparsa delle linee guida statali comprensibili nel campo della politica culturale, ha avuto luogo un processo di legalizzazione di varie associazioni informali. L'“Underground” (termine preso in prestito dalla cinematografia statunitense dei primi anni Quaranta) non solo è entrato nella vita artistica nazionale, ma è diventata quasi un'arte elitaria, di cui si parla “con un soffio”, ma che richiede comunque un approccio serio e valutazione obiettiva, così come l’attività di molte gallerie d’arte di recente apertura (ora chiamate solo per qualche motivo gallerie d'arte) e molte diverse nuove pubblicazioni d'arte. Al giorno d'oggi, quando "i vecchi punti di riferimento si sono sciolti e gli antichi idoli sono stati sostituiti da nuovi, quando emerge un sistema di valori decisamente nuovi, in gran parte immaginari, che riflettono a modo loro il pensiero post-totalitario", è molto difficile, ma necessario per farlo. Indubbiamente, la comprensione del processo di sviluppo dell'arte non è immune da calcoli errati, errori, contraddizioni, ed è questione di tempo e di critica oggettiva per comprendere tutta la diversità e complessità dell'arte contemporanea, "separando il grano dalla pula".
Una delle domande difficili è post-avanguardia. Durante gli anni del potere sovietico furono create così tante opere di realismo socialista "miserevoli nel pensiero e primitive nella forma" (V. Vlasov) che, in questo contesto, l'avanguardia russa degli anni '20, soprattutto agli occhi dei giovani artisti e spettatori, cominciarono a essere percepiti (quando, a loro volta, divennero disponibili alla visione) come l'arte più avanzata (e per altri, l'unica possibile) al mondo. Riabilitazione dei nomi di grandissimi maestri come Π. A questo hanno contribuito N. Filonov e K. S. Malevich. Storici dell'arte di talento lamentarono il suo sviluppo interrotto ("L'avanguardia si fermò in fuga"). E tutti in qualche modo hanno dimenticato che si trattava dell’avanguardia sovietica degli anni ’20. fu la forza potente che per prima distrusse le tradizioni classiche dell'arte russa, e con quale pressione! "Come osi essere chiamato poeta // e, piccolo grigio, pigolare come una quaglia? // Oggi // è necessario // con i tirapugni // tagliare il mondo nel cranio!" (V. V. Mayakovsky. "Una nuvola in pantaloni"). E "taglia"! La rivoluzione ha fornito le più ricche opportunità per propagare un'arte nichilista, senza storia, senza patria, senza radici. Anche la postavanguardia moderna, con la sua aggressività, lo stesso familiare pathos di distruzione, ma anche una profonda mancanza di cultura, è secondaria e tautologica. Tutto questo (questo vale, tra l'altro, per tutto il postmodernismo mondiale) è deliberatamente costruito su citazioni - sia nella letteratura, nel cinema, nelle arti visive. Non c'è da stupirsi che i grandi artisti spesso si lamentino del fatto che viviamo in un'era di falsi profeti, falsi idoli, falsi idoli, e oggi uno viene dichiarato "grande", domani - un altro, dopodomani - il terzo. E il meglio che c'è nella post-avanguardia è la derisione e l'ironia, e talvolta la riflessione, familiari all'intellighenzia russa.
Allo stesso tempo, è chiaro per i ricercatori d'arte che tutto questo è "arte concettuale", op-pop-sociale e altre "arti", compreso il design artistico, con il loro allontanamento dal figurativo verso il simbolismo, la verbalità, dopotutto, ma essenza, non meno politicizzata e agitatrice del realismo socialista.
All'inizio del terzo millennio bisogna ammettere che l'arte alta risulta essere sconfitta dall'arte di massa e dal kitsch come sua espressione estrema, con il suo cattivo gusto, la violazione del senso della misura, delle proporzioni, dell'armonia: non esistono numeri di nomi - da molto famosi a per niente conosciuti. E questo non è solo un fenomeno russo, ma anche mondiale: il postmodernismo testimonia la fine dell '"era dell'arte classica"; gli ideali del passato, come si dice giustamente, vengono ridicolizzati e non ne vengono creati di nuovi. Ecco perché diventa sempre più chiaro, per quanto tragico possa sembrare, che il XX secolo è il secolo di una catastrofe culturale, le cui radici possono essere viste nel secolo scorso, quando la coscienza religiosa e il modo tradizionale di vivere la vita cominciò a crollare e il borghesia diede origine a proteste solo sotto forma di ribellione senza Dio ed estetizzazione del vizio e del male.
Citiamo le parole del grande musicista del secolo scorso Georgy Sviridov (1915–1998): "L'arte della nostra