Cosa rifletteva l’arte nell’epoca barocca? Il significato della parola "barocco" Caratteristiche caratteristiche del barocco

15.02.2019

1. Analisi di un'opera d'arte 1. Determinare il tema e l'idea/idea principale/di questo lavoro; le questioni in esso sollevate; il pathos con cui è scritta l'opera; 2. Mostrare la relazione tra trama e composizione; 3. Considerare l'organizzazione soggettiva dell'opera /l'immagine artistica di una persona, le tecniche per creare un personaggio, i tipi di personaggi-immagine, un sistema di personaggi-immagine/; 4. Scopri l'atteggiamento dell'autore nei confronti del tema, dell'idea e dei personaggi dell'opera; 5. Determinare le caratteristiche del funzionamento dei mezzi figurativi ed espressivi del linguaggio in una determinata opera letteraria; 6. Determinare le caratteristiche del genere dell'opera e lo stile dello scrittore.
Nota: secondo questo schema, puoi scrivere una recensione saggio su un libro che hai letto, presentando anche nel tuo lavoro:
1. Atteggiamento emotivo-valutativo verso ciò che leggi.
2. Una giustificazione dettagliata per una valutazione indipendente dei caratteri dei personaggi dell'opera, delle loro azioni ed esperienze.
3. Motivazione dettagliata delle conclusioni. 2. Analisi di un'opera letteraria in prosa Quando si inizia ad analizzare un'opera d'arte, prima di tutto, è necessario prestare attenzione allo specifico contesto storico dell'opera durante il periodo di creazione di questa opera d'arte. È necessario distinguere tra i concetti di situazione storica e di situazione storico-letteraria, in quest'ultimo caso si intende
tendenze letterarie dell'epoca;
posto di questo lavoro tra le opere di altri autori scritte in questo periodo;
storia creativa lavori;
valutazione del lavoro in chiave critica;
l'originalità della percezione di quest'opera da parte dei contemporanei dello scrittore;
valutazione dell'opera nel contesto della lettura moderna; Successivamente, dovremmo rivolgerci alla questione dell'unità ideologica e artistica dell'opera, del suo contenuto e della sua forma (allo stesso tempo, viene considerato il piano del contenuto - ciò che l'autore voleva dire e il piano dell'espressione - come è riuscito per farlo). Livello concettuale di un'opera d'arte
(tema, problemi, conflitto e pathos) Soggetto- questo è ciò di cui tratta l'opera, il problema principale posto e considerato dall'autore nell'opera, che unisce il contenuto in un unico insieme; questi sono fenomeni ed eventi tipici vita reale che si riflettono nell'opera. L’argomento è in sintonia con le principali questioni del suo tempo? Il titolo è correlato all'argomento? Ogni fenomeno della vita lo è argomento separato; una serie di temi: il tema dell'opera. Problema- questo è il lato della vita che interessa particolarmente allo scrittore. Lo stesso problema può servire come base per la posa problemi diversi(il tema della servitù della gleba è il problema dell'illibertà interna del servo, il problema della corruzione reciproca, la deformazione sia dei servi che dei servi, il problema dell'ingiustizia sociale...). Problemi: un elenco di problemi sollevati nel lavoro. (Possono essere aggiuntivi e subordinati al problema principale.) Idea- cosa voleva dire l'autore; la soluzione dello scrittore al problema principale o un'indicazione del modo in cui può essere risolto. (Il significato ideologico è una soluzione a tutti i problemi - principali e aggiuntivi - o un'indicazione di una possibile soluzione.) Pathos- l'atteggiamento emotivo e valutativo dello scrittore nei confronti di ciò che viene raccontato, caratterizzato da una grande forza di sentimenti (forse affermare, negare, giustificare, elevare...). Livello di organizzazione dell'opera nel suo insieme artistico

Composizione- costruzione di un'opera letteraria; combina parti di un'opera in un tutto. Mezzi di composizione di base: Complotto- cosa succede nel lavoro; sistema dei principali eventi e conflitti. Conflitto- uno scontro di personaggi e circostanze, opinioni e principi di vita, che costituisce la base dell'azione. Può verificarsi un conflitto tra un individuo e una società, tra personaggi. Nella mente dell'eroe può essere ovvio e nascosto. Gli elementi della trama riflettono le fasi di sviluppo del conflitto; Prologo- una sorta di introduzione all'opera, che racconta gli eventi del passato, prepara emotivamente il lettore alla percezione (raro); Esposizione- introduzione all'azione, rappresentazione delle condizioni e circostanze che precedono l'inizio immediato delle azioni (può essere ampliato o meno, integrale e “spezzato”; può essere collocato non solo all'inizio, ma anche a metà, fine dell'opera) ; introduce i personaggi dell'opera, l'ambientazione, il tempo e le circostanze dell'azione; L'inizio- l'inizio della trama; dall'evento da cui ha inizio il conflitto si sviluppano gli eventi successivi. Sviluppo dell'azione- un sistema di eventi che si susseguono fin dall'inizio; man mano che l'azione procede, di regola, il conflitto si intensifica e le contraddizioni appaiono sempre più chiare e nette; Climax- il momento di massima tensione dell'azione, l'apice del conflitto, il climax rappresenta molto chiaramente il problema principale dell'opera e delle caratteristiche dei personaggi, dopodiché l'azione si indebolisce. Epilogo- una soluzione al conflitto rappresentato o un'indicazione di possibili modi per risolverlo. Il momento finale nello sviluppo dell'azione di un'opera d'arte. Di norma, risolve il conflitto o dimostra la sua fondamentale irrisolvibilità. Epilogo- la parte finale dell'opera, in cui viene indicata la direzione dell'ulteriore sviluppo degli eventi e dei destini degli eroi (a volte viene data una valutazione di quanto raffigurato); Questa è una breve storia su cosa è successo ai personaggi dell'opera dopo la fine dell'azione della trama principale.

La trama può essere presentata:

In linea retta sequenza cronologica eventi;
Con ritiri nel passato - retrospettive - ed “escursioni” dentro
futuro;
In una sequenza volutamente modificata (vedi tempo artistico nell'opera).

Vengono considerati gli elementi non legati alla trama:

Episodi inseriti;
Digressioni liriche (altrimenti - dell'autore). La loro funzione principale è espandere la portata di ciò che viene rappresentato, per consentire all'autore di esprimere i suoi pensieri e sentimenti su vari fenomeni della vita che non sono direttamente correlati alla trama. L'opera potrebbe mancare di alcuni elementi della trama; a volte è difficile separare questi elementi; A volte ci sono più trame in un'opera, altrimenti linee di trama. Esistono diverse interpretazioni dei concetti “trama” e “trama”: 1) trama - conflitto principale lavori; trama: una serie di eventi in cui è espressa; 2) trama - ordine artistico degli eventi; fabula: l'ordine naturale degli eventi

Principi ed elementi compositivi:

Principio compositivo principale(composizione multidimensionale, lineare, circolare, “filo con perline”; nella cronologia degli eventi o meno...).

Strumenti di composizione aggiuntivi:

Divagazioni liriche - forme di divulgazione e trasmissione dei sentimenti e dei pensieri dello scrittore su ciò che viene raffigurato (esprimono l'atteggiamento dell'autore nei confronti dei personaggi, nei confronti della vita rappresentata e possono rappresentare riflessioni su qualche motivo o una spiegazione del suo obiettivo, posizione); Episodi introduttivi (inserire).(non direttamente correlato alla trama dell'opera); Preliminari artistici - rappresentazione di scene che sembrano prevedere, anticipare ulteriori sviluppi degli eventi; Inquadratura artistica- scene che iniziano e terminano un evento o un'opera, completandolo, dando ulteriore significato; Tecniche compositive- monologhi interni, diario, ecc. Livello della forma interna dell'opera Organizzazione soggettiva della narrazione (la sua considerazione include quanto segue): La narrazione può essere personale: a nome dell'eroe lirico (confessione), a nome dell'eroe-narratore e impersonale (a nome del narratore). 1) Immagine artistica di una persona- considera i fenomeni tipici della vita riflessi in questa immagine; tratti individuali inerenti al carattere; L'unicità dell'immagine creata di una persona viene rivelata:
Caratteristiche esterne: viso, figura, costume;
Il carattere di un personaggio si rivela nelle azioni, in relazione ad altre persone, manifestate in un ritratto, nelle descrizioni dei sentimenti dell'eroe, nel suo discorso. Rappresentazione delle condizioni in cui il personaggio vive e agisce;
Un’immagine della natura che aiuta a comprendere meglio i pensieri e i sentimenti del personaggio;
Rappresentazione dell'ambiente sociale, della società in cui il personaggio vive e opera;
Presenza o assenza di un prototipo. 2) tecniche di base per creare un'immagine del personaggio:
Caratteristiche dell'eroe attraverso le sue azioni e gesta (nel sistema di trama);
Ritratto, descrizione del ritratto di un eroe (spesso esprime l'atteggiamento dell'autore nei confronti del personaggio);
Dritto descrizione dell'autore;
Analisi psicologica- ricreazione dettagliata e dettagliata di sentimenti, pensieri, motivazioni - il mondo interiore del personaggio; Qui assume particolare importanza l’immagine della “dialettica dell’anima”, cioè movimenti della vita interiore dell'eroe;
Caratterizzazione dell'eroe da parte di altri personaggi;
Dettaglio artistico: una descrizione di oggetti e fenomeni della realtà che circonda il personaggio (i dettagli che riflettono un'ampia generalizzazione possono agire come dettagli simbolici); 3) Tipi di immagini dei personaggi: lirico- nel caso in cui lo scrittore descriva solo i sentimenti e i pensieri dell'eroe, senza menzionare gli eventi della sua vita, le azioni dell'eroe (che si trovano principalmente nella poesia); drammatico- nel caso in cui si abbia l'impressione che i personaggi agiscano “da soli”, “senza l'aiuto dell'autore”, cioè l'autore utilizza la tecnica dell'auto-rivelazione, dell'auto-caratterizzazione per caratterizzare i personaggi (che si trova principalmente nelle opere drammatiche); epico- l'autore-narratore o il narratore descrive coerentemente i personaggi, le loro azioni, i personaggi, l'aspetto, l'ambiente in cui vivono, i rapporti con gli altri (che si trovano in romanzi epici, racconti, racconti, racconti, saggi). 4) Sistema immagini-personaggi; Le singole immagini possono essere combinate in gruppi (raggruppamento di immagini): la loro interazione aiuta a presentare e rivelare più pienamente ciascun personaggio e, attraverso di essi, il tema e il significato ideologico dell'opera. Tutti questi gruppi sono uniti nella società rappresentata nell'opera (multidimensionale o unidimensionale dal punto di vista sociale, etnico, ecc.). Spazio artistico e tempo artistico (cronotopo): spazio e tempo rappresentati dall'autore. Lo spazio artistico può essere condizionato e concreto; compresso e voluminoso; Tempo artistico può essere correlato con lo storico o meno, intermittente e continuo, nella cronologia degli eventi (tempo epico) o nella cronologia dei processi mentali interni dei personaggi (tempo lirico), lunghi o istantanei, finiti o infiniti, chiusi (cioè solo entro la trama, fuori dal tempo storico) e aperta (sullo sfondo di una certa epoca storica). La posizione dell'autore e i modi di esprimerla:
Valutazioni dell'autore: dirette e indirette.
Metodo di creazione di immagini artistiche: narrazione (rappresentazione di eventi che si verificano in un'opera), descrizione (elenco sequenziale di singoli segni, caratteristiche, proprietà e fenomeni), forme di discorso orale (dialogo, monologo).
Luogo e significato del dettaglio artistico ( dettaglio artistico, esaltando l'idea dell'insieme). Livello della forma esterna. Discorso e organizzazione ritmica e melodica del testo letterario Discorso di carattere - espressivo o meno, che funge da mezzo di tipizzazione; caratteristiche individuali discorsi; rivela il carattere e aiuta a comprendere l'atteggiamento dell'autore. Il discorso del narratore - valutazione degli eventi e dei loro partecipanti L'unicità dell'uso delle parole nella lingua nazionale (l'attività di includere sinonimi, contrari, omonimi, arcaismi, neologismi, dialettismi, barbarismi, professionalità). Tecniche di immaginazione (tropi - l'uso di parole in senso figurato) - il più semplice (epiteto e confronto) e complesso (metafora, personificazione, allegoria, litote, perifrasi). Analisi di un'opera poetica
Piano di analisi della poesia 1. Elementi di commento alla poesia:
- Tempo (luogo) della scrittura, storia della creazione;
- Originalità del genere;
- Il posto di questa poesia nell'opera del poeta o in una serie di poesie su un argomento simile (con motivo, trama, struttura, ecc. simili);
- Spiegazione di passaggi poco chiari, metafore complesse e altre trascrizioni. 2. Sentimenti espressi dall'eroe lirico del poema; i sentimenti che una poesia evoca nel lettore. 3. Il movimento dei pensieri e dei sentimenti dell'autore dall'inizio alla fine della poesia. 4. Interdipendenza tra il contenuto della poesia e la sua forma artistica:
- Soluzioni compositive;
- Caratteristiche di autoespressione dell'eroe lirico e natura della narrazione;
- Il suono della poesia, l'uso della registrazione sonora, delle assonanze, delle allitterazioni;
- Ritmo, strofa, grafica, loro ruolo semantico;
- Motivazione e accuratezza nell'uso dei mezzi espressivi. 4. Associazioni evocate da questa poesia (letteraria, di vita, musicale, pittoresca - qualsiasi). 5. La tipicità e l'originalità di questa poesia nell'opera del poeta, il profondo significato morale o filosofico dell'opera, rivelato come risultato dell'analisi; il grado di “eternità” dei problemi sollevati o la loro interpretazione. Enigmi e segreti della poesia. 6. Pensieri aggiuntivi (gratuiti). Analisi di un'opera poetica
(schema) Quando si inizia ad analizzare un'opera poetica, è necessario determinarne il contenuto immediato opera lirica- esperienza, sentimento; Determinare la "proprietà" dei sentimenti e dei pensieri espressi in un'opera lirica: eroe lirico (l'immagine in cui questi sentimenti sono espressi); - determinare l'oggetto della descrizione e la sua connessione con l'idea poetica (diretta - indiretta); - determinare l'organizzazione (composizione) di un'opera lirica; - determinare l'originalità dell'uso dei mezzi visivi da parte dell'autore (attivo - avaro); determinare il modello lessicale (colloquiale - vocabolario librario e letterario...); - determinare il ritmo (omogeneo - eterogeneo; movimento ritmico); - determinare il modello sonoro; - determinare l'intonazione (l'atteggiamento di chi parla rispetto all'argomento del discorso e all'interlocutore. Vocabolario poeticoÈ necessario scoprire l'attività di utilizzo di determinati gruppi di parole nel vocabolario comune: sinonimi, contrari, arcaismi, neologismi; - scoprire il grado di vicinanza del linguaggio poetico al linguaggio colloquiale; - determinare l'originalità e l'attività dell'uso dei tropi EPITETO- definizione artistica; CONFRONTO- confronto di due oggetti o fenomeni per spiegarne uno con l'aiuto dell'altro; ALLEGORIA(allegoria) - rappresentazione di un concetto o fenomeno astratto attraverso oggetti e immagini specifici; IRONIA- ridicolo nascosto; IPERBOLE- esagerazione artistica utilizzata per migliorare l'impressione; LITOTE- eufemismo artistico; PERSONALIZZAZIONE- rappresentazione di oggetti inanimati, in cui sono dotati delle proprietà degli esseri viventi: il dono della parola, la capacità di pensare e sentire; METAFORA- un confronto nascosto basato sulla somiglianza o contrasto di fenomeni, in cui le parole “come”, “come se”, “come se” sono assenti, ma sono implicite. Sintassi poetica
(espedienti sintattici o figure del discorso poetico) - domande retoriche, appelli, esclamazioni- aumentano l’attenzione del lettore senza obbligarlo a rispondere; - ripetizioni– ripetizione ripetuta delle stesse parole o espressioni; - antitesi– opposizioni; Fonetica poetica L'uso dell'onomatopea, della registrazione del suono - ripetizioni del suono che creano un "modello" sonoro unico del discorso.) - Allitterazione– ripetizione di suoni consonantici; - Assonanza– ripetizione di suoni vocalici; - Anafora- unità di comando; Composizione di un'opera lirica Necessario:- determinare l'esperienza, il sentimento, l'umore principale riflessi nell'opera poetica; - scoprire l'armonia della struttura compositiva, la sua subordinazione all'espressione di un certo pensiero; - determinare la situazione lirica presentata nella poesia (il conflitto dell'eroe con se stesso; la mancanza di libertà interna dell'eroe, ecc.) - determinare la situazione di vita che, presumibilmente, potrebbe causare questa esperienza; - evidenziare le parti principali di un'opera poetica: mostrare la loro connessione (definire il “disegno” emotivo). Analisi di un'opera drammatica Schema di analisi di un'opera drammatica 1. Caratteristiche generali: storia della creazione, basi della vita, progetto, critica letteraria. 2. Trama, composizione:
- il conflitto principale, le fasi del suo sviluppo;
- carattere dell'epilogo /comico, tragico, drammatico/ 3. Analisi di azioni individuali, scene, fenomeni. 4. Raccolta di materiale sui personaggi:
- l'aspetto dell'eroe,
- comportamento,
- caratteristiche del discorso
- contenuto del discorso /su cosa?/
- modo /come?/
- stile, vocabolario
- caratteristiche personali, caratteristiche reciproche degli eroi, osservazioni dell'autore;
- il ruolo dello scenario e degli interni nello sviluppo dell'immagine. 5. CONCLUSIONI: Tema, idea, significato del titolo, sistema di immagini. Genere dell'opera, originalità artistica. Opera drammatica La specificità generica, la posizione “di confine” del dramma (tra letteratura e teatro) obbliga ad analizzarlo nel suo sviluppo azione drammatica(questa è la differenza fondamentale tra l'analisi di un'opera drammatica e quella epica o lirica). Pertanto, lo schema proposto è di carattere condizionale; tiene conto solo del conglomerato delle principali categorie generiche del dramma, la cui peculiarità può manifestarsi in modo diverso in ogni singolo caso proprio nello sviluppo dell'azione (secondo il principio di una molla che si svolge). 1. Caratteristiche generali dell'azione drammatica(carattere, piano e vettore del movimento, tempo, ritmo, ecc.). Azione “attraverso” e correnti “sottomarine”. 2 . Tipo di conflitto. L'essenza del dramma e il contenuto del conflitto, la natura delle contraddizioni (bidimensionalità, conflitto esterno, conflitto interno, la loro interazione), il piano “verticale” e “orizzontale” del dramma. 3. Sistema di attori, il loro posto e il loro ruolo nello sviluppo di azioni drammatiche e nella risoluzione dei conflitti. Personaggi principali e secondari. Personaggi extra-trama ed extra-scena. 4. Sistema di motivazioni e sviluppo motivazionale della trama e delle microtrame del dramma. Testo e sottotesto. 5. Livello compositivo e strutturale. Le fasi principali dello sviluppo dell'azione drammatica (esposizione, trama, sviluppo dell'azione, climax, epilogo). Principio di installazione. 6. Caratteristiche della poetica(la chiave semantica del titolo, il ruolo del manifesto teatrale, il cronotipo scenico, il simbolismo, lo psicologismo scenico, il problema del finale). Segni di teatralità: costume, maschera, gioco e analisi post-situazionale, situazioni di gioco di ruolo, ecc. 7. Originalità del genere (dramma, tragedia o commedia?). Le origini del genere, le sue reminiscenze e le soluzioni innovative dell'autore. 8. Modi per esprimere la posizione dell'autore(didascalie, dialoghi, presenza scenica, poetica dei nomi, atmosfera lirica, ecc.) 9. Contesti del dramma(storico e culturale, creativo, anzi drammatico). 10. Il problema dell'interpretazione e della storia scenica.

introduzione

Attualmente, l'interesse per i problemi del complesso mondo dell'arte, la necessità di comprenderne il posto e il ruolo nell'ampio contesto della cultura, sta diventando rilevante. Cambiamenti di valore di orientamento in storia moderna Ci costringono ad avere un nuovo atteggiamento nei confronti della scienza e della cultura e a vedere l'arte non solo come un mezzo autosufficiente per comprendere la realtà, ma anche come un modo di preziosa comprensione del mondo, autocoscienza della cultura. Il barocco apparve in Italia tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo, come stile papale. Ma il barocco divenne presto popolare al di fuori di Roma e del Vaticano in tutta Europa e durò fino al XVIII secolo. Veniva utilizzato per decorare i palazzi delle famiglie nobili. In Francia, al tempo di Luigi XIV, il barocco divenne particolarmente diffuso.

Il termine "barocco" è tradotto come "bizzarro, strano, pretenzioso". La sua origine non è del tutto chiara; nella vita di tutti i giorni questa parola è ancora usata come sinonimo di strano, bizzarro, insolito, pretenzioso, innaturale. I gioiellieri usavano questo termine per designare perle non standard che i maestri barocchi sapevano usare per scopi decorativi. “Il tempo del barocco” comprende molti stili e movimenti (manierismo, classicismo, barocco e rococò) e lo “stile barocco”. Ci deve essere davvero qualcosa di bizzarro e strano in questo stile, anche se gli esperti differiscono molto nella loro valutazione. Alcuni credono che l'arte barocca sia errata, tesa, ingombrante e contraddica l'arte armoniosa e di affermazione della vita del Rinascimento. Altri vedono nel Barocco la grandiosità, la plasticità e la ricerca della bellezza e quindi lo considerano più una continuazione del Rinascimento. C'è una terza opinione: l'arte barocca è una fase tardiva e di crisi di epoche diverse nella cultura artistica. Allo stesso tempo, molti scienziati insistono sul fatto che la fase di crisi del Rinascimento non è ancora barocca, gli danno un nome speciale: manierismo. Tuttavia, anche gli esperti non sempre osano dire con certezza se l'autore appartiene al Rinascimento, al Manierismo o al Barocco.

L'opera è composta da un'introduzione, una parte principale, una conclusione e una bibliografia.

1. Caratteristiche dello stile barocco epocale

"Tutti - stile" - Queste parole del famoso scienziato francese Buffon caratterizzano perfettamente le visioni estetiche di base di un uomo dell'era barocca. Questo stile non può essere confuso con nessun altro stile. Barocco- l'incarnazione dell'epoca in cui è apparso. Nel Barocco si uniscono due concetti e cioè: stile e stile di vita.

La cultura del XVII secolo incarna la complessità di questo tempo. È difficile trovare un secolo che produca così tanti nomi brillanti in tutti i campi cultura umana. Europa del XVII secolo - Questa è l'era della produzione e della ruota idraulica: il motore. Lo sviluppo della produzione manifatturiera ha creato la necessità di sviluppi scientifici. Scienziati come Copernico, Galileo, Keplero hanno apportato cambiamenti fondamentali nelle opinioni sull'immagine biblica dell'universo. Gli sviluppi di Leibniz, Newton e Pascal hanno rivelato l'incoerenza della natura medievale. Tutto ciò ci ha permesso di fare molte scoperte e invenzioni. L'algebra e la geometria analitica furono create e scoperte equazioni differenziali e il calcolo integrale in matematica, furono formate alcune delle leggi più importanti della fisica, della chimica e dell'astronomia.

Per la vita spirituale della società nel XVII secolo. Di grande importanza furono le grandi scoperte scientifiche geografiche e naturalistiche: il primo viaggio in America di Cristoforo Colombo, la scoperta della rotta marittima verso l'India da parte di Vasco da Gamma, la circumnavigazione del mondo da parte di Magellano, la scoperta del moto della Terra attorno al Sole da parte di Copernico, le ricerche di Galileo. La nuova conoscenza ha distrutto le idee precedenti sull'armonia immutabile del mondo, sullo spazio e sul tempo limitati, commisurati all'uomo.

Formazione stile storico Barocco, prima di tutto, è associato alla crisi degli ideali del Rinascimento italiano a metà del XVI secolo. e il “quadro del mondo” in rapida evoluzione a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Allo stesso tempo, la nuova arte barocca si sviluppò dalle forme del classicismo del Rinascimento. Il secolo precedente in Italia era così forte artisticamente che le sue idee, nonostante tutte le tragiche collisioni, non potevano scomparire all'improvviso, continuavano ad avere un'influenza significativa sulle menti delle persone. E i capolavori d'arte dell '"Alto Rinascimento" - opere di Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello - sembravano irraggiungibili. Questa è l'essenza di tutte le contraddizioni dell '"epoca barocca". È stato un periodo di dolorosi cambiamenti nella visione del mondo, svolte inaspettate del pensiero umano, in parte causate da grandi scoperte scientifiche geografiche e naturali.

Base ideologica nuovo stile ci fu un indebolimento della cultura spirituale e del potere spirituale della religione, una divisione nella chiesa (in protestanti e cattolici), una lotta tra diversi credi che riflettevano gli interessi di classi diverse: il cattolicesimo esprimeva tendenze feudali, il protestantesimo - borghese. Allo stesso tempo, lo Stato acquisì un ruolo maggiore e di conseguenza si verificò una lotta tra principi religiosi e secolari.

Fondamenti dello stile nella visione del mondo sono sorti a seguito di shock, come quelli del XVI secolo. La Riforma e gli insegnamenti di Copernico. L'idea del mondo, stabilita nell'antichità, come unità razionale e costante, così come l'idea rinascimentale dell'uomo come essere più intelligente, sono cambiate. L’uomo cominciò a riconoscersi come “qualcosa tra tutto e niente”, come diceva Pascal, “qualcuno che coglie solo l’apparenza dei fenomeni, ma non è in grado di comprenderne né l’inizio né la fine”.

Nel 1445 I. Gutenberg gettò le basi per la stampa, nel 1492 X. Colombo scoprì l'America, Vasco da Gama nel 1498 - rotta marittima all'India. Nel 1519-1522. Magellano realizzò il primo circumnavigazione, nel 1533 la scoperta di Copernico del movimento della Terra attorno al Sole iniziò a ottenere riconoscimento. La ricerca della "meccanica celeste" di Galileo, Keplero e Newton distrusse le precedenti idee convenzionali su un mondo chiuso e immobile, al centro del quale c'erano la Terra e l'uomo stesso. Ciò che prima sembrava assolutamente chiaro, irremovibile ed eterno cominciò letteralmente a sgretolarsi davanti ai nostri occhi. Fino a quel momento, le persone, ad esempio, erano assolutamente sicure che la Terra fosse un piattino piatto e che il Sole tramontasse oltre il suo bordo, motivo per cui di notte diventava buio. Ora hanno cominciato a convincerci che la Terra non è una frittella, ma una palla, e gira addirittura attorno al Sole. Ciò contraddiceva le impressioni visive. L'uomo continuò a vedere come prima: la terra piatta e immobile e il movimento dei corpi celesti sopra la sua testa. Si sentiva duro oggetti materiali, ma gli scienziati iniziarono a dimostrare che questa era solo un'apparenza, ma in realtà non era altro che una moltitudine di centri pulsanti di forze elettriche. C'era molto di cui essere confusi.

È vero, le leggi di Keplero erano coerenti con la teoria pitagorica della musica delle sfere celesti e Newton non aveva fretta di rendere pubbliche le sue scoperte. Ma, in un modo o nell'altro, queste scienze sono entrate in conflitto con l'esperienza e con l'immagine visibile del mondo. Si verificò un crollo psicologico irrevocabile, la base del futuro stile barocco. Tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. le scoperte nel campo delle scienze naturali ed esatte hanno scosso in modo significativo l'immagine di un universo completo, immobile e armonioso, al centro del quale si trova la “corona della Creazione”: l'uomo stesso.

Se recentemente, durante il Rinascimento, lo scienziato umanista Picodella Mirandola sosteneva nel suo “Discorso sulla dignità dell’uomo” che l’uomo, situato al centro stesso del mondo, è onnipotente e può “osservare tutto e possedere ciò che vuole”, poi nel XVII secolo Blaise Pascal scrisse le sue famose parole: l'uomo non è altro che una “canna pensante”, la sua sorte è tragica, poiché, trovandosi sull'orlo dei due abissi dell'“infinito e dell'inesistenza”, non riesce a cogliere con la sua mente o l'uno o l'altro, e risulta essere qualcosa a metà tra tutto e niente. Coglie solo l’apparenza dei fenomeni, perché non è in grado di conoscerne né l’inizio né la fine”. E queste sono le parole di un grande matematico! Che giudizi contraddittori sullo stesso argomento! Anche prima, nel primo terzo del XVI secolo, le persone cominciarono a sentire acutamente le contraddizioni tra apparenza e conoscenza, ideale e realtà, illusione e verità. Fu durante questi anni che si svilupparono opinioni secondo le quali quanto più un'opera d'arte è poco plausibile, tanto più nettamente differisce da ciò che si osserva nella vita, tanto più interessante e attraente è dal punto di vista artistico.

Gli stranieri - spagnoli e francesi - cominciano a governare il territorio italiano. Dettano i termini della politica, ecc. L'Italia esausta non ha perso l'altezza delle sue posizioni culturali, lo rimane centro culturale Europa. È ricca di poteri spirituali. Il potere nella cultura si manifestava attraverso l'adattamento alle nuove condizioni. Il centro del mondo cattolico è Roma. A causa di queste circostanze, la nobiltà e la chiesa hanno bisogno della loro forza e ricchezza per essere viste da tutti. Non c'erano soldi per costruire un palazzo; la nobiltà si rivolse all'arte per creare l'illusione di potere e ricchezza. Uno stile in grado di elevarsi diventa popolare, così nacque in Italia nel XVI secolo Barocco.

L'epoca barocca rifiuta tradizioni e autorità come superstizioni e pregiudizi. Tutto ciò che è pensato “chiaramente e distintamente” o ha un'espressione matematica è vero, dice il filosofo Cartesio. Il Barocco è quindi anche il secolo della Ragione e dell’Illuminismo. Non è una coincidenza che la parola “barocco” venga talvolta utilizzata per designare uno dei tipi di inferenze nella logica medievale: barocco. Il primo parco europeo appare a Versailles, dove l'idea di foresta è espressa in modo estremamente matematico: vicoli di tigli e canali sembrano disegnati con un righello e gli alberi sono tagliati secondo la maniera di figure stereometriche. Per la prima volta, gli eserciti in uniforme dell'epoca barocca prestarono grande attenzione alla "perforazione": la correttezza geometrica delle formazioni sulla piazza d'armi.

Caratteristiche distintive del barocco sono ampiezza spaziale, sfarzo, splendore e lusso. Si noti che la variabilità e il gioco delle immagini di questo stile possono essere paragonati alla conchiglia, da cui prende il nome questo stile. Il lusso squisito, lo splendore e la superiorità stanno tornando nella decorazione delle case dopo la semplicità e il minimalismo nella decorazione degli interni.

L'era barocca dà origine a un'enorme quantità di tempo per l'intrattenimento: invece dei pellegrinaggi, il lungomare (passeggiate nel parco); invece dei tornei cavallereschi - "caroselli" (gite a cavallo) e giochi di carte; al posto delle rappresentazioni misteriose ci sono il teatro e i balli in maschera. Puoi anche aggiungere l'aspetto di altalene e "divertimento con il fuoco" (fuochi d'artificio). Negli interni, ritratti e paesaggi hanno preso il posto delle icone e la musica si è trasformata da spirituale in un piacevole gioco di suoni.

Il barocco è caratterizzato da contrasto, tensione, immagini dinamiche, affettazione, desiderio di grandezza e splendore, di combinare realtà e illusione, per la fusione delle arti (ensemble di città e palazzo e parco, opera, musica religiosa, oratorio); allo stesso tempo - una tendenza all'autonomia dei singoli generi (concerto grosso, sonata, suite nella musica strumentale).

Così, lo stile barocco maturò lentamente per esplodere improvvisamente. In quest’epoca diverse tendenze stilistiche opposte furono distruttive, tutte instabili e “incoerenti con la realtà”. In questa circostanza, la chiave per comprendere le parole di I. Grabar: “L’Alto Rinascimento è già tre quarti del Barocco”. Ogni giorno diventava più chiaro che Alberti “non era proprio quello che ci voleva”, che anche Bramante era già un po’ pedante e “asciutto” e che l’abracadabra del famoso “taglio d’oro” e la matematica delle proporzioni data nella facciata del suo “Cancelleria."

E solo quando il frenetico Michelangelo aprì il suo soffitto della Sistina e occupò i palazzi del Campidoglio, tutti capirono di cosa erano malati e cosa nascondevano nei loro cuori... e un nuovo stile“È stato creato il Barocco”.

2. Caratteristiche dello stile barocco nazionale

Nel XVII secolo Roma era la capitale del mondo nel campo dell'arte, attirando artisti da tutta Europa, così l'arte barocca si diffuse presto oltre i confini della “città eterna”. Lo stile barocco affonda le sue radici più profonde fuori dall'Italia, nei paesi cattolici. In ogni paese barocco l'arte si nutriva delle tradizioni locali. In alcuni paesi è diventato più stravagante, come in Spagna e America Latina, dove si sviluppò uno stile di decorazione architettonica detto churrigueresco; in altri è stato attenuato a favore di gusti più conservatori. Lo stile barocco si sta diffondendo in Spagna, Germania, Belgio (Fiandre), Paesi Bassi, Russia e Francia.

Nelle Fiandre cattoliche L'arte barocca fiorì nell'opera di Rubens, all'Olanda protestante ha avuto un impatto meno evidente. È vero, le opere mature di Rembrandt, estremamente vivaci e dinamiche, sono chiaramente segnate dall'influenza dell'arte barocca.

In Francia si esprimeva più chiaramente al servizio della monarchia e non della chiesa. Luigi XIV capì l'importanza dell'arte come mezzo per glorificare il potere reale. Il suo consigliere in quest'area fu Charles Lebrun, che supervisionò gli artisti e i decoratori che lavoravano al palazzo di Luigi a Versailles. Versailles, con la sua grandiosa combinazione di sontuosa architettura, scultura, pittura, arte decorativa e paesaggistica, fu uno degli esempi più impressionanti della fusione delle arti.

Per l'architettura barocca(L. Bernini, F. Borromini in Italia, B.F. Rastrelli in Russia) sono caratterizzati da portata spaziale, unità e fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. L'architettura barocca gravita verso il solenne “grande stile”, verso la monumentalità enfatizzata, si basa sull'idea di complessità, diversità, variabilità del mondo, riflette la grandezza del Papa e della Chiesa cattolica, così come il potere e il lusso dei monarchi e della grande aristocrazia. In questo periodo furono erette chiese cattoliche, palazzi cittadini e di campagna e complessi di parchi: la piazza di fronte alla Cattedrale di San Pietro a Roma, ville di campagna in Italia.

Le caratteristiche principali degli edifici sono una complessa pianta curvilinea e contorni lineari, la stravaganza delle facciate plastiche, l'uso di forme complesse, diverse e pittoresche basate su un ovale, un'ellisse e un semicerchio, finestre semicircolari, frontoni spezzati, colonne e pilastri accoppiati , enormi scalinate, la portata spaziale dei complessi, una fusione di arti (architettura, scultura, pittura), decoratività interna, uso di specchi nel design degli interni. L'ordine viene utilizzato come forma plastica decorativa insieme alla scultura. Le proprietà degli edifici sono l'estrema pittoricità (pretenziosità), contrasto, tensione, dinamismo delle immagini e fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee, un desiderio di splendore deliberato, di combinare realtà e illusione. Spesso si trovano colonnati di grandi dimensioni, abbondanza di sculture sulle facciate e negli interni, volute, un gran numero di controventi, facciate ad arco con rinforzi centrali, colonne bugnate e lesene. Le cupole assumono forme complesse, spesso a più livelli, come quelle della Cattedrale di San Pietro a Roma. Dettagli caratteristici barocchi: telamone (Atlante), cariatide, mascherone.

Nell'architettura italiana fu il rappresentante più importante dell'arte barocca Carlo Maderna(1556-1629), che ruppe con il manierismo e creò il proprio stile. La sua realizzazione principale è la facciata della chiesa romanica di Santa Susanna (1603). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca fu Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori eseguiti nel nuovo stile risalgono al 1620 circa. La Cappella Coranaro nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria (1645-1652) è considerata la quintessenza del Barocco , un'impressionante fusione di pittura, scultura e architettura. . I contemporanei italiani più importanti del Bernini durante questo periodo barocco maturo furono l'architetto Borromini sia artista che architetto Pietro da Cortona. Poco dopo lavorò Andrea del Pozzo (1642-1709); il suo soffitto dipinto nella chiesa di Sant'Ignazio a Roma (Apoteosi di Sant'Ignazio di Loyola) è il culmine della tendenza barocca verso lo splendore pomposo. Barocco spagnolo, o secondo il locale churrigueresco (in onore dell'architetto Churriguera), diffusosi anche in America Latina. Il suo monumento più popolare è la Cattedrale di Santiago de Compostela, che è anche una delle chiese più venerate della Spagna. In America Latina il Barocco si mescola alle tradizioni architettoniche locali; questa è la sua versione più elaborata, così la chiamano ultrabarocco. In Francia lo stile barocco espresso in modo più modesto che in altri paesi. In precedenza, si credeva che lo stile non si sviluppasse affatto qui e che i monumenti barocchi fossero considerati monumenti del classicismo. Il termine "classicismo barocco" è talvolta usato in relazione a Versioni francesi e inglesi del barocco. Ora il Palazzo di Versailles insieme al parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, l'edificio dell'Accademia di Francia a Parigi e altre opere sono considerate barocche francesi. Hanno alcune caratteristiche classiciste. In Belgio Un eccezionale monumento barocco è l'ensemble della Grand Place a Bruxelles. La casa di Rubens ad Anversa, costruita secondo il progetto dell'artista, ha caratteristiche barocche. In Russia il Barocco appare nel XVII secolo (“Naryshkin barocco”, “Golitsyn barocco”). Nel XVIII secolo, durante il regno di Pietro I, il cosiddetto “barocco petrino” (più sobrio) cominciò a svilupparsi a San Pietroburgo e nei suoi sobborghi ad opera di D. Trezzini, e raggiunse il suo apice durante il regno di Pietro I. Elizabeth Petrovna nell'opera di S.I. Chevakinsky e B. Rastrelli. In Germania Un eccezionale monumento barocco è il Palazzo Nuovo a Sans Souci (autori: I.G. Bühring, H.L. Manter) e il lì Palazzo d'Estate (G.W. von Knobelsdorff).

Il più grande e ensemble famosi Il Barocco nel mondo: Versailles (Francia), Peterhof (Russia), Aranjuez (Spagna), Zwinger (Germania), Schönbrunn (Austria).

Lo stile barocco nella pittura caratterizzato dal dinamismo delle composizioni, dalla “piattezza” e dallo splendore delle forme, dall'aristocrazia e dall'originalità delle trame. Le trame predominanti erano basate su un conflitto drammatico: di natura religiosa, mitologica o allegorica. I ritratti cerimoniali vengono creati per decorare gli interni.

La particolarità del barocco è che non aderisce all'armonia rinascimentale per amore di un contatto più emotivo con lo spettatore. Grande importanza effetti compositivi acquisiti espressi in audaci contrasti di scala, colore, luce e ombra. Ma allo stesso tempo, gli artisti barocchi si sforzano di raggiungere l'unità ritmica e cromatica, il pittoresco dell'insieme.

Alle origini dell'arte barocca nella pittura ci sono due grandi artisti italiani: Caravaggio E Annibale Carracci, che realizzò le opere più significative tra la fine del XVI e l'inizio del XVII secolo. Per Pittura italiana La fine del XVI secolo fu caratterizzata da innaturalità e incertezza stilistica. Caravaggio e Carracci, con la loro arte, ne hanno ripristinato l'integrità e l'espressività.

Nella pittura barocca italiana sviluppato generi diversi, ma soprattutto si trattava di allegorie, un genere mitologico. Successero in questa direzione Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo e i fratelli Carracci. Divenne famosa la scuola veneziana, dove acquistò grande popolarità il genere dei vedata, ovvero il paesaggio urbano. L'autore più famoso di tali opere è D.A. Canaletto. Non meno famosi sono Francesco Guardi e Bernardo Bellotto. Canaletto e Guardi dipinsero vedute di Venezia, mentre Bellotto (allievo di Canaletto) lavorò in Germania. Possiede molte vedute di Dresda e di altri luoghi. Salvator Rosa (scuola napoletana) e Alessandro Magnasco dipinsero paesaggi fantastici. Quest'ultimo appartiene ai tipi architettonici e gli è molto vicino Artista francese Hubert Robert, che lavorò in un momento in cui divampò l'interesse per l'antichità e le rovine romane. Le loro opere raffigurano rovine, archi, colonnati, templi antichi, ma in una forma un po' fantastica, con esagerazioni. Dipinti eroici furono dipinti dal Domenichino e parabole pittoresche da Domenico Fetti. Peter Paul Rubens (1577-1640) all'inizio del XVII secolo. studiò in Italia, dove apprese lo stile di Caravaggio e Carraci, anche se vi arrivò solo dopo aver completato un corso di studi ad Anversa. Ha combinato felicemente le migliori caratteristiche delle scuole di pittura del Nord e del Sud, fondendo nelle sue tele il naturale e il soprannaturale, la realtà e la fantasia, l'erudizione e la spiritualità.

Michelangelo Merisi (Caravaggio) (1571-1610) è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che crearono alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura. I suoi dipinti su soggetti religiosi assomigliano a scene realistiche autore contemporaneo vita, creando un contrasto tra i tempi della tarda antichità e quelli moderni. I personaggi sono raffigurati in una luce crepuscolare, da cui raggi di luce catturano i gesti espressivi dei personaggi, delineandone in modo contrastante le caratteristiche. I seguaci e gli imitatori di Caravaggio adottarono l'esuberanza e i modi distintivi di Caravaggio, così come il suo naturalismo nel rappresentare persone ed eventi.

In Francia Le caratteristiche barocche sono inerenti ai ritratti cerimoniali di Iasinte Rigaud. La sua opera più famosa è un ritratto di Luigi XIV. Il lavoro di Simon Vouet e Charles Lebrun, artisti di corte che lavoravano nel genere della ritrattistica cerimoniale, è caratterizzato come “classicismo barocco”. La vera trasformazione del barocco in classicismo si osserva nei dipinti di Nicolas Poussin. Lo stile barocco in Spagna ha ricevuto un'incarnazione più rigida e rigorosa, incarnata nelle opere di maestri come Velazquez, Ribera e Zurbaran. Hanno aderito ai principi del realismo. A quel tempo, la Spagna stava vivendo la sua “età dell’oro” nell’arte, pur essendo in declino economico e politico.

Per l'arte della Spagna Caratterizzato da decoratività, capricciosità, raffinatezza delle forme, dualismo dell'ideale e del reale, del fisico e dell'ascetico, del mucchio e dell'avarizia, del sublime e del ridicolo. Tra i rappresentanti: Domenico Theotokopouli (El Greco). Era profondamente religioso, quindi la sua arte presenta numerose varianti di soggetti e celebrazioni religiose: “La Sacra Famiglia”, “Apostoli Pietro e Paolo”, “La Discesa dello Spirito Santo”, “Cristo sul monte Maslenitsa”. El Greco era un magnifico ritrattista: interpretava ciò che raffigurava come irreale, fantastico, immaginario. Da qui la deformazione delle figure (elementi gotici), contrasti coloristici estremi con una predominanza di colori scuri, il gioco del chiaroscuro e un senso di movimento. Diego Velazquez (1599-1660) - un magnifico maestro ritratto psicologico, pittore di personaggi. I suoi dipinti si distinguono per la complessità multi-figura delle loro composizioni, la natura multi-frame, i dettagli estremi e l'eccellente padronanza del colore.

Heyday Barocco fiammingo cade al 1° piano. XVII secolo. Rubens divenne il legislatore nel nuovo stile. Nel primo periodo, lo stile barocco fu percepito da Rubens attraverso il prisma Dipinto di Caravaggio- “L'innalzamento della croce”, “La discesa dalla croce”, “Il rapimento delle figlie di Leucippo”. Il passaggio alla fase matura del lavoro dell’artista fu una grande commissione per il ciclo di dipinti “La vita di Maria de’ Medici”. I dipinti sono teatrali, allegorici e la pennellata è espressiva. Rubens dimostra l'incredibile potere di affermazione della vita del barocco; i suoi ritratti, soprattutto quelli femminili, rivelano per lui questa inesauribile fonte di gioia. Nell'ultimo periodo del suo lavoro, Rubens continua il tema dei baccanali - "Bacco" - una percezione apertamente corporea della vita. Oltre a Rubens, ottenne riconoscimenti anche un altro maestro del barocco fiammingo, van Dyck (1599-1641).

Con l'opera di Rubens, il nuovo stile arrivò in Olanda, dove fu ripreso da Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) e Vermeer (1632-1675). In Spagna, Diego Velazquez (1599-1660) lavorò alla maniera di Caravaggio, e in Francia - Nicolas Poussin (1593-1665), che, non soddisfatto della scuola barocca, gettò le basi di un nuovo movimento nella sua opera: il classicismo .

In Olanda Emersero diverse scuole di pittura, che unirono i maggiori maestri e i loro seguaci: Franz Hals ad Haarlem, Rembrandt ad Amsterdam, Vermeer a Delft. Nella pittura di questo paese, il barocco aveva un carattere unico, concentrandosi non sulle emozioni del pubblico, ma sul loro atteggiamento calmo e razionale nei confronti della vita. Rembrandt lo ha sottolineato con le seguenti parole: "Cielo, terra, mare, animali, persone: tutto questo serve per il nostro esercizio".

3. Caratteristiche degli stili individuali

L’architettura barocca è caratterizzata da portata spaziale, unità e fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. Centro brillante architettura barocco divenne la Roma cattolica.

Lo scultore e architetto italiano è considerato il “padre del barocco” Michelangelo Buonarroti- Cappella Medicea a Firenze (1520-1534).

Il Grande Michelangelo la potenza e l'espressione della sua stile individuale in un attimo distrusse tutte le consuete idee sulle “regole” del disegno e della composizione. Le potenti figure che dipinse sul soffitto “distrussero” visivamente lo spazio pittorico loro assegnato; non corrispondevano né alla sceneggiatura né allo spazio dell'architettura stessa. Tutto qui era anticlassico. G. Vasari, il famoso cronista del Rinascimento, stupito, come altri, definì questo stile “bizzarro, straordinario e nuovo”.

Altre opere di Michelangelo: l'insieme architettonico del Campidoglio a Roma, l'interno della Cappella Medici e il vestibolo della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze - mostravano forme classiciste, ma tutto in esse era ricoperto di straordinaria tensione ed eccitazione. I vecchi elementi architettonici venivano utilizzati in modi nuovi, innanzitutto non in conformità con la loro funzione strutturale. Così, nell'atrio della biblioteca di San Lorenzo, Michelangelo fece qualcosa di assolutamente inspiegabile. Le colonne sono doppie, ma nascoste nei recessi delle pareti e non sostengono nulla, quindi i loro capitelli sembrano una sorta di strani finali. Le volute della mensola sospese sotto di loro non svolgono alcuna funzione. Ci sono finestre immaginarie e cieche sulle pareti. Ma la cosa più sorprendente è la scalinata dell'atrio. Secondo l'arguta osservazione di J. Burckhardt, "è adatto solo a coloro che vogliono rompersi il collo". Non sono presenti ringhiere ai lati ove necessario. Ma sono nel mezzo, ma troppo bassi per appoggiarsi. I gradini esterni sono arrotondati con riccioli agli angoli del tutto inutili. La scala stessa riempie quasi tutto lo spazio libero dell'atrio, il che generalmente contraddice il buon senso, non invita, ma blocca solo l'ingresso.

Nel progetto della Cattedrale di San Pietro (1546), Michelangelo, in contraddizione con Bramante che ne iniziò la costruzione, subordinò l'intero spazio architettonico alla cupola centrale, rendendo dinamica la struttura. Grappoli di pilastri, doppie colonne e costoloni della cupola raffigurano un movimento ascendente coordinato e potente. Rispetto ai bozzetti di Michelangelo, l'esecutore del progetto fu Giacomo della Porta nel 1588-1590. rafforzato questa dinamica affilando la cupola; lo fece non emisferico, come era consuetudine nell'arte rinascimentale, ma allungato, parabolico.

L'avvento dell'era barocca significò il ritorno del romanticismo all'architettura Chiese cristiane. In questo senso è degna di nota l'affermazione di O. Spengler sull'evoluzione dell'opera di Michelangelo: “Dalla più profonda insoddisfazione per l'arte nella quale sprecò la sua vita, il suo sempre insoddisfatto bisogno di espressione ruppe il canone architettonico del Rinascimento e creò l'architettura romana Barocco... E nella persona di Michelangelo, lo scultore “si chiude la storia della scultura europea”. Veramente, Michelangelo - il vero "padre del Barocco", poiché nelle sue statue, edifici e disegni c'è, allo stesso tempo, un ritorno ai valori spirituali del Medioevo e la coerente scoperta di nuovi principi di formazione. Questo brillante artista, avendo esaurito le possibilità della plasticità classica, periodo tardivo della sua creatività ha dato vita a forme espressive inedite. Le sue figure titaniche sono raffigurate non secondo le regole dell'anatomia plastica, che serviva come norma per lo stesso Michelangelo solo dieci anni fa, ma secondo altre forze modellanti irrazionali, portate in vita dall'immaginazione dell'artista stesso.

Uno dei primi segni dell'arte barocca: ridondanza di mezzi e confusione di scale. Nell'arte del Classicismo, tutte le forme sono chiaramente definite e delimitate l'una dall'altra. "Plafond Sistina" Ecco perché Michelangelo lo è la prima opera dello stile barocco, che in esso c'era una collisione di figure disegnate, ma scultoree nella tattilità, e un'incredibile cornice architettonica dipinta sul soffitto, per nulla coerente con lo spazio reale dell'architettura. Anche le dimensioni delle figure ingannano lo spettatore: non si armonizzano, ma sono dissonanti anche con lo spazio pittoresco e illusorio creato per loro dall'artista.

"Genio del Barocco" J.L. Bernini(1598-1680). La più grande opera architettonica del Bernini fu il completamento di molti anni di costruzione della Cattedrale di San Pietro. Pietro a Roma e il progetto della piazza antistante (1656-1667). All'interno della Cattedrale di San Pietro a Roma, sopra la tomba dell'apostolo Pietro, fece erigere un'enorme tenda esorbitantemente ampliata: un ciborio alto 29 m (l'altezza di Palazzo Farnese a Roma). Da lontano, una tenda in bronzo annerito e dorato su quattro colonne tortili con “tende” e statue della navata della cattedrale sembra solo un giocattolo, un capriccio della decorazione interna. Ma da vicino stordisce e travolge, rivelandosi un colosso di proporzioni disumane, motivo per cui la cupola che lo sovrasta sembra incommensurabile, come il cielo.

Le due possenti ali del monumentale colonnato, realizzate su suo disegno, chiudevano il vasto spazio della piazza. Irradiandosi dalla facciata principale occidentale della cattedrale, i colonnati formano prima una forma trapezoidale, per poi trasformarsi in un enorme ovale, sottolineando la speciale mobilità della composizione, progettata per organizzare il movimento delle processioni di massa. 284 colonne e 80 pilastri alti 19 m compongono questo colonnato coperto a quattro file, 96 grandi statue ne coronano l'attico. Mentre ti muovi attraverso la piazza e cambi il tuo punto di vista, sembra che le colonne si avvicinino o si allontanino e l'insieme architettonico sembra svolgersi davanti allo spettatore. Gli elementi decorativi sono abilmente inseriti nel disegno della piazza: i tremolanti fili d'acqua di due fontane e lo slanciato obelisco egiziano tra di loro, che accentuano il centro della piazza. Ma secondo le parole dello stesso Bernini, la piazza, “come braccia aperte”, cattura lo spettatore, dirigendo il suo movimento verso la facciata della cattedrale, decorata con grandiose colonne corinzie annesse” che torreggiano e dominano l'intero solenne insieme barocco. Enfatizzare la spazialità soluzione generale complesso nella forma della piazza e della cattedrale, Bernini determinò anche il punto di vista principale della cattedrale, che a distanza si percepisce nella sua maestosa unità.

Bernini conosceva bene e teneva conto delle leggi dell'ottica e della prospettiva. Da un punto di vista distante, restringendosi in prospettiva, i colonnati angolari del quadrato trapezoidale sono percepiti come diritti, e il quadrato ovale è percepito come un cerchio. Queste stesse proprietà della prospettiva artificiale furono abilmente applicate nella costruzione della principale Scalinata Reale che collega Piazza San Pietro. Pietro con il Palazzo Papale. Fa un'impressione grandiosa grazie al restringimento graduale calcolato con precisione della rampa di scale, al soffitto a cassettoni e alla riduzione delle colonne che lo incorniciano. Aumentando l'effetto della riduzione prospettica della scala andando più in profondità, Bernini ottenne l'illusione di aumentare le dimensioni della scala e la sua lunghezza.

L'abilità di Bernini come decoratore si dimostrò in tutto il suo splendore decorando l'interno della Cattedrale di San Pietro. Petra. Ha evidenziato l'asse longitudinale della cattedrale e il suo centro: lo spazio sotto la cupola con un lussuoso ciborio in bronzo (baldacchino, 1624-1633), in cui non c'è un solo contorno calmo. Tutte le forme di questa struttura decorativa sono agitate. Colonne tortili salgono ripide fino alla cupola della cattedrale; Con l'aiuto della varietà strutturata, il bronzo imita tessuti lussureggianti e decorazioni con frange.

Nelle belle arti Questo periodo è stato dominato da trame basate sul drammatico conflitto, - religioso, mitologico o di natura allegorica. I ritratti cerimoniali vengono creati per decorare gli interni. Una caratteristica del barocco è il mancato rispetto dell'armonia rinascimentale a favore di un contatto più emotivo con lo spettatore. Gli effetti compositivi, espressi in audaci contrasti di scala, colore, luce e ombra, divennero di grande importanza. Ma allo stesso tempo, gli artisti barocchi si sforzano di raggiungere l'unità ritmica e cromatica, il pittoresco dell'insieme. La pittura barocca è caratterizzata da dinamismo, “piattezza” e splendore delle forme; i tratti più caratteristici del barocco sono la floridità e il dinamismo accattivanti; Un esempio lampante è Rubens, Caravaggio.

Rubens Pietro Paolo(1577-1640) - Pittore fiammingo, disegnatore, capo Scuola fiamminga Pittura barocca. Nella vita, Rubens incarnava l'ideale barocco di un virtuoso, concentrato sul lato esterno delle cose, per il quale il mondo intero era un palcoscenico. Contraddizioni dell'epoca Rubens ha riconciliato opposti apparentemente inconciliabili nella pittura. Il suo enorme intelletto e la sua potente energia vitale gli hanno permesso di creare, sulla base di vari prestiti, un approccio olistico, stile unico, in quale sorprendentemente il naturale e il soprannaturale, la realtà e la fantasia, l'erudizione e la spiritualità sono fusi. I suoi dipinti epici definiscono così la scala e lo stile della pittura barocca matura. Sono pieni di energia e inventiva scintillanti e inesauribili e sono, come le sue eroiche figure nude, la personificazione di un senso di amore per la vita. La rappresentazione di un'esistenza così ricca su tale scala richiedeva un ampliamento dell'arena d'azione, che solo il barocco con la sua teatralità - nel senso migliore del termine - poteva fornire. Il senso del dramma era insito in Rubens nella stessa misura in cui lo era in Bernini. "L'elevazione della croce" - la prima grande immagine dell'altare, testimonia quanto doveva Arte italiana. Le figure muscolose, dettagliate per dimostrare la loro forza fisica e passione, ricordano la Cappella Sistina di Michelangelo e la galleria di Palazzo Farnese di Annibale Carracci, e c'è qualcosa di Caravaggio nello stile di illuminazione del dipinto. Tuttavia, il pannello deve gran parte del suo successo alla sorprendente capacità di Rubens di combinare influenze italiane con idee olandesi, dando loro suono moderno. In termini di dimensioni e concetto, il dipinto è più eroico di qualsiasi altra opera del nord, ma è ancora impossibile immaginare il suo aspetto senza “La Deposizione dalla Croce” di Rogier van der Weyden.

Rubens è un realista fiammingo altrettanto attento ai dettagli, come si può vedere in dettagli come il fogliame, l'armatura e il cane in primo piano. Questi vari elementi, riuniti con la massima abilità, formano una composizione di enorme potere drammatico. Una piramide di corpi instabile e minacciosamente ondeggiante in modo tipicamente barocco rompe i confini dell'inquadratura, creando nello spettatore una sensazione di partecipazione a questa azione.

Negli anni venti del Seicento lo stile dinamico di Rubens raggiunse il suo apice enorme opere decorative su ordine di chiese e palazzi. Il più famoso è il ciclo di dipinti realizzato da Rubens per il Palazzo del Lussemburgo a Parigi e dedicato alla glorificazione dell' percorso di vita Maria de' Medici, vedova di Enrico IV e madre di Luigi XIII. Tutto qui è collegato da un unico ritmo di movimento circolare: cielo e terra, personaggi storici e personaggi allegorici, anche disegno e pittura, poiché Rubens utilizzava schizzi pittorici simili durante la preparazione delle sue composizioni. A differenza degli artisti delle epoche precedenti, fin dall'inizio ha preferito sviluppare i suoi dipinti in relazione alla luce e al colore (la maggior parte dei suoi disegni sono studi di figure o schizzi di ritratti). Una visione così olistica, alle cui origini, sebbene ancora senza risultati evidenti, furono i grandi veneziani, fu la più preziosa dell'eredità di Rubens per i pittori delle generazioni successive.

Michelangelo Merisi, che prese il soprannome dal suo luogo di nascita vicino a Milano Caravaggio, è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che crearono alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura.

Già nei primi lavori completati a Roma, appare come un audace innovatore; sfidò le principali tendenze artistiche di quell'epoca: manierismo e accademismo, contrapponendole al duro realismo e alla democrazia della sua arte. L'eroe di Caravaggio è un uomo della folla di strada, un ragazzo o un giovane romano, dotato di una bellezza ruvida e sensuale e della naturalezza di un'esistenza spensierata e allegra; L'eroe di Caravaggio appare sia nel ruolo di un venditore ambulante, di un musicista, di un dandy ingenuo, che ascolta uno zingaro astuto, sia nell'aspetto e con attributi antico dio Bacco. Questi personaggi intrinsecamente di genere, immersi in una luce brillante, vengono avvicinati allo spettatore, raffigurati con accentuata monumentalità e palpabilità plastica.

Periodo maturità creativa apre un ciclo di dipinti monumentali dedicati a S. Matteo. Nel primo e più significativo di essi - “La vocazione dell'apostolo Matteo” - dopo aver trasferito l'azione della leggenda evangelica in un locale seminterrato con pareti nude e un tavolo di legno, rendendolo partecipe della folla della strada, Caravaggio a allo stesso tempo ha costruito una drammaturgia emotivamente forte del grande evento: l'invasione della luce della Verità nelle profondità della vita. La “luce funebre” penetra in una stanza buia dopo che Cristo e S. vi sono entrati. Pietro, mette in risalto le figure delle persone raccolte attorno alla mensa e allo stesso tempo sottolinea il carattere miracoloso dell'apparizione di Cristo e di San Pietro. Pietro, la sua realtà e allo stesso tempo irrealtà, strappando dall'oscurità solo una parte del profilo di Gesù, la mano sottile della sua mano tesa, il manto giallo di San Pietro. Pietro, mentre le loro figure emergono debolmente dall'ombra

I suoi dipinti su soggetti religiosi ricordano scene realistiche della vita contemporanea dell’autore, creando un contrasto tra la tarda antichità e i tempi moderni. Gli eroi sono raffigurati in una luce crepuscolare, da cui raggi di luce strappano i gesti espressivi dei personaggi, delineandone in modo contrastante le caratteristiche. L'arte di Caravaggio ha avuto un'enorme influenza sul lavoro non solo di molti maestri italiani, ma anche dei principali maestri dell'Europa occidentale del XVII secolo: Rubens, Jordaens, Georges de La Tour, Zurbaran, Velazquez, Rembrandt.

Gli artisti barocchi scoprirono così nuove tecniche artistiche nell'interpretazione spaziale della forma nelle sue dinamiche di vita in continua evoluzione e attivarono la loro posizione vitale. L'unità della vita nella gioia sensoriale-fisica dell'essere, nei conflitti tragici costituisce la base della bellezza nell'arte barocca.

Conclusione

Quindi il Barocco è una caratteristica Cultura europea secoli XVII-XVIII, il cui centro fu l'Italia per poi diffondersi ovunque Europa occidentale. L’epoca barocca è considerata l’inizio della marcia trionfale della “civiltà occidentale”.

La sua comparsa è stata un processo storicamente naturale, preparato da tutto lo sviluppo precedente. Lo stile ha trovato la sua implementazione in modo diverso in vari paesi, rivelando le loro caratteristiche nazionali. Allo stesso tempo, aveva caratteristiche comuni tipiche di tutta l'arte europea e di tutta la cultura europea:

1. Dogmatismo della Chiesa, che ha portato ad una maggiore religiosità;

2. Aumento del ruolo dello Stato, laicità, lotta tra due principi;

3. Maggiore emotività, teatralità, esagerazione di tutto;

4. Dinamica, impulsività;

Non sarà esagerato affermare che il “barocco” è uno degli stili più elaborati e lussureggianti.

Lo stile barocco corrisponde pienamente allo stile di vita caratteristico di quell'epoca. Si tratta di uno stile basato sull'uso di forme di ordine classiche, portate a uno stato di tensione dinamica, che talvolta raggiunge le convulsioni.

Il periodo barocco contribuì alla formazione di scuole d'arte nazionali con caratteristiche proprie (Fiandre, Olanda, Francia, Italia, Spagna, Germania).

Elenco delle fonti utilizzate

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Applicazione

Riso. 1 - Piazza antistante la Basilica di San Pietro, progettata da Lorenzo Bernini

Riso. 2-Michelangelo. Frammento della volta cappella Sistina

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Storia dello stile

Lo stile artistico barocco ebbe origine alla fine del XVI secolo in Italia. La storia del nome è associata ai marinai portoghesi, che usavano la parola barocco per denotare perle difettose di forma irregolare. Gli italiani adottarono prontamente il termine, combinando con esso le manifestazioni artistiche e strane di un nuovo movimento culturale.

L'emergere del Barocco è associato allo sbiadimento del Rinascimento: avendo abbandonato le idee di armonia classica e di rigoroso ordine mondiale, i creatori si concentrarono sulla lotta tra ragione e sentimenti. D'ora in poi, il focus della loro attenzione sarà sulle forze degli elementi, sull'espressione e sul misticismo.

Durante i secoli XVII e XVIII, l'architettura, l'arte e la musica barocca si diffusero ampiamente in tutta Europa e in America e arrivarono anche in Russia. Il fiorire dello stile coincise con il rafforzamento delle monarchie assolute, lo sviluppo delle colonie e il rafforzamento del cattolicesimo. È logico che nella pianificazione urbana si sia manifestato in scala e monumentalità.

Caratteristiche caratteristiche del barocco

Uno stile solenne, complesso e riccamente decorato fu utilizzato nella costruzione di palazzi, residenze e monasteri cittadini. Le soluzioni architettoniche degli architetti di corte sono subordinate a un'idea: sorprendere e deliziare.

Modulo

La caratteristica principale del barocco è la creazione di uno spazio curvo, dove piani e volumi sono curvilinei e confluiscono l'uno nell'altro; ellissi e rettangoli predominano nei piani.

Nella progettazione delle facciate, i controventi sono ampiamente utilizzati quando una parte del muro è leggermente avanzata o, al contrario, è incassata insieme a tutti gli elementi. Il risultato è un'alternanza di sezioni convesse e concave con l'effetto di illusione spaziale. Tutti i tipi di bovindi, torri e balconi rendono la composizione della facciata ancora più espressiva.

Ordine

Una caratteristica distintiva degli edifici barocchi è una deliberata violazione delle proporzioni nell'antico sistema di ordine.

Parti dell'ordine (base, trabeazione, capitello) sono allungate, sovrapposte, attorcigliate; la struttura precedentemente armoniosa (commisurata a una persona) acquisisce imponenza e un ritmo irregolare.

Arredamento esterno ed interno

Le caratteristiche principali del barocco includono anche un'eccessiva decorazione, che ha dato molte ragioni per accuse di cattivo gusto.

Le pareti praticamente scompaiono sotto modanature in stucco, dipinti, pannelli intagliati, sculture, colonne e specchi. Il desiderio di gigantismo si manifesta in mobili pesanti, enormi armadi e scale. Se parliamo brevemente di barocco, è uno stile di eccesso. Alternando zone illuminate e ombreggiate e illuminazione laterale regolabile, gli artigiani hanno creato effetti ottici di ampliamento dello spazio. Dorato, blu, colori rosa creare un'atmosfera solenne.

Connessione con lo spazio circostante

La nostra descrizione dello stile barocco sarebbe incompleta senza un'enfasi sull'unione degli edifici con l'area circostante: una piazza cittadina, un parco, un giardino. Si tratta di una tendenza progressiva, gli edifici cominciano ad essere percepiti come un tutt'uno con il paesaggio: d'ora in poi fontane, composizioni scultoree, sentieri spezzati e prati fanno parte a pieno titolo degli insiemi del palazzo.

Elementi architettonici barocchi

Le facciate barocche sono attivamente decorate con colonne, grandi rilievi volumetrici e frontoni ad arco.

I plateau riccamente decorati sono necessariamente dotati di una chiave di volta. Le finestre sono realizzate sotto forma di ovali, emisferi e aperture rettangolari. Al posto delle colonne, sono installate statue di cariatidi e di Atlantide per sostenere soffitti a travi, balaustre e volte del tetto.

Le composizioni scultoree monumentali sono uno degli elementi caratteristici dello stile.

La postura e le espressioni facciali delle figure mitologiche e bibliche trasmettono stress emotivo, trama drammatica, che corrisponde al concetto della complessa struttura del mondo e delle passioni umane.

I tradizionali disegni barocchi includono arabeschi, ghirlande, conchiglie, cartigli, vasi di fiori, cornucopie e strumenti musicali.

Ogni dettaglio è incorniciato in modo lussureggiante. In una combinazione di stili storicamente vicini di barocco, rococò e classicismo, il primo si distingue in modo significativo per il suo amore per la decorazione eccessiva. Questa caratteristica verrà poi ripresa dal Rococò, ponendo maggiore enfasi sulla grazia e sulla raffinatezza.

Una delle caratteristiche del barocco architettonico è l'uso attivo dei mascheroni nella progettazione della facciata (una maschera a forma di volto umano o muso di animale, posizionata frontalmente).

Erano fatti di pietra e gesso e posti sopra la porta d'ingresso, le aperture delle finestre e gli archi. Ogni maschera ha il suo carattere: calmo, spaventoso, comico. I mascheroni tematici furono scelti in base al profilo dell'istituzione: sul cortile furono appese immagini della dea della giustizia e teste di leone, sul teatro personaggi drammatici, sulla chiesa angeli e bambini.

Lo stile barocco in Italia

In ogni paese è emerso un nuovo stile architettonico sotto l’influenza di condizioni politiche, sociali e culturali. A questo proposito, possiamo parlare sport nazionali Barocco: italiano, francese, spagnolo, tedesco, inglese, russo.

Nel patrimonio mondiale, il barocco italiano è considerato la fonte primaria e l'ispirazione. Il Vaticano ha assunto un ruolo guida nello sviluppo dell'architettura. Nel XVI secolo, la Chiesa cattolica iniziò la costruzione attiva di templi e cattedrali, non tanto imponenti nelle dimensioni, ma maestosi ed emotivamente carichi nel design.

Tra i primi a realizzare la celebre chiesa del Gesù, progetto di Giacomo Barozzi da Vignola. Il disegno della facciata principale combina diversi ordini. Ampie volute ondulate sui lati collegano entrambi gli ordini della facciata; questa soluzione divenne un manuale per le chiese di questo periodo.

I più grandi architetti barocchi italiani del XVII secolo sono Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Guarino Guarini, Carlo Rainaldi. Piazza San Pietro a Roma è conosciuta in tutto il mondo: un progetto di L. Bernini, dove il colonnato crea una prospettiva artificiale e aumenta visivamente le dimensioni della cattedrale.

Barocco francese

Le principali caratteristiche del barocco in Francia apparivano più in decorazione d'interni, ma nella decorazione della facciata prevale il classicismo.

Un esempio lampante di questo approccio è il Palazzo di Versailles, progettato da Louis Levo e Jules Hardouin-Mansart. Il tema barocco nel disegno della facciata è indicato solo dalle sculture, che con le loro forme espressive contrastano con la geometria rettilinea dell'edificio.

Negli interni del palazzo prevale una rigogliosa decorazione barocca, in particolare nelle sale di Guerra e Pace e nella Galleria degli Specchi.

Gli architetti francesi combinano barocco e classicismo nella progettazione di palazzi cittadini e residenze di campagna. L'immaginazione artistica lascia il posto al ruolo principale delle forme rigorose. I principali architetti del periodo furono Jacques Lemercier, Francois Mansart, Louis Levo.

L'architettura del castello si sposta dalle tradizionali fortezze quadrangolari a complessi di corpo centrale e ali laterali, con strade di accesso e giardini coltivati. I volumi sono semplificati, il numero di modanature in stucco sulla facciata è ridotto, le dimensioni diventano più modeste: questi sono esempi di barocco nella progettazione dei castelli di Vaux, Montmorency, Chanet, Maison-Lafitte.

Architettura di Spagna, Portogallo e America Latina

La direzione barocca si manifestò più chiaramente nelle opere dei fratelli spagnoli Churriguera (XVII-XVIII secolo); la loro opera ricevette persino il proprio nome: Churrigueresque.

Le facciate e gli interni sono ricchi di decorazioni lussureggianti e saturi di dettagli: frontoni spezzati, cornici ondulate, riccioli, ghirlande, balaustre. L'edificio più famoso di questo stile barocco è la Cattedrale di San Giacomo a Santiago de Compostela.

Un'altra parte dell'architettura spagnola si è sviluppata sotto l'influenza delle tradizioni italiana e francese. Un tipico esempio è il Palazzo Reale di Madrid, costruito a somiglianza di Versailles da architetti italiani: Filippo Juvarra, Giovanni Sacchetti, Francesco Sabatini. Le facciate classicamente austere si combinano qui con la magnifica decorazione interna barocca.

I palazzi barocchi portoghesi sono inclusi nel patrimonio culturale mondiale:

La facciata del Palazzo Rayo (progettato da Andre Soares) è riccamente decorata con stucchi; grazie alla varietà delle forme si crea un effetto dinamico.

Il più grande palazzo reale del paese, Mafra combina una basilica, una grande biblioteca e un monastero francescano.

Il Palazzo Mateus (progettato dall'italiano Nicolau Nasoni) ha lo status di Monumento Nazionale del Portogallo, circondato da un parco con sculture in marmo.

Dopo essersi diffuso nel Nuovo Mondo, lo stile barocco conquistò sostenitori dall'Argentina al Messico. Esempi tipici sono le cattedrali di Taxco e di Città del Messico, sovraccariche di decorazioni, con torri angolari esagerate.

Barocco russo

IN Impero russo lo stile architettonico si è sviluppato in modo particolare. Prendendo come base le tradizioni dell'architettura russa, si arricchì dei canoni dell'Europa occidentale durante il tempo di Pietro il Grande. Il culmine si raggiunse a metà del XVIII secolo, quando già l'Occidente abbandonava lo sfarzo in favore del rigore del classicismo.

Caratteristiche dello stile barocco in Russia:

I piani architettonici e le composizioni volumetriche sono caratterizzati da semplicità e una struttura più chiara.
Il materiale principale per la finitura della facciata è l'intonaco con parti in gesso e non la pietra, come in Occidente. Pertanto, vi è una maggiore enfasi sulla modellazione ornamentale e sulle combinazioni di colori.
Gli edifici barocchi russi sono realizzati in colori vivaci e contrastanti (blu, bianco, giallo, rosso, blu scuro), ricoperti di dorature, i tetti complessi sono realizzati in lamiera stagnata. Il complesso crea un carattere festoso e importante.

È consuetudine distinguere diverse fasi storiche nello sviluppo dell'architettura domestica.

Barocco moscovita della fine del XVII secolo

Ciò include le destinazioni che prendono il nome dai clienti.

Caratteristiche caratteristiche dello stile barocco Naryshkin: simmetria, dettagli a più livelli, centrici, bianchi su uno sfondo rosso. Qui le tecniche dell'antica costruzione russa in legno e pietra si combinano con il gotico europeo, il manierismo e il rinascimento. La famosa Chiesa dell'Intercessione a più livelli è stata progettata in questa forma Santa madre di Dio a Fili.

La direzione Golitsyn utilizza solo decorazioni barocche nella decorazione degli interni. Patrimonio architettonico: la Chiesa del Segno della Beata Vergine Maria a Dubrovitsy.

Gli edifici Stroganov hanno una sagoma a cinque cupole (tradizionale per una chiesa russa). L'arredamento barocco qui è estremamente ricco e dettagliato. Un esempio è la chiesa di Smolensk a Nizhny Novgorod.

Pietro Barocco a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo

Sotto Pietro I, architetti stranieri lavorarono in Russia, trasmettendo l'esperienza europea ai maestri nazionali. Il tedesco Andreas Schlüter crea una grotta nel giardino estivo di San Pietroburgo. Johann Gottfried Schedel, anch'egli tedesco, supervisionò la costruzione del Palazzo Menshikov sull'isola Vasilyevskij, a Oranienbaum, Strelna e Kronstadt. I progetti hanno una solennità barocca, ma le pareti sono realizzate piatte, senza illusioni curve.

Il primo architetto russo a ricevere un'istruzione formale fu Mikhail Grigorievich Zemtsov. Lavorando in stile barocco russo, progettò e costruì il Palazzo Anichkov, residenze estive, padiglioni del parco a San Pietroburgo, il palazzo di Revel e partecipò alla costruzione del campanile nel complesso della Fortezza di Pietro e Paolo.

Architettura barocca metà del XVIII secolo

Durante il regno dell'imperatrice Elisabetta (1740-1750) iniziò il periodo del barocco maturo, chiamato elisabettiano. In questo momento, B.F. sta creando. Rastrelli, D. Ukhtomsky, S. Chevakinsky.

La costruzione di complessi monumentali: palazzi, cattedrali, monasteri e residenze di campagna è destinata a rafforzare il prestigio del potere imperiale e nobiliare. Gli appartamenti del palazzo sono progettati secondo il principio dell'enfilade, le sale interne sono decorate con intagli dorati, modanature, specchi e parquet intarsiato. L'atmosfera è eccezionalmente formale.

Lo stile barocco che raggiunse il suo apogeo in Russia in questo periodo è associato alle opere di Bartolomeo Francesco Rastrelli. La sua paternità comprende il Palazzo di Caterina Tsarskoye Selo, il Monastero Smolny, i palazzi Stroganov, Vorontsov e d'Inverno.

Lo stile architettonico barocco durò fino a Stato russo non per molto tempo. Alla fine del XVIII secolo il lusso e l’eccesso furono sostituiti dalla bellezza razionale del classicismo. Ma gli insiemi del palazzo creati in questo periodo ci stupiscono ancora per le dimensioni della pianta e lo splendore della decorazione. L'architettura di Peterhof, Tsarskoe Selo e San Pietroburgo è fonte di ispirazione per il barocco moderno, realizzato in residenze di campagna private. Qui le forme complesse e la straordinaria decoratività sono ancora apprezzate.

Barocco moderno

Per gli appassionati dello stile che vogliono avere la propria casa barocca moderna, offriamo progetti realizzati nello studio di architettura.

Per creare l’illusione del potere e della ricchezza. Uno stile capace di elevarsi diventa popolare, ed è così che il Barocco emerse in Italia nel XVI secolo.

Origine del termine

Origine della parola barocco provoca più controversie rispetto ai nomi di tutti gli altri stili. Esistono diverse versioni dell'origine. portoghese barocco- una perla di forma irregolare priva di asse di rotazione; tali perle erano popolari nel XVII secolo. In italiano barocco- falso sillogismo, forma asiatica della logica, sofismi basati sulla metafora. Come perle dalla forma irregolare, sillogismi barocchi, la cui falsità era nascosta dalla loro natura metaforica.

L'uso del termine da parte di critici e storici dell'arte risale alla seconda metà del XVIII secolo e si riferisce, dapprima, all'arte figurativa e, successivamente, anche alla letteratura. Dapprima acquisito il Barocco significato negativo e solo dentro fine XIX secolo si assiste ad una rivalutazione del Barocco, grazie al contesto culturale europeo che va dall'impressionismo al simbolismo, che evidenzia collegamenti con l'epoca barocca.

Una teoria controversa suggerisce che tutte queste parole europee provengano dal latino bis-roca, pietra contorta. Un'altra teoria - dal latino verruca, luogo ripido e alto, difetto nella pietra preziosa.

In diversi contesti, la parola barocco potrebbe significare “pretenziosità”, “innaturalità”, “insincerità”, “élite”, “deformazione”, “emotività esagerata”. Tutte queste connotazioni della parola barocco nella maggior parte dei casi non sono state percepite come negative.

Infine, un'altra teoria suggerisce che questa parola in tutte le lingue citate sia linguisticamente parodica, e la sua formazione si spieghi con il suo significato: insolito, innaturale, ambiguo e ingannevole.

L'ambiguità dello stile barocco è spiegata dalla sua origine. Secondo alcuni ricercatori, è stato preso in prestito dall'architettura dei turchi selgiuchidi.

Caratteristiche barocche

Le basi ideologiche dello stile si svilupparono come risultato dello shock che la Riforma e gli insegnamenti di Copernico subirono nel XVI secolo. L'idea del mondo come unità razionale e costante, stabilita nell'antichità, è cambiata, così come l'idea rinascimentale dell'uomo come essere più intelligente. Come disse Pascal, l’uomo cominciò a riconoscersi come “qualcosa tra tutto e niente”, “colui che coglie solo l’apparenza dei fenomeni, ma non è in grado di comprenderne né l’inizio né la fine”.

Età barocca

L'era barocca dà origine a un'enorme quantità di tempo per l'intrattenimento: invece dei pellegrinaggi, il lungomare (passeggiate nel parco); invece dei tornei cavallereschi - "caroselli" (passeggiate a cavallo) e giochi di carte; invece delle rappresentazioni misteriose c'è un teatro e un ballo in maschera. Puoi anche aggiungere l'aspetto di altalene e "divertimento con il fuoco" (fuochi d'artificio). Negli interni, ritratti e paesaggi hanno preso il posto delle icone e la musica si è trasformata da spirituale in un piacevole gioco di suoni.

L'epoca barocca rifiuta tradizioni e autorità come superstizioni e pregiudizi. Tutto ciò che è pensato “chiaramente e distintamente” o ha un'espressione matematica è vero, dice il filosofo Cartesio. Il Barocco è quindi anche il secolo della Ragione e dell’Illuminismo. Non è una coincidenza che la parola “barocco” venga talvolta utilizzata per designare uno dei tipi di inferenze nella logica medievale: barocco. Il primo parco europeo appare nella Reggia di Versailles, dove l'idea di foresta è espressa in modo estremamente matematico: vicoli di tigli e canali sembrano disegnati con un righello e gli alberi sono potati secondo la maniera di figure stereometriche. Negli eserciti dell'era barocca, che per primi ricevettero le uniformi, viene prestata molta attenzione al "trapano": la correttezza geometrica delle formazioni sulla piazza d'armi.

L'uomo barocco

L'uomo barocco rifiuta la naturalezza, che si identifica con la ferocia, la mancanza di cerimonie, la tirannia, la brutalità e l'ignoranza - tutto ciò che diventerebbe una virtù nell'era del romanticismo. La donna barocca valorizza la sua pelle pallida e indossa un'acconciatura innaturale ed elaborata, un corsetto e una gonna allargata artificialmente con una cornice di stecche di balena. Indossa i tacchi.

E il gentiluomo diventa l'uomo ideale nell'era barocca - dall'inglese. gentile: “morbido”, “gentile”, “calmo”. Inizialmente preferiva radersi baffi e barba, indossare profumo e indossare parrucche incipriate. A che serve la forza se ora si uccide premendo il grilletto di un moschetto? In epoca barocca la naturalezza è sinonimo di brutalità, ferocia, volgarità e stravaganza. Per il filosofo Hobbes, lo stato di natura stato della natura) è uno Stato caratterizzato dall'anarchia e dalla guerra di tutti contro tutti.

Il barocco è caratterizzato dall'idea di nobilitare la natura sulla base della ragione. Non tollerare il bisogno, ma “è bello offrirlo con parole piacevoli ed educate” (Specchio onesto della giovinezza, 1717). Secondo il filosofo Spinoza le pulsioni non costituiscono più il contenuto del peccato, ma “l’essenza stessa dell’uomo”. Pertanto, l'appetito si formalizza in una raffinata etichetta della tavola (fu in epoca barocca che comparvero forchette e tovaglioli); interesse per il sesso opposto - nel flirt educato, nei litigi - in un duello sofisticato.

Il barocco è caratterizzato dall'idea di un Dio dormiente: il deismo. Dio non è concepito come un Salvatore, ma come un Grande Architetto che ha creato il mondo proprio come un orologiaio crea un meccanismo. Da qui una caratteristica della visione del mondo barocca come meccanismo. La legge di conservazione dell'energia, l'assolutezza dello spazio e del tempo sono garantite dalla parola di Dio. Tuttavia, avendo creato il mondo, Dio si è riposato dalle sue fatiche e non interferisce in alcun modo negli affari dell'Universo. È inutile pregare un Dio simile: puoi solo imparare da Lui. Pertanto, i veri custodi dell'Illuminismo non sono profeti e sacerdoti, ma scienziati naturali. Isaac Newton scopre la legge della gravitazione universale e scrive l'opera fondamentale "Principi matematici della filosofia naturale" (), e Carl Linnaeus sistematizza la biologia "Sistema della natura" (). Accademie delle scienze e società scientifiche stanno nascendo in tutte le capitali europee.

La diversità della percezione aumenta il livello di coscienza - dice qualcosa del genere il filosofo Leibniz. Galileo per la prima volta punta un telescopio verso le stelle e dimostra la rotazione della Terra attorno al Sole (), e Leeuwenhoek scopre minuscoli organismi viventi al microscopio (). Enormi velieri solcano le distese degli oceani del mondo, cancellando punti bianchi sulle mappe geografiche del mondo. Viaggiatori e avventurieri divennero i simboli letterari dell'epoca: il medico di bordo Gulliver e il barone di Munchausen.

Barocco nella pittura

Lo stile barocco nella pittura è caratterizzato da dinamismo di composizioni, “piattezza” e splendore di forme, aristocrazia e originalità dei soggetti. I tratti più caratteristici del Barocco sono la vistosa floridezza e il dinamismo; un esempio lampante è l'opera di Rubens e Caravaggio.

Michelangelo Merisi (1571-1610), soprannominato Caravaggio per la sua città natale vicino a Milano, è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che crearono alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura. I suoi dipinti su soggetti religiosi ricordano scene realistiche della vita contemporanea dell’autore, creando un contrasto tra la tarda antichità e i tempi moderni. Gli eroi sono raffigurati in una luce crepuscolare, da cui raggi di luce strappano i gesti espressivi dei personaggi, delineandone in modo contrastante le caratteristiche. I seguaci e gli imitatori di Caravaggio, che inizialmente furono chiamati Caravaggisti, e il movimento stesso del Caravaggismo, come Annibale Carracci (1560-1609) o Guido Reni (1575-1642), adottarono il tripudio di sentimenti e i modi caratteristici di Caravaggio, così come il suo naturalismo nel rappresentare persone ed eventi.

Barocco in architettura

Nell'architettura italiana, il rappresentante più importante dell'arte barocca fu Carlo Maderna (1556-1629), che ruppe con il Manierismo e creò un proprio stile. La sua creazione principale è la facciata della chiesa romana di Santa Susanna (città). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca fu Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori eseguiti nel nuovo stile risalgono approssimativamente al Bernini, anche lui architetto. A lui si deve il progetto della piazza della Basilica di San Pietro a Roma e degli interni, oltre che di altri edifici. Contributi significativi sono stati apportati da D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. In Sicilia, dopo un forte terremoto nel 1693, apparve un nuovo stile tardo barocco - Barocco siciliano.

In Germania l'eccezionale monumento barocco è il Palazzo Nuovo a Sans Souci (autori: I. G. Bühring, H. L. Manter) e il lì Palazzo d'Estate (G. W. von Knobelsdorff).

Barocco nella scultura

Treviri. Sfinge barocca nel Palazzo dell'Elettorato

Papa Innocenzo XII. Basilica di San Pietro a Roma

Gnomi barocchi nell'Hofgarten di Augusta

La scultura è parte integrante dello stile barocco. Il più grande scultore e architetto riconosciuto del XVII secolo fu l'italiano Lorenzo Bernini (1598-1680). Tra le sue sculture più famose ricordiamo le scene mitologiche del rapimento di Proserpina da parte del dio degli inferi Plutone e della miracolosa trasformazione della ninfa Dafne in un albero, perseguitata dal dio della luce Apollo, nonché il gruppo dell'altare “L'Estasi di Santa Teresa” in una delle chiese romane. L'ultimo di loro, con le sue nuvole scolpite nel marmo e gli abiti dei personaggi come svolazzanti nel vento, con sentimenti teatralmente esagerati, esprime in modo molto accurato le aspirazioni degli scultori di quest'epoca.

In Spagna, durante l'epoca barocca, predominavano le sculture in legno; per una maggiore verosimiglianza, erano realizzate con occhi di vetro e persino una lacrima di cristallo; spesso sulla statua venivano messi abiti veri.

Barocco in letteratura

Scrittori e poeti dell'epoca barocca percepivano il mondo reale come un'illusione e un sogno. Le descrizioni realistiche erano spesso combinate con la loro rappresentazione allegorica. Simboli, metafore, tecniche teatrali sono ampiamente utilizzati, immagini grafiche(i versi della poesia formano un quadro), ricchezza di figure retoriche, antitesi, parallelismi, gradazioni, ossimori. C'è un atteggiamento burlesque-satirico nei confronti della realtà. La letteratura barocca è caratterizzata da un desiderio di diversità, una somma di conoscenze sul mondo, di inclusività, di enciclopedismo, che a volte si trasforma in caos e raccolta di curiosità, un desiderio di studiare l'esistenza nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo e eternità). L'etica barocca è segnata da una brama per il simbolismo della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, la vita come sogno (F. de Quevedo, P. Calderon). La commedia di Calderon "La vita è un sogno" è famosa. Si stanno sviluppando anche generi come il romanzo eroico-galante (J. de Scudéry, M. de Scudéry), il romanzo quotidiano e satirico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Nell'ambito dello stile barocco, nascono le sue varietà e direzioni: il marinismo, il gongorismo (culteranismo), il concettismo (Italia, Spagna), la scuola metafisica e l'eufuismo (Inghilterra) (vedi Letteratura di precisione).

L'azione dei romanzi è spesso trasferita nel mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i gentiluomini e le dame di corte sono raffigurati come pastorelle e pastorelle, che si chiama pastorale (Honoré d'Urfe, “Astraea”). La pretenziosità e l'uso di metafore complesse fioriscono nella poesia. Le forme comuni includono il sonetto, il rondò, i concetti (una breve poesia che esprime qualche pensiero spiritoso) e i madrigali.

In Occidente, un rappresentante di spicco nel campo del romanzo è G. Grimmelshausen (il romanzo “Simplicissimus”), nel campo del dramma - P. Calderon (Spagna). Nella poesia divennero famosi V. Voiture (Francia), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora y Argote (Spagna), D. Donne (Inghilterra). In Russia, la letteratura barocca comprende S. Polotsky, F. Prokopovich. In Francia durante questo periodo fiorì la “letteratura preziosa”. Veniva poi coltivato soprattutto nel salone di Madame de Rambouillet, uno dei salotti aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso. In Spagna, il movimento barocco in letteratura fu chiamato “gongorismo” dal nome del suo rappresentante più importante (vedi sopra).

Nella letteratura tedesca la tradizione barocca è mantenuta ancora oggi dai membri della comunità letteraria Blumenorden. Si riuniscono in estate per i festival letterari nel bosco dell'Irrhein vicino a Norimberga.L'associazione è stata organizzata nel 2010 dal poeta Philipp Harsdörfer con l'obiettivo di restaurare e preservare la lingua tedesca, gravemente danneggiata durante la Guerra dei Trent'anni

Musica barocca

La musica barocca apparve alla fine del Rinascimento e precedette la musica dell'era classica.

La moda barocca

Innanzitutto, quando era ancora un bambino (fu incoronato all'età di 5 anni), chiamavano le giacche corte reggiseno, riccamente decorato con pizzo. Poi sono entrati di moda i pantaloni, rinasce, simile ad una gonna, ampia, anch'essa riccamente decorata con pizzi, che durò a lungo. Più tardi è apparso justocor(dal francese si può tradurre: “esattamente secondo il corpo”). Questo è un tipo di caftano, lungo fino al ginocchio, in quest'epoca veniva indossato abbottonato, con una cintura indossata sopra. Sotto il caftano indossavano una canotta senza maniche. Il caftano e la canotta possono essere paragonati alla giacca e al gilet successivi, che sarebbero diventati 200 anni dopo. Il collare del justocor era inizialmente rivolto verso il basso, con le estremità semicircolari protese verso il basso. Successivamente è stato sostituito da una balza. Oltre ai pizzi, sugli abiti c'erano tantissimi fiocchi, tutta una serie di fiocchi sulle spalle, sulle maniche e sui pantaloni. In un'epoca precedente, sotto Luigi XIII, erano popolari gli stivali ( stivali). Si tratta di un tipo di scarpa da campo; di solito venivano indossate dalla classe militare. Ma a quel tempo c'erano guerre frequenti e gli stivali venivano indossati ovunque, anche ai balli. Continuarono ad essere indossati sotto Luigi XIV, ma solo per lo scopo previsto: sul campo, nelle campagne militari. In un ambiente civile, le scarpe venivano prima di tutto. Fino al 1670 erano decorati con fibbie, poi le fibbie furono sostituite da fiocchi. Furono chiamate fibbie riccamente decorate agrafo.

Barocco all'interno

Lo stile barocco è caratterizzato da un lusso ostentato, sebbene conservi una caratteristica così importante dello stile classico come la simmetria.

La pittura è sempre stata popolare e nello stile barocco è diventata semplicemente necessaria, poiché gli interni richiedevano molto colore e dettagli ampi e riccamente decorati. Il soffitto affrescato, i marmi dipinti e le pareti dorate erano più apprezzati che mai. All'interno venivano spesso usati colori contrastanti: spesso si trovavano pavimenti in marmo che ricordavano una scacchiera. L'oro era ovunque e tutto ciò che poteva essere dorato era dorato. Nessun angolo della casa è stato lasciato incustodito durante la decorazione.

I mobili erano vere e proprie opere d'arte e sembravano destinati esclusivamente alla decorazione d'interni. Sedie, divani e poltrone erano rivestiti con tessuti costosi e riccamente colorati. Erano comuni enormi letti a baldacchino con copriletti fluenti e armadi giganti. Gli specchi erano decorati con sculture e stucchi con motivi floreali. Il noce del sud e l'ebano di Ceylon erano spesso usati come materiali per i mobili.

Lo stile barocco non è adatto a stanze piccole, poiché mobili e decorazioni massicci occupano molto spazio e affinché la stanza non sembri un museo, deve esserci molto spazio libero. Ma anche in una stanza piccola puoi ricreare lo spirito di questo stile, limitandoti alla stilizzazione utilizzando alcuni dettagli barocchi, come:

figurine e vasi con ornamenti floreali;
arazzi alle pareti;
specchiera entro cornice dorata con stucchi;
sedie con schienale intagliato, ecc.

È importante che le parti utilizzate siano combinate tra loro, altrimenti l'interno apparirà appiccicoso e insapore.

Barocco (Barocco italiano - "bizzarro", "strano", "incline all'eccesso", port. perola barroca - "perla di forma irregolare" - caratteristico dell'Europa Culture XVII-XVIII secoli.

Età barocca

L'era barocca dà origine a un'enorme quantità di tempo per l'intrattenimento: invece dei pellegrinaggi, il lungomare (passeggiate nel parco); invece dei tornei cavallereschi - "caroselli" (gite a cavallo) e giochi di carte; invece delle rappresentazioni misteriose c'è un teatro e un ballo in maschera. Puoi anche aggiungere l'aspetto di altalene e "divertimento con il fuoco" (fuochi d'artificio). Negli interni, ritratti e paesaggi hanno preso il posto delle icone e la musica si è trasformata da spirituale in un piacevole gioco di suoni.

Caratteristiche barocche

L'uomo barocco

L'uomo barocco rifiuta la naturalezza, che si identifica con la ferocia, la mancanza di cerimonie, la tirannia, la brutalità e l'ignoranza. La donna barocca valorizza la sua pelle pallida e indossa un'acconciatura innaturale ed elaborata, un corsetto e una gonna allargata artificialmente con una cornice di stecche di balena. Indossa i tacchi.

E l'uomo ideale nell'era barocca diventa un cavaliere, un gentiluomo - dall'inglese. gentile: “morbido”, “gentile”, “calmo”. Preferisce radersi baffi e barba, indossare profumo e indossare parrucche incipriate. A che serve la forza se ora si uccide premendo il grilletto di un moschetto?

Galileo prima punta un telescopio verso le stelle e dimostra la rotazione della Terra attorno al Sole (1611), mentre Leeuwenhoek scopre minuscoli organismi viventi al microscopio (1675). Enormi velieri solcano le distese degli oceani del mondo, cancellando punti bianchi sulle mappe geografiche del mondo. Viaggiatori e avventurieri divennero i simboli letterari dell'epoca.

Barocco nella scultura

La scultura è parte integrante dello stile barocco. Il più grande scultore e architetto riconosciuto del XVII secolo era un italiano Lorenzo Bernini(1598-1680). Tra le sue sculture più famose ci sono le scene mitologiche del rapimento di Proserpina da parte del dio degli inferi Plutone e la miracolosa trasformazione della ninfa Dafne in un albero, perseguitata dal dio della luce Apollo, oltre a un gruppo d'altare "L'estasi di Santa Teresa" in una delle chiese romane. L'ultimo di loro, con le sue nuvole scolpite nel marmo e gli abiti dei personaggi come svolazzanti nel vento, con sentimenti teatralmente esagerati, esprime in modo molto accurato le aspirazioni degli scultori di quest'epoca.

Barocco in architettura

Per l'architettura barocca ( L. Bernini, F. Borromini in Italia, BF Rastrell e in Russia, Jan Christoph Glaubitz nel Commonwealth polacco-lituano) sono caratterizzati da portata spaziale, unità e fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. Spesso si trovano colonnati di grandi dimensioni, abbondanza di sculture sulle facciate e negli interni, volute, un gran numero di controventi, facciate ad arco con rinforzi centrali, colonne bugnate e lesene. Le cupole assumono forme complesse, spesso a più livelli, come quelle della Cattedrale di San Pietro a Roma. Dettagli caratteristici barocchi: telamone (Atlante), cariatide, mascherone.

Barocco all'interno

Lo stile barocco è caratterizzato da un lusso ostentato, sebbene conservi una caratteristica così importante dello stile classico come la simmetria.

La pittura murale (uno dei tipi di pittura monumentale) è stata utilizzata nella decorazione degli interni europei fin dai primi tempi del cristianesimo. La sua massima diffusione è avvenuta in epoca barocca. Gli interni utilizzavano molto colore e dettagli ampi e riccamente decorati: un soffitto decorato con affreschi, pareti e parti di decorazioni in marmo, dorature. erano caratteristici contrasti di colore- ad esempio, un pavimento in marmo decorato con piastrelle a scacchiera. Le ampie decorazioni dorate erano una caratteristica di questo stile.

I mobili erano un'opera d'arte ed erano destinati quasi esclusivamente alla decorazione d'interni. Sedie, divani e poltrone erano rivestiti con tessuti costosi e riccamente colorati. Erano molto diffusi letti enormi con baldacchino e copriletti fluenti e armadi giganti. Gli specchi erano decorati con sculture e stucchi con motivi floreali. Il noce del sud e l'ebano di Ceylon erano spesso usati come materiali per i mobili.

Lo stile barocco non è adatto ai piccoli spazi, poiché mobili e decorazioni massicci occupano una grande quantità di spazio.

La moda barocca

La moda dell'epoca barocca corrisponde in Francia al periodo del regno di Luigi XIV, la seconda metà del XVII secolo. Questo è il tempo dell’assolutismo. A corte regnavano un'etichetta rigorosa e cerimonie complesse. Il costume era soggetto all'etichetta. La Francia era un trendsetter in Europa, quindi altri paesi adottarono rapidamente la moda francese. Questo fu il secolo in cui in Europa si affermò una moda generale e le caratteristiche nazionali passarono in secondo piano o furono preservate nel costume popolare contadino. Prima di Pietro I, i costumi europei erano indossati anche da alcuni aristocratici in Russia, anche se non ovunque.

Il costume era caratterizzato da rigidità, splendore e abbondanza di decorazioni. L'uomo ideale era Luigi XIV, il "Re Sole", un abile cavaliere, ballerino e tiratore scelto. Era basso, quindi indossava i tacchi alti.

Barocco nella pittura

Michelangelo Merisi (1571-1610), così soprannominato dal suo paese natale vicino Milano Caravaggio, è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che crearono alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura. I suoi dipinti su soggetti religiosi ricordano scene realistiche della vita contemporanea dell’autore, creando un contrasto tra la tarda antichità e i tempi moderni. Gli eroi sono raffigurati in una luce crepuscolare, da cui raggi di luce strappano i gesti espressivi dei personaggi, delineandone in modo contrastante le caratteristiche. Seguaci e imitatori di Caravaggio, che inizialmente furono chiamati Caravaggisti, e il movimento stesso fu chiamato Caravaggismo, come Annibale Carracci(1560-1609) o Guido Reni(1575-1642), adottò il tripudio di sentimenti e i modi caratteristici di Caravaggio, così come il suo naturalismo nel rappresentare persone ed eventi.