ترجمه ژانر سمفونی. اصول سازنده سمفونی. هیچ قانون بدون استثنا وجود ندارد

24.02.2019

سمفونی به یاد ماندنی ترین شکل است موسیقی بدون کلام. علاوه بر این، این بیانیه برای هر دوره صادق است - و برای آثار کلاسیک وینی، و برای رمانتیک ها، و برای آهنگسازان گرایش های بعدی ...

الکساندر مایکاپار

ژانر موسیقی: سمفونیک

کلمه سمفونی از کلمه یونانی "سمفونی" گرفته شده است و معانی مختلفی دارد. متکلمان این را راهنمایی برای استفاده از کلمات موجود در کتاب مقدس می نامند. این اصطلاح توسط آنها به عنوان رضایت و توافق ترجمه شده است. نوازندگان این کلمه را به عنوان همخوان ترجمه می کنند.

موضوع این مقاله سمفونی به عنوان یک ژانر موسیقی است. به نظر می رسد که در زمینه موسیقی، اصطلاح سمفونی دارای چندین معانی مختلف است. بنابراین، باخ قطعات فوق‌العاده خود را برای سمفونی‌های کلاویه نامید، به این معنی که آنها یک ترکیب هارمونیک، ترکیبی - همخوانی - از چندین (در این مورد، سه) صدا را نشان می‌دهند. اما این استفاده از این اصطلاح قبلاً در زمان باخ - در نیمه اول قرن هجدهم - یک استثنا بود. علاوه بر این ، در کار خود باخ ، او موسیقی با سبکی کاملاً متفاوت را نشان داد.

و اکنون به موضوع اصلی مقاله خود نزدیک می شویم - به سمفونی به عنوان یک اثر ارکسترال چند قسمتی بزرگ. به این معنا، سمفونی در حدود سال 1730 ظاهر شد، زمانی که مقدمه ارکسترال اپرا خود را از خود اپرا جدا کرد و به یک اپرا مستقل تبدیل شد. کار ارکسترال، بر اساس اورتور سه قسمتی از نوع ایتالیایی.

قرابت سمفونی با اورتور نه تنها در این واقعیت آشکار می شود که هر یک از سه بخش اورتور: سریع-آهسته-سریع (و حتی گاهی اوقات یک مقدمه آهسته برای آن) به یک سمفونی مستقل تبدیل شده است. قسمت مجزا، بلکه از این نظر که اورتور به سمفونی ایده تضاد مضامین اصلی (به عنوان یک قاعده، اصول مردانه و زنانه) داد و بنابراین سمفونی را با ملزومات موسیقی اعطا کرد. فرم های بزرگتنش دراماتیک (و دراماتیک)، دسیسه.

اصول سازنده سمفونی

کوه هایی از کتاب ها و مقالات موسیقی شناسی به تجزیه و تحلیل فرم سمفونی، تکامل آن اختصاص یافته است. مواد هنری، که توسط ژانر سمفونی نمایش داده می شود، هم از نظر کمیت و هم از نظر تنوع فرم بسیار بزرگ است. در اینجا می توانیم کلی ترین اصول را مشخص کنیم.

1. سمفونی به یاد ماندنی ترین شکل موسیقی دستگاهی است. علاوه بر این، این بیانیه برای هر دوره ای صادق است - و برای کار کلاسیک های وینی، و برای رمانتیک ها، و برای آهنگسازان گرایش های بعدی. به عنوان مثال، سمفونی هشتم (1906) اثر گوستاو مالر، که از نظر هنری باشکوه بود، برای تعداد زیادی - حتی بر اساس ایده‌های اوایل قرن بیستم - از بازیگران نوشته شد: یک ارکستر سمفونیک بزرگ با 22 بادی چوبی و 17 موسیقی بادی گسترش یافت. ابزار مسینت شامل دو گروه کر مختلط و یک گروه کر پسرانه نیز می باشد. به این هشت سولیست (سه سوپرانو، دو آلتو، تنور، باریتون و باس) و یک ارکستر پشت صحنه اضافه شده است. اغلب از آن به عنوان "سمفونی هزار شرکت کننده" یاد می شود. برای اجرای آن باید صحنه حتی سالن های کنسرت بسیار بزرگ را بازسازی کرد.

2. از آنجایی که یک سمفونی یک اثر چند موومانی است (سه و اغلب چهار و گاهی حتی پنج موومان، مثلاً پاستورال بتهوون یا خارق العاده برلیوز)، واضح است که چنین فرمی باید فوق العاده مفصل باشد تا یکنواختی و یکنواختی را کنار بگذارد. (سمفونی یک موومانی بسیار نادر است، نمونه آن سمفونی شماره 21 ن. میاسکوفسکی است.)

یک سمفونی همیشه حاوی تصاویر، ایده ها و مضامین موسیقایی زیادی است. آنها به نوعی بین قطعات توزیع می شوند که به نوبه خود از یک سو با یکدیگر تضاد دارند و از سوی دیگر یکپارچگی بالاتری را تشکیل می دهند که بدون آن سمفونی به عنوان یک اثر واحد درک نمی شود.

برای ارائه ایده ای از ترکیب قطعات سمفونی، اطلاعاتی در مورد چندین شاهکار ارائه می دهیم ...

موتزارت سمفونی شماره 41 "مشتری"، در ماژور
I. Allegro vivace
II. آندانته کانتابیله
III. منوتو آلگرتو-تریو
IV. مولتو آلگرو

بتهوون سمفونی شماره 3 در ماژور E Flat، Op. 55 ("قهرمانانه")
I. Allegro conbrio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. فینال: Allegro molto، Poco Andante

شوبرت سمفونی شماره 8 در ب مینور (به اصطلاح "ناتمام")
I. آلگرو مودراتو
II. Andante con moto

برلیوز. سمفونی فوق العاده
I. رویاها. Passions: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. توپ: Valse. آلگرو غیر تروپو
III. صحنه میدانی: آداجیو
IV. حرکت به سوی اعدام: Allegretto non troppo
V. رویا در شب شنبه: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

بورودین. سمفونی شماره 2 "Bogatyrskaya"
I. آلگرو
II. شرزو. Prestissimo
III. آندانته
IV. فینال. آلگرو

3. پیچیده ترین در طراحی قسمت اول است. در یک سمفونی کلاسیک معمولاً به اصطلاح به شکل سونات نوشته می شود. آلگرو. ویژگی این فرم این است که حداقل دو موضوع اصلی با هم برخورد می کنند و در آن توسعه می یابند که در کلی ترین اصطلاح می توان از آن به عنوان بیان کننده مذکر یاد کرد (این مضمون معمولاً نامیده می شود. حزب اصلی، از آنجایی که برای اولین بار در کلید اصلی اثر می گذرد و زنانه (این مهمانی جانبی- در یکی از کلیدهای اصلی مرتبط به صدا در می آید). این دو موضوع اصلی به نوعی به هم مرتبط هستند و انتقال از اصلی به جانبی نامیده می شود حزب پیوند دهندهارائه تمام این مطالب موسیقایی معمولاً پایان خاصی دارد که به این قسمت گفته می شود بازی نهایی.

اگر به یک سمفونی کلاسیک با توجهی گوش دهیم که به ما امکان می دهد فوراً این عناصر ساختاری را از اولین آشنایی با یک ترکیب مشخص تشخیص دهیم، در جریان قسمت اول، اصلاحاتی از این مضامین اساسی را خواهیم یافت. با پیشرفت فرم سونات، برخی از آهنگسازان - که بتهوون اولین آنها بود - توانستند عناصر زنانه را در درون مایه یک شخصیت مردانه و بالعکس شناسایی کنند و در مسیر توسعه این مضامین، آنها را به طرق مختلف «روشن» کنند. این، شاید، درخشان ترین - هم هنری و هم منطقی - تجسم اصل دیالکتیک باشد.

کل قسمت اول سمفونی به صورت سه قسمتی ساخته شده است که در آن ابتدا مضامین اصلی به شنونده ارائه می شود، گویی به نمایش گذاشته شده است (به همین دلیل است که این بخش را نمایشگاه می نامند)، سپس آنها دستخوش تحول و دگرگونی می شوند (بخش دوم توسعه است) و در نهایت باز می گردند - یا به شکل اصلی خود، یا با کیفیتی جدید (تکرار). این کلی ترین طرحی است که در آن هر یک از آهنگسازان بزرگ چیزی از خود را ارائه کردند. بنابراین، ما با دو ساخت یکسان، نه تنها از آهنگسازان مختلف، بلکه همچنین از یک آهنگ، مواجه نخواهیم شد. (البته اگر در مورد خالقان بزرگ صحبت می کنیم.)

4. پس از اولین موومان معمولاً متلاطم یک سمفونی، مطمئناً باید جایی برای موسیقی غنایی، آرام و عالی، در یک کلام، در حرکت آهسته وجود داشته باشد. در ابتدا، این دومین موومان سمفونی بود و یک قانون نسبتاً سخت تلقی می شد. در سمفونی های هایدن و موتسارت، حرکت آهسته دقیقاً دوم است. اگر در یک سمفونی فقط سه قسمت وجود داشته باشد (مثل دهه 1770 موتزارت)، بخش آهسته واقعاً میانه است. اگر سمفونی چهار قسمتی باشد، در سمفونی‌های اولیه، یک مینوئت بین حرکت آهسته و فینال سریع قرار می‌گرفت. بعدها، با شروع بتهوون، مینوئت با یک اسکرو سریع جایگزین شد. با این حال، آهنگسازان در مقطعی تصمیم گرفتند از این قاعده عدول کنند و سپس بخش آهسته در سمفونی سوم شد و اسکرو به قسمت دوم تبدیل شد، همانطور که در سمفونی بوگاتیر اثر A. Borodin می بینیم (دقیقاً می شنویم).

5. پایان سمفونی های کلاسیک با یک حرکت پر جنب و جوش با ویژگی های رقص و آواز، اغلب در یک روح مردمی مشخص می شود. گاهی اوقات پایان یک سمفونی به یک آپوتئوزی واقعی تبدیل می شود، مانند سمفونی نهم بتهوون (Op. 125)، که در آن گروه کر و خوانندگان تک نواز به سمفونی معرفی شدند. اگرچه این یک نوآوری برای ژانر سمفونی بود، اما برای خود بتهوون نبود: حتی قبل از آن او فانتزیا را برای پیانو، گروه کر و ارکستر ساخته بود (اپس 80). این سمفونی شامل قصیده "به شادی" اثر F. Schiller است. پایان آن چنان در این سمفونی مسلط است که سه موومان پیش از آن به عنوان مقدمه ای بزرگ برای آن تلقی می شود. اجرای این پایان با ندای آن "بغل، میلیون ها!" در افتتاحیه اجلاس عمومی سازمان ملل - بهترین بیانآرمان های اخلاقی بشر!

سازندگان بزرگ سمفونی

جوزف هایدن

جوزف هایدن عمر طولانی (1732-1809) داشت. نیم قرن عمر او فعالیت خلاقبا دو شرایط مهم ترسیم شده است: مرگ جی. اس. باخ (1750) که به دوران چندصدایی پایان داد و اولین نمایش سومین سمفونی («قهرمانانه») بتهوون که آغاز عصر رمانتیسیسم بود. در طول این پنجاه سال فرم های موسیقی قدیمی - توده، اوراتوریو و کنسرتو گروسو- با موارد جدید جایگزین شدند: سمفونی، سونات و کوارتت زهی. مکان اصلی که اکنون آثار نوشته شده در این ژانرها به صدا در می آمد مانند قبل کلیساها و کلیساهای جامع نبود، بلکه کاخ های اشراف و اشراف بود که به نوبه خود منجر به تغییر ارزش های موسیقی شد - شعر و بیان ذهنی به مد آمد.

در همه این ها هایدن پیشگام بود. اغلب - اگرچه به اندازه کافی درست نیست - او را "پدر سمفونی" می نامند. برخی آهنگسازان، مانند یان استامیتز و دیگر نمایندگان مکتب به اصطلاح مانهایم (مانهایم در اواسط قرن هجدهم، ارگ سمفونیزم اولیه بود)، خیلی زودتر از هایدن، شروع به ساختن سمفونی های سه موومان کرده بودند. با این حال، هایدن این شکل را به سطح بسیار بالاتری رساند و راه آینده را نشان داد. آثار اولیه او مهر تأثیر سی.اف.ای باخ را دارند، در حالی که آثار بعدی او سبکی کاملاً متفاوت را پیش بینی می کنند - بتهوون.

در عین حال، قابل توجه است که او شروع به خلق آهنگ هایی کرد که با پشت سر گذاشتن نقطه عطف چهل ساله خود اهمیت موسیقایی مهمی به دست آورد. باروری، تنوع، غیرقابل پیش بینی بودن، شوخ طبعی، خلاقیت - این چیزی است که هایدن را از سطح هم عصرانش بالاتر می برد.

بسیاری از سمفونی های هایدن عنوان هایی دریافت کرده اند. من چند مثال می زنم.

A. Abakumov. بازی در نقش هایدن (1997)

سمفونی معروف شماره 45 "خداحافظ" (یا "سمفونی در نور شمع") نام داشت: در آخرین صفحات پایانی سمفونی، نوازندگان یکی یکی از نواختن دست می کشند و صحنه را ترک می کنند، تنها دو ویولون باقی می ماند که سمفونی را با یک آکورد پرسشی کامل می کنند. لا - اف شارپ. خود هایدن به نسخه ای نیمه طنز از منشاء سمفونی گفت: شاهزاده نیکولای استرهازی یک بار برای مدت بسیار طولانی به نوازندگان ارکستر از استرهاز به آیزنشتات، جایی که خانواده هایشان زندگی می کردند، نگذاشت. هایدن که مایل به کمک به زیردستان خود بود، نتیجه سمفونی "خداحافظی" را در قالب اشاره ای ظریف به شاهزاده نوشت - درخواستی برای تعطیلات که در تصاویر موسیقی بیان می شود. اشاره فهمیده شد و شاهزاده دستورات لازم را داد.

در عصر رمانتیسم، ماهیت طنز سمفونی فراموش شد و آنها شروع به وقف آن کردند. حس تراژیک. شومان در سال 1838 در مورد نوازندگانی که شمع های خود را خاموش می کردند و صحنه را در فینال سمفونی ترک می کردند نوشت: "و هیچ کس به این موضوع نخندید، زیرا زمانی برای خنده وجود نداشت."

سمفونی شماره 94 "با ضربه تیمپانی، یا غافلگیری" به دلیل تأثیر طنز در حرکت آهسته نام خود را به دست آورد - حال و هوای صلح آمیز آن با ضربه تند تیمپانی شکسته می شود. شماره 96 «معجزه» به دلیل شرایط تصادفی به این نام تبدیل شد. در کنسرتی که قرار بود هایدن این سمفونی را رهبری کند، حاضران با ظاهر او از وسط سالن به سمت ردیف های اول آزاد هجوم بردند و وسط خالی بود. در آن لحظه، درست در مرکز سالن، یک لوستر فرو ریخت، تنها دو شنونده به طور جزئی مجروح شدند. در سالن شعارهایی شنیده می شد: «معجزه! معجزه!" خود هایدن به شدت تحت تأثیر نجات ناخواسته بسیاری از افراد قرار گرفت.

نام سمفونی شماره 100 "نظامی"، برعکس، اصلا تصادفی نیست - قسمت های افراطی آن، با سیگنال ها و ریتم های نظامی خود، به وضوح تصویری موسیقایی از اردوگاه ترسیم می کنند. حتی Minuet در اینجا (قسمت سوم) یک انبار "ارتش" نسبتاً بی‌نقص است. گنجاندن زبان ترکی سازهای کوبه ایدر موسیقی این سمفونی عاشقان موسیقی لندن را به وجد آورد (ر.ک. راهپیمایی ترکی موتزارت).

شماره 104 "سالومون": آیا این ادای احترام به امپرساریو نیست - جان پیتر سالومون، که کارهای زیادی برای هایدن انجام داد؟ درست است، خود سالومون، به لطف هایدن، آنقدر معروف شد که در کلیسای وست مینستر به خاک سپرده شد، همانطور که روی سنگ قبر او نشان داده شده بود «به دلیل آوردن هایدن به لندن». بنابراین، سمفونی را باید دقیقاً «با آلومون»، و نه «سلیمان»، که گاهی در آن یافت می‌شود برنامه های کنسرت، که به نادرستی شنوندگان را به سمت پادشاه کتاب مقدس سوق می دهد.

ولفگانگ آمادئوس موتزارت

موتزارت اولین سمفونی خود را در هشت سالگی و آخرین سمفونی خود را در سی و دو سالگی نوشت. تعداد کل آنها بیش از پنجاه است، اما چندین جوان حفظ نشده یا هنوز کشف نشده است.

اگر نصیحت آلفرد انیشتین، بزرگترین دانشمند موتزارت را بپذیرید و این عدد را تنها با 9 سمفونی بتهوون یا چهار سمفونی برامس مقایسه کنید، بلافاصله مشخص می شود که مفهوم ژانر سمفونی برای این آهنگسازان متفاوت است. اما اگر از بین موتزارت سمفونی‌های او را انتخاب کنیم که واقعاً مانند سمفونی‌های بتهوون خطاب به یک مخاطب ایده‌آل خاص، به عبارت دیگر، برای کل بشریت است. انسانیت، سپس معلوم می شود که موتزارت نیز بیش از ده سمفونی از این دست نوشته است (همان انیشتین از "چهار یا پنج" صحبت می کند!). "پراگ" و سه سمفونی 1788 (شماره 39، 40، 41) کمک شگفت انگیزی به گنجینه سمفونی جهان است.

از این سه سمفونی آخر، سمفونی میانی، شماره 40، شناخته شده ترین است. از نظر محبوبیت، فقط سریال Little Night Serenade و Overture to opera Le nozze di Figaro می توانند با آن رقابت کنند. اگرچه تعیین دلایل محبوبیت همیشه دشوار است، اما یکی از آنها در این مورد ممکن است انتخاب کلید باشد. این سمفونی در G مینور نوشته شده است - چیزی نادر برای موتزارت که کلیدهای ماژور شاد و شاد را ترجیح می داد. از چهل و یک سمفونی، فقط دو سمفونی نوشته شده است کلید فرعی(این بدان معنا نیست که موتزارت در سمفونی های اصلی موسیقی مینور ننوشته است).

کنسرتوهای پیانوی او آمار مشابهی دارند: از بیست و هفت کنسرتو، تنها دو عدد کلید اصلی را به صورت جزئی دارند. با توجه به روزهای سیاهی که این سمفونی در آن ساخته شد، ممکن است به نظر برسد که انتخاب کلید از قبل تعیین شده بود. با این حال، چیزی بیشتر از غم و اندوه روزمره یک فرد مجرد در این خلقت وجود دارد. باید به خاطر داشت که در آن دوران، آهنگسازان آلمانی و اتریشی به طور فزاینده ای در دام ایده ها و تصاویر روند زیبایی شناختی در ادبیات به نام «طوفان و درنگ» بودند.

نام جنبش جدید توسط درام Sturm und Drang اثر F. M. Klinger (1776) داده شد. تعداد زیادی درام با شخصیت های بسیار آتشین و اغلب متناقض ظاهر شده اند. آهنگسازان همچنین مجذوب این ایده بودند که با صداها شدت دراماتیک احساسات، مبارزات قهرمانانه را بیان کنند که اغلب در آرزوی ایده آل های غیرقابل تحقق بودند. جای تعجب نیست که در این فضا، موتزارت نیز به کلیدهای فرعی روی آورد.

برخلاف هایدن، که همیشه مطمئن بود سمفونی‌های او اجرا می‌شود – چه قبل از شاهزاده استرهازی و چه مانند سمفونی‌های لندن، قبل از تماشاگران لندنی – موتزارت هرگز چنین تضمینی نداشت، و علی‌رغم این، او بسیار پرکار بود. اگر سمفونی‌های اولیه او اغلب سرگرم‌کننده یا به قولی «سبک» هستند، سمفونی‌های بعدی او «برجستگی برنامه» هر کنسرت سمفونیکی هستند.

لودویگ ون بتهوون

بتهوون 9 سمفونی نوشت. احتمالاً تعداد کتاب‌های آنها بیشتر از یادداشت‌های موجود در این میراث است. بزرگترین سمفونی های او عبارتند از سوم (ال ماژور، "قهرمانانه")، پنجم (سی مینور)، ششم (ف ماژور، "پاستورال")، نهم (د مینور).

... وین، 7 مه 1824. اولین سمفونی نهم. اسناد به جا مانده گواه آنچه در آن زمان رخ داده است. اعلام اولین نمایش آتی از قبل قابل توجه بود: «آکادمی بزرگ موسیقی، با تنظیم آقای لودویگ ون بتهوون، فردا، 7 مه برگزار می شود.<...>Mademoiselle Sontag و Mademoiselle Unger و آقایان Heitzinger و Seipelt به عنوان تک نواز اجرا خواهند کرد. کنسرت ارکستر آقای شوپانزیگ و رهبر ارکستر آقای املاف است.<...>آقای لودویگ ون بتهوون شخصاً در کارگردانی کنسرت شرکت خواهد کرد."

این رهبری در نهایت منجر به این شد که بتهوون خودش سمفونی را رهبری کند. اما چگونه ممکن است این اتفاق بیفتد؟ از این گذشته ، در آن زمان بتهوون قبلاً ناشنوا بود. بیایید به اظهارات شاهدان عینی بپردازیم.

جوزف بوم، ویولونیست ارکستر که در آن کنسرت تاریخی شرکت کرد، نوشت: «بتهوون خودش را رهبری کرد، یا بهتر است بگوییم، او در مقابل کنسول رهبر ارکستر ایستاد و مانند یک دیوانه اشاره کرد. - او دراز شد، سپس تقریباً چمباتمه زد، بازوهایش را تکان داد و پاهایش را تکان داد، انگار خودش می خواست همه سازها را همزمان بزند و برای کل گروه کر بخواند. در واقع املاف مسئول همه چیز بود و ما نوازندگان فقط چوب او را تماشا می کردیم. بتهوون آنقدر هیجان زده بود که کاملاً متوجه اتفاقات اطرافش نشد و به طوفان تشویق ها که به دلیل کاهش شنوایی به سختی به هوش آمد توجهی نکرد. در پایان هر شماره باید به او می گفتم دقیقا چه زمانی برگردد و از تماشاگران به خاطر تشویق ها تشکر کنم که او خیلی ناجور انجام داد.

در پایان سمفونی، هنگامی که کف زدن از قبل رعد و برق بود، کارولین آنگر به بتهوون نزدیک شد، به آرامی دست او را متوقف کرد - او همچنان به رهبری ادامه داد، بدون اینکه متوجه شود اجرا به پایان رسیده است! و به سمت اتاق برگشت. سپس برای همه آشکار شد که بتهوون کاملاً ناشنوا بود ...

موفقیت بسیار زیاد بود. مداخله پلیس برای پایان دادن به تشویق ها لازم بود.

پیتر ایلیچ چایکوفسکی

در ژانر سمفونی P.I. چایکوفسکی شش اثر خلق کرد. آخرین سمفونی - ششم، در ب مینور، Op. 74 - به نام او "رقت انگیز".

در فوریه 1893، چایکوفسکی طرحی برای سمفونی جدیدی ارائه کرد که به سمفونی ششم تبدیل شد. او در یکی از نامه‌ها می‌گوید: «در طول سفر به فکر سمفونی دیگری افتادم... با چنین برنامه‌ای که برای همه معمایی خواهد ماند... این برنامه آغشته‌ترین برنامه به ذهنیت است و اغلب در طول سفر با ساختن ذهنی آن، گریه زیادی می‌کردم.»

سمفونی ششم توسط آهنگساز خیلی سریع ضبط شد. به معنای واقعی کلمه در یک هفته (4 تا 11 فوریه) او کل قسمت اول و نیمی از دوم را ضبط کرد. سپس کار برای مدتی با سفر از کلین، جایی که آهنگساز در آن زمان زندگی می کرد، به مسکو قطع شد. با بازگشت به کلین، از 17 فوریه تا 24 فوریه روی قسمت سوم کار کرد. سپس یک استراحت دیگر وجود داشت و در نیمه دوم مارس آهنگساز پایان و قسمت دوم را به پایان رساند. ارکستراسیون باید تا حدودی به تعویق بیفتد زیرا چایکوفسکی چندین سفر دیگر را برنامه ریزی کرده بود. در 12 آگوست، ارکستراسیون به پایان رسید.

اولین اجرای سمفونی ششم در 16 اکتبر 1893 در سن پترزبورگ به سرپرستی نویسنده اجرا شد. چایکوفسکی بعد از اولین نمایش نوشت: «یک اتفاق عجیب با این سمفونی در حال رخ دادن است! اینطور نبود که او آن را دوست نداشته باشد، اما باعث سردرگمی شد. در مورد من، من بیش از هر آهنگ دیگری به آن افتخار می کنم. وقایع بعدی غم انگیز بود: نه روز پس از اولین نمایش سمفونی، پی چایکوفسکی به طور ناگهانی درگذشت.

وی. باسکین، نویسنده اولین بیوگرافی چایکوفسکی، که هم در اولین اجرای سمفونی و هم در اولین اجرای آن پس از مرگ آهنگساز، زمانی که ای. ناپرونیک رهبری می کرد (این اجرا تبدیل به یک پیروزی شد) حضور داشت، نوشت: "ما به یاد می آوریم حال و هوای غم انگیزی را که در تالار مجلس اشراف حاکم بود، زمانی که برای دومین سمپونی در تاریخ 6 نوامبر اجرا شد. اولین اجرا زیر دست خود چایکوفسکی. در این سمفونی که متأسفانه به آهنگ قو آهنگساز ما تبدیل شد، او نه تنها از نظر محتوا، بلکه از نظر فرم نیز تازگی داشت. به جای معمول آلگرویا Prestoآن شروع می شود آداجیو لامنتوسوشنونده را در غمگین ترین حالت قرار می دهد. در آن آداجیوآهنگساز، همانطور که بود، با زندگی خداحافظی می کند. تدریجی morendo(ایتالیایی - محو شدن) کل ارکستر ما را به یاد پایان معروف "هملت" انداخت: " بقیه ساکت هستند"(بیشتر - سکوت)".

ما فقط توانستیم به طور خلاصه در مورد چند شاهکار موسیقی سمفونیک صحبت کنیم و علاوه بر این، بافت موسیقی واقعی را کنار بگذاریم، زیرا چنین گفت وگویی مستلزم صدای واقعی موسیقی است. اما حتی از این داستان روشن می شود که سمفونی به عنوان یک ژانر و سمفونی به عنوان آفریده های روح انسان منبع ارزشمندی از بالاترین لذت هستند. دنیای موسیقی سمفونیک وسیع و تمام نشدنی است.

بر اساس مطالب مجله "هنر" شماره 08/2009

روی پوستر: تالار بزرگ فیلارمونیک آکادمیک سن پترزبورگ به نام D. D. Shostakovich. توری هوانگ (پیانو، ایالات متحده آمریکا) و ارکستر سمفونیک آکادمیک فیلارمونیک (2013)

در میان تعداد زیاد ژانرهای موسیقیو فرم ها، یکی از ارجمندترین مکان ها متعلق به سمفونی است. این ژانر که به عنوان یک ژانر سرگرمی پدید آمده است، از ابتدای قرن نوزدهم تا به امروز، بسیار حساس و کامل است، مانند هیچ نوع دیگری. هنر موسیقی، زمان آن را منعکس می کند. سمفونی‌های بتهوون و برلیوز، شوبرت و برامس، مالر و چایکوفسکی، پروکوفیف و شوستاکوویچ، بازتاب‌هایی در مقیاس بزرگ درباره عصر و شخصیت، تاریخ بشر و شیوه‌های جهان است.

چرخه سمفونیک، همانطور که ما آن را از بسیاری از نمونه های کلاسیک و معاصر می شناسیم، تقریباً دویست و پنجاه سال پیش شکل گرفت. با این حال، در این دوره کوتاه تاریخی، ژانر سمفونی راه درازی را پیموده است. طول و اهمیت این مسیر دقیقاً با این واقعیت تعیین شد که سمفونی تمام مشکلات زمان خود را جذب کرد ، توانست منعکس کننده پیچیده ، متناقض ، پر از تحولات عظیم عصر باشد و احساسات ، رنج ها ، مبارزات مردم را تجسم بخشد. کافی است زندگی جامعه را در اواسط قرن هجدهم تصور کنیم - و سمفونی های هایدن را به یاد بیاوریم. تحولات بزرگ اواخر قرن 18 و اوایل قرن 19 و سمفونی های بتهوون که آنها را منعکس می کرد. واکنش در جامعه، ناامیدی - و سمفونی های عاشقانه؛ در نهایت، تمام وحشت هایی که بشر باید در قرن بیستم تحمل کند - و سمفونی های بتهوون را با سمفونی های شوستاکوویچ مقایسه کنید تا به وضوح این مسیر وسیع و گاه تراژیک را ببینید. اکنون تعداد کمی از مردم به یاد دارند که آغاز چگونه بود، منشأ این پیچیده ترین ژانرهای صرفاً موسیقیایی که به هنرهای دیگر مربوط نمی شد، چه بود.

بیایید نگاهی گذرا به اروپای موزیکال اواسط قرن هجدهم بیندازیم.

در ایتالیا، کشور کلاسیک هنر، مدبر همه کشورهای اروپایی، اپرا سلطنت می کند. به اصطلاح سریال اپرا ("جدی") غالب است. هیچ تصویر فردی روشن در آن وجود ندارد، هیچ تصویر واقعی وجود ندارد اقدام دراماتیک. مجموعه اپرا یک تناوب از حالات ذهنی مختلف است که در شخصیت های شرطی تجسم یافته است. او بخش ضروری- آریایی که این حالات در آن منتقل می شوند. آریاهای خشم و انتقام، آریا-شکایت (لمنتو)، آریاهای آهسته سوگوار و براوورای شادی بخش وجود دارد. این آریاها به قدری تعمیم یافته بودند که می توانستند از اپرایی به اپرای دیگر منتقل شوند بدون اینکه آسیبی به اجرا وارد شود. در واقع، آهنگسازان اغلب این کار را می کردند، به خصوص زمانی که مجبور بودند چندین اپرا در فصل بنویسند.

ملودی عنصر سریال اپرا شد. هنر مشهور بل کانتو ایتالیایی در اینجا در بالاترین سطح خود قرار دارد. در آریاها، آهنگسازان به اوج واقعی تجسم یک حالت خاص رسیده اند. عشق و نفرت، شادی و ناامیدی، خشم و غم توسط موسیقی چنان واضح و قانع‌کننده منتقل می‌شد که برای فهمیدن اینکه خواننده درباره چه می‌خواند نیازی به شنیدن اشعار نبود. این، در اصل، سرانجام راه را برای موسیقی بدون متن، که برای تجسم طراحی شده بود، هموار کرد احساسات انسانیو اشتیاق

از میان‌بازی‌ها - درج صحنه‌هایی که بین اعمال سریال اپرا و محتوای غیر مرتبط با آن انجام می‌شود - خواهر شاد آن، اپرای کمیک بوف، برخاست. او که از نظر محتوا دموکراتیک بود (قهرمانان آن قهرمانان اساطیری، پادشاهان و شوالیه ها نبودند، بلکه مردم عادی از مردم بودند)، او عمداً خود را با هنر دربار مخالفت کرد. اپرا-باف با طبیعی بودن، سرزندگی عمل، بی واسطه بودن زبان موسیقی، که اغلب به طور مستقیم با فرهنگ عامه مرتبط است، متمایز بود. این شامل پیچش های زبان آوازی، رنگاراتوری کمیک پارودیک، ملودی های رقص پر جنب و جوش و سبک بود. فینال کنش‌ها مانند گروه‌هایی پیش می‌رفت که در آن بازیگران گاهی اوقات به یکباره آواز می‌خواندند. گاهی اوقات چنین فینالی ها "درهم" یا "گیج" نامیده می شدند، عمل به سرعت در آنها غلت می خورد و فتنه گیج کننده بود.

موسیقی دستگاهی نیز در ایتالیا توسعه یافت، و مهمتر از همه ژانری که بیشترین ارتباط را با اپرا داشت - اورتور. به عنوان مقدمه ای ارکسترال برای اجرای اپرا، مضامین موسیقی روشن و گویا را از اپرا وام گرفته است، شبیه ملودی های آریا.

اورتور ایتالیایی آن زمان شامل سه بخش بود - سریع (آلگرو)، آهسته (آداجیو یا آندانته) و دوباره سریع، اغلب Minuet. آنها آن را sinfonia - ترجمه از یونانی - همخوانی نامیدند. با گذشت زمان، اوورتورها نه تنها در تئاتر قبل از باز شدن پرده، بلکه به طور جداگانه به عنوان آهنگ های ارکسترال مستقل اجرا شدند.

در پایان قرن هفدهم و آغاز قرن هجدهم، کهکشان درخشانی از ویولونیست‌های فاضل در ایتالیا ظاهر شد که در همان زمان آهنگسازانی با استعداد بودند. ویوالدی، یوملی، لوکاتلی، تارتینی، کورلی و دیگران که کاملاً بر ویولن تسلط داشتند - یک ساز موسیقی که می توان آن را با صدای انسان در بیان آن مقایسه کرد - یک رپرتوار ویولن گسترده ای ایجاد کردند که عمدتاً از قطعاتی که سونات نامیده می شدند (از سونار ایتالیایی - به صدا). در آنها، مانند سونات های کلاویه دومنیکو اسکارلاتی، بندتو مارچلو و دیگر آهنگسازان، برخی ویژگی های ساختاری مشترک ایجاد شد که سپس به سمفونی منتقل شد.

متفاوت شکل گرفته است زندگی موسیقیفرانسه. موسیقی مرتبط با کلام و عمل از دیرباز در آنجا مورد علاقه بوده است. هنر باله بسیار توسعه یافته بود. نوع خاصی از اپرا پرورش داده شد - تراژدی غنایی، مشابه تراژدی های کورنیل و راسین، که نشانی از زندگی خاص دربار سلطنتی، آداب آن، جشن های آن داشت.

آهنگسازان فرانسوی هنگام خلق نمایشنامه های دستگاهی به سمت طرح، برنامه، تعریف کلامی موسیقی گرایش پیدا کردند. "کلاه پرنده"، "دروگر"، "دف" - قطعات به اصطلاح هارپسیکورد، که یا طرح های سبک یا پرتره های موسیقی بودند - "برازنده"، "مهربان"، "سخت کوش"، "لمسی".

آثار بزرگتر، متشکل از چندین بخش، منشأ خود را در رقص دنبال کردند. الماند سختگیر آلمانی، متحرک، مانند زنگ کشویی فرانسوی، ساراباند با شکوه اسپانیایی و گیگ تند - رقص آتشین ملوانان انگلیسی - از دیرباز در اروپا شناخته شده است. آنها اساس ژانر سوئیت ابزاری (از مجموعه فرانسوی - سکانس) بودند. اغلب رقص های دیگری در مجموعه گنجانده می شد: مینوئت، گاووت، پولونیز. قبل از آلماند، یک پیش درآمد مقدماتی به صدا در می آمد؛ در وسط سوئیت، حرکت رقص اندازه گیری شده گاهی اوقات توسط یک آریا آزاد قطع می شد. اما ستون فقرات سوئیت چهار رقص متنوع است مردمان مختلف- مطمئناً در یک سکانس بدون تغییر حضور داشت و چهار حالت مختلف را ترسیم می کرد و شنونده را از حرکت آرام آغاز به پایان هیجان انگیز هیجان انگیز هدایت می کرد.

سوئیت ها توسط آهنگسازان بسیاری نوشته شده است و نه تنها در فرانسه. یوهان سباستین باخ بزرگ نیز ادای احترام قابل توجهی به آنها کرد، که با نام او، و همچنین با فرهنگ موسیقی آن زمان آلمان به طور کلی، بسیاری از ژانرهای موسیقی مرتبط است.

در کشورهای زبان آلمانی، یعنی پادشاهی‌ها، حکومت‌ها و اسقف‌های آلمانی متعدد (پروس، باواریا، ساکسون و غیره)، و همچنین در مناطق مختلف امپراتوری چندملیتی اتریش، که در آن زمان شامل "مردم موسیقیدان" نیز می‌شد - جمهوری چک که توسط هابسبورگ به بردگی گرفته شده بود - موسیقی دستگاهی از دیرباز پرورش یافته است. در هر شهر کوچک، شهر یا حتی روستایی نوازندگان ویولن و ویولن سل وجود داشت، عصرها قطعات تکنوازی و گروهی که توسط آماتورها با شور و شوق نواخته می شد به صدا درآمد. مراکز موسیقی معمولاً به کلیساها و مدارس وابسته به آنها تبدیل می شدند. معلم معمولاً یک ارگ نواز کلیسا نیز بود که در تعطیلات به بهترین شکل ممکن فانتزی های موسیقی را اجرا می کرد. در مراکز بزرگ پروتستان آلمان، مانند هامبورگ یا لایپزیگ، اشکال جدیدی از موسیقی نیز در حال شکل گیری بود: کنسرت های ارگ در کلیساهای جامع. در این کنسرت ها پیش درآمدها، فانتزی ها، واریاسیون ها، تنظیم های کرال و از همه مهمتر فوگ به صدا درآمد.

فوگ پیچیده ترین نوع موسیقی چندصدایی است که در آثار جی.اس. باخ و هندل. نام آن از لاتین فوگا - دویدن گرفته شده است. این یک قطعه پلی فونیک بر اساس یک موضوع واحد است که از صدا به صدا حرکت می کند. در این حالت به هر خط ملودیک صدا می گویند. بسته به تعداد چنین خطوطی، فوگ می تواند سه، چهار، پنج صدای و غیره باشد. در قسمت میانی فوگ، پس از اینکه مضمون به طور کامل در همه صداها به صدا درآمد، شروع به توسعه می کند: یا ابتدای آن ظاهر می شود و دوباره ناپدید می شود، سپس گسترش می یابد (هر یک از نت های تشکیل دهنده آن دو برابر طولانی می شود) و به آن می گویند منقبض می شود - در این کاهش می یابد. ممکن است در درون یک تم، حرکات ملودیک نزولی صعودی شود و بالعکس (مضمونی در گردش). حرکت ملودیک از یک کلید به کلید دیگر حرکت می کند. و در بخش پایانی فوگ - Reprise - موضوع دوباره بدون تغییر به نظر می رسد، همانطور که در ابتدا، به لحن اصلی نمایش باز می گردد.

یک بار دیگر به یاد بیاورید: ما در مورد اواسط قرن هجدهم صحبت می کنیم. انفجاری در بطن فرانسه اشرافی در حال وقوع است که به زودی سلطنت مطلقه را از بین خواهد برد. زمان جدیدی خواهد آمد. در این میان، حالات انقلابی تنها به طور ضمنی آماده می شود، متفکران فرانسوی با نظم موجود مخالفت می کنند. آنها خواهان برابری همه مردم در برابر قانون هستند، ایده های آزادی و برادری را اعلام می کنند.

هنر که منعکس کننده تغییرات در زندگی اجتماعی است، به تغییرات در فضای سیاسی در اروپا حساس است. نمونه آن کمدی های جاودانه بومارشه است. این در مورد موسیقی نیز صدق می کند. در حال حاضر، در پیچیده و پر حادثه اهمیت تاریخیدوره ای در اعماق ژانرها و فرم های قدیمی و قدیمی موسیقی، ژانر جدید و واقعاً انقلابی به نام سمفونی متولد می شود. از نظر کیفی و اساساً متفاوت می شود، زیرا نوع جدیدی از تفکر را تجسم می بخشد.

باید فکر کرد که تصادفی نیست که با داشتن پیش نیازهایی در مناطق مختلف اروپا، سرانجام ژانر سمفونی در کشورهای آلمانی زبان شکل گرفت. در ایتالیا، اپرا هنر ملی بود. در انگلستان، روح و معنای فرآیندهای تاریخی که در آنجا اتفاق می‌افتد، به‌طور کامل در سخنرانی‌های گئورگ هندل، آلمانی متولد شده که آهنگساز ملی انگلیسی شد، منعکس شد. در فرانسه، هنرهای دیگری به منصه ظهور رسیدند، به ویژه ادبیات و تئاتر، ملموس تر، به طور مستقیم و قابل فهم ایده های جدیدی را بیان می کردند که جهان را به هیجان می آورد. آثار ولتر، «الویز جدید» روسو، «نامه‌های فارسی» مونتسکیو در قالبی پوشیده اما کاملاً قابل درک، نقدی تند از نظم موجود به خوانندگان ارائه می‌کرد و نسخه‌های خاص خود را از ساختار جامعه ارائه می‌کرد.

وقتی بعد از چندین دهه نوبت به موسیقی رسید، این آهنگ وارد صفوف سپاهیان انقلاب شد. بارزترین نمونه این آهنگ آواز ارتش راین است که یک شبه توسط افسر روجر د لیزل ساخته شد و با نام مارسی به شهرت جهانی رسید. پس از آهنگ، موسیقی جشن های دسته جمعی و مراسم عزاداری ظاهر شد. و بالاخره به اصطلاح «اپرای رستگاری» که مضمون آن آزار یک قهرمان یا قهرمان توسط یک ستمگر و نجات آنها در پایان اپرا بود.

از سوی دیگر، سمفونی هم برای شکل گیری و هم برای درک کامل، شرایط کاملا متفاوتی را می طلبید. "مرکز ثقل" اندیشه فلسفی که به طور کامل منعکس شد جوهره عمیقتغییرات اجتماعی آن دوران، به دور از طوفان های اجتماعی، خود را در آلمان یافت.

در آنجا نظام‌های فلسفی جدید خود را ایجاد کردند، ابتدا کانت و بعداً هگل. مانند سیستم های فلسفی، سمفونی - فلسفی ترین و دیالکتیکی ترین ژانر خلاقیت موسیقایی - سرانجام در جایی شکل گرفت که فقط پژواک های دور از رعد و برق های آینده می رسید. به علاوه، جایی که سنت‌های پایدار موسیقی دستگاهی توسعه یافته است.

مانهایم، پایتخت رای دهندگان باواریایی قزاقستان، به یکی از مراکز اصلی ظهور ژانر جدید تبدیل شد. اینجا، در دادگاه درخشان الکتور کارل تئودور، در دهه 40-50 قرن 18، یک ارکستر عالی، شاید بهترین ارکستر اروپا در آن زمان، نگهداری می شد.

در آن زمان، ارکستر سمفونیک تازه شکل می گرفت. و در کلیساهای دربار و در کلیساهای جامع، گروه های ارکستر با ترکیب پایدار وجود نداشت. همه چیز به وسیله ای که حاکم یا قاضی در اختیار داشت، به سلیقه کسانی که می توانستند فرمان دهند بستگی داشت. ارکستر در ابتدا فقط یک نقش کاربردی را ایفا می کرد که یا اجراهای درباری یا جشن ها را همراهی می کرد تشریفات رسمی. و اول از همه به عنوان یک گروه اپرا یا کلیسا در نظر گرفته می شد. در ابتدا، ارکستر شامل ویول، عود، چنگ، فلوت، ابوا، هورن و طبل بود. به تدریج، ترکیب گسترش یافت، تعداد سازهای زهی. با گذشت زمان، ویولن ها جایگزین ویل باستانی شدند و به زودی جایگاه پیشرو در ارکستر را به خود اختصاص دادند. برنج ابزار چوبی- فلوت ها، ابوا، باسون ها - در یک گروه جداگانه متحد شدند و مسی ها ظاهر شدند - لوله ها، ترومبون ها. هارپسیکورد که اساس هارمونیک صدا را ایجاد می کند، یک ساز اجباری در ارکستر بود. او معمولاً توسط رهبر ارکستر تعقیب می شد که در حین نواختن، در همان زمان دستور ورود را می داد.

در پایان قرن هفدهم گروه های سازکه در دربار اشراف وجود داشت، رواج یافت. هر یک از شاهزادگان کوچک متعدد آلمان تکه تکه شده می خواستند کلیسای کوچک خود را داشته باشند. توسعه سریع ارکسترها آغاز شد، روش های جدیدی برای نوازندگی ارکستر به وجود آمد.

ارکستر مانهایم شامل 30 ساز زهی، 2 فلوت، 2 ابوا، کلارینت، 2 باسون، 2 ترومپت، 4 بوق، تیمپانی بود. این ستون فقرات ارکستر مدرن است، آهنگسازی که بسیاری از آهنگسازان دوره بعدی آثار خود را برای آن خلق کردند. رهبری این ارکستر را یان واسلاو استامیتز، نوازنده برجسته چک، آهنگساز و ویولونیست برجسته بر عهده داشت. در میان هنرمندان ارکستر، بزرگ‌ترین نوازندگان زمان خود، نه تنها نوازندگان برجسته، بلکه آهنگسازان با استعداد فرانتس زاور ریشتر، آنتون فیلز و دیگران نیز حضور داشتند. آنها سطح عالی تسلط اجرای ارکستر را تعیین کردند، که به دلیل ویژگی های شگفت انگیزش مشهور شد - یکنواختی قبلی دست نیافتنی ضربات ویولن، بهترین درجه بندی سایه های پویا که قبلاً اصلاً استفاده نمی شد.

به گفته منتقد معاصر Bossler، "رعایت دقیق پیانو، فورته، رینفورزاندو، رشد تدریجی و تشدید صدا و سپس کاهش قدرت آن به صدایی به سختی قابل شنیدن - همه اینها فقط در مانهایم شنیده می شد." یک دوستدار موسیقی انگلیسی که در اواسط قرن هجدهم به اروپا سفر کرد، برنی، او را تکرار می‌کند: «این ارکستر خارق‌العاده فضا و جنبه‌های کافی دارد تا تمام قابلیت‌هایش را نشان دهد و جلوه‌ای عالی ایجاد کند. اینجا بود که استامیتز، با الهام از آثار یوملی، برای اولین بار فراتر از اورتورهای معمولی اپرا رفت ... تمام جلوه هایی که چنین انبوهی از صداها می توانند تولید کنند امتحان شدند. در اینجا بود که کرشندو و دیمینوندو متولد شدند و پیانو که قبلاً عمدتاً به عنوان اکو استفاده می شد و معمولاً مترادف با آن بود و فورته شناخته شد. رنگ های موسیقیسایه های خاص خود را دارند ... "

در این ارکستر بود که برای اولین بار سمفونی های چهار قسمتی به صدا درآمد - آهنگ هایی که بر اساس یک نوع ساخته شده بودند و دارای الگوهای مشترک بودند که بسیاری از ویژگی های ژانرها و فرم های موسیقی از قبل موجود را جذب می کرد و آنها را به شکل کیفی متفاوتی در می آورد. وحدت جدید

آکوردهای اول قاطع و پر صدا هستند و گویی توجه را جلب می کنند. سپس حرکات گسترده و گسترده. دوباره آکوردهایی که با حرکت آرپژی جایگزین می شوند، و سپس - ملودی سرزنده، کشسان، مانند بهار در حال باز شدن. به نظر می‌رسد که می‌تواند بی‌پایان باز شود، اما سریع‌تر از آنچه شایعه می‌خواهد می‌رود: مانند مهمانی که در یک پذیرایی بزرگ به صاحبان خانه معرفی می‌شود، از آنها دور می‌شود و جای خود را به دیگرانی که دنبال می‌کنند می‌دهد. بعد از یک لحظه حرکت عمومیظاهر می شود موضوع جدید- ملایم تر، زنانه، غنایی. اما طولانی به نظر نمی رسد، در معابر حل می شود. پس از مدتی، ما دوباره موضوع اول را داریم که کمی تغییر کرده است، در یک کلید جدید. جریان موسیقی به سرعت جریان می یابد و به کلید اصلی و اصلی سمفونی باز می گردد. موضوع دوم به طور ارگانیک در این جریان ادغام می شود و اکنون از نظر شخصیت و حالت به موضوع اول نزدیک می شود. قسمت اول سمفونی با آکوردهای شادی آور تمام می شود.

قسمت دوم، آندانته، به آرامی و آهنگین باز می شود و بیانی بودن سازهای زهی را آشکار می کند. این نوعی آریا برای ارکستر است که در آن غزل و مراقبه مرثیه غالب است.

موومان سوم یک مینوت زیبا و شجاعانه است. این احساس آرامش، آرامش را ایجاد می کند. و سپس، مانند یک گردباد آتشین، پایان آتش زا می ترکد. به طور کلی، سمفونی آن زمان چنین است. منشأ آن بسیار واضح است. قسمت اول بیشتر یادآور یک اورتور اپرا است. اما اگر اورتور فقط آستانه اجرا باشد، در اینجا خود کنش در صداها آشکار می شود. تصاویر موزیکال معمولی اپرا اورتور - هیاهوهای قهرمانانه، لمنتوهای لمس کننده، شادی وحشیانه بوفون ها - با موقعیت های صحنه خاصی مرتبط نبودند و ویژگی های فردی مشخصی نداشتند (به یاد بیاوریم که حتی اورتور معروف آرایشگر سویل روسینی هیچ ربطی به محتوای اپرای ندارد و در ابتدا برای یک اپرای مستقل نوشته شده بود). آنها به راحتی در سمفونی اولیه شناخته می شوند - آهنگ های شجاعانه آریایی های قهرمانانه در مضامین اول، به نام اصلی، آه های ملایم آریاهای غنایی در تم های دوم - به اصطلاح جانبی -.

اصول اپرا نیز بر بافت سمفونی تأثیر می گذارد. اگر قبلاً در موسیقی دستگاهی، چند صدایی غالب بود، یعنی چند صدایی، که در آن چندین ملودی مستقل، در هم تنیده، به طور همزمان به صدا در می آمدند، چند صدایی از نوع متفاوت در اینجا شروع به توسعه کرد: یک ملودی اصلی (اغلب ویولن)، رسا، قابل توجه، همراه با همراهی که آن را آغاز می کند، بر فردیت آن تأکید می کند. این نوع چندصدایی که هوموفونیک نامیده می شود، کاملاً بر سمفونی اولیه تسلط دارد. بعدها، تکنیک هایی که از فوگ به عاریت گرفته شده اند در سمفونی ظاهر می شوند. با این حال، در اواسط قرن 18 می توان آن را با فوگ مقایسه کرد. به عنوان یک قاعده، یک موضوع وجود داشت (فوگ های دوتایی، سه گانه و بیشتر وجود دارد، اما در آنها مضامین مخالف نیستند، بلکه با هم مقایسه می شوند). او بارها خودش را تکرار کرد، اما هیچ چیز با او مخالفت نکرد. در اصل، این یک بدیهیات بود، تزی که مکرراً بدون نیاز به اثبات مطرح شد. برعکس در سمفونی: در ظاهر و تغییرات بعدی متفاوت تم های موسیقیو تصاویر شنیده می شود اختلافات، تناقضات. شاید این بارزترین نشانه روزگار باشد. حقیقت دیگر داده نشده است. نیاز به جست و جو، اثبات، اثبات با مقایسه نظرات مختلف، روشن شدن دیدگاه های مختلف است. این کاری است که دایره المعارف ها در فرانسه انجام می دهند. فلسفه آلمانی بر این اساس است، به ویژه، روش دیالکتیکیهگل و روح دوران جستجو در موسیقی منعکس شده است.

بنابراین، سمفونی چیزهای زیادی از اورتور اپرا گرفت. به ویژه، اصل متناوب بخش های متضاد در اورتور مشخص شد که در سمفونی به بخش های مستقل تبدیل شد. در بخش اول آن - جنبه های مختلف، احساسات مختلف یک فرد، زندگی در حرکت، توسعه، تغییرات، تضادها و درگیری ها. در بخش دوم - انعکاس، تمرکز، گاهی اوقات - اشعار. در سوم - آرامش، سرگرمی. و در نهایت، پایان - تصاویر سرگرم کننده، شادی، و در عین حال - نتیجه پیشرفت موسیقی، تکمیل چرخه سمفونیک.

چنین سمفونی به نظر می رسد اوایل XIXقرن، به طور کلی، به عنوان مثال، در برامس یا بروکنر خواهد بود. و در زمان تولد، ظاهراً بسیاری از قطعات را از سوئیت قرض گرفته است.

آلمانده، کورانته، سارابنده و گیگ چهار رقص اجباری، چهار حالت مختلف هستند که در سمفونی های اولیه به راحتی قابل ردیابی هستند. رقص‌پذیری در آنها بسیار واضح بیان می‌شود، به‌ویژه در فینال‌ها، که اغلب به دلیل ماهیت ملودی، تمپو و حتی امضای زمان شبیه یک جیگ هستند. درست است، گاهی اوقات پایان یک سمفونی به فینال درخشان یک اپرا-بوفا نزدیکتر است، اما حتی در این صورت هم خویشاوندی آن با یک رقص، به عنوان مثال، یک تارانتلا، غیرقابل انکار است. در مورد قسمت سوم، آن را مینوئت می نامند. تنها در آثار بتهوون، اسکرزو جایگزین درباری شجاع یا رقص عامیانه بی‌ادبانه خواهد شد.

بنابراین، سمفونی تازه متولد شده ویژگی های بسیاری از ژانرهای موسیقی را جذب کرد، علاوه بر این، ژانرهای متولد شده در کشورهای مختلفاوه و شکل گیری سمفونی نه تنها در مانهایم اتفاق افتاد. مدرسه وین وجود داشت که به ویژه توسط واگنسیل نمایندگی می شد. در ایتالیا، جیووانی باتیستا سامارتینی آثار ارکسترال را نوشت، که آنها را سمفونی نامید و برای اجرای کنسرت در نظر گرفته بود، نه با اجرای اپرا. در فرانسه، آهنگساز جوان، بلژیکی الاصل، فرانسوا-ژوزف گوسک، به ژانر جدید روی آورد. سمفونی های او با استقبال و شناخت مواجه نشد، زیرا موسیقی فرانسوی تحت سلطه برنامه نویسی بود، با این حال، کار او در توسعه سمفونی فرانسوی، در به روز رسانی و گسترش نقش داشت. ارکستر سمفونی. آهنگساز چک فرانتیسک میچا که زمانی در وین خدمت می کرد، در جستجوی فرم سمفونیک بسیار و با موفقیت آزمایش کرد. هموطن معروف او جوزف میسلویچکا آزمایش های جالبی داشت. با این حال، همه این آهنگسازان تنها بودند، و یک مدرسه کامل در مانهایم تشکیل شد، که علاوه بر این، یک "ساز" درجه یک - ارکستر معروف - در اختیار داشت. به‌خاطر این مناسبت مبارک که برگزیدگان قزاقستان عاشق بزرگ موسیقی بود و بودجه کافی برای پرداخت هزینه‌های هنگفت آن را داشت، موسیقی‌دانان بزرگی از کشورهای مختلف - اتریشی‌ها و چک‌ها، ایتالیایی‌ها و پروس‌ها - در پایتخت این کشور گرد هم آمدند که هر کدام در ایجاد یک سبک جدید سهیم بودند. در آثار یان استامیتز، فرانتس ریشتر، کارلو توشی، آنتون فیلز و دیگر استادان، سمفونی در ویژگی های اصلی خود پدید آمد، که سپس به آثار کلاسیک وین - هایدن، موتسارت، بتهوون منتقل شد.

بنابراین، در طول نیم قرن اول وجود ژانر جدید، یک مدل ساختاری و نمایشی واضح ایجاد شده است که می تواند محتوای متنوع و بسیار قابل توجهی را در خود جای دهد. اساس این مدل فرم بود که سونات یا سونات آلگرو نامیده می شد، زیرا اغلب با این تمپو نوشته می شد و بعداً برای سمفونی و سونات ها و کنسرتوهای دستگاهی مشخص شد. ویژگی آن در کنار هم قرار گرفتن مضامین مختلف و اغلب متضاد موسیقی است. سه بخش اصلی فرم سونات - نمایش، توسعه و تکرار - شبیه طرح، توسعه اکشن و پایان است. درام کلاسیک. پس از یک مقدمه کوتاه یا مستقیماً در ابتدای نمایشگاه، «شخصیت‌های» نمایشنامه از مقابل شنوندگان عبور می‌کنند.

اولین تم موسیقی که در کلید اصلی اثر به صدا در می آید، اصلی نامیده می شود. اغلب - موضوع اصلی، اما به درستی - حزب اصلی، زیرا در حزب اصلی، یعنی یک بخش خاص فرم موسیقی، که توسط یک تونالیته و جامعه فیگوراتیو متحد شده بود، با گذشت زمان، نه یک، بلکه چندین مضمون - ملودی متفاوت ظاهر شد. پس از دسته اصلی، در نمونه های اولیه با مقایسه مستقیم، و در نمونه های بعدی از طریق یک دسته اتصال کوچک، یک دسته جانبی شروع می شود. موضوع او یا دو یا سه موضوعات مختلفدر تضاد با اصلی بیشتر اوقات ، قسمت کناری ترانه تر ، نرم و زنانه تر است. به نظر می رسد متفاوت از کلید اصلی، فرعی (از این رو نام حزب). احساس بی ثباتی و گاهی درگیری وجود دارد. نمایش با قسمت پایانی که یا در سمفونی‌های اولیه غایب است به پایان می‌رسد، یا نقشی صرفاً کمکی نوعی نقطه، پرده‌ای پس از اولین اقدام نمایشنامه دارد و متعاقباً با شروع با موتزارت، در کنار تصویر اصلی و فرعی، اهمیت یک تصویر سوم مستقل را پیدا می‌کند.

بخش میانی فرم سونات توسعه است. همانطور که از نام نشان می دهد ، در آن مضامین موسیقی که شنوندگان در نمایشگاه با آنها آشنا شدند (یعنی قبلاً به نمایش گذاشته شد) توسعه یافته ، در معرض تغییرات و توسعه قرار می گیرند. در همان زمان، آنها از موارد جدید، گاهی اوقات نشان داده می شوند طرف های غیر منتظره، اصلاح می شوند ، انگیزه های جداگانه ای از آنها جدا می شود - فعال ترین ، که بعداً با هم برخورد می کنند. توسعه بخش موثری چشمگیر است. در پایان به اوج می رسد، که منجر به تکرار می شود - بخش سوم فرم، نوعی تضعیف درام.

نام این بخش از کلمه فرانسوی reprendre - تمدید می آید. این یک تجدید است، یک تکرار نمایش است، اما تغییر یافته است: هر دو طرف اکنون در کلید اصلی سمفونی صدا می کنند، گویی با رویدادهای توسعه هماهنگ شده اند. گاهی اوقات تغییرات دیگری در تکرار وجود دارد. به عنوان مثال، می توان آن را کوتاه کرد (بدون هیچ یک از موضوعاتی که در نمایشگاه به نظر می رسد)، آینه ای (ابتدا قسمت کناری به صدا در می آید و تنها پس از آن قسمت اصلی). قسمت اول سمفونی معمولاً با یک کودا به پایان می رسد - نتیجه ای که کلید اصلی و تصویر اصلی سونات آلگرو را تأیید می کند. در سمفونی های اولیه، کدا کوچک است و در اصل، بخش پایانی تا حدودی توسعه یافته است. بعدها، مثلاً با بتهوون، ابعاد قابل توجهی پیدا می کند و به نوعی توسعه دوم تبدیل می شود که در آن یک بار دیگر در مبارزه تأیید می شود.

معلوم شد که این فرم واقعاً جهانی است. از زمان سمفونی و تا به امروز، با موفقیت عمیق ترین محتوا را در بر می گیرد، ثروت پایان ناپذیری از تصاویر، ایده ها، مشکلات را منتقل می کند.

موومان دوم سمفونی کند است. معمولاً این مرکز غزلیات چرخه است. شکل آن متفاوت است. اغلب سه قسمتی است، یعنی دارای بخش های افراطی مشابه و یک بخش میانی متضاد با آنها است، اما می توان آن را به صورت تغییرات یا هر نوع دیگر، تا یک سونات نوشت، که از نظر ساختاری با الگروی اول فقط با سرعت کمتر و توسعه کمتر مؤثر تفاوت دارد.

بخش سوم - در سمفونی های اولیه، مینوئت، و از بتهوون تا امروز - اسکرو - به طور معمول، یک فرم پیچیده سه قسمتی است. محتوای این بخش در طول دهه‌ها از رقص روزمره یا درباری گرفته تا اسکروهای قدرتمند و یادبود قرن نوزدهم و پس از آن، تا تصاویر وحشتناکی از شر، خشونت در چرخه‌های سمفونیک شوستاکوویچ، هونگر و سایر سمفونیست‌های قرن بیستم تغییر یافته و پیچیده شده است. شروع از دوم نیمه نوزدهمقرن، شرزو به طور فزاینده ای با بخش آهسته مکان خود را تغییر می دهد، که مطابق با مفهوم جدید سمفونی، نه تنها به وقایع موومان اول، بلکه به نوعی واکنش معنوی تبدیل می شود. دنیای مجازی scherzo (به ویژه در سمفونی های مالر).

پایانی که حاصل چرخه است، در سمفونی های اولیه بیشتر به صورت سونات روندو نوشته می شود. تناوب اپیزودهای شادی که از شادی می درخشد با رفرین رقص ثابت - چنین ساختاری طبیعتاً از ماهیت تصاویر پایانی، از معنای شناسی آن پیروی می کند. با گذشت زمان، با عمیق شدن مشکلات سمفونی، نظم ساختار پایانی آن شروع به تغییر کرد. فینال ها به شکل سونات، به شکل تغییرات، در ظاهر شدند فرم رایگاندر نهایت، با ویژگی های اوراتوریو (با احتساب گروه کر). تصاویر او نیز تغییر کرده است: نه تنها تأیید زندگی، بلکه گاهی اوقات یک نتیجه تراژیک (سمفونی ششم چایکوفسکی)، آشتی با واقعیت ظالمانه یا فرار از آن به دنیای رویا، توهمات در صد سال گذشته محتوای پایانی چرخه سمفونیک شده است.

اما برگردیم به آغاز راه باشکوه این ژانر. در اواسط قرن هجدهم ظاهر شد و در کار هایدن بزرگ به کمال کلاسیک رسید.

طولانی " موسیقی سمفونیک"در سرویس تیلدا

http://پروژه134743. تیلدا. ws/ صفحه621898.html

موسیقی سمفونیک

آثار موسیقی در نظر گرفته شده برای اجرا توسط یک ارکستر سمفونیک.

گروه های ابزارارکستر سمفونی:

برنج بادی: ترومپت، توبا، ترومبون، ولتورنا.

بادی های چوبی: ابوا، کلارینت، فلوت، باسون.

زه ها: ویولن، ویولا، ویولن سل، کنترباس

سازهای کوبه ای: باس درام، تله درام، تام تام، تیمپانی، سلستا، تنبور، سنج، کاستانتس، ماراکا، گونگ، مثلث، گلوکن اسپیل، زیلوفون

سایر سازهای ارکستر سمفونیک: ارگ، سلستا، هارپسیکورد، هارپ، گیتار، پیانو (پیانو، پیانو).

ویژگی های تامبر سازها

ویولن: ملایم، سبک، روشن، آهنگین، شفاف، گرم

ویولا: مات، نرم

ویولن سل: غنی، ضخیم

کنترباس: کر، خشن، غمگین، ضخیم

فلوت: سوت، سرد

ابوا: بینی، بینی

کلارینت: مات، بینی

باسون: فشرده، غلیظ

شیپور: براق، روشن، سبک، فلزی

شاخ: گرد، نرم

ترومبون: فلزی، تیز، قدرتمند.

طوبی: خشن، ضخیم، سنگین

ژانرهای اصلیموسیقی سمفونیک:

سمفونی، سوئیت، اورتور، شعر سمفونیک

سمفونی

- (از یونانی. سمفونی - همخوانی، توافق)
ژانر پیشرو موسیقی ارکسترال، یک کار چند قسمتی پیچیده و غنی.

ویژگی های سمفونی

این یک ژانر اصلی موسیقی است.
- زمان بازی: از 30 دقیقه تا یک ساعت.

اصلی بازیگرو نوازنده - ارکستر سمفونیک

ساختار سمفونی (فرم کلاسیک)

شامل 4 بخش است که جنبه های مختلف زندگی انسان را در بر می گیرد

1 قسمت

سریع ترین و دراماتیک ترین، گاهی اوقات با یک مقدمه کند. نوشته شده در فرم سونات، با سرعتی سریع (الگرو).

قسمت 2

صلح آمیز، متفکر، اختصاص داده شده به تصاویر صلح آمیز از طبیعت، تجارب غنایی. حالت غم انگیز یا غم انگیز
این در حرکت آهسته به نظر می رسد، به شکل rondo نوشته می شود، کمتر به صورت سونات یا فرم متغیر.

قسمت 3

در اینجا یک بازی، سرگرمی، تصاویری از زندگی مردمی است. این یک اسکرو یا مینوئت به صورت سه قسمتی است.

قسمت 4

فینال سریع در نتیجه همه بخش ها، با یک شخصیت پیروز، موقر و جشن متمایز می شود. به صورت سونات یا به صورت روندو، روندو سونات نوشته شده است.

اما سمفونی هایی با قطعات کمتر (یا بیشتر) وجود دارد. سمفونی های تک موومانی نیز وجود دارد.

سمفونی در آثار آهنگسازان خارجی

- فرانتس جوزف هایدن (1732 - 1809)

108 سمفونی

سمفونی شماره 103 "Timpani Tremolo"

نام آن " با تیمپانی ترمولو"این سمفونی به لطف اولین اندازه دریافت شد، که در آن تیمپانی یک ترمولو (ترمولوی ایتالیایی - لرزان) می نوازد، که یادآور رعد و برق دوردست است،
در صدای مقوی E-flat. اینگونه است که مقدمه هماهنگ آهسته (آداجیو) موومان اول آغاز می شود که شخصیتی عمیقاً متمرکز دارد.

- ولفگانگ آمادئوس موتزارت (1756-1791)

56 سمفونی

سمفونی شماره 40

یکی از معروف ترین سمفونی های موتزارت. این سمفونی به لطف موسیقی غیرمعمول صمیمانه و قابل درک محبوبیت زیادی به دست آورد دامنه ی وسیعشنوندگان
قسمت اول سمفونی مقدمه ندارد، اما بلافاصله با ارائه مضمون قسمت اصلی الگرو آغاز می شود. این موضوع ماهیت آشفته ای دارد. با این حال، آن را با آهنگین و صداقت متمایز است.

- لودویگ ون بتهوون (1770—1827)

9 سمفونی

سمفونی شماره 5

سمفونی با ارائه لاکونیک، مختصر بودن فرم ها، تلاش برای توسعه شگفت زده می شود، به نظر می رسد در یک انگیزه خلاقانه متولد شده است.
بتهوون گفت: «سرنوشت به این ترتیب در خانه ما را می زند.
در مورد میله های باز این قطعه موسیقی بیانگر روشن انگیزه اصلی سمفونی این امکان را فراهم می کند که آن را به عنوان تصویری از مبارزه یک فرد با ضربات سرنوشت تفسیر کنیم. چهار قسمت سمفونی به عنوان مراحلی در این مبارزه ارائه شده است.

- فرانتس شوبرت(1797—1828)

9 سمفونی

سمفونی شماره 8 "ناتمام"

یکی از شاعرانه‌ترین صفحات گنجینه سمفونی جهان، واژه‌ای جسورانه در این پیچیده‌ترین ژانر موسیقی که راه را برای رمانتیسم باز کرد. این اولین درام غزلی-روانی در ژانر سمفونیک است.
مانند سمفونی های آهنگسازان کلاسیک 4 قسمت ندارد و فقط دو قسمت دارد. با این حال، دو بخش از این سمفونی احساس یکپارچگی شگفت انگیز، خستگی.

سمفونی در آثار آهنگسازان روسی

- سرگئی سرگیویچ پروکوفیف (1891— 1953)

7 سمفونی

سمفونی شماره 1 "کلاسیک"

به نام "کلاسیک"، زیرا. سختگیری و منطق فرم کلاسیک قرن هجدهم را حفظ می کند و در عین حال با زبان موسیقی مدرن متمایز می شود.
موسیقی مملو از مضامین تند و "خاردار"، گذرهای سریع است. استفاده از ویژگی های ژانرهای رقص (پولونز، مینوئت، گاووت، گالوپ). تصادفی نیست که آهنگ های رقص با موسیقی سمفونی ساخته شده است.

- دیمیتری دمیتریویچ شوستاکوویچ(1906—1975)

15 سمفونی

سمفونی شماره 7 "لنینگرادسایا"

در سال 1941، با سمفونی شماره 7، آهنگساز به رویدادهای وحشتناک جنگ جهانی دوم که به محاصره لنینگراد اختصاص داشت (سمفونی لنینگراد) پاسخ داد.
شوستاکوویچ نوشت: "سمفونی هفتم شعری است درباره مبارزه ما، درباره پیروزی آینده ما." این سمفونی به عنوان نماد مبارزه با فاشیسم در سراسر جهان به رسمیت شناخته شده است.
ملودی خشک و تند تند تم اصلی، رول بی وقفه درام، احساس هوشیاری، انتظار مضطرب را ایجاد می کند.

- واسیلی سرگیویچ کالینیکوف (1866-1900)

2 سمفونی

سمفونی شماره 1

کالینیکوف نوشتن اولین سمفونی خود را در مارس 1894 آغاز کرد و دقیقاً یک سال بعد، در مارس 1895 به پایان رسید.
این سمفونی به وضوح ویژگی های استعداد آهنگساز - گشودگی روحی، بی واسطه بودن، غنای احساسات غنایی را در بر می گیرد. در سمفونی خود، آهنگساز زیبایی و عظمت طبیعت، زندگی روسی را می خواند و تصویر روسیه، روح روسی را از طریق موسیقی روسی به تصویر می کشد.

- پیتر ایلیچ چایکوفسکی (1840—1893)

7 سمفونی

سمفونی شماره 5

مقدمه سمفونی یک راهپیمایی جنازه است. چایکوفسکی در پیش نویس های خود می نویسد: «تحسین کامل از سرنوشت ... برای یک سرنوشت غیر قابل درک.
بنابراین، آهنگساز با یک راه پیچیده غلبه و مبارزه درونی، بر خود، بر تردیدها، اختلافات روحی و آشفتگی احساسات خود پیروز می شود.
حامل ایده اصلی یک تم فشرده و ریتمیک الاستیک با جاذبه ای غیرقابل تغییر به صدای اصلی است که در تمام قسمت های چرخه جریان دارد.

"هدف موسیقی لمس قلب هاست"
(یوهان سباستین باخ).

"موسیقی باید از دل مردم آتش بزند"
(لودویگ ون بتهوون).

"موسیقی، حتی در وحشتناک ترین موقعیت های دراماتیک، همیشه باید گوش را مجذوب خود کند، همیشه موسیقی باقی بماند."
(ولفگانگ آمادئوس موتزارت).

«ماده موسیقایی، یعنی ملودی، هارمونی و ریتم، قطعا تمام نشدنی است.
موسیقی خزانه‌ای است که هر ملیتی به نفع همگانی در آن مشارکت می‌کند.
(پیتر ایلیچ چایکوفسکی).

هنر بزرگ موسیقی را دوست داشته باشید و مطالعه کنید. شما را باز می کند کل جهاناحساسات بالا، احساسات، افکار. این شما را از نظر معنوی ثروتمندتر می کند. به لطف موسیقی، قدرت های جدیدی را خواهید یافت که قبلاً برای شما ناشناخته بود. زندگی را در رنگ ها و رنگ های جدید خواهید دید"
(دیمیتری دیمیتریویچ شوستاکوویچ).

در پایان دوران باروک، تعدادی از آهنگسازان، مانند جوزپه تورلی (1658-1709)، آثاری را برای ارکستر زهی و باسو پیوسته در سه بخش، با یک سکانس تمپوی سریع آهسته و سریع خلق کردند. اگرچه معمولاً چنین آهنگ‌هایی را «کنسرت» می‌نامیدند، اما آنها هیچ تفاوتی با آثاری به نام "سمفونی" نداشت. به عنوان مثال، تم های رقص در فینال کنسرتوها و سمفونی ها استفاده شد. این تفاوت عمدتاً به ساختار قسمت اول چرخه مربوط می شود: در سمفونی ها ساده تر بود - معمولاً یک فرم دو بخشی دوتایی از یک اورتور باروک، سونات و سوئیت (AA BB) است. خود کلمه "سمفونی" از قرن 10th. به معنای همخوانی هماهنگ بود. در اواخر قرن شانزدهم. نویسندگانی مانند جی. گابریلی این مفهوم را برای همخوانی صداها و سازها به کار بردند. بعدها، در موسیقی آهنگسازانی مانند آدریانو بانکیری (1568-1634) و سالومونه روسی (حدود 1570-حدود 1630)، کلمه "سمفونی" به معنای صدای مشترک سازهایی بدون صدا شد. رای. آهنگسازان ایتالیایی قرن هفدهم اغلب با کلمه "سمفونی" (sinfonia) مقدمه های ابزاری برای یک اپرا، اوراتوریو یا کانتاتا مشخص می شود و این اصطلاح از نظر معنایی به مفاهیم "پرلود" یا "اورتور" نزدیک می شود. در حدود سال 1680، در اثر اپرایی A. Scarlatti، نوع سمفونی به عنوان یک آهنگسازی ابزاری در سه بخش (یا قسمت) ایجاد شد که بر اساس اصل "سریع - آهسته - سریع" ساخته شده بود.

سمفونی کلاسیک.

شنوندگان در قرن 18 قطعات ارکسترال را در چند قسمت با تمپوهای مختلف دوست داشت که هم در جلسات خانگی و هم در کنسرت های عمومی اجرا می شد. با از دست دادن کارکرد مقدمه، سمفونی به یک اثر ارکسترال مستقل، معمولاً در سه بخش ("سریع - آهسته - سریع") تبدیل شد. با استفاده از ویژگی‌های سوئیت رقص باروک، اپرا و کنسرتو، تعدادی از آهنگسازان، و بالاتر از همه G.B. Sammartini، مدلی از یک سمفونی کلاسیک را ایجاد کردند - یک ترکیب سه موومان برای یک ارکستر زهی، که در آن حرکات سریع معمولاً به شکل یک فرم ساده روندو یا سونات اولیه به خود می‌گرفتند. به تدریج سازهای دیگری به تار اضافه شد: ابوا (یا فلوت)، بوق، ترومپت و تیمپانی. برای شنوندگان قرن 18. سمفونی با هنجارهای کلاسیک تعریف شد: بافت هموفونیکهارمونی دیاتونیک، تضادهای ملودیک، توالی مشخصی از تغییرات پویا و موضوعی. مراکزی که سمفونی کلاسیک در آن پرورش داده شد، شهر مانهایم آلمان (در اینجا یان استامیتز و سایر نویسندگان چرخه سمفونیک را به چهار بخش گسترش دادند و دو رقص از مجموعه باروک را در آن معرفی کردند - یک مینوئت و یک سه گانه) و وین، جایی که هایدن، موتزارت، بتهوون (و همچنین گئورگن، مونتهوون و همچنین مونتهوون راسئورگن و هم‌چنین گیورگن را پیشین و رقص‌های خود را برجسته کردند). ژانر mpphony به یک سطح جدید.

سمفونی‌های جی. هایدن و دبلیو اِی موتزارت نمونه‌های درخشانی از سبک کلاسیک هستند. بخش ها به وضوح از یکدیگر جدا شده اند، هر کدام مطالب موضوعی خود را دارند. وحدت چرخه با کنار هم قرار دادن لحن و تناوب متفکرانه تمپو و ماهیت مضامین تضمین می شود. سیم‌ها، بادی‌های چوبی، برنجی و تیمپانی ترکیب‌های ساز زیادی را ارائه می‌کنند. شروع غزلی که از نوشتار آوازی اپرایی سرچشمه می گیرد، در مضامین آهسته، بخش های سه گانه در موومان های سوم و مضامین جانبی دیگر موومان ها نفوذ می کند. نقوش دیگر با منشأ اپرا (پرش های اکتاو، تکرار صداها، قطعات مقیاس) اساس موضوعی قطعات سریع می شود. سمفونی های هایدن با شوخ طبعی و نبوغ متمایز می شوند توسعه موضوعیاصالت عبارت، ابزار دقیق، بافت و مضمون; سمفونی های موتزارت با غنای ملودی، انعطاف پذیری، ظرافت هارمونی و کنترپوان استادانه مشخص می شود.

نمونه ای عالی از سمفونی کلاسیک اواخر قرن هجدهم. - سمفونی موتزارت شماره 41 (K. 551، در سی ماژور (1788)، معروف به سیاره مشتری. موسیقی او شامل یک فلوت، دو ابوا، دو باسون، دو بوق، دو ترومپت، تیمپانی و یک گروه زهی (ویولن اول و دوم، ویولا، ویولن سل، کنترباس) است. این سمفونی در چهار موومان است. اولی، Allegro vivace، در یک تمپوی زنده، در کلید C ماژور، در زمان 4/4، به شکل سونات نوشته شد (به اصطلاح شکل سونات آلگرو: مضامین ابتدا در نمایشگاه ظاهر می شوند، سپس در توسعه توسعه می یابند، و به دنبال آن یک تکرار، معمولاً به یک نتیجه ختم می شود - یک کد). قسمت دوم سمفونی موتزارت با تمپوی معتدل (مدراتو)، با کلید فرعی فا ماژور، باز هم به صورت سونات و آهنگین (Andante cantabile) نوشته شده است.

موومان سوم شامل یک مینوئت نسبتاً چابک و یک سه نفر در سی ماژور است. اگرچه هر یک از این دو رقص به شکل دودویی روندو (minuet - AABABA؛ trio - CCDCDC) نوشته شده‌اند، بازگشت مینوئت پس از سه‌گانه به ساختار کلی ساختاری سه‌جانبه می‌دهد. پایان دوباره یک فرم سونات است، با تمپوی بسیار سریع (Molto allegro)، در کلید اصلی سی ماژور. مضامین پایانی که بر روی نقوش لاکونیک ساخته شده اند، انرژی و قدرت را می تاباند. در کد پایانی، تکنیک‌های کنترپوان باخ با مهارت سبک کلاسیک موتزارت ترکیب شده است.

در آثار ال. ون بتهوون، بخش‌های سمفونی از نظر موضوعی بیشتر به هم مرتبط هستند و این چرخه به وحدت بیشتری دست می‌یابد. اصل استفاده از مطالب موضوعی مرتبط در هر چهار موومان، که در سمفونی پنجم بتهوون انجام شد، منجر به ظهور به اصطلاح شد. سمفونی چرخه ای بتهوون اسکرویی سرزنده‌تر و اغلب سرزنده‌تر را جایگزین مینوئت آرام می‌کند. او توسعه موضوعی را به سطح جدیدی ارتقا می دهد و مضامین خود را در معرض انواع تغییرات قرار می دهد، از جمله توسعه متضاد، جداسازی تکه های مضامین، تغییر حالت (مهم - جزئی)، تغییرات ریتمیک. استفاده بتهوون از ترومبون در سمفونی های پنجم، ششم و نهم و گنجاندن صداها در فینال نهم بسیار گویا است. با بتهوون، مرکز ثقل در چرخه از اولین حرکت به پایان تغییر می کند. در فینال های سوم، پنجم، نهم بدون شک اوج چرخه ها هستند. سمفونی های "ویژگی" و برنامه ای بتهوون ظاهر می شود - سوم ( قهرمانانه) و ششم ( معنوی).

سمفونی عاشقانه.

با کار بتهوون، سمفونی وارد عصر جدیدی شد. تغییرات ناگهانی در سرعت مشخصه سبک او، وسعت دامنه پویا، غنای تصویرسازی، فضیلت و درام، گاهی اوقات ظاهر غیرمنتظره و ابهام مضامین - همه اینها راه را برای آهنگسازان دوره رمانتیک باز کرد. آنها با درک عظمت بتهوون، بدون از دست دادن فردیت خود به دنبال راه او بودند. آهنگسازان رمانتیک، که از F. Schubert شروع کردند، با سونات و دیگر فرم ها آزمایش کردند و اغلب آنها را محدود یا گسترش دادند. سمفونی‌های رمانتیک‌ها مملو از تغزل، بیان ذهنی است و با غنای صدا و رنگ‌آمیزی هارمونیک متمایز می‌شود. شوبرت که معاصر بتهوون بود، برای خلق مضامین غنایی و سکانس‌های هارمونیک غیرعادی رسا، استعداد خاصی داشت. هنگامی که منطق و نظم کلاسیک جای خود را به ذهنیت گرایی و غیرقابل پیش بینی بودن ویژگی هنر رمانتیسیسم داد، شکل بسیاری از سمفونی ها وسیع تر و بافت سنگین تر شد.

از سمفونیست های رمانتیک آلمانی می توان به F. Mendelssohn، R. Schumann و I. Brahms اشاره کرد. مندلسون با کلاسیک گرایی خود در زمینه های فرم و تناسب، به ویژه در دوره سوم موفق بود. اسکاتلندی) و چهارم ( ایتالیایی) سمفونی هایی که برداشت های نویسنده از بازدید از این کشورها را منعکس می کرد. سمفونی‌های شومان که تحت تأثیر بتهوون و مندلسون قرار گرفته‌اند، همزمان هم دوره‌ای و هم راپسودیک هستند، به‌ویژه سمفونی سوم. راین) و چهارم. برامس در چهار سمفونی خود، سبک کنترپوان باخ، روش بتهوون، غزلیات شوبرت و حال و هوای شومان را با احترام ترکیب می کند. P.I. Tchaikovsky از تمایل معمول رمانتیک های غربی به برنامه های دقیق برای سمفونی ها و همچنین استفاده از وسایل آوازی در این ژانر اجتناب کرد. سمفونی های چایکوفسکی، ارکستراتور و ملودیست با استعداد، تمایل نویسنده را به ریتم های رقص جلب می کند. سمفونی های یک ملودیست با استعداد دیگر، A. Dvorak، با رویکرد نسبتا محافظه کارانه به فرم سمفونیک، که از شوبرت و برامس اتخاذ شده است، متمایز می شوند. سمفونی های A.P. Borodin که از نظر محتوا عمیقاً ملی و در فرم به یاد ماندنی است.

جی. برلیوز نویسنده شد که در اثر او نوع سمفونی برنامه ای قرن گذشته شکل گرفت که از بسیاری جهات با سمفونی انتزاعی یا به اصطلاح مطلق دوره کلاسیک متفاوت است. در یک سمفونی برنامه، یک روایت روایت می شود، یا یک تصویر نقاشی می شود، یا به طور کلی، عنصری از «اکستراموزیکال» وجود دارد که خارج از خود موسیقی قرار دارد. با الهام از سمفونی نهم بتهوون همراه با کر پایانی آن به کلام شیلر قصیده برای شادیبرلیوز در نقطه عطف خود جلوتر رفت سمفونی فوق العاده(1831)، که در آن هر بخش، همان طور که می‌گفتند، قطعه‌ای از یک روایت زندگی‌نامه‌ای است، و لایتموتیف‌ها-یادآوری‌ها در کل چرخه جریان دارند. از جمله سمفونی های برنامه دیگر آهنگساز - هارولد در ایتالیابه گفته بایرون و رومئو و ژولیتبه گفته شکسپیر، جایی که در کنار سازها، وسایل آوازی نیز به طور گسترده مورد استفاده قرار می گیرد. مانند برلیوز، اف. لیست و آر. واگنر «آوانگارد» دوران خود بودند. اگرچه میل واگنر به ترکیب کلمات و موسیقی، صداها و سازها او را از سمفونی به اپرا سوق داد، اما مهارت باشکوه این نویسنده تقریباً بر تمام آهنگسازان اروپایی نسل بعدی از جمله بروکنر اتریشی تأثیر گذاشت. لیست مانند واگنر یکی از رهبران رمانتیسیسم موسیقی متأخر بود و علاقه او به برنامه نویسی باعث ایجاد آثاری مانند سمفونی شد. فاوستو دانتهو همچنین 12 شعر سمفونیک برنامه. روش های لیست برای دگرگونی های فیگوراتیو مضامین در روند توسعه آنها به شدت بر کار S. Frank و R. Strauss، نویسندگان دوره های بعدی تأثیر گذاشت.

در پایان قرن نوزدهم کار تعدادی از سمفونیست های با استعداد، که در میان آنها هر یک دارای سبک فردی درخشان بودند، مرحله نهایی سنت کلاسیک-رمانتیک را با غلبه فرم سونات و روابط اهنگی خاص مشخص کرد. جی. مالر اتریشی سمفونی را با مضمون گرایی که در آهنگ های خودش سرچشمه می گرفت، در موتیف های رقص اشباع کرد. اغلب او به طور مستقیم قطعاتی از موسیقی محلی، مذهبی یا نظامی را نقل می کرد. چهار سمفونی مالر از گروه کر و تکنواز استفاده می کنند و هر ده سیکل سمفونیک او با تنوع و پیچیدگی فوق العاده در نویسندگی ارکستر مشخص شده است. فین جی سیبلیوس سمفونی های انتزاعی آغشته به احساس عمیق را ساخت. مشخصه سبک او ترجیح دادن آهنگ های کم و سازهای باس است، اما به طور کلی بافت ارکستری او روشن است. فرانسوی C. Saint-Saens سه سمفونی نوشت که آخرین سمفونی (1886) مشهورترین آنهاست - به اصطلاح. سمفونی ارگ. شاید بتوان محبوب ترین سمفونی فرانسوی این دوره را تنها سمفونی S. Frank (1886-1888) نامید.

نمونه ای عالی از یک سمفونی پسارمانتیک اواخر قرن نوزدهم. سمفونی دوم مالر در سی مینور است که در سال 1894 به پایان رسید (گاهی اوقات به نام رستاخیزدر ارتباط با محتوای سرود در قسمت آخر). چرخه غول پیکر پنج قسمتی برای ترکیب ارکسترال بزرگ نوشته شده است: 4 فلوت (شامل پیکولو)، 4 غاز (شامل 2 هورن انگلیسی)، 5 کلارینت (که یک باس وجود دارد)، 4 سبد (از آن 2 تقلبی)، 10 والتور، 10 پیپ، 4 عدد پیپ، 4 عدد پیپ، و 4 عدد میکس اد و سوپرانو. P و عظیم گروه شوکاز جمله 6 تیمپانی، درام باس، سنج، گونگ و زنگ. موومان اول دارای شخصیتی موقر (Allegro maestoso) مانند مارش است (اندازه 4/4 در کلید سی مینور). از نظر ساختار، یک فرم سونات دو نوردهی توسعه یافته است. قسمت دوم با سرعت متوسطی (Andante moderato) می گذرد و یادآور رقص برازنده لندلر اتریشی است. این حرکت در کلید فرعی (الف ماژور) در زمان 3/8 و به صورت ساده ABABA نوشته می شود. موومان سوم با جریان روان موسیقی متمایز می شود، در کلید اصلی و در زمان 3/8 نوشته شده است. این اسکرو سه موومان توسعه سمفونیک آهنگ مالر است خطبه سنت. آنتونی به ماهی ها.

در قسمت چهارم، "نور جاویدان" ("Urlicht") ظاهر می شود صدای انسان. این آهنگ ارکسترال، درخشان و مملو از احساس عمیق مذهبی، برای تکنوازی ویولا و کاهش آهنگسازی ارکستر نوشته شده است. دارای فرم ABCB، امضای زمان 4/4، تناژ D-flat major است. فینال طوفانی و "وحشی" در تمپوی اسکرزو شامل تغییرات زیادی در خلق و خو، تونالیته، تمپو و متر است. این یک فرم سونات بسیار بزرگ با یک کد یادبود است. فینال شامل موتیف هایی از راهپیمایی، گروه کر، آهنگ هایی است که یادآور قسمت های قبلی است. در پایان فینال، صداها وارد می شوند (سوپرانو و کنترالتو سولیست، و همچنین یک گروه کر - با سرود در مورد مسیح برخاسته به سخنان شاعر آلمانی قرن 18 F. Klopstock. در پایان ارکستر، رنگ های ارکستری روشن و درخشان و کلید E flat major، موازی با تاریکی اصلی C min.

قرن بیستم.

سمفونی‌های نئوکلاسیک نویسندگان فرانسوی مانند دی. میلهود و آ. هونگر در تضاد شدید با دوره‌های رمانتیک متاخر مالر بود. نویسنده روسی I.F. Stravinsky به سبک نئوکلاسیک (یا نئوباروک) نوشت که فرم‌های سمفونیک سنتی را با مواد ملودیک و تونال-هارمونیک جدید پر کرد. P. Hindemith آلمانی همچنین فرم هایی را که از گذشته آمده بود با یک زبان ملودیک و هارمونیک کاملاً فردی ترکیب کرد (ویژگی او ترجیح دادن فاصله چهارم در موضوع و آکورد است).

بزرگترین سمفونیست های روسی S.V.Rahmananinov، S.S.Prokofiev و D.D.Shostakoviچ هستند. سه سمفونی راخمانینوف سنت ملی-رومانتیکی را که از چایکوفسکی می آید ادامه می دهد. سمفونی‌های پروکوفیف نیز با سنت پیوند خورده‌اند، اما بازاندیشی شده‌اند. این نویسنده با ریتم‌های حرکتی سفت و سخت، جابجایی‌های غیرمنتظره تون مشخص می‌شود و موضوعی از فرهنگ عامه وجود دارد. زندگی خلاقشوستاکوویچ وارد شد دوره شورویتاریخ روسیه سمفونی های اول، دهم، سیزدهم و پانزدهم او را می توان «پیشرفته ترین» دانست، در حالی که سمفونی های سوم، هشتم، یازدهم و دوازدهم بیشتر با «سبک روسی» سنتی مرتبط هستند. در انگلستان، سمفونیست‌های برجسته E. Elgar (دو سمفونی) و R. W. Williams (نه سمفونی که بین سال‌های 1910 و 1957 نوشته شده‌اند، از جمله با گنجاندن یک عنصر آوازی) بودند. در میان نویسندگان دیگر، که هر یک با سنت های کشور خود مرتبط هستند، می توان لهستانی ها ویتولد لوتوسلاوسکی (متولد 1913) و ک. پندرتسکی، بوهوسلاو مارتین چک (1890-1959)، ای. ویلا-لوبوس برزیلی و کارلوس چاوز مکزیکی (1899-1899) را نام برد.

در آغاز قرن بیستم سی آیوز آمریکایی تعدادی سمفونی آوانگارد ساخت که از خوشه های ارکسترال، فواصل ربع تن، پلی ریتم، هارمونیک نویسی ناهنجار و همچنین تکنیک کلاژ استفاده می کردند. در نسل بعدی، چندین آهنگساز (که همه آنها در دهه 1920 در پاریس با نادیا بولانجر تحصیل کردند) مکتب سمفونی آمریکایی را ایجاد کردند: اینها A. Copland، Roy Harris (1898-1981) و W. Piston هستند. در سبک آنها، به لطف عناصر نئوکلاسیک، تأثیر فرانسوی ها قابل توجه است، اما هنوز هم سمفونی های آنها تصویری از آمریکا با فضاهای باز، ترحم و زیبایی های طبیعی آن ایجاد می کند. سمفونی های راجر سشنز با پیچیدگی و دمدمی مزاجی خطوط ملودیک رنگی، شدت توسعه موضوعی و فراوانی کنترپوان مشخص می شود. والینگفورد ریگر از تکنیک سریال A. Schoenberg در سمفونی های خود استفاده کرد. هنری کاول در سمفونی‌های خود از ایده‌های تجربی مانند ملودی‌های سرود در توسعه فوگ، سازهای عجیب و غریب، خوشه‌های صدا، کروماتیسم ناهنجار استفاده کرد.

در میان دیگر سمفونیست های آمریکایی اواسط قرن بیستم. می توان H. Hanson، W. Schumann، D. Diamond و V. Persichetti را تشخیص داد. در نیمه دوم قرن، سمفونی های جالبی توسط E. Carter، J. Rochberg، W. G. Still، F. Glass، E. T. Zwilich و J. Corigliano خلق شد. در انگلستان، سنت سمفونیک توسط مایکل تیپت (1905-1998) ادامه یافت. در دهه 1990، یک پدیده غیرعادی مشاهده شد: سمفونی مدرن به یک "هیت" در بین عموم تبدیل شد. این در مورد سمفونی سوم است ( سمفونی ها اهنگ های غمگین ) قطب هاینریش گورکی. در آغاز هزاره سوم، آهنگسازان کشورهای مختلف سمفونی هایی را خلق کردند که نشان دهنده جذابیت نویسندگان آنها به پدیده های متنوعی مانند مینیمالیسم، سریال گرایی کامل، آلئاتوریک، موسیقی الکترونیک، نئورومانتیسم، جاز و فرهنگ های موسیقی غیراروپایی بود.

موسیقی بدون کلام. معمولا از 4 قسمت تشکیل شده است. نوع کلاسیک سمفونی به صورت همزمان شکل گرفت. 18 - التماس قرن 19 (J. Haydn، W. A. Mozart، L. Beethoven). سمفونی های غنایی (ف. شوبرت، ف. مندلسون)، سمفونی های برنامه ای (جی. برلیوز، اف. لیست) اهمیت زیادی در میان آهنگسازان رمانتیک پیدا کردند. سهم مهمی در توسعه سمفونی توسط آهنگسازان اروپای غربی در قرن 19 و 20 انجام شد. (I. Brahms، A. Bruckner، G. Mahler، S. Frank، A. Dvorak، J. Sibelius و دیگران). مکان قابل توجهی از سمفونی به زبان روسی (A. P. Borodin، P. I. Tchaikovsky، A. K. Glazunov، A. N. Skryabin، S. V. Rakhmaninov، N. Ya. Myaskovsky، S. S. Prokofiev، D. D. Shostakovich، A. I. موسیقی خاچاتوریان و دیگران).

فرهنگ لغت دایره المعارفی بزرگ. 2000 .

مترادف ها:

ببینید "SYMPHONY" در سایر لغت نامه ها چیست:

رجوع به رضایت ... فرهنگ لغت مترادف و عبارات روسی مشابه در معنی. زیر. ویرایش N. Abramova، M.: لغت نامه های روسی، 1999. سمفونی، هارمونی، توافق. همخوانی، فهرست فرهنگ لغت، سمفونیتا فرهنگ لغت مترادف روسی ... فرهنگ لغت مترادف

- (همخوان یونانی). یک قطعه موسیقی عالی که برای ارکستر نوشته شده است. فرهنگ لغات کلمات خارجی موجود در زبان روسی. Chudinov A.N., 1910. Symphony یونانی. سمفونی، از syn، با هم، و تلفن، صدا، هارمونی، هارمونی صداها. فرهنگ لغت کلمات خارجی زبان روسی

سمفونی شماره 17: سمفونی شماره 17 (واینبرگ). سمفونی شماره 17 (موتسارت)، به صورت G ماژور، KV129. سمفونی شماره 17 (میاسکوفسکی). سمفونی شماره 17 (کارامانوف)، "آمریکا". سمفونی شماره 17 (Slonimsky). سمفونی شماره 17 (هوانس)، سمفونی برای ارکستر متال، اپ. 203 ... ... ویکی پدیا

سمفونی، سمفونی، برای زنان. (سمفونی یونانی هارمونی صداها، همخوانی). 1. یک قطعه موسیقی بزرگ برای ارکستر که معمولاً از 4 قسمت تشکیل شده است که اولین و اغلب آخرین آن به صورت سونات (موسیقی) نوشته شده است. سمفونی می تواند ... ... فرهنگ لغت توضیحی اوشاکوف

سمفونی- و خب. سمفونی f. ، آی تی. sinfonia lat. سمفونیا گر. همخوانی سمفونی Krysin 1998. 1. یک قطعه موسیقی بزرگ برای ارکستر، متشکل از 3 4 بخش، که از نظر ماهیت موسیقی و تمپو با یکدیگر متفاوت هستند. سمفونی رقت انگیز...... فرهنگ لغت تاریخی گالیسم های زبان روسی

زنان، یونانی، موسیقی هارمونی، همخوانی صداها، همخوانی چندصدایی. | نوع خاصی از آهنگسازی چند صدایی. سمفونی هایدن. | سمفونی به عهد عتیق، به عهد جدید، مجموعه ای، اشاره به مکان هایی که همان کلمه در آن بزرگداشت می شود. توضیحی...... فرهنگ توضیحی دال

- (لاتین سمفونی، از یونانی symphonia consonance، توافق)، اثری برای یک ارکستر سمفونیک. یکی از ژانرهای اصلی موسیقی دستگاهی. سمفونی از نوع کلاسیک در میان آهنگسازان مکتب کلاسیک وین J. ... ... دایره المعارف مدرن

سمفونی- (لاتین سمفونی، از یونانی سمفونی - همخوانی، توافق)، اثری برای ارکستر سمفونیک؛ یکی از ژانرهای اصلی موسیقی دستگاهی. سمفونی از نوع کلاسیک در میان آهنگسازان مکتب کلاسیک وین توسعه یافت - J. ... ... فرهنگ لغت دایره المعارف مصور

Symphony، و، برای زنان. 1. یک قطعه موسیقی بزرگ (معمولاً چهار موومان) برای ارکستر. 2. ترانس. یک ترکیب هارمونیک که ترکیبی از آن (کتاب). ج. گل. ج. رنگ. C. صداها. | صفت سمفونیک، اوه، اوه (به 1 معنی). ارکستر اس....... فرهنگ لغت توضیحی اوژگوف

- (همخوان یونانی) نام یک ترکیب ارکسترال در چند قسمت. S. گسترده ترین فرم در زمینه موسیقی کنسرتو-ارکسترال است. به دلیل شباهت، در ساخت آن، با سونات. اس. را می توان یک سونات عالی برای ارکستر نامید. چگونه در…… دایره المعارف بروکهاوس و افرون

کتاب ها

سمفونی. 2، A. Borodin. سمفونی. 2، موسیقی، برای ارکستر نوع نسخه: سازهای موسیقی: ارکستر به املای نویسنده اصلی نسخه 1869 تکثیر شده است.…