>

การเต้นรำเร็วยอดนิยมของศตวรรษที่ผ่านมา การเต้นรำของละตินอเมริกา ด้วยจิตวิญญาณแห่งประเพณีพื้นบ้าน

โลกแห่งการเต้นรำสองแห่งในแผนภาพเดียว: การเต้นรำที่ทันสมัยที่สุดของร้านเสริมสวยและดิสโก้ และปรากฏการณ์การออกแบบท่าเต้นที่ท้าทายที่สุดในรอบ 100 ปี


1900
ตรงกัน

Matchish แสดงโดย Vernon และ Irene Castle พ.ศ. 2458

นี่เป็นส่วนหนึ่งของภาพยนตร์เงียบที่ไม่มีชื่อซึ่งมีนักแสดงและนักเต้นชาวอเมริกันชื่อดังอย่าง Vernon และ Irene Castle เต้นรำกันอย่างเข้ากัน เพลงที่แสดงในวิดีโอเป็นเพลงที่ตรงกับชื่อ "Dengoso" ของนักแต่งเพลงชาวบราซิล Ernesto Nazareth ซึ่งบันทึกในสหรัฐอเมริกาในช่วงเวลาเดียวกับที่ถ่ายทำภาพยนตร์

Matchis (Port. maxixe) เกิดในจังหวัดของบราซิลในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 พันธมิตรเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็ว ขั้นตอนการเลื่อนพวกเขาหมุนตัวและกอดกันเป็นระยะๆ โดยคู่นอนดันหลังคู่มาหาเขา สำหรับยุคที่เงียบสงบนั้น การเต้นรำที่ใช้จังหวะแอฟโฟร-ละตินดูเร่าร้อน “ยั่วยวน” ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 Matchish ได้รับความนิยมในรีโอเดจาเนโร และในช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เพลงในจังหวะของ Matchish ได้เล่นไปแล้วโดยเปียโนเชิงกลในห้องรับแขกของอเมริกาและร้านกาแฟในยุโรป แฟชั่นมาถึงรัสเซียแล้ว - Vladimir Mayakovsky เขียนว่า:

และดังนั้น
วันนี้
ตั้งแต่เช้า
ในจิตวิญญาณ
กระแทกริมฝีปากของไม้ขีด
ฉันเดินกระตุกไปมา
กางแขนออก
และท่อก็เต้นไปตามหลังคาทุกที่
และแต่ละคนก็เหวี่ยงเข่าออกไป 44 คน!

ลางสังหรณ์ของการเต้นรำสมัยใหม่

Loie Fuller แสดงการเต้นรำ Serpentine 2445

ประวัติความเป็นมาของการเต้นรำสมัยใหม่มักเริ่มต้นด้วยการเต้นรำสมัยใหม่แบบอเมริกัน แต่ก่อนหน้านั้นคือผลงานของนักเต้นอิสระสี่คน ซึ่งแต่ละคนยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้บุกเบิกความทันสมัย ของพวกเขา เป้าหมายหลักคือการพิสูจน์ว่าการออกแบบท่าเต้นสามารถเป็นรูปแบบศิลปะที่จริงจังได้ และการเต้นไม่ใช่แค่การแสดงเท่านั้น อิซาโดรา ดันแคน ผู้โด่งดังที่สุดเชื่อว่าการเต้นรำควรพัฒนาตามธรรมชาติตามบุคลิกลักษณะเฉพาะของนักแสดง - แค่ฟังร่างกายและแรงกระตุ้นของมันก็เพียงพอแล้ว สิ่งนี้กลายเป็นที่รู้จักในชื่อการเต้นรำแบบอิสระ Loie Fuller เพื่อนร่วมงานที่มีอายุมากกว่าของเธอ เป็นผู้คิดค้นวิธีต่างๆ มากมายในการสร้างแสงและสีสัน ส่วนสำคัญการออกแบบท่าเต้นมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาไม่เพียงแต่การเต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกราฟิกบนเวทีด้วย Ruth St. Denis เปิดโรงเรียน Denishawn ในสหรัฐอเมริกา ซึ่งเป็นโรงเรียนแห่งแรกที่สอนการเคลื่อนไหวประเภทต่างๆ อย่างเป็นระบบ ตั้งแต่บัลเล่ต์ไปจนถึงโยคะ ปรมาจารย์การเต้นรำสมัยใหม่ในอนาคตเกือบทั้งหมดเป็นผู้สำเร็จการศึกษาจากเดนิชชอว์ นอกจากนี้ นักเรียนของเธอยังเต็มใจรับเป็นตัวประกอบในภาพยนตร์ฮอลลีวูด และบางเรื่อง เช่น หลุยส์ บรูคส์ ก็กลายเป็นดาราภาพยนตร์เงียบ ลางสังหรณ์ที่สี่คือม็อดอัลลันซึ่งซาโลเมทำให้สาธารณชนตกตะลึงในเวลานั้น โดยทั่วไปไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับสไตล์ของเธอ สื่อมวลชนในเวลานั้นให้ความสนใจกับเรื่องราวอื้อฉาวที่เกี่ยวข้องกับเธอมากขึ้น - ตัวอย่างเช่นเมื่อเธอฟ้องนักการเมืองชาวอังกฤษที่กล่าวหาว่าเธอรักร่วมเพศและเชื่อมโยงกับสายลับชาวเยอรมัน

1910
แทงโก้

Rudolph Valentino และ Beatriz Dominguez เต้นแทงโก้ในภาพยนตร์ของ Rex Ingram เรื่อง The Four Horsemen of the Apocalypse 2464

ภาพยนตร์เรื่องนี้เงียบงันและเพลงที่เล่นที่นี่คือแทงโก้ "La Cumparsita" ซึ่งเขียนในปี 1916 โดยนักแต่งเพลงชาวอุรุกวัย Gerardo Rodriguez

Tango เกิดในพื้นที่ชนชั้นแรงงานของบัวโนสไอเรส แหล่งที่มาประการหนึ่งคือ habanera ซึ่งเป็นการเต้นรำพื้นบ้านของคิวบา Tango พิชิตโลกทั้งใบอย่างรวดเร็ว ไม่ บทบาทสุดท้ายสิ่งนี้เล่นโดยการเชื่อมโยงระหว่างความหลงใหลและความรุนแรงซึ่งแสดงออกมาอย่างเต็มที่ในแทงโก้ที่ "โหดร้าย" หรือแทงโก้อาปาเช่ซึ่งคู่หูผู้ชายงอตัวและโยนผู้หญิงของเขาราวกับว่าเขาต้องการจะจบเธอ ก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แทงโก้ถูกฝึกให้เชื่องและได้รับการยกย่องในร้านเสริมสวยของชนชั้นกลาง แต่ยังคงรักษาความเร้าอารมณ์เอาไว้ ซึ่งเป็นภาพของความปรารถนาที่แทบจะควบคุมไม่ได้ "ไฟในน้ำแข็ง"

Tangomania ยึดครองยุโรปมากจนสมเด็จพระสันตะปาปาออกกฎหมายพิเศษห้ามแทงโก้ อย่างไรก็ตามชื่อเสียงของแทงโก้ก็เพิ่มขึ้น - ต้องขอบคุณภาพยนตร์เงียบซึ่ง Tanguero Rudolph Valentino ที่สวยงามฉายแวว

การเต้นรำแบบแสดงออก

"Monument to the Dead" กำกับโดยแมรี วิกแมน 2472

ควบคู่ไปกับอเมริกา การเต้นรำก็พัฒนาขึ้นในยุโรปเช่นกัน แต่ตามสถานการณ์ที่แตกต่างกัน การเคลื่อนไหวซึ่งเกิดขึ้นในสวิตเซอร์แลนด์และเยอรมนีเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เรียกว่าการเต้นรำแบบแสดงออก (Ausdruckstanz) หรือภาษาเยอรมันสมัยใหม่ นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น พร้อมด้วยนักปรัชญาและศิลปินคนอื่นๆ ต่างมองหาวิธีที่จะแสดงการรับรู้โลกแบบใหม่และความหมายใหม่ผ่านการเคลื่อนไหวและการมีปฏิสัมพันธ์กับอวกาศ นักแต่งเพลง Emile Jacques-Dalcroz คิดจังหวะขึ้นมา: ในชั้นเรียนซอลเฟกจิโอ เขาค้นพบว่านักเรียนของเขาเรียนรู้เนื้อหาได้ดีขึ้นหากพวกเขาเคลื่อนไหวไปพร้อมกับดนตรี และเริ่มพัฒนาระบบที่สัมพันธ์กับจังหวะและการเคลื่อนไหว รูดอล์ฟ ลาบันวิเคราะห์การเคลื่อนไหวของร่างกายในอวกาศและคิดค้นวิธีการบันทึกการเต้นรำบนกระดาษ ซึ่งยังคงใช้อยู่ในปัจจุบัน (เรียกว่า Labanotation) ลูกศิษย์ของเขา Mary Wigman (ผู้สร้างพิธีกรรมการเต้นรำ เช่น "เพลงและการเต้นรำ" ไปจนถึงคำพูดของ Nietzsche) และ Kurt Jooss พัฒนาการเต้นรำแบบแสดงออก โดยหันไปหาชีวิตประจำวันที่ยากลำบากหลังสงคราม ธีมของความตาย ความรุนแรง และความสิ้นหวัง

1920
ฟ็อกซ์ทรอต

วิดีโอเกี่ยวกับฟ็อกซ์ทรอต เรียบเรียงโดยนักประวัติศาสตร์การเต้นรำ วอลเตอร์ เนลสัน จากบันทึกเอกสารสำคัญในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 30

ต้นกำเนิดของฟ็อกซ์ทรอตมีหลายเวอร์ชัน ตามที่หนึ่งในนั้นมันถูกคิดค้นโดย Charles Fox โปรดิวเซอร์เพลงโวเดอวิลล์ - และการเต้นรำนี้ได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ตามเวอร์ชันอื่น Foxtrot (ภาษาอังกฤษวิ่งเหยาะๆ - "ขั้นตอนสุนัขจิ้งจอก") เป็นของกลุ่มการเต้นรำสัตว์ที่เรียกว่าซึ่งปรากฏในอเมริกาก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เหล่านี้เป็นการเต้นรำคู่ที่สนุกสนานซึ่งแสดงตามแร็กไทม์ (ดนตรีของชาวแอฟริกัน - อเมริกันจากรัฐทางใต้และมิดเวสต์) เลียนแบบการเคลื่อนไหวของสัตว์และนก (เช่น มีการเต้นรำ "Turkey Step" และ "Bunny Hug" ) , “หมีกริซลี่” ฯลฯ)

ฟ็อกซ์ทรอตมีพื้นฐานมาจากการก้าวไปข้างหน้า ถอยหลัง หรือไปด้านข้างอย่างง่ายๆ ขั้นตอนที่ "ยาว" หรือ "ช้า" สองขั้นตอนจะถูกแทนที่ด้วยขั้นตอนที่สั้นและเร็วสองขั้นตอน ดังนั้นบางครั้งสุนัขจิ้งจอกจึงถูกมองว่าเป็นการผสมผสานระหว่างขั้นตอนเดียวที่ช้ากับสองขั้นตอนที่รวดเร็ว

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 สุนัขจิ้งจอกได้รับความนิยมไปทั่วโลก โดยย้ายไปยุโรปและรัสเซีย ตัวอย่างเช่น กวี Andrei Bely เรียนสุนัขจิ้งจอกในชั้นเรียนเต้นรำในกรุงเบอร์ลินในช่วงต้นทศวรรษ 1920

การเต้นรำสมัยใหม่

“Aria on the G String” โดย August Wilhelmy พร้อมท่าเต้นโดย Doris Humphrey 2477

เริ่มต้นจากความคิดสร้างสรรค์ของผู้บุกเบิกผู้สร้างสมัยใหม่กำลังมองหาภาษานาฏศิลป์ที่พวกเขาสามารถพูดได้ไม่เพียง แต่เกี่ยวกับความรู้สึกและปรากฏการณ์ทางธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเด็นร้ายแรงที่ทำให้ผู้เขียนและผู้ร่วมสมัยของเขาเดือดร้อน - เกี่ยวกับความรัก สงคราม ความอยุติธรรม , ความไร้พลัง.

ผู้ก่อตั้งการเต้นรำสมัยใหม่เรียกว่านักออกแบบท่าเต้นสี่คนซึ่งเรียกว่า Great Four สามคนสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน Ruth St. Denis Denis Shawn แต่เมื่อถึงปลายทศวรรษ 1920 พวกเขาก็ทำงานอิสระอยู่แล้ว และประสบความสำเร็จอย่างมาก ที่มีชื่อเสียงที่สุดของพวกเขาคือ Martha Graham เธอสร้างเทคนิคของเธอเองซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสลับการบีบอัดและการผ่อนคลาย (“การหดตัว - การปล่อย”) ปลดปล่อยร่างกายของนักเต้นเปิดคณะเต้นรำสมัยใหม่ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นผู้เขียนผลงานมากกว่าร้อยผลงาน . ประการที่สอง โด-ไรซ์ ฮัมฟรีย์ พัฒนาเทคนิคการฟื้นฟูการล้มโดยอาศัยหลักการของแรงโน้มถ่วงและความหนักเบาตามธรรมชาติของร่างกาย ฮัมฟรีย์ทำงานร่วมกับสมาชิกคนที่สามของ "Great Four" Charles Wademan Hanya Holm เป็นลูกศิษย์ของ Mary Wigman และเป็นชาวเยอรมันเพียงคนเดียวในบริษัทนี้ เธอจบลงที่อเมริกาในปี พ.ศ. 2474 เมื่อวิกแมนเชิญเธอเป็นหัวหน้าโรงเรียนในนิวยอร์ก

ทศวรรษที่ 1930
ลินดี้ ฮอป

Lindy Hoppers ของ Whitey เต้น Lindy Hop ในภาพยนตร์ Take the Blow ของ John Klein 2482

Lindy hop เป็นรูปแบบการแกว่งที่ซับซ้อนที่สุดและการแกว่ง (จากวงสวิงภาษาอังกฤษ - "สวิง") เป็นชื่อทั่วไปของการเต้นรำกับดนตรีแจ๊สในอเมริกาเหนือซึ่งปรากฏขึ้นเนื่องจากการเกิดขึ้นของวงออเคสตราแจ๊สขนาดใหญ่: การเล่นของพวกเขาเต็มอิ่มมากขึ้น มีร่างกายที่แข็งแรงกว่าการเล่นวงดนตรีแจ๊สเล็กๆ และนักเต้นแบบ "ร็อค-วา-ลา" อย่างแท้จริง นี่คือวงออเคสตราที่เล่นในห้อง Savoy Ballroom ซึ่งเป็นหัวใจแห่งการเต้นของย่านฮาร์เล็ม

Lindy Hop เป็นการเต้นรำทางสังคมครั้งแรกที่รวมเอาองค์ประกอบกายกรรมเข้าไว้ด้วยกัน เช่นเดียวกับการเต้นรำแร็กไทม์และแจ๊สอื่นๆ เรื่องนี้ได้รับความสนใจอย่างรวดเร็วจากโปรดิวเซอร์บรอดเวย์และฮอลลีวูด มีการก่อตั้งทีมนักดนตรีและนักเต้น (หนึ่งในทีมที่โด่งดังที่สุดคือ Lindy Hoppers ของ Whitey) ซึ่งแสดงบนเวทีและแสดงในภาพยนตร์ ดังนั้น Lindy Hop เกิดที่ย่าน Harlem จึงออกเดินทางท่องเที่ยวรอบโลก

บัลเล่ต์นีโอคลาสสิก

"Serenade" ดำเนินการโดยคณะบัลเลต์นิวยอร์กซิตี้ ออกแบบท่าเต้นโดย George Balanchine ดนตรีโดย Pyotr Tchaikovsky

บัลเลต์คลาสสิกมาถึงจุดสูงสุดในการผลิต The Sleeping Beauty ของ Marius Petipa ในปี 1890: ไม่สามารถสร้างสรรค์สิ่งที่ใหญ่กว่าและหรูหรากว่านี้ได้อีกต่อไป มิคาอิล โฟคิน กำหนดทิศทางใหม่สำหรับบัลเล่ต์คลาสสิกโดยหันมา แบบฟอร์มขนาดเล็กและยกเลิกโครงเรื่อง (ดังเช่นในโชปิเนียน ค.ศ. 1907) ขั้นตอนต่อไปดำเนินการโดย Fyodor Lopukhov ด้วยซิมโฟนีการเต้นรำที่ไร้แผนการของเขา "The Greatness of the Universe" Young Georgy Balan-chivadze มีส่วนร่วมในการแสดงนี้ ไม่กี่ปีต่อมาเขาพบว่าตัวเองอยู่ทางตะวันตกและกลายเป็น Balanchine ตามคำแนะนำของ Diaghilev จากนั้นในปี 1933 ก็ย้ายไปอเมริกาซึ่งเขาได้สร้างการเคลื่อนไหวที่ในที่สุดก็ถูกเรียกว่าบัลเล่ต์นีโอคลาสสิกในที่สุด อย่างไรก็ตาม หากคุณอ่านนักวิจัยชาวยุโรป พวกเขาเรียกบิดาแห่งบัลเล่ต์นีโอคลาสสิกว่าผู้อพยพจากโซเวียตรัสเซียอีกคนคือ Serge Lifar พวกเขาทั้งสองทำงานร่วมกับคำศัพท์ของบัลเล่ต์คลาสสิกเครื่องแต่งกายและการตกแต่งที่เรียบง่ายโดยมุ่งเน้นไปที่รูปแบบเล็ก ๆ และไม่มีโครงเรื่องดังนั้นบางทีอาจไม่สำคัญนักว่าพวกเขาคนไหนเป็นคนแรกโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่ออาชีพของพวกเขาในตะวันตกพัฒนาขึ้น พร้อมกัน อีกสิ่งหนึ่งที่สำคัญ: บัลเล่ต์นีโอคลาสสิกเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่ทรงพลังที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ทั้ง Maurice Bejart และ Roland Petit บางครั้งก็แสดงสไตล์นี้ แต่ William Forsythe และ Wayne McGregor มีบทบาทอย่างจริงจังอย่างแท้จริงในการโปรโมตในศตวรรษที่ 21

ทศวรรษที่ 1940
แซมบ้า

Carmen Miranda ร้องเพลง "Kai-kai" ในภาพยนตร์ของ Irving Cummings เรื่อง That Night in Rio 2484
จังหวะของบราซิลครองโลกมากกว่าหนึ่งครั้ง ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 มันเป็นเพลงที่เข้ากัน และในช่วงต้นทศวรรษ 1940 มันเป็นเพลงแซมบ้า

ดนตรีและวัฒนธรรมการเต้นรำ อดีตทาสมีพื้นเพมาจากแอฟริกาตะวันตก ในบราซิลถูกรวมเข้ากับวัฒนธรรมคาทอลิกที่โดดเด่นตั้งแต่แรกเริ่ม ในทางปฏิบัติ นั่นหมายความว่าเทพแห่งแอฟริกาตะวันตกถูกแทนที่ด้วยนักบุญที่เป็นคริสเตียน และขบวนแห่ทางศาสนาก็กลายเป็นงานรื่นเริงหลากวัฒนธรรมที่เต็มไปด้วยสีสัน แซมบ้าถือกำเนิดจากพิธีกรรมดั้งเดิมที่ผู้คน (ส่วนใหญ่เป็นผู้หญิง) ตกอยู่ในภาวะมึนงงราวกับมีวิญญาณเข้าสิง การเต้นรำปรากฏตัวครั้งแรกในกระบวนการคาร์นิวัลในปี 1917 และกลายเป็นส่วนสำคัญของการเฉลิมฉลองในริโออย่างรวดเร็ว การแข่งขันเต้นรำนี้เกิดขึ้นในซัมบาโดรมพิเศษขนาดเท่าสนามกีฬาที่ดี การเต้นรำนี้ได้รับความนิยมไปทั่วโลกด้วยนักร้อง นักแสดง และนักเต้น Carmen Miranda (1909-1955) ผู้ซึ่งถูกเรียกว่า "ระเบิดบราซิล" เธอเกิดในโปรตุเกส และย้ายไปบราซิลตั้งแต่อายุยังน้อย และตั้งแต่ปี 1939 เธออาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกา แสดงละครบรอดเวย์และแสดงในฮอลลีวูด ภาพยนตร์ของเธอเช่น That Night in Rio (1941), Weekend in Havana (1941) และ All the Gang (1943) กลายเป็นช่องทางสำหรับผู้คนในช่วงสงคราม

เต้นแซมบ้าตามจังหวะ 4/4 ที่ประสานกันพร้อมก้าวถอยหลังและเคลื่อนไหวแบบแกว่งไปมา

เมอร์ซ คันนิงแฮม

"Beach Birds สำหรับกล้องวิดีโอ" ดำเนินการโดย Merce Cunningham Dance Company ออกแบบท่าเต้นโดย Merce Cunningham ดนตรีโดย John Cage วิดีโอดัดแปลงโดย Elliot Kaplan 1993

Merce Cunningham มักถูกเรียกว่าเป็นสมัยใหม่หรือหลังสมัยใหม่ แต่เขาหนีจากคนหนึ่งและสร้างแรงบันดาลใจให้กับอีกคนหนึ่ง และตัวเขาเองก็ยังคงเป็นบุคคลที่แยกจากกันในประวัติศาสตร์ของการเต้นรำแบบอเมริกัน

คันนิงแฮมเริ่มเต้นรำในคณะของ Martha Graham แต่หลังจากทำงานมาหกปีเขาเกลียดทั้งเทคนิคของ Graham และแนวคิดการเคลื่อนไหวของเธอ - และในช่วงทศวรรษที่ 1940 เขาได้ละทิ้งเธอและสร้าง บริษัท ของเขาเองซึ่งงานธุรการหลักดำเนินการโดยหุ้นส่วนของเขา , นักแต่งเพลง จอห์น เคจ. จากเคจ คันนิงแฮมยืมหลักการของการสุ่มหรืออะลีเอทอริกส์ ดังนั้น จากเคจ ลูกเต๋ากำหนดลำดับงวดใน ชิ้นส่วนของเพลงและในคันนิงเจ็ม - ลำดับฉากรำและนักแสดงคนไหนจะเต้นส่วนไหน หลักการนี้สอดคล้องกับแนวคิดของคันนิงแฮมอย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับความจำเป็นในการทำลายรูปแบบนิสัยและละทิ้งการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติและการเรียนรู้ ในช่วงบั้นปลายชีวิตคันนิงแฮมเริ่มสนใจเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ - เขาเริ่มสร้างท่าเต้นที่ไม่ได้อยู่ในห้องโถง แต่ในโปรแกรม Life Forms และ DanceForms จากนั้นเชิญศิลปินของเขาให้แสดงบนเวที

คันนิงแฮมเชื่อว่าศิลปะทุกรูปแบบบนเวทีควรอยู่ร่วมกันอย่างเท่าเทียมกัน และต้องไม่อยู่ใต้บังคับบัญชาของการเต้นรำเพียงอย่างเดียว เขาทำงานร่วมกับศิลปินแนวหน้า: ดนตรีเขียนโดย Cage เครื่องแต่งกายมักออกแบบโดย Warhol และการออกแบบฉากโดย Robert Rauschenberg ในเวลาเดียวกัน ทุกคนทำงานโดยไม่รู้ว่าอีกฝ่ายกำลังทำอะไรอยู่ ทุกอย่างมารวมกันเป็นครั้งแรกต่อหน้าสาธารณชน แม้แต่ศิลปินก็มักจะเรียนรู้ว่าจะแสดงการเคลื่อนไหวใดและตามลำดับใดที่พวกเขาจะแสดงเพียงไม่กี่นาทีก่อนรอบปฐมทัศน์และได้ยินดนตรีเป็นครั้งแรกบนเวทีเท่านั้น

ในตอนแรก คณะของคันนิงแฮมให้การแสดงปีละหนึ่งครั้ง แน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่ได้นำเงินมาให้เพียงพอ จากนั้นเพื่อน ๆ และผู้ที่มีใจเดียวกันก็มาช่วยเหลือ - ตัวอย่างเช่น Rauschenberg สามารถจัดนิทรรศการขายภาพวาดทั้งหมดได้อย่างรวดเร็วและมอบเงินเพื่อการพัฒนาคณะละคร

ทศวรรษ 1950
ร็อคแอนด์โรล

ร็อกแอนด์โรลจากภาพยนตร์เรื่อง Fred F. Sears เรื่อง Don't Knock the Rock 1956

หลังสงคราม นักดนตรีทั้งกาแล็กซี่ปรากฏตัวขึ้นโดยเล่นเพลงประเภทเร่งเพลงบลูส์ แต่การบันทึกครั้งแรกยังไม่เรียกว่าร็อกแอนด์โรล แต่ถือเป็นผลพลอยได้ของจังหวะและบลูส์ซึ่งในอเมริกาอนุรักษ์นิยมมีความเกี่ยวข้องอย่างมากกับดนตรีของชาวแอฟริกันอเมริกัน ตามความเชื่อที่นิยม คำว่า "ร็อกแอนด์โรล" ในแง่นี้ถูกใช้ครั้งแรกโดยผู้จัดรายการวิทยุ Alan Freed เพื่อเล่นเพลงของ Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley และ Jerry บนอากาศ รวมถึงสำหรับผู้ชมผิวขาวด้วย Lee Lewis ( น่าแปลกที่ในคำแสลงของชาวแอฟริกันอเมริกัน "ร็อกแอนด์โรล" ถูกเรียกว่าเซ็กส์)

พวกเขาเต้นไปกับดนตรีใหม่โดยใช้ท่วงทำนองของการเต้นสวิงทั้งหมด แต่มีพลังมากขึ้นและมีการแสดงด้นสดในระดับที่มากขึ้น ภาพยนตร์ฮอลลีวูดเรื่อง "Rock Around the Clock", "Don't Knock the Rock" และ "The Girl Can't Help It" (ออกฉายทั้งหมดในปี 1956) ในที่สุดก็เปลี่ยนคนรุ่นหลังสงครามให้กลายเป็นรุ่นร็อคแอนด์โรล ทั้งยุโรปและสหภาพโซเวียตไม่สามารถต้านทานจังหวะการขับรถได้ แม้แต่วงดนตรีของ Igor Moiseev ก็เต้นร็อกแอนด์โรล - อย่างไรก็ตามในรูปแบบของการล้อเลียน "ศีลธรรมของชนชั้นกลาง" และภายใต้ชื่อที่น่าขันว่า "Back to the Monkey"

Maurice Bejart และนักออกแบบท่าเต้นชาวเบลเยียม

"The Rite of Spring" กำกับโดย มอริซ เบจาร์ต 1959

มอริซ เบจาร์ตเป็นบุคคลที่สำคัญที่สุดสำหรับทั้งบัลเล่ต์และการเต้นรำสมัยใหม่ เขาทำงานในฝรั่งเศส เบลเยียม และสวิตเซอร์แลนด์ และแม้จะปิดตัวลงของสหภาพโซเวียต แต่ก็ร่วมมือกับ Maya Plisetskaya, Ekaterina Maksimova และ Vladimir Vasilev เขาอาศัยอยู่ในเบลเยียมเป็นเวลา 30 ปี เริ่มตั้งแต่ปี 1959 เมื่อ Bejart หมดหวังที่จะได้รับการยอมรับและความช่วยเหลือจากทางการฝรั่งเศส ยอมรับคำเชิญของผู้อำนวยการ Théâtre de la Monnaie ให้ก่อตั้งคณะบัลเล่ต์ในกรุงบรัสเซลส์ รอบปฐมทัศน์ครั้งแรกของเขาในสถานที่ใหม่คือ “The Rite of Spring” ซึ่งปัจจุบันเป็นตำนาน

เราสามารถพูดได้ว่าต้องขอบคุณ Maurice Bejart การเต้นรำสมัยใหม่เกิดขึ้นในเบลเยียม: ในปี 1970 เขาได้สร้างโรงเรียนออกแบบท่าเต้นแบบสหวิทยาการ "Mudra" ในกรุงบรัสเซลส์ซึ่งพวกเขาสอนบัลเล่ต์คลาสสิก ดนตรี การร้องเพลง ศิลปะการต่อสู้และการแสดง . Anne Teresa de Kers-macker ผู้สำเร็จการศึกษาได้กลายเป็นหนึ่งในนักออกแบบท่าเต้นชาวเบลเยียมร่วมสมัยที่ทรงอิทธิพลที่สุด และในปี 1995 เธอได้เปิดโรงเรียนอันโดดเด่นอีกแห่งหนึ่ง P.A.R.T.S. (ห้องวิจัยและฝึกอบรมศิลปะการแสดง). ใน P.A.R.T.S. พวกเขายังฝึกศิลปินที่ "สังเคราะห์" อีกด้วย โดยเพิ่มชุด "Mudra" ให้กับนักออกแบบท่าเต้นแห่งศตวรรษที่ 20 ตั้งแต่ William Forsythe ไปจนถึง Pina Bausch

ปัจจุบันเบลเยียมเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการเต้นรำสมัยใหม่ ซึ่งมีคณะและโรงเรียนต่างๆ ใฝ่ฝันถึงศิลปินจากทั่วทุกมุมโลก ในขณะเดียวกันก็ไม่มีโรงเรียนสอนเต้นของเบลเยียมเช่นนี้ - นักออกแบบท่าเต้นแต่ละคนมีสไตล์ของตัวเอง ตัวอย่างเช่น Anne Teresa de Keersmaeker ศึกษาความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับท่าเต้น รวมถึงรูปแบบทางเรขาคณิตของการเต้น Wim Vandekeybus นำการเต้นรำมาสู่ภาพยนตร์ โดยครองตำแหน่งผู้นำในโลกแห่งการเต้นรำในภาพยนตร์ Sidi Larbi Cherkaoui ผสมผสานวัฒนธรรมตะวันออกและตะวันตกไว้ในผลงานของเธอ

ทศวรรษ 1960
บิด

ต ร้องเพลง "Let's Twist Again" ที่แสดงโดย Chubby Checker

The Twist เริ่มมีการเต้นรำในช่วงปลายทศวรรษ 1950 แต่หลังจาก Chubby Checker ชาวแอฟริกันอเมริกันวัย 19 ปี (ชื่อจริง Ernest Evans) ได้แสดงเพลง "The Twist" กับกลุ่ม American Bandstand ในปี 1960 อเมริกาก็ไปอย่างแท้จริง บ้า ( ปรากฏการณ์นี้ - ความนิยมการเต้นรำในทันทีและในระยะสั้น - ได้รับการตั้งชื่อว่าความคลั่งไคล้การเต้น) และเบื้องหลังของทั้งโลก สามปีต่อมา Checker ได้รวบรวมความสำเร็จของเขาด้วยซิงเกิล "Let's Twist Again"

Twist เสร็จสิ้นการวิวัฒนาการอันยาวนาน การเต้นรำในคลับซึ่งค่อยๆ ย้ายจากการเต้นรำใกล้ชิดกับคู่มาเป็นการเต้นรำรายบุคคล แม้แต่ในเพลงร็อกแอนด์โรล คู่รักก็จับมือกัน (แม้ว่าจะเพียงปลายนิ้วสัมผัสกันก็ตาม) แต่ในทางกลับกัน คู่รักก็ไม่จำเป็นอีกต่อไป และที่สำคัญที่สุด การเต้นรำนั้นแสดงง่ายผิดปกติ: คุณต้องเคลื่อนไหวโดยใช้ขารองรับราวกับว่าคุณกำลังบดก้นบุหรี่ด้วยพื้นรองเท้า ขาอีกข้างหนึ่งแกว่งไปมา สะโพกรวมอยู่ในการเคลื่อนไหวและมือทำงานราวกับถูหลังด้วยผ้าเช็ดตัวหลังอาบน้ำ เหนือสิ่งอื่นใด การเคลื่อนไหวเหล่านี้ไม่ต้องการพื้นที่มากนัก สามารถเต้นได้ทั้งในห้องนอนของคุณเองและในไนท์คลับที่คับแคบ

การเต้นรำหลังสมัยใหม่

"มอเตอร์น้ำ" โดย Trisha Brown 1978

แตกต่างจากปรากฏการณ์อื่นๆ ในงานศิลปะ การเต้นรำหลังสมัยใหม่มีวันเกิด วันที่ 6 กรกฎาคม 1962 เป็นวันที่โบสถ์แบ๊บติสต์ Judson Memorial Baptist เป็นเจ้าภาพจัด "Dance Concert ()" ซึ่งนักเรียนในชั้นเรียนประพันธ์เพลงของ Robert Dunn ได้แสดงผลงานที่สร้างขึ้นในชั้นเรียนสองปี พวกเขาเรียกตัวเองว่าลัทธิหลังสมัยใหม่ ดังนั้นการละทิ้งการเต้นรำสมัยใหม่ที่เกลียดชัง ซึ่งในความเห็นของพวกเขาได้แทนที่กฎเก่าด้วยกฎใหม่ แทนที่จะละทิ้งมันไปโดยสิ้นเชิง “No Manifesto” อันโด่งดังซึ่งเขียนโดยหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของขบวนการนี้ Yvonne Rainer พูดถึงการปลดปล่อย: คุณไม่จำเป็นต้องเต้นรำเพื่อผู้ชม คุณไม่จำเป็นต้องเรียนรู้และสามารถเต้นเพื่อ แสดงความรู้สึกของคุณ คุณไม่จำเป็นต้องเล่นเป็นเจ้าหญิงหรือฮีโร่ ไม่จำเป็นต้องเต้นเพื่อเล่าเรื่อง อยู่กับตัวเองที่นี่และเดี๋ยวนี้ เต้นรำในสวนสาธารณะ โต้ตอบกับการเต้นรำกับสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวคุณ ทดลอง

ทศวรรษ 1970
เร่งรีบ

วิดีโอสำหรับ "The Hustle" โดย Van McCoy ทศวรรษ 1970

รูปแบบดนตรีและการเต้นรำของดิสโก้ (จากแผ่นดิสก์ภาษาอังกฤษ - "แผ่นเสียงไวนิล") พัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 - ต้นทศวรรษ 1970 เมื่ออยู่ในคลับแทนที่จะเป็นวงดนตรีแจ๊สและกลุ่มร็อคที่เล่น การแสดงดนตรีสด,เริ่มบิดจาน. ไนท์คลับแห่งหนึ่งในปารีสบนถนน Huchette ซึ่งเป็นแหล่งรวบรวมแผ่นดิสก์ทั้งหมดเริ่มถูกเรียกว่า "ดิสโก้" สไตล์ดิสโก้รวมเอาอิทธิพลที่แตกต่างกันมากมาย: แจ๊ส, ริธึมและบลูส์, โซล, กอสเปล, ลาติน ดังนั้นทุกคนจึงสามารถค้นพบสิ่งที่ชอบในนั้นได้ คนโสดในยุค "บุคคลที่ถูกทำให้เป็นอะตอม" อดไม่ได้ที่จะชอบความจริงที่ว่าดิสโก้สามารถเต้นได้โดยไม่ต้องสัมผัสร่างกาย และนักเต้นได้รับอิสระในการกระทำโดยสมบูรณ์ นักดนตรีที่สร้างสไตล์ - Donna Summer, Gloria Gaynor, Van McCoy, กลุ่มผึ้งจีส์.

ดิสโก้ฮิตของ Van McCoy เรื่อง "The Hustle" ก่อให้เกิดการเต้นรำในชื่อเดียวกัน (ซึ่งโดยปกติแล้วจะเต้นเป็นคู่) Hustle เป็นการผสมผสานจังหวะละตินอเมริกาและโครงสร้างจังหวะของมันคล้ายกับการเต้นรำแบบสองขั้นตอนหรือแบบ Lindy hop ซึ่งแต่ละจังหวะจะเต้นสองขั้นตอน โครงสร้างพื้นฐานของขั้นตอนเสริมด้วยการเคลื่อนไหวแบบด้นสดซึ่งทำให้คู่เต้นรำมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวไม่เหมือนคู่อื่น

พีน่า บอช

“Cafe Müller” กำกับโดย Pina Bausch 1980

Pina Bausch น่าจะเป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 เธอเป็นนักเรียนของ Kurt Jooss และยังเป็นศิลปินเดี่ยวของ Folkwang Ballet ที่นั่นเธอเริ่มคิดค้นท่าเต้นด้วยตัวเองอย่างอิสระ (ตามที่เธอบอกเธอไม่ได้ตั้งใจที่จะเป็นนักออกแบบท่าเต้น แต่เธออยากเต้นมากกว่านี้) และในปี 1969 เธอก็กลายเป็น ผู้กำกับศิลป์โรงภาพยนตร์ ในปี 1973 เธอได้รับเชิญให้เป็นหัวหน้าคณะบัลเล่ต์ โรงละครโอเปร่าในเมืองวุพเพอร์ทัล และในไม่ช้าคณะก็แยกจากกัน บริษัทเต้นรำ— วุพเพอร์ทัล แทนซ์เธียเตอร์ ละครเต้นรำเป็นประเภทที่คิดค้นโดย Kurt Jooss โดยมีการผสมผสานบัลเล่ต์ โอเปร่า และละครบนเวที ในการแสดงของ Pina Bausch ศิลปินสามารถเต้นรำได้ และอีกหนึ่งนาทีต่อมาก็หยิบหีบเพลงขึ้นมาและร้องเพลง หรือจุดบุหรี่แล้วเริ่มพูดถึงวัยเด็กของคุณ บ่อยครั้งที่ Pina ขอให้ศิลปินคิดถึงบางสิ่งบางอย่างและแสดงเรื่องราวของพวกเขาในการซ้อมครั้งถัดไป เธอสามารถรวบรวมการแสดงทั้งหมดจากเรื่องที่สนใจดังกล่าวได้

The Rite of Spring ซึ่งเป็นบัลเล่ต์ที่เธอแสดงในช่วงเริ่มต้นของการดำรงอยู่ของคณะ (โดยปกติแล้วนักออกแบบท่าเต้นจะมาที่นี่เฉพาะในช่วงจุดสูงสุดของอาชีพการงานเท่านั้น) สร้างชื่อเสียงให้กับ Dance Theatre ของ Pina Bausch เวอร์ชันของเธอสำรวจความขัดแย้งระหว่างมนุษย์และสังคม: ในฉากแห่งความเสียสละ Chosen One ต่างจากเวอร์ชันคลาสสิกที่ยังไม่พร้อมที่จะสละชีวิตของเธอเพื่อความอุดมสมบูรณ์ของโลก แต่ต่อสู้เพื่อสิ่งสุดท้ายเพื่อสิทธิของเธอ ที่จะมีเสียง แน่นอนว่าประชาชนอดไม่ได้ที่จะประทับใจกับหนึ่งในนั้น โซลูชั่นฉาก: นักแสดง Dance Theatre เต้นระบำบนพื้นอย่างแท้จริง

ในปี 2011 Wim Wenders ได้เปิดตัวภาพยนตร์เรื่อง Pina ซึ่งทำให้เธอเป็นนักออกแบบท่าเต้นร่วมสมัยที่โด่งดังที่สุดในปัจจุบัน

1980
ฮิพฮอพ

Afrika Bambaataa และ The Soul Sonic Force พร้อมเพลง "Planet Rock" 1982

ในทศวรรษ 1970 ดีเจไม่เพียงแต่เริ่มเล่นแผ่นเสียงบนเครื่องเล่นแผ่นเสียงเท่านั้น แต่ยังเริ่มใช้เครื่องเล่นแผ่นเสียงเพื่อสร้างเพลงด้วย (เช่น เล่นเพลงบางส่วนจากดิสก์ซ้ำ) ดีเจวิทยุปรากฏตัว; ใหม่ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เริ่มเล่น ในนิวยอร์กในเซาท์บรองซ์ ฮิปฮอปสไตล์แรกเกิดขึ้น - เบรกแดนซ์ การเต้นรำแบบนักกีฬานี้จะผสมผสานการเดินเท้าเข้ากับการหมุนกายกรรมบนศีรษะ หลัง และแขน สิ่งเหล่านี้ได้เพิ่มการเคลื่อนไหวเป็นระยะๆ คล้ายหุ่นยนต์ของการแช่แข็งและการล็อค เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวที่นุ่มนวลขึ้น ราวกับว่ากระแสไฟฟ้ากำลังผ่านส่วนต่างๆ ของร่างกาย หลังจากบีบอย (Crazy Legs, Prince Ken Swift, Orko) บีเกิร์ลก็ปรากฏตัวขึ้น (หนึ่งในกลุ่มแรกคือมาซามิที่เกิดในญี่ปุ่น)

ในช่วงทศวรรษ 1980 ร่วมกับ แร็พยอดนิยมโรงเรียนฮิปฮอปเก่าที่เรียกว่ากำลังมาสู่ฟลอร์เต้นรำ - ครอบคลุมมากขึ้นโดยเน้นที่การใช้เท้ามากกว่าการแสดงผาดโผน ตัวละครใหม่เกิดขึ้น: โรโบคอป, โรเจอร์แรบบิท, รันนิ่งแมน

การเต้นรำแบบฝรั่งเศสใหม่และไม่ใช่การเต้นรำ

“การประกาศ” โดย Angelin Preljocaj 1996

ในฝรั่งเศสการเต้นรำสมัยใหม่เกิดขึ้นช้ามาก: อิทธิพลของบัลเล่ต์คลาสสิกนั้นทรงพลังเกินไป จนถึงทศวรรษ 1970 การเต้นรำที่ไม่ใช่คลาสสิกได้รับการฝึกฝนอย่างลับๆ ในโรงยิมหลังเลิกงานเป็นประจำ ในปี 1968 การนัดหยุดงานของนักเรียนสร้างความสั่นสะเทือนไปทั่วยุโรป บังคับให้มีการตรวจสอบคุณค่าบางอย่างทางศิลปะอีกครั้ง และทันใดนั้นการเต้นรำสมัยใหม่ก็สามารถปรากฏบนเวทีจริงได้ และในช่วงทศวรรษ 1980-90 สิ่งที่เรียกว่าการกระจายอำนาจการเต้นรำเริ่มต้นขึ้นในฝรั่งเศส: ศูนย์เต้นรำมืออาชีพถูกสร้างขึ้นทั่วประเทศ นำโดยนักออกแบบท่าเต้นรุ่นเยาว์: Dominique Bague, Angelin Preljocaj, Magi Marin, Joseph Nadge และคนอื่น ๆ เป้าหมายของนโยบายวัฒนธรรมนี้คือการกำจัดการแบ่งแยกระหว่างศิลปะประจำจังหวัดและนครหลวงซึ่งถือว่ามีความเป็นมืออาชีพมากกว่า

นอกจากนี้ในช่วงทศวรรษ 1980-90 อีกทิศทางหนึ่งก็งอกออกมาจากการเต้นรำแบบฝรั่งเศสแบบใหม่ซึ่งมักเรียกว่าการเปรียบเทียบแบบฝรั่งเศสกับลัทธิหลังสมัยใหม่ของอเมริกา - สิ่งที่เรียกว่าไม่เต้นรำ (หรือไม่ใช่เต้นรำ) ตัวแทนเกือบทั้งหมด (โดยเฉพาะ Jerome Bel, Boris Charmatz, Xavier Le Roy) เป็นนักเรียนหรือนักเรียนของผู้สร้างการเต้นรำแบบฝรั่งเศสแบบใหม่ซึ่งมีฐานการออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยม แต่การเต้นรำสำหรับพวกเขาไม่ใช่วิธีการหลักอีกต่อไป การแสดงออกทางศิลปะ: พวกเขากำลังถอยห่างจากการออกแบบท่าเต้น โดยใช้การแสดงละครและการแสดงด้นสด การร้องเพลงและยืนขึ้น การฉายวิดีโอ และคอมพิวเตอร์กราฟิกในการแสดงและการแสดง

ทศวรรษ 1990
แลมบาดาและมากาเรนา

"แลมบาดา" แสดงโดย วง เก้ามะ 1989

ปี 1989 เมื่อกำแพงเบอร์ลินพังทลายลงและเริ่มมีรอยร้าว สหภาพโซเวียตกลายเป็นสีสันด้วยเสียงแลมบาดาที่แสดงโดยกลุ่ม Kaoma การเต้นรำแบบละตินอเมริกานี้เป็นทายาทสายตรงของการจับคู่: การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วเท่า ๆ กัน หากไม่ใช่การเคลื่อนไหวที่เร้าอารมณ์มากกว่า เช่นเดียวกับ "แทงโก้บราซิล" แลมบาดามาจากเมืองริโอ และท่วงทำนองของมันก็เหมือนกับทำนองที่ตรงกันที่ถูกเล่นอย่างรวดเร็วจนฟันจะหลุด

เรื่องราวที่คล้ายกันนี้เกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1990 กับ Macarena ก่อนอื่นคู่หูป๊อปชาวสเปน Los del Río แสดงเพลงเกี่ยวกับผู้หญิงชื่อ Macarena (Magdalena) เขียนใน จังหวะดนตรีด้วยแนวเพลงแอฟโฟร - คิวบาที่คลั่งไคล้เพลงนี้จึงกลายเป็นเพลงฮิตในทันที และไม่ใช่แค่เพลงเท่านั้น ในวิดีโอมีการแสดงการเต้นรำแบบเรียบง่ายพร้อมชุดท่าเต้น ซึ่งเหมาะอย่างยิ่งสำหรับทุกคนที่จะแสดงร่วมกันในพื้นที่คับแคบของดิสโก้

กาก้า

“Deca Dance” ออกแบบท่าเต้นโดย โอหาด ณ หรินทร์ ปี 2543

Batsheva Dance Company ในเทลอาวีฟเปิดทำการโดย Martha Graham และ Baroness Batsheva de Rothschild ย้อนกลับไปเมื่อปี 1964 แต่กลับกลายเป็นศูนย์กลางที่แท้จริงของการเต้นรำสมัยใหม่ในช่วงทศวรรษ 1990 เมื่อ Ohad Naharin เป็นหัวหน้า นาคารินน่าจะเป็นนักออกแบบท่าเต้นร่วมสมัยที่มีอิทธิพลมากที่สุด ซึ่งทั้งนักบัลเล่ต์และนักเต้นร่วมสมัยต่างใฝ่ฝันที่จะร่วมงานด้วย และผลงานของเขาได้แสดงในโรงละครใหญ่ๆ ทุกแห่งในโลก

โอหัง นหริน ได้สร้างภาษาท่าเต้นของตัวเองขึ้นมา เรียกว่า กาก้า ตามที่นักออกแบบท่าเต้นกล่าวไว้ กาก้าไม่ใช่สไตล์การออกแบบท่าเต้น แต่เป็นวิธีการเคลื่อนไหว กาก้าฝึกซ้อมในห้องโถงที่ไม่มีกระจก (แม้ว่าโดยปกติแล้วกระจกจะจำเป็นสำหรับโลกแห่งการเต้นรำซึ่งเป็นองค์ประกอบของการควบคุมตนเอง) บุคคลภายนอกไม่ได้รับอนุญาตให้เข้ามาฝึกซ้อม และครูก็เต้นรำร่วมกับนักเรียนของเขา มีชั้นเรียน “กาก้า/นักเต้น” ซึ่งมืออาชีพเรียน และ “กาก้า/บุคคล” ที่คุณสามารถมาฝึกเต้นได้ หน้าที่ของกาก้าคือการรู้สึกถึงร่างกายของเขา รู้สึกถึงทุกอณูของร่างกายของเขา อยู่ในร่างกายของเขาและภายนอกร่างกายไปพร้อมๆ กัน โดยไม่สูญเสียความเหน็บแนมในตัวเอง นี่เป็นหนึ่งในเทคนิคที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในปัจจุบัน

ในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 การเต้นรำแบบชาร์ลสตันได้รับความนิยมเป็นพิเศษ เชื่อกันว่าชาร์ลสตันมีรากฐานมาจากแอฟริกันอเมริกันและมาจากเมืองชาร์ลสตัน (เซาท์แคโรไลนา) ไม่ว่าสิ่งนี้จะเป็นเช่นนั้นหรือไม่ก็ไม่ทราบแน่ชัด จังหวะของการเต้นรำนี้ร้อนแรงมากจนทั้งโลกเริ่มเต้นรำที่ชาร์ลสตัน การเต้นรำไม่ได้เกิดขึ้นทันที การเคลื่อนไหวหลายอย่างถือว่าไม่เหมาะสม แต่เมื่อเวลาผ่านไปก็ได้รับความนิยมอย่างมากในปี 1926 ผู้กำกับ Ernest Lubitsch ผู้กำกับภาพยนตร์เรื่อง This Is Paris ได้รวมตัวเลขอันยิ่งใหญ่ไว้ในนั้น - "Un ballo in maschera" ซึ่งมีผู้เข้าร่วม 2,500 คนเต้นรำชาร์ลสตัน
ทันสมัย
ในยุค 30 คลื่นแห่งการเต้นรำรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้นในทวีปอเมริกาและในยุโรป หนึ่งในนั้นคือ Lindi Hop การเต้นรำบอลรูมที่มีการตีกลับนี้มีชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่นักบินชื่อดัง Lindbergh ซึ่งเป็นคนแรกที่บินข้ามมหาสมุทรแอตแลนติก ภายใต้อิทธิพลของดนตรีแจ๊ส ลินดี้ฮอปค่อยๆ กลายเป็นวงสวิง และท่วงทำนองสีดำเจ้าอารมณ์เป็นจุดเริ่มต้นของบูกี้ วุกกี้ ในอเมริกาการเต้นรำนี้มักถูกเรียกว่า Jitterbag ในเกาะอังกฤษ - การหลอกลวง ตอนนี้เรารู้จักการเต้นรำนี้ว่าเป็นร็อกแอนด์โรล ความกระวนกระวายใจนั้นเองเมื่อรวมเอาการเคลื่อนไหวของ Lindy Hop และ Charleston เข้าด้วยกันทำให้เกิดดิสโก้ในรูปแบบการเต้นรำ

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 กระแสร็อกแอนด์โรลได้ปะทุขึ้นทั่วโลก ในปี 1954 ภาพยนตร์เรื่อง "Rock around the Clock" และ "Seed of Violence" โดยมีส่วนร่วมของ Bill Haley ได้รับการฉายบนจอภาพยนตร์ในยุโรปซึ่งมีส่วนทำให้ความนิยมในการเต้นรำเพิ่มมากขึ้น ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 ร็อกแอนด์โรลคลื่นลูกแรกได้หมดสิ้นลง ถึงเวลาแล้วสำหรับการบิด เขย่า จังหวะ และการเต้นรำอื่นๆ การกลับมาของการเต้นรำเริ่มขึ้นในปี 1968 และเกี่ยวข้องกับผลงานของเดอะบีเทิลส์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2517-2518 ร็อกแอนด์โรลถือเป็นการเต้นรำที่ทันสมัย ​​และปัจจุบันเรียกว่าการเต้นรำกีฬาสมัยใหม่
ในยุค 70 การเต้นรำดิสโก้กำลังได้รับความนิยม การปรากฏตัวของเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อธรรมชาติของดนตรีและลักษณะการแสดงได้ ดิสโก้บูมที่แท้จริงเกิดจากภาพยนตร์เรื่องนี้ออกฉายในปี 1977 ภาพยนตร์เรื่อง "Saturday Night Fever" ในนั้น John Travolta เต้นรำดิสโก้โดยมีองค์ประกอบทั้งหมดที่เป็นลักษณะเฉพาะของสมัยนั้น ในภาพยนตร์เรื่อง "Glory" ในยุค 80 ผู้คนกว่าห้าร้อยคนเต้นรำดิสโก้บนถนน ในประเทศของเราความนิยมอย่างมากของสไตล์ดิสโก้ได้รับการอำนวยความสะดวกจากการแสดงบัลเล่ต์ทางโทรทัศน์ GDR "Friedrichstadt Palace" ทุกวันนี้ การเคลื่อนไหวดิสโก้ถูกใช้โดยนักแสดงป๊อปและโมเดิร์นแดนซ์เกือบทั้งหมด
ดนตรีที่เข้มข้นและหลากหลายมากขึ้นมาพร้อมกับการกำเนิดของเครื่องดนตรีไฟฟ้าชนิดใหม่ ซึ่งยิ่งมีความแตกต่างมากขึ้น สไตล์ดนตรีและกับพวกเขา สไตล์ต่างๆเต้นรำ.
ในช่วงปลายยุค 80 และต้นยุค 90 ด้วยการถือกำเนิดของวิดีโอ สไตล์บางสไตล์ก็ได้รับความนิยม ผลงานของ Michael Jackson ซึ่งในขณะนั้นเป็นที่รู้จักในนามราชาแห่งดนตรีป๊อปและราชาแห่งการเต้นรำ ทำให้เกิดการแสดงรูปแบบใหม่ - "a la Jackson" วิดีโอที่โด่งดังที่สุดของเขาจากอัลบั้ม "Thriller", "Bad" ใช้ดิสโก้ เบรก การเคลื่อนไหวฮิปฮอป

ความนิยมในการเต้นรำแบบละตินอเมริกาทำให้เกิดการเต้นรำยอดนิยมเช่น Lambada และ Macarena ท่วงทำนองที่ก่อความไม่สงบพร้อมลักษณะการแสดงที่มีลักษณะเฉพาะทำให้เกิดการเคลื่อนไหวชุดหนึ่งซึ่งกลายเป็นการเต้นรำที่ได้รับความนิยมอย่างมาก - Lambada และ Macarena

แนวเบรกแดนซ์และฮิปฮอป การเต้นรำซึ่งคล้ายกับการทำลายล้างมากเป็นที่รู้จักในช่วงที่เป็นทาส ในนิวออร์ลีนส์พวกเขาเรียกมันว่า Kongo Square Dance เขาได้รับชื่อนี้จากชื่อของจัตุรัส - จัตุรัส Kongo ซึ่งครั้งหนึ่งทาสเคยมารวมตัวกัน ที่นั่นพวกเขาไม่เพียงสื่อสารและผ่อนคลายเท่านั้น แต่ยังแข่งขันศิลปะการเต้นรำด้วย มีทาสอยู่ เชื้อชาติที่แตกต่างกัน: ชาวแอฟริกัน ลาตินอเมริกา ฯลฯ การแบ่ง "ทีม" ตามเชื้อชาติ ทำให้การแข่งขันมีความเร่งด่วนเป็นพิเศษ องค์ประกอบของการแสดงผาดโผนในการเต้นพบได้ในหลายประเทศ ช่วงพักประกอบด้วยองค์ประกอบของการเต้นรำแบบแอฟริกัน ชิ้นส่วนศิลปะการต่อสู้ของทาสชาวบราซิล - "คาโปเอร่า" และอื่นๆ อีกมากมาย

ประวัติศาสตร์ของการแตกหักเริ่มขึ้นในปี 2505 ในเซาท์บรองซ์ ผู้ก่อตั้งถือเป็น DJ Cool Herk เขามาจากจาเมกามาที่บรองซ์และพามาด้วย ประเพณีที่ดีที่สุดคิงส์ตัน การเต้นรำบนท้องถนน. เขาคิดมันขึ้นมาในปี 1969 คำว่า "B-Whoa" มาจากคำย่อ "break boy" ซึ่งแปลว่า "คนที่หยุดเต้น" จากฝูงชนนักเต้น นักเต้นที่เก่งที่สุดก็ออกมาบนเวทีและแสดงทักษะของพวกเขา สิ่งที่เรียกว่า “การทะเลาะกัน”
ช่วงเวลาเดียวกันนั้นคือในปี 1969 DJ Africa Bambaata เป็นผู้บัญญัติคำว่า "ฮิปฮอป" เพื่อเป็นสัญลักษณ์สำหรับวัฒนธรรมทั้งหมดของคนรุ่นใหม่ เขาไม่เพียงแต่รวมการเต้นรำเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงศิลปะในการอ่านข้อความเป็นเพลง (แร็พ) และกราฟฟิตี (ภาพวาดบนผนังด้วยสีสเปรย์)

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 การเบรกเกิดขึ้นในรูปแบบของการเต้นรำสองสไตล์: สไตล์กายกรรมนิวยอร์ก (ต่ำหรือพัง) และสไตล์ละครใบ้ลอสแองเจลิส (ขึ้นหรือ "บูกี้ไฟฟ้า") ด้วยการเปลี่ยนแปลงของกระแสดนตรี เทคนิคการเต้นเบรกแดนซ์จึงเปลี่ยนไปและมีความซับซ้อนมากขึ้น ในยุค 80 ภาพยนตร์เกี่ยวกับเบรกและฮิปฮอปกำลังเปิดตัว: "Wild Style", "Style Wars", "Beat street", "Graffiti Rock" หนึ่งปีต่อมา San Francisco Ballet Theatre เปิดฤดูกาลด้วยคอนเสิร์ตกาล่าคอนเสิร์ตของเบรกเกอร์ 46 คน เบรกเกอร์หลายร้อยคนเต้นรำในพิธีปิดการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกที่ลอสแองเจลิส

การแตกหักมาถึงรัสเซียในช่วงปลายยุค 80 - ภาพยนตร์เรื่อง "How to Become a Star", "Courier" ฯลฯ เทศกาลเต้นรำเบรกจัดขึ้นที่เมืองโซชีในภูมิภาคมอสโก ฯลฯ จากนั้นแฟชั่นสำหรับการแตกหักก็ลดลง ในปี 2538 - 2540 การเบรกกลายมาเป็นแฟชั่นอีกครั้ง: มีพลังมากขึ้น เต็มไปด้วยองค์ประกอบกายกรรมและพลัง การเดินและการกระโดดที่รวดเร็ว การต่อสู้ระหว่างประเทศ - การแข่งขันแบบทีม - เริ่มปรากฏให้เห็น
Hot top-techno แปลจากคำแสลงภาษาอังกฤษเป็นเทคนิคการเคลื่อนไหวที่ร้อนแรง สไตล์ปรากฏในยุค 70 และต้นยุค 80 ก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่และโรงเรียนอื่นๆ เป็น สไตล์ถนนการเต้นรำรวมถึงองค์ประกอบของดิสโก้ แฟลช สตรีทแจ๊ส (บอนนี่ เอ็ม, อาฟริก ไซมอน, มิลลี วานิลลี ฯลฯ)

หากมองอย่างใกล้ชิด สไตล์ทันสมัยและเทคนิคของนักเต้นคุณสามารถเห็นการเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในการเต้นรำพื้นบ้านได้อย่างง่ายดาย ในระหว่างการก่อตัวของแต่ละสไตล์แต่ละสไตล์จะดูดซับลักษณะเฉพาะที่เป็นลักษณะของสภาพแวดล้อมประจำชาติหรือสัญชาติของนักแสดง
ไม่อาจกล่าวได้ว่ารูปแบบการเต้นทั้งหมดได้ถูกสร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์แล้ว นักแสดง นักออกแบบท่าเต้น และผู้กำกับทุกคนนำบางสิ่งบางอย่างมาให้พวกเขาตลอดเวลา ความนิยมของการเต้นรำนั้นมั่นใจได้จากการแสดงของกลุ่มและนักเต้นจำนวนมาก นักเต้นมืออาชีพและนักเต้นข้างถนนมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของสไตล์ต่างๆ การเต้นรำร่วมสมัยไม่ใช่แค่การเต้นรำตามแฟชั่นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเต้นรำตามท้องถนนด้วย

การเต้นรำสมัยใหม่มีความหมายเหมือนกันกับสำนวน "การเต้นรำยอดนิยม", "การเต้นรำแบบป๊อป" การเต้นรำสมัยใหม่อาจเป็นป๊อปก็ได้ แต่ป๊อปแดนซ์ไม่ใช่สมัยใหม่เสมอไป

คำว่า "ป๊อปแดนซ์" เป็นผลงานของประวัติศาสตร์ศิลปะฆราวาส และประการแรกคือสะท้อนถึงสถานที่ที่นักแสดงเข้าไป นั่นไม่ใช่เวทีละคร แต่เป็นเวทีรายการวาไรตี้โชว์หรือคอนเสิร์ตฮอลล์ แนวคิดของ “ป๊อปแดนซ์” ยังรวมถึงสไตล์ของการเต้นรำพื้นบ้าน การเต้นรำกีฬา เดมิคลาสสิก การเต้นรำในรูปแบบท่าเต้นในชีวิตประจำวัน สเต็ป ปัจจุบันอยู่บนเวทีเราเห็นการแสดงค่อนข้างมากโดยใช้วิธีการเต้นแจ๊สหรือ การเต้นรำสมัยใหม่ ดังนั้น แนวคิดของ "การเต้นป๊อป" จึงรวมศิลปะการออกแบบท่าเต้นหลายแขนงเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม ปัจจุบันมหาวิทยาลัยและสถาบันวัฒนธรรมและศิลปะหลายแห่งมีแผนกการเต้นรำแบบ "ป๊อป" น่าเสียดายที่ไม่สามารถทำอะไรได้เกี่ยวกับความสับสนด้านคำศัพท์นี้

โดยสรุป ปัจจุบันมี 4 ระบบหลักๆ ของการเต้นรำคือ การเต้นรำคลาสสิก การเต้นรำแจ๊สสมัยใหม่ การเต้นรำสมัยใหม่ และการเต้นรำพื้นบ้าน เหล่านี้คือสาขาการเต้นรำที่มีประวัติของตนเอง โรงเรียนของตนเอง ระบบการฝึกอบรมนักแสดง และคำศัพท์ของตนเอง

ในขณะเดียวกัน ทิศทางของนาฏศิลป์ก็มีและพัฒนาไปเช่นกัน ซึ่งรวมถึงการเต้นรำบอลรูม สเต็ปแดนซ์ ฟลาเมงโก การเต้นรำทางสังคมหรือในชีวิตประจำวัน
อย่างไรก็ตามในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามีเทคนิคการเต้นรำแบบผสมผสานที่ผสมผสานระบบหลักทั้งหมดเข้าด้วยกันมากขึ้นเรื่อยๆ ประการแรกนักออกแบบท่าเต้นในผลงานของพวกเขาพยายามค้นหาสิ่งแปลกใหม่ที่ไม่ธรรมดาโดยไม่คำนึงถึงความเกี่ยวข้องของคำศัพท์ นักออกแบบท่าเต้นคิดในการเคลื่อนไหว และเนื่องจากนักออกแบบท่าเต้นมืออาชีพเชี่ยวชาญเทคนิคการเต้นมากมาย กระบวนการยืมและผสมผสานจึงหลีกเลี่ยงไม่ได้ และในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา มีคำหนึ่งเกิดขึ้น - CONTEMPORARY DANCE ซึ่งเป็นทิศทางของการเต้นรำที่ไม่สามารถนำมาประกอบกับสไตล์หรือระบบใด ๆ ได้ และนี่คือกระบวนการรวมตัวตามธรรมชาติ

วรรณกรรม:
1. “ การเต้นรำ” โดย Lucy Smith, มอสโก “ Astel” 2544
2. “พื้นฐานของการเต้นรำสมัยใหม่” S.S. Polyatkov, Rostov-on-Don “ฟีนิกซ์” 2549
3. “การเต้นรำแจ๊สสมัยใหม่ ขั้นตอนของการพัฒนา วิธี. เทคนิค" ว.ยู.นิกิติน.
4. “ เส้นสู่อนันต์: บันทึกส่วนตัวเกี่ยวกับสมัยใหม่
การออกแบบท่าเต้น" Yu.M. Churko, Mn.: Polymya, 1999. 224 น.

ช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีปรากฏการณ์รูปแบบและการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมและศิลปะที่หลากหลาย วัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะโลก ต้องขอบคุณดนตรีเป็นหลัก แนวดนตรีและกระแสใหม่ๆ เช่น แจ๊ส บลูส์ แร็กไทม์ จากดนตรีใหม่และการเคลื่อนไหวแบบแอฟริกัน การเต้นรำและสไตล์การเต้นใหม่ๆ เกิดขึ้น - "Shimmy", "Black Bottom", "Charleston", "Two-step", "cakewalk" ฯลฯ

การเต้นรำทั้งหมดนี้รวมกันด้วยความเบาสบายและใคร ๆ ก็พูดได้ว่าเป็นคนโง่เขลา จากการเต้นรำเหล่านี้ รูปแบบการเต้นและประเภทย่อยใหม่ๆ ก็เกิดขึ้นในเวลาต่อมา ตัวอย่างเช่น การเกิดขึ้นของการเต้นรำบอลรูมมืออาชีพบางประเภท - ฟ็อกซ์ทรอต การพูดหลอกลวง และควิกสเต็ป มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการเต้นรำแบบเค้กวอล์ก การเต้นรำแบบสองขั้นตอน ( ชิมมี่) และก้นสีดำ ลีลาการเต้นรำตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 พบได้ในบัลเล่ต์ "The Golden Age" โดย D. Shostakovich ในละคร "Bayadera" โดย I. Kalman และในการแสดงอื่น ๆ

การเต้นรำแจ๊สจะค่อยๆ เข้าสู่รูปแบบการแสดงละคร ซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของสไตล์ใหม่ - ดนตรีแจ๊สบรอดเวย์ คำว่าดนตรีแจ๊สบรอดเวย์มาจากชื่อของโรงละครที่ตั้งอยู่บนถนนชื่อเดียวกันในนิวยอร์ก ดนตรีแจ๊สบรอดเวย์พบได้ในละครเพลงเป็นหลัก แต่ยังพบเห็นได้ในภาพยนตร์ การแสดงต่างๆ และการแสดงละครอีกด้วย

นักออกแบบท่าเต้นและผู้กำกับ Bob Fosse มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีแจ๊สบรอดเวย์ ภาพยนตร์เรื่อง "Cabaret", "Sweet Charity", "All That Jazz" ฯลฯ ของเขา รวมถึงการเต้นรำสำหรับพวกเขาได้รับความนิยม ความสำเร็จที่ดีและวันนี้ เนื้อเรื่องของภาพยนตร์เพลงเรื่อง "Sweet Charity" ถูกสร้างขึ้นจากภาพยนตร์เรื่อง "Nights of Cabiria" ของ F. Fellini บ็อบ ฟอสส์ เผยตัวละครของคนในสังคมชั้นสูงที่ไม่ธรรมดา โลกฝ่ายวิญญาณ- โลกแห่งสิ่งต่าง ๆ อยู่ใกล้พวกเขาและ สินทรัพย์ที่เป็นวัสดุ. แนวคิดนี้ถ่ายทอดผ่านท่าเต้นที่แม่นยำมากซึ่งเผยให้เห็นบุคลิกของตัวละคร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 สไตล์อาร์ตนูโวและการเต้นรำแบบอิสระก็เกิดขึ้นเช่นกัน นักเต้นคนแรกที่ต่อต้านบัลเล่ต์คลาสสิกรูปแบบที่เข้มงวดคือ American Isadora Duncan การเต้นรำของเธอเป็นอิสระ สว่างไสว และมีองค์ประกอบของท่าทางและท่าทางของชาวกรีกโบราณ กอร์ดอน เครก ผู้กำกับชาวอังกฤษเขียนถึงเธอว่า “มีอะไรในตัวเธอนอกเหนือจากนี้ ไม่มีใครสามารถกำหนดได้ เธอคือผู้บุกเบิก ไม่ว่าเธอจะทำอะไร ทุกอย่างก็ทำได้อย่างง่ายดาย - หรือดูเหมือนเป็นเช่นนั้น นี่คือสิ่งที่ทำให้เธอดูแข็งแกร่ง เธอปล่อยการเต้นมาสู่โลกของเราด้วยความมั่นใจว่าเธอกำลังสร้างสิ่งที่ยิ่งใหญ่และเป็นความจริง”



เต้นฟรีได้รับการพัฒนาโดยนักเต้นชาวอเมริกัน Ruth St. Denis และสามี นักแสดง และนักออกแบบท่าเต้น Ted Shawn ของเธอ Ruth Saint Denis แสดงในชุดแปลกใหม่พร้อมการตกแต่งที่หรูหรา ซึ่งทำให้คอนเสิร์ตของเธอน่าตื่นเต้นยิ่งขึ้น ผลงานของเธอ ได้แก่ บัลเล่ต์ "Radha" กับดนตรีของ L. Delibes (1906) ซึ่งใช้ลวดลายของการเต้นรำในวัดของอินเดีย เธอพูดถึงการเต้นรำดังนี้: “ฉันเห็นการเต้นรำเป็นวิธีการสื่อสารระหว่างจิตวิญญาณและจิตวิญญาณ ผ่านการแสดงออกของทุกสิ่งที่ลึกซึ้งและละเอียดอ่อนมากในการถ่ายทอดเป็นคำพูด” ในปี 1915 Ruth St. Denis ร่วมกับสามีของเธอ Ted Shawn ได้ก่อตั้งคณะละครและโรงเรียนสอนเต้นรำ Denishawn ในลอสแองเจลิส บุคคลสำคัญในวงการโมเดิร์นแดนซ์หลายคนเรียนอยู่ที่โรงเรียนแห่งนี้ รวมถึง Martha Graham, Doris Humphrey และ Charles Weidman

คุณสมบัติที่โดดเด่นของการเต้นรำและสไตล์สมัยใหม่คือการปฏิเสธแนวและรูปแบบคลาสสิกที่เป็นเส้นตรงเพื่อสนับสนุนสิ่งที่ "เป็นธรรมชาติ" ที่เป็นธรรมชาติมากกว่ารวมถึงความสนใจในทุกสิ่งใหม่ ๆ สไตล์นี้ได้รับความนิยมไม่เพียงแต่ในการเต้นรำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพวาด ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และแม้แต่เสื้อผ้าและการออกแบบตกแต่งภายในด้วย คุณสมบัติของอาร์ตนูโวสามารถพบได้ในผลงานของ G. Klimt, A. Mucha, L. Bakst, A. Benois, M. Vrubel และอื่น ๆ ศิลปินอาร์ตนูโวได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะของญี่ปุ่น อียิปต์โบราณและอารยธรรมโบราณอื่นๆ

ศตวรรษที่ 20 ถือเป็นยุครุ่งเรืองของบัลเล่ต์รัสเซีย บัลเล่ต์ของ "Russian Seasons" ของ Diaghilev สร้างความฮือฮาอย่างแท้จริงในปารีสและทั่วโลก ไม่ใช่แค่บัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังเป็นการผสมผสานระหว่างท่าเต้น ดนตรี ทัศนียภาพ และทักษะของนักเต้นอย่างมีเอกลักษณ์ Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky, Serge Lifar และคนอื่น ๆ ฉายในคณะ "Russian Seasons" ความคิดสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น Mikhail Fokin, Leonid Myasine และคนอื่น ๆ เจริญรุ่งเรืองในคณะ "Russian Seasons" มีการสร้างเครื่องแต่งกายและฉากที่เป็นนวัตกรรมใหม่ โดยศิลปินเบอนัวส์, Bakst, Serov, Picasso และดนตรีสำหรับบัลเล่ต์เขียนโดย Igor Stravinsky, Erik Satie, Sergei Prokofiev, Claude Debussy และคนอื่น ๆ

"ฤดูกาลรัสเซีย" โดย Picasso เครื่องแต่งกายสำหรับบัลเล่ต์ "Cocked Corner"

Coco Chanel ยังร่วมมือกับคณะของ Diaghilev - เธอสร้างชุดสำหรับบัลเล่ต์ "Blue Express" เหล่านี้คือชุดวอร์มคลาสสิก เสื้อสเวตเตอร์ลายทาง ถุงเท้ายาวถึงเข่า และเสื้อคลุมเทนนิส โดยธรรมชาติแล้ว "ฤดูกาลของรัสเซีย" เป็นตัวตนของทุกสิ่งใหม่ ทันสมัย ​​และก้าวหน้า ดังนั้นประชาชนชาวฝรั่งเศสจึงคลั่งไคล้ด้วยความยินดีและตกใจ

บัลเล่ต์ "Blue Express" ภาพเหมือนของ Diaghilev (ศิลปิน V. Serov)

George Balanchine นักออกแบบท่าเต้นที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 ยังได้ร่วมงานกับ Diaghilev อีกด้วย สำหรับฤดูกาลของรัสเซีย เขาได้แสดงบัลเลต์ Apollo Musagete ให้กับดนตรีของ Igor Stravinsky และ The Prodigal Son ให้กับดนตรีของ Sergei Prokofiev บัลเล่ต์ทั้งสองประสบความสำเร็จ แต่ในไม่ช้า George Balanchine ก็ออกจาก "ฤดูกาลของรัสเซีย" และไปลอนดอนและโคเปนเฮเกนก่อนและต่อมาก็ไปที่สหรัฐอเมริกา Balanchine ร่วมกับ L. Kerstein ศิลปินชื่อดังได้ก่อตั้งโรงเรียนบัลเลต์อเมริกัน จากนั้นจึงก่อตั้งกลุ่มมืออาชีพ ซึ่งปัจจุบันเป็นที่รู้จักของทุกคนในชื่อ New York City Ballet . ที่นี่เขาแสดงบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงของเขา - "Serenade" สำหรับดนตรีของ Tchaikovsky, "Concerto Baroque" สำหรับเพลงของคอนแชร์โตของ Bach สำหรับไวโอลินสองตัว, "Symphony in C Major" สำหรับดนตรี ซิมโฟนีของ Bizet เพลง "Brilliant Allegro" ไชคอฟสกี เปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 3 “คาราโคล” สู่ดนตรี โมสาร์ท "ตอน" เกี่ยวกับดนตรี Webern และคนอื่น ๆ Balanchine มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาประเพณีการเต้นรำคลาสสิกในอเมริกา บัลเล่ต์ของเขาเป็นแบบผสมผสาน การออกแบบท่าเต้นคลาสสิกด้วยสุนทรียภาพใหม่ของท่าโพส รูปแบบการเต้น และสำเนียงดนตรี Balanchine สร้างสไตล์การเต้นใหม่ "นีโอคลาสสิก" ซึ่งกลายมาใกล้กับนักออกแบบท่าเต้นหลายคน - Jerome Robbins, Alexei Ratmansky, Benjamin Millepied และคนอื่น ๆ

Balanchine และคณะของเขา ภาพถ่ายโดยดวน มิเชลส์

พัฒนาการของบัลเล่ต์รัสเซีย (โซเวียต) ในศตวรรษที่ 20 ได้รับอิทธิพลจาก อิทธิพลใหญ่นักออกแบบท่าเต้นและผู้กำกับ Rostislav Zakharov บัลเล่ต์ของ Zakharov เป็นผลงานละครที่สมบูรณ์ซึ่งมีโครงสร้างที่มีความสามารถจากมุมมองของทิศทาง บัลเล่ต์สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ” น้ำพุบัคชิซาราย"สำหรับเพลงของ Asafiev ขับร้องโดยนักบัลเล่ต์ในตำนานสองคน ได้แก่ Galina Ulanova และ Maya Plisetskaya บัลเล่ต์เปรียบเทียบอำนาจและความหลงใหลของ Zarema (Plisetskaya) กับความอ่อนโยนและความซับซ้อนทางจิตวิญญาณของ Maria (Ulanova) ตัวละครของสิ่งที่ตรงกันข้ามสองประการนั้นไม่เพียงถ่ายทอดผ่านการแสดงเท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดผ่านการเคลื่อนไหวและท่าทางที่นักออกแบบท่าเต้นคิดไว้ตลอดจนผ่านดนตรีที่น่าตื่นเต้นของ Asafiev

บัลเล่ต์ "น้ำพุบัคชิซาราย"

Galina Ulanova และ Maya Plisetskaya

นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ Yuri Grigorovich ทิ้งร่องรอยไว้มากมายในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซีย บัลเล่ต์ของเขา "โรมิโอและจูเลียต", "สปาร์ตาคัส", "ตำนานแห่งความรัก" และอื่น ๆ รวมกันเป็นคอลเลกชันทองคำของการแสดงของโรงละครบอลชอย บัลเล่ต์ของ Grigorovich มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณ ขนาด และความกล้าหาญ ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการออกแบบท่าเต้น ทิวทัศน์ และดนตรี Grigorovich ร่วมมือกับนักออกแบบโรงละคร Simon Virsaladze ซึ่งเป็นผู้ออกแบบบัลเล่ต์ทั้งหมดของเขา Grigorovich ให้ความสำคัญกับดนตรีมากขึ้น บัลเล่ต์ของเขาไม่เพียงถ่ายทอดเนื้อหาของโครงเรื่องเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาของดนตรีด้วย เขาทำงานอย่างใกล้ชิดกับนักแต่งเพลง S. Prokofiev, A. Melikhov, A. Khachaturian, D. Shostokovich และคนอื่น ๆ V. Vanslov สังเกตถึงความสามัคคีที่น่าทึ่งของดนตรี การออกแบบท่าเต้น และการออกแบบทางศิลปะของบัลเล่ต์ของ Grigorovich:“ ในการแสดงของ Yu.N. Grigorovich ประสบความสำเร็จในการสังเคราะห์ศิลปะแบบออร์แกนิกอย่างผิดปกติ เป็นการยากที่จะตั้งชื่อผลงานสร้างสรรค์บนเวทีอื่น ๆ ที่ดนตรี การออกแบบท่าเต้น ทัศนศิลป์ การออกแบบท่าเต้น และทักษะการแสดง จะปรากฏเป็นการผสมผสานที่น่าทึ่ง ราวกับว่าทุกสิ่งทุกอย่างมีต้นกำเนิดจากแหล่งเดียวและหลั่งไหลมาจากผู้สร้างเพียงคนเดียว ราวกับ ในหนึ่งลมหายใจ. การสังเคราะห์ศิลปะอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น ไม่ว่าจะเป็นพลาสติก เวที และอื่นๆ ก็เป็นหนึ่งในเทรนด์เช่นกัน วัฒนธรรมทางศิลปะศตวรรษที่ XX"

Ekaterina Maksimova และ Vladimir Vasiliev, Maris Liepa, Natalya Bessmertnova และคนอื่น ๆ ฉายในบัลเล่ต์ของ Grigorovich ผู้สร้างภาพลักษณ์ใหม่และตัวละครใหม่ในบัลเล่ต์ V. Vanslov เขียนเกี่ยวกับสิ่งนี้:“ ในการแสดงของ Grigorovich มีการเปิดเผยและพัฒนานักเต้น - นักแสดงประเภทใหม่ซึ่งสามารถรวบรวมเนื้อหาดราม่าและจิตวิทยาเชิงลึกในส่วนการเต้นรำที่ซับซ้อนได้ ไม่ใช่ความสามารถด้านเทคนิคนอกภาพและไม่ใช่ภาพนอกการแสดงออกทางการเต้นรำ แต่เป็นการผสมผสานระหว่างความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงเข้ากับการเต้นที่ได้รับการพัฒนาและเข้มข้นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์การแสดงในบัลเล่ต์ของ Grigorovich”

บัลเล่ต์ "สปาร์ตาคัส"

การออกแบบฉากบัลเล่ต์ "Ivan the Terrible"

บัลเล่ต์ของนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียร่วมสมัย Boris Eifman มีความโดดเด่นด้วยขนาดและความลึกของท่าเต้น บัลเล่ต์ของเขาที่สร้างจากผลงานของ Tolstoy, Dostoevsky, Chekhov และคนอื่น ๆ เป็นผลงานศิลปะที่แท้จริง บัลเลต์เต็มไปด้วยปรัชญาอันลึกซึ้ง และ Eifman ได้รับการขนานนามว่าเป็น "นักออกแบบท่าเต้น-ปราชญ์" ท่าเต้นที่ประดิษฐ์โดย Eifman สามารถเปรียบเทียบได้กับภาพวาดและประติมากรรมของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่และพลาสติกก็มีในตัวเอง สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ผสมผสานพื้นฐานการเต้นรำคลาสสิกเข้ากับเทรนด์สมัยใหม่ ความสามารถทางเทคนิคของนักเต้นทำให้ผู้ชื่นชอบศิลปะบัลเล่ต์ประหลาดใจและสร้างความพึงพอใจ “ อาจารย์ Eifman (และข้อดีของเขาในเรื่องนี้ไม่น้อยไปกว่านักออกแบบท่าเต้น) ได้เลี้ยงดูนักเต้นสากลรูปแบบใหม่ที่สามารถทำทุกอย่างได้ นักเต้นของ Eifman ลอยอยู่ในอากาศราวกับถูกลิดรอน แรงโน้มถ่วง. พวกเขาไม่มีขีดจำกัดในการควบคุมร่างกายของตน พวกเขาสามารถรับมือกับเทคนิคกายกรรมที่ยากที่สุดและขั้นตอนที่ไม่อาจจินตนาการได้มากที่สุด การเต้นรำไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับแขนและขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงร่างกายด้วย นักบัลเล่ต์ของ Eifman ไม่มีกระดูกและไม่มีตัวตน: ในการร้องเพลงคู่พวกเขาพันกันรอบคู่ของพวกเขาเหมือนเถาวัลย์ เต้นรำชาร์ลสตันอย่างห้าวหาญเหมือนนักเต้นคาบาเร่ต์ตัวจริง ยืนบนรองเท้าปวงต์และมองดูลอยข้ามเวทีราวกับว่า " ทะเลสาบสวอน“ เราไม่ได้เต้นอะไรเลยมานานแล้ว” Bella Yezerskaya เขียน

บัลเล่ต์ "Red Giselle" นักออกแบบท่าเต้น B. Eifman ในภาพ Vera Arbuzova (ภาพ: Nina Alovert)

บัลเล่ต์ "แอนนา คาเรนินา"

Eifman ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับคณะบัลเล่ต์ ดังที่ Bella Yezerskaya เขียนว่า: “Eifman สร้างสรรค์คณะบัลเล่ต์ที่หาได้ยากในความบังเอิญ การแสดงออก และความแม่นยำของการเคลื่อนไหวแต่ละอย่าง ความพิเศษในการแสดงของเขาได้รับความเฉียบคมที่แปลกประหลาด เช่น ในฉากการสาธิตบทเพลงปฏิวัติใน “Red Giselle” หรือการแสดงออกทางประติมากรรม เช่นใน “Requiem” ของ Mozart หรือความสมบูรณ์คลาสสิก เช่นใน “Tchaikovsky ” ฉากสุดท้ายของบัลเล่ต์ "Anna Karenina" นั้นน่าทึ่ง ซึ่งศิลปินบรรยายการเคลื่อนไหวของรถไฟได้อย่างแม่นยำโดยใช้ท่าเต้น รวมถึงรสนิยมการออกแบบท่าเต้น เครื่องแต่งกาย และทิวทัศน์ที่ประณีตและประณีตซึ่งมีอยู่ในบัลเล่ต์ของ Eifman

สำหรับบัลเล่ต์ตะวันตก ชะตากรรมของศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการตัดสินโดยนักออกแบบท่าเต้นที่โดดเด่น: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kylian, John Neumeier ฯลฯ ทุกคนทิ้งร่องรอยอันเป็นเอกลักษณ์ไว้ในประวัติศาสตร์จนไปถึง ครองใจผู้ชมผ่านผลงานของพวกเขาและสร้างสรรค์สไตล์การเต้นที่เป็นเอกลักษณ์และน่าจดจำของคุณเอง ซึ่งสร้างขึ้นบนพื้นฐานคลาสสิกพร้อมการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่เพิ่มเติม

ฉันอยากจะให้ความสนใจเป็นพิเศษกับผลงานของ Jiri Kylian การออกแบบท่าเต้นของเขามีความเบา ท่าโพสและรูปแบบที่แม่นยำ และการแสดงดนตรีที่น่าทึ่ง ดังที่รูดอล์ฟ นูเรเยฟเขียนไว้ว่า “มีจิริ คีเลียน ผู้ที่ฉันมีหูที่ “ทอง” ที่สุด ฉันอยากจะบอกว่า เขาเปลี่ยนคำอุปมาให้เป็นการเคลื่อนไหว: คิลเลียนได้ยินเสียงดนตรีและมองเห็นการเคลื่อนไหว" บ่อยครั้งที่ผลงานของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์ขัน ความชั่วร้าย และความคล่องแคล่วในการเคลื่อนไหว สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของเขา "Six Dances", "Symphony in D", "Birthday" ฯลฯ นี่เป็นข้อได้เปรียบที่ดีสำหรับนักออกแบบท่าเต้นเพราะจำเป็นต้องมีอารมณ์ขันและจำเป็นสำหรับมนุษย์และศิลปะ มีสถานที่ในความคิดสร้างสรรค์สำหรับทั้งบัลเล่ต์สำหรับเด็ก "The Child and the Magic" และผลงานละครจริงจัง "The Story of a Soldier" กับดนตรีที่ซับซ้อนของ Stravinsky..

บัลเล่ต์ "เด็กและเวทมนตร์"

"หกเต้นรำ"

แนวคิดของลัทธิหลังสมัยใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะการเต้นรำ คุณค่าหลักและเพียงอย่างเดียวของศิลปะหลังสมัยใหม่ถือเป็นเสรีภาพในการแสดงออกของศิลปินที่ไม่ จำกัด เสรีภาพในการคิดและความคิดสร้างสรรค์ ทั้งหมดนี้เป็นลักษณะของศิลปะการเต้นรำซึ่งรวมเอาหลักการพื้นฐานของลัทธิหลังสมัยใหม่เข้าไว้ด้วยกัน ศิลปะหลังสมัยใหม่ไม่มีข้อจำกัดหรือขอบเขตที่ชัดเจน ทำให้เกิดรูปแบบและกระแสใหม่ๆ มากมายในงานศิลปะ ในการเต้นรำ สิ่งเหล่านี้เป็นแบบร่วมสมัย คอนแทคอิมโพรไวส์ ฮิปฮอปแดนซ์ ป๊อปแดนซ์ ฟลายลอว์ ฯลฯ

การเต้นรำร่วมสมัยมีความเกี่ยวข้องกับชื่อต่างๆ เช่น Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs และ Meredith Monk เป็นต้น จุดเริ่มต้นของลัทธิหลังสมัยใหม่ในการเต้นรำควรถือเป็นผลงานของ โรงละคร Judson Church (โรงละคร Judson Dance) โรงละคร Judson Church นำกลุ่มนักเต้นทดลองที่เคยแสดงในนิวยอร์กซิตี้ที่โบสถ์ Judson Memorial Church ในหมู่บ้านกรีนิช หอศิลป์ และพิพิธภัณฑ์ที่เริ่มตั้งแต่ปี 1962

การทดลองเต้นแบบใหม่มีพื้นฐานมาจากหลักการด้นสดและท่าเต้นสมัยใหม่ พวกเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากนักแต่งเพลง John Cage และนักออกแบบท่าเต้น Merce Cunningham จอห์น เคจสนใจพุทธศาสนานิกายเซนและปกป้องหลักการแห่งโอกาสในกระบวนการสร้างสรรค์

Merce Cunningham ปกป้องหลักการเดียวกันนี้โดยเชื่อว่าเมื่อแต่งเพลงสิ่งนี้จะทำให้เรากำจัดโครงเรื่องและวิธีแก้ปัญหาแบบโปรเฟสเซอร์ออกไปได้ (แม้ว่าในความเห็นของเรา การไม่มีโครงเรื่องในการออกแบบท่าเต้นถือเป็นการละเว้น) แต่ในการเต้นสมัยใหม่ กระบวนการสร้างการเต้นมักมีความสำคัญ ไม่ใช่ผลลัพธ์ .

โรเบิร์ต มอร์ริส ศิลปินแนวคอนเซ็ปชวลที่ร่วมงานกับ Judson Theatre กล่าวว่า "เราพบกับนักเต้น จิตรกร นักดนตรี และกวีกลุ่มเล็กๆ ในเย็นวันอาทิตย์ และทดลองกับเสียง แสง ภาษา และการเคลื่อนไหวในสตูดิโอ นี่เป็นครั้งแรกของฉัน การมีส่วนร่วมในการวิจัยที่เกี่ยวข้องกับการเต้นรำ เมื่อฉันย้ายไปนิวยอร์กในปี 2504 ชั้นเรียนเหล่านี้ยังคงอยู่ในความคิดของฉัน ดังนั้น Judson Open Meeting จึงเข้ามาหาฉัน - แม้ว่าฉันจะจำไม่ได้แน่ชัดว่าฉันเกี่ยวข้องกับพวกเขาได้อย่างไร" (R. มอร์ริส)

โรเบิร์ต มอร์ริส, ลูซินดา ไชลด์ส, สตีฟ แพกซ์ตัน, อีวอนน์ ไรเนอร์, เดโบราห์ ไฮ, โทนี่ โฮลเดอร์, แซลลี่ กรอสส์, โรเบิร์ต เราเชนเบิร์ก, จูดิธ ดันน์ และโจเซฟ ชลิชเตอร์

นอกจากนี้ยังมีการจัดตั้งกลุ่มที่คล้ายกันซึ่งยึดหลักการที่คล้ายคลึงกัน เช่น Grand Union, Living Theatre, Open Theater เป็นต้น สมาคมเหล่านี้ยังปกป้องแนวคิดเรื่องโอกาส และบ่อยครั้งที่กระบวนการสร้างการเต้นรำมีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ หนึ่งในสมาชิกกลุ่มคือ Steve Paxton ผู้สร้างรูปแบบการติดต่อด้นสดซึ่งมีแนวคิดอยู่ที่การสัมผัสร่างกายของผู้คนโดยธรรมชาติ

สตีฟ แพกซ์ตัน

สำหรับการเต้นฮิปฮอปนั้นมีต้นกำเนิดในย่านด้อยโอกาสของชาวแอฟริกันอเมริกันในนิวยอร์กในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 ในขั้นต้น วัฒนธรรมฮิปฮอปและการเต้นรำมุ่งเน้นไปที่งานปาร์ตี้และการพักผ่อน (เพลงของดีเจจาเมกาและการบรรยาย) วัฒนธรรมฮิปฮอปในเวลาต่อมาตื้นตันใจด้วยเนื้อเพลงที่ท้าทายอย่างรุนแรงของการแร็พทางสังคม สะท้อนให้เห็นถึงความเป็นจริงอันโหดร้าย ( อันธพาลแร็พ 90s)และค่อย ๆ ซึมเข้าสู่มวลชนเข้าสู่ธุรกิจการแสดง การเต้นฮิปฮอปจึงแบ่งออกเป็นแบบเก่า (old school hip-hop) และรูปแบบใหม่ ( โรงเรียนใหม่). โรงเรียนเก่าประกอบด้วยเพลงป็อป ล็อคกิ้ง เบรกแดนซ์ และโรงเรียนใหม่แสดงถึงฮิปฮอปเชิงพาณิชย์มากขึ้นด้วยการเพิ่มท่าเต้นหลากหลายสไตล์ เช่น แจ๊สแดนซ์ คอนเทมโพรารีแดนซ์ ป็อปแดนซ์ ฯลฯ ฮิปฮอปมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยเสรีภาพ จังหวะ และทิศทางการเคลื่อนไหวลงสู่พื้นตลอดจนการผ่อนคลายเข่าและการโยกตัวที่เรียกว่า "คัช" การเต้นฮิปฮอปเป็นที่นิยมอย่างมากในปัจจุบันและสามารถพบเห็นได้ทุกที่ - ในรายการต่างๆ มิวสิควิดีโอ, การแสดง ฯลฯ ขึ้นอยู่กับการแสดงผาดโผนและกายกรรมที่ซับซ้อน การแสดงค่อนข้างท้าทาย ตอนนี้ นักเต้นที่ดีที่สุดฮิปฮอปคือคู่เต้นรำ Les Twins และคุณยังสามารถตั้งชื่อนักเต้นชาวฝรั่งเศส Dedson และนักร้องชาวอเมริกัน Chris Brown ได้อีกด้วย

ฮิปฮอปโรงเรียนเก่า

วัฒนธรรมการเต้นรำของศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 นั้นอุดมสมบูรณ์และหลากหลายมาก ภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ดนตรีใหม่และเทรนด์ใหม่ในงานศิลปะ การเต้นรำและการออกแบบท่าเต้นได้รับการเติมเต็มด้วยสไตล์และทิศทางใหม่ ตลอดศตวรรษที่ผ่านมา การรับรู้ วิสัยทัศน์ และแนวทางการเต้นและท่าเต้นเปลี่ยนไป นาฏศิลป์คลาสสิกยังคงมีชีวิตอยู่และพัฒนาต่อไป การเคลื่อนไหวที่ทันสมัยโดยคงไว้ซึ่งรูปแบบคลาสสิกและรากฐานที่สืบทอดมาจากประวัติศาสตร์หลายศตวรรษ และนี่ถูกต้องเนื่องจากเป็นไปได้และจำเป็นในการติดตามเวลาโดยไม่ลืมอดีตของคุณ


บทสรุป:

ศิลปะการออกแบบท่าเต้นมีความหลากหลายและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว การออกแบบท่าเต้นสื่อถึงเนื้อหาและความหมายบางอย่างที่นักเต้นหรือนักออกแบบท่าเต้นวางไว้ให้เราผ่านภาษาที่ลึกลับและลึกลับ ร่างกายมนุษย์. ดังที่มาร์ธา เกรแฮมกล่าวไว้ว่า “การเต้นรำเป็นภาษาลับของจิตวิญญาณ” และ “ร่างกายพูดในสิ่งที่คำพูดไม่สามารถพูดได้”

ในระหว่างการวิจัย เราได้ติดตามว่าการเต้นรำเปลี่ยนแปลงไปอย่างไรตลอดประวัติศาสตร์หลายศตวรรษ คุณลักษณะที่ได้รับ และบทบาทของการเต้นรำในชีวิตของผู้คน แต่ละช่วงเวลาของประวัติศาสตร์ได้ทิ้งร่องรอยอันเป็นเอกลักษณ์และเลียนแบบไม่ได้ไว้ในศิลปะการเต้นรำ การเต้นรำทำให้ผู้คนเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันอยู่เสมอ เป็นช่องทางให้ผู้คนสื่อสารกัน ตลอดจนเป็นช่องทางในการแสดงออกและฟื้นฟูพลังงาน นักออกแบบท่าเต้น Alla Rubina พูดถึงสิ่งนี้: “การเต้นรำคือการแสดงออกถึงตัวตน นั่นคือบุคคลแสดงออกถึงความคิดชีวิตและความเข้าใจชีวิตผ่านการเต้นรำ นี่คือความรู้ด้านความงาม ความรู้ในตนเอง ซึ่งเกิดขึ้นทั้งผู้ที่เต้นและผู้ที่ชม... เมื่อเต้นจะสะสมพลังและฟื้นฟูตัวเอง การเคลื่อนไหวใดๆ ถือเป็นการฟื้นฟูสนามพลังงาน นี่เป็นหน้าที่ทางการแพทย์ล้วนๆ ... "

การแสดงเต้นรำเป็นไปไม่ได้หรือทรุดโทรมมากหากไม่มีฉาก เครื่องแต่งกาย และดนตรี ตลอดประวัติศาสตร์ การเต้นรำและบัลเล่ต์ในเวลาต่อมามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับดนตรีและทัศนศิลป์ J. J. Nover ระบุองค์ประกอบที่สำคัญของการแสดงบัลเล่ต์: “พูดง่ายๆ ก็คือ เวทีคือผืนผ้าใบที่นักออกแบบท่าเต้นใช้รวบรวมความคิดของเขา ด้วยการเลือกดนตรี ฉาก และเครื่องแต่งกายที่เหมาะสม เขาจึงทำให้ภาพมีสีสัน เพราะนักออกแบบท่าเต้นคือจิตรกรคนเดียวกัน” V. Vanslov ยังเขียนเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับการเต้นรำ: “การเกิดขึ้นของการเต้นรำคงเป็นไปไม่ได้หากดนตรีไม่ได้เข้ามาช่วยเหลือศิลปะพลาสติก มันช่วยเพิ่มการแสดงออกของความยืดหยุ่นในการเต้นและให้พื้นฐานทางอารมณ์และจังหวะ” ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นว่าการออกแบบท่าเต้นเป็นรูปแบบศิลปะสังเคราะห์ที่ผสมผสานศิลปะหลายประเภทเข้าด้วยกัน

ศิลปะการเต้นรำสร้างคุณค่าให้ตัวเองอย่างต่อเนื่องและก้าวไปข้างหน้า ดูดซับอารมณ์พื้นฐานของสังคมตลอดจนสะท้อนเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญ ชีวิตทางสังคมวัฒนธรรมและการเมือง เป็นเรื่องที่น่าสนใจสำหรับฉันที่จะติดตามกระบวนการพัฒนาการเต้นรำโดยถอดรหัสความหมายและความสำคัญของมันตลอดประวัติศาสตร์

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้:

1. Thino Arbaud “ด้านการเต้นรำและดนตรี”

2. V. Vanslov “ ดนตรีและบัลเล่ต์”

3. Yu. Bakhrushin “ ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซีย”

4. Vera Krasovskaya "ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ตะวันตก"

5. S. Khudekov "ประวัติศาสตร์การเต้นรำ"

6. เต้นรำ "สมัยใหม่" http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. V. Vanslov “ บัลเล่ต์ของ Grigorovich และปัญหาการออกแบบท่าเต้น” http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. ฮิปฮอป http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Lucian “บทความเกี่ยวกับการเต้นรำ”

10. สารานุกรมบัลเล่ต์ http://www.krugosvet.ru/

ศิลปะเช่นการเต้นรำเริ่มพัฒนาขึ้นในช่วงรุ่งอรุณของมนุษยชาติ ชนเผ่าดึกดำบรรพ์มีการเต้นรำพิธีกรรมพิเศษของตนเองซึ่งเป็นส่วนสำคัญของประเพณีและการดำรงอยู่ของพวกเขา ลูกหลานของพวกเขาซึ่งเริ่มสร้างรัฐแรกได้เปลี่ยนท่าทางเหล่านี้ให้เป็นส่วนหนึ่งของสัญลักษณ์อธิปไตย ดังนั้นการเต้นรำประเภทแรกจึงปรากฏขึ้นซึ่ง ในระดับที่มากขึ้นเป็นพยานถึงต้นกำเนิดของมนุษย์และรากเหง้าของเขา ปัจจุบันผู้คนเต้นรำไปทุกที่ และการเคลื่อนไหวของพวกเขาไม่ได้ถูกจำกัดด้วยขอบเขตที่กำหนดโดยรัฐอีกต่อไป เรามาดูกันดีกว่าว่าการเต้นรำประเภทใดบ้างที่มีอยู่ในบางส่วนของโลกและวิธีที่พวกเขาได้รับความนิยมทั่วโลก

การเต้นรำคืออะไร

คำนี้หมายถึงศิลปะประเภทหนึ่งที่ภาพศิลปะถูกถ่ายทอดผ่านพลาสติกและการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะ การเต้นรำใดๆ ก็ตามเชื่อมโยงกับดนตรีที่เหมาะกับสไตล์ของมันอย่างแยกไม่ออก ในระหว่าง "พิธีกรรม" นี้ ตำแหน่งบางอย่างของร่างกายบุคคล รูปร่างที่เขาสามารถแสดงได้ และการเปลี่ยนจากท่าหนึ่งไปยังอีกท่าหนึ่งมีความสำคัญมาก เมื่อพิจารณาว่ามีการเต้นรำประเภทใดในสมัยของเราจึงเป็นเรื่องง่ายที่จะสรุปได้ว่ามีตัวเลขและการเคลื่อนไหวดังกล่าวจำนวนนับไม่ถ้วน นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาแบ่งออกเป็นหมวดหมู่ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับสถานที่กำเนิดของการเต้นรำนั้น ๆ เช่นเดียวกับคุณสมบัติอื่น ๆ (คู่ กลุ่ม โสด ฯลฯ )

ประวัติความเป็นมาของต้นกำเนิดนาฏศิลป์

แม้ในช่วงที่ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ดำรงอยู่ การเต้นรำแบบแรกสุดก็เกิดขึ้น พวกเขาได้รับชื่อตามอารมณ์ที่พวกเขาร่วมด้วย ตัวอย่างเช่น ชนเผ่าอาจพยายามให้ฝนตกหลังจากภัยแล้งมายาวนาน และเพื่อจุดประสงค์นี้ จึงมีการจัดพิธีกรรมพิเศษขึ้น ในระหว่างที่ผู้คนเคลื่อนไหวในลักษณะใดลักษณะหนึ่ง พวกเขาขอบคุณพระเจ้า ต้อนรับการเกิดของเด็กๆ และดูแลบรรพบุรุษที่ล่วงลับไปแล้วผ่านการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะ ในรูปแบบศิลปะ การเต้นรำก่อตั้งขึ้นในสมัยโบราณ ในเวลานี้การแสดงท่าเต้นพิเศษที่อุทิศให้กับเทพเจ้าเริ่มปรากฏในกรีซและโรม ในเวลาเดียวกัน การเต้นรำแบบตะวันออกประเภทแรกที่พัฒนาขึ้นในบาบิโลน อัสซีเรีย อาณาจักรเปอร์เซีย และประเทศอื่น ๆ ในเอเชีย ในยุคกลาง ศิลปะนี้พบว่าตัวเองอยู่นอกเหนือขอบเขตทางกฎหมายเนื่องจากมุมมองทางจิตวิญญาณของมนุษยชาติ แต่ด้วยการมาถึงของยุคเรอเนซองส์ก็เริ่มมีการพัฒนาและปรับปรุงอีกครั้ง ในศตวรรษที่ 16 มีการออกแบบท่าเต้นประเภทหนึ่งที่เรียกว่าบัลเล่ต์ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่แยกจากกัน

คลาสสิกและรูปแบบต่างๆ

การฝึกนักเต้นมืออาชีพ ศิลปะนี้พวกเขาเชี่ยวชาญการเต้นรำคลาสสิกตั้งแต่อายุยังน้อย ประเภทของพวกเขาขึ้นอยู่กับโปรแกรมที่ใช้เป็นพื้นฐาน - ยุโรปหรือละติน กลุ่มย่อยทั้งสองนี้รวมกันเป็นท่าเต้นคลาสสิกแบบเก่าซึ่งมีอะไรที่เหมือนกันกับบัลเล่ต์มาก สิ่งสำคัญที่สุดคือการซ้อมดนตรีคลาสสิก นักเต้นจะยืดเส้นยืดสาย ศึกษาท่า เปีย ปิเก้ และเทคนิคการออกแบบท่าเต้นอื่นๆ ในอนาคตคุณภาพของการเต้นรำจะขึ้นอยู่กับความบริสุทธิ์และความถูกต้องของการเคลื่อนไหวเหล่านี้ทั้งหมด

โปรแกรมยุโรป

  • เพลงวอลทซ์ช้าๆ นี้ โกลเด้นคลาสสิกการเต้นรำซึ่งมีดนตรีประกอบเสมอในสามในสี่ ในแต่ละจังหวะ นักเต้นจะต้องเดินสามก้าว โดยขั้นแรกเป็นจังหวะหลัก จังหวะที่สองกำหนดมุมการหมุน และจังหวะที่สามเป็นจังหวะเสริม เพื่อให้สามารถถ่ายโอนน้ำหนักไปยังขาอีกข้างหนึ่งได้
  • แทงโก้ ในตอนแรกก็ได้รับความนิยม การเต้นรำแบบอาร์เจนตินาแต่ต่อมาได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อไปทั่วโลกและย้ายเข้าสู่หมวดหมู่คลาสสิกของยุโรป สาระสำคัญอยู่ที่ความจริงที่ว่าคู่หูสองคนเคลื่อนไหวอย่างกระฉับกระเฉงและเป็นจังหวะไปกับเพลงที่เหมาะสม (เรียกอีกอย่างว่าแทงโก้)
  • เวียนนาวอลทซ์. นี่เป็นการเปรียบเทียบกับเพลงวอลทซ์ธรรมดา ๆ เพียงเต้นเร็วขึ้นและมีพลังมากขึ้นเล็กน้อย
  • ฟ็อกซ์ทรอต. เป็นการเต้นรำที่รวดเร็วและมีชีวิตชีวาซึ่งแสดงทั้งเป็นคู่และเป็นกลุ่ม มันถูกคิดค้นโดย Harry Fox (ซึ่งเป็นที่มาของชื่อ) ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และความนิยมก็ไม่ลดลงตั้งแต่นั้นมา
  • ขั้นตอนด่วน นี่คือการเต้นรำที่เร็วที่สุดจากคลาสสิกของยุโรป ดำเนินการในจังหวะ 4/4 และมีมากถึง 50 บาร์ต่อนาที ต้องใช้เวลาหลายปีในการฝึกฝนและฝึกฝนอย่างหนักเพื่อเต้นฟ็อกซ์ทรอตอย่างเหมาะสม สิ่งสำคัญคือการเคลื่อนไหวทั้งหมดต้องดูง่าย ผ่อนคลาย และดำเนินการด้วยความแม่นยำอันน่าทึ่ง

โปรแกรมละตินอเมริกา

ประเภทของการเต้นรำยอดนิยมที่ในปัจจุบันมักจะนอกเหนือไปจากคลาสสิกจะแสดงไว้ที่นี่ โดยพื้นฐานแล้ว มีการสร้างรูปแบบต่างๆ มากมายเพื่อทำให้ท่าเต้นง่ายขึ้นและทำให้ทุกคนสามารถเข้าถึงการเต้นเหล่านี้ได้

  • แซมบ้า การเต้นรำแบบบราซิลที่เกิดขึ้นจากการผสมผสานระหว่างประเพณีแอฟริกันและโปรตุเกส เต้นในรูปแบบ 2/4 ของเวลา สูงสุดถึง 54 บาร์ต่อนาที ในเวอร์ชันคลาสสิก จะดำเนินการตามจังหวะกลองหรือเครื่องเพอร์คัชชันแบบละตินอื่นๆ
  • ชะ-ชะ-ชะ. โดดเด่นด้วยท่าเต้นที่ช้ากว่ามาก ลายเซ็นเวลาคือ 4/4 มี 30 บาร์ต่อนาที การเต้นรำเป็นที่นิยมมากที่สุดในคิวบาซึ่งมีต้นกำเนิดในช่วงทศวรรษที่ 20 ศตวรรษที่ผ่านมา. วันนี้รวมอยู่ในโปรแกรมนาฏศิลป์คลาสสิก
  • รุมบ้า. การเต้นรำที่ช้าที่สุดและใกล้ชิดที่สุดซึ่งจะแสดงเป็นคู่เสมอ ความแม่นยำไม่สำคัญที่นี่ เช่นเดียวกับท่าเต้นประเภทอื่นๆ สิ่งสำคัญคือท่าโพสของคู่หูจะต้องสวยงามมาก มีรูปร่างที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และในขณะเดียวกัน การเคลื่อนไหวแต่ละครั้งก็ควรยืดหยุ่นให้ได้มากที่สุด
  • ปาโซ โดเบิล. การเต้นรำนี้มีรากฐานมาจากการสู้วัวกระทิงของสเปน ที่นี่คู่หูมักแสดงภาพนักสู้วัวกระทิงและคู่หูของเขา - เสื้อคลุม แก่นแท้ของการออกแบบท่าเต้นคือขั้นตอนคู่ (จึงเป็นที่มาของชื่อ)
  • หลอก. การออกแบบท่าเต้นแอฟริกันอเมริกันซึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 และแพร่หลายในสหรัฐอเมริกา Jive เต้นในโหมดสวิง แต่ในขณะเดียวกันก็แตกต่างอย่างมากจากอะนาล็อกสมัยใหม่ในชื่อเดียวกัน ลายเซ็นเวลา - 4/4 จำนวนครั้งต่อนาที - 44

บัลเล่ต์

การเต้นรำทุกประเภทที่มีอยู่ในปัจจุบันมีพื้นฐานมาจากบัลเล่ต์ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ศิลปะนี้แยกออกจากท่าเต้นทั่วไปอย่างเป็นทางการในศตวรรษที่ 17 เมื่อมีโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสแห่งแรกเกิดขึ้น คุณสมบัติของบัลเล่ต์คืออะไร? การออกแบบท่าเต้นเชื่อมโยงกับดนตรีและการแสดงออกทางสีหน้าของนักแสดงอย่างแยกไม่ออก ตามกฎแล้ว ผลงานแต่ละชิ้นจะมีสคริปต์เฉพาะ จึงมักเรียกว่ามินิเพลย์ จริงอยู่ในบางกรณีก็มีบัลเล่ต์แบบ "ไม่มีสคริปต์" เช่นกันซึ่งนักเต้นเพียงแสดงทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้และแม่นยำ บัลเล่ต์แบ่งออกเป็นสามประเภท: โรแมนติก คลาสสิก และสมัยใหม่ เรื่องแรกจะเป็นมินิเพลย์ในธีมความรักเสมอ ("โรมิโอและจูเลียต", "คาร์เมน" ฯลฯ ) คลาสสิกสามารถแสดงถึงพล็อตเรื่องใดก็ได้ (เช่น "The Nutcracker") แต่องค์ประกอบที่สำคัญของมันคือการออกแบบท่าเต้นที่มีพื้นฐานมาจากการแสดงผาดโผนและความเป็นพลาสติกที่ยอดเยี่ยม ในเฟรม บัลเล่ต์สมัยใหม่รวมอยู่ด้วย ประเภทต่างๆการเต้นรำ มีองค์ประกอบของการแสดงตลก การออกแบบท่าเต้นละติน และดนตรีคลาสสิก ลักษณะเด่นคือทุกคนเต้นรำในรองเท้าปวงต์

การออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่

ปัจจุบันการเต้นรำประเภทสมัยใหม่ได้รับความนิยมไปทั่วโลกโดยไม่คำนึงถึงประเพณีและศาสนา ทุกคนรู้จักชื่อของพวกเขาและในขณะเดียวกันเกือบทุกคนก็สามารถเรียนรู้ที่จะแสดงได้ การเคลื่อนไหวร่างกายดังกล่าวไม่จำเป็นต้องมีการยืด การเตรียมการ หรือความเป็นพลาสติกตามธรรมชาติเป็นพิเศษ สิ่งสำคัญคือการเข้าร่วมจังหวะและเป็นหนึ่งเดียวกับดนตรี โปรดทราบทันทีว่าการเต้นรำทั้งหมดที่ระบุไว้ด้านล่างนี้เป็นพื้นฐานสำหรับสิ่งที่เรียกว่า "ท่าเต้นของสโมสร" การเคลื่อนไหวเหล่านี้เรียนรู้อย่างรวดเร็วและผสมผสานโดยเยาวชนยุคใหม่ ส่งผลให้เกิดการผสมผสานอันเป็นเอกลักษณ์ที่สามารถพบเห็นได้ในไนท์คลับในเมืองใดก็ได้ในโลก

การเต้นรำสมัยใหม่

  • เปลือกโลก เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 21 บนพื้นฐานของสไตล์การกระโดด ฮิปฮอป ป๊อปปิ้ง เทคโนสไตล์ ฯลฯ เต้นไปกับดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เร็วอยู่เสมอ
  • เต้นเปลื้องผ้า. นี่เป็นพื้นฐานของการเปลื้องผ้า หรืออีกนัยหนึ่ง การเต้นรำที่อาจเกี่ยวข้องกับการเปลื้องผ้าเพิ่มเติม สาระสำคัญอยู่ที่การเคลื่อนไหวของพลาสติก และบ่อยครั้งยังอยู่ในปฏิสัมพันธ์กับวัตถุอื่นๆ อีกด้วย นี่คือที่มาของการเต้นรำสระน้ำ การเต้นตัก ฯลฯ ที่มีชื่อเสียง
  • ไปไป. การเต้นรำอีโรติกที่ไม่เกี่ยวข้องกับการเปลื้องผ้า มุ่งสร้างความบันเทิงให้กับฝูงชนในสโมสร อาจมีองค์ประกอบพลาสติกใด ๆ ที่จะสอดคล้องกับเพลงที่กำลังเล่น
  • แคะ. การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดในประเทศเนเธอร์แลนด์ในแวดวงฮาร์ดคอร์ การเคลื่อนไหวของเขามีพื้นฐานมาจากดนตรีในรูปแบบนี้
  • จั๊มสไตล์. การเต้นรำโดยใช้พื้นฐานการกระโดดเป็นหนึ่งในการเต้นรำสมัยใหม่ไม่กี่แบบที่เต้นเป็นคู่ แต่ในขณะเดียวกันก็มีลักษณะพิเศษคือคู่ครองไม่ควรแตะต้องกัน
  • ดี แอนด์ บี สเต็ป นี่เป็นคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์กลองและเบสเท่านั้น การออกแบบท่าเต้นจะขึ้นอยู่กับจังหวะและจังหวะของเพลงเสมอ
  • สับเปลี่ยน การเต้นรำมีต้นกำเนิดในประเทศออสเตรเลียและมีพื้นฐานมาจากดนตรีแจ๊ส การเคลื่อนไหวทั้งหมด โดยเฉพาะสเต็ปที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์นี้ จะดำเนินการกับดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ฟาสต์ในจังหวะที่เร็วขึ้น

อิงจากเนื้อเรื่องของภาพยนตร์เรื่อง “Step Up”...

หลังจากภาคแรกนี้ออกมา ภาพยนตร์ที่ยอดเยี่ยมคนหนุ่มสาวเริ่มศึกษาการเต้นรำบนท้องถนนทุกประเภทอย่างแข็งขันซึ่งมีลักษณะเป็นฟรีสไตล์และในขณะเดียวกันก็มีความเป็นพลาสติกและการเคลื่อนไหวที่แม่นยำอย่างไม่น่าเชื่อ ให้เราแสดงรายการประเภทหลักซึ่งกลายเป็น "สตรีทคลาสสิก" ไปแล้ว:

  • ฮิพฮอพ. นี่คือขบวนการทางวัฒนธรรมทั้งหมดที่เกิดขึ้นในยุค 70 ในนิวยอร์กท่ามกลางตัวแทนของชนชั้นแรงงาน เนื้อหาครอบคลุมไม่เพียงแต่ท่าเต้นที่เป็นเอกลักษณ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคำสแลง แฟชั่น พฤติกรรม และด้านอื่นๆ ของชีวิตด้วย ภายในวัฒนธรรมฮิปฮอป มีประเภทการเต้นที่หลากหลาย ยากหรือยากในการแสดง ซึ่งรวมถึงเพลงเบรกเกอร์ ดีเจ พิธีกร คลับฮิปฮอป และอื่นๆ อีกมากมาย
  • เบรกแดนซ์ หรือเรียกอีกชื่อหนึ่งว่า บีบอย ในตอนแรกมันเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมฮิปฮอป และจากนั้นด้วยเอกลักษณ์ของมัน มันจึงกลายเป็นการเต้นที่แยกจากกัน
  • คริปเดิน. การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดในลอสแองเจลิส โดดเด่นด้วยขั้นตอนที่ดำเนินการด้วยจิตวิญญาณของการแสดงด้นสดอย่างรวดเร็ว
  • ป๊อปปิ้ง การเต้นรำมีพื้นฐานมาจากการหดตัวและผ่อนคลายของกล้ามเนื้ออย่างรวดเร็ว ส่งผลให้ร่างกายมนุษย์สั่น สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตตำแหน่งและอิริยาบถบางอย่างซึ่งการเคลื่อนไหวดังกล่าวดูน่าประทับใจที่สุด

ด้วยจิตวิญญาณแห่งประเพณีพื้นบ้าน

ในแต่ละรัฐ นอกเหนือจากธงและเพลงชาติแล้ว ยังมีคุณลักษณะอื่นที่สำคัญไม่แพ้กันนั่นคือการเต้นรำ แต่ละประเทศมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการเคลื่อนไหว จังหวะและจังหวะของตนเอง ซึ่งได้พัฒนาไปตามประวัติศาสตร์ ขึ้นอยู่กับลักษณะของท่าเต้น คุณสามารถระบุได้อย่างง่ายดายว่าบุคคลนั้นเป็นคนสัญชาติอะไรและเขาเป็นตัวแทนประเทศใด การแสดงดังกล่าวจะแสดงเป็นกลุ่มเป็นหลัก แต่มีข้อยกเว้นบางประการเมื่อมีพันธมิตรเพียงสองคนเท่านั้นที่แสดง ตอนนี้เรามาดูประเภทของการเต้นรำพื้นบ้านที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก อย่างไรก็ตาม บางส่วนก็กลายเป็นพื้นฐานของการออกแบบท่าเต้นคลาสสิก และบางส่วนก็เป็นจุดเริ่มต้นที่ยอดเยี่ยมสำหรับการพัฒนาการเต้นรำบนท้องถนน

การเต้นรำของผู้คนในโลก

  • Attan คือการเต้นรำพื้นบ้านอย่างเป็นทางการของอัฟกานิสถาน ยังได้แสดงโดยหลายๆคนอีกด้วย คนใกล้เคียงในรูปแบบต่างๆ
  • Hopak - การเต้นรำของชาวยูเครน มักแสดงในชุดประจำชาติด้วยจังหวะที่รวดเร็วและมีพลัง โดยมีลักษณะเฉพาะคือการจ็อกกิ้ง สควอท การกระโดด และการเคลื่อนไหวร่างกายอื่นๆ
  • Trepak เป็นการเต้นรำพื้นเมืองของรัสเซีย ซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในยูเครน จะดำเนินการในมิเตอร์แบบทวิภาคีเสมอ และจะมาพร้อมกับขั้นตอนเศษส่วนและการประทับตรา
  • ซิก้า - มีชื่อเสียง การเต้นรำของชาวเชเชนซึ่งดำเนินการโดยผู้ชายโดยเฉพาะ ตามกฎแล้ว มันเป็นองค์ประกอบประกอบสำหรับกิจกรรมทางศาสนาที่สำคัญ
  • Krakowiak เป็นการเต้นรำของชาวโปแลนด์ที่มีชื่อเสียงที่สุด แสดงเป็นจังหวะเร็ว หลังตรงเสมอ
  • เต้นรอบ. เกมเต้นที่ก่อนหน้านี้ได้รับความนิยมในหมู่หลายประเทศ กฎจะแตกต่างกันไปทุกที่ แต่ประเด็นก็คือผู้คนจะมีส่วนร่วมในการเต้นรำแบบกลม เป็นจำนวนมากของผู้คน
  • Lezginka เป็นการแสดงท่าเต้นที่โด่งดังที่สุดในคอเคซัส มีการเต้นรำโดยชาวเชเชน อาร์เมเนีย จอร์เจีย อาเซอร์ไบจาน และชนชาติอื่นๆ อีกมากมาย

ประเภทของการเต้นรำแบบตะวันออก

ในภาคตะวันออก ศิลปะการเต้นรำมีพัฒนาการที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับประเทศในยุโรปและอเมริกา ผู้ชายที่นี่มักจะแสดงเป็นกลุ่มเล็กๆ ควบคู่ไปกับงานสำคัญๆ เสมอ การเต้นรำของผู้หญิงถือเป็นศีลระลึก ภรรยาสามารถเต้นรำเพื่อสามีของเธอเท่านั้นและเพียงคนเดียว วัฒนธรรมการออกแบบท่าเต้นนี้แพร่หลายมานานหลายศตวรรษทั่วเอเชียตะวันตก แต่ในแต่ละประเทศก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ดังนั้นตอนนี้เรามาดูกันว่ามีการเต้นรำประเภทใดในรัฐทางตะวันออกนี้หรือรัฐนั้นและมีลักษณะอย่างไร

  • ภาษาตุรกี พวกเขามักจะแสดงในชุดที่สดใสพร้อมกับดนตรีเร็ว มีลักษณะเป็นการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ ความเป็นพลาสติกสูงมาก และแม้แต่การแสดงผาดโผน
  • ชาวอียิปต์ นี่คือท่าเต้นแบบตะวันออกที่เรียบง่ายที่สุด เครื่องแต่งกายถูกควบคุม เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหว และดนตรีก็ช้าและวัดผล ไม่มีสถานที่สำหรับการเคลื่อนไหวร่างกายที่ไม่สำคัญในการเต้นรำของอียิปต์ - นี่ถือเป็นการมึนเมา
  • ภาษาอาหรับ นี่คือขอบเขตที่แท้จริงสำหรับการแสดงด้นสดและการเปลี่ยนแปลง หากคุณรู้ว่ามีการเต้นรำประเภทใดในภาคตะวันออกและมีวิธีการแสดงอย่างไร คุณสามารถนำเทคนิคและเทคนิคทั้งหมดมารวมกันได้ และคุณจะได้รับการแสดงที่ยอดเยี่ยมในสไตล์อารบิก
  • เลบานอน มีเอกลักษณ์และแปลกประหลาดที่สุด พวกเขาผสมผสานองค์ประกอบของการออกแบบท่าเต้นของตุรกีและอียิปต์ ดังนั้นการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและเป็นจังหวะสลับกับการเคลื่อนไหวที่ช้าและการวัด การกระทำนี้ยังโดดเด่นด้วยการใช้วัตถุแปลกปลอม (ฉาบ ไม้เท้า ฯลฯ)
  • การเต้นรำแบบเปอร์เซียประกอบด้วย การเคลื่อนไหวที่สง่างามซึ่งในช่วงนี้ส่วนใหญ่จะเกี่ยวข้องกับแขน ศีรษะ และผมยาว

การเต้นรำหน้าท้องเกิดขึ้นได้อย่างไร?

ผู้หญิงเกือบทุกคนในโลกใฝ่ฝันที่จะเชี่ยวชาญสไตล์การออกแบบท่าเต้นนี้ แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่เชี่ยวชาญสไตล์การออกแบบท่าเต้นนี้อย่างสมบูรณ์แบบ หลายคนเชื่อว่าต้นกำเนิดของมันมาจากตะวันออกกลาง แต่จริงๆ แล้วการเต้นรำมีต้นกำเนิดในอินเดีย แม้กระทั่งก่อนการประสูติของพระคริสต์ ประเพณีนี้ได้ถูกย้ายจากบ้านเกิดของพวกเขาไปยังอียิปต์ ซึ่งประเพณีดังกล่าวได้รับความนิยม การเต้นรำหน้าท้องประเภทต่างๆ เริ่มปรากฏให้เห็นที่นั่น ซึ่งในไม่ช้าก็แพร่กระจายไปทั่วตะวันออกกลาง เรามาดูกันว่าตอนนี้คนไหนที่โด่งดังที่สุด:

  • เต้นรำกับงู มันต้องการการผสมผสานระหว่างความยืดหยุ่นและความกล้าหาญ รวมถึงความสามารถในการจัดการกับสัตว์ตัวนี้
  • เต้นรำด้วยไฟ ในระหว่างการแสดง สามารถใช้คบเพลิง เทียน ตะเกียงที่มีน้ำมันหอมระเหย และอื่นๆ อีกมากมายเพื่อเชิดชูลัทธิไฟ
  • เต้นรำกับฉาบ เครื่องเพอร์คัชชันมือนี้เป็นญาติของคาสทาเนตของสเปน นักเต้นร่วมแสดงการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ
  • Raqs el-Sharqi คือการเต้นรำหน้าท้องที่เกี่ยวข้องกับบริเวณสะดือจนถึงสะโพก
  • Raqs el-Shamadam เป็นการแสดงที่ผู้หญิงเต้นรำโดยมีเชิงเทียนอยู่บนศีรษะ เป็นที่นิยมมากในอียิปต์

ประเภทของกีฬาเต้นรำ

การเต้นรำกีฬาเป็นแบบอะนาล็อกของการออกแบบท่าเต้นบอลรูมคลาสสิก ความแตกต่างก็คือ นักเต้นจะได้รับการฝึกฝนตามโปรแกรมที่เข้มงวดและเข้มข้น โดยเน้นเป็นพิเศษเรื่องการยืดกล้ามเนื้อ ความแม่นยำในการเคลื่อนไหว และความเร็วในการแสดง องค์ประกอบที่สำคัญของการเต้นกีฬาไม่ใช่ความสวยงามของการแสดง แต่เป็นเทคนิคในการแสดงการเคลื่อนไหวทั้งหมด โดยทั่วไป กลุ่มย่อยนี้ประกอบด้วยผลงานการออกแบบท่าเต้นที่เรารู้จัก ซึ่งมีรายการมาตรฐานของยุโรปและละติน

บทสรุป

เราดูว่ามีการเต้นรำประเภทใดบ้าง ประเทศต่างๆตัดสินใจเลือกสไตล์และคุณสมบัติ ปรากฏว่าการออกแบบท่าเต้นแต่ละครั้งมีจังหวะ จังหวะ และลักษณะการแสดงของตัวเอง นอกจากนี้ การเต้นรำหลายๆ อย่างไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากปราศจากการแสดงออกทางสีหน้า เครื่องแต่งกาย สไตล์ และแม้แต่อารมณ์ของผู้แสดง ดังนั้นหากคุณกำลังจะเชี่ยวชาญงานศิลปะนี้ สิ่งสำคัญคือต้องตัดสินใจก่อนว่าชอบเต้นสไตล์ไหน และสไตล์ไหนที่เหมาะกับคุณมากที่สุดในแง่ของความสามารถและแม้แต่ลักษณะโครงสร้างของรูปร่างของคุณ และในอนาคตเพื่อการพัฒนาตนเองคุณจะต้องมีความขยันหมั่นเพียรและฝึกฝนเท่านั้น ไปเลย!

การเต้นรำบอลรูมจะต้องแสดงเป็นคู่ การเต้นรำดังกล่าวในปัจจุบันมักเรียกว่าการเต้นรำแบบกีฬาที่ได้มาตรฐาน การแข่งขันเต้นรำและกิจกรรมพิเศษ ปัจจุบันในโลกแห่งการเต้นรำมีสองประเภทหลักๆ รวมกันประกอบด้วยรูปแบบการเต้นรำ 10 รูปแบบ: รายการยุโรปและละตินอเมริกา อ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับการเต้นรำด้านล่าง

ประวัติความเป็นมาของการเต้นรำบอลรูม

ที่มาของแนวคิด “เต้นรำบอลรูม” มีที่มาจาก คำภาษาละติน“บัลลาเร” แปลว่า “เต้นรำ” ในสมัยก่อน การเต้นรำดังกล่าวเป็นแบบฆราวาสและมีไว้สำหรับบุคคลระดับสูงเท่านั้น ในขณะที่การเต้นรำพื้นบ้านยังคงอยู่สำหรับคนยากจน ตั้งแต่นั้นมาแน่นอนว่าไม่มีการแบ่งชนชั้นในการเต้นรำอีกต่อไปและการเต้นรำบอลรูมจำนวนมากก็เป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีเกียรติ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเต้นรำบอลรูมสมัยใหม่ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวัฒนธรรมของชาวแอฟริกันและละตินอเมริกา

สิ่งที่เรียกว่าการเต้นรำบอลรูมนั้นขึ้นอยู่กับยุคสมัย ที่ลูกบอลเข้า เวลาที่แตกต่างกันมีการนำเสนอการเต้นรำต่าง ๆ เช่น Polonaise, Mazurka, Minuet, Polka, Quadrille และอื่น ๆ ซึ่งปัจจุบันถือเป็นประวัติศาสตร์

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 Ballroom Dancing Council ก่อตั้งขึ้นในบริเตนใหญ่ ต้องขอบคุณกิจกรรมของเขา การเต้นรำบอลรูมจึงได้รับรูปแบบการแข่งขันและเริ่มแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม - กีฬาและสิ่งที่เรียกว่าการเต้นรำทางสังคม โปรแกรมนี้ประกอบด้วย: เพลงวอลทซ์ แทงโก้ รวมถึงฟ็อกซ์ทรอตประเภทช้าและเร็ว

ในช่วงทศวรรษที่ 30 - 50 จำนวนการเต้นรำเพิ่มขึ้น: โปรแกรมนี้รวมการเต้นรำละตินอเมริกาที่จับคู่เช่น rumba, samba, cha-cha-cha, paso doble และ jive อย่างไรก็ตาม ในยุค 60 การเต้นรำบอลรูมหยุดเป็นความบันเทิงธรรมดา เนื่องจากต้องได้รับการฝึกอบรมทางเทคนิคบางอย่างจากนักเต้น และถูกแทนที่ด้วยการเต้นรำแบบใหม่ที่เรียกว่า Twist ซึ่งไม่จำเป็นต้องเต้นเป็นคู่

การเต้นรำรายการยุโรป

โปรแกรมการเต้นรำแบบยุโรปหรือแบบมาตรฐานประกอบด้วยเพลงวอลทซ์ช้า แทงโก้ ฟอกซ์ทรอต ควิกสเต็ป และเพลงวอลทซ์เวียนนา

เพลงวอลทซ์ช้าๆ

ในศตวรรษที่ 17 เพลงวอลทซ์เป็นการเต้นรำพื้นบ้านในหมู่บ้านออสเตรียและบาวาเรีย และในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่ได้รับการแนะนำที่งานเต้นรำในอังกฤษ สมัยนั้นถือเป็นเรื่องหยาบคายเพราะเป็นการเต้นรำบอลรูมครั้งแรกที่นักเต้นสามารถจับคู่ของเขาไว้ใกล้ตัวเขามาก ตั้งแต่นั้นมาเพลงวอลทซ์ก็ได้รับความนิยมไปมากมาย รูปแบบที่แตกต่างกันแต่แต่ละแห่งก็รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยความสง่างามอันเป็นเอกลักษณ์และอารมณ์โรแมนติก

ลักษณะเฉพาะของเพลงวอลทซ์คือขนาดดนตรีในสามในสี่และจังหวะช้า (มากถึงสามสิบครั้งต่อนาที) คุณสามารถควบคุมตัวเลขพื้นฐานของมันได้ด้วยตัวเองที่บ้าน

Tango เป็นการเต้นรำบอลรูมที่มีต้นกำเนิดในอาร์เจนตินา ปลาย XIXศตวรรษ. ในตอนแรกแทงโก้เป็นส่วนหนึ่งของ โปรแกรมละตินอเมริกาแต่แล้วมันก็ถูกถ่ายโอนไปยังรายการมาตรฐานของยุโรป

บางทีเมื่อได้เห็นแทงโก้อย่างน้อยหนึ่งครั้งในเวลาต่อมาทุกคนก็จะจำการเต้นรำนี้ได้ - ท่าทางที่แน่วแน่และหลงใหลนี้จะไม่สับสนกับสิ่งใดเลย คุณลักษณะของแทงโก้คือการก้าวที่กว้างทั่วทั้งเท้า ซึ่งทำให้แตกต่างจาก "การไหล" แบบคลาสสิกตั้งแต่ส้นเท้าจรดปลายเท้า

ฟ็อกซ์ทรอตช้า

Foxtrot เป็นการเต้นบอลรูมที่ค่อนข้างเรียบง่ายซึ่งจะช่วยให้ผู้เริ่มต้นมีรากฐานที่ดีเยี่ยม การพัฒนาต่อไป. ฟ็อกซ์ทรอตสามารถเต้นได้ในจังหวะช้า ปานกลาง หรือเร็ว ซึ่งช่วยให้แม้แต่มือใหม่ที่ไม่มีทักษะพิเศษก็สามารถเต้นบนพื้นได้อย่างสง่างาม การเต้นรำนั้นค่อนข้างง่ายที่จะเรียนรู้ตั้งแต่เริ่มต้น

ลักษณะสำคัญของฟ็อกซ์ทรอตคือการสลับจังหวะเร็วและช้า แต่จะมีความนุ่มนวลและความเบาของขั้นบันไดเสมอ ซึ่งน่าจะให้ความรู้สึกว่านักเต้นกำลังโบกมืออยู่เหนือห้องโถง

ขั้นตอนด่วน

Quickstep ปรากฏในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ XX โดยเป็นการผสมผสานระหว่างฟ็อกซ์ทรอตและชาร์ลสตัน วงดนตรีในสมัยนั้นเล่นดนตรีที่เร็วเกินไปสำหรับการเคลื่อนไหวของฟ็อกซ์ทรอต ดังนั้นพวกเขาจึงปรับเปลี่ยนเป็นควิกสเต็ป นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา เมื่อมีการพัฒนา การเต้นรำบอลรูมนี้ก็มีความไดนามิกมากขึ้น ทำให้นักเต้นสามารถแสดงเทคนิคและความเป็นนักกีฬาได้

Quickstep ผสมผสานองค์ประกอบต่างๆ มากมาย เช่น แชสซี การเลี้ยวแบบก้าวหน้า และสเต็ป และอื่นๆ อีกมากมาย

Viennese Waltz เป็นหนึ่งในการเต้นรำบอลรูมที่เก่าแก่ที่สุด ซึ่งดำเนินการด้วยจังหวะที่รวดเร็วซึ่งเป็นลักษณะของเพลงวอลทซ์แรก ยุคทองของเพลงวอลทซ์เวียนนาในยุโรปเกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เมื่อนักแต่งเพลงชื่อดัง Johann Strauss ยังคงอาศัยและทำงานอยู่ ความนิยมของเพลงวอลทซ์นี้เพิ่มขึ้นและลดลง แต่ก็ไม่เคยล้าสมัย

ขนาดของเพลงวอลทซ์เวียนนานั้นเหมือนกับเพลงที่ช้าคือสามในสี่และจำนวนครั้งต่อวินาทีนั้นใหญ่เป็นสองเท่า - หกสิบ

การเต้นรำละติน

โปรแกรมการเต้นรำละตินอเมริกามักจะแสดงโดยการเต้นรำบอลรูมกีฬาต่อไปนี้: cha-cha-cha, samba, rumba, jive และ paso doble

แซมบ้า

การเต้นรำบอลรูมนี้ถือเป็นการเต้นรำประจำชาติของบราซิล โลกเริ่มค้นพบแซมบ้าในปี 1905 แต่การเต้นรำบอลรูมนี้กลายเป็นที่ฮือฮาในสหรัฐอเมริกาเฉพาะในยุค 40 เท่านั้นต้องขอบคุณนักร้องและดาราภาพยนตร์ Carmen Miranda แซมบ้ามีหลายประเภท เช่น แซมบ้าที่ใช้เต้น งานรื่นเริงของบราซิลและการเต้นรำบอลรูมที่มีชื่อเดียวกันนั้นไม่เหมือนกัน

แซมบ้าผสมผสานการเคลื่อนไหวหลายอย่างที่ทำให้การเต้นรำบอลรูมละตินอเมริกาแตกต่าง: มีการเคลื่อนไหวเป็นวงกลมของสะโพก ขา "สปริงตัว" และการหมุนที่วัดได้ อย่างไรก็ตามการเรียนรู้ไม่เป็นที่นิยมมากนัก: การแสดงที่รวดเร็วและความจำเป็นในการเตรียมตัวทางกายภาพมักทำให้นักเต้นมือใหม่ขาดความกระตือรือร้น

ชื่อของการเต้นรำนี้มีการอ้างอิงถึงเสียงที่นักเต้นทำโดยใช้เท้าขณะเต้นตามจังหวะมาราคัส การเต้นรำพัฒนามาจากการเต้นรำแบบรัมบาและแมมโบ้ Mambo แพร่หลายในสหรัฐอเมริกา แต่ดนตรีเร็วนั้นเต้นยากมาก ดังนั้น Enrique Jorin นักแต่งเพลงชาวคิวบาจึงทำให้ดนตรีช้าลง และการเต้นรำแบบ Cha-Cha-Cha ก็ถือกำเนิดขึ้น

ลักษณะพิเศษของชะชะช่าคือสิ่งที่เรียกว่าขั้นตอนสามในการนับสองครั้ง คุณลักษณะนี้ทำให้ชะชะชะช่าแยกการเต้นรำ โดยแยกความแตกต่างจากแมมโบ้ แม้ว่าการเคลื่อนไหวอื่นๆ จะค่อนข้างคล้ายกับสไตล์นี้ก็ตาม ชะชะชะช่านั้นมีลักษณะพิเศษคือการเคลื่อนไหวไปรอบ ๆ ห้องโถงเพียงเล็กน้อย โดยพื้นฐานแล้ว การเต้นรำบอลรูมนี้จะแสดงเกือบจะในที่เดียว

Rumba มีประวัติศาสตร์อันยาวนาน - เกิดขึ้นทั้งในรูปแบบดนตรีและสไตล์การเต้นรำซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากแอฟริกา Rumba เป็นการเต้นที่มีจังหวะและซับซ้อนมาก ซึ่งก่อให้เกิดรูปแบบการเต้นอื่นๆ มากมาย รวมถึงซัลซ่า

ก่อนหน้านี้การเต้นรำแบบละตินอเมริกานี้ถือว่าหยาบคายเกินไปเนื่องจากมีการเคลื่อนไหวที่ผ่อนคลาย ยังคงเรียกว่าการเต้นรำแห่งความรัก อารมณ์ของการเต้นรำสามารถเปลี่ยนแปลงได้ในระหว่างการแสดง - จากการวัดไปจนถึงความก้าวร้าว สไตล์การแสดงชวนให้นึกถึงสไตล์แมมโบ้และชะชะช่า มาตรการหลักของ rumba คือ QQS หรือ SQQ (จากภาษาอังกฤษ S - "slow" - "slow" และ Q - "quick" - "fast")

"Paso doble" หมายถึง "สองก้าว" ในภาษาสเปน ซึ่งกำหนดลักษณะของการเดินขบวน เป็นการเต้นรำที่ทรงพลังและเป็นจังหวะ โดยมีลักษณะหลังตรง การจ้องมองคิ้ว และท่าทางอันน่าทึ่ง ในบรรดาการเต้นรำลาตินอเมริกาอื่นๆ Paso Doble มีความโดดเด่นในเรื่องความจริงที่ว่าคุณจะไม่พบต้นกำเนิดของแอฟริกา

การเต้นรำพื้นบ้านของสเปนนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากการสู้วัวกระทิง โดยผู้ชายมักจะแสดงเป็นครูฝึกมาทาดอร์ และผู้หญิงสวมเสื้อคลุมหรือวัวของเขา อย่างไรก็ตาม เมื่อแสดงปาโซโดเบิลในการแข่งขันเต้นรำ คู่หูไม่เคยแสดงภาพวัว - เป็นเพียงเสื้อคลุมเท่านั้น เนื่องจากมีสไตล์และมีกฎเกณฑ์มากมาย การเต้นรำบอลรูมนี้จึงไม่สามารถทำได้นอกการแข่งขันเต้นรำ

หลอก

Jive มีต้นกำเนิดในคลับแอฟริกันอเมริกันในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 คำว่า "หลอกลวง" นั้นหมายถึง "การพูดคุยที่ทำให้เข้าใจผิด" ซึ่งเป็นคำสแลงยอดนิยมในหมู่ชาวแอฟริกันอเมริกันในสมัยนั้น เจ้าหน้าที่ทหารสหรัฐฯ นำการเต้นรำมาสู่อังกฤษในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ที่นั่น Jive ได้รับการดัดแปลงให้เข้ากับเพลงป๊อปของอังกฤษและใช้รูปแบบที่มีอยู่ในปัจจุบัน

คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของการหลอกลวงคือการเต้นที่รวดเร็วซึ่งทำให้การเคลื่อนไหวออกมาดีดตัว คุณสมบัติอีกอย่างของการหลอกลวงก็คือขาตรง การเต้นรำบอลรูมแบบสปอร์ตนี้สามารถเต้นได้ด้วยการนับหกจังหวะหรือการนับแปดจังหวะ