Orkiestra – duża grupa instrumentów muzycznych wykonująca utwory specjalnie zaprojektowane do tej kompozycji.

W zależności od składu orkiestry mają różne możliwości ekspresyjne, barwowe i dynamiczne oraz noszą różne nazwy:

• orkiestra symfoniczna (duża i mała),
• kameralna, orkiestra ludowa,
• wiatr,
• Muzyka pop,
• jazz.

We współczesnej orkiestrze symfonicznej instrumenty dzielą się na następujące grupy:

I. Struny smyczkowe: skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy.
II. Instrumenty dęte drewniane: flety, oboje, klarnety, fagoty.
III. Mosiądz: rogi, trąbki, puzony, tuby.
IV. Bębny:

A) hałas: kastaniety, grzechotki, marakasy, bicz, tom-tom, bębny (duże i małe). Ich partie napisane są w tej samej linii muzycznej – "nitka".
B) z określonym tonem: kotły, talerze, trójkąt, dzwonek, ksylofon, wibrafon, celesta.

V. Klawiatury: fortepian, organy, klawesyn, klawikord.
VI. Dodatkowa grupa: harfa.

Pełne brzmienie orkiestry nazywa się „ tutti " - ("Wszystko").

Konduktor - (z francuskiego - „kierować, prowadzić”) zarządza grupą muzyków - wykonawców, jest właścicielem artystycznej interpretacji dzieła.

Na konsoli przed konduktorem leży - wynik (pełny zapis nutowy wszystkich partii instrumentów orkiestrowych).

Partie instrumentów w każdej grupie nagrywane są jedna po drugiej, zaczynając od instrumentu o najwyższym brzmieniu, a kończąc na najniżej.

Nazywa się aranżacją muzyki orkiestrowej dla wykonawcy fortepianu clavier .

Charakterystyka zespołów orkiestr symfonicznych

I. Wygięty w łuk

Są to instrumenty o podobnym wyglądzie i barwie (barwie) dźwięku. Ponadto ich dźwięk jest wytwarzany za pomocą smyczka. Stąd nazwa. Najbardziej wirtuozowskim i wyrazistym instrumentem tej grupy jest skrzypce . Brzmi jak głos piosenkarza. Ma delikatną, śpiewającą barwę. Główną melodię utworu przypisuje się zwykle skrzypcom. W orkiestrze występują I i II skrzypce. Grają różne role.
Alt wygląda jak skrzypce, ale jest niewiele większy i ma bardziej stłumiony, matowy dźwięk/
Wiolonczela można nazwać „dużymi skrzypcami”. Instrumentu tego nie nosi się na ramieniu jak skrzypiec czy altówki, lecz opiera się na stojaku dotykającym podłogi. Dźwięk wiolonczeli jest niski, ale jednocześnie miękki, aksamitny, szlachetny.
Największym instrumentem tej grupy jest kontrabas . Bawią się na nim siedząc, ponieważ jest wyższy od człowieka. Instrument ten jest rzadko używany jako instrument solowy. Jego dźwięk jest najniższy w tej grupie, brzęczący.
Grupą wiodącą w orkiestrze jest grupa smyczkowo-smyczkowa. Ma ogromną barwę i możliwości techniczne.

II. Instrumenty dęte drewniane

Drewno służy do wyrobu instrumentów drewnianych. Nazywa się je instrumentami dętymi, ponieważ wytwarzają dźwięk poprzez wdmuchnięcie powietrza do instrumentu.
flet prosty (z włoskiego oznacza „wiatr, cios”). Dźwięk fletu jest przezroczysty, dźwięczny, zimny.
Ma melodyjne, bogate, ciepłe, ale nieco nosowe brzmienie. obój.
Ma zróżnicowaną barwę klarnet. Ta cecha pozwala mu malować obrazy dramatyczne, liryczne, scherzo
Wykonuje linię basu fagot - instrument o grubej, lekko ochrypłej barwie.
Najniższy fagot ma swoją nazwę kontrafagot .
Grupa instrumentów dętych drewnianych jest szeroko stosowana do szkicowania obrazów natury i epizodów lirycznych.

III. Mosiądz

Metale miedziowe (miedź, mosiądz itp.) są wykorzystywane do produkcji instrumentów dętych blaszanych.
Cała grupa instrumentów dętych brzmi w orkiestrze potężnie i uroczyście, błyskotliwie i jasno.
Ma donośny „głos” rura . Głośny dźwięk trąbki słychać nawet wtedy, gdy gra cała orkiestra. Często trąbka ma partię prowadzącą.
Róg francuski („róg leśny”) może zabrzmieć w muzyce pastoralnej.
W momencie największego napięcia w utworze muzycznym, zwłaszcza o charakterze dramatycznym, wraz z trąbkami, puzony.
Najniższy instrument dęty blaszany w orkiestrze to tuba. Często gra się na nim w połączeniu z innymi instrumentami.

Problem z perkusją– uwypuklić dźwięczność orkiestry, ubarwić ją, pokazać wyrazistość i różnorodność rytmu.

To duża, pstrokata i różnorodna grupa, którą łączy wspólna metoda wytwarzania dźwięku – uderzenie. Oznacza to, że ze swej natury nie są melodyjne. Ich głównym celem jest podkreślenie rytmu, wzmocnienie ogólnej dźwięczności orkiestry oraz uzupełnienie i ozdobienie jej różnymi efektami. Jedynymi stałymi członkami orkiestry są kotły. Od XIX wieku siła uderzeniowa zaczęła szybko się zwiększać. Bębny duże i werble, talerze i trójkąty, a potem tamburyn, tom-tom, dzwonki i dzwonki, ksylofon i celesta, wibrafon. Ale instrumenty te były używane sporadycznie.

Cechą charakterystyczną wielu instrumentów jest obecność białych i czarnych klawiszy, które łącznie nazywane są klawiaturą lub w organach manuałem.
Podstawowe instrumenty klawiszowe: organ (krewni - przenośny , pozytywny ), klawikord (powiązany - spinet we Włoszech i dziewiczy w Anglii), klawesyn, fortepian (odmiany - fortepian I fortepian ).
Ze względu na źródło dźwięku instrumenty klawiszowe dzieli się na dwie grupy. Do pierwszej grupy zaliczają się instrumenty smyczkowe, do drugiej instrumenty typu organowego. Zamiast sznurków mają rurki o różnych kształtach.
Fortepian to instrument, w którym za pomocą młoteczków wydobywane są zarówno głośne (forte), jak i ciche (fortepian) dźwięki. Stąd nazwa instrumentu.
Tembr klawesyn - srebrzysty, dźwięczny - cichy, o jednakowej sile.
Organy – największy instrument muzyczny. Grają na nim jak na pianinie, naciskając klawisze. W starożytności cała przednia część organów była ozdobiona pięknymi rzeźbami artystycznymi. Za nim znajdują się tysiące rur o różnych kształtach, każda z własną, specjalną barwą. W związku z tym narząd wytwarza zarówno najwyższe, jak i najniższe dźwięki, jakie ludzkie ucho może wychwycić.

VI. Częstym uczestnikiem orkiestry symfonicznej jest szarpany sznurek narzędzie - harfa , czyli złocona rama z naciągniętymi sznurkami. Harfa ma delikatną, przejrzystą barwę. Jego dźwięk tworzy magiczny smak.

Charakterystyka barwy instrumentów

Rodzaje orkiestr

Orkiestra Rosyjskich Instrumentów Ludowych

Skład takiej orkiestry obejmuje główne grupy:

• Szarpane struny:
  • domry, bałałajki, gusli
• Mosiądz:
  • flet, litość, rogi Włodzimierza
• Stroik pneumatyczny:
  • akordeony guzikowe, harmonijki ustne
• • tamburyny i bębny
• Dodatkowe narzędzia:
  • flet, obój i ich odmiany

Orkiestra Białoruskich Instrumentów Ludowych

Przybliżony skład:

• Instrumenty strunowe:
  • gusli, skrzypce, bassetla
• Instrumenty dęte:
  • Fajka, szkoda, rura, rura, róg
• • tamburyny i cymbały
• Akordeon – (lub wielobarwny, gotowy akordeon guzikowy) to stroikowy, pneumatyczny („powietrzny”) instrument klawiszowy. Swoją nazwę wzięła od imienia Drene, rosyjskiego legendarnego piosenkarza i gawędziarza Bayana. Instrument ten posiada przyciski po obu stronach, na których wykonawca gra melodię po prawej stronie, a akompaniament po lewej.
  We współczesnych wykonaniach koncertowych najbardziej rozpowszechnione są akordeony guzikowe. Lewa klawiatura posiada specjalne przełączniki rejestrów barwy, które umożliwiają zmianę barwy instrumentu oraz zmianę barwy dźwięku.
  Istnieją również elektroniczne akordeony guzikowe, które mają nieograniczoną moc dźwięku i bardzo dużą liczbę barw barwy.
• Bałałajka - krewny lutni, mandoliny, gitary. Muzyczny symbol narodu rosyjskiego. Jest to instrument strunowy szarpany. Posiada drewniany trójkątny korpus i długą szyję, na którą przeciągane są sznurki. Dźwięk powstaje poprzez uderzenie palcem wskazującym we wszystkie struny na raz lub szarpnięcie. Istnieje kilka rodzajów bałałajek: piccolo, prima, drugi, altowy, basowy i kontrabasowy.
• Harmoniczny (akordeon, akordeon) to dęty instrument muzyczny, który stał się powszechny w wielu krajach.
  Wyposażony jest w mieszek i klawiaturę przyciskową. Cecha charakterystyczna instrumentu: możliwość zmiany wysokości dźwięku poprzez zmianę napięcia ruchu miechów.
  Innym rodzajem harmonii jest akordeon . Po jednej stronie akordeonu znajdują się klawisze niczym fortepian, na których grana jest melodia, po drugiej kilka rzędów przycisków do akompaniamentu. Po naciśnięciu kilku z nich zabrzmi cały akord. Stąd nazwa akordeon.
• Domra - trochę jak bałałajka, tyle że jej korpus jest owalny, gruszkowaty, a struny nastrojone są na czwarte.
• Żel - strunowy instrument perkusyjny, to niska skrzynia w kształcie trapezu lub drewniana rama, na którą naciągnięte są struny. Na instrumencie gra się za pomocą pałeczek lub młotków. Delikatne brzmienie talerzy w barwie przypomina dźwięk gusli.
• Gitara - jeden z niewielu instrumentów muzycznych, na którym dźwięk jest przygotowywany i wydobywany palcami.
• Gusli - starożytny rosyjski instrument szarpany.

Orkiestra Dęta

Orkiestra dęta to grupa muzyków grających na różnych instrumentach dętych i perkusyjnych.
Ze względu na skład instrumenty współczesnej orkiestry dętej dzielą się na małą orkiestrę dętą, małą mieszaną, średnią mieszaną i dużą mieszaną.
Trzon małej orkiestry dętej tworzą: kornety, alty, tenory, barytony, basy.
Dodając do tej grupy instrumenty dęte drewniane (flety, oboje, klarnety, saksofony, fagoty), a także trąbki, rogi, puzony i instrumenty perkusyjne, powstają małe kompozycje mieszane, średnie i duże.

Różnorodna orkiestra

W skład tej orkiestry wchodzą tradycyjne grupy instrumentów orkiestry symfonicznej - instrumenty dęte drewniane - rogi i smyczki (skrzypce, altówka, wiolonczele).

Orkiestra jazzowa (zespół jazzowy)

Orkiestra ta składa się z trąbek, klarnetów, puzonów i „sekcji rytmicznej” (banjo, gitara, kontrabas, perkusja i fortepian).

Materiały użyte w pracy:

1. Z. Osovitskaya, A. Kazarinova W świecie muzyki. Pierwszy rok studiów. M., „Muzyka”, 1996.
2. M. Szonikowa Literatura muzyczna. Rostów nad Donem, 2003.
3. Y. Ostrovskaya, L. Frolova Literatura muzyczna w definicjach i przykładach muzycznych. Petersburg, 2004.
4. M.F. Muzyczne królestwo. Mińsk, 2002.

„Rozpalając płomień w sercu,

Bębny znów grają.
A obóz gra jak fala,
A miłość płonie w oczach.”

Leila

Instrumenty perkusyjne zawsze były ważną częścią każdej kultury muzycznej. Dlatego trudno jest dokładnie określić liczbę grup muzycznych i instrumentalnych, które wymagają instrumentów perkusyjnych. Jedną z takich grup muzycznych jest nowoczesna orkiestra symfoniczna, której nie można sobie wyobrazić bez grupy instrumentów perkusyjnych, które przekazują takie środki wyrazu muzycznego, jak rytm, tempo i dynamika. Grupa instrumentów perkusyjnych w orkiestrze symfonicznej zmieniała się z biegiem czasu, dzięki rozwojowi i zmianom w muzyce różnych epok i ruchów. We współczesnej orkiestrze symfonicznej dużą uwagę przywiązuje się do grupy perkusyjnej, która może zmieniać skład instrumentów w zależności od charakteru wykonywanych utworów. Bębny przekazują słuchaczowi określone przesłanie i myśl o kompozytorze. Dla kompletności percepcji bardzo ważne jest zachowanie równowagi brzmień grupy perkusyjnej z różnymi grupami orkiestry symfonicznej. Bębny różnią się kształtem i wielkością, materiałem, z jakiego są wykonane, wreszcie charakterem brzmienia innych grup orkiestry symfonicznej, dlatego konieczne jest zrozumienie ich specyfiki podczas interakcji z innymi grupami orkiestry, wpływ ich brzmienia na dzieło i ich wpływ na odbiór muzyki przez słuchacza.

Aktualność tego problemu badawczego istnieje od chwili powstania orkiestry symfonicznej przez J. Haydna aż do czasów współczesnych. Istota tego problemu na obecnym etapie polega na konieczności wskazania znaczenia roli zespołu instrumentów perkusyjnych w orkiestrze symfonicznej.

W oparciu o istotność problemu sformułowaliśmytemat badań: „Instrumenty perkusyjne orkiestry symfonicznej”.

W oparciu o temat badań sformułowaliśmy cel tego eseju – pokazać rolę zespołu instrumentów perkusyjnych w orkiestrze symfonicznej.

Cele badań:

1. Studiuj historię rozwoju instrumentów perkusyjnych i analizuj rozwój perkusji w orkiestrze;
2. Przedstaw w swoim abstrakcie grupę instrumentów perkusyjnych orkiestry symfonicznej;
3. Porównaj poziom bębnów biorąc pod uwagę ich rozwój;
4. Usystematyzuj informacje na ten temat, podsumuj informacje na ten temat.

Metody badawcze:

1. Wybór, badanie i analiza literatury;
2. Systematyzacja badanego materiału;
3. Podsumowanie otrzymanych informacji.

1. Rozdział I. Instrumenty perkusyjne orkiestry symfonicznej

1. 1.1. Pojęcie orkiestry, geneza i skład

Orkiestra (z orkiestry greckiej) - duża grupa muzyków instrumentalnych. W przeciwieństwie do zespołów kameralnych, w orkiestrze część jej muzyków tworzy zespoły, które grają unisono, czyli grają te same role.
Sama idea grupy instrumentalistów grających jednocześnie muzykę sięga czasów starożytnych: już w starożytnym Egipcie małe grupy muzyków grały razem podczas różnych świąt i pogrzebów.
Słowo „orkiestra” („orkiestra”) pochodzi od nazwy okrągłej platformy przed sceną starożytnego greckiego teatru, na której mieścił się starożytny grecki chór, uczestnik każdej tragedii lub komedii. W okresie renesansu i później w XVII wieku orkiestrę przekształcono w fosę orkiestrową, nadając tym samym nazwę mieszczącemu się w niej zespołowi muzyków.

Istnieje wiele różnych rodzajów orkiestr: orkiestra wojskowa składająca się z instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, orkiestry instrumentów ludowych, orkiestry smyczkowe. Największym składem i najbogatszym w swoje możliwości jest orkiestra symfoniczna.

Symfoniczny zwana orkiestrą złożoną z kilku heterogenicznych grup instrumentów - rodzin smyczkowych, dętych i perkusyjnych. Zasada takiego zjednoczenia rozwinęła się w Europie w XVIII wieku. Początkowo w skład orkiestry symfonicznej wchodziły grupy instrumentów smyczkowych, dętych drewnianych i dętych blaszanych, do których dołączyło kilka instrumentów perkusyjnych. Następnie skład każdej z tych grup rozszerzył się i stał się bardziej zróżnicowany. Obecnie wśród wielu odmian orkiestr symfonicznych zwyczajowo rozróżnia się małą i dużą orkiestrę symfoniczną.Mała Orkiestra Symfonicznato orkiestra o przewadze kompozycji klasycznej (grająca muzykę z przełomu XVIII i XIX w. lub stylizacje współczesne). Składa się z 2 fletów (rzadko małego fletu), 2 obojów, 2 klarnetów, 2 fagotów, 2 (rzadko 4) rogów, czasem 2 trąbek i kotłów, grupy smyczkowej liczącej nie więcej niż 20 instrumentów (5 pierwszych i 4 drugich skrzypiec) , 4 altówki, 3 wiolonczele, 2 kontrabasy).Wielka Orkiestra Symfonicznaobejmuje obowiązkowe puzony z grupy instrumentów dętych blaszanych i może mieć dowolny skład. Często instrumenty drewniane (flety, oboje, klarnety i fagoty) sięgają nawet 5 instrumentów z każdej rodziny (czasami klarnetów jest więcej) i obejmują odmiany (flety małe i altowe, obój kupidynowy i obój angielski, klarnety małe, altowe i basowe, kontrafagot ). W skład grupy dętej może wchodzić maksymalnie 8 rogów (w tym specjalne tuby Wagnera), 5 trąbek (w tym werbel, alt, bas), 3-5 puzonów (tenor i tenorbas) oraz tuba. Saksofony są używane bardzo często (w orkiestrze jazzowej wszystkie 4 typy). Grupa smyczkowa liczy 60 lub więcej instrumentów. Istnieje wiele instrumentów perkusyjnych (chociaż kotły, dzwonki, małe i duże bębny, trójkąt, talerze i indyjski tom-tom stanowią ich kręgosłup), często używa się harfy, fortepianu i klawesynu.

Orkiestra symfonicznakształtował się przez wieki. Jego rozwój przez długi czas odbywał się w trzewiach zespołów operowych i kościelnych. Takie grupy w XV-XVII wieku. były małe i niejednorodne. Należały do ​​nich lutnie, altówki, flety i oboje, puzony, harfy i bębny. Stopniowo pozycję dominującą zdobywały instrumenty smyczkowe. Skrzypce zastąpiły altówki swoim bogatszym i bardziej melodyjnym dźwiękiem. Do początków XVIII wieku. królowali już w orkiestrze. Połączyła się także osobna grupa i instrumenty dęte (flety, oboje, fagoty). Trąbki i kotły przeniosły się z orkiestry kościelnej do orkiestry symfonicznej. Klawesyn był nieodzownym uczestnikiem zespołów instrumentalnych.
Kompozycja ta była typowa dla J. S. Bacha, G. Handla, A. Vivaldiego.
Od połowy XVIII wieku. Zaczynają się rozwijać gatunki symfoniczne i koncerty instrumentalne. Odejście od stylu polifonicznego doprowadziło do pragnienia kompozytorów różnorodności barw i wyraźnej identyfikacji głosów orkiestrowych.
Zmieniają się funkcje nowych narzędzi. Klawesyn, ze swoim słabym brzmieniem, stopniowo traci swoją wiodącą rolę. Wkrótce kompozytorzy porzucili ją całkowicie, opierając się głównie na sekcji smyczkowej i dętej. Do końca XVIII wieku tak Powstał tzw. klasyczny skład orkiestry: około 30 smyczków, 2 flety, 2 oboje, 2 fagoty, 2 trąbki, 2-3 rogi i kotły. Wkrótce do instrumentów dętych dołączył klarnet. Do takiego utworu pisali J. Haydn i W. Mozart. To jest orkiestra we wczesnych dziełach L. Beethovena. W 19-stym wieku
Rozwój orkiestry przebiegał głównie w dwóch kierunkach. Z jednej strony powiększając skład, wzbogacano ją o instrumenty wielu typów (w tym tkwi wielka zasługa kompozytorów romantycznych, przede wszystkim Berlioza, Liszta, Wagnera), z drugiej strony rozwinęły się możliwości wewnętrzne orkiestry : barwa dźwięku stała się czystsza, faktura stała się wyraźniejsza, środki wyrazu oszczędniejsze (tak jak orkiestra Glinki, Czajkowskiego, Rimskiego-Korsakowa). Wielu kompozytorów końca XIX – pierwszej połowy XX wieku także znacząco wzbogaciło paletę orkiestrową. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Strawiński, Bartok, Szostakowicz i in.).

Nowoczesna orkiestra symfonicznaskłada się z 4 głównych grup. Podstawą orkiestry jest zespół smyczkowy (skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). W większości przypadków smyczki są głównymi nośnikami zasady melodycznej w orkiestrze. Liczba muzyków grających na instrumentach smyczkowych stanowi około 2/3 całego zespołu. Do grupy instrumentów dętych drewnianych zaliczają się flety, oboje, klarnety i fagoty. Każdy z nich ma zazwyczaj niezależną partię. W porównaniu z instrumentami smyczkowymi pod względem bogactwa barw, właściwości dynamicznych i różnorodności technik gry, instrumenty dęte mają dużą siłę, zwarty dźwięk i jasne, kolorowe odcienie. Trzecią grupą instrumentów orkiestrowych są instrumenty dęte blaszane (róg, trąbka, puzon, trąbka). Wnoszą do orkiestry nowe, jasne kolory, wzbogacając jej możliwości dynamiczne, dodając brzmieniu mocy i blasku, a także służąc jako wsparcie basu i rytmu.
Instrumenty perkusyjne odgrywają coraz większą rolę w orkiestrze symfonicznej. Ich główną funkcją jest rytmiczna. Ponadto tworzą specjalne tło dźwiękowe i szumowe, uzupełniają i ozdabiają paletę orkiestrową efektami kolorystycznymi. Przezcharakter dźwiękowybębny dzielą się na 2 typy: niektóre mają określoną wysokość (kotły, dzwonki, ksylofon, dzwonki itp.), inne nie mają dokładnej wysokości (trójkąt, tamburyn, werbel i bęben basowy, talerze). Spośród instrumentów nieuwzględnionych w głównych grupach najważniejsza jest harfa. Czasami w orkiestrze do kompozytorów zalicza się czelestę, fortepian, saksofon, organy i inne instrumenty.

Orkiestrowe pisarstwo Haydna

Nowoczesna wielka orkiestra symfoniczna opiera się na kompozycji orkiestrowej opracowanej przez Haydna i kompozytorów szkoły mannheimskiej.

Przed Haydnem instrumenty w orkiestrze miały słaby, nierówny dźwięk. Wykorzystano lutnie, teorby i klawesyn, przy którym zasiadał kapelmistrz, uzupełniając brakujące harmonie, łącząc poszczególne instrumenty w jeden.

Jak wszyscy kompozytorzy XVIII wieku, Haydn pisał swoje symfonie na orkiestrę, „która była pod ręką”. Pierwsze symfonie napisane dla hrabiego Morcina wykonało 12-16 muzyków.

W lipcu 1762 roku książę Miklos Esterhazy zatwierdził orkiestrę złożoną z 14 osób (7 smyczków i 7 instrumentów dętych). Później orkiestra rozrosła się do 25 lub więcej muzyków (16 instrumentów smyczkowych, fletów, obojów, fagotów, trąbek, rogów i kotłów).

W naszych czasach orkiestra Academy of Ancient Music pod dyrekcją słynnego angielskiego dyrygenta Christophera Hogwooda wykonywała symfonie Haydna na instrumentach tamtej epoki. W sali zamku Eszterhas, gdzie za życia kompozytora wykonywano te symfonie, muzycy grali je w tym samym składzie, z dziwną na pierwszy rzut oka proporcją instrumentów smyczkowych, drewnianych i dętych. Jaki był skład Orkiestry Esterhazy’ego za czasów Haydna? W jego skład wchodziło: 4 pierwszych skrzypiec, 4 drugich skrzypiec, wiolonczela, kontrabas, altówka, 2 oboje, 2 rogi i kotły.

Następnie K. Hogwood próbował grać symfonie w innym, nowoczesnym układzie smyczków, a mianowicie: 6 pierwszych skrzypiec, 4 sekundy, 3 altówki, 2 wiolonczele, kontrabas.

Okazało się, że Haydnowska proporcja instrumentów w tej sali była jak najbardziej udana! Stało się oczywiste, że Haydn był znakomitym znawcą orkiestry.

Londyńska orkiestra Salomona liczyła 40 muzyków. Haydn napisał dla tej kompozycji 12 symfonii londyńskich. Co prawda kompozytor używał klarnetów dopiero w 101., 103. i 104. symfonii. Prawdopodobnie wpływ na to miał Mozart. Wprowadzenie do orkiestry klarnetów rozszerzyło grupę instrumentów drewnianych do pełnej pary. W ten sposób dobiegła końca formacja małej, czyli „klasycznej” orkiestry symfonicznej.

Co ciekawe, klarnet, wynaleziony pod koniec XVII wieku, na stałe „członku” orkiestry stał się dopiero 100 lat później. Haydn próbował wprowadzić klarnet do orkiestry księcia Esterhazy’ego już w XVIII wieku, jednak ponieważ instrument był wciąż niedoskonały, klarnety zastąpiono trąbkami.

Wiele osób uważa, że ​​gra na bębnie jest tak prosta, jak obieranie gruszek. Podam przykład: podczas wykonywania „Bolera” Ravela werbel jest wypychany do przodu i ustawiany obok pulpitu dyrygenta, ponieważ w tym utworze Ravel przypisał mu bardzo ważną rolę. Muzyk grający na werblu musi utrzymywać jednolity rytm tańca hiszpańskiego, nie zwalniając ani nie przyspieszając go. Ekspresja stopniowo wzrasta, dodawanych jest coraz więcej instrumentów, a perkusista zaczyna grać nieco szybciej. Ale to zniekształci intencję kompozytora, a słuchacze odniosą inne wrażenie. Widzisz, jakich umiejętności wymaga się od muzyka grającego na tak prostym instrumencie w naszym rozumieniu. D. Szostakowicz wprowadził nawet do pierwszej części swojej VII Symfonii trzy werble: w odcinku najazdu faszystowskiego brzmią one złowieszczo. Bęben miał kiedyś złowrogą funkcję: pod jego miarowym rytmem rewolucjonistów prowadzono na egzekucję, przez szeregi pędzono żołnierzy. A teraz przy dźwiękach bębnów i trąb maszerują w szyku na paradę. Bębny afrykańskie były kiedyś środkiem komunikacji, podobnie jak telegraf. Dźwięk bębna niesie się daleko, jest to zauważane i wykorzystywane. Perkusiści sygnałowi mieszkali w niewielkiej odległości od siebie. Gdy tylko jeden z nich zaczął nadawać wiadomość zakodowaną w rytmie bębna, drugi odbierał ją i przekazywał następnemu. W ten sposób radosne lub smutne wieści rozprzestrzeniały się na duże odległości. Z biegiem czasu telegraf i telefon sprawiły, że tego rodzaju komunikacja stała się niepotrzebna, ale nawet teraz w niektórych krajach Afryki są ludzie, którzy znają język bębna.

1. 1.2. Grupa perkusyjna w orkiestrze

Czwartą jednostką współczesnej orkiestry symfonicznej są instrumenty perkusyjne. W niczym nie przypominają ludzkiego głosu i nie przemawiają do jego wewnętrznych zmysłów w zrozumiałym dla niego języku. Ich miarowe i mniej lub bardziej wyraźne dźwięki, ich brzęczenie i trzaskanie mają raczej znaczenie „rytmiczne”.

Ich obowiązki melodyczne są niezwykle ograniczone, a cała ich istota jest głęboko zakorzeniona w naturze tańca w najszerszym tego słowa znaczeniu. Dlatego też niektóre instrumenty perkusyjne były używane już w starożytności i były szeroko stosowane nie tylko przez ludy Morza Śródziemnego i Azji Wschodniej, ale także, najwyraźniej, wśród wszystkich tak zwanych „ludów prymitywnych” w ogóle. Niektóre brzęczące i dzwoniące instrumenty perkusyjne były używane w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie jako instrumenty towarzyszące tańcom i tańcom, ale żaden instrument perkusyjny z rodziny bębnów nie został przez nich dopuszczony do pola muzyki wojskowej. Instrumenty te miały szczególnie szerokie zastosowanie w życiu starożytnych Żydów i Arabów, gdzie pełnili nie tylko obowiązki cywilne, ale także wojskowe.

Wręcz przeciwnie, wśród narodów współczesnej Europy różnego rodzaju instrumenty perkusyjne są używane w muzyce wojskowej, gdzie są one bardzo ważne. Jednak melodyjne ubóstwo instrumentów perkusyjnych nie przeszkodziło im przedostać się do orkiestr operowych, baletowych i symfonicznych, gdzie nie zajmują już ostatniego miejsca. Jednak w muzyce artystycznej narodów europejskich był czas, kiedy dostęp do tych instrumentów był dla orkiestry prawie zamknięty i, z wyjątkiem kotłów, przedostawały się one do muzyki symfonicznej za pośrednictwem orkiestry opery i baletu lub, jak to się mówi, powiedzieliby teraz, poprzez orkiestrę „muzyki dramatycznej” „

W historii „życia kulturalnego” ludzkości instrumenty perkusyjne powstały wcześniej niż wszystkie inne instrumenty muzyczne w ogóle. Nie przeszkodziło to jednak w sprowadzeniu instrumentów perkusyjnych na dalszy plan orkiestry w momencie jej powstania i pierwszych kroków w jej rozwoju. Jest to tym bardziej zaskakujące, że wciąż nie sposób zaprzeczyć ogromnemu „estetycznemu” znaczeniu instrumentów perkusyjnych w muzyce artystycznej. Historia instrumentów perkusyjnych nie jest zbyt ekscytująca. Wszystkie te „instrumenty wytwarzające mierzony hałas”, których używały wszystkie ludy prymitywne do swoich tańców wojennych i religijnych, na początku nie wykraczały poza zwykłe tabliczki i nędzne bębny. Dopiero znacznie później wiele plemion Afryki Środkowej i niektóre ludy Dalekiego Wschodu opracowały takie instrumenty, które posłużyły za godne wzorce do stworzenia bardziej nowoczesnych europejskich instrumentów perkusyjnych, które zostały już wszędzie przyjęte.

Jeśli chodzi o walory muzyczne, wszystkie instrumenty perkusyjne dzieli się w bardzo prosty i naturalny sposób na dwa typy lub rodzaje. Niektóre wydają dźwięk o określonej wysokości i dlatego w sposób naturalny wchodzą w harmoniczną i melodyczną podstawę utworu, inne natomiast, zdolne do wytworzenia mniej lub bardziej przyjemnego lub charakterystycznego hałasu, wykonują obowiązki czysto rytmiczne i dekoracyjne w najszerszym tego słowa znaczeniu. słowa. Ponadto w budowie instrumentów perkusyjnych biorą udział różne materiały i zgodnie z tą cechą można je podzielić na instrumenty „ze skórą” lub „płaszczami” oraz „samobrzmiące”, w konstrukcji których wykorzystuje się różne typy i odmiany metalu i drewna, a ostatnio - szkła. Kurt Sachs, przypisując im niezbyt udaną i wyjątkowo brzydką dla ucha definicję – idiofony, w oczywisty sposób traci z oczu to, czym one są. pojęcie w znaczeniu „dziwnie brzmiącego” można w zasadzie zastosować na równych prawach do dowolnego instrumentu muzycznego lub jego rodzaju.

W partyturze orkiestrowej wspólnota instrumentów perkusyjnych sytuuje się zwykle pośrodku, pomiędzy instrumentami dętymi a instrumentami smyczkowymi. Przy udziale harfy, fortepianu, czelesty i wszystkich innych instrumentów szarpanych lub klawiszowych perkusja zawsze zachowuje swoje miejsce i lokuje się wówczas bezpośrednio po instrumentach dętych blaszanych, ustępując po sobie wszystkim „ozdobnym” lub „przypadkowym” głosom Orkiestra. Absurdalny sposób pisania instrumentów perkusyjnych pod kwintetem smyczkowym należy zdecydowanie potępić jako bardzo niewygodny, w żaden sposób nieuzasadniony i wyjątkowo brzydki. Powstał początkowo w partyturach starożytnych, potem zajął bardziej odizolowane miejsce w trzewiach orkiestry dętej i mając nieznaczne uzasadnienie, teraz jednak złamane i całkowicie przezwyciężone, został dostrzeżony przez niektórych kompozytorów, chcąc zwrócić na siebie uwagę coś i w jakikolwiek sposób. bez względu na wszystko.

Ale najgorsze jest to, że ta dziwna innowacja okazała się tym silniejsza i bardziej niebezpieczna, że ​​niektóre wydawnictwa przyjęły takich kompozytorów i publikowały ich partytury według „nowego modelu”. Na szczęście takich „perełek wydawniczych” nie było zbyt wiele i one, jako dzieła przeważnie słabe pod względem artystycznym, utonęły w obfitości naprawdę znakomitych przykładów różnorodnego dziedzictwa twórczego wszystkich narodów. Jedynym miejscem, w którym króluje wskazany sposób prezentacji instrumentów perkusyjnych – na samym dole partytury – jest zespół popowy. Jednak ogólnie rzecz biorąc, zwyczajowo umieszcza się wszystkie instrumenty w inny sposób, kierując się jedynie wysokością, na której znajdują się instrumenty. W tych odległych czasach, kiedy w orkiestrze znajdowały się tylko kotły, zwyczajem było umieszczanie ich ponad wszystkimi innymi instrumentami, oczywiście wierząc, że taka prezentacja jest wygodniejsza. Ale w tamtych latach partyturę komponowano w ogóle w dość nietypowy sposób, o czym dziś nie trzeba pamiętać. Trzeba zgodzić się, że współczesny sposób prezentacji partytury jest dość prosty i wygodny, dlatego nie ma sensu bawić się w wszelkiego rodzaju fabrykacje, o których właśnie szczegółowo dyskutowaliśmy.

Jak już wspomniano, wszystkie instrumenty perkusyjne dzielą się na instrumenty o określonej wysokości tonu i instrumenty bez określonej wysokości. Obecnie takie rozróżnienie bywa kwestionowane, choć wszelkie propozycje wysuwane w tym kierunku sprowadzają się raczej do zamieszania i celowego podkreślania istoty tego niezwykle jasnego i prostego stanowiska, w którym nie ma nawet bezpośredniej potrzeby pamiętania o oczywistościach koncepcja wysokości dźwięku za każdym razem. W orkiestrze instrumenty „o określonym brzmieniu” oznaczają przede wszystkim pięcioliniową pięciolinię lub pięciolinię, a instrumenty „o nieokreślonym brzmieniu” oznaczają konwencjonalny sposób zapisu muzycznego – „haczyk” lub „nić”, to znaczy jedna pojedyncza linijka, na której główki nut reprezentują tylko wymagany wzór rytmiczny. Ta transformacja, dokonana bardzo trafnie, miała na celu zyskanie przestrzeni i, przy znacznej liczbie instrumentów perkusyjnych, uproszczenie ich prezentacji. Jednak jeszcze nie tak dawno temu dla wszystkich instrumentów perkusyjnych „pozbawionych określonego brzmienia” przyjęto zwykłe pięciolinie z tonacją Sol i Fa oraz z warunkowym umieszczeniem główek nutowych pomiędzy akcentami. Niedogodności takiego nagrania dały się od razu odczuć, gdy liczba instrumentów perkusyjnych osiągnęła „astronomiczne granice”, a sami kompozytorzy stosujący tę metodę prezentacji zagubili się w niedostatecznie rozwiniętym porządku ich zarysu.

Ale co spowodowało połączenie kluczy i wątków, bardzo trudno powiedzieć. Najprawdopodobniej sprawa zaczęła się od literówki, co następnie zwróciło uwagę niektórych kompozytorów, którzy zaczęli osadzać klucz wiolinowy na strunie przeznaczonej do stosunkowo wysokich instrumentów perkusyjnych, a klucz Fa do stosunkowo niskich. Czy trzeba tu mówić o bezsensie i całkowitej niekonsekwencji takiego przedstawienia? O ile wiadomo, klawisze na sznurku po raz pierwszy napotkano w wydanych w Niemczech partyturach Antona Rubinsteina, które były niewątpliwą literówką, a znacznie później odżyły w partyturach flamandzkiego kompozytora Arthura Meulemansa (1884-?), który przyjęto zasadę zasilania wątku środkowego kluczem Sol, a bardzo niskim Fa. Prezentacja ta wygląda szczególnie dziko w tych przypadkach, gdy pomiędzy dwoma wątkami nieoznaczonymi kluczami pojawia się jeden z kluczem Fa. W tym sensie bardziej konsekwentny okazał się belgijski kompozytor Francis de Bourguignon (1890-?), podając klucz dla każdego wątku uczestniczącego w partyturze.

Wydawnictwa francuskie przyjęły specjalny „klucz” do instrumentów perkusyjnych w postaci dwóch pionowych grubych taktów, przypominających łacińską literę „H” i przekreślających nić przy samym wyróżnieniu. Nie ma co sprzeciwiać się takiemu wydarzeniu, o ile ostatecznie prowadzi ono do „jakiejś zewnętrznej kompletności partytury orkiestrowej w ogóle.

Całkiem uczciwe byłoby jednak uznanie tych wszystkich dziwactw za równe zeru w obliczu „nieporządku”, jaki istnieje do dziś w prezentacji instrumentów perkusyjnych. Rimski-Korsakow wyraził także pogląd, że wszystkie instrumenty samobrzmiące lub, jak je nazywa, „perkusję i dzwonienie bez określonego dźwięku” można uznać za wysokie - trójkąt, kastaniety, dzwonki, średnie - tamburyn, pałeczki, werbel, talerze i podobnie jak niski bęben basowy i tam-tam, „rozumiejąc przez to ich zdolność do łączenia się z odpowiednimi obszarami skali orkiestrowej w instrumentach z dźwiękami o określonej wysokości”. Pomijając pewne szczegóły, ze względu na które należy wyłączyć „pręty” ze składu instrumentów perkusyjnych jako „akcesorium do instrumentów perkusyjnych”, a nie samodzielny instrument perkusyjny, obserwacja Rimskiego-Korsakowa pozostaje do dziś w pełni siła. Wychodząc z tego założenia i uzupełniając je o wszystkie najnowsze instrumenty perkusyjne, za najrozsądniejsze uznano uporządkowanie wszystkich instrumentów perkusyjnych według ich wysokości i zapisanie „wysoki” nad „średnim”, a „średni” nad „niskim”. Wśród kompozytorów nie ma jednak jednomyślności, a prezentacja instrumentów perkusyjnych jest więcej niż dowolna.

Sytuację tę można w mniejszym stopniu wytłumaczyć jedynie przypadkowym udziałem instrumentów perkusyjnych, w większym zaś całkowitym zaniedbaniem samych kompozytorów i nabytych przez nich złych nawyków lub błędnych założeń. Jedynym uzasadnieniem dla takiej „instrumentalnej mieszaniny” może być chęć przedstawienia całego dostępnego składu instrumentów perkusyjnych działających w tym przypadku, w kolejności części, gdy każdemu wykonawcowi przypisane są ściśle określone instrumenty. Krótko mówiąc, taka prezentacja ma większy sens w partiach samych perkusistów, a w partyturze jest użyteczna tylko wtedy, gdy jest utrzymana z „pedantyczną precyzją”.

Wracając do kwestii prezentacji instrumentów perkusyjnych, chęć wielu kompozytorów, także tych całkiem prominentnych, aby zaraz za kotłami, a trójkątem, dzwonkami i ksylofonem – pod tym ostatnim, umieścić talerze i bęben basowy, należy uznać za nieudaną. Nie ma oczywiście wystarczających podstaw do takiego rozwiązania problemu, a wszystko to można przypisać nieuzasadnionej chęci bycia „oryginalnym”. Najprostsze i najbardziej naturalne, a w świetle ogromnej liczby instrumentów perkusyjnych funkcjonujących we współczesnej orkiestrze, za najbardziej rozsądne można uznać umieszczenie wszystkich instrumentów perkusyjnych za pomocą pięciolinii nad instrumentami perkusyjnymi wykorzystującymi strunę.

W każdym stowarzyszeniu byłoby oczywiście pożądane trzymać się poglądów Rimskiego-Korsakowa i rozmieszczać głosy według ich względnej wysokości. Z tych powodów po kotłach, które zgodnie z „pierwotną tradycją” mają prymat, nad ksylofonem i marimbą możliwe byłoby umieszczenie dzwonków, wibrafonu i tubafonu. W instrumentach pozbawionych określonego brzmienia taki rozkład będzie nieco bardziej skomplikowany ze względu na dużą liczbę uczestników, ale i w tym przypadku nic nie stoi na przeszkodzie, aby kompozytor trzymał się znanych zasad, o których już wiele powiedziano powyżej.

Należy pomyśleć, że określenie wysokości względnej samobrzmiącego instrumentu w ogóle nie powoduje nieporozumień, a skoro tak, to nie powoduje żadnych; trudności w jego realizacji. Pod wszelkimi instrumentami perkusyjnymi umieszcza się zwykle jedynie dzwonki, gdyż ich partia najczęściej zadowala się konwencjonalnym zarysem nut i ich rytmicznym czasem trwania, a nie pełnym „dzwonieniem”, jak to zwykle ma miejsce w odpowiednich nagraniach. Zestaw dzwonów „włoskich” lub „japońskich”, które mają wygląd długich metalowych rur, wymaga zwykłej pięcioliniowej laski, umieszczonej poniżej wszystkich innych instrumentów o „określonym brzmieniu”. W związku z tym dzwony pełnią tu także rolę ramy dla pięciolini, które łączy jeden wspólny znak „pewności” i „niepewności” dźwięku. W przeciwnym razie nie ma żadnych osobliwości w nagrywaniu instrumentów perkusyjnych, a jeśli z jakiegoś powodu się pojawią, zostaną wymienione w odpowiednim miejscu.

We współczesnej orkiestrze symfonicznej instrumenty perkusyjne służą jedynie dwóm celom: rytmicznym, dla zachowania przejrzystości i ostrości ruchu oraz dekoracyjnym w najszerszym znaczeniu, gdy autor poprzez użycie instrumentów perkusyjnych przyczynia się do powstania urzekających obrazów dźwiękowych lub „nastroje” pełne podniecenia, zapału i porywczości. Z tego, co zostało powiedziane, jasno wynika, że ​​instrumentów perkusyjnych należy używać z dużą ostrożnością, smakiem i umiarem. Zróżnicowana brzmienia instrumentów perkusyjnych potrafią szybko znudzić uwagę słuchaczy, dlatego autor musi zawsze pamiętać o tym, co robią jego instrumenty perkusyjne. Tylko same kotły cieszą się pewnymi zaletami, ale nawet one mogą zostać zanegowane przez nadmierne ekscesy.

Klasycy przywiązywali dużą wagę do instrumentów perkusyjnych, nigdy jednak nie wynieśli ich do poziomu jedynych figur w orkiestrze. Jeśli zdarzało się coś podobnego, gra bębnów ograniczała się najczęściej do zaledwie kilku uderzeń taktu lub zadowalała się wyjątkowo znikomym czasem trwania całej formacji. Spośród muzyków rosyjskich Rimski-Korsakow w hiszpańskim Capriccio używał wyłącznie instrumentów perkusyjnych jako wstępu do bardzo bogatej i wyrazistej muzyki, ale najczęściej solowe instrumenty perkusyjne odnajduje się w „muzyce dramatycznej” lub w balecie, gdy autor chce stworzyć szczególnie ostre, niezwykłe lub „niespotykane uczucie”. To właśnie zrobił Siergiej Prokofiew w spektaklu muzycznym „Egipskie noce”. Dźwięk instrumentów perkusyjnych towarzyszy tu scenie zamieszania w domu ojca Kleopatry, którą autor poprzedza tytułem „Niepokój”. Victor Oransky (1899-1953) również nie odmówił usług instrumentów perkusyjnych. Tę niezwykłą dźwięczność miał okazję wykorzystać w balecie Trzej Grubi ludzie, gdzie akompaniament ostrego zarysu rytmicznego „ekscentrycznego tańca” powierzył wyłącznie perkusji. Wreszcie całkiem niedawno zaczęto korzystać z usług niektórych instrumentów perkusyjnych, stosowanych w skomplikowanej sekwencji „dynamicznej”.

Francuzi, śmiejąc się z takiej „artystycznej rewelacji”, dość jadowicie pytają, czy to właśnie tutaj powstało nowe francuskie słowo bruisme, jako pochodna słowa brui – „hałas”. W języku rosyjskim nie ma odpowiednika pojęcia, ale same Orkiestry zadbały już o nową nazwę dla takiej muzyki, którą dość ze złością nazwały definicją „młocarki perkusyjnej”. W jednym ze swoich wczesnych dzieł symfonicznych Aleksander Czerepnin poświęcił całą partię takiemu „zespołowi”. Była już okazja, aby porozmawiać o tym utworze na temat związku z wykorzystaniem kwintetu smyczkowego jako instrumentów perkusyjnych, dlatego nie ma potrzeby pilnego ponownego do niego wracać. Szostakowicz złożył także hołd niefortunnemu złudzeniu „szoku” w czasach, gdy jego twórczy światopogląd nie był jeszcze wystarczająco stabilny i dojrzały.

„Onomatopeiczna” strona sprawy zostaje całkowicie odrzucona, gdy autor przy najmniejszej liczbie faktycznie używanych instrumentów perkusyjnych ma pragnienie, a ściślej artystyczną potrzebę stworzenia w całej muzyce jedynie „uczucia perkusji”. , przeznaczony głównie do instrumentów smyczkowych i dętych drewnianych. Jednym z takich przykładów, niezwykle dowcipnego, zabawnego i doskonale brzmiącego „w orkiestrze”, jeśli skład uczestniczących w niej instrumentów można w ogóle określić tą właśnie koncepcją, jest balet Oransky’ego „Trzej grubasy” zatytułowany „Patrol”.

Najbardziej oburzającym przykładem muzycznego formalizmu pozostaje jednak dzieło Edgarda Varèse’a (1885-?). Przeznaczony jest dla trzynastu wykonawców, przeznaczony na dwie kombinacje instrumentów perkusyjnych i nazywany przez autora lonizacją, co oznacza „Nasycenie”. W tym „utworze” występują wyłącznie ostro brzmiące instrumenty perkusyjne i fortepian. Jednak ten ostatni pełni także funkcję „instrumentu perkusyjnego” i wykonawca gra na nim według najnowszej „metody amerykańskiej” Henryka Kawela (1897-?), który, jak wiadomo, proponował grę wyłącznie łokciami, rozłożone na całej szerokości klawiatury. Jak podaje ówczesna prasa – a miało to miejsce w latach trzydziestych obecnego stulecia – paryscy słuchacze, doprowadzeni tym utworem do stanu dzikiego szaleństwa, pilnie domagali się jego powtórzenia, co natychmiast zrealizowano. Nie mówiąc złego słowa, historia współczesnej orkiestry nie widziała jeszcze drugiego tak niezwykłego „przypadku”.

1. Bibliografia

1. „Encyklopedia muzyczna”, Yu.V. Keldysz, tom 2, wydawnictwo „Encyklopedia Radziecka” i „Kompozytor Radziecki”, 1974

2. „Encyklopedia muzyczna”, Yu.V. Keldysz, tom 5, wydawnictwo „Encyklopedia Radziecka” i „Kompozytor Radziecki”, 1981

3. „Rozmowy o orkiestrze”, Dm. Rogal-Lewicki, Państwowe Wydawnictwo Muzyczne, Moskwa, 1961

4. „Wiolonczela, kontrabas i inne instrumenty muzyczne”, H. Tserashi, Wydawnictwo „Muzyka”, 1979

5. „Instrumenty perkusyjne we współczesnych orkiestrach”, A.N. Panajotow, 1973

6. Grupa perkusyjna w orkiestrze

7. Instrumenty perkusyjne: nazwy i rodzaje

Skład współczesnej orkiestry symfonicznej

Współczesna orkiestra symfoniczna składa się z 4 głównych zespołów. Podstawą orkiestry jest zespół smyczkowy (skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). W większości przypadków smyczki są głównymi nośnikami zasady melodycznej w orkiestrze. Liczba muzyków grających na instrumentach smyczkowych stanowi około 2/3 całego zespołu. Do grupy instrumentów dętych drewnianych zaliczają się flety, oboje, klarnety i fagoty. Każdy z nich ma zazwyczaj niezależną partię. W porównaniu z instrumentami smyczkowymi pod względem bogactwa barw, właściwości dynamicznych i różnorodności technik gry, instrumenty dęte mają dużą siłę, zwarty dźwięk i jasne, kolorowe odcienie. Trzecią grupą instrumentów orkiestrowych są instrumenty dęte blaszane (róg, trąbka, puzon, trąbka). Wnoszą do orkiestry nowe, jasne kolory, wzbogacając jej możliwości dynamiczne, dodając brzmieniu mocy i blasku, a także służąc jako wsparcie basu i rytmu. Instrumenty perkusyjne odgrywają coraz większą rolę w orkiestrze symfonicznej. Ich główną funkcją jest rytmiczna. Ponadto tworzą specjalne tło dźwiękowe i szumowe, uzupełniają i ozdabiają paletę orkiestrową efektami kolorystycznymi. Ze względu na charakter brzmienia bębny dzielą się na 2 rodzaje: niektóre mają określoną wysokość dźwięku (kotły, dzwonki, ksylofon, dzwonki itp.), inne nie mają precyzyjnej wysokości dźwięku (trójkąt, tamburyn, werbel i bęben basowy, żel). Spośród instrumentów nieuwzględnionych w głównych grupach najważniejsza jest harfa. Czasami w orkiestrze do kompozytorów zalicza się czelestę, fortepian, saksofon, organy i inne instrumenty. Instrumenty dęte drewniane

FLUT to jeden z najstarszych instrumentów świata, znany już w starożytności – w Egipcie, Grecji i Rzymie. Od czasów starożytnych ludzie nauczyli się wydobywać dźwięki muzyczne z ciętych trzcin zamkniętych z jednego końca. Ten prymitywny instrument muzyczny był najwyraźniej odległym przodkiem fletu. W Europie w średniowieczu rozpowszechniły się dwa rodzaje fletów: proste i poprzeczne. Prosty flet, czyli „flet z końcówką”, trzymano prosto przed tobą, jak obój lub klarnet; ukośny lub poprzeczny - pod kątem. Flet poprzeczny okazał się bardziej opłacalny, ponieważ można go było łatwo ulepszyć. W połowie XVIII wieku ostatecznie zastąpił flet bezpośredni z orkiestry symfonicznej. Jednocześnie flet, obok harfy i klawesynu, stał się jednym z najpopularniejszych instrumentów domowego muzykowania. Na flecie grał na przykład rosyjski artysta Fiedotow i król pruski Fryderyk II. Flet jest najbardziej zwinnym instrumentem grupy instrumentów dętych drewnianych: pod względem wirtuozerii przewyższa wszystkie inne instrumenty dęte. Przykładem tego jest suita baletowa „Daphnis i Chloe” Ravela, w której flet faktycznie pełni rolę instrumentu solowego. Flet jest cylindryczną rurką, drewnianą lub metalową, jednostronnie zamkniętą – u główki. Z boku znajduje się również otwór do wtrysku powietrza. Gra na flecie wymaga dużego zużycia powietrza: przy wdmuchnięciu jego część pęka na ostrej krawędzi otworu i ucieka. Powoduje to charakterystyczny syczący dźwięk, szczególnie w niskim rejestrze. Z tego samego powodu długie nuty i szerokie melodie są trudne do grania na flecie. Rimski-Korsakow tak opisał brzmienie fletu: „Barwa jest zimna, najbardziej odpowiednia dla melodii o charakterze pełnym wdzięku i frywolności w tonacji durowej oraz z nutą powierzchownego smutku w molu”. Często kompozytorzy używają zespołu trzech fletów. Przykładem jest taniec pasterek z „Dziadka do orzechów” Czajkowskiego.

OBOE w starożytności rywalizuje z fletem: wywodzi się z prymitywnej fajki. Spośród przodków oboju najbardziej rozpowszechnione było greckie aulos, bez którego starożytni Hellenowie nie wyobrażali sobie ani uczty, ani przedstawienia teatralnego. Przodkowie oboju przybyli do Europy z Bliskiego Wschodu. W XVII wieku z bombardy, instrumentu typu piszczałkowego, powstał obój, który od razu stał się popularny w orkiestrze. Wkrótce stał się instrumentem koncertowym. Od niemal stulecia obój jest idolem muzyków i melomanów. Najlepsi kompozytorzy XVII-XVIII wieku - Lully, Rameau, Bach, Handel - złożyli hołd temu hobby: na przykład Handel pisał koncerty na obój, których trudność może zmylić nawet współczesnych oboistów. Jednak na początku XIX w. „kult” oboju w orkiestrze nieco przygasł, a wiodąca rola w grupie instrumentów dętych drewnianych przeszła na klarnet. W swojej budowie obój jest rurą stożkową; na jednym końcu znajduje się mały dzwonek w kształcie lejka, na drugim laska, którą wykonawca trzyma w ustach. Dzięki pewnym cechom konstrukcyjnym obój nigdy nie traci strojenia. Dlatego tradycją stało się strojenie do niego całej orkiestry. Przed orkiestrą symfoniczną, gdy muzycy zbierają się na scenie, często można usłyszeć oboistę grającego A w pierwszej oktawie, podczas gdy inni wykonawcy stroją swoje instrumenty. Obój ma elastyczną technikę, choć jest pod tym względem gorszy od fletu. To raczej instrument śpiewający niż wirtuozowski: jego obszar to z reguły smutek i elegancja. Tak to brzmi w temacie łabędzi od przerwy do drugiego aktu Jeziora łabędziego i w prostej, melancholijnej melodii drugiej części IV Symfonii Czajkowskiego. Czasami obojowi przypisuje się „role komiczne”: na przykład w „Śpiącej królewnie” Czajkowskiego w wariacji „Kot i kotka” obój zabawnie naśladuje miauczenie kota.

KLARNET to cylindryczna drewniana rurka z dzwonkiem w kształcie trzepaczki na jednym końcu i końcówką trzciny na drugim. Ze wszystkich instrumentów dętych drewnianych tylko klarnet może elastycznie zmieniać siłę dźwięku. To i wiele innych cech klarnetu sprawiło, że jego brzmienie jest jednym z najbardziej wyrazistych głosów w orkiestrze. Ciekawe, że dokładnie w ten sam sposób postąpiło dwóch rosyjskich kompozytorów, zajmujących się tą samą fabułą: w obu „Śnieżnych pannach” – Rimskiego-Korsakowa i Czajkowskiego – pasterskie melodie Lela powierzone są klarnetowi. Barwa klarnetu często kojarzy się z mrocznymi, dramatycznymi sytuacjami. Ten obszar wyrazistości „odkrył” Weber. W scenie „Wilczej Doliny” z „Magicznej strzelanki” po raz pierwszy domyślił się, jakie tragiczne skutki kryły się w niskim rejestrze instrumentu. Czajkowski użył później niesamowitego dźwięku niskich klarnetów w Damie pik, gdy pojawia się duch hrabiny. Mały klarnet. Mały klarnet trafił do orkiestry symfonicznej z wojskowej orkiestry dętej. Po raz pierwszy zastosował się do niego Berlioz, powierzając mu zniekształcony „ukochany temat” w ostatniej części Symfonii fantastycznej. Wagner, Rimski-Korsakow i R. Strauss często zwracali się w stronę małego klarnetu. Szostakowicz. Bassetorn. Pod koniec XVIII wieku rodzina klarnetów powiększyła się o jeszcze jednego członka: w orkiestrze pojawił się róg bassetowy, starożytny rodzaj klarnetu altowego. Był większy od instrumentu głównego, a jego barwa – spokojna, uroczysta i matowa – zajmowała pozycję pośrednią pomiędzy klarnetem zwykłym a klarnetem basowym. W orkiestrze pozostał zaledwie kilkadziesiąt lat, a swój rozkwit zawdzięczał Mozartowi. To właśnie na dwa rogi bassetowe z fagotami napisano początek „Requiem” (obecnie rogi bassetowe zastąpiono klarnetami). Próbę wskrzeszenia tego instrumentu pod nazwą klarnetu altowego podjął R. Strauss, lecz wydaje się, że od tego czasu nie została ona powtórzona. Obecnie rogi bassetowe wchodzą w skład opasek wojskowych. Klarnet basowy. Klarnet basowy jest najbardziej „imponującym” przedstawicielem rodziny. Zbudowany pod koniec XVIII wieku, zyskał silną pozycję w orkiestrze symfonicznej. Kształt tego instrumentu jest dość nietypowy: dzwonek jest wygięty ku górze niczym fajka, a ustnik osadzony jest na zakrzywionym pręcie – wszystko po to, by skrócić wygórowaną długość instrumentu i ułatwić jego obsługę. Meyerbeer jako pierwszy „odkrył” ogromną siłę dramatyczną tego instrumentu. Wagner, poczynając od Lohengrina, czyni go stałym basem instrumentów dętych drewnianych. Rosyjscy kompozytorzy często wykorzystywali w swojej twórczości klarnet basowy. I tak ponure dźwięki klarnetu basowego słychać w V scenie „Damowej pik”, gdy Herman czyta list Lisy. Obecnie klarnet basowy jest stałym członkiem dużej orkiestry symfonicznej, a jego funkcje są bardzo różnorodne.

Za przodka Bassona uważa się starożytną fajkę basową – bombardę. Fagot, który go zastąpił, zbudował kanonik Afranio degli Albonesi w pierwszej połowie XVI wieku. Duża drewniana rura, wygięta na pół, przypominała wiązkę drewna opałowego, co znalazło odzwierciedlenie w nazwie instrumentu (włoskie słowo fagotto oznacza „pedał”). Fagot urzekał współczesnych eufonią barwy, która w przeciwieństwie do ochrypłego głosu bombardowań zaczęła go nazywać „dolcino” - słodkim. Następnie, zachowując swój zewnętrzny zarys, fagot przeszedł poważne ulepszenia. Od XVII w. wstąpił do orkiestry symfonicznej, a od XVIII w. do orkiestry wojskowej. Stożkowa drewniana beczka fagotu jest bardzo duża, dlatego jest „złożona” na pół. Do górnej części instrumentu przymocowana jest zakrzywiona metalowa rurka, na której umieszcza się laskę. Podczas gry fagot zawieszony jest na sznurku zawieszonym na szyi wykonawcy. W XVIII wieku instrument cieszył się wśród współczesnych wielką miłością: jedni nazywali go „dumnym”, inni „łagodnym, melancholijnym, religijnym”. Rimski-Korsakow w bardzo wyjątkowy sposób zdefiniował barwę fagotu: „Barwa jest starczo drwiąca w durowej i boleśnie smutna w molowej”. Gra na fagocie wymaga dużo oddychania, a forte w niskim rejestrze może powodować skrajne zmęczenie wykonawcy. Funkcje narzędzia są bardzo zróżnicowane. Co prawda w XVIII wieku często ograniczały się one do wspierania basów smyczkowych. Jednak w XIX wieku wraz z Beethovenem i Weberem fagot stał się indywidualnym głosem orkiestry, a każdy z kolejnych mistrzów odnajdywał w nim nowe właściwości. Meyerbeer w „Robercie Diabeł” sprawił, że fagoty przedstawiły „śmiertelny śmiech, od którego szron pełza po skórze” (słowa Berlioza). Rimski-Korsakow w „Szeherezadzie” (historii Kalendera Carewicza) odkrył w fagocie poetyckiego narratora. W tej ostatniej roli szczególnie często fagot występuje – zapewne dlatego Thomas Mann nazwał go „przedrzeźniaczem”. Przykłady można znaleźć w Humorycznym Scherzo na cztery fagoty i w Piotrusiu i Wilku Prokofiewa, gdzie fagotowi przypisuje się „rolę” Dziadka, czy na początku finału IX Symfonii Szostakowicza. Odmiany fagotu są w naszych czasach ograniczone tylko do jednego przedstawiciela - kontrafagotu. To najniższy instrument w orkiestrze. Jedynie bas pedałowy organów brzmi niżej od skrajnych dźwięków kontrafagotu. Pomysł kontynuowania skali fagotu w dół pojawił się już bardzo dawno temu – pierwszy kontrafagot powstał już w 1620 roku. Był jednak na tyle niedoskonały, że do końca XIX wieku, kiedy instrument został udoskonalony, był używany bardzo rzadko: sporadycznie przez Haydna, Beethovena, Glinkę. Współczesny kontrafagot to instrument zakrzywiony trzykrotnie: jego długość po rozłożeniu wynosi 5 m 93 cm (!); techniką przypomina fagot, ale jest mniej zwinny i ma grubą, niemal organową barwę. Kompozytorzy XIX wieku - Rimski-Korsakow, Brahms - zwykle zwracali się ku kontrafagotowi, aby wzmocnić bas. Ale czasami pisze się dla niego ciekawe solówki. Ravel na przykład w „Rozmowie Pięknej z Bestią” (balet „Moja Matka Gęś”) powierzyła mu głos potwora. Smyczki

SKRZYPCE to instrument smyczkowy o najwyższym brzmieniu, najbogatszym w ekspresję i możliwości techniczne spośród instrumentów rodziny skrzypiec. Uważa się, że bezpośrednim poprzednikiem skrzypiec była tzw. lira de braccio, która wywodzi się ze starożytnych altówek; podobnie jak skrzypce, instrument ten trzymano za ramię (wł. braccio – ramię), technika gry również była podobna do skrzypcowej. Od połowy XVI wieku. Skrzypce ugruntowały się w praktyce muzycznej jako instrument solowy i zespołowy. Wiele pokoleń rzemieślników pracowało nad udoskonaleniem projektu i poprawą walorów dźwiękowych skrzypiec. Historia zachowała nazwiska A. i N. Amati, A. i D. Guarneri, A. Stradivariego – wybitnych włoskich mistrzów przełomu XVI i XVIII wieku, którzy stworzyli przykłady skrzypiec, które do dziś uważane są za niedoścignione. Korpus skrzypiec ma charakterystyczny owalny kształt z nacięciami po bokach. Muszla łączy dwie płyty rezonansowe instrumentu (na górze wycięte są specjalne otwory - F-hole). Na gryfie naciągnięte są 4 struny, nastrojone w kwintach. Skala skrzypiec obejmuje 4 oktawy; jednakże harmoniczne można również wykorzystać do wytworzenia szeregu wyższych dźwięków. Skrzypce są instrumentem przeważnie jednogłosowym. Może jednak wytwarzać harmonijne interwały, a nawet 4-dźwiękowe akordy. Barwa skrzypiec jest melodyjna, bogata w odcienie dźwiękowe i dynamiczne, a jej wyrazistość jest bliska głosowi ludzkiemu. Aby zmienić barwę podczas gry, czasami używa się wyciszenia. Skrzypcom, które charakteryzują się wyjątkową sprawnością techniczną, często powierza się wykonywanie trudnych i szybkich pasaży, szerokich i melodyjnych skoków, różnego rodzaju tryli i tremolo.

Altówka i sposób, w jaki się na niej gra, bardzo przypomina skrzypce, więc jeśli nie zauważy się różnicy w wielkości (a jest to bardzo trudne: altówka jest zauważalnie większa od skrzypiec), to można je łatwo pomylić . Uważa się, że barwa altówki jest gorsza od skrzypiec pod względem blasku i jasności. Instrument ten ma jednak także swoje wyjątkowe zalety: jest niezastąpiony w muzyce o charakterze elegijnym, marzycielsko-romantycznym. Pod względem wirtuozerii altówka jest niemal tak doskonała jak skrzypce, jednak duże rozmiary altówki wymagają od wykonawcy odpowiedniego rozciągnięcia palców i siły fizycznej. Altówka nie od razu otrzymała należną jej rolę wśród instrumentów orkiestry. Po okresie rozkwitu szkoły polifonicznej Bacha i Handla, gdy altówka była równorzędnym członkiem grupy smyczkowej, zaczęto jej przypisywać podrzędny głos harmoniczny. W tamtych czasach altowioliści zwykle stawali się nieudanymi skrzypkami. W twórczości Glucka, Haydna i częściowo Mozarta altówka używana jest wyłącznie jako głos środkowy lub dolny orkiestry. Dopiero w dziełach Beethovena i kompozytorów romantycznych altówka nabiera znaczenia instrumentu melodycznego. Altówka swoje uznanie zawdzięcza w dużej mierze wybitnym skrzypkom ubiegłego stulecia, zwłaszcza Paganiniemu, który grał na altówce w kwartecie i występował z recitalem. Później Berlioz wprowadza partię altówki solo do swojej symfonii „Harold we Włoszech”, powierzając mu charakterystykę Harolda. Od tego czasu stosunek kompozytorów i wykonawców do altówki zaczął się zmieniać. Wagner w „Tannhäuser”, w scenie zwanej „Grotą Wenus”, pisze na altówkę partię niezwykle trudną jak na tamte czasy. Jeszcze lepiej altówkę solową R. Strauss interpretuje w filmie symfonicznym „Don Kichot”. Altówkom często przypisuje się głos melodyczny razem z wiolonczelami, skrzypcami lub zupełnie niezależnie, jak na przykład w drugim akcie „Złotego koguta” Rimskiego-Korsakowa podczas tańca królowej Szemakhan.

Wiolonczela weszła w życie muzyczne w drugiej połowie XVI wieku. Swoje powstanie zawdzięcza sztuce tak wybitnych mistrzów instrumentalnych jak Magini, Gasparo de Salo, a później Amati i Stradivari. Podobnie jak altówka, wiolonczelę od dawna uważa się za instrument wtórny w orkiestrze. Do końca XVIII w. kompozytorzy używali go głównie jako głosu basowego, a na samym początku przedostatniego stulecia w związku z tym partie wiolonczeli i kontrabasu zapisano w partyturze w jednym wierszu. Wiolonczela jest dwukrotnie większa od altówki, jej smyczek jest krótszy niż skrzypiec i altówki, a struny są znacznie dłuższe. Wiolonczela należy do instrumentów „nożnych”: wykonawca umieszcza ją między kolanami, opierając metalowy kolec o podłogę. Beethoven jako pierwszy „odkrył” piękno barwy wiolonczeli. Idąc za nim, kompozytorzy zamienili jej brzmienie w śpiewający głos orkiestry – pamiętajcie drugą część VI Symfonii Czajkowskiego. Często w operach, baletach i utworach symfonicznych wiolonczeli przypisuje się solo – jak np. w Don Kichocie R. Straussa. Pod względem liczby napisanych dla niej utworów koncertowych wiolonczela ustępuje jedynie skrzypcom. Podobnie jak skrzypce i altówka, wiolonczela ma cztery struny strojone w kwintach, ale o oktawę niżej niż struny altówki. Pod względem możliwości technicznych wiolonczela nie ustępuje skrzypcom, a w niektórych przypadkach nawet ją przewyższa. Na przykład, ze względu na dłuższe struny wiolonczeli, można ją wykorzystać do wytworzenia bogatszego szeregu harmonicznych.

DOUBLE BASS znacznie przewyższa swoje odpowiedniki zarówno pod względem wielkości, jak i głośności niskiego rejestru: kontrabas jest dwukrotnie większy od wiolonczeli, czyli dwukrotnie większy od altówki. Najprawdopodobniej kontrabas, potomek starożytnej skrzypiec, pojawił się w orkiestrze już w XVII wieku. Kształt kontrabasu do dziś zachował cechy antycznej altówki: korpus skierowany ku górze, pochyłe boki – dzięki temu wykonawca może pochylić się nad górną częścią korpusu i „dosięgnąć” dna gryf, aby wydobyć najwyższe dźwięki. Instrument jest tak duży, że wykonawca gra na nim stojąc lub siedząc na wysokim stołku. Pod względem wirtuozerii współczesny kontrabas jest dość zwinny: często wraz z wiolonczelami wykonywane są na nim dość szybkie pasaże. Ale „dzięki” swoim rozmiarom wymaga ogromnego rozciągnięcia palców, a jego łuk jest bardzo ciężki. Wszystko to powoduje, że technika instrumentu jest cięższa: fragmenty wymagające lekkości brzmią na nim nieco ociężało. Niemniej jednak jego rola w orkiestrze jest ogromna: niezmiennie wykonując partie głosu basowego, tworzy podwaliny brzmienia grupy smyczkowej, a wraz z fagotem i tubą lub trzecim puzonem całej orkiestry. Poza tym kontrabasy brzmią doskonale w oktawie z wiolonczelami w melodiach. W orkiestrze bardzo rzadko kontrabasy dzieli się na kilka części lub wykonuje na nich solówki. Mosiądz

TRÓBKA jest częścią orkiestry operowej od chwili jej powstania; W Orfeuszu Monteverdiego pojawiło się już pięć trąb. W XVII i pierwszej połowie XVIII w. powstały bardzo wirtuozowskie i wysokie tessiturowe partie na trąbki, których pierwowzorem były partie sopranowe w ówczesnej twórczości wokalno-instrumentalnej. Do wykonania tych najtrudniejszych partii muzycy z czasów Purcella, Bacha i Handla używali powszechnych w tamtej epoce instrumentów naturalnych z długą tubą i specjalnym ustnikiem, który pozwalał z łatwością wydobyć najwyższe tony. Trąbkę z takim ustnikiem nazwano „clarino”, a styl jej pisania otrzymał tę samą nazwę w historii muzyki. W drugiej połowie XVIII w. wraz ze zmianami w pisarstwie orkiestrowym zapomniano o stylu klarino, a trąbka stała się przede wszystkim instrumentem fanfarowym. Miał ograniczone możliwości, podobnie jak tuba, a znalazł się w jeszcze gorszej sytuacji, bo nie zastosowano w nim „dźwięków zamkniętych”, poszerzających skalę, ze względu na ich złą barwę. Ale w latach trzydziestych XIX wieku wraz z wynalezieniem mechanizmu zaworowego rozpoczęła się nowa era w historii fajki. Stał się instrumentem chromatycznym i po kilkudziesięciu latach zastąpił w orkiestrze naturalną trąbkę. Barwa trąbki nie jest typowa dla liryzmu, ale w heroiczny sposób udaje jej się to w najlepszy możliwy sposób. Wśród klasyków wiedeńskich trąbki były instrumentem czysto fanfarowym. Często pełniły te same funkcje w muzyce XIX wieku, ogłaszając początek procesji, pochodów, uroczystych świąt i polowań. Wagner używał fajek częściej niż inni i w nowy sposób. Ich barwa niemal zawsze kojarzy się w jego operach z rycerskim romansem i heroizmem. Trąbka słynie nie tylko z mocy brzmienia, ale także z wybitnych walorów wirtuozowskich.

PUZON wziął swoją nazwę od włoskiej nazwy trąbki – tromba – z powiększającym przyrostkiem „jeden”: puzon dosłownie oznacza „trąbkę”. I rzeczywiście: tuba puzonu jest dwa razy dłuższa od trąbki. Już w XVI wieku puzon otrzymał nowoczesną formę i od chwili powstania był instrumentem chromatycznym. Pełną skalę chromatyczną uzyskuje się w nim nie poprzez mechanizm zaworowy, a za pomocą tzw. backstage'u. Łącznikiem jest długa, dodatkowa rurka w kształcie łacińskiej litery U. Wsuwa się ją w rurę główną i przedłuża w razie potrzeby. W takim przypadku strój instrumentu odpowiednio się zmniejsza. Wykonawca prawą ręką popycha suwak w dół, lewą podtrzymuje instrument. Puzony od dawna stanowią „rodzinę” instrumentów różnej wielkości. Jeszcze nie tak dawno rodzina puzonów składała się z trzech instrumentów; każdy z nich odpowiadał jednemu z trzech głosów chóru i otrzymał swoją nazwę: puzon altowy, puzon tenorowy, puzon basowy. Gra na puzonie wymaga dużej ilości powietrza, gdyż przesuwanie suwaka zajmuje więcej czasu niż naciskanie zaworów w tubie czy trąbce. Technicznie rzecz biorąc, puzon jest mniej zwinny niż jego sąsiedzi w grupie: jego skala nie jest tak szybka i wyraźna, forte jest nieco ciężkie, legato jest trudne. Cantilena na puzonie wymaga od wykonawcy dużego wysiłku. Instrument ten ma jednak cechy, które czynią go niezastąpionym w orkiestrze: brzmienie puzonu jest potężniejsze i bardziej męskie. Monteverdi w operze „Orfeusz” być może po raz pierwszy odczuł tragiczny charakter tkwiący w brzmieniu zespołu puzonowego. A począwszy od Glucka, w orkiestrze operowej obowiązkowo stały się trzy puzony; często pojawiają się w kulminacyjnym momencie dramatu. Trio puzonów jest dobre w frazach oratorskich. Od drugiej połowy XIX w. grupę puzonów uzupełnia instrument basowy – tuba. Razem trzy puzony i tuba tworzą kwartet „ciężkich instrumentów dętych blaszanych”. Na puzonie możliwy jest bardzo wyjątkowy efekt - glissando. Osiąga się to poprzez przesuwanie kulis w jednym miejscu ust performera. Technikę tę znał już Haydn, który w swoim oratorium „Pory roku” wykorzystywał ją do imitowania szczekania psów. We współczesnej muzyce glissando jest dość szeroko stosowane. Ciekawostką jest celowe wycie i szorstkie glissando puzonu w „Tańcu szabli” z baletu „Gayane” Chaczaturiana. Ciekawy jest także efekt puzonu z wyciszeniem, który nadaje instrumentowi złowieszcze, dziwaczne brzmienie.

Przodkiem współczesnego waltorni był róg. Już w starożytności sygnał rogu zwiastował początek bitwy, w średniowieczu i później, aż do początków XVIII wieku, słyszano go podczas polowań, zawodów i uroczystych uroczystości dworskich. W XVII wieku róg myśliwski zaczęto sporadycznie wprowadzać do opery, jednak dopiero w następnym stuleciu na stałe zagościł w orkiestrze. A już sama nazwa instrumentu – róg – przypomina o jego dawnej roli: słowo to pochodzi od niemieckiego „Waldhorn” – „róg leśny”. W języku czeskim instrument ten nadal nazywany jest rogiem leśnym. Metalowa rura starożytnego rogu była bardzo długa: po rozłożeniu niektóre z nich osiągały długość 5 m i 90 cm. Takiego instrumentu nie można było utrzymać prosto w dłoniach; Dlatego tuba tuby została wygięta i nadano jej wdzięczny kształt, przypominający muszlę. Dźwięk starożytnego rogu był bardzo piękny, ale instrument okazał się ograniczony w swoich możliwościach brzmieniowych: mógł wytwarzać jedynie tzw. skalę naturalną, czyli dźwięki powstające w wyniku podziału słupa powietrza zamkniętego w rurkę na 2, 3, 4, 5, 6 itd. części. Legenda głosi, że w 1753 roku drezdeński waltornista Gampel przypadkowo włożył rękę w dzwon i odkrył, że strój rogu spadł. Od tego czasu technika ta jest szeroko stosowana. Uzyskane w ten sposób dźwięki nazywano „zamkniętymi”. Ale były matowe i bardzo różniły się od jasnych, otwartych. Nie wszyscy kompozytorzy ryzykowali częste sięganie po nich, zadowalając się zazwyczaj krótkimi, dobrze brzmiącymi motywami fanfarowymi zbudowanymi na otwartych dźwiękach. W 1830 roku wynaleziono mechanizm zaworowy – stały system dodatkowych lamp, który pozwala tubie wytworzyć pełną, dobrze brzmiącą skalę chromatyczną. Po kilkudziesięciu latach ulepszony róg ostatecznie zastąpił stary róg naturalny, którego ostatni raz użył Rimski-Korsakow w operze „Noc majowa” w 1878 roku. Róg uważany jest za najbardziej poetycki instrument w grupie instrumentów dętych blaszanych. W dolnym rejestrze barwa rogów jest nieco ponura, w górnym bardzo napięta. Róg może śpiewać lub powoli opowiadać. Kwartet dęty brzmi bardzo cicho – słychać to w „Walcu kwiatów” z baletu „Dziadek do orzechów” Czajkowskiego.

TUBA jest instrumentem dość młodym. Został zbudowany w drugiej ćwierci XIX wieku w Niemczech. Pierwsze tuby były niedoskonałe i początkowo używane były wyłącznie w orkiestrach wojskowych i ogrodowych. Dopiero gdy tuba trafiła do Francji, w ręce mistrza instrumentalnego Adolphe’a Saxa, tuba zaczęła spełniać wysokie wymagania orkiestry symfonicznej. Tuba to instrument basowy, który może pokryć najniższy zakres orkiestry dętej. W przeszłości jego funkcje pełnił wąż, instrument o dziwacznym kształcie, któremu zawdzięcza swoją nazwę (we wszystkich językach romańskich wąż oznacza „wąż”), następnie puzony basowe i kontrabasowe oraz ophicleide o barbarzyńskiej barwie. Ale właściwości brzmieniowe wszystkich tych instrumentów były takie, że nie zapewniały orkiestrze dętej dobrego, stabilnego basu. Do czasu pojawienia się tuby mistrzowie wytrwale poszukiwali nowego instrumentu. Wymiary tuby są bardzo duże, jej tuba jest dwukrotnie dłuższa od tuby puzonowej. Podczas gry wykonawca trzyma instrument przed sobą dzwonkiem skierowanym do góry. Tuba jest instrumentem chromatycznym. Zużycie powietrza w rurze jest ogromne; czasami, szczególnie w forte w niskim rejestrze, wykonawca jest zmuszony zmieniać oddech przy każdym dźwięku. Dlatego solówki na tym instrumencie są zazwyczaj dość krótkie. Technicznie rzecz biorąc, tuba jest ruchoma, choć jest ciężka. W orkiestrze pełni funkcję basu w trio puzonowym. Ale czasami tuba pełni rolę instrumentu solowego, że tak powiem, w rolach charakterystycznych. I tak, aranżując „Obrazy z wystawy” Musorgskiego w sztuce „Bydło”, Ravel przypisał tubę basową humorystycznemu obrazowi grzechoczącego wózka ciągnącego się po drodze. Partia tuby pisała tu w bardzo wysokim rejestrze.

Twórcą SAXOPHONE jest wybitny francusko-belgijski mistrz instrumentalny Adolphe Sax. Sax wyszedł z założenia teoretycznego: czy możliwe jest zbudowanie instrumentu muzycznego, który zajmowałby pozycję pośrednią pomiędzy instrumentami dętymi drewnianymi i blaszanymi? Niedoskonałe wojskowe orkiestry dęte Francji bardzo potrzebowały takiego instrumentu, zdolnego połączyć barwy miedzi i drewna. Aby zrealizować swój plan, A. Sachs zastosował nową zasadę konstrukcyjną: połączył stożkową tubę ze stroikiem klarnetowym i mechanizmem zaworowym oboju. Korpus instrumentu wykonany został z metalu, kontury zewnętrzne przypominały klarnet basowy; rurka rozszerzona na końcu, mocno zagięta ku górze, do której przymocowana jest laska z metalową końcówką wygiętą w kształcie litery „S”. Pomysł Saxa okazał się genialnym sukcesem: nowy instrument rzeczywiście stał się łącznikiem pomiędzy instrumentami dętymi blaszanymi i drewnianymi w orkiestrach wojskowych. Co więcej, jego barwa okazała się na tyle interesująca, że ​​przyciągnęła uwagę wielu muzyków. Barwa brzmienia saksofonu przypomina rożek angielski, klarnet i wiolonczelę jednocześnie, jednak moc brzmienia saksofonu jest znacznie większa niż moc brzmienia klarnetu. Rozpoczynając swoją działalność w wojskowych orkiestrach dętych Francji, saksofon wkrótce został wprowadzony do opery i orkiestr symfonicznych. Przez bardzo długi czas – kilkadziesiąt lat – zwracali się do niego wyłącznie kompozytorzy francuscy: Thomas („Hamlet”), Massenet („Werther”), Bizet („Arlesienne”), Ravel (instrumentacja „Katrinok na wystawie” Musorgskiego) . Wtedy uwierzyli w niego także kompozytorzy z innych krajów: na przykład Rachmaninow powierzył saksofonowi jedną ze swoich najlepszych melodii w pierwszej części Tańców symfonicznych. Ciekawe, że na swojej niezwykłej drodze saksofon musiał także stawić czoła obskurantyzmowi: w Niemczech w latach faszyzmu został zakazany jako instrument pochodzenia niearyjskiego. W dziesiątych latach XX wieku muzycy zespołów jazzowych zwrócili uwagę na saksofon i wkrótce saksofon stał się „królem jazzu”. Wielu kompozytorów XX wieku doceniło ten ciekawy instrument. Debussy napisał Rapsodię na saksofon i orkiestrę, Głazunow napisał Koncert na saksofon i orkiestrę, Prokofiew, Szostakowicz i Chaczaturian wielokrotnie zwracali się do niego w swoich utworach. bębny

Fiodorow Angelica, Gibadullina Ksenia

Prezentacje odbyły się w ramach projektu „W świecie instrumentów muzycznych”.

Pobierać:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Instrumenty muzyczne Fiodorowa Anżeliki V klasy A

Bałałajki

Bałałajka to rosyjski ludowy, szarpany instrument muzyczny trójstrunowy, o długości od 600-700 mm (prima bałałajka) do 1,7 metra (bałałajka kontrabasowa), z trójkątnym, lekko zakrzywionym (w XVIII-XIX w. także owalnym) drewnianym korpusem . Bałałajka to jeden z instrumentów, który stał się (wraz z akordeonem i, w mniejszym stopniu, szkoda) muzycznym symbolem narodu rosyjskiego.

Opis: Korpus sklejony z oddzielnych (6-7) segmentów, głowa długiej szyi lekko odchylona do tyłu. Struny są metalowe (w XVIII wieku dwie z nich były strunami żyłkowymi; współczesne bałałajki mają nylon lub węgiel). Na gryfie współczesnej bałałajki znajduje się 16-31 metalowych progów (do końca XIX wieku - 5-7 stałych progów).

Dźwięk: dźwięczny, ale miękki. Najpopularniejsze techniki wytwarzania dźwięku: grzechotanie, pizzicato, podwójne pizzicato, pojedyncze pizzicato, vibrato, tremolo, rolki, techniki gitarowe.

Strojenie Zanim bałałajka pod koniec XIX wieku została przekształcona w instrument koncertowy przez Wasilija Andriejewa, nie miała stałego, powszechnego strojenia. Każdy wykonawca nastrajał instrument zgodnie ze swoim sposobem wykonania, ogólnym nastrojem wykonywanych utworów oraz lokalnymi tradycjami. System wprowadzony przez Andriejewa (dwie struny unisono – nuta „E”, jedna – ćwierć wyższa – nuta „A” (zarówno „E”, jak i „A” pierwszej oktawy) rozpowszechnił się wśród koncertujących bałałajków i zaczął nazwać „akademickim”. Jest też strojenie „ludowe” – pierwsza struna to „G”, druga to „E”, trzecia to „C”. W tym strojeniu triady są łatwiejsze do przyjęcia, ale Wadą jest trudność gry na otwartych strunach.Oprócz tego istnieją także regionalne tradycje strojenia instrumentu. Liczba rzadkich ustawień lokalnych sięga dwudziestu.

Odmiany: Kontrabas-bałałajka We współczesnej orkiestrze rosyjskich instrumentów ludowych stosuje się pięć odmian bałałajek: prima, drugi, altówka, bas i kontrabas. Spośród nich tylko prima jest instrumentem solowym, wirtuozowskim, pozostałym przypisano funkcje czysto orkiestrowe: sekunda i altówka realizują akompaniament akordowy, a funkcję basu pełnią bas i kontrabas.

Pochodzenie: Smoła jest jednym z poprzedników gitary. Najwcześniejsze zachowane dowody istnienia instrumentów strunowych z rezonującym korpusem i gryfem, przodków współczesnej gitary, datowane są na II tysiąclecie p.n.e. mi. Wizerunki kinnoru (sumeryjsko-babilońskiego instrumentu smyczkowego, o którym mowa w opowieściach biblijnych) odnaleziono na glinianych płaskorzeźbach podczas wykopalisk archeologicznych w Mezopotamii. Podobne instrumenty znane były także w starożytnym Egipcie i Indiach: nabla, nefer, cytra w Egipcie, veena i sitar w Indiach. Instrument cithara był popularny w starożytnej Grecji i Rzymie. Poprzednicy gitary mieli wydłużony, okrągły, pusty w środku, rezonujący korpus i długą szyję, na której naciągnięto struny. Korpus wykonywano z jednego kawałka – z suszonej dyni, skorupy żółwia lub wydrążono z jednego kawałka drewna. W III-IV w. n.e. mi. w Chinach pojawiły się instrumenty zhuan (lub yuan) i yueqin, w których drewniany korpus składał się z górnej i dolnej płyty rezonansowej oraz łączącej je skorupy. W Europie spowodowało to pojawienie się gitar łacińskich i mauretańskich około VI wieku. Później, w XV – XVI wieku, pojawił się instrument vihuela, co wpłynęło również na ukształtowanie się konstrukcji współczesnej gitary.

Pochodzenie nazwy: Słowo „gitara” powstało z połączenia dwóch słów: sanskryckiego słowa „sangita” oznaczającego „muzykę” i starożytnego perskiego „tar” oznaczającego „strunę”. Według innej wersji słowo „gitara” pochodzi od sanskryckiego słowa „kutur”, oznaczającego „czterostrunowy” (por. setar - trzystrunowy). W miarę rozprzestrzeniania się gitary z Azji Środkowej przez Grecję do Europy Zachodniej słowo „gitara” uległo zmianom: „cithara (ϰιθάϱα)” w starożytnej Grecji, łac. „cithara”, „guitarra” w Hiszpanii, „chitarra” we Włoszech, „gitara” „ we Francji, „gitara” w Anglii i wreszcie „gitara” w Rosji. Nazwa „gitara” pojawiła się po raz pierwszy w europejskiej literaturze średniowiecznej w XIII wieku.

Główne części konstrukcji gitary: Gitara to korpus z długą szyją zwaną „szyją”. Przednia, robocza strona szyi jest płaska lub lekko wypukła. Wzdłuż niego naciągnięte są sznurki, przymocowane jednym końcem do korpusu, drugim do stroika na końcu gryfu. Struny mocuje się do korpusu za pomocą stojaka, a do główki za pomocą mechanizmu strojenia, który pozwala na regulację napięcia strun. Struna spoczywa na dwóch siodłach, dolnym i górnym, odległość między nimi, która określa długość części roboczej struny, to długość skali gitary. Nakrętka znajduje się na górze gryfu, w pobliżu główki. Dolny montowany jest na statywie na korpusie gitary. Można zastosować tzw. próg dolny. „siodełka” to proste mechanizmy, które pozwalają na regulację długości każdego sznurka.

Flet to potoczna nazwa wielu instrumentów z grupy instrumentów dętych drewnianych, ale obecnie stworzono także instrumenty metalowe. Jest to jeden z najstarszych instrumentów muzycznych pochodzenia. W przeciwieństwie do innych instrumentów dętych, flet wytwarza dźwięki poprzez przecięcie strumienia powietrza o krawędź, zamiast używać stroika. Muzyk grający na flecie nazywany jest zwykle flecistą.

Historia rozwoju fletu Flet kostny z epoki paleolitu (kultura oryniacka). Najstarszą formą fletu jest gwizdek. Stopniowo w rurkach gwizdka zaczęto wycinać otwory na palce, zamieniając prosty gwizdek w flet gwizdkowy, na którym można było wykonywać utwory muzyczne. Pierwsze znaleziska archeologiczne dotyczące fletu pochodzą z okresu 35 – 40 tysięcy lat przed naszą erą, zatem flet jest jednym z najstarszych instrumentów muzycznych. Flet podłużny był znany w Egipcie pięć tysięcy lat temu i pozostaje głównym instrumentem dętym na całym Bliskim Wschodzie. W Europie rozpowszechnił się w XV-XVII wieku. Flet podłużny, posiadający 5-6 otworów na palce i zdolny do dmuchania oktaw, zapewnia pełną skalę muzyczną, w której poszczególne interwały mogą się zmieniać, tworząc różne tryby poprzez krzyżowanie palców, zamykanie otworów do połowy, a także zmianę kierunku i siłę oddechu. Obecnie jest czasami używany do wykonywania muzyki starożytnej.

Flet Piccolo Główny artykuł: Flet Piccolo Flet Piccolo (często nazywany po prostu piccolo lub małym fletem; włoski flauto piccolo lub ottavino, francuski petite flûte, niemiecki kleine Flöte) to instrument muzyczny dęty drewniany, rodzaj fletu poprzecznego, najwyższy. instrument należy do instrumentów dętych. Ma błyskotliwą, forsowną, przenikliwą i gwiżdżącą barwę. Mały flet jest o połowę krótszy od zwykłego fletu i brzmi o oktawę wyżej, a wielu niskich dźwięków nie da się na nim wydobyć. Zakres piccolo wynosi od d² do c 5 (D drugiej oktawy - do piątej oktawy), istnieją również instrumenty, które potrafią przyjmować c² i cis². Dla ułatwienia czytania nuty są pisane oktawę niżej.

Flet Pan, „flet Pana” Główny artykuł: Flet Pan Flet Pan (panflute) to klasa instrumentów dętych drewnianych, flet wielolufowy składający się z kilku (2 lub więcej) pustych rurek o różnych długościach. Dolne końce rur są zamknięte, górne końce są otwarte.

Flet irlandzki Główny artykuł: flet irlandzki Flet irlandzki to flet poprzeczny używany do wykonywania irlandzkiej (a także szkockiej, bretońskiej itp.) muzyki ludowej. Jest to flet poprzeczny, tzw. prosty system - jego główne 6 otworów nie jest zamykanych zaworami, podczas gry zamykane są bezpośrednio palcami wykonawcy. Flet irlandzki występuje w wersjach z zaworami (od 1 do 10) i bez. Istnieje również 6 innych rodzajów fletów.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Skład orkiestry symfonicznej. Wykonała uczennica VI klasy V Gibadullina Ksenia

Z czego składa się orkiestra symfoniczna Współczesna orkiestra symfoniczna składa się z 4 głównych zespołów. Podstawą orkiestry jest zespół smyczkowy (skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). Do grupy instrumentów dętych drewnianych zaliczają się flety, oboje, klarnety i fagoty. Trzecią grupą instrumentów orkiestrowych są instrumenty dęte blaszane (róg, trąbka, puzon, trąbka). Instrumenty perkusyjne (kotły, trójkąt, werble i bębny basowe, talerze) zyskują coraz większe znaczenie w orkiestrze symfonicznej.

Skrzypce to strunowy instrument muzyczny o wysokim rejestrze. Ma pochodzenie ludowe, współczesny wygląd uzyskał w XVI wieku, a rozpowszechnił się w XVII wieku. Posiada cztery struny strojone w kwintach: g, d1,a1,e² (mała oktawa G, D, A pierwszej oktawy, E drugiej oktawy), zakres od g (mała oktawa G) do a4 (A czwartej oktawy oktawa) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w niskim rejestrze, miękka w środku i olśniewająca w górnym. Skrzypce

Pochodzenie skrzypiec Przodkami skrzypiec byli: arabski rebab, hiszpański fidel, brytyjski crotta, z których połączenia powstała altówka. Formy skrzypiec powstały w XVI wieku; Słynni lutnicy, rodzina Amati, pochodzą z tego stulecia i początków XVII wieku. Ich instrumenty są pięknie ukształtowane i wykonane z doskonałych materiałów. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie niezwykle cenione są skrzypce Stradivariusa i Guarneri. Fidel. Fragment ołtarza kościoła św. Zachariasza, Wenecja, Giovanni Bellini, 1505.

Wiolonczela Wiolonczela (włoski violoncello, w skrócie wiolonczela, niemiecki Violoncello, francuski violoncelle, angielski wiolonczela) to smyczkowy instrument muzyczny rejestru basowego i tenorowego, znany od pierwszej połowy XVI wieku, o tej samej budowie co skrzypce lub altówka jest jednak znacznie większa. Wiolonczela posiada szerokie możliwości wyrazowe i starannie opracowaną technikę wykonania, wykorzystywana jest jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy.

Pochodzenie wiolonczeli Pojawienie się wiolonczeli datuje się na początek XVI wieku. Pierwotnie był używany jako instrument basowy do towarzyszenia śpiewowi lub grze na instrumencie o wyższym rejestrze. Istniało wiele odmian wiolonczel, różniących się między sobą wielkością, liczbą strun i strojem (najczęściej strojone były na ton niższy od współczesnego). W XVII-XVIII w., staraniem wybitnych mistrzów muzycznych szkół włoskich (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana i in.) powstał klasyczny model wiolonczeli o ugruntowanej wielkości korpusu.

Flet to potoczna nazwa wielu instrumentów z grupy instrumentów dętych drewnianych. W przeciwieństwie do innych instrumentów dętych, flet wytwarza dźwięki poprzez przecięcie strumienia powietrza o krawędź, zamiast używać stroika. Muzyk grający na flecie nazywany jest zwykle flecistą. flet prosty

Pochodzenie fletu Najstarszą formą fletu jest gwizdek. Stopniowo w rurkach gwizdka zaczęto wycinać otwory na palce, zamieniając prosty gwizdek w flet gwizdkowy, na którym można było wykonywać utwory muzyczne. Pierwsze znaleziska archeologiczne dotyczące fletu pochodzą z okresu 35 – 40 tysięcy lat przed naszą erą, zatem flet jest jednym z najstarszych instrumentów muzycznych. Flet podłużny był znany w Egipcie pięć tysięcy lat temu i pozostaje głównym instrumentem dętym na całym Bliskim Wschodzie. Flet podłużny, posiadający 5-6 otworów na palce i zdolny do dmuchania oktaw, zapewnia pełną skalę muzyczną, w której poszczególne interwały mogą się zmieniać, tworząc różne tryby poprzez krzyżowanie palców, zamykanie otworów do połowy, a także zmianę kierunku i siłę oddechu.

Obój Obój (z francuskiego hautbois, dosłownie „wysokie drzewo”, angielski, niemiecki i włoski obój) to instrument muzyczny dęty drewniany o rejestrze sopranowym, który jest stożkową tubą z systemem zaworów i podwójnym stroikiem (stroikiem). Obój zyskał nowoczesną formę w pierwszej połowie XVIII wieku. Instrument ma melodyjną, ale nieco nosową i ostrą barwę w górnym rejestrze.

Pochodzenie oboju W drugiej ćwierci XIX wieku konstrukcja instrumentów dętych drewnianych przeżyła prawdziwą rewolucję: Theobald Boehm wynalazł system specjalnych zaworów pierścieniowych zamykających kilka otworów jednocześnie i zastosował go w swoim instrumencie - flecie, później system został dostosowany do klarnetu i innych instrumentów. Rozmiar i położenie otworów nie zależały już od długości palców muzyka. Pozwoliło to poprawić intonację, uczynić barwę wyraźniejszą i czystszą oraz poszerzyć gamę instrumentów. System ten w swojej pierwotnej formie nie nadawał się do oboju. Po pewnym czasie Guillaume Tribert wraz z synami Charlesem-Louisem (profesorem Konserwatorium Paryskiego) i Fredericiem zaproponowali ulepszony mechanizm dostosowany do oboju, zmieniając jednocześnie nieznacznie konstrukcję samego instrumentu. Ich naśladowcy – Francois i Lucien Loretowie – stworzyli nowy model oboju, nazwany „modelem konserwatywnym z płaskimi zaworami”, który szybko został przyjęty przez wszystkich oboistów.

Puzon Puzon (włoski puzon, dosł. „wielka trąbka”, angielski i francuski puzon, niemiecki Posaune) to blaszany instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym. Puzon znany jest od XV wieku. Od innych instrumentów dętych różni się obecnością kulis – specjalnej ruchomej tuby w kształcie litery U, za pomocą której muzyk zmienia objętość powietrza zamkniętego w instrumencie, uzyskując w ten sposób możliwość wykonywania dźwięków o skali chromatycznej ( na trąbce, rogu i tubie służą do tego zawory).

Pojawienie się puzonu datuje się na XV wiek. Powszechnie przyjmuje się, że bezpośrednimi poprzednikami tego instrumentu były trąbki rockowe, podczas gry na których muzyk miał możliwość poruszania tubą instrumentu, uzyskując w ten sposób skalę chromatyczną. W czasie swojego istnienia puzon nie przeszedł praktycznie żadnych radykalnych zmian w swojej konstrukcji. Pochodzenie puzonu

Horn Horn (z niemieckiego Waldhorn - „róg leśny”, włoski corno, angielski róg francuski, francuski cor) to blaszany instrument muzyczny w rejestrze basowo-tenorowym.

Pochodzenie waltorni. Wywodzący się z rogu sygnalizacyjnego myśliwskiego, wszedł do orkiestry w połowie XVII wieku. Do lat trzydziestych XIX wieku, podobnie jak inne instrumenty dęte blaszane, nie posiadał zaworów i był instrumentem naturalnym o ograniczonej skali (tzw. „róg naturalny”, którym posługiwał się Beethoven). Róg używany jest w orkiestrach symfonicznych i dętych, a także jako instrument zespołowy i solowy.

Kotły Kotły (kotły włoskie, timbales francuskie, niemieckie Pauken, angielskie kotły) to perkusyjny instrument muzyczny o określonej wysokości. Są to układy dwóch lub więcej (do siedmiu) metalowych mis w kształcie kotła, których otwarta strona pokryta jest skórą lub tworzywem sztucznym, a dolna część może posiadać otwór.

Pochodzenie kotłów Kotły są instrumentem o bardzo starożytnym pochodzeniu. W Europie kotły zbliżone kształtem do współczesnych, ale ze stałym strojeniem, stały się znane już w XV wieku, a od XVII wieku kotły wchodzą w skład orkiestr. Następnie pojawił się mechanizm śrub napinających, który umożliwił odbudowę kotłów. W sprawach wojskowych używano ich w ciężkiej kawalerii, gdzie używano ich do przesyłania sygnałów kontroli bojowej

Talerze Talerze to perkusyjny instrument muzyczny o nieokreślonej wysokości tonu. Talerze znane są od czasów starożytnych, spotykane w Chinach, Indiach, a później w Grecji i Turcji. Są to wypukłe dyski wykonane ze specjalnych stopów metodą odlewania, a następnie kucia. Na środku płytki znajduje się otwór przeznaczony do mocowania instrumentu na specjalnym stojaku lub do mocowania paska.

Historia talerzy Talerze, wraz ze wzrostem liczebności sekcji perkusyjnej orkiestry, prawdopodobnie po raz pierwszy pojawiły się w partyturach Glucka. Pod koniec XVIII w., za czasów Haydna i Mozarta, w partyturach operowych rzadko spotykano talerze (wraz z dużym bębnem i trójkątem), jedynie po to, by odzwierciedlić barbarzyński lub turecki posmak

Orkiestra symfoniczna: powstawanie i rozwój

Trudno wyobrazić sobie osobę, która nigdy nie słyszała. Więc co to jest? Kiedy pojawiła się orkiestra i czy zawsze była taka sama jak teraz? Ile narzędzi powinien zawierać i czy można to zmienić?

Przede wszystkim zajrzyjmy do dowolnego słownika objaśniającego. Pierwsza definicja, z jaką się spotykamy, to „grupa muzyków wykonujących muzykę akademicką”. Być może jest to dość skromna i obszerna definicja takiego pojęcia, jak orkiestra, to raczej całe państwo, które ewoluowało na przestrzeni wieków, posiadające własne prawa i porządki, a rządzone jest przez mądrego mentora – dyrygenta. Można też powiedzieć, że orkiestra jest jak żywy organizm, który z wyczuciem wychwytuje w utworze najsubtelniejsze emocje muzyczne i bardzo trafnie i zręcznie oddziałuje zarówno wewnątrz siebie, jak i z publicznością. Aby szczegółowo odpowiedzieć na te i inne pytania, należy sięgnąć do historii.

Trochę historii

Przede wszystkim należy zaznaczyć, że słowo „orkiestra” sięga czasów starożytnej Grecji, gdzie orkiestra była nazwą nadawaną scenie teatralnej, na której odbywało się przedstawienie. Kilka wieków później tym słowem zaczęto już określać pomieszczenia teatralne, w których mieścili się artyści. Dopiero później zaczęto nazywać zespoły muzyczne. Oczywiście grupy muzyków istniały przez cały czas, np. w historii istnieje wzmianka z I wieku naszej ery o jednym kultowym święcie w Palestynie. Historyk I. Flavius ​​​​w „Jewish Antiquities” opisując to wydarzenie odnotowuje, że było na nim obecnych 20 000 śpiewaków, tyle samo wykonawców rura I harfa . Trudno sobie nawet wyobrazić ten niesamowity widok.

Początki powstawania orkiestry symfonicznej sięgają dopiero XVI-XVII w., czyli epoki nowych gatunków muzycznych: opery , balet , oratoria , a także ukształtowanie się nowej struktury homofoniczno-harmonicznej w muzyce. Za punkt zwrotny badacze uznają koniec XVI wieku, kiedy to wynaleźli skrzypce , która natychmiast została włączona do orkiestry i wyparła swoją poprzedniczkę, altówkę. Dźwięk i wirtuozowskie możliwości nowego instrumentu zdeterminują później cały styl orkiestrowy. Za drugi taki kamień milowy uważa się koniec XIX wieku, kiedy to udoskonalono instrumenty dęte.

Przez cały ten czas orkiestra stopniowo się rozwijała, z wyczuciem podążając za nowymi nurtami i gatunkami w muzyce, dopiero pod koniec XVIII wieku powstał niewielki skład. To dla tej kompozycji słynni klasycy wiedeńscy napisali swoje arcydzieła - J. Haydna I W. Mozarta . W czasach kreatywności L. Beethovena „klasyczna” kompozycja jest całkowicie ustalona, ​​a w epoce romantyzmu, kiedy króluje muzyka programowa, orkiestra przybiera jeszcze udoskonalone formy, poszerza się grupa smyczkowa i dodawane są instrumenty dęte, uzupełniając w ten sposób tworzenie głównych grup.

Rodzaje orkiestr symfonicznych

Klasyczna kompozycja obejmuje grupę smyczków (nie więcej niż 20), instrumenty dęte drewniane (2 flety, 2 obój , 2 klarnety, 2 fagot ) i mosiądz w postaci 2 Rury i 2 (rzadko 4) klakson , w tym tylko z grupy uderzeniowej kotły .

Duża orkiestra jest znacznie powiększona o grupę dętą, w skład której wchodzi aż 5 trąbek, od 3 do 5 puzonów, aż do 8 rogów i tuba. Grupa instrumentów dętych drewnianych została poszerzona do 5 instrumentów z każdej rodziny wraz z ich odmianami. Grupę smyczkową można powiększyć do 60 instrumentów, to samo dotyczy grupy perkusyjnej, do której oprócz kotłów dodano już małe i duże bębny, talerze, trójkąt i dzwonki. Często w grę wchodzi harfa, fortepian i klawesyn.„1812” to monumentalne dzieło koncepcyjne, w którym kompozytor dla spotęgowania uroczystego efektu dodaje dzwony, w finale pojawiają się salwy armatnie i druga orkiestra – orkiestra dęta.

Orkiestra to nie tylko „zespół muzyków” – to złożony organizm, w którym każda komórka i element jest ważny, w którym każda grupa i każdy instrument ma swoją szczególną rolę. Aby publiczność mogła cieszyć się arcydziełami muzyki klasycznej w wykonaniu orkiestry symfonicznej.