Style i trendy jazzowe. Kierunki i style. Ciekawe i fascynujące fakty dotyczące jazzu

30.06.2020

Jazz to kierunek muzyczny, który rozpoczął się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jego powstanie jest wynikiem splotu dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Ten trend połączy duchowość (pieśni kościelne) amerykańskich czarnych, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Jego charakterystycznymi cechami są: elastyczny rytm oparty na zasadzie synkopy, wykorzystanie instrumentów perkusyjnych, improwizacja, ekspresyjny sposób wykonania, wyróżniający się brzmieniem i napięciem dynamicznym, czasami sięgającym ekstazy. Początkowo jazz był połączeniem ragtime'u z elementami bluesa. W istocie wynikało to z tych dwóch kierunków. Cechą stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzu, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.

Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, który doprowadził do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.

Jazz nowoorleański (tradycyjny).

Ten styl zwykle oznacza dokładnie jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego powstanie zbiegło się z otwarciem Storyville (dzielnicy czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i podobnym lokalom, w których muzycy grający muzykę synkopowaną zawsze mogli znaleźć pracę. Powszechne wcześniej zespoły uliczne zaczęły być wypierane przez tzw. „zespoły Storyville”, których gra stawała się coraz bardziej indywidualna w porównaniu z poprzednikami. Zespoły te stały się później założycielami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywymi przykładami wykonawców tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej do pierwszych form jazzowych.

Chicagowski jazz.

W 1917 roku rozpoczyna się kolejny ważny etap w rozwoju muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak pojawia się niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i dixieland białych. Główne cechy tego stylu to: zindywidualizowane partie solowe, zmiana gorącej inspiracji (oryginalny, swobodny, ekstatyczny występ stał się bardziej nerwowy, pełen napięcia), syntezator (w muzyce znalazły się nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie hity ) oraz zmiany w grze instrumentalnej (zmieniła się rola instrumentów i technik wykonawczych). Podstawowe postacie tego kierunku („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).

Swing to orkiestrowy styl jazzu lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku, który wyrósł bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się odrębne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; banjo zastępuje gitara, tuba i sazofon – kontrabas. Muzyka odchodzi od zbiorowej improwizacji, muzycy grają ściśle według wcześniej ustalonych partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku: („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („Kiedy Budda się uśmiecha”), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop to nowoczesny jazz, który swój początek miał w latach 40. i był kierunkiem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu jest to styl bardziej intelektualny, kładący duży nacisk na złożoną improwizację i nacisk na harmonię, a nie melodię. Muzykę tego stylu wyróżnia także bardzo szybkie tempo. Najzdolniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.

Główny nurt. Obejmuje trzy nurty: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style i West Coast Jazz. W Chicago królował gorący ruch, na którego czele stali tacy mistrzowie jak Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi utworami w stylu bluesowym. Jazz West Coast rozwinął się w Los Angeles pod jego kierunkiem, a następnie zaowocował fajnym jazzem.

Cool Jazz (cool jazz) powstał w Los Angeles w latach 50. jako przeciwieństwo dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważa się Lestera Younga. To on wprowadził nietypowy dla jazzu sposób realizacji dźwięku. Styl ten charakteryzuje się wykorzystaniem instrumentów symfonicznych i powściągliwością emocjonalną. W tym duchu pozostawili po sobie ślad tacy mistrzowie jak Miles Davis („Blue In Green”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond.

Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60-tych. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginalnymi, tradycyjnymi elementami i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego nurtu na pierwszym miejscu była ekspresja siebie, którą realizowali poprzez muzykę. Wykonawcami tego nurtu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.

Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., ale wyróżniał się techniką saksofonu staccato, złożonym przeplataniem politonalności z rytmiczną pulsacją i elementami symfojazzu. Stana Kentona można nazwać twórcą tego trendu. Wybitni przedstawiciele: Gil Evans i Boyd Ryburn.

Hard bop to rodzaj jazzu wywodzący się z bebopu. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia – w tych miastach narodził się ten styl. Agresywnością bardzo przypomina bebop, choć nadal dominują w nim elementy bluesa. Wyróżnieni wykonawcy to Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.

Soulowy jazz. Termin ten jest używany w odniesieniu do całej muzyki murzyńskiej. Opiera się na tradycyjnym bluesie i folklorze afroamerykańskim. Muzykę tę charakteryzują ostinatowe figury basowe i rytmicznie powtarzane próbki, dzięki czemu zyskała szeroką popularność wśród różnych mas ludności. Do hitów tego kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harrisa-McCaina „Compared To What”.

Groove (czyli funk) jest odgałęzieniem soulu, wyróżnia go jedynie rytmiczne skupienie. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma główny kolor, a pod względem struktury są to wyraźnie określone partie każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całościowe brzmienie i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcami tego stylu są Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom tak innowacyjnych mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego charakterystycznymi cechami są atonalność, naruszenie sekwencji akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a jego pochodnymi są loft jazz, nowoczesny kreatywny i free funk. Muzycy tego stylu to: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).

Kreatywność pojawiła się dzięki powszechnej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Trudno w jakiś sposób scharakteryzować taką muzykę, gdyż jest ona zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów wcześniejszych części. Do pierwszych zwolenników tego stylu zaliczają się Lenny Tristano („Line Up”), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril („The Big Time Stuff”).

Fusion połączył elementy niemal wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Najbardziej aktywny rozwój nastąpił w latach 70. XX wieku. Fusion to usystematyzowany styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokalu. Ten styl przeznaczony jest dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego ruchu stoją Larry Corell i Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).

Acid jazz (jazz groove lub jazz klubowy) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (okres świetności 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym wykorzystaniem sampli jazzowo-funkowych. Założycielem jest DJ Giles Peterson. Wśród wykonawców tego kierunku są Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.

Post bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. XX wieku i swoją strukturą przypomina hard bop. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i Groove. Często charakteryzując ten kierunek, nawiązują do blues-rocka. W tym stylu pracowali Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Like Some In Love”) i Lee Morgan („Wczoraj”), Wayne Shorter.

Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy wywodzący się z ruchu fusion, różniący się od niego celowo dopracowanym brzmieniem. Cechą tego kierunku jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani artyści: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).

Jazz manush (cygański jazz) to kierunek jazzowy specjalizujący się w grze na gitarze. Łączy w sobie technikę gitarową plemion cygańskich z grupy Manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).

Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie, w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Początkami jazzu był blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu stały się początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych. Subjazzami jazzowymi są: jazz awangardowy, bebop, jazz klasyczny, cool, jazz modalny, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.

Historia rozwoju jazzu

Zespół jazzowy Wilex College w Teksasie

Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pierwotnie pochodził z Afryki. Każdą muzykę afrykańską charakteryzuje bardzo złożony rytm, muzyce zawsze towarzyszą tańce, które polegają na szybkim tupaniu i klaskaniu. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku powstał kolejny gatunek muzyczny – ragtime. Następnie rytmy ragtime'u w połączeniu z elementami bluesa dały początek nowemu kierunkowi muzycznemu - jazzowi.

Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, jednak jego korzeni należy szukać już w momencie sprowadzenia niewolników z Afryki do Nowego Świata. Sprowadzani niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zazwyczaj nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur i w efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która również uległa poważnym przemianom w Nowym Świecie) trwały od XVIII w. i w XIX w. doprowadziły do powstania „protojazzu”, a następnie w powszechnym rozumieniu jazzu. przyjęty sens. Kolebką jazzu było Południe Ameryki, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Przyrzeczenie wiecznej młodości jazzu - improwizacja
Osobliwością tego stylu jest wyjątkowy indywidualny występ wirtuoza jazzu. Kluczem do wiecznej młodości jazzu jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i do dziś pozostaje legendą – Louisa Armstronga, sztuka wykonawstwa jazzowego otworzyła przed sobą nowe, niezwykłe horyzonty: solowe wykonanie wokalne lub instrumentalne staje się centrum całego wykonania , całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj występów muzycznych, ale także wyjątkowa, wesoła epoka.

nowoorleański jazz

Termin Nowy Orlean jest powszechnie używany do opisania stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900–1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do lat dwudziestych XX wieku. Ten okres w historii jazzu nazywany jest także epoką jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez nowoorleańskich działaczy odrodzenia, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły w Nowym Orleanie.

Afroamerykański folklor i jazz rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie słynącej z lokali rozrywkowych. Ci, którzy chcieli się dobrze bawić i dobrze się tutaj bawić, czekali na wiele uwodzicielskich możliwości, które oferowały parkiety taneczne, kabaret, występy rozrywkowe, cyrk, bary i restauracje. I wszędzie w tych instytucjach brzmiała muzyka i muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną, mogli znaleźć pracę. Stopniowo wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w placówkach rozrywkowych Storyville zmniejszała się liczba marszowych i ulicznych orkiestr dętych, a zamiast nich powstały tzw. Zespoły Storyville, których muzyczny przejaw stał się bardziej indywidualny w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego jazzu nowoorleańskiego. W latach 1910–1917 kluby nocne Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
W latach 1910–1917 kluby nocne Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku

Po zamknięciu Storyville jazz zaczął zmieniać się z regionalnego gatunku folkowego w ogólnokrajowy kierunek muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale oczywiście tylko zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej nie mogło przyczynić się do jej szerokiej dystrybucji. Obok Nowego Orleanu St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odegrały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.

Z drugiej strony występy minstreli, z ich pstrokatą mozaiką wszelkiego rodzaju afroamerykańskiego folkloru, od jig po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i przygotowały grunt pod nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu rozpoczynało swoją podróż od występów minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton od 1904 roku regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie. Od 1914 roku miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i White Dixieland Orchestra Toma Browna. Duże tournée po wodewilu po Chicago organizował także słynny Creole Band, prowadzony przez kornecistę z Nowego Orleanu Freddiego Kepparda. Artyści Freddiego Kepparda, po pewnym czasie rozstania się z Olympia Band, już w 1914 roku z sukcesem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego ich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, który jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucone. Znacząco rozszerzył obszar objęty wpływem jazzu, orkiestr grających na parowcach wycieczkowych pływających po Missisipi.

Od końca XIX wieku popularne stały się rejsy rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw weekendowe, a później całotygodniowe. Od 1900 roku na tych statkach rzecznych występują orkiestry Nowego Orleanu, których muzyka stała się najbardziej atrakcyjną rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr zaczynała Suger Johnny, przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszy pianista jazzowy Lil Hardin. W zespole rzecznym innego pianisty, Faiths Marable, występowało wiele przyszłych gwiazd jazzu z Nowego Orleanu.

Parowce pływające po rzece często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami Bixa Beiderbecka, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru blues rozwinął się i wreszcie nabrał kształtu, wirtuozowska gra nowoorleańskich jazzmanów znalazła wyjątkowo sprzyjające środowisko. Na początku lat dwudziestych XX wieku głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej stało się Chicago, w którym dzięki wysiłkom wielu muzyków pochodzących z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl nazwany chicagowskim jazzem.

Wielkie zespoły

Klasyczna, ustalona forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat dwudziestych XX wieku. Forma ta zachowała swoją aktualność do końca lat czterdziestych XX wieku. Muzycy, którzy wstępowali do większości big bandów, z reguły już jako nastolatki, grali określone role, albo uczyli się na próbach, albo z notatek. Staranne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami dętymi dętymi i drewnianymi, stworzyły bogate harmonie jazzowe i wytworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.

Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając swój szczyt w połowie lat trzydziestych XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa tańca swingowego. Liderzy znanych zespołów jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę hitów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, którzy podczas głośnych „bitew orkiestr” doprowadzili publiczność do stanu bliskiego histerii.
Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, co doprowadziło publiczność do stanu bliskiego histerii.
Chociaż popularność big bandów znacznie spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały przez następne kilka dekad. Ich muzyka ulegała stopniowym przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa i Thada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble, regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.

północno-wschodniego jazzu

Louis Armstrong

Chicago przyjęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją nie tylko dzięki słynnym zespołom Hot Five i Hot Seven Armstronga, ale także innym, w tym Eddiem Condonowi i Jimmy'emu McPartlandowi, których ekipa z Austin High School pomogła ożywić Nowy Orlean szkoły. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego jazzu w Nowym Orleanie, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swego rodzaju masę krytyczną, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą światową stolicę jazzu. I choć w pierwszej ćwierci XX wieku Chicago pozostawało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych, Nowy Jork stał się także najważniejszym miejscem jazzowym, goszczącym legendarne kluby, takie jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard, a także a także areny takie jak Carnegie Hall.

Styl Kansas City

W erze Wielkiego Kryzysu i prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką nowomodnych dźwięków końca lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzuje się uduchowionymi utworami z domieszką bluesa, wykonywanymi zarówno przez big bandy, jak i małe zespoły swingowe, demonstrując bardzo energetyczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym alkoholem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, zaczynając od Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, który opierał się na swoistej formie bluesa, zwanej „urban blues”, i ukształtował się w grze powyższych orkiestr. Scenę jazzową w Kansas City wyróżniła także cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których uznanym „królem” był wieloletni solista Count Basie Orchestra, słynny wokalista bluesowy Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku szeroko posługiwał się charakterystycznymi bluesowymi „chipami”, których nauczył się w orkiestrach w Kansas City, a później stanowił jeden z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w latach czterdziestych XX wieku.

Jazz z Zachodniego Wybrzeża

Artyści uchwyceni ruchem cool jazz w latach 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, będący pod dużym wpływem noneta Milesa Davisa, rozwinęli muzykę znaną obecnie jako West Coast Jazz. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie łagodniejszy niż wściekły bebop, który go poprzedzał. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została opisana bardzo szczegółowo. Linie kontrapunktowe, często stosowane w tych kompozycjach, zdawały się być częścią europejskich wpływów, które przeniknęły do jazzu. Muzyka ta pozostawiała jednak sporo miejsca na długie linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz był wykonywany głównie w studiach nagraniowych, kluby takie jak Lighthouse na Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często gościły swoich mistrzów, do których zaliczali się trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Shenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffrey .

Rozprzestrzenianie się jazzu

Jazz od zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespiego i jego fuzję tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w latach 40. XX wieku i później, fuzję jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, słynącą z twórczości pianisty Dave'a Brubecka , a także u genialnego kompozytora i lidera jazzu – Duke Ellington Orchestra, która połączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu.

Dave’a Brubecka

Jazz nieustannie wchłaniał i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zaczęli próbować pracować z elementami muzycznymi Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym chociażby przez zespół Oregon czy projekt Shakti Johna McLaughlina. Muzyka McLaughlina, dawniej w dużej mierze oparta na jazzie, zaczęła wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti zabrzmiały skomplikowane rytmy i powszechnie stosowano formę indyjskiej rag.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz stale wpływają inne tradycje muzyczne.
Art Ensemble of Chicago był wczesnym pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę i kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w orkiestrze Masada, jak i poza nią. Utwory te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzysta Marc Ribot i basista Anthony Coleman. Trębacz Dave Douglas wnosi do swojej muzyki inspiracje z Bałkanów, a Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywienia dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest naprawdę muzyką świata.

Jazz w ZSRR i Rosji

Pierwszy w zespole jazzowym RSFSR Valentina Parnakha

Scena jazzowa narodziła się w ZSRR w latach dwudziestych XX wieku, jednocześnie z okresem swojego rozkwitu w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Radzieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza, działacza teatralnego Walentina Parnacha i nosiła nazwę „Pierwszej Ekscentrycznej Orkiestry Jazzowej Walentina Parnacha w RFSRR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Orkiestra pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa) uznawana jest za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który wystąpił na antenie i nagrał płytę.

Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się w wykonywaniu modnych tańców (foxtrot, Charleston). W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w latach 30., w dużej mierze za sprawą leningradzkiego zespołu prowadzonego przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya. B. Skomorovsky'ego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934) poświęcona była historii muzyka jazzowego i miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Izaaka Dunayevsky'ego). Utyosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazzu” (jazzu teatralnego), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i elementem performansu, który odegrał w nim dużą rolę. Wybitny wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Rozpoczynając karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR oraz inicjatorem białoruskiego jazzu.
W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w ZSRR w latach trzydziestych XX wieku.
Stosunek władz radzieckich do jazzu był niejednoznaczny: krajowi wykonawcy jazzowi z reguły nie byli zakazani, ale powszechna była ostra krytyka jazzu jako takiego, w kontekście krytyki kultury zachodniej w ogóle. Pod koniec lat czterdziestych, w okresie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” ustały represje wobec muzyków, ale krytyka nie ustała. Jak wynika z badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował wykorzystać jazz jako broń ideologiczną przeciwko ZSRR i ekspansji wpływów sowieckich w krajach trzeciego świata. W latach 50. i 60. w Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Roznera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Iosifa Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludvikovsky'ego (Moskwa), a także Riga Variety Orchestra (REO).

Big bandy wychowały całą plejada utalentowanych aranżerów i solowych improwizatorów, których twórczość wyniosła radziecki jazz na jakościowo nowy poziom i zbliżyła go do światowych standardów. Są wśród nich Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Aleksiej Zubow, Witalij Dołgow, Igor Kantyukow, Nikołaj Kapustin, Borys Matwiejew, Konstantin Nosow, Borys Rychkow, Konstantin Bakholdin. Rozpoczyna się rozwój jazzu kameralnego i klubowego w całej jego różnorodności stylów (Wiaczesław Ganelin, Dawid Goloszczekin, Giennadij Golsztein, Nikołaj Gromin, Władimir Danilin, Aleksiej Kozłow, Roman Kunsman, Nikołaj Lewinowski, German Łukjanow, Aleksander Piszczikow, Aleksiej Kuzniecow, Wiktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)

Klub Jazzowy „Błękitny Ptak”

Wielu z powyższych mistrzów radzieckiego jazzu rozpoczęło swoją twórczą karierę na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli współczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Aleksander i Dmitry Bril, Anna Buturlina, Jakow Okun, Roman Miroshnichenko i inni). W latach 70. dużą popularność zyskało istniejące do 1986 roku trio jazzowe „Ganelin-Tarasow-Czekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina. W latach 70. i 80. znany był także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya”, gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz-Khoral”.

Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90., zaczął on ponownie zyskiwać na popularności w kulturze młodzieżowej. Co roku w Moskwie odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak Usadba Jazz i Jazz in the Hermitage Garden. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy Union of Composers, który zaprasza światowej sławy wykonawców jazzowych i bluesowych.

Jazz we współczesnym świecie

Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których uczymy się podróżując. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, stale przybliżających nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata” (muzyką świata). Na dzisiejszy jazz nie mogą nie wpływać dźwięki przenikające do niego niemal z każdego zakątka globu. Europejski eksperymentalizm z klasycznymi wydźwiękami w dalszym ciągu wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, chłodny awangardowy saksofonista znany ze współpracy z tak wybitnymi współczesnymi, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni, bardziej tradycyjni młodzi muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.

Stara tradycja brzmieniowa jest szybko kontynuowana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który współpracuje z zespołem asystentów zarówno w swoich własnych małych zespołach, jak i w Lincoln Center Jazz Band, który prowadzi. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Markus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na świetnych muzyków. Basista Dave Holland to także wielki odkrywca młodych talentów. Wśród jego wielu odkryć znajdują się tacy artyści jak saksofonista/basista M Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista Chick Corea oraz nieżyjący już perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju jazzu jest obecnie dość duży, gdyż sposoby rozwijania talentu i środki jego ekspresji są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych gatunków jazzu, które dziś są promowane.

Jazz to szczególny rodzaj muzyki, który stał się szczególnie popularny w Stanach Zjednoczonych. Początkowo jazz był muzyką czarnoskórych obywateli Stanów Zjednoczonych, później jednak kierunek ten wchłonął zupełnie inne style muzyczne, które rozwinęły się w wielu krajach. Porozmawiamy o tym rozwoju.

Najważniejszą cechą jazzu, zarówno pierwotnie, jak i obecnie, jest rytm. Melodie jazzowe łączą elementy muzyki afrykańskiej i europejskiej. Ale jazz zyskał harmonię dzięki wpływom europejskim. Drugim zasadniczym elementem jazzu do dziś jest improwizacja. Często jazz grano bez przygotowanej wcześniej melodii: dopiero w trakcie gry muzyk wybierał ten czy inny kierunek, ulegając swojej inspiracji. Tak więc na oczach słuchaczy, podczas gry muzyka, narodziła się muzyka.

Przez lata jazz się zmieniał, ale nadal zachował swoje podstawowe cechy. Nieoceniony wkład w ten kierunek wniósł osławiony „blues” – przeciągające się melodie, które były charakterystyczne także dla czarnych. W tej chwili większość melodii bluesowych stanowi integralną część kierunku jazzowego. Tak naprawdę blues wywarł szczególny wpływ nie tylko na jazz: rock and roll, country i western również wykorzystują motywy bluesowe.

Mówiąc o jazzie, nie sposób nie wspomnieć o amerykańskim mieście Nowy Orlean. Dixieland, jak nazywano nowoorleański jazz, po raz pierwszy połączył motywy bluesowe, czarne pieśni kościelne i elementy europejskiej muzyki ludowej.
Później pojawił się swing (zwany także jazzem w stylu „big bandu”), który również doczekał się szerokiego rozwoju. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku popularność zyskał „modern jazz”, który był bardziej złożoną grą melodii i harmonii niż wczesny jazz. Istnieje nowe podejście do rytmu. Muzycy próbowali wymyślać nowe utwory wykorzystujące inne rytmy, przez co technika gry na perkusji stała się bardziej skomplikowana.

„Nowa fala” jazzu ogarnęła świat w latach 60.: uważana jest za jazz tych samych improwizacji, o których mowa powyżej. Wychodząc na występ, orkiestra nie potrafiła przewidzieć, w jakim kierunku i w jakim rytmie będzie przebiegać jej występ, żaden z jazzmanów nie wiedział z góry, kiedy zmieni się tempo i tempo wykonania. I trzeba też powiedzieć, że takie zachowanie muzyków nie oznacza, że muzyka była nie do zniesienia: wręcz przeciwnie, pojawiło się nowe podejście do wykonywania już istniejących melodii. Śledząc rozwój jazzu widać, że jest to muzyka ciągle zmieniająca się, która jednak na przestrzeni lat nie straciła swoich podstaw.

Podsumujmy:

Początkowo jazz był czarną muzyką;
Dwa postulaty wszystkich melodii jazzowych: rytm i improwizacja;
Blues - wniósł ogromny wkład w rozwój jazzu;
Jazz nowoorleański (Dixieland) łączył bluesa, pieśni kościelne i europejską muzykę ludową;
Swing - kierunek jazzu;
Wraz z rozwojem jazzu rytmy stały się bardziej skomplikowane, a w latach 60. orkiestry jazzowe ponownie oddały się podczas występów improwizacji.

Ibrasheva Alina i Gazgireeva Malika

prezentacja na temat „Jazz”, która opowiada o powstaniu jazzu i jego odmianach

Pobierać:

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Główne nurty Odmiany jazzu Opracowali: Ibrasheva Alina i Gazgireeva Malika 7. klasa szkoły nr 28. Nauczyciel: Kolotova Tamara Gennadievna

Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Czym jest jazz?

Początki jazzu wiążą się z bluesem. Powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, lecz jego korzeni należy szukać już w momencie sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Każdą muzykę afrykańską charakteryzuje bardzo złożony rytm, muzyce zawsze towarzyszą tańce, które polegają na szybkim tupaniu i klaskaniu. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur – do powstania jednej kultury Afroamerykanów. Procesy mieszania się kultury afrykańskiej z kulturą europejską trwały od XVIII w., a w XIX w. doprowadziły do powstania „protojazzu”, a następnie jazzu. pochodzenie

Termin Nowy Orlean, czyli jazz tradycyjny, jest powszechnie używany w odniesieniu do stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900–1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. . Ten okres w historii jazzu nazywany jest także epoką jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez nowoorleańskich działaczy odrodzenia, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły w Nowym Orleanie. Jazz nowoorleański lub jazz tradycyjny

Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest to środek wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na ciągłych odchyleniach rytmu od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX w. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej. Artyści: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli. Huśtać się

Styl jazzowy, eksperymentalny kierunek twórczy w jazzie, kojarzony głównie z praktyką małych zespołów (combo), który rozwinął się w pierwszej połowie lat 40. XX wieku i otworzył erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami. Scena bebopowa oznaczała znaczące przesunięcie akcentu w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na muzykę bardziej artystyczną. Główni muzycy: saksofonista Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, pianiści Bud Powell i Thelonious Monk, perkusista Max Roach. Bop

Klasyczna, ustalona forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat dwudziestych XX wieku. Forma ta zachowała swoją aktualność aż do końca lat czterdziestych XX wieku. Muzycy, którzy wstępowali do większości big bandów, grali dość określone role, albo uczyli się na próbach, albo z nut. Staranne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami dętymi dętymi i drewnianymi, stworzyły bogate harmonie jazzowe i wytworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”. Najbardziej znani: Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford. Wielkie zespoły

Po zakończeniu mainstreamowej mody na big bandy w dobie big bandów, kiedy muzyka big bandów zaczęła zapełniać scenę małymi zespołami jazzowymi, muzyka swingowa nadal brzmiała. Wielu znanych solistów swingowych po koncertach w salach balowych lubiło grać dla własnej przyjemności na spontanicznych jamach w małych klubach na 52. ulicy w Nowym Jorku. Co więcej, byli to nie tylko ci, którzy pracowali jako „sidemenowie” w dużych orkiestrach, jak Ben Webster, Coleman Hawkins, będąc początkowo solistami, a nie tylko dyrygentami, także poszukiwali możliwości grania oddzielnie od swojego dużego zespołu, w niewielkim składzie . Główny nurt

Choć historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit tej muzyki nastąpił na początku lat dwudziestych XX wieku, kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, aby tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ. Chicago przejęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją, podnosząc jej intensywność nie tylko wysiłkiem słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych. Jazz północno-wschodni. Krok

Wysoka temperatura i ciśnienie bebopu zaczęły słabnąć wraz z rozwojem fajnego jazzu. Począwszy od późnych lat czterdziestych i wczesnych pięćdziesiątych muzycy zaczęli rozwijać mniej gwałtowne, płynniejsze podejście do improwizacji, wzorowane na lekkiej, suchej grze saksofonisty tenorowego Lestera Younga z czasów, gdy był swingiem. Rezultatem jest oderwany i jednolicie płaski dźwięk oparty na emocjonalnym „chłodzie”. Największym innowatorem gatunku stał się trębacz Miles Davis, jeden z pierwszych muzyków bebopowych, który to ostudził. Jego nonet, z którym w latach 1949-1950 nagrano płytę „The Birth of the Cool”, był uosobieniem liryzmu i powściągliwości fajnego jazzu. Cool (fajny jazz)

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek - jazz progresywny, czyli po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć oderwania się od zamrożonych klisz big bandów i przestarzałych, wytartych technik tzw. jazz symfoniczny wprowadzony w latach dwudziestych XX wieku przez Paula Whitemana. W odróżnieniu od bopperów twórcy muzyki progresywnej nie dążyli do radykalnego porzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Od jego pierwszych dzieł właściwie wywodzi się jazz progresywny początku lat 40. XX wieku. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. progresywnego jazzu

Hard bop (angielski - hard, hard bop) to rodzaj jazzu, który powstał w latach 50-tych. XX wiek z bopa. Różni się wyrazistą, okrutną rytmiką, oparciem się na bluesie. Nawiązuje do stylów współczesnego jazzu. Mniej więcej w tym samym czasie, gdy fajny jazz zapuścił korzenie na Zachodnim Wybrzeżu, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli tworzyć coraz cięższe wariacje na temat starej formuły bebopu, zwanej Hard bop lub hard bebop. Hard bop z lat 50. i 60., bardzo przypominający tradycyjny bebop w swojej agresywności i technice, w mniejszym stopniu opierał się na standardowych formach piosenek, a zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. twardy bop

Soul jazz (angielski soul - soul) - szeroko rozumiana muzyka soul nazywana jest czasem całą muzyką murzyńską kojarzoną z tradycją bluesową. Charakteryzuje się oparciem na tradycjach bluesa i folklorze afroamerykańskim. Bliski krewny hard bopu, soul jazz, jest reprezentowany przez małe minikompozycje oparte na organach, które powstały w połowie lat pięćdziesiątych i były wykonywane do lat siedemdziesiątych. Oparta na bluesie i gospel muzyka soul jazzowa pulsuje afroamerykańską duchowością. soulowy jazz

Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z pojawieniem się free jazzu, zwanego później „Nową Rzeczą”. Choć elementy free jazzu istniały w strukturze muzycznej jazzu na długo przed samym terminem, najbardziej oryginalne w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku dzięki wysiłkom takich pionierów jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny. darmowy jazz

Okres post-bopowy obejmuje muzykę graną przez muzyków jazzowych, którzy nadal pracowali w obszarze bebopu, unikając eksperymentów z free jazzem, które rozwinęły się w tym samym okresie lat 60. Również ta forma, podobnie jak wspomniany hard bop, opierała się na rytmach, strukturze zespołowej i energii bebopu, na tych samych kombinacjach instrumentów dętych blaszanych i na tym samym repertuarze muzycznym, w tym z wykorzystaniem elementów latynoskich. Tym, co wyróżniało muzykę post-bopową, było wykorzystanie elementów funku, rytmu czy soulu, przekształconych w duchu nowej ery, naznaczonej dominacją muzyki pop. Najbardziej znani jako: saksofonista Hank Mobley, pianista Horace Silver, perkusista Art Blakey i trębacz Lee Morgan. Postbop

Termin Acid Jazz lub Acid Jazz jest luźno używany w odniesieniu do bardzo szerokiego zakresu muzyki. Chociaż acid jazz nie jest do końca słusznie przypisywany stylom jazzowym, które wyrosły ze wspólnego drzewa tradycji jazzowych, nie można go całkowicie zignorować, analizując różnorodność gatunkową muzyki jazzowej. Pojawiający się w 1987 roku na brytyjskiej scenie tanecznej acid jazz jako styl muzyczny, głównie instrumentalny, rozwinął się z funku, z dodatkiem wybranych klasycznych utworów jazzowych, hip-hopu, soulu i latynoskiego rytmu. Właściwie styl ten jest jedną z odmian odrodzenia jazzu, inspirowanego w tym przypadku nie tyle występami żyjących weteranów, ile starymi nagraniami jazzowymi z końca lat 60. i wczesnym jazzowym funkiem z początku lat 70. kwasowy jazz

Wywodzący się ze stylu fusion smooth jazz porzucił energetyczne solówki i dynamiczne crescendo poprzednich stylów. Smooth jazz wyróżnia przede wszystkim celowo podkreślone dopracowane brzmienie. Improwizacja również została w dużej mierze wykluczona z muzycznego arsenału gatunku. Wzbogacony dźwiękami wielu syntezatorów, w połączeniu z próbkami rytmicznymi, błyszczący dźwięk tworzy gładki i wysoce dopracowany pakiet dóbr muzycznych, w którym współbrzmienie zespołu jest ważniejsze niż jego części składowe. Najbardziej znani: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clark, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin, Jeff Lorber, Chuck Loeb. Płynny jazz

Jazz od zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy’ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków z lat 40. XX w. i później, znane z twórczości pianisty Dave’a powiązanie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią Brubeck.world trwa, jazz pozostaje pod ciągłym wpływem innych tradycji muzycznych, dostarczając dojrzałego pożywienia dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz to prawdziwie muzyka świata. Rozprzestrzenianie się jazzu

Dziękuję za uwagę

Jazz to ewenement w światowej kulturze muzycznej. Ta wieloaspektowa forma sztuki powstała na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Muzyka jazzowa stała się dziełem kultur Europy i Afryki, swego rodzaju fuzją trendów i form obu regionów świata. Następnie jazz wyszedł poza Stany Zjednoczone i stał się popularny niemal wszędzie. Muzyka ta wywodzi się z afrykańskich pieśni ludowych, rytmów i stylów. W historii rozwoju tego kierunku jazzu znanych jest wiele form i typów, które pojawiły się wraz z opanowaniem nowych modeli rytmów i harmonii.

Charakterystyka jazzu

Synteza dwóch kultur muzycznych uczyniła jazz radykalnie nowym zjawiskiem w sztuce światowej. Specyficzne cechy tej nowej muzyki to:

Rytmy synkopowane, które generują polirytmy.
Rytmiczna pulsacja muzyki – beat.
Kompleks odchylenia rytmu - swing.
Ciągła improwizacja w kompozycjach.
Bogactwo harmonii, rytmów i barw.

Podstawą jazzu, zwłaszcza w początkowej fazie rozwoju, była improwizacja połączona z przemyślaną formą (jednocześnie forma kompozycji nie była koniecznie gdzieś ustalona). A z muzyki afrykańskiej ten nowy styl przyjął następujące charakterystyczne cechy:

Zrozumienie każdego instrumentu jako perkusji.
Popularne intonacje potoczne w wykonywaniu utworów.
Podobna imitacja rozmowy podczas gry na instrumentach.

Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie obszary jazzu wyróżniają się własnymi cechami lokalnymi, dlatego logiczne jest rozpatrywanie ich w kontekście rozwoju historycznego.

Pojawienie się jazzu, ragtime'u (1880-1910)

Uważa się, że jazz narodził się wśród czarnych niewolników sprowadzonych z Afryki do Stanów Zjednoczonych w XVIII wieku. Ponieważ schwytanych Afrykanów nie reprezentowało żadne plemię, musieli znaleźć wspólny język ze swoimi krewnymi w Nowym Świecie. Ta konsolidacja doprowadziła do pojawienia się w Ameryce zjednoczonej kultury afrykańskiej, która obejmowała także kulturę muzyczną. W rezultacie pierwsza muzyka jazzowa pojawiła się dopiero w latach 80. i 90. XIX wieku. Styl ten był napędzany światowym popytem na popularną muzykę taneczną. Ponieważ afrykańska sztuka muzyczna była pełna takich rytmicznych tańców, na jej podstawie narodził się nowy kierunek. Tysiące Amerykanów z klasy średniej, którzy nie mieli możliwości opanowania arystokratycznych tańców klasycznych, zaczęło tańczyć przy fortepianie w stylu ragtime. Ragtime wniósł do muzyki kilka przyszłych podstaw jazzu. Tak więc główny przedstawiciel tego stylu, Scott Joplin, jest autorem elementu „3 na 4” (krzyżowanie wzorów rytmicznych odpowiednio z 3 i 4 jednostkami).

Nowy Orlean (1910-1920)

Jazz klasyczny pojawił się na początku XX wieku w południowych stanach Ameryki, a konkretnie w Nowym Orleanie (co jest logiczne, ponieważ na południu powszechny był handel niewolnikami).

Grały tu orkiestry afrykańskie i kreolskie, tworzące swoją muzykę pod wpływem ragtime'u, bluesa i pieśni czarnych robotników. Po pojawieniu się w mieście wielu instrumentów muzycznych z orkiestr wojskowych, zaczęły pojawiać się także grupy amatorskie. Samoukiem był także legendarny nowoorleański muzyk i założyciel własnej orkiestry, King Oliver. Ważną datą w historii jazzu był 26 lutego 1917 roku, kiedy to zespół Original Dixieland Jazz Band wydał swoją pierwszą własną płytę gramofonową. Główne cechy tego stylu zostały określone także w Nowym Orleanie: rytm instrumentów perkusyjnych, mistrzowskie solo, improwizacja wokalna z sylabami - scat.

Chicago (1910-1920)

W latach dwudziestych, nazywanych przez klasyków „ryczącymi latami dwudziestymi”, muzyka jazzowa stopniowo wkracza do kultury popularnej, tracąc tytuły „wstydliwy” i „nieprzyzwoity”. Orkiestry zaczynają występować w restauracjach, przenoszą się z południowych stanów do innych części Stanów Zjednoczonych. Chicago staje się centrum jazzu na północy kraju, gdzie coraz większą popularnością cieszą się darmowe, wieczorne występy muzyków (podczas takich występów często pojawiały się improwizacje i zagraniczni soliści). Bardziej złożone aranżacje pojawiają się w stylu muzycznym. Ikoną jazzu tamtych czasów był Louis Armstrong, który przeniósł się do Chicago z Nowego Orleanu. Następnie style obu miast zaczęto łączyć w jeden gatunek muzyki jazzowej - Dixieland. Główną cechą tego stylu była zbiorowa masowa improwizacja, która wyniosła główną ideę jazzu do absolutu.

Swing i big bandy (1930-1940)

Dalszy wzrost popularności jazzu stworzył zapotrzebowanie na duże orkiestry grające taneczne melodie. Tak pojawił się swing, reprezentujący charakterystyczne odchylenia od rytmu w obu kierunkach. Swing stał się głównym kierunkiem stylistycznym tamtych czasów, przejawiającym się w twórczości orkiestr. Wykonanie smukłych kompozycji tanecznych wymagało bardziej skoordynowanej gry orkiestry. Muzycy jazzowi musieli uczestniczyć w nim równomiernie, bez większej improwizacji (z wyjątkiem solisty), więc zbiorowa improwizacja Dixielanda należy już do przeszłości. W latach trzydziestych XX wieku nastąpił rozkwit takich grup, które nazywano big bandami. Cechą charakterystyczną orkiestr tamtych czasów jest rywalizacja grup instrumentów, sekcji. Tradycyjnie było ich trzech: saksofony, trąbki, perkusja. Najbardziej znani muzycy jazzowi i ich orkiestry to Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Ten ostatni muzyk słynie z zaangażowania w folklor murzyński.

Bebopa (lata 40. XX wieku)

Odejście Swinga od tradycji wczesnego jazzu, a zwłaszcza klasycznych melodii i stylów afrykańskich, wywołało niezadowolenie wśród miłośników historii. Big bandom i performerom swingowym, którzy coraz częściej pracowali dla publiczności, zaczęła przeciwstawiać się muzyka jazzowa małych zespołów czarnych muzyków. Eksperymentatorzy wprowadzili ultraszybkie melodie, przywrócili długą improwizację, złożone rytmy i wirtuozowskie mistrzostwo gry na instrumencie solowym. Nowy styl, pozycjonujący się jako ekskluzywny, zaczęto nazywać bebopem. Ikonami tego okresu stali się skandaliczni muzycy jazzowi, tacy jak Charlie Parker i Dizzy Gillespie. Kluczowym punktem stał się bunt czarnych Amerykanów przeciwko komercjalizacji jazzu, chęć powrotu do tej muzyki, intymności i niepowtarzalności. Od tego momentu i od tego stylu zaczyna się historia współczesnego jazzu. W tym samym czasie do małych orkiestr przychodzą liderzy big bandów, chcąc odpocząć od dużych sal. W zespołach zwanych combo tacy muzycy trzymali się stylu swingowego, ale mieli swobodę improwizacji.

Cool jazz, hard bop, soul jazz i jazz funk (lata 40.-60. XX wieku)

W latach pięćdziesiątych taki gatunek muzyczny jak jazz zaczął rozwijać się w dwóch przeciwstawnych kierunkach. Zwolennicy muzyki klasycznej „ochłodzili” bebop, przywracając do mody muzykę akademicką, polifonię i aranżację. Cool jazz zasłynął z powściągliwości, suchości i melancholii. Głównymi przedstawicielami tego nurtu jazzu byli: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Przeciwnie, drugi kierunek zaczął rozwijać idee bebopu. Styl hard bop głosił ideę powrotu do korzeni czarnej muzyki. Do mody powróciły tradycyjne melodie folklorystyczne, jasne i agresywne rytmy, wybuchowe solo i improwizacja. W stylu hard bopu znani są: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Styl ten rozwinął się organicznie wraz z soul jazzem i jazzem funkem. Style te zbliżały się do bluesa, czyniąc rytmikę kluczowym aspektem ich występów. W szczególności jazz funk został wprowadzony przez Richarda Holmesa i Shirley Scott.

Darmowa muzyka (od lat 60. do chwili obecnej)

Po „renesansie jazzowym” w połowie lat pięćdziesiątych XX wieku, kiedy ten styl dogonił inne style muzyczne, nastąpiło swego rodzaju wyzwolenie jazzu. Prowadzono eksperymenty w poszukiwaniu nowych improwizacji, pojawiały się nowe gatunki (fusion – połączenie z muzyką rockową – jazz-rock i muzyka pop – jazz-pop, free jazz – odmowa regulowania tonu i rytmu). Twórcami nowej muzyki byli Ornette Coleman, Cecil Taylor, Pat Metheny, Wayne Shorter, Lee Reitnaur. Jazz rozwijał się także w ZSRR, a później w WNP, gdzie głównymi przedstawicielami byli Walentin Parnach (twórca pierwszej orkiestry w kraju), Aleksander Warlamov, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan. We współczesnym świecie podobne eksperymenty w muzyce jazzowej trwają, tworzy się zupełnie nowy styl, przeplatany nowymi kulturami i mieszany z innymi stylami. Teraz rozwijają się takie talenty jak Mats Gustafson, Evan Parker, Benny Green, Chick Corea, Elvin Jones.

Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, który doprowadził do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.

Jazz nowoorleański (tradycyjny).

Chicagowski jazz.

Główny nurt. Obejmuje trzy nurty: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style i West Coast Jazz. W Chicago królował gorący ruch, na którego czele stali tacy mistrzowie jak Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi utworami w stylu bluesowym. West Coast Jazz rozwinął się w Los Angeles pod kierunkiem, a następnie przekształcił się w fajny jazz.

Jazz-manush (jazz cygański) to kierunek jazzowy specjalizujący się w grze na gitarze. Łączy w sobie technikę gitarową plemion cygańskich z grupy Manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).

Jazz ma swoje korzenie w mieszance kultur muzycznych Europy i Afryki, która rozpoczęła się od Kolumba, który odkrył Amerykę dla Europejczyków. Kultura afrykańska, reprezentowana przez czarnych niewolników przewiezionych z zachodniego wybrzeża Afryki do Ameryki, nadała jazzowej improwizacji, plastyczności i rytmu, kulturze europejskiej - melodii i harmonii dźwięków, standardów molowych i durowych.

Nadal toczy się dyskusja na temat tego, gdzie po raz pierwszy wykonywano muzykę jazzową. Niektórzy historycy uważają, że ten kierunek muzyczny powstał na północy Stanów Zjednoczonych, gdzie protestanccy misjonarze nawracali Czarnych na wiarę chrześcijańską, a oni z kolei stworzyli szczególny rodzaj duchowych pieśni „spirituals”, które wyróżniały się emocjonalnością i improwizacją . Inni uważają, że jazz pojawił się na południu Stanów Zjednoczonych, gdzie afroamerykański folklor muzyczny zdołał zachować swoją oryginalność tylko dlatego, że katolickie poglądy Europejczyków zamieszkujących tę część kontynentu nie pozwalały im na wniesienie wkładu w obcą kulturę, co traktowali z pogardą.

Pomimo różnicy w poglądach historyków nie ulega wątpliwości, że jazz narodził się w Stanach Zjednoczonych, a zamieszkany przez wolnomyślicieli poszukiwaczy przygód Nowy Orlean stał się centrum muzyki jazzowej. 26 lutego 1917 roku to właśnie tutaj, w studiu Victor, nagrano pierwszą płytę gramofonową Original Dixieland Jazz Band z muzyką jazzową.

Gdy jazz już mocno zakorzenił się w świadomości ludzi, zaczęły pojawiać się różne jego kierunki. Dziś jest ich już ponad 30.
Niektórzy z nich:

Duchowe

Jednym z założycieli jazzu jest Spirituals (angielski Spirituals, Spiritual music) - duchowe pieśni Afroamerykanów. Jako gatunek, duchowość ukształtowała się w drugiej połowie XIX wieku w Stanach Zjednoczonych jako zmodyfikowane pieśni niewolnicze wśród czarnych z południa Ameryki (w tamtych latach używano terminu „jubilizowanie”).
Źródłem murzyńskich duchowości są duchowe hymny przywiezione do Ameryki przez białych osadników. Tematyka duchowości została zbudowana z opowieści biblijnych, które dostosowały się do specyficznych warunków życia codziennego i życia Murzynów i zostały poddane folklorystycznemu przetworzeniu. Łączą w sobie charakterystyczne elementy afrykańskich tradycji wykonawczych (zbiorowa improwizacja, charakterystyczny rytm z wyraźnym polirytmem, glissandowe dźwięki, nietemperowane akordy, szczególna emocjonalność) z cechami stylistycznymi amerykańskich hymnów purytańskich, powstałych na gruncie anglo-celtyckim. Duchowość ma strukturę pytanie-odpowiedź, wyrażającą się w dialogu kaznodziei z parafianami. Duchowość znacząco wpłynęła na powstanie, powstanie i rozwój jazzu. Wiele z nich jest wykorzystywanych przez muzyków jazzowych jako tematy do improwizacji.

Blues

Jednym z najpowszechniejszych jest blues, który jest potomkiem świeckiego muzykowania amerykańskich czarnych. Słowo „niebieski”, oprócz najbardziej znanego znaczenia „niebieski”, ma wiele opcji tłumaczeniowych, które w pełni charakteryzują cechy stylu muzycznego: „smutny”, „melancholijny”. „Blues” ma związek z angielskim wyrażeniem „niebieskie diabły”, oznaczającym „kiedy koty drapią się po duszy”. Muzyka bluesowa jest niespieszna i niespieszna, a teksty zawsze niosą ze sobą pewne niedopowiedzenie i dwuznaczność. Dziś blues jest najczęściej używany wyłącznie w formie instrumentalnej, jako improwizacje jazzowe. To właśnie blues stał się podstawą wielu znakomitych wykonań Louisa Armstronga i Duke'a Ellingtona.

Ragtime

Ragtime to kolejny specyficzny kierunek muzyki jazzowej, który pojawił się pod koniec XIX wieku. Sama nazwa stylu tłumaczona jest jako „rozdarty czas”, a określenie „szmata” oznacza dźwięki pojawiające się pomiędzy uderzeniami taktu. Ragtime, jak każdy jazz, to kolejny europejski szał muzyczny, który został przejęty przez Afroamerykanów i wykonywany na swój własny sposób. Mówimy o modnej wówczas w Europie romantycznej szkole fortepianowej, której repertuar obejmował Schuberta, Chopina, Liszta. Repertuar ten zabrzmiał w USA, jednak w interpretacji afroamerykańskich czarnych nabrał bardziej złożonego rytmu, dynamiki i intensywności. Później improwizowany ragtime zaczęto zamieniać na nuty, a jego popularności dodał fakt, że każda szanująca się rodzina musiała mieć fortepian, w tym mechaniczny, który jest bardzo wygodny do grania złożonej melodii ragtime. Miastami, w których najpopularniejszym kierunkiem muzycznym był ragtime, były St. Louis i Kansas City oraz miasto Sedalia w stanie Missouri w Teksasie. To właśnie w tym stanie narodził się najsłynniejszy wykonawca i kompozytor gatunku ragtime Scott Joplin. Często występował w Maple Leaf Club, od którego pochodzi nazwa słynnego Maple Leaf Rag, napisanego w 1897 roku. Innymi znanymi autorami i wykonawcami ragtime'u byli James Scott, Joseph Lamb.

Huśtać się

Na początku lat trzydziestych kryzys gospodarczy w Stanach Zjednoczonych doprowadził do rozpadu dużej liczby zespołów jazzowych, pozostawiając głównie orkiestry grające pseudo-jazzową komercyjną muzykę taneczną. Ważnym krokiem w rozwoju stylistycznym była ewolucja jazzu w nowym, oczyszczonym i wygładzonym kierunku, zwanym swingiem (od angielskiego „swing” - „swing”). Podjęto więc próbę pozbycia się ówczesnego slangowego słowa „jazz”, zastępując je nowym „swingiem”. Główną cechą swingu była jasna improwizacja solisty na tle złożonego akompaniamentu.

Wielcy jazzmani o swingu:

„Swing jest dla mnie prawdziwym rytmem”. Louis Armstrong.
„Swing to uczucie przyspieszenia tempa, mimo że wciąż grasz w tym samym tempie”. Benny'ego Goodmana.
„Orkiestra kołysze się, gdy jej zbiorowa interpretacja jest rytmicznie zintegrowana”. Johna Hammonda.
„Swing należy czuć, to uczucie, które można przekazać innym”. Glenna Millera.

Swing wymagał od muzyków dobrej techniki, znajomości harmonii i zasad organizacji muzyki. Główną formą takiego muzykowania są duże orkiestry lub big bandy, które w drugiej połowie lat trzydziestych XX wieku zyskały niesamowitą popularność wśród szerokiej publiczności. Skład orkiestry stopniowo przybierał standardową formę i liczył od 10 do 20 osób.

Boogie Woogie

W dobie swingu szczególną popularność i rozwój zyskała specyficzna forma wykonywania bluesa na fortepianie, zwana „boogie-woogie”. Styl ten powstał w Kansas City i St. Louis, a następnie rozprzestrzenił się w Chicago. Boogie-woogie zostało przejęte przez pianistów z Południa od banjo i gitarzystów. Dla pianistów wykonujących boogie-woogie typowe jest połączenie „chodzącego” basu wykonywanego lewą ręką i improwizacji na harmonii bluesowej prawą ręką. Styl ten sięga drugiej dekady tego wieku, kiedy grał na nim pianista Jimmy Yancey. Jednak prawdziwą popularność zyskał wraz z pojawieniem się wśród publiczności trzech wirtuozów „Mid Lux” Lewisa, Pete’a Johnsona i Alberta Ammonsa, którzy przekształcili boogie-woogie z tańca w muzykę koncertową. Dalsze wykorzystanie boogie-woogie miało miejsce w gatunku swingu, a następnie w orkiestrach rytmicznych i bluesowych i w dużym stopniu wpłynęło na pojawienie się rock and rolla.

Bop

Na początku lat 40. wielu kreatywnych muzyków zaczęło dotkliwie odczuwać stagnację w rozwoju jazzu, która powstała w wyniku pojawienia się ogromnej liczby modnych orkiestr taneczno-jazzowych. Nie starali się oddać prawdziwego ducha jazzu, lecz korzystali z replik preparatów i technik najlepszych zespołów. Próbę przełamania impasu podjęli młodzi, przede wszystkim nowojorscy muzycy, do których zaliczają się saksofonista altowy Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, perkusista Kenny Clarke, pianista Thelonious Monk. Stopniowo w ich eksperymentach zaczął pojawiać się nowy styl, który lekką ręką Gillespiego otrzymał nazwę „bebop” lub po prostu „bop”. Według jego legendy nazwa ta powstała z połączenia sylab, za pomocą których nucił charakterystyczny dla bopu muzyczny interwał – bluesową piątkę, która pojawiała się w bopie obok bluesowych tercji i septym. Główną różnicą nowego stylu była skomplikowana i zbudowana na innych zasadach harmonia. Parker i Gillespie wprowadzili superszybkie tempo występów, aby odciągnąć nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Złożoność budowania fraz w porównaniu do swingu polega przede wszystkim na początkowym takcie. Improwizacyjna fraza w bebopie może zaczynać się od synkopowanego taktu, może od drugiego taktu; często fraza grana na znanym już temacie lub siatce harmonicznej (Antropologia). Między innymi szokujące zachowanie stało się cechą charakterystyczną wszystkich bebopitów. Zakrzywiona trąbka Gillespiego „Dizzy”, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp. Rewolucja, którą dokonał bebop, okazała się bogata w konsekwencje. Na wczesnym etapie swojej pracy brano pod uwagę boperów: Errolla Garnera, Oscara Petersona, Raya Browna, George'a Shearinga i wielu innych. Spośród założycieli bebopu pomyślny był tylko los Dizzy'ego Gillespiego. Kontynuował swoje eksperymenty, założył styl Cubano, spopularyzował jazz latynoski, otworzył świat na gwiazdy jazzu latynoamerykańskiego – Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdes i wielu innych.

Uznając bebop za muzykę wymagającą wirtuozerii instrumentalnej i znajomości skomplikowanych harmonii, instrumentaliści jazzowi szybko zyskali popularność. Skomponowali melodie, które zygzakowały i obracały się zgodnie ze zmianami akordów o zwiększonej złożoności. Soliści w swoich improwizacjach posługiwali się nutami dysonansowymi tonalnie, tworząc muzykę bardziej egzotyczną, o ostrzejszym brzmieniu. Atrakcyjność synkopy doprowadziła do bezprecedensowych akcentów. Bebop najlepiej nadawał się do gry w małym gronie, takim jak kwartet i kwintet, co okazało się idealne zarówno ze względów ekonomicznych, jak i artystycznych. Muzyka kwitła w miejskich klubach jazzowych, gdzie publiczność przychodziła raczej słuchać pomysłowych solistów, niż tańczyć do ulubionych hitów. Krótko mówiąc, muzycy bebopowi przekształcali jazz w formę sztuki, która być może przemawiała bardziej do intelektu niż do zmysłów.

Wraz z erą bebopu pojawiły się nowe gwiazdy jazzu, w tym trębacze Clifford Brown, Freddie Hubbard i Miles Davis, saksofoniści Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt i John Coltrane oraz puzonista JJ Johnson.

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych bebop przeszedł kilka mutacji, w tym hard bop, cool jazz i soul jazz. Format małego zespołu muzycznego (combo), składającego się zwykle z jednego lub więcej (zwykle nie więcej niż trzech) instrumentów dętych, fortepianu, kontrabasu i perkusji, pozostaje dziś standardowym składem jazzowym.

progresywnego jazzu

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek - jazz progresywny, czyli po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć oderwania się od zamrożonych klisz big bandów i przestarzałych, wytartych technik tzw. jazz symfoniczny wprowadzony w latach dwudziestych XX wieku przez Paula Whitemana. W odróżnieniu od bopperów twórcy muzyki progresywnej nie dążyli do radykalnego porzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Dążyli raczej do aktualizacji i udoskonalenia modeli fraz swingowych, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia symfonizmu europejskiego w dziedzinie tonalności i harmonii.

Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Od jego pierwszych dzieł właściwie wywodzi się jazz progresywny początku lat 40. XX wieku. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej mu było do symfojazzu. Później, w latach powstawania słynnej serii jego albumów „Artistry”, elementy jazzu przestały pełnić rolę kreującą kolor, lecz zostały już organicznie wplecione w materiał muzyczny. To zasługa jego najlepszego aranżera, obok Kentona, Pete’a Rugolo, ucznia Dariusa Milhauda. Nowoczesne (jak na tamte lata) brzmienie symfoniczne, specyficzna technika staccato w grze na saksofonach, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, wraz z politonalnością i jazzową pulsacją rytmiczną – to cechy wyróżniające tę muzykę, z którą Stan Kenton wszedł do historii jazzu przez wiele lat jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną platformę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopu, szczególnie widocznych w utworach, w których solowi instrumentaliści zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestry. Warto też zaznaczyć, że Kenton przywiązywał dużą wagę do improwizacyjnych partii solistów w swoich kompozycjach, m.in. światowej sławy perkusisty Shelleya Maine’a, kontrabasisty Eda Safransky’ego, puzonisty Kay Winding, June Christie, jednej z najlepszych wokalistek jazzowych tamtych lat . Stan Kenton przez całą swoją karierę pozostał wierny wybranemu gatunkowi.

Oprócz Stana Kentona do rozwoju gatunku przyczynili się także ciekawi aranżerzy i instrumentaliści Boyd Ryburn i Bill Evans. Za swoistą apoteozę rozwoju muzyki progresywnej, obok wspomnianej już serii „Artistry”, można uznać także serię płyt nagranych przez big band Billa Evansa wspólnie z zespołem Milesa Davisa w latach 50. i 60. XX wieku m.in. , „Miles naprzód”, „Porgy and Bess” i „Rysunki hiszpańskie”. Krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie zwrócił się do tego gatunku, nagrywając stare aranżacje Billa Evansa z Quincy Jones Big Band.

twardy bop

Mniej więcej w tym samym czasie, gdy fajny jazz zapuścił korzenie na Zachodnim Wybrzeżu, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli tworzyć coraz cięższe wariacje na temat starej formuły bebopu, zwanej Hard bop lub hard bebop. Hardbop z lat 50. i 60., bardzo przypominający tradycyjny bebop pod względem agresywności i wymagań technicznych, w mniejszym stopniu opierał się na standardowych formach piosenek, a zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Zapalające solówki lub umiejętności improwizacji, w połączeniu z silnym wyczuciem harmonii, były atrybutami najwyższej wagi dla muzyków dętych, perkusja i fortepian stały się bardziej widoczne w sekcji rytmicznej, a bas nabrał bardziej płynnego, funkowego charakteru.

W 1955 roku perkusista Art Blakey i pianista Horace Silver założyli The Jazz Messengers, najbardziej wpływową grupę hardbopową. Ten stale doskonalony i rozwijający się septet, który działał z sukcesem aż do lat 80-tych, wprowadził do jazzu wielu czołowych wykonawców tego gatunku, takich jak saksofoniści Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin i Branford Marsalis, a także trębacze Donald Bird, Woody Shaw , Wyntona Marsalisa i Lee Morgana. Wykonano jeden z największych hitów jazzowych wszechczasów, utwór Lee Morgana z 1963 roku „The Sidewinder”, choć nieco uproszczony, ale zdecydowanie w solidnym stylu tańca bebopowego.

soulowy jazz

Bliski krewny hardbopu, soul jazz, jest reprezentowany przez małe minikompozycje oparte na organach, które powstały w połowie lat pięćdziesiątych i były wykonywane do lat siedemdziesiątych. Oparta na bluesie i gospel muzyka soul jazzowa pulsuje afroamerykańską duchowością. Większość znakomitych organistów jazzowych pojawiła się na scenie w epoce soul jazzu: Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard „Groove” Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff i Jimmy „Hammond” Smith. W latach 60. wszyscy prowadzili własne zespoły, często grając w małych lokalach jako tria. W tych zespołach znaczącą rolę odgrywał także saksofon tenorowy, dodając do miksu swój własny głos, przypominający głos kaznodziei gospel. Często uważa się, że luminarze tacy jak Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie „Tetanus” Davis, Huston Person, Hank Crawford i David „Junk” Newman, a także członkowie zespołów Raya Charlesa z końca lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku jako przedstawiciele stylu soul jazzowego. To samo dotyczy Charlesa Mingusa. Podobnie jak hardbop, soul jazz różnił się od jazzu z Zachodniego Wybrzeża: muzyka wywoływała pasję i silne poczucie wspólnoty, a nie samotność i emocjonalny chłód jazzu z Zachodniego Wybrzeża. Szybkie melodie soul jazzu, dzięki częstemu wykorzystaniu ostinatowych figur basowych i powtarzalnych sampli rytmicznych, uczyniły tę muzykę bardzo przystępną dla szerokiej publiczności. Do hitów soulowych jazzu należą na przykład The In Crowd pianisty Ramseya Lewisa (1965) i Compared To What Harrisa-McCaina (1969). Soul jazzu nie należy mylić z tym, co jest obecnie znane jako „muzyka soul”. Pomimo częściowych wpływów gospel, soul jazz wyrósł z bebopu, a korzenie muzyki soul sięgają prosto do popularnego od początku lat 60. rytmu i bluesa.

Fajny jazz (fajny jazz)

Samo określenie cool pojawiło się po wydaniu albumu „Birth of the Cool” (nagranego w latach 1949-50) słynnego muzyka jazzowego Milesa Davisa.
Pod względem produkcji dźwięku, harmonii, fajny jazz ma wiele wspólnego z modal jazzem. Cechuje ją powściągliwość emocjonalna, tendencja do zbliżenia się z muzyką kompozytorską (wzmocnienie roli kompozycji, formy i harmonii, polifonizacja faktury), wprowadzenie instrumentów orkiestry symfonicznej.
Wybitnymi przedstawicielami cool jazzu są trębacze Miles Davis i Chet Baker, saksofoniści Paul Desmond, Jerry Mulligan i Stan Getz, pianiści Bill Evans i Dave Brubeck.
Do arcydzieł jazzu zaliczają się takie kompozycje jak „Take Five” Paula Desmonda, „My Funny Valentine” Gerry’ego Mulligana, „Round Midnight” Theloniousa Monka Milesa Davisa.

modalny jazz

Modal jazz (angielski modal jazz), kierunek, który powstał w latach 60. XX wieku. Opiera się na modalnej zasadzie organizacji muzyki. W odróżnieniu od tradycyjnego jazzu, w jazzie modalnym podstawę harmoniczną zastępują mody - dorycka, frygijska, lidyjska, pentatoniczna i inne skale pochodzenia zarówno europejskiego, jak i pozaeuropejskiego. Zgodnie z tym w jazzie modalnym rozwinął się szczególny rodzaj improwizacji: muzycy szukają bodźców rozwojowych nie w zmianie akordów, ale w podkreślaniu cech trybu, w wielomodalnych nakładach itp. Kierunek ten reprezentują tak wybitni muzycy jak Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane, George Russell, Don Cherry.

darmowy jazz

To, czego dokonali ci dwaj muzycy, a także inni, w tym John Coltrane, Albert Ayler i społeczności takie jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, dokonali szeregu zmian strukturalnych i wyczucia muzyki. Wśród innowacji wprowadzonych z wyobraźnią i wielką muzykalnością była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna zasadnicza zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i rytm nie były już istotnym elementem w tym odczytaniu jazzu. Kolejny kluczowy element był powiązany z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie było już budowane na zwykłym systemie tonalnym. Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i faktycznie nie jest już tak kontrowersyjny, jak na początku.

Boj

Funk to kolejny popularny styl jazzowy w latach 70. i 80. Założycielami stylu są James Brown i George Clinton. W funku różnorodny zestaw idiomów jazzowych zastępuje proste frazy muzyczne składające się z bluesowych krzyków i jęków zaczerpniętych z solówek na saksofonie takich wykonawców jak King Curtis, Junior Walker, David Sanborn, Paul Butterfield. Słowo funk było uważane za slang i oznacza tańczyć tak, aby bardzo się zmoczyć. Często używali go jazzmani, odnosząc się do publiczności jako do prośby o taniec i aktywne poruszanie się przy akompaniamencie ich muzyki. Tym samym stylowi muzycznemu przypisano słowo „funk”. Kierunek tańca funku determinuje jego muzyczne cechy, takie jak spokojny rytm i wyraźny wokal.

Powstanie gatunku nastąpiło w połowie lat 80-tych i jest związane z modą na wykorzystywanie sampli z jazz-funku lat 70-tych wśród DJ-ów grających w nocnych klubach w Wielkiej Brytanii. Za jednego z trendsetterów gatunku uważa się DJ Jills Peterson, któremu często przypisuje się autorstwo nazwy „acid jazz”. W USA termin „acid jazz” prawie nigdy nie jest używany, częściej używane są określenia „groove jazz” i „club jazz”.

kwasowy jazz (kwasowy jazz)

Acid jazz osiągnął szczyt popularności w pierwszej połowie lat 90-tych. W tamtym czasie, oprócz syntezy muzyki tanecznej i jazzu, kierunek ten obejmował jazz funk lat 90-tych (Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics), hip-hop z elementami jazzu (nagrane z muzykami na żywo czy próbki jazzowe) (US3, Guru, Digable Planets), muzycy jazzowi eksperymentujący z muzyką hip-hopową (Doo Bop Milesa Davisa, Rock It Herbiego Hancocka) itp. Po latach 90. popularność acid jazzu osłabła, a tradycje tego gatunku były później kontynuowane w nowym jazzie.

Jego bezpośrednim psychodelicznym przodkiem jest Acid Rock.

Uważa się, że pomysłodawcą terminu „acid jazz” był Gilles Petterson, londyński DJ i założyciel tytułowej wytwórni płytowej. Pod koniec lat 80-tych określenie to było popularne wśród brytyjskich DJ-ów grających podobną muzykę, którzy używali go w ramach żartu, dając do zrozumienia, że ich muzyka stanowi alternatywę dla popularnego wówczas acid house. Zatem termin ten nie ma bezpośredniego związku z „kwasem” (czyli LSD). Według innej wersji autorem terminu „acid jazz” jest Anglik Chris Bangs (Chris Bangs), znany jako jeden z członków duetu „Soundscape UK”.

Jazz to styl improwizacji. Najważniejszym rodzajem muzyki improwizowanej jest folklor, jednak w odróżnieniu od jazzu ma ona charakter zamknięty i nastawiony na kultywowanie tradycji. W jazzie dominuje kreatywność, która w połączeniu z improwizacją dała początek wielu stylom i trendom. Tak więc pieśni ciemnoskórych afroamerykańskich niewolników przybyły do Europy i przekształciły się w złożone dzieła orkiestrowe w stylu bluesa, ragtime, boogie-woogie itp. Jazz stał się źródłem pomysłów i metod, które aktywnie wpływają na prawie wszystkie inne rodzaje muzyki muzyka od muzyki popularnej i komercyjnej po muzykę akademicką naszego stulecia.

W artykule zawarto fragment artykułu „O jazzie” – Klub Związku Kompozytorów oraz fragmenty Wikipedii.

Główny nurt - wiodący, główny styl jazzowy, który pojawił się w latach 30. XX wieku wśród liderów grup jazzowych, z których większość to big bandy. Czołowi muzycy jazzowi jammowali w różnych klubach tylko po to, żeby grać jazz. Ten klubowy jazz, wykonywany przez małe grupy czołowych jazzmanów i nagrywany w studiach, zyskał miano mainstreamu. To tradycyjny jazz, bez żadnych innowacji. Po nadejściu awangardowego jazzu mainstream odrodził się w nowej jakości dopiero w latach 70. i 80. XX wieku. Współczesny mainstream to każda nowoczesna muzyka jazzowa, która jest daleka od tradycyjnego jazzu.

Muzyka jazzowa, Kansas City opracowany w latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Był to czas kryzysu gospodarczego w Stanach Zjednoczonych, czyli tzw. Wielkiego Kryzysu. Jest to styl jazzowy z wyraźnym zabarwieniem bluesowym, tzw. „urban blues”. Najwybitniejszymi przedstawicielami tego stylu byli Count Basie, który karierę rozpoczynał jako jazzman w orkiestrach Waltera Page'a i Benny'ego Motena, wokalista Jimmy Rushing, saksofonista altowy Charlie Parker.

Fajny jazz (fajny jazz) ukształtował się w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. To miękki, liryczny styl muzyki jazzowej, z bardziej subtelną improwizacją, bez presji i pewnej agresywności charakterystycznej dla wczesnego jazzu. Przedstawicielami cool jazzu byli saksofonista Lester Young, trębacz Miles Davis, trębacz Chit Baker, pianiści jazzowi George Shearing, Dave Brubeck, Leni Tristano. Mistrzami stylu cool jazz byli niesamowity wibrafonista Milt Jackson, mistrzowie saksofonu Stan Getz, Paul Desmond. Znaczącą rolę w kształtowaniu stylu odegrali melodyści i aranżerzy Ted Dameron, Claude Thornhill, Gil Evans.

Jazz z zachodniego wybrzeża pojawił się w latach 50. XX wieku w Los Angeles. Jej założycielami są muzycy słynnego jazzowego nonetu Milesa Davisa. Ten styl jest jeszcze delikatniejszy niż fajny jazz. Absolutnie nie agresywna, spokojna, melodyjna muzyka, w której jednak jest ogromna przestrzeń na improwizację. Wybitnymi muzykami jazzowymi z Zachodniego Wybrzeża byli Shorty Rogers (trąbka), Art Pepper, Bud Shenk (saksofon), Shelley Maine (perkusja), Jimmy Joffrey (klarnet).

progresywnego jazzu powstał pod koniec lat 40. To przede wszystkim jazz eksperymentalny, muzyka skupiona na symfonicznym dorobku kompozytorów europejskich, na eksperymencie w zakresie tonacji i harmonii. Zwolennicy tego stylu muzyki jazzowej mają tendencję do odchodzenia od schematów, od oklepanych technik tradycyjnego jazzu. Koncentrują się na poszukiwaniu i stosowaniu nowych form swingu w jazzie: specyficznej techniki wykonywania muzyki na różnych instrumentach, politonalności i zmian rytmu. Rozwój tego stylu związany jest z nazwiskiem pianisty Stana Kentona i jego orkiestry, który nagrał całą serię albumów „Artistry”. Ogromny wkład w jazz progresywny wnieśli aranżerzy Pete Rugolo, Boyd Ryburn i Gil Evans, perkusista Shelley Maine, basista Ed Safransky, puzonista Kay Winding, wokalistka June Christie. Gil Evans Big Band i muzycy pod wodzą Milesa Davisa nagrali całą serię albumów z muzyką w tym stylu: Miles Ahead, Porgy and Bess, Spanish Drawings.

modalny jazz pojawił się w latach pięćdziesiątych XX wieku. Jego pojawienie się wiąże się z nazwiskami muzyków eksperymentalnych: trębacza Milesa Davisa i saksofonisty tenorowego Johna Coltrane'a. Muzycy ci zapożyczyli pewne tryby z muzyki klasycznej, które stały się podstawą budowania melodii jazzowej i zastąpiły akordy. Ten styl jazzowy charakteryzuje się odchyleniami od tonalności, co nadaje muzyce szczególne napięcie, wykorzystaniem narodowych skal afrykańskich, indyjskich, arabskich i innych, regularnością i niestałością tempa. Muzykę zaczęto budować wyłącznie na melodii, która opierała się na zastosowaniu progów.

soulowy jazz pojawił się w latach pięćdziesiątych XX wieku. Soul jazz wybrał organy jako swój centralny instrument. Soul jazz opiera się na bluesie i gospel. Ten styl jazzu wyróżnia się szczególną emocjonalnością, pasją, wykorzystaniem szybkich rytmów i ekscytujących przejść muzycznych, figur basowych. Publiczność słuchająca tej muzyki z pewnością doświadczyła szczególnego poczucia jedności. Ten styl był dokładnym przeciwieństwem mglistego, lirycznego fajnego jazzu z bluesowo-smutną bazą. Gwiazdami organowymi tego stylu byli Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard „Grove” Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff i Jimmy „Hammond” Smith. Muzycy wykonujący muzykę soul jazzową tworzyli tria lub kwartety i nic więcej. Równie ważną rolę w soulowym jazzie odgrywał saksofon tenorowy. Do wybitnych saksofonistów należeli Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie „Tetanus” Davis, Houston Person, Hank Crawford i David „Dump” Newman. Soul jazz nie jest analogiczny do muzyki soul. Są to style muzyczne wywodzące się z różnych kierunków muzycznych: soul jazz w gatunku gospel i bebop oraz muzyka soul w rytmie i bluesie, która osiągnęła swój szczyt dopiero w latach 60. XX wieku.

Rowek stał się formą soulowego jazzu. Ten styl jazzowy jest często określany jako boj. Styl ten wyróżnia się jasnymi rytmami tanecznymi (wolnymi lub szybkimi), liryzmem, pozytywnością melodii, w której pojawiają się odcienie bluesa. To pozytywna muzyka, która wprowadza w dobry nastrój i zachęca publiczność, aby nie stała w miejscu i zaczęła poruszać się w jej ekscytujących rytmach. Styl nie jest obcy improwizacjom, które jednak nie wyróżniają się na tle kolektywnego brzmienia. Organmistrzowie Richard „Grove” Holmes i Shirley Scott, Jean Emmons (saksofon tenorowy) i Leo Wright (flet, saksofon altowy) stali się wybitnymi muzykami tego stylu.

Free Jazz („Nowa rzecz”) pojawił się pod koniec lat 50. XX wieku w wyniku eksperymentów, które pozwoliły na znalezienie bardzo elastycznej formy muzycznej, całkowicie wolnej od progresji akordów. Ponadto muzycy zignorowali swing. Prawdziwą rewolucją w rytmie było zlekceważenie pulsacji, metrum i rytmu, które wcześniej były podstawą rytmów jazzowych. W tym stylu stały się wtórne. Free jazz porzucił zwykły system tonalny, muzyka w tym stylu jest atonalna. Założycielami free jazzu są saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, a później Sun Ra Arkestra i The Revolutionary Ensemble.

kreatywny jazz to jedna z odmian awangardowego jazzu. Styl ten narodził się, jak wiele innych, w wyniku eksperymentalnej działalności muzyków w latach 60. i 70. XX wieku. Niewiele różni się od free jazzu. W tej muzyce nie sposób było rozróżnić tematu od improwizacji. Elementy improwizacji zlały się z aranżacjami, płynnie z nich wypływając. Nie sposób było zrozumieć, gdzie był początek, a gdzie koniec improwizacji solisty. Założycielami kreatywnego jazzu byli pianistka Leni Tristano, saksofonista Jimmy Joffrey i melodysta Gunter Schuler. Styl ten grają pianiści Paul Blay, Andrew Hill, mistrzowie saksofonu Anthony Braxton i Sam Rivers, a także muzycy z Art Ensemble of Chicago.

Fuzja (stop) to styl jazzowy, którego początki sięgają lat 60. XX wieku, kiedy jazz zaczął łączyć się z muzyką popularną i rockiem, a także pozostawał pod wpływem soulu, funku, rytmu i bluesa. Początkowo nazwą fusion określano jazz-rock, którego wybitnymi przedstawicielami były zespoły „Eleventh House”, „Lifetime”. Pojawienie się fjn kojarzone jest także z orkiestrami Mahavishnu Orchestra i Weather Report. Fusion to fuzja jazzu, swingu, bluesa, rocka, muzyki pop, rytmu i bluesa. Fusion to spektakl, fajerwerki różnych stylów. To muzyka jasna, różnorodna, lekka, ciekawa. Fuzja jest pod wieloma względami eksperymentem i muszę powiedzieć, że zakończyła się sukcesem. Wybitnymi muzykami tego stylu jazzowego byli perkusista Ronald Shannon Jackson, gitarzyści Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie i James „Blood” Ulmer. , saksofonista i trębacz Ornette Coleman.

post-bop to styl jazzowy, który pojawił się w latach 60. XX wieku wraz z rozwojem muzyki popularnej. Post-beepop powstał na bazie funku (groove, soul) wykorzystując pewne elementy muzyki latynoskiej. Saksofonista Joe Henderson, pianista McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, saksofonista Wayne Shorter stali się przedstawicielami post-bopu.

kwasowy jazz- ten niezbyt jazzowy styl pojawił się w 1987 roku. Jej podstawą był funk, który przeplata się z elementami bebopu, hip-hopu, soulu i Latino. To muzyka taneczna Wielkiej Brytanii, która ma rytmy, ale nie ma w niej absolutnie żadnej improwizacji. Dlatego wielu nie uwzględnia acid jazzu na liście stylów jazzowych. Groove Collective, Guru, James Taylor, a także trio Medeski, Martin & Wood w początkowym okresie twórczości stali się wybitnymi przedstawicielami acid jazzu.

Płynny jazz- ten krewny jazzu powstał na bazie stylu fusion. Smooth Jazz charakteryzuje się brakiem solówek i improwizacji. Brzmienie całego zespołu jest ważniejsze niż brzmienie jego poszczególnych członków. Smooth jazz wykonywany jest na syntezatorze, altówce, saksofonie-sapranie, gitarze, gitarze basowej i perkusji. Przedstawicielami tego stylu są Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clark, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenur, Dave Gruzin.

Jazz to szczególny rodzaj muzyki, łączący w sobie muzykę amerykańską poprzednich wieków, rytmy afrykańskie, pieśni świeckie, robocze i obrzędowe. Fani tego rodzaju kierunku muzycznego mogą pobrać swoje ulubione utwory za pośrednictwem strony http://vkdj.org/.

Funkcje jazzowe

Jazz wyróżnia się pewnymi cechami:

rytm;
improwizacja;
polirytm.

Otrzymał harmonię w wyniku wpływów europejskich. Jazz opiera się na specyficznym rytmie pochodzenia afrykańskiego. Styl ten obejmuje kierunki instrumentalne i wokalne. Jazz istnieje dzięki wykorzystaniu instrumentów muzycznych, które w zwykłej muzyce mają drugorzędne znaczenie. Muzycy jazzowi muszą posiadać umiejętność improwizacji solo i z orkiestrą.

Cechy charakterystyczne muzyki jazzowej

Główną oznaką jazzu jest swoboda rytmu, która budzi w wykonawcach poczucie lekkości, relaksu, swobody i ciągłego ruchu do przodu. Podobnie jak w dziełach klasycznych, ten rodzaj muzyki ma swoją wielkość, rytm, który nazywa się swingiem. Dla tego kierunku bardzo ważna jest ciągła pulsacja.

Jazz ma swój charakterystyczny repertuar i niezwykłe formy. Najważniejsze z nich to blues i ballada, które stanowią swoistą podstawę dla wszelkiego rodzaju wersji muzycznych.

Ten kierunek muzyki jest dziełem tych, którzy ją wykonują. To specyfika i oryginalność muzyka stanowi jego podstawę. Nie da się tego nauczyć jedynie z notatek. Gatunek ten zależy całkowicie od kreatywności i inspiracji wykonawcy w momencie gry, który wkłada w dzieło swoje emocje i duszę.

Do głównych cech charakterystycznych tej muzyki należą:

Harmonia;
melodyjność;
rytm.

Dzięki improwizacji za każdym razem powstaje nowe dzieło. Nigdy w życiu dwa utwory wykonywane przez różnych muzyków nie zabrzmią tak samo. W przeciwnym razie orkiestry będą się wzajemnie kopiować.

Ten nowoczesny styl ma wiele cech muzyki afrykańskiej. Jednym z nich jest to, że każdy instrument może pełnić funkcję instrumentu perkusyjnego. Podczas wykonywania kompozycji jazzowych używane są dobrze znane tony potoczne. Kolejną zapożyczoną cechą jest to, że gra na instrumentach kopiuje rozmowę. Ten rodzaj profesjonalnej sztuki muzycznej, która z biegiem czasu ulega ogromnym zmianom, nie ma ścisłych granic. Jest całkowicie otwarta na wpływy wykonawców.