Architektura jest powiązana z malarstwem i grafiką, bo takimi liniami operuje. Ale podczas gdy malarstwo i grafika mogą tworzyć tylko iluzję przestrzeni na płaszczyźnie, architektura ma pełną głębię przestrzeni. Architektura jest powiązana z rzeźbą – te sztuki operują masami i objętościami. Ale w czasach, gdy rzeźba kształtuje bryłę tylko od zewnątrz, architektura jest w stanie nadać bryle kształt zarówno od zewnątrz, jak i od wewnątrz (wnętrza i zewnętrza). Ponadto wydawałoby się, że architektura jest w swojej treści najprostszą ze wszystkich sztuk. Jest w stanie ucieleśnić tylko bardzo konkretne, jednoznaczne idee i uczucia: na przykład architektura jest niedostępna dla humoru. Można przyjąć, że architektura powinna stać się sztuką najbardziej szanowaną i popularną. Ale w rzeczywistości widzimy coś innego: ta sztuka okazała się trudna i niedostępna, jej język jest zrozumiały i atrakcyjny tylko dla nielicznych. Faktem jest, że architektura jest z jednej strony najbardziej materialną, najbardziej materialną, az drugiej najbardziej abstrakcyjną sztuką. Będąc bardzo konkretną częścią natury, służącą celom najbardziej realnym i użytkowym, architektura jest jednocześnie wyrażana przez znaki, liczby, abstrakcyjne relacje. Ponadto nie ulega wątpliwości, że architektura różni się od wszystkich innych sztuk przede wszystkim najdłuższym procesem tworzenia. Praca architekta może czasami wymagać całego życia. Ponadto „architekt nie objawia się widzowi na tyle, na ile jest to możliwe dla poety czy muzyka. W każdej, najbardziej przypadkowej, najbardziej arbitralnej grze fantazji architekta, duch tego społeczeństwa, zbiorowości, która architekt służy” zostaje ujawnione.*
Mówi nam historia sztuki
o wielu samowolnych, krnąbrnych artystach, których działalność pozostawała w ciągłym konflikcie z gustami swoich czasów. Albo zostali odrzuceni przez epokę, albo sami ją zaniedbali. Z drugiej strony architekt nie może istnieć całkowicie oderwany od swoich czasów, całkowicie wolny od funkcji społecznych. W żadnej innej sztuce klient (w najwęższym i najszerszym sensie, jako indywidualny właściciel i jako głos epoki) nie odgrywa tak ważnej roli jak w architekturze.
Jeśli w odniesieniu do malarstwa i rzeźby wyrażenie „styl to osoba” jest czasem całkiem do przyjęcia, to w odniesieniu do architektury o wiele bardziej poprawne byłoby stwierdzenie, że „styl to epoka”.
Jeśli jednak to ścisłe zespolenie architektury ze społeczeństwem, kulturą, epoką świadczy z jednej strony o jej niezwykle ważnych funkcjach kulturowych, to z drugiej strony jest też przyczyną bardzo tragicznej właściwości, jaką jest fatalna w skutkach niewykonalność wielu pomysłów i planów architektonicznych. Sztuka ta znacznie przewyższa wszystkie inne liczbą takich prac, które pozostały w fazie projektu, na papierze, w wyobraźni artysty. Jednocześnie, jakkolwiek może się to wydawać paradoksalne, to właśnie wraz z rozwojem cywilizacji wzrasta liczba niezrealizowanych zabytków architektury.
Niemniej jednak architektura odzwierciedla osobę społeczną i rzeczywistość, w której jest włączona. A to oznacza, że to właśnie architektura, jako dokumentalna kamienna kronika, która zapisuje karty historii, prawdziwie oddaje nam ducha epoki, opowiada o życiu społeczeństwa, jego poglądach i ideologii.
Zrozumiemy księgę architektury, nauczymy się języka architektury.
Architektura to sztuka tworzenia, zgodnie z prawami piękna, budynków i budowli, systemu budowli i budowli, które tworzą przestrzenne środowisko życia i działalności ludzi.
Istnieją trzy główne typy architektury:
1 - architektura obiektów objętościowych (w tym budynki mieszkalne; budynki użyteczności publicznej (szkoły, teatry, stadiony, sklepy); budynki przemysłowe (zakłady, elektrownie itp.);
2 - architektura krajobrazu (związana głównie z organizacją przestrzeni ogrodnictwa krajobrazowego);
3 - urbanistyka (obejmuje tworzenie nowych miast i miasteczek, odbudowę starych obszarów miejskich). Urbanista wybiera terytorium, nakreśla lokalizację stref mieszkalnych, publicznych i przemysłowych, łącząc je szlakami komunikacyjnymi, przewiduje możliwość dalszej rozbudowy miasta, lokalizację nowych zespołów miejskich.
Architektura jako sztuka różni się od prostej konstrukcji zdolnością do portretowania, wywoływania określonych uczuć i nastrojów. Jeśli myślisz o konstruktywnych metodach dowolnego stylu architektonicznego, możesz zauważyć dwie struktury: jedną prawdziwą, ułożoną w kamieniu, ustalającą statykę budynku; kolejny wyimaginowany, pokazany tylko przez kierunki i kombinację linii.
Sięgnijmy do starożytności, tj. do sztuki starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu.
Starożytni mistrzowie opracowali ściśle przemyślany i logicznie uzasadniony system zależności między nośnymi i nośnymi częściami budowli. Ten system nazywa się nakazem. W epoce starożytności porządek był głównym środkiem celowej konstrukcji i ekspresji artystycznej, to znaczy w stylach architektonicznych opartych na zamówieniu konstrukcja wyimaginowana jest bliższa rzeczywistej. Niemniej jednak uderza różnorodność środków wyrazu, które odzwierciedlały triumf demokracji niewolniczej, opartej na idei jak najszerszego udziału wolnych obywateli w rządzeniu, triumf zasad publicznych nad osobistymi, obowiązku nad uczuciami.
Porządek działa jak system elementów, na podstawie których można tworzyć, stosując określone zasady, nieskończoną liczbę kombinacji. Elementy porządku nie są jednostkami bezosobowymi. Nie są wymienne nawet w obrębie jednej struktury – każdy fragment jest zindywidualizowany. To decyduje o wyjątkowości każdego budynku.
Przeanalizujmy konstruktywne techniki gotyku. Tutaj najdobitniej wyróżnia się bryła rzeczywista, utrwalająca statykę budynku i wyimaginowaną, dzięki czemu bryły zyskują dynamikę, lekkość i nieustanne dążenie ku górze. W tym nieodpartym wzniesieniu się wszystkich linii ku niebu wcielona została idea gotyckiej świątyni – mistycznego zespolenia człowieka z Bogiem.
Tę samą analizę można zastosować do dowolnego stylu, dowolnego dzieła architektury artystycznej. Zawsze będzie istniała struktura rzeczywista, która decyduje o stabilności budynku i widoczna, zobrazowana, wyrażona w kierunkach linii, w stosunku do płaszczyzn i brył, w walce światła i cienia, która doda budynkowi energii witalnej, ucieleśnia jego duchowe i emocjonalne znaczenie.
Konieczność, siła, wygoda – z jednej strony, a piękność, umiejętność wywołania u odbiorcy określonych uczuć i nastrojów – z drugiej – są nieodzowną właściwością struktury artystycznej. Walory użytkowe, konstrukcyjne, estetyczne: użyteczność, wytrzymałość, piękno - w architekturze łączą się ze sobą. Twórcze poszukiwanie najciekawszej kompozycji przestrzennej, artystyczne wykończenie powierzchni powstającego budynku, stanowią istotę pracy architekta. Podczas projektowania architekt szuka najbardziej harmonijnego połączenia głównych części przyszłego dzieła architektonicznego i jego detali.
Jednak wybór kompozycji nie jest dowolny, ponieważ architekt musi wziąć pod uwagę przeznaczenie konstrukcji, klimat miejsca, w którym realizowana jest budowa, oraz otoczenie przyszłego budynku. Na przykład: funkcja budynku, jego przeznaczenie decydują o wielkości, wymiarach przestrzeni wewnętrznej, a co za tym idzie o zewnętrznym kształcie budynku.
Nie można nie zgodzić się, że wygodniej jest oglądać film w przestronnej sali bez okien i ze skośną podłogą (w kinie duża, ślepa loża sali). A w budynku mieszkalnym jest wiele pokoi z oknami i balkonami. Tak więc funkcja nadaje konstrukcji charakterystyczny wygląd. Klimat, krajobraz, rzeźba terenu, środowisko architektoniczne mogą przedstawić architektowi swoje wymagania.
Wpływ klimatu wpływa przede wszystkim na orientację zabudowy i rozplanowanie miast. Na północy dominuje kierunek południowy i tendencja do jak najszerszych ulic. Ogromna szerokość ulic w Petersburgu spowodowana jest chęcią zapewnienia swobodnego dostępu promieniom słonecznym i to decyduje o niezwykle dużej skali jego zabytków. Wręcz przeciwnie, mieszkańcy południa raczej unikają upalnego słońca, dlatego ulice południowego miasta często imponują mieszkańcom północy swoim wąskim układem. Miasta południowe charakteryzują się obfitością portyków, zadaszonych galerii, graniczących z ulicami.
W różnych okresach historycznych używano różnych materiałów i konstrukcji budowlanych, odpowiadających rozwojowi technicznemu ich czasów. Nowe projekty wpłynęły na formy architektoniczne. Na przykład: w starożytnym Egipcie głównym materiałem budowlanym były konstrukcje kamienne i słupowo-ryglowe. Aby zablokować dużą przestrzeń, konieczne było ustawienie wielu podpór w odległości od trzech do czterech metrów od siebie. Pokój okazał się ciasny, podobny do kamiennego lasu. Architekci starożytnego Rzymu dzięki wynalezieniu betonu i zastosowaniu łukowato sklepionych i kopułowych konstrukcji znacznie zwiększyli odległości między podporami.
Wartość organizującą w kompozycji architektonicznej ma rytm, tj. wyraźny rozkład poszczególnych kubatur i powtarzających się w określonych odstępach detali budynku (grupowanie kolumn, okien, rzeźb). Przemiana poszczególnych elementów w kierunku pionowym nazywana jest rytmem pionowym. Nadaje budynkowi z zewnątrz wrażenie lekkości, aspiracji ku górze. Naprzemienność detali w kierunku poziomym - rytm poziomy (nadaje budynkowi stabilność)
Zbierając, pogrubiając detale w jednym miejscu i rozładowując je w innym, architekt może podkreślić centrum kompozycji, nadać budynkowi dynamiczny lub statyczny charakter.
Innym sposobem kompozycji architektonicznej jest skala. Nie zależy to od rzeczywistych wymiarów budynku, ale od ogólnego wrażenia, jakie budynek robi na człowieku. Na przykład: w nowoczesnych osiedlach budynki użyteczności publicznej (centrum handlowe, kino) zawsze mają mniejszą kubaturę niż wielokondygnacyjne budynki mieszkalne, ale sprawiają wrażenie głównych, wielkoskalowych, ze względu na większą artykulację ich brył. O takich budynkach mówi się, że są na dużą skalę. Niektóre budynki mają kompozycję symetryczną (ten sam układ poszczególnych elementów względem osi symetrii), inne mają kompozycję asymetryczną, w której główna część budynku jest przesunięta od środka, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego.
Głównymi środkami artystycznymi architekta są otwarte i zamknięte przestrzenie, kubatury budynków i otaczające powierzchnie konstrukcji. Architekt może uczynić te przestrzenie komunikującymi się lub odizolowanymi, oświetlonymi lub zaciemnionymi, spokojnymi lub dynamicznymi; tomy ciężkie lub lekkie, proste lub złożone; elementy powierzchni zamykających są płaskie lub tłoczone, głuche lub ażurowe, gładkie lub kolorowe - przy jednoczesnym uzyskaniu spójności środków artystycznych, co prowadzi do harmonii. Język architektury jest bogaty i złożony. I tylko przy skoordynowanym użyciu wszystkich środków i technik powstaje jasny artystyczny wyrazisty obraz architektoniczny. To jest twórcze poszukiwanie architekta. Najlepsze budynki i zespoły architektoniczne są pamiętane jako symbol krajów i miast. Cały świat zna starożytny Akropol w Atenach, Wieżę Eiffla w Paryżu, Plac Czerwony w Moskwie.
* - Vipper B.R. „Wprowadzenie do historycznego studium sztuki”. M. Sztuki wizualne. 1985
Kontynuacja:
Architektura klasycyzmu w Odessie.
Temat 1. Problemy rozumienia i interpretacji utworów
Rozwój sposobów interpretacji sztuki. Antyczne opisy dzieł sztuki: Pliniusz Starszy, Filostrates. G. Vasari: opis życia artystów i ich twórczości. Wiek Oświecenia i pojawienie się historii sztuki. I.-I. Winkelmana. Systematyzacja historii sztuki i organizacji muzeów. Podejście ikonograficzne: E. Mal. Podejścia psychologiczne i psychoanalityczne: Z. Freud, K.-G. Jung. Analiza formalna: G. Wölfflin. Szkoła wiedeńska: M. Dvorak. Metody semiotyczne i kulturowe w interpretacji dzieł sztuki. Problem interpretacji dzieł sztuki w rosyjskiej historii sztuki. Prace A. Jakimowicza i innych Krytyka artystyczna i historia sztuki, ich wspólne cele i różne zadania. Cechy interpretacji sztuki XX wieku.
Temat 2. Koncepcja pracy i jej twórcza realizacja
Problem intencji. Czynniki wpływające na idee twórcze: społeczne i indywidualno-osobowe. Artysta jako „klinik” epoki. Problem współczesnej pracy. Poszukiwanie sposobów urzeczywistnienia idei artystycznej. Indywidualne i obiektywne trudności w realizacji planu.
Temat 3. Pojęcie środków wyrazu artystycznego
Forma sztuki, jej elementy i struktura. Znak, symbol, alegoria i obraz. Cechy obrazu artystycznego.
Temat 4. Ogólne i unikalne-indywidualne w pracy
Problem tradycji i kanonów w sztuce. Kanoniczność sztuki starożytnego Egiptu. Kanon bizantyjski i staroruski. Problem innowacyjności w sztuce. Synteza tradycjonalizmu i innowacji. Analiza prac z punktu widzenia ogólnego i wyjątkowo indywidualnego.
Sekcja 2
Opis i analiza zabytków architektury
Temat 1. Artystyczny język architektury.
Architektura jako forma sztuki. Pojęcie „architektury artystycznej”. Obraz artystyczny w architekturze. Język artystyczny architektury: pojęcie takich środków wyrazu artystycznego jak linia, płaszczyzna, przestrzeń, bryła, rytm (arytmia), symetria (asymetria). Elementy kanoniczne i symboliczne w architekturze. Koncepcja planu budynku, zewnętrza, wnętrza. Styl w architekturze.
Temat 2. Główne typy konstrukcji architektonicznych
Zabytki sztuki miejskiej: miasta historyczne, ich części, miejsca starożytnego planowania; zespoły architektoniczne, zespoły. Zabytki architektury rezydencjonalnej (majątki kupieckie, szlacheckie, chłopskie, domy dochodowe itp.) Zabytki cywilnej architektury użyteczności publicznej: teatry, biblioteki, szpitale, budynki oświaty, budynki administracyjne, dworce kolejowe itp. Zabytki kultu: świątynie, kaplice, klasztory . Architektura obronna: więzienia, wieże forteczne itp. Zabytki architektury przemysłowej: zespoły fabryczne, budynki, kuźnie itp.
Zabytki ogrodowo-parkowe, sztuka ogrodowa i krajobrazowa: ogrody i parki.
Temat 3. Opis i analiza zabytku architektury
a) Połączenie powierzchni wypukłych i wklęsłych
b) Bogactwo dekoracji architektonicznej
c) Gładkie powierzchnie ścian
d) Ściany w jaskrawych kolorach
24. W jakim stylu woda stała się elementem architektury (mnóstwo fontann)?
a) Klasycyzm
b) Barok
25. Który styl charakteryzuje się ostrym łukiem?
a) retoromański
b) gotyk
c) Barok
26. Co to jest „żebro”?
a) Odwróć łuk
b) Sklepienie kamienne żebrowe
27. Co to jest „przypora”?
a) Odwróć łuk
b) Sklepienie kamienne żebrowe
c) Podpora pionowa wysunięta poza zausznik
28. Co to jest „latający tyłek”?
a) Odwróć łuk
b) Sklepienie kamienne żebrowe
c) Podpora pionowa wysunięta poza zausznik
29. Co to jest „gotycka róża”?
a) Rzeźba kwiatu
b) Malowniczy wizerunek kwiatu
c) Okrągłe okno w gotyckiej świątyni
30. Co to jest „portal”?
a) Wejście do świątyni
b) Nawa centralna świątyni
c) Nawa boczna świątyni
31. Co to jest „nawa”?
a) Wnętrze podłużne pomieszczenia świątyni
b) Wschodnia część świątyni
c) Zachodnia część świątyni
32. Czym jest kościół bazylikowy?
a) Równy krzyż grecki
b) krzyż łaciński
c) ośmiościan
33. Jaka jest maksymalna wysokość kościoła romańskiego?
34. Co to jest "absyda"?
a) Zachodnia część świątyni
b) Wschodnia część świątyni
c) Wejście do świątyni
35. Co to jest „transept”?
a) Wschodnia część świątyni
b) Nawa środkowa
c) Nawa poprzeczna
36. Jaki styl charakteryzuje odrzucenie systemu nakazów?
a) Klasycyzm
b) Barok
37. Co to jest "płaskorzeźba"?
a) Wysoka ulga
b) Wgłębiony relief
c) Płaskorzeźba
38. Co to jest "wysoki relief"?
a) Wysoka ulga
b) Wgłębiony relief
c) Płaskorzeźba
39. Co to jest "tempera"?
a) Farby anilinowe
b) Farby na bazie jaj
c) Akwarele
40. Co to jest "glazura"?
a) Półprzezroczyste warstwy farby
b) Pastowate smugi
c) Ruchy równoległe
41. Jaki portret nazywa się „reprezentatywnym”?
a) Izba
b) Przód
c) Psychologiczne
d) Autoportret
42. Jaka kompozycja jest typowa dla malarstwa w stylu klasycyzmu?
a) Personel
b) bujak
c) Okólnik
43. Co to jest "tondo"?
a) Owalny format malowania
b) Okrągły format malowania
c) Kwadratowy format malowania
d) Prostokątny format obrazu
44. Jaki styl portretu często ma pejzażowe tło?
a) Klasycyzm
b) Sentymentalizm
d) Realizm
45. Jaki styl charakteryzuje płaskość i ornamentyka malarstwa i grafiki?
a) Barok
d) Romantyzm
46. W jakim stylu malarstwa rysunek, linia odgrywają główną rolę, a kolor odgrywa drugorzędną rolę?
a) Klasycyzm
b) Romantyzm
c) Impresjonizm
d) Barok
47. Czym jest gatunek „zwierzęcy”?
a) Obraz przedmiotów
b) Obraz zwierząt
d) Przedstawienie scen mitologicznych
48. Którego z obrazów nie można nazwać sztuką sztalugową?
b) Malarstwo
c) Miniatura
49. Którego z obrazów nie można nazwać sztuką monumentalną?
a) Mozaika
b) Miniatura
50. Co to jest "przystań"?
a) Portret kobiety
b) Pejzaż morski
c) Kompozycja dekoracyjna
51. Co to jest "linoryt"?
a) Drzeworyt
b) Grawerowanie metalu
c) Grawerowanie na linoleum
d) Grawerowanie kamienia
52. Co to jest "trawienie"?
a) Drzeworyt
b) Grawerowanie metalu
c) Grawerowanie na linoleum
d) Grawerowanie kamienia
53. Co to jest "drzeworyt"?
a) Drzeworyt
b) Grawerowanie metalu
c) Grawerowanie na linoleum
d) Grawerowanie kamienia
54. Co to jest "litografia"?
a) Drzeworyt
b) Grawerowanie metalu
c) Grawerowanie na linoleum
d) Grawerowanie kamienia
55. Który grawer wykorzystuje technikę druku wklęsłego?
b) Monotypia
c) Litografia
d) Drzeworyt
56. Co to jest „monotyp”?
a) Grawerowanie szkła
b) Drzeworyt
c) Grawerowanie kamienia
d) Grawerowanie metalu
57. Który grawer wykorzystuje technikę typograficzną?
b) Drzeworyt
c) Linoryt
d) Litografia
58. Który grawer wykorzystuje technikę druku płaskiego?
b) Drzeworyt
c) Litografia
d) Linoryt
59. Jakim rodzajem grawerowania jest „grawerowanie tnące”?
a) Linoryt
c) Litografia
d) Drzeworyt
60. Który grawer ma więcej „efektu nieprzewidywalności wyniku”?
b) Monotypia
c) Drzeworyt
d) litografia
BIBLIOGRAFIA
Literatura główna
· Analizy i interpretacji dzieła sztuki: współtworzenie artystyczne: podręcznik. zasiłek / [i inne] ; wyd. . - Moskwa: Szkoła Wyższa, lata 20.
· Glazychev, Wiaczesław Leonidowicz. Architektura. Urbanistyka. Sztuka monumentalna: materiały do lekcji MHK: materiał metodyczny / . - Moskwa: Czistyje Prudy, lata 20.
· Zabalueva, Tatiana Rustikovna. Historia sztuki: style w sztukach pięknych i stosowanych, architekturze, literaturze i muzyce: prof. / . - Moskwa: Stowarzyszenie Uniwersytetów Budowlanych, 2003.
· Pietrow, Władimir Michajłowicz. Metody ilościowe w historii sztuki: Proc. zasiłek dla studentów: nie. 1. Przestrzeń i czas świata artystycznego / Pietrow, Władimir Michajłowicz. - Moskwa: znaczenie, lata 20.
· Problemy ze składem: studia . dodatek. - Moskwa: sztuki wizualne, lata 20.
· Miklaszewicz, Siergiej Wiktorowicz. Grawerowanie: część 2: Grawerowanie wklęsłe (akwaforta) / ; wyd. N. Iwanow. - Moskwa: Młody artysta, lata 20.
literatura dodatkowa
· Aleksakhin, N.N. Rzemiosło artystyczne Rosji: podręcznik / . - Moskwa: Edukacja Publiczna, Instytut Badawczy Technologii Szkolnych, 20, s.
· Gabrichevsky, Aleksander Georgiewicz. Morfologia sztuki: naukowa. wydanie / ; komp., ok. -Pogoda; całkowity wyd. . - Moskwa: Agraf, 20, s.
· Braginsky, V.E. Pastel: materiał metodyczny / ; wyd. N. Płatonow. - Moskwa: Młody artysta, 2002.
· Bridgeman, George B. Człowiek jako obraz artystyczny; za. z angielskiego. : przewodnik po studiach / JB Bridgman; Za. M. Avdonina. - Moskwa: Eksmo, 2005. - 349 s.
· Konstantynowa, Swietłana Siergiejewna. Historia sztuki i rzemiosła: notatki z wykładów: przebieg wykładów / . – Rostów nad Donem: Phoenix, lata 20.
· Małoletkow, Walerij Aleksandrowicz. Ceramika: materiał metodyczny / ; wyd. N. Iwanow. - Moskwa: Młody artysta, 20 lat,
· Przestrzeń innymi słowy: Poeci francuscy XX wieku o obrazie w sztuce / komp., przeł., przypisy, przedmowa. . - Petersburg: Wydawnictwo Ivan Limbich, 20p.
· Siergiejew, Yu.P. Tajniki umiejętności malowania ikon: materiał metodyczny /; wyd. N. Płatonow. - Moskwa: Młody artysta, lata 20.
· Eisenstein S. Psychologiczne zagadnienia sztuki: podręcznik dla studentów / S. Eisenstein; wyd.-st. . - Moskwa: znaczenie, lata 20.
Publikacje elektroniczne i wideo
BBC: World History of Painting [Zasób elektroniczny] = Historia malarstwa siostry Wendy. - Dane elektroniczne. - Wielka Brytania, 1996 = Moskwa: Wideo", 2004. - 3 elektroniczne dyski optyczne (DVD-ROM): dźwięk., kolor: 12 cm.
· Współczesna sztuka rosyjska [Zasoby elektroniczne]. – Elektron. Dan. – Moskwa: i Metody +”, 1997. – 1 elektron. optować. płyta (CD-ROM): dźwięk, kolor : 12 cm - Układ. wymagania: CD - ROM dla Windows.
· BBC: Historia świata [Wideo]: Z historii architektury „Świątynie świata”. - Moskwa: Studio wideo „QUADRA”. - 1 tyg.
Zasoby internetowe
· Historia sztuk pięknych. Muzea i galerie [Zasoby elektroniczne]. – Tryb dostępu: http://www. *****/muzeum. htm.
· Historia malarstwa [Zasoby elektroniczne]. – Tryb dostępu: http://www. *****/artykuły/show-15.htm
WSTĘP.. 2
ZARYS TEMATYCZNY KURSU. 3
Edukacja dzienna. 3
Korespondencyjna forma kształcenia. 4
PLANY LEKCJI SEMINARIUM.. 17
ZADANIA DO PRACY SAMODZIELNEJ ... 21
TESTY SPRAWDZAJĄCE STOPIEŃ Opanowania MATERIAŁU NAUKOWEGO .. 22
REFERENCJE.. 29
Przeczytaj także:
|
Architektura. Definicja. Zasady kształtowania architektonicznego.
Architektura (łac. architectura – z gr. architekthon – budowniczy, architekt, sztuka projektowania i wznoszenia budynków i innych budowli, a także ich zespołów, tworząca materialnie zorganizowane środowisko, potrzebne człowiekowi do życia i działalności, zgodnie z cel, nowoczesne możliwości techniczne i estetyczne poglądy społeczeństwa.
Architektura to system formowania pewnych struktur, za pomocą których tworzona jest i przekształcana istniejąca przestrzeń. Architektura jest elementem definiującym społeczność i kulturę społeczeństwa. Jest to estetyczna odpowiedź na zadania funkcjonalne. Architektura to cały język – sposób wyrażania formy poprzez system notacji przeznaczony do wymiany informacji. Elementy języka architektury tkwią w treści form architektonicznych, które można rozpoznać wyznaczając elementy za pomocą podstawowych kształtów geometrycznych – linii, rzutów, objętości, światła i cienia, koloru i faktury.
Zasady kształtowania architektonicznego wyraził Mark Vitruvius Pollio, zasada ta składa się z trzech części „Użycie, Siła, Piękno”, tym samym podkreślił, że zasady funkcjonalne, techniczne, estetyczne są ze sobą powiązane w architekturze. Przeznaczenie funkcji obiektu architektonicznego określa jego plan i bryła kubaturowo-przestrzenna, wyposażenie budowlane – możliwość, ekonomiczna wykonalność i specyficzne środki jego wykonania. Figuratywno-estetyczny początek architektury związany jest z jej funkcją społeczną i przejawia się w kształtowaniu struktury wolumetryczno-przestrzennej i konstrukcyjnej obiektu. Przez „korzyść” rozumie się wszystkie procesy funkcjonalne zachodzące wewnątrz (i na zewnątrz) budynków i budowli. Na przykład: funkcje publiczne, mieszkalne lub przemysłowe. Wszystkie z kolei składają się z kawałków, jak mozaika. Mieszkanie składa się z takich elementów jak salon, kuchnia, strefa sanitarna - toaleta i łazienka, strefa wejściowa.
Przez „konstrukcję” rozumiemy całość wszystkich technicznych środków budowy, najprościej mówiąc, są to materiały budowlane jako elementy budowlane: cegły, beton, ramy i domy z bali. Co to znaczy „piękno” jest jasne dla każdego. To jest ta część, którą chcemy zobaczyć tylko z architektury, zapominając o wszystkim innym.
Ekspresja architektoniczna, język architektoniczny to kluczowe elementy architektury. koncepcje.
Architektura ma swój specyficzny język, który można zrozumieć, jeśli spojrzymy na architekturę jako na system materialnej organizacji przestrzeni, który ostatecznie został zrealizowany w XX wieku. (Z. Giedion, K. Lynch i inni). W „języku architektury” istnieje sfera, która zawsze była nastawiona na bezpośredni dialog ze społeczeństwem, z widzem. To język znaków architektonicznych – symboli. Rozpatrując architekturę jako historyczny proces czasowy, znajdujemy niewątpliwe oznaki, że materialna symbolizacja form architektonicznych była niemal zawsze stałym środkiem komunikacji. Do języka architektonicznego na wszystkich etapach jego przemian i rozwoju wprowadzano elementy, które można bezpośrednio uznać za znaki i interpretować z punktu widzenia teorii semiotycznych (semiotyka jest nauką badającą właściwości znaków i ich układy).
Ekspresja architektoniczna to przeniesienie jednego bytu na inny byt o charakterze wizualnym. Jest widzialnym przejawem niewidzialnej treści o określonym znaczeniu. Symbole form architektonicznych są rozpoznawalne i zrozumiałe dzięki składnikom języka architektonicznego. Głównymi składnikami architektury są: kształty geometryczne, linia, rzut, bryła. Komponenty takie jak światło, cień, kolor, faktura wzbogacają i uzupełniają język architektury.
Ekspresja architektoniczna wiąże się z trzema zasadami, które sformułował Marek Witruwiusz Pollio, mówiąc o architekturze – „użyteczność, siła, piękno”. Ta słynna triada na stałe wpisała się w historię i teorię architektury i stała się podstawą koncepcji „architektury”. Każde odstępstwo od tej formuły, która nie jest skomplikowana w wyglądzie i głęboka w treści, prowadzi do naruszenia integralności architektury lub jej braku jako takiego. Cała historia architektury to historia poszukiwania harmonijnej jedności funkcji, projektu i formy. Niedocenianie formy, jej piękna w imię użyteczności narusza jedność i harmonię architektury, zamienia się w dyskomfort społeczny, niższość funkcjonalną dzieła architektonicznego. I odwrotnie, to, co jest korzystne dla budowniczych i pracowników produkcyjnych, nie zawsze idzie w parze z wygodą, użytecznością i walorami estetycznymi. Tak więc funkcja, projekt, forma to trzy składowe pojedynczego dzieła architektonicznego, które określają trzy główne grupy jego charakterystycznych cech.
Oksana LOKTEWA,
kandydat nauk pedagogicznych,
wykładowca w Instytucie Moskiewskim
edukacja otwarta
Język sztuki:
jak odsłonić dzieciom tajemnicę architektury
Kontynuacja. Patrz nr 12, 13, 15/06.
Na lekcji MHK nauczyciel wielokrotnie musi analizować i demontować konstrukcje architektoniczne. Nie do końca znając cechy architektury, jej odrębność od innych form sztuki, jej środki językowe, mimowolnie próbujemy zastąpić analizę historii sztuki innym, bardziej przystępnym materiałem. Ale jeśli zrozumiemy język architektury, pomoże nam jako uniwersalne narzędzie na wiele tematów.
Tematy można studiować sekwencyjnie lub można poświęcić całą 5 klasę na szczegółowe przejście języków sztuki. A wtedy chłopaki od samego początku otrzymają nić przewodnią, za pomocą której bez problemu ogarną kolejny materiał. Jeśli wydaje Ci się, że nie warto „poświęcać” na to całej piątej klasy, poświęć po dwie, trzy lekcje z każdej formy plastycznej, a resztę wiedzy przekaż na początku każdego roku. To również znacznie ułatwi naukę języków sztuki.
Zasady studiowania sztuk:
Badanie schematu - klasyfikacja form artystycznych, definicja badanej formy artystycznej, jej środki językowe.
Porównanie z innymi rodzajami sztuki, podkreślenie cech badanych.
Orientacja w typach, gatunkach i formach dzieł sztuki danego typu.
Analiza wykreowanego przez autora obrazu artystycznego, wstępne określenie jego stosunku do konkretnego dzieła.
Określenie celu powstania dzieła sztuki, scharakteryzowanie środków artystycznych, które służą temu celowi.
Kompozycja.
Cechy charakterystyczne tego rodzaju sztuki (dla architektury - style).
Wyrażenie własnego stosunku do dzieła sztuki.
Pierwsze dwie zasady są realizowane na lekcji, pozostałe, w miarę ich studiowania, sporządzane są w notatce, która jednocześnie nadaje się do analizy konkretnych prac.
notatka
1. Określ typ i podtyp architektury, do którego należy omawiane dzieło.
2. Wyjaśnij, jaki obraz artystyczny budzi budynek, scharakteryzuj go, wyrażając własną postawę.
3. Jakie jest przeznaczenie budynku i jak znajduje to odzwierciedlenie w formach architektonicznych?
4. Opisz projekt konstrukcji, jakie są jej cechy.
5. Opisz materiał użyty do budowy oraz cechy jego wystroju.
6. Rozważ kompozycję budynku:
Kształt i sylwetka
- plan,
- symetria - asymetria,
- kontrast w zestawieniu części,
- jak ujawnia się centrum kompozycyjne,
Czy konstrukcja jest architektoniczna?
- czy proporcje są zachowane lub naruszone,
- rytm - jak się objawia, czym jest,
- czy konstrukcja jest duża w stosunku do osoby, czy jej wymiary nie uwzględniają osoby,
- jak budynek jest powiązany z otoczeniem - naturalnym, miejskim,
7. Opisz styl architektoniczny.
8. Jeszcze raz wróć do swojej postawy, potwierdź ją lub zmień.
Materiał można podzielić na klasy w następujący sposób.
klasa 5:
koncepcja obrazu architektonicznego,
- kształt i sylwetka budynku,
- formy architektoniczne,
- projekty,
- materiał.
6. KLASA:
Plan,
- symetria-asymetria,
- kontrast części,
- wybór ośrodka kompozycyjnego,
- rytm,
- połączenie budynku ze środowiskiem naturalnym.
7. KLASA:
Architektonika,
- proporcje,
- skala.
8. KLASA:
Stylistyka.
W kilku kolejnych artykułach zapoznamy czytelników ze szczegółowym wyjaśnieniem materiału dla każdego punktu notatki, a dziś porozmawiamy o porównaniu architektury z innymi rodzajami sztuki, o cechach architektury, a także przedstawimy krótki materiał na temat typy i podgatunki architektury.
Definicja formy artystycznej, zapoznanie się z jej językiem, powtórzenie pojęcia „obrazu artystycznego” oraz wyrażenie słowne (drugi punkt przypomnienia) zostaną przedstawione w formie lekcji wprowadzającej na temat „Architektura jako sztuka formularz".
informacje ogólne
- porównanie architektury z innymi typami plastyka (materiał można wykorzystać na lekcji w klasie V);
- podkreślanie cech architektonicznych(tylko dla nauczyciela);
- typy i podgatunki architektury(materiał można wykorzystać na lekcji w klasie 5).
Porównanie architektury z innymi sztukami
Architektura jest powiązana ze sztuką i rzemiosłem przez swój utylitarny cel praktyczny. Podobnie jak w sztuce zdobniczej, w architekturze cenione są starożytne materiały, których metody obróbki można tradycyjnie powtórzyć lub ubić na nowo. Przykładem jest drewno, które nie zniknęło dla architektury wraz z pojawieniem się metalu, szkła i żelbetu. Jak chaty wznoszono w starożytności, tak robią to teraz. To samo dzieje się w starożytnych rzemiosłach, takich jak zabawki Dymkowo czy Filimonow - tradycje są zachowywane i wzbogacane.
Architektura jest powiązana z rzeźbą objętościowo, ale jednocześnie, jak już zauważyliśmy, objętość architektury jest bardziej złożona, obejmując przestrzeń zewnętrzną i wewnętrzną. Druga różnica polega na tym, że forma rzeźby jest w wielu przypadkach decydującym czynnikiem zrozumienia i ujawnienia obrazu artystycznego. Forma zawarta jest w modelowaniu – interpretacji objętości, w pozach i gestach postaci, w umiejscowieniu rzeźby, jest ściśle powiązana z dynamiką lub statyką. W architekturze, trudniejszej do zrozumienia formie sztuki, forma jest tylko pierwszym krokiem w ujawnieniu idei, na ujawnienie obrazu będzie miało wpływ wiele innych czynników, które musimy zrozumieć.
Architektura, podobnie jak inne dziedziny sztuki, łączy się z malarstwem i grafiką poprzez możliwość kreowania obrazu artystycznego (o tym później), choć w malarstwie i grafice obraz artystyczny nosi często piętno indywidualności, podmiotowości, podczas gdy architektura jest bardziej nieodłącznie związane z obiektywnymi cechami rozwoju społecznego na takim czy innym etapie. Tym, co wyróżnia te rodzaje sztuki, jest to, że płaskość jest wyraźnie wyrażona w malarstwie i grafice, a złożona trójwymiarowość w architekturze. Chromatyczność występuje w malarstwie jako czynnik determinujący, aw architekturze jako drugorzędny, dodatkowy czynnik. Inna różnica polega na jednoznacznej użyteczności dzieł architektury, ponieważ ani jeden budynek nie jest budowany tylko dla piękna, ze szkodą dla jego praktycznego zastosowania; malarstwo i grafika nie mają tak wyraźnego znaczenia praktycznego. Ale dlaczego porównujemy architekturę z tymi konkretnymi formami sztuki? Dlaczego nie z muzyką, literaturą, kinem, tańcem, teatrem? Faktem jest, że architektura należy do rodziny sztuk przestrzennych. Natomiast istnieją tymczasowe formy sztuki, które trwają w czasie i nie zajmują określonego miejsca.
Będąc przestrzenną formą sztuki, architektura, o dziwo, okazuje się jednocześnie czasowa. S m widok. Dlaczego? Ale dlatego, że idąc wzdłuż elewacji budynku, wzdłuż amfilad pomieszczeń, odkrywamy coraz to nowe kąty i widoki. Z biegiem czasu jesteśmy przesiąknięci artystycznym obrazem architektury, poznajemy ją lepiej. Cechą architektury jest zatem jej przestrzenne i czasowe istnienie jako formy sztuki. Jakie są inne cechy tej formy sztuki?
Cechy architektoniczne
Rzymski architekt Witruwiusz w swoim dziele Dziesięć ksiąg o architekturze postawił trzy wymagania dotyczące budynków: użyteczność, wytrzymałość i piękno. Oczywiste jest, że korzyść jest najważniejsza, ponieważ powiedzieliśmy już, że każda konstrukcja architektoniczna jest budowana po coś, w jakimś celu. To właśnie ta celowość decyduje o jego wyglądzie, materiale, wielkości, wystroju, miejscu w budynku itp. Zatem:
1. Głównym wymogiem jest „korzyść” lub funkcjonalną stronę architektury, czyli to, w jakim celu budynek jest budowany. Przeznaczenie budynku wpływa po pierwsze na dobór materiałów, a po drugie na zastosowanie określonych form architektonicznych - elementów składowych dowolnej konstrukcji: od fundamentu i ścian nośnych po dach.
2. Drugi wymóg Witruwiusza – „siła” obejmuje zrozumienie projekty leżące u podstaw struktury lub konstruktywna strona architektury. Musimy zapoznać się z systemem gotyckim słupowo-ryglowym, krzyżowo-kopułowym i ramowym, systemem sklepień łukowych. Już z samego wyliczenia widać, że architektura jako forma sztuki ma swoją specyfikę, jest nie tyle sztuką piękną, co sztuką konstruktywną, bardziej związaną z technologią. Każda innowacja technologiczna czy materiałowa od razu wpływa na rozwój architektury: pojawiają się nowe projekty i formy architektoniczne wykorzystujące bardziej zaawansowane materiały.
Jeśli konstrukcja jest mocna, a budynek stabilny, to ludzie kontemplujący ją mają poczucie satysfakcji. Jeśli czujemy niestabilność, to mimowolnie następuje odrzucenie struktury, chęć odwrócenia wzroku. Tak działa człowiek, co zawsze było brane pod uwagę i jest teraz brane pod uwagę podczas budowy.
3. Trzecim wymogiem jest „piękno” lub estetyczna strona architektury. Zarówno użyteczność, jak i siła muszą wyrażać się w pięknej formie, a to jest strona estetyczna każdej konstrukcji. Obejmuje elementy dekoracyjne i użycie koloru. Strona estetyczna jest dla człowieka niezwykle ważna, ponieważ częściej oglądamy dzieła architektury niż dzieła malarstwa, grafiki, rzeźby. Nawet najbardziej obojętny na sztukę człowiek, który nigdy nie był w galerii sztuki czy muzeum, nie otworzył ilustrowanej książki ani nie zatrzymał się przed rzeźbą, jest zmuszony chodzić po mieście, mimowolnie chłonąc wygląd budynków, słuchając ich rytm i piękno. A ponieważ budynki otaczają nas ze wszystkich stron, budzą nasz gust estetyczny i muszą być piękne.
Po zrozumieniu trzech cech architektury zdefiniujmy temat rozmowy o tej formie sztuki. Najpierw musisz zrozumieć stronę funkcjonalną, a następnie konstrukcyjną i estetyczną. Rozumiejąc istotę tych aspektów architektury, możemy z łatwością przejść do cech kompozycji. Po zapoznaniu się z nimi rozważymy cechy stylów. A wtedy język architektury odsłoni przed nami swoje tajemnice. Zapiszmy sobie plan naszej rozmowy w formie diagramu.
SCHEMAT
Ale zanim porozmawiamy z dziećmi o wszystkich tych aspektach architektury, należy zacząć od najważniejszej rzeczy - obrazu artystycznego, który tworzy to lub inne dzieło architektoniczne. Jak wytłumaczyć chłopakom, czym jest obraz artystyczny? Pojęcie obrazu artystycznego, jego obiektywny i subiektywny charakter zostały ujawnione na lekcji wprowadzającej. Na lekcji architektury materiał ten jest tylko powtarzany.
Typy i podgatunki architektury
Definicję typów i podgatunków architektury bardzo dobrze podaje A.M. Vachyants w podręczniku „Wariacje piękna. Wprowadzenie do MHC. Wykorzystajmy ten materiał.
Istnieją trzy rodzaje architektury: obiekty architektoniczne, architektura krajobrazu i urbanistyka. Każdy gatunek ma swoje podgatunki. Tak więc budynki mogą być publiczne (sami faceci mogą podać przykład, koniecznie spójrz na kilka zdjęć), mieszkalne i przemysłowe. Architektura krajobrazu obejmuje place miejskie, bulwary, parki (można pomieszać kilka slajdów: Tverskoy Boulevard, nowy budynek mieszkalny, fabryka, Caritsyno Park, Teatr Bolszoj, osiedle Kuskovo - chłopaki muszą określić, jaki rodzaj architektury budynki należeć do). Urbanistyka zajmuje się projektowaniem miast, miasteczek (można mówić o tym, jak Moskwa sama się rozwijała i rozwijała, w przeciwieństwie do Petersburga, który pierwotnie powstał za pomocą linijki i kompasu). JESTEM. Vachyants podaje schematyczną interpretację typów i podtypów architektury. Po nieznacznej modyfikacji zwracamy na to uwagę.
SCHEMAT.
lekcja wprowadzająca
tematy „Architektura jako forma sztuki” w klasie 5
1. Pojęcie „architektura”, język architektury.
Nauczyciel.Teraz musisz rozwiązać zagadkę. Jesteś gotowy? (Dzieci odpowiadają.)
Więcej nie powiem, ale coś Wam pokażę. Kto uważnie się przyjrzy, zobaczy, o jakiej sztuce będziemy dzisiaj mówić.
Nauczyciel składa dom z drewnianych klocków projektanta. Robi to na stołku lub krześle stojącym na pierwszym biurku. Lepiej jest stworzyć dom z części w dwóch kolorach - tak, aby części projektanta przeplatały się ze sobą. Konstrukcja może przypominać grecką świątynię z kolumnami, a na jej szczycie znajduje się kartka papieru w postaci dachu i frontonu, lub może to być zwykły dom, ale zawsze z wejściem i wnętrzem. Wreszcie budynek jest gotowy.
Nauczyciel. Co stworzyłem?
Studenci. Zwykły budynek.
Nauczyciel. Jakiego rodzaju dziełem sztuki jest ten budynek?
Studenci. Do budowy.
Nauczyciel. Prawie masz rację, bo po grecku „architecton” znaczy „budowniczy”. Jak można nazwać formę sztuki związaną z budownictwem?
Studenci. Architektura.
Nauczyciel. Zgadza się, architektura, architektura to sztuka konstruowania budynków.
(Zapisuje temat lekcji na tablicy.)
A kto wymyśli symbol dla tego typu sztuki?
Chłopaki odnajdują w schemacie symbol tej formy sztuki - klasyfikację form sztuki. Jego symbol zostaje ponownie naszkicowany w zeszycie (jeśli dzieci są odpowiednio przygotowane, architekturę można porównać z innymi dziedzinami sztuki).
Nauczyciel.Pomyśl, jaki język ma architektura – z jaką pomocą komunikuje się z nami struktura architektoniczna?
Studenci.Architektura przemawia do nas językiem drewnianych klocków.
Nauczyciel. Tak, z nich powstał nasz dom. Architektura przemawia do nas językiem pewnej bryły objętościowej, jak mogłoby być inaczej, skoro budujemy z masywnych bloków objętościowych! W przypadku chaty te masy objętościowe to drewniane pnie, w przypadku konstrukcji kamiennej - kamień, w przypadku budynku mieszkalnego - żelbet. Ale we wszystkich strukturach będzie masa, masa materiału.
Co tworzy masę? Zobaczyliśmy więc, że było puste krzesło, a potem nagle pojawił się dom. Co powstało za pomocą masy?
Po wielu przemyśleniach, poprawkach i sporach chłopaki dochodzą do wniosku, że powstała przestrzeń, i to dwie na raz - wewnętrzna i zewnętrzna (dlatego stworzyliśmy domek z wejściem, z możliwością wstawienia do środka lalki).
Nauczyciel.Architektura kreuje przestrzeń wewnętrzną i zewnętrzną – to, co zewnętrzne, widzimy z zewnątrz, to, co wewnętrzne, otwiera się przed nami, kiedy wchodzimy do samego budynku.
A jak ułożyłem masę materiału tworzącego przestrzeń? Nie położyłem po prostu jednego drewnianego klocka na drugim. Zaobserwowałem coś, jakiś porządek. Kto zgadnie który?
Studenci.Budowałeś dom, układając kolejno klocki w różnych kolorach, naprzemiennie je, to znaczy utrzymywałeś rytm.
Nauczyciel. Prawidłowy! W architekturze zawsze pojawia się rytm, czyli naprzemienność. Przyjrzyjmy się budynkom i spróbujmy dostrzec rytm.
Dzieciom pokazano Pałac Zimowy. Nauczyciel prosi o odnalezienie tych samych form architektonicznych, pokazuje, jak się one przeplatają. Będąc blisko siebie, tworzą pogodny, radosny rytm. Studenci zauważają, że półkolumny, okna i tralki gzymsowe oraz rzeźba na dachu występują naprzemiennie. (Dopóki dzieci nie oswoją się z formami architektonicznymi, trudno im dostrzec, na co należy zwrócić uwagę, więc nauczyciel może to zrobić z nimi po raz pierwszy.)
Nauczyciel.O ile rytm w Pałacu Zimowym jest werwy, częsty i przechodząc obok tego budynku chcemy przejść równie wesoło i radośnie, o tyle rytm w soborze Wniebowzięcia na Kremlu jest zupełnie inny.
Chłopaki patrzą na zdjęcie.
Co zmienia się w tej strukturze? Co tworzy rytm?(Półkolumny, zakomara - łuki, wąskie okna.) Jak chcemy spacerować po tym budynku? Równie radośnie, szybko?
Nie, godnie, gruntownie, uroczyście, bo półkolumny, zakomary i okna są daleko od siebie, dają poczucie spokoju i powagi.
Widzisz, każdy budynek dzięki rytmowi niesie ze sobą swój nastrój. A teraz trudne zadanie. Posłuchaj piosenki dla dzieci i powiedz, jak wygląda obiekt architektoniczny.
Brzmi piosenka „Konik polny siedział w trawie”. Podczas występu nauczyciel zaczyna klaskać do rytmu, mimowolnie zachęcając do tego dzieci. Wkrótce cała klasa klaska w rytm muzyki.
Nauczyciel.Co usłyszałeś to samo?(Cisza.) A co robiliśmy podczas śpiewania?
Studenci.Klasnęli.
Nauczyciel.A jak klaskaliśmy, tak po prostu - kto gdzie idzie?
Studenci.Nie, klaskaliśmy do rytmu, rytmicznie.
Nauczyciel.Co jest tym samym w muzyce i architekturze?
Studenci.Zarówno w muzyce, jak iw architekturze istnieje rytm, tylko w muzyce go słyszymy, aw dziele architektonicznym widzimy go i czujemy.
Nauczyciel.To prawda, że dokonaliśmy jednego najważniejszego odkrycia, o którym nie wszyscy wiedzą, ale tylko ci najbardziej uważni, wrażliwi. A może teraz wyjaśnisz mi, dlaczego architekturę nazywa się „zamrożoną muzyką”?
(Dzieci wyrażają swoje opinie).
Język architektury jest napisany jako schemat. Uczniowie, biorąc udział w tworzeniu schematu, następnie przenoszą go do zeszytu.
SCHEMAT.
2. Typy i podgatunki architektury
Nauczyciel.Rozmawialiśmy o języku architektury. Czym w ogóle jest ta forma sztuki? Jakie dzieła tworzy?
Dzieci wyrażają swoje opinie. Po wysłuchaniu odpowiedzi nauczyciel prosi o przyjrzenie się diagramowi „Typy architektury” i przez trzy minuty, pracując w parach, nazwij, jakie dzieła tworzy architektura – na jakie typy można je podzielić. Po sprawdzeniu pracy nauczyciel proponuje rozmowę o podgatunkach architektury, pokazując slajdy. Schemat jest zapisany w zeszycie.
3. Pojęcie obrazu artystycznego, znalezienie odpowiednich słów do jego wyrażenia
Nauczyciel.Rozmawialiśmy o tym, w jaki sposób architektura do nas przemawia. Ale osoba może też mówić: słowami, frazami, ale bardzo ważne jest, o czym nam powie. Często zdarza się, że znaczenie mowy zależy od tego, kto mówi. Wyobraźmy sobie, że przyszli do ciebie chłopcy i dziewczęta, zaczęli rozmawiać o swoich ulubionych grach komputerowych. Czy chłopcy i dziewczęta rozmawiają o tym samym?
Studenci.NIE .
Nauczyciel.Dlaczego różne gry?
Studenci.Bo są różni, mają różne zainteresowania, każdy wybiera swoje.
Nauczyciel.Dokładnie tak jak mówisz - wybierz sobie. Chłopaki wybierają dla siebie różne gry, a dorośli wybierają swój styl życia, swoje ubrania, swój dom. A kiedy tworzymy, tworzymy zupełnie inne dzieła sztuki. I dlaczego?
Studenci.Ponieważ wszyscy jesteśmy różni, wyrażamy siebie na różne sposoby.
Nauczyciel.A jak nazywa się ta złożona koncepcja - „wyrażać się po swojemu”?
Jeśli chłopaki zapamiętają lekcję wprowadzającą lub otworzą notatki w zeszycie, zadzwonią: „artystyczny obraz”.
Nauczyciel.Wizerunek - wizja, reprezentacja; artystyczny – tworzony według praw jednostki, „niepowtarzalny”.
Dzieło architektury tworzyli także ludzie. Jak myślisz, czy został stworzony zgodnie z prawami obrazu artystycznego, w którym ludzie wyrażali siebie, swoje pragnienia, swoje myśli, uczucia?
Przyjrzyjmy się różnym dziełom architektury i spróbujmy odczytać myśli i uczucia ludzi, którzy je stworzyli.
(Wystawiono rosyjską chatę północną i wieżowiec. Dzieci proszone są o wyrażenie opinii: czy ludzie wyrażali się w ten sam sposób, czy mieli to samo wyobrażenie o pięknie?)
Co docenili ludzie, którzy zbudowali chatę, co uważali za piękne?
Studenci.Mocny, duży, dobrze chroniony, zbudowany z ogromnych pni - niezawodny .
Nauczyciel.A nasi współcześni, którzy wznieśli wieżowiec, kochali to samo?
Studenci.Podobało im się coś zupełnie innego: wysokie, ledwo stojące na ziemi; ułożone w kwadraty; jak liść, wyłożony; wykonany z metalu i szkła; wszystko jest sztuczne .
Nauczyciel.Masz rację, jeśli nasi przodkowie, Słowianie, cenili niezawodną ochronę, fortecę w swoich domach, to ludzie XX wieku również chcieli zobaczyć duże domy, ale wcale nie przypominające chat przyciśniętych do ziemi. Odważnie rzucili dom w niebo, demonstrując swoją moc. Rozmawialiśmy tylko o wysokości budynku, ale już zdaliśmy sobie sprawę, że ludzie postrzegają piękno na zupełnie inne sposoby. Czy mogę zapytać, gdzie ona jest, prawdziwa piękność: w chacie czy w wieżowcu?
(Dzieci wyrażają swoje opinie).
Piękno jest i tam, i tam, tylko jest inne i trzeba je umieć dostrzec i przekazać słowami. Poćwiczmy więc wybieranie tych słów.
Klasa zostaje podzielona na zespoły. Zadanie polega na jak najszybszym znalezieniu antonimy do słowa podanego przez nauczyciela. Definicje słów są zapisane w kolumnie pod nagłówkiem: „Jakimi słowami możesz wyrazić swoją opinię na temat struktury”.
Wysoki niski
Potężny - kruchy
majestatyczny — skromny
Rozpiętość - rosnąco
Krasnolud - pełen wdzięku
mocne światło
gładki - chropowaty
Spokojny - mobilny
Gładko - burzowo
Surowy wygląd - zabawny, miękki wygląd
Linie proste - linie zakrzywione
Prosty - złożony
Bujny - skromny
Zwykły, naturalny - świąteczny
Nauczyciel.Zapraszam zespoły do przygotowania w trzy minuty opowieści o artystycznym obrazie, który daje początek Partenonowi – dumie starożytnej Grecji. Wybierz słowa z listy, aby to opisać i zgadnij, w czym Grecy widzieli piękno.
(Kiedy jedna grupa wymienia słowa, druga powinna dodać tylko to, czego brakuje. Osobny punkt dotyczy słowa znalezionego samodzielnie.)
Studenci . Partenon: wysoki; potężny; majestatyczny; umiarkowanie elegancki, ale nie słaby, widać, że kolumny są twarde, ale wytrzymują obciążenie, dumnie je niosą; świątynia jest spokojna; surowy wygląd; ma wiele prostych linii, przez co wydaje się jeszcze bardziej majestatyczny i nieruchomy; jest prosty, ale nie prostak - wszystko z umiarem; nie jest bujny i nie jest skromny - wszystko jest tak, jak być powinno.
Starożytni Grecy widzieli piękno w prostocie, aby wszystko było zrównoważone, spokojne. Jak widać, dzieci, które nic nie wiedzą o historii sztuki, tylko analizując zewnętrzną formę, były w stanie dostrzec najważniejszą rzecz, jaką postawili architekci starożytnej Grecji.
Nauczycielowi pozostaje dodać, że kolumny uosabiały wolnych członków społeczeństwa, dźwigających na swoich barkach ciężar władzy państwowej.
No i oczywiście nauczyciel powinien pochwalić chłopaków, bo zrobili ogromny krok do przodu - starali się zrozumieć architekturę i zrobili to wyrażając swoją opinię, a nie powtarzając słów wypowiedzianych przez nauczyciela.
Ciąg dalszy w nr 21
5.5 Język artystyczny współczesnego architekta
Autorski styl architekta i indywidualny język autora znajdują swoje najpełniejsze urzeczywistnienie w dziele architektonicznym. Jednocześnie w procesie swojego powstawania przechodzą długą i trudną drogę, ukrytą przed bezpośrednim postrzeganiem „konsumentów” architektury: klientów, współpracowników, krytyków, mieszkańców i „gości miasta”. Twórcza "kuchnia", pracownia architekta to "święty gaj", w którym rodzą się architektoniczne obrazy i formy... Nieprzypadkowo to "miejsce" jest często chronione przed wzrokiem ciekawskich, jako święte dla autora. Jednak pomimo opóźnienia programu metody i podejście autora do twórczości architektonicznej mają szczególne znaczenie dla studiów nad architekturą. Rozważana tematyka jest niezwykle wieloaspektowa – obejmuje metody rozwijania intencji autora na drodze od szkicu do dzieła; indywidualne sposoby i metody prezentacji architektury oraz interdyscyplinarne techniki syntetyczne w twórczości architektonicznej. Przejdźmy do artystycznego spektrum twórczości współczesnego architekta: odręcznego rysunku architektury, kolażu, rzeźby, projektowania i innych działań zbliżonych do architektury.
Autorskie metody szkicowania architektonicznego i graficznej prezentacji projektu są różnorodne. Historycznie tradycja akademicka wyznaczała wysoki poziom wymagań wobec ręcznego składania: doskonalono metody przenoszenia przestrzeni trójwymiarowej na płaszczyznę (konstrukcje perspektywiczne i aksonometryczne), doskonalono techniki rysunku architektonicznego i akwarelowego cieniowania wzgórz. Ponadto początek XX wieku charakteryzował się rozkwitem grafiki we wszystkich dziedzinach sztuki. Twórczość rosyjskich i zagranicznych architektów tego okresu (A.V. Shchusev, F.O. Shekhtel, O. Wagner, A. Loos) ma charakter syntetyczny: nie tylko organicznie łączy rodzaje sztuk plastycznych w jednym dziele, ale także, jako były „Wyrównuje w prawach” walory artystyczne prezentacji graficznej i zrealizowanego dzieła architektonicznego.
Mistrzowie rosyjskiej awangardy, stosując rewolucyjne metody pracy z formą, zachowywali jednocześnie wysoką kulturę architektonicznego przedstawienia. Grafika architektoniczna pozostawała pod silnym wpływem (i stała się częścią) nowych nurtów w kulturze plastycznej (kubofuturyzm, suprematyzm, konstruktywizm), karmionych odkryciami przedstawicieli awangardy artystycznej: L. Popowej, A. Wesnina, K. Malewicza , I. Chashnik, N. Suetin, L. Lissitzky, V. Tatlin, A. Rodchenko.
K. Mielnikow, artysta z wykształcenia, wykorzystał możliwości grafiki manualnej w poszukiwaniu nowej geometrii dynamicznej (diagonalnej), energii „unoszenia się” pokonującej grawitację. Aktualność opisywanych przesłań, daleka od pełnej realizacji w okresie konstruktywizmu, jest dość oczywista dla współczesnych aspiracji architektonicznych.
Grafika wirtuozowska naznaczyła dzieła I. Leonidowa, w których koncepcja i sposób prezentacji autora łączą się w jedną całość. Styl mistrza wyróżnia różnorodność technik: linia szkicu „na żywo”, linia rysowania, „rewers” na czarnym tle. Wydaje się, że można uznać drogę twórczą mistrza za przejście od lakonicznego suprematyzmu architektonicznego do wielowymiarowej syntezy architektoniczno-artystycznej. Jednocześnie na każdym etapie jedną z integrujących zasad była grafika projektowa w całej jej różnorodności: szkice ołówkiem „na żywo”, precyzyjne grafiki rysunkowe z elementami rysunku i malarstwa, aplikacja, projekty-obrazy wykonane w języku staroruskim technika „malowania ikon”. Synteza środków wyrazu posłużyła mistrzowi do uzyskania barwnej i „przestrzennej” polifonii.
Grafiki pierwszego, konstruktywistycznego okresu cechuje maksymalny stopień generalizacji, podnoszący projekt do rangi koncepcji. Zastosowanie czarnego tła do projekcji wraz z tradycyjnym białym tłem doprowadziło do narodzin „świetlistych” grafik Leonida o charakterystycznej „kosmicznej” głębi, co można skorelować zarówno z rodzimym nurtem suprematyzmu, jak i z malowniczymi „światami” V. Kandinsky, J. Miro, P. Klee i R. Delaunay. Duchowy ideał Leonidowa został najpełniej urzeczywistniony w serii obrazów poświęconych projektowi idealnego Miasta Słońca, który stał się artystycznym uogólnieniem poszukiwań twórczych mistrza.
Szkic architektoniczny w twórczości wybitnych architektów pomyślany jest jako samodzielne dzieło sztuki, wypełnione szeregiem figuratywnych metafor, skojarzeń, idei konceptualnych, które przyczyniają się do rozwoju stylu autora. Uderzającym przykładem syntezy twórczości architektonicznej i artystycznej są dzieła Le Corbusiera. Wśród bardziej współczesnych przykładów należy przypomnieć natychmiastowe arcydzieła O. Niemeyera, poszukiwanie plastyczności i organicznych analogii w twórczości S. Calatravy; metoda „akwareli” w badaniu środowiska świetlno-przestrzennego przyszłej pracy S. Halla; energetyczne szkice M. Botta; kształtowanie impulsów w E.O. Mohsa; prezentacje gier i wielkoformatowe płótna W. Alsop, J.B. Bolles i P.L. Wilsona; minimalizm grafiki architektonicznej A. Sizy; emocjonalne „obrazy” M. Fuksasa, malarstwo Z. Hadida.
Architekt S. Calatrava uważa architekturę za sztukę skierowaną do każdego człowieka, do konkretnego adresata. Jednocześnie mistrz skłonny jest interpretować zawodową sferę działalności architektonicznej w sposób złożony, jako integrację działań inżyniera, artysty i naukowca. Tak więc twórczość S. Calatravy jest wyjątkową syntezą zasad konstrukcyjnych, naukowych i artystyczno-plastycznych.
Aktywnie pracując jako artysta (rzeźbiarz, grafik, ceramik) mistrz tworzy abstrakcyjne rzeźby ucieleśniające obraz lotu i zwycięstwa nad grawitacją, kontynuując po swojemu rzeźbiarskie poszukiwania Picassa, Naguchiego, Gabo, Brancusiego. Architekt wyjaśnia pierwotne impulsy swojej twórczości w ten sposób: „Czasami tworzę kompozycje strukturalne, które można nazwać rzeźbami, jak kto woli”. To na rzeźbie po raz pierwszy wypróbowuje swoje przestrzenne i plastyczne pomysły, kontynuując tradycje A. Gaudiego. Twórczość S. Calatravy przepełniona jest antropo- i biomorficznymi formami i projektami, a seria autorskich szkiców poświęcona jest badaniu naturalnej plastyczności i „biomechaniki” świata przyrody i człowieka, które służą jako ekspresja struktur architektonicznych . Autorska metoda modelowania rzeźbiarskiego została wyraźnie wykorzystana przy tworzeniu wieży Turning Torso w Malmö na podstawie wykonanej wcześniej przez autora rzeźby o tym samym tytule.
J. Pallasmaa ("Myśląca ręka") zauważa, że jak wiadomo, w procesie poszukiwania jednolitego tematu dla przyszłej pracy, Alvar Aalto wykonał serię abstrakcyjnych rysunków. Używając swoistego „wewnętrznego intuicyjnego widzenia”, mistrz odkrył uogólniającą treść wszystkich planów przyszłej pracy, wykonując serię abstrakcyjnych rysunków, „pismo ręczne”. Tak więc narodzinom rozwiązania przestrzennego Biblioteki Miejskiej w Wyborgu towarzyszyły liczne szkice krajobrazów górskich.
„…Architektura uwzględnia ruch człowieka w przestrzeni i jego zanurzenie w wielowarstwowym doświadczeniu, w którym przecinają się przestrzeń, światło, kolor, geometria, zapach, dźwięk, powierzchnie i materiały”, wyjaśnia architekt S. Hall fenomenologiczny charakter jego twórczości. Mistrz wykorzystuje autorską metodę akwareli do badania „fenomenologicznego wymiaru” architektury, uwzględniając jedenaście odmian zjawisk. Rozumiejąc architekturę jako „łącznik między ideami, filozofiami, światłem, przestrzenią, nadziejami i materialnością świata”, architekt integruje koncepcje, obrazy i przestrzenie w jedną artystyczną całość. Akwarele o ustalonej wielkości tworzą rodzaj kartoteki, w której można prześledzić etapy powstawania i rozwoju projektów.
Architekt W. Alsop tworzy niezwykłą architekturę snu o doznaniach, archetypach percepcji, dziecięcych fantazjach i wspomnieniach. Istnieje opinia, że \u200b\u200bmistrz podchodzi do projektu raczej nie jako architekt, ale jako artysta. Jego indywidualne podejście opiera się na poszukiwaniu jak najbardziej swobodnego wrażenia emocjonalnego przyszłej pracy. W. Alsop przekonuje, że dla narodzin eksperymentalnej formacji gier świadomość autora musi być całkowicie wolna: to właśnie wtedy można znaleźć pomysł artystyczny przyszłego projektu. W akwarelach i gwaszach autora nie ma dokładności projektowej: wielkoformatowej, funkcjonalnej, konstruktywnej. Nie jest to tradycyjne przedstawienie architektoniczne, ale próba przełamania stereotypów myślenia, maksymalnego wyzwolenia wyobraźni. W ten sposób architekt-artysta tworzy abstrakcyjne, wypełnione emocjami modele, które wyrażają autorskie koncepcje gry wyobraźni, dialogu i prowokacyjnego „projektowania obiektów” w architekturze.
Prace M. Fuksasa łączą w sobie cechy tradycji architektonicznej, ostrego podejścia konceptualnego i metafory współczesnego miasta. Autor zwraca szczególną uwagę na badanie kontekstów czasoprzestrzennych i „literackich” przyszłego obiektu: otoczenia, zmiany pór roku i oświetlenia, architektonicznej „pamięci” i „ducha miejsca”. Szczegółowemu badaniu tych czynników, a także opracowaniu pierwotnego projektu projektu poświęcone są autorskie tabele klasyfikacyjne, sporządzone w formie roboczej. Kształtowanie się obrazu przyszłej pracy odbywa się z kolei za pośrednictwem autorskiego malarstwa – obrazów ekspresyjnych, wyrażających emocjonalną strukturę projektu. Nieprzypadkowo programowe odwołanie M. Fuksasa do kina, mediów i technologii cyfrowych komunikuje jakościowo nowy poziom „jednoczesności” integralnej percepcji.
Językiem konceptualnym i artystycznym podąża w swoich pracach architekt Tom Mayne. Znamienny jest fakt, że autorka nazywa sekcję serwisu poświęconą poszukiwaniom graficznym i dziełom architektury „Styczne i odrzuty”, co można przetłumaczyć jako prace „na zewnątrz”, a dokładniej „stycznie”. Jego szkice, kolaże i modele są interpretacją konkretnego projektu w procesie jego rozwoju lub późniejszej refleksji, ale jednocześnie stają się samodzielnymi dziełami. I to sprawia, że twórcze podejście T. Maine wiąże się z twórczością przedstawicieli konstruktywizmu, który Maine uważa za „najciekawszy i najbardziej obiecujący styl architektoniczny naszych czasów”. Pisał: „Konstruktywistom rosyjskim udało się zachować w swoich budynkach świeżość linii i bezpośredniość grafiki projektowej, w tym liter i cyfr”. T. Main interesuje się obiektami niedokończonymi, postrzegając je jako struktury gotowe do życia w zmieniającym się zespole miasta.
Zainspirowany niedopowiedzeniami kompozycji Ginzburga, Mielnikowa i Tatlina, T. Main posługuje się językiem architektonicznym otwartym na różnorodność.
W swoim przemówieniu na festiwalu Arch-Moscow 2006 Tom Mayne sformułował główne elementy swojej metodologii projektowania, która opiera się na: dokładnym badaniu krajobrazu; budowa fragmentów; kolejność opracowywania projektu, zaczynając od szkicu obrazu konstrukcji. Kolejność prac architekt zilustrował na przykładzie szkiców do projektu Sun Tower w Seulu: od pierwszej sylwetki na tle nieba do projektu grupy wejściowej. Estetyka layoutu, rysowanie linii "na kalce", nawarstwianie, iluminacja światłem kolorem - wszystko to organicznie wpisuje się w estetykę artystyczną prac mistrza. Znamienne jest, że jedną z charakterystycznych technik formalnych T. Maine jest wykorzystanie liter jako elementów kompozycji elewacji.
Właściwa architektura „pól siłowych” stała się niewątpliwym znakiem czasu. Obrazowym przykładem takiego podejścia jest ekspresyjna twórczość Z. Hadid, która zasłynęła z prac graficznych na długo przed zabudowaniami. Rysunek jest dla niej etapem teoretycznym, eksploracyjnym, otwartym na przekształcenie pierwotnego pomysłu („strzał w ciemno”, jak pisał jej kolega P. Schumacher). Nie jest chyba przypadkiem, że w twórczości mistrza pojawiło się szczególne zjawisko „malarstwa konceptualnego” („Londyn”, „Berlin – 2000”, „Manhattan”, „Widok Madrytu”), zajmujące pozycję pośrednią między fantazją architektoniczną a obraz.
Chiński architekt Ma Yansong wyznaje koncepcję architektury emocjonalno-zmysłowej. Architekt jest przekonany, że architektura powinna być podobna do sztuki współczesnej właśnie w aspekcie swobodnego i różnorodnego wyrażania uczuć. Sam architekt chętnie współpracuje przy projektach artystycznych, co pokazały doświadczenia wspólnej wystawy z O. Eliassonem „Uczucia są faktami”.
Ma Yansong zwraca uwagę na istotną różnicę między swoim kreatywnym podejściem a sposobem pracy jego stałego partnera Bjark Ingels, co stoi w sprzeczności z jasną metodologią przeżywania indywidualnych emocji, których nie da się powtórzyć. Mottem Ma Yansong jest przekonanie, że architekci, podobnie jak artyści, powinni oferować marzenie konkretnemu klientowi i społeczeństwu.
Obok artystycznego, ważnym aspektem szkicu pozostaje aspekt intelektualny, związany z teoretycznym modelowaniem dzieła: analityczny rysunek architektoniczny R. Meyera; tablice klasyfikacji autorskich M. Fuksasa; kolejne opracowania i diagramy semantycznych i morfologicznych przekształceń objętościowo-przestrzennych projektowanej objętości autorstwa P. Eisenmana (grafiki uzupełnione układem).
Grafika architektoniczna P. Eisenmana służy wypracowaniu struktur kształtujących przyszłe obiekty architektoniczne. Stosując koncepcję „paradoksu przekazu w zapomnianym języku”, P. Eisenman wchodzi w dialog z odbiorcą, a architektura staje się formą pisma, autorskim tekstem, który adresat musi rozszyfrować, ujawniając „ślady” i logikę leżących u podstaw przekształceń. Eisenman wprowadza pojęcie „projektu samego”, co można przetłumaczyć jako „samoorganizację”. Zgodnie z tą zasadą linie, płaszczyzny, bryły swobodnie „samoorganizują się” w struktury architektoniczne – podstawę prac mistrza. Do projektowania stosowana jest metoda diagramów – graficznych opracowań kolejnych przekształceń zgodnie z wewnętrznymi prawami samorozwoju formy. Obrazowym przykładem są projekty domów jednorodzinnych oparte na eksperymentach autora z kształtem łacińskiej litery „L”, symbolizującej niestabilność i niekompletność. Tym samym autorska grafika i layout wpisują się w programową strategię „własnego języka architektury”. Procesualny charakter autorskiego rozumienia architektury zbliża ją do form i metod sztuki konceptualnej.
Jak wiecie, rosyjska szkoła architektoniczna zawsze słynęła z komponentu artystycznego. Tradycja ręcznego rysowania w krajowej praktyce projektowej wciąż żyje i rozwija się - wielu rosyjskich architektów zwraca się ku „rysunkowi ręcznemu” architektury: S. Czoban, S. Skuratow, M. Filippow i inni. Michaił Filippow jest znany jako konsekwentny zwolennik nurt tradycjonalistyczny w architekturze, co znajduje odzwierciedlenie w prezentacjach jego projektów. Autor umiejętnie posługuje się klasycznymi technikami akwareli hillshade nie tylko po to, aby oddać światło i powietrze otoczenia, ale także po to, by stworzyć szczególny „sielski” dźwięk architektury. Badanie cech środowiska z różnych perspektyw postrzegania w różnych porach roku za pomocą serii rysunków jest ważnym elementem autorskiej metody architekta S. Tchobana. Autor twierdzi, że architektura, która jest ciekawa do narysowania, to architektura udana. Architekt symbolicznie porównuje nowe budynki w środowisku miejskim z przeszkleniami w malarstwie, które uzupełniają, ale nie niszczą śladów przeszłości.
Główną i niezbywalną właściwością szkicu jest tożsamość autora, będąca ucieleśnieniem indywidualności mistrza. Ten aspekt tematu nabiera szczególnego znaczenia w ostatnich czasach, kiedy pewna unifikacja i uniwersalizacja technik i narzędzi architektonicznych związana z powszechnym wprowadzeniem technologii komputerowej jest oczywista. Szkic pojawia się w określonym momencie, „tu i teraz”, utrwalając ideę w określonym kontekście przestrzennym i czasowym.
Wraz z tym udany szkic może stać się motywem przewodnim całej wieloletniej pracy twórczej nad projektem, a nawet „przeżyć”, pojawiając się w publikacjach wraz ze zdjęciem ukończonego obiektu. Piękny szkic żyje jako dzieło sztuki samo w sobie. Jednocześnie w pewnym stopniu jest ona bowiem odizolowana od ucieleśnionego obiektu architektonicznego może zawierać inne plany semantyczne, metafory, cechy stylu. Inspiracja twórcza, "znalezisko" w szkicu często stanowi podstawę całego kierunku poszukiwań autora - krystalizuje się system komunikacyjny autora. Szkic uchwycił moment narodzin pomysłu. Co więcej, może powstać jako nieświadomy intuicyjny „ślad” refleksji lub w wyniku celowego procesu metodologicznego, w którym sprawdzane są poszczególne składowe przyszłej koncepcji dzieła: seria szkiców, grafik, diagramów, serii asocjacyjnych. Tak więc na etapie szkicowania realizowany jest pojedynczy proces powstawania pomysłu i jego badania - samoidentyfikacja twórczego pomysłu. W szerszym znaczeniu jest to samookreślenie się architekta jako Mistrza, któremu towarzyszy ciągła refleksja nad jego dziełem.
W szkicu autora podręcznika dokonuje się wzajemne powiązanie, synteza poszukiwań teoretycznych i plastycznych oraz architektonicznych i artystycznych form wyrazu. Charakter szkicu architektonicznego jest wielowartościowy i ma szereg cech rodzajowych: ideowo-semantyczny, asocjacyjny; architektoniczne i morfologiczne; artystyczny. Działa jednocześnie jako proces i skutek; różni się wyraźnym ukierunkowaniem i wieloasocjatywnością; obejmuje całość i poszczególne części; wyraża kompletność pomysłu i ma niedopowiedzenie w zarysie. Pod tym względem futurystyczny termin „jednoczesność” (jednoczesność) w pełni pasuje do szkicu architektonicznego jako zjawiska, gdy struktura warstw semantycznych, figuratywnych, funkcjonalnych dzieła ujawnia się jednocześnie w zwięzłej formie. To jedna z zalet szkicu, czasami nieosiągalna w realizowanym projekcie. Wynika z tego, że to właśnie szkic architektoniczny wytycza drogę do dialogu z odbiorcą architektury.
Szkic w twórczości architekta ma wiele cech: tożsamość w kształtowaniu języka autora, styl; konceptualność na etapie rozwoju zamysłu autorskiego; synteza na przecięciu nurtów artystycznych, naukowych i literackich; naszkicować poliwariantność i otwartość na dialog; intuicyjność, heurystyka, szkic proceduralny jako zjawisko. Jak wiadomo, proces projektowy to szereg następujących po sobie powiązanych ze sobą etapów, które można przedstawić w uproszczonym schemacie: analiza przedprojektowa, projekty wstępne i wykonawcze, akceptacja projektu, nadzór architektoniczny w procesie realizacji. Lub inaczej - zanurzenie w temacie, przestudiowanie materiału, poszukiwania twórcze - szkicowanie i układ - opracowanie i prezentacja graficzna projektu - realizacja z udziałem autora. Schemat ten celowo podsumowuje etapy opracowywania dokumentacji projektowej, które mogą się różnić. To nie przypadek, że słowo „architekt” używane jest od czasów starożytnych – twórca i mistrz, który posiada cały wachlarz umiejętności i zdolności niezbędnych do realizacji planu. W tradycjach krajowej edukacji akademickiej częściej będziemy używać terminu „architekt-artysta”, który nie wymaga dodatkowych wyjaśnień.
W obecnym kontekście całkiem słusznie można wspomnieć o szkicowaniu techniką komputerową, które jest raczej przeciwieństwem tradycyjnego podręcznika niż rozwinięciem tej linii. Wirtualny szkic może być schematem koncepcyjnym, modelem, zbiorem prymitywów - prototypów kształtowania przyszłego obiektu. Odwoływanie się architektów do możliwości technicznych na początkowych etapach projektowania jest dość zrozumiałe dzięki możliwości tworzenia i przekształcania różnego rodzaju powłok o różnym stopniu krzywizny (architektura cyfrowa). Projektowanie parametryczne, które aktywnie rozwija się na świecie, wykorzystuje zdolność komputera do modelowania kształtu obiektu w oparciu o zadaną charakterystykę parametrów. Powyższe metody są pod wieloma względami postępowe i mają swoje odpowiedniki w przeszłości (popularne w latach 60. kształtowanie konstrukcji kopułowych), ale stopień autorskiej zasady jest w nich często wyrównany. Komputerowy „szkic” często w ogóle nie ma samodzielnej wartości – staje się częścią zintegrowanego procesu projektowego (model obiektowy w początkowej fazie jego rozwoju).
Dziś, kiedy ręczne składanie tekstów stało się rzadkością, kwestia zachowania i ujawnienia indywidualności języka autora stała się dość pilna. W tym zakresie w planie metodycznym szczególne znaczenie ma metoda klauzul stosowanych w procesie wychowawczym. Clausura i nieustanne szkicowanie to operacyjne sposoby komunikacji między mistrzem a uczniem, rozwijające kreatywne myślenie, pamięć i grafikę manualną. W procesie rzeczywistego projektowania architekci często sięgają po rodzaj „zbiorowego” szkicu opartego na metodzie klauzul. Pracownicy warsztatu przedstawiają indywidualne rozwiązania, następnie wybierane są najbardziej udane projekty propozycji – na ich podstawie syntetyzuje się koncepcję przyszłego projektu.
Należy zauważyć, że szkicowanie jako metoda twórcza rozciąga się na funkcję, projekt i formę. Szkic funkcji to schemat strefowania, definicja niezbędnych połączeń między blokami funkcjonalnymi, schematy organizacji procesów w strukturze. Niestandardowe konstrukcje związane z figuratywną stroną projektu znajdują również odzwierciedlenie w szkicach architektonicznych. Niewątpliwie najbardziej pożądane są szkicowe poszukiwania formy przyszłego budynku, w którym rodzi się jego artystyczny wizerunek. Szkic prawie zawsze jest przepełniony emocjami i wywołuje reakcję widza, którego pociąga „żywość”, emancypacja grafiki, swoboda prezentacji materiału.
We współczesnej praktyce projektowej możliwe są różne podejścia do klasyfikacji szkiców. Szkic architektoniczny zmienia się w zależności od etapów rozwoju koncepcji twórczej: szkic jako utrwalenie pierwszego pomysłu; szkic asocjacyjny lub koncepcyjny przy tworzeniu koncepcji przyszłej pracy; doprecyzowanie szkicu w trakcie pracy nad projektem; zgodnie z zasadą kompletności: szkic, szkic; „szkic architektoniczny”; szkicować grafikę architektoniczną. Szkic dowolnego typu może stać się samodzielnym dziełem sztuki.
Dziś w twórczości architektonicznej na pierwszy plan wysuwają się osobiste koncepcje autorskie, które stają się rdzeniem syntetyzującym w interdyscyplinarnej przestrzeni kulturowej i naukowej. W tak szerokim kontekście warto uznać koncepcję syntezy architektonicznej i artystycznej za miarę duchowego spełnienia, znak tożsamości autora twórczości architektonicznej, podnoszący ją do rangi sztuki. Określenie „artystyczny”, z pewną dozą umowności, może być rozumiane jako połączenie osobistego światopoglądu i sposobów jego urzeczywistniania w rzeczywistości materialnej. To właśnie „artystyka” pozwala „brzmieć” autorskiej architekturze. Z architekta-twórcy rodzi się autorska wizja, własny, indywidualny język plastyczny – osobisty, integralny system metod i zasad, będący istotą współczesnego paradygmatu architektonicznego.
Wnioski dotyczące rozdziału 5
Wprowadzono i rozważono pojęcie „osobisto-osobistego „pola” integracji artystycznej, które jest reprezentowane przez metody integracyjne w autorskiej pracy architekta. Utożsamiane są centra integracyjne, do których zmierza twórcza orientacja mistrzów najnowszej architektury: zasady racjonalne, humanistyczne, przyrodniczo-przyrodnicze, inżyniersko-technologiczne, społeczne i dialogiczne, a także zasady intuicyjne i figuratywno-symboliczne, intelektualne i krytyczne, semantyczne i archetypowe podstawy.
Opracowano klasyfikację koncepcji twórczych mistrzów nowoczesnej architektury według aktualnych kierunków integracji artystycznej. Koncepcje osobiste są rozpatrywane w czterech głównych grupach czynników:
Włączenie w system sztuki na poziomie wykorzystania motywów artystycznych i korelacji z jej rodzajami;
Potencjał interdyscyplinarny i możliwość dotarcia do poziomu metasystemu.
3. Architektura porządku artystycznego ( R. Meyer, J. Sterling, D. Chipperfield, A. Siza, E. Souto de Moura, S. Braunfels):
Przestrzenna organizacja architektury jest priorytetem i staje się głównym nośnikiem treści i obrazu artystycznego, podczas gdy komponent czasowy pomaga zintegrować przestrzenne „obrazy” w całościowe wrażenie;
Pole artystyczne przenika wszystkie poziomy organizacji obiektu i nawiązuje do obrazów sztuk plastycznych.
Ideał abstrakcyjnej harmonii, ładu kompozycyjnego i figuratywności, zrodzony w utworach przedstawionych w najbardziej abstrakcyjnej formie, cofa się do międzysystemowego poziomu pola kultury.
4. Architektura komunikacji w systemie kontekstów (R. Venturi, A. Rossi, M. Graves, P. Eisenman, K. Portzampark, B. Chumi, M. Safdie, A. Predok):
Konteksty twórczości architektonicznej pojmowane są jako system znakowo-symboliczny, wyrażany przez złożoną dynamiczną substancję pola czasoprzestrzennego, w którym czas nabiera szczególnego znaczenia artystycznego w postaci informacji historycznej i kulturowej;
Obszary znaczeń ekspresywnych pola artystycznego, który zachowuje związek z plastycznością artystyczną, koncentrują się wokół zjawisk pamięci, konstruktów sensotwórczych, intencji gry, wzbogacania architektury znaczeniami literackimi;
Ze struktury semantycznej rodzi się symboliczne pole architektury, określające międzysystemowy obszar komunikacji twórczej.
5. Architektura naturalnych połączeń (P. Zumthor, S. Hall, K. Norberg-Schulz, R. Piano):
Człowiek i otaczający go świat są interpretowani jako wzajemnie połączony, przenikający się organizm, a kontekst jest postrzegany jako kontynuacja tej naturalnej jedności – pole czasoprzestrzenne jest interpretowane najszerzej, jak to możliwe, obejmujące zjawiska naturalne, motywy fizyczne i osobowe rozwój osoby, fundamenty i tradycje;
Dziedzina artystyczna ciąży w kierunku dwóch głównych znaczeń: uznania wartości sztuki jako rzemiosła oraz artystycznej interpretacji przejawów sił natury, zbliżającej się do „sztuki żywiołów”.
Granice opisywanego kierunku są najtrudniejsze do określenia, gdyż ma on charakter międzysystemowy i ma wiele indywidualnych lub fragmentarycznych przejawów w artystycznym rozumieniu wody, światła czy motywów stworzonych przez człowieka.
6. Architektura podąża za naturą (S. Calatrava, R. Piano, N. Grimshaw, F. Huben (Mecanoo), K. Kurokawa, T. Ando, K. Kuma):
Odnosząc się do obrazów artystycznych ze świata przyrody, architekci interpretują je jako podstawowe konteksty semantyczne i strukturotwórcze, a parametry czasowe stają się kontynuacją naturalnych metafor wzrostu i rozwoju;
Dziedzina artystyczna służy jako pole eksperymentalne dla rozwoju motywów organicznych w języku formy architektonicznej, których rozwój jest ułatwiony przez aktywne zaangażowanie środków wyrazu malarstwa, rysunku, rzeźby, grafiki komputerowej i modelowania cyfrowego;
Żywotność i jedność zasad antropogenicznych i naturalnych, wyrażająca się w możliwości opanowania zasad organicznych i tworzenia obrazów architektonicznych zbliżonych do natury, jest potwierdzona na poziomie metasystemu.
7. Architektura iluzorycznego obrazu (J. Nouvel, F. Gehry, M. Fuksas, J. Herzog i P. de Meuron, Coop Himmelblau):
Pole czasoprzestrzenne określa kontekstualny początek iluzorycznej architektury, pokrewny linii komunikacyjnej w sensie znakowo-symbolicznym narracji architektonicznej, a obrazy jako mise-en-scène akcji scenicznej nawarstwiają się w sekwencji czasowej , składający się na spektakl architektoniczny;
Dziedzina iluzoryczności artystycznej zbliża ją do estetyki kolażu i technik sztuki medialnej (kino, fotografia, efekty multimedialne), które razem dają początek teatralności architektury;
Znakiem tej linii architektonicznej w obszarze metasystemu staje się integralny obraz iluzoryczny tworzony w percepcji odbiorcy bliski „artystycznemu oszustwu”.
8. Projekt architektoniczny i dialog społeczny (W. Alsop, S. Benish, P. Cook, B. Ingels (BIG), Diener & Diener Architekten, MVRDV, MAD, FAT („Moda. Architektura. Smak” - „ Moda. Architektura . Smak"):
Konteksty czasoprzestrzenne są zastępowane przez społeczne scenariusze nastawione na ostry dialog publiczny;
Artystyczną ekspresję osiąga się środkami zbliżonymi do dizajnu, odwołującymi się do technik przemysłu modowego, pola reklamy, a także sztuki retoryki;
Sztuka architektury poświęca wyrafinowany elitaryzm na rzecz demokratyzacji procesu twórczego i dostępności dla ogółu społeczeństwa na poziomie meta.
9. Architektura badań analitycznych i strategii społecznych (R. Koolhaas, T. Main, B. Ingels (BIG), MVRDV):
Pole czasoprzestrzenne traktowane jest jako problematyczny obszar badań stosowanych, który można częściowo zinterpretować artystycznie za pomocą projektowania architektonicznego;
Element artystyczny wyraża zaktualizowana estetyka przestrzeni miejskiej, która łączy w sobie rozwiązanie kwestii pragmatycznych oraz architektoniczno-artystyczny projekt otoczenia;
Nowe strategie urbanistyczne opierają się na interdyscyplinarnych interakcjach, a także aktywnie angażują sferę nowoczesnych sztuk mediów i sztuki ziemi.
10. Architektura ekspresji, przepływy energii i swoboda kształtowania (F. Gehry, Z. Hadid, D. Libeskind, O. Dekk, M. Fuksas, H. Rashid, Koop Himmelblau, Nox, F. Romero, Asimptote):
W dziedzinie czasoprzestrzennej programowa nieufność do ustalonego kontekstu środowiskowego staje się wsparciem dla rewizji podstawowych kategorii, prowadzącej do „wynalezienia” zaktualizowanej czasoprzestrzeni z wyraźną kategorią ruchu i formy dynamicznej oraz otwarcia krajowa i zagraniczna awangarda artystyczna i sztuka konceptualna stanowią oparcie dla eksperymentów plastycznych.
Poliintegralne tendencje pola artystycznego (konceptualność, podejście projektowe, teatralizacja) manifestują się w pełni, a obiekt architektoniczny z pierwszeństwem formy znaku wygląda jak swobodny gest artystyczny – szybka linia, rzeźba, obraz cyfrowy, a nawet instalacja;
Wyrazisty obraz i efektowna trójwymiarowa forma stają się rozpoznawalnymi cechami tego nurtu w metasystemie architektonicznej i artystycznej integracji.
11. Udowodniono, że w autorskiej pracy architekta decydująca jest złożona metoda integracji artystycznej. Metodologia autorskiej twórczości mistrzów najnowszej architektury opiera się na osobistych koncepcjach integracji architektonicznej i artystycznej, sformułowanych w opracowaniu:
koncepcja integracji artystycznej oparta na rozwinięciu idei geometrycznej harmonii przez R. Meyera;
koncepcja organicznego minimalizmu i artystycznej ascezy formy architektonicznej A. Sizy;
Koncepcja figuratywno-symbolicznej syntezy organizacji środowiska przestrzennego w oparciu o ideę muzykalności architektury K. Portzamparka;
Koncepcja wielowymiarowej syntezy opartej na komunikacji semantycznej i samorozwoju formy architektonicznej P. Eisenmana;
Fenomenologiczna koncepcja integracji architektonicznej i artystycznej S. Halla;
koncepcja artystycznej, humanistycznej i duchowej jedności architektury i miejsca P. Zumthora;
koncepcja symbiotycznej integracji architektonicznej K. Kurokawy;
Koncepcja jedności artystyczno-konstrukcyjnej i rzeźbiarsko-bionicznej S. Calatravy;
Koncepcja syntezy pojęciowej i kontekstualnej oparta na autorskiej metodzie "intelektualnej dematerializacji" J. Nouvela;
koncepcja wielowymiarowej integracji i teatralizacji otoczenia z wykorzystaniem techniki kolażu syntezy architektonicznej i artystycznej J. Herzoga i P. de Meurona;
Koncepcja architektonicznej „gry” i projektowania sztuki eksperymentalnej W. Alsopa;
Koncepcja intelektualnej syntezy i ciągłego scenariusza organizacji przestrzennej obiektu architektonicznego R. Koolhaasa;
Koncepcja społecznie zorientowanego projektowania środowiska architektonicznego B. Ingelsa;
Koncepcja emocjonalnie zdeterminowanej syntezy architektonicznej i artystycznej oraz rozwój kategorii ruchu za pomocą architektury Z. Hadid;
Pojęcie swobody kształtowania plastycznego z wykorzystaniem modelowania cyfrowego F. Gehry;
Koncepcja projektowania integracyjnego architektury nieliniowej autorstwa F. Romero.
12. Język artystyczny współczesnego architekta jest otwarty na całe spektrum twórczości: odręczny rysunek architektury, kolaż, malarstwo, rysunek, rzeźbę, projektowanie (grafika, projektowanie wnętrz i ubioru), sztukę cyfrową, twórczość konceptualną.