طبیعت بی جان قرن هفدهم. نشانه های مخفی طبیعت بی جان هلندی. زندگی اولیه گل هنوز هم

اولین نقاشی‌های طبیعت بی جان در دهه 1600 در آثار یان بروگل و آمبروسیوس بوشاارت ظاهر شد و ترکیب‌هایی با چیدمان دقیق از بسیاری از گل‌ها بود که اغلب در یک گلدان گرانبها از شیشه ونیزی یا چینی چینی قرار می‌گرفت.


یان بروگل مخملی. "طبیعت بی جان". 1598. موزه Kunsthistorisches، وین.

آمبروسیوس بوشارت "گل در گلدان" 1619.Rijksmuseum، آمستردام

بالتاسار ون در آست. "طبیعت بی جان با گل".1632. Rijksmuseum، آمستردام

پدیده شگفت انگیزی در تاریخ هنرهای زیبای جهان در شمال رخ داد اروپا هفدهمقرن. به طبیعت بی جان هلندی معروف است و یکی از قله های نقاشی رنگ روغن به شمار می رود.

خبره ها و حرفه ای ها دارند اعتقاد راسخ، این مقدار چقدر است استادان باشکوهکسانی که بالاترین تکنولوژی را در اختیار داشتند و شاهکارهای بسیار در سطح جهانی خلق کردند، در حالی که در قطعه کوچکی از قاره اروپا زندگی می کردند، هرگز در تاریخ هنر دیده نشده اند.

معنای جدید حرفه هنرمند

اهمیت خاصی که حرفه هنرمند در هلند از آغاز قرن هفدهم به دست آورد، نتیجه ظهور، پس از اولین انقلاب های ضد فئودالی، آغاز یک سیستم جدید بورژوایی، تشکیل طبقه ای از شهرنشینان بود. شهرها و دهقانان ثروتمند برای نقاشان، اینها مشتریان بالقوه ای بودند که مد را برای آثار هنری شکل دادند و طبیعت هلندی را به محصولی پرطرفدار در بازارهای نوظهور تبدیل کردند.

که در سرزمین های شمالیدر هلند، گرایش‌های اصلاح‌طلبانه مسیحیت، که در مبارزه با کاتولیک به وجود آمد، به تأثیرگذارترین ایدئولوژی تبدیل شد. این شرایط، در میان موارد دیگر، طبیعت بی جان هلندی را به ژانر اصلی کل اصناف هنری تبدیل کرد. رهبران معنوی پروتستانتیسم، به ویژه کالوینیست ها، اهمیت روح بخش مجسمه سازی و نقاشی در موضوعات مذهبی را انکار کردند، آنها حتی موسیقی را از جامعه اخراج کردند. کلیسا، که نقاشان را مجبور به جستجوی موضوعات جدید کرد.

در فلاندر همسایه، که تحت تأثیر کاتولیک ها باقی مانده بود، هنرهای زیبا طبق قوانین مختلف توسعه یافت، اما نزدیکی سرزمینی امر اجتناب ناپذیر را تعیین کرد. نفوذ متقابل. دانشمندان - مورخان هنر - چیزهای زیادی را پیدا می کنند که طبیعت بی جان هلندی و فلاندری را متحد می کند و به تفاوت های اساسی ذاتی و ویژگی های منحصر به فرد آنها اشاره می کند.

طبیعت بی جان اولیه گل

ژانر "خالص" طبیعت بی جان، که در قرن 17 ظاهر شد، در هلند پذیرفته شد فرم های خاصو نام نمادین " زندگی آرام" - هنوز هم. از بسیاری جهات، طبیعت بی جان هلندی به یک بازتاب تبدیل شد هجوم فعالیتشرکت هند شرقی که کالاهای لوکسی را از شرق می آورد که قبلاً در اروپا دیده نشده بود. این شرکت اولین لاله‌ها را از ایران آورد که بعداً به نماد هلند تبدیل شد و این گل‌های به تصویر کشیده شده در نقاشی‌ها بود که محبوب‌ترین دکوراسیون ساختمان‌های مسکونی، دفاتر متعدد، مغازه‌ها و بانک‌ها شد.

هدف از رنگ آمیزی استادانه گل آرایی متنوع بود. آنها در تزیین منازل و ادارات، بر رفاه صاحبان خود تأکید داشتند و برای فروشندگان نهال گل و پیاز گل لاله، آنها چیزی بودند که امروزه به آن محصول تبلیغاتی بصری می گویند: پوسترها و کتابچه ها. بنابراین، طبیعت بی جان هلندی با گل، اول از همه، تصویری دقیق از گل ها و میوه ها از نظر گیاه شناسی است، در عین حال مملو از نمادها و تمثیل های بسیاری است. اینها بهترین نقاشی های کل کارگاه ها هستند که توسط آمبروسیوس بوشارت بزرگ، ژاکوب د گین جوان، یان باپتیست ون فورنبورگ، یاکوب ووترز ووسمار و دیگران هدایت می شوند.

میز و صبحانه بچینید

نقاشی در هلند در قرن هفدهم نتوانست از تأثیر جدید فرار کند روابط عمومی، و توسعه اقتصادی است. طبیعت بی جان هلندیقرن هفدهم یک کالای سودآور بود و کارگاه های بزرگی برای "تولید" نقاشی سازماندهی شد. علاوه بر نقاشان، که تخصص و تقسیم کار سختی در میان آنها ظاهر شد، کسانی که پایه نقاشی ها - تخته یا بوم را آماده می کردند، آنها را آماده می کردند، قاب می ساختند و غیره در آنجا کار می کردند. رقابت شدید، مانند هر روابط بازاری، منجر شد. به افزایش کیفیت زندگی بی جان به Very سطح بالا.

ژانر تخصصی هنرمندان نیز خصلت جغرافیایی به خود گرفت. ترکیبات گل در بسیاری از شهرهای هلند - اوترخت، دلفت، لاهه - نقاشی شدند، اما این هارلم بود که به مرکز توسعه طبیعت های بی جان تبدیل شد که جداول، محصولات و غذاهای آماده را به تصویر می کشد. چنین نقاشی هایی می توانند در مقیاس و شخصیت متفاوت باشند، از پیچیده و چند موضوعی تا لاکونیک. "صبحانه ها" ظاهر شد - زندگی بی جان توسط هنرمندان هلندی که مراحل مختلف یک وعده غذایی را به تصویر می کشند. آنها حضور یک نفر را به صورت خرده نان، نان گاز گرفته و... به تصویر می کشند. داستان های جالب، پر از کنایه ها و نمادهای اخلاقی رایج در نقاشی های آن زمان. نقاشی های نیکلاس گیلیز، فلوریس گریتس ون شوتن، کلارا پیترز، هانس ون اسن، رولوف کوتس و دیگران از اهمیت خاصی برخوردار هستند.

طبیعت بی جان تونال. پیتر کلیز و ویلم کلاس هدا

برای معاصران، نمادهایی که طبیعت بی جان سنتی هلندی را پر می کردند، مرتبط و قابل درک بودند. محتوای نقاشی‌ها شبیه کتاب‌های چند صفحه‌ای بود و از این جهت ارزش ویژه‌ای داشت. اما مفهومی وجود دارد که هم برای خبره های مدرن و هم برای هنردوستان کم تاثیرگذار نیست. به آن "طبیعت بی جان تونال" می گویند و مهمترین چیز در آن بالاترین مهارت فنی ، رنگ آمیزی شگفت انگیز تصفیه شده ، مهارت شگفت انگیز در رندر است. تفاوت های ظریف ظریفروشنایی

این ویژگی‌ها با نقاشی‌های دو استاد برجسته که نقاشی‌هایشان از بهترین نمونه‌های طبیعت بی‌جان به حساب می‌آیند، کاملاً منطبق است: پیتر کلیز و ویلم کلاس هید. آنها از تعداد کمی از اشیاء ترکیباتی را انتخاب کردند که فاقد رنگ های روشن و تزئینی خاص بود، که مانع از ایجاد چیزهایی با زیبایی و بیان شگفت انگیز نشد که ارزش آنها با گذشت زمان کاهش نمی یابد.

غرور

مضمون سستی زندگی، برابری پیش از مرگ پادشاه و گدا، در ادبیات و فلسفه آن دوران انتقالی بسیار رایج بود. و در نقاشی در نقاشی هایی که صحنه هایی را به تصویر می کشند که عنصر اصلی آن جمجمه بود بیان می شود. این ژانر vanitas نامیده می شود - از لاتین "vanity of vanities". محبوبیت طبیعت بی جان، شبیه به رساله های فلسفی، با توسعه علم و آموزش تسهیل شد که مرکز آن دانشگاه لیدن بود که در سراسر اروپا مشهور بود.

Vanitas جایگاه جدی در کار بسیاری از استادان هلندی آن زمان را اشغال می کند: ژاکوب د گین جوان، دیوید گین، هارمن استین ویک و دیگران. بهترین نمونه ها"Vanitas" داستان های ترسناک ساده ای نیستند، آنها ترسی غیرقابل پاسخگویی را برانگیخته نمی کنند، بلکه تفکری آرام و خردمندانه را در بر می گیرند و پر از افکار در مورد مهمترین مسائل هستی هستند.

نقاشی های ترفند

نقاشی‌ها محبوب‌ترین دکوراسیون داخلی هلند از اواخر قرون وسطی هستند که جمعیت رو به رشد شهرها می‌توانستند از پس آن برآیند. برای جلب توجه خریداران، هنرمندان به ترفندهای مختلفی متوسل شدند. اگر مهارت آنها اجازه می داد، آنها "trompe l'oeil" یا "trompe l'oeil" را از trompe-l'oeil فرانسوی ایجاد کردند - یک توهم نوری. نکته این بود که یک طبیعت بی جان هلندی معمولی - گل ها و میوه ها مرده است. پرندگان و ماهی ها یا اشیاء مرتبط با علم - کتاب ها، ابزارهای نوری و غیره - حاوی یک توهم کامل از واقعیت بودند: کتابی که از فضای تصویر خارج شده و در شرف سقوط است، مگسی که بر روی گلدانی که می خواهید به آن ضربه بزنید - موضوعات معمولی برای یک نقاشی فریبنده.

نقاشی های استادان برجسته زندگی در سبک Trompe l'Oeil - جرارد دو ، ساموئل ون هوگستراتن و دیگران - غالباً طاقچه ای را که با قفسه هایی که در آن انبوهی از چیزهای مختلف وجود دارد ، به درون دیوار نشان می دهد. مهارت فنی هنرمند در انتقال بافت ها و سطوح، نور و سایه به حدی بود که دست خود را به سمت کتاب یا لیوان می برد.

زمان اوج و غروب آفتاب

در اواسط قرن هفدهم، انواع اصلی طبیعت بی جان در نقاشی های استادان هلندی به اوج خود رسید. زندگی "لوکس" هنوز هم محبوبیت پیدا می کند ، زیرا رفاه سارقان در حال رشد و ظروف غنی است ، پارچه های گرانبها و فراوانی مواد غذایی در فضای داخلی یک خانه شهری یا یک ملک غنی روستایی بیگانه به نظر نمی رسند.

اندازه نقاشی ها افزایش می یابد، آنها با تعداد بافت های مختلف شگفت زده می شوند. در عین حال، نویسندگان به دنبال راه هایی برای افزایش سرگرمی برای بیننده هستند. برای دستیابی به این هدف ، زندگی سنتی هلندی هنوز - با میوه و گل ، غنائم شکار و غذاهای مواد مختلف - توسط حشرات عجیب و غریب یا حیوانات و پرندگان کوچک تکمیل می شود. علاوه بر ایجاد انجمن های تمثیلی معمول، هنرمند اغلب آنها را صرفاً به خاطر معرفی می کند احساسات مثبت، برای افزایش جذابیت تجاری قطعه.

کارشناسی ارشد "زندگی لوکس هنوز" - یان ون هویسم ، جان دیویدز د هیم ، فرانسوا رایشالس ، ویلم کالف - هنگامی که افزایش تزئینات و ایجاد یک تصور چشمگیر مهم شد ، به عنوان هجوم کولف تبدیل شد.

پایان دوران طلایی

اولویت ها و مد تغییر کرد، تأثیر تعصبات مذهبی در انتخاب موضوعات برای نقاشان به تدریج به گذشته تبدیل شد و خود مفهوم عصر طلایی که نقاشی هلندی می دانست به گذشته تبدیل شد. طبیعت بی جان به عنوان یکی از مهم ترین و تاثیرگذارترین صفحات وارد تاریخ این دوران شد.

همراه با نقاشی منظره، طبیعت بی جان که با شخصیت صمیمی خود متمایز بود، در قرن هفدهم هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، می دانستند که چگونه آنها را به طور کامل مرتب کنند، و ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است، آشکار می کنند.
نقاشان هلندی قرن هفدهم، Pieter Claes (حدود 1597 - 1661) و Willem Heda (1594-1680/1682) نسخه های متعددی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، پای شاه توت، لیوان های شکننده را روی نیمه پر از شراب به تصویر می کشیدند. جدول، با ماهرانه شگفت انگیز انتقال رنگ، حجم، بافت هر آیتم. حضور اخیر یک فرد در این اختلال قابل توجه است، تصادفی بودن چیدمان چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده است. اما این اختلال فقط ظاهری است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان کاملاً فکر شده و پیدا شده است. یک پالت تونال مایل به خاکستری مایل به زیتونی محدود، اشیا را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان کلاس و خدا جای خود را به "دسر" می دهد. هنرمندان هلندیآبراهام ون بیرن (1620/1621-1690) و ویلم کالف (1622-1693). طبیعت های بی جان Beyeren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی و رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک - گلدان ها، سبزیجات و طبیعت های بی جان اشرافی را در انتخاب اشیاء گرانبها نفیس، پر از اشراف محدود، مانند ظروف نقره ای، فنجان ها، صدف های اشباع شده با احتراق داخلی نقاشی کرد. رنگ ها
که در پیشرفتهای بعدیطبیعت بی جان همان مسیر هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با وجود تمام تزئینات و اجرای ماهرانه‌شان، زندگی بی‌جان‌های متأخر، افول نقاشی هلندی را پیش‌بینی می‌کنند.
انحطاط اجتماعی و اشراف شناخته شده بورژوازی هلند در ثلث پایانی قرن هفدهم باعث ایجاد گرایش به نزدیکی با دیدگاه های زیبایی شناختیاشراف فرانسوی، منجر به ایده آل سازی تصاویر هنری و کاهش آنها می شود. هنر در حال از دست دادن ارتباط با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی مدت است. هلند که در جنگ با انگلستان به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و یک مرکز هنری بزرگ از دست می دهد.

اثر فرانس هالس و پرتره هلندی نیمه اول قرن هفدهم.

فرانس هالس(هلندی فرانس هالس، IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583، آنتورپ - 1666، هارلم) - یک نقاش برجسته پرتره از به اصطلاح عصر طلایی هنر هلندی.

• 1 بیوگرافی
• 2 حقایق جالب
• 3 گالری
• 4 یادداشت
• 5 ادبیات
• 6 پیوند

زندگینامه

"پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش"

هالس در حدود 1582-1583 در بافنده فلاندری فرانسوا فرانس هالس ون مچلن و همسر دومش آدریانته متولد شد. در سال 1585، پس از سقوط آنتورپ، خانواده هالس به هارلم نقل مکان کردند، جایی که این هنرمند تمام زندگی خود را در آنجا گذراند.

در سالهای 1600-1603، این هنرمند جوان با کارل ون مندر مطالعه کرد، اگرچه تأثیر این نماینده رفتارگرایی در آثار بعدی هالز مشاهده نمی شود. در سال 1610، هالز به عضویت انجمن صنفی St. لوک و به عنوان مرمتگر در شهرداری شهر شروع به کار می کند.

هالز اولین پرتره خود را در سال 1611 خلق کرد، اما شهرت هالز پس از ساختن نقاشی "ضیافت افسران گروه تفنگ سنت. جورج» (1616).

در سال 1617 با لیزبث راینرز ازدواج کرد.

سبک اولیه هالز با تمایل به تن های گرم و مدل سازی واضح فرم ها با استفاده از ضربات سنگین و متراکم مشخص می شد. در دهه 1620، هالز، همراه با پرتره‌ها، صحنه‌ها و ترکیب‌بندی‌های ژانری را با مضامین مذهبی نقاشی می‌کرد ("انجیلی لوک"، "انجلیست متی"، حدود 1623-1625).

"کولی" لوور، پاریس

در سال های 1620-1630. هالز نوشت کل خطپرتره هایی که نمایندگان مردم عادی را در حال انفجار انرژی حیاتی نشان می دهد ("جستر با عود"، 1620-1625، "همراه با نوشیدنی شاد"، "مال بابی"، "زن کولی"، "مولاتو"، "پسر ماهیگیر"؛ همه - حدود سال 1630).

تنها پرتره تمام قد پرتره ویلم هیتویسن (1625-1630) است.

"در همان دوره، هالس به طور اساسی پرتره گروهی را اصلاح کرد، سیستم های مرسوم ترکیب بندی را شکست، عناصر موقعیت های زندگی را در آثار وارد کرد، و ارتباط مستقیم بین تصویر و بیننده را تضمین کرد ("ضیافت افسران تفنگ سنت آدریان" شرکت، حدود 1623-27؛ «ضیافت گروهان افسران تفنگ سنت جورج»، 1627، «پرتره گروهی گروهان تفنگ سنت آدریان»، 1633؛ «افسران گروهان تفنگ سنت جورج»، 1639 ). هالس که نمی‌خواست هارلم را ترک کند، دستورات را رد کرد، اگر این به معنای رفتن به آمستردام بود. تنها پرتره گروهی که او در آمستردام شروع کرد باید توسط هنرمند دیگری تکمیل می شد.

در سال های 1620-1640، زمان محبوبیت، هالس مطالب زیادی نوشت پرتره های دوتایی زوج های ازدواج کرده: شوهر در پرتره سمت چپ و زن در سمت راست است. تنها نقاشی که این زوج در کنار هم به تصویر کشیده شده اند، «پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش» (1622) است.

"سرنشینان خانه سالمندان"

در سال 1644 هالز رئیس انجمن صنفی سنت. لوک در سال 1649 پرتره ای از دکارت کشید.

« ویژگی های روانیپرتره های دهه 1640 را بررسی کنید. ("The Regents of St. Elizabeth's Hospital"، 1641، پرتره مرد جوان, در حدود 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", حدود 1645); در رنگ آمیزی این آثار، لحن خاکستری نقره ای شروع به غالب شدن می کند. بعدها کار می کندخالسا به صورت کاملا رایگان انجام می شود و به صورت یدکی حل می شود طرح رنگی، ساخته شده بر روی تضاد رنگ های سیاه و سفید ("مردی در لباس سیاه"، حدود 1650-52، "V. Cruz،" حدود 1660); برخی از آنها احساس بدبینی عمیقی از خود نشان دادند ("مسلمانان خانه برای سالمندان"، "مقامات خانه برای سالمندان"، هر دو 1664).

هالس در دوران پیری از دریافت دستورات دست کشید و در فقر فرو رفت. این هنرمند در 26 اوت 1666 در خانه صدقه هارلم درگذشت.

بزرگترین مجموعه از نقاشی های این هنرمند متعلق به موزه هالز در هارلم است.

بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی فرانس هالس (هالز) (حدود 1580-1666) بود که میراث هنری او با وضوح و قدرت تسخیر دنیای درونی یک شخص، بسیار فراتر از فرهنگ ملی هلند است. او هنرمندی با جهان بینی گسترده، مبتکر شجاع، قوانین پرتره طبقاتی (نجیب) را که قبل از او در قرن شانزدهم پدیدار شده بود، نابود کرد. او به شخصی که مطابق با موقعیت اجتماعی او در یک ژست باشکوه و لباس تشریفاتی به تصویر کشیده می شود علاقه مند نبود، بلکه به شخصی با تمام ذات طبیعی، شخصیت، با احساسات، عقل، عواطفش علاقه مند بود. در پرتره‌های هالز، همه لایه‌های جامعه نشان داده می‌شوند: شهربازان، تفنگداران، صنعتگران، نمایندگان طبقات فرودست؛ همدردی‌های خاص او در کنار طبقه‌های پایین‌تر است و در تصاویر آنها عمق یک استعداد قدرتمند و پر خون را نشان می‌دهد. دموکراسی هنر او به دلیل ارتباط با سنت های دوران انقلاب هلند است. هالز قهرمانان خود را بدون تزیین، با اخلاقیات نامتعارف و عشق قدرتمندشان به زندگی به تصویر کشید. هالز دامنه پرتره را با معرفی عناصر طرح، به تصویر کشیدن آنهایی که در عمل و به صورت بتن به تصویر کشیده شده است، گسترش داد. وضعیت زندگیبا تاکید بر حالات چهره، حرکات، حالت ها، فورا و با دقت ثبت شده است. این هنرمند به دنبال شدت عاطفی و سرزندگی ویژگی های کسانی بود که به تصویر کشیده می شد و انرژی سرکوب ناپذیر آنها را منتقل می کرد. هالز نه تنها پرتره‌های سفارشی فردی و گروهی را اصلاح کرد، بلکه خالق پرتره‌ای هم مرز با ژانر روزمره بود.
هالز در آنتورپ به دنیا آمد، سپس به هارلم نقل مکان کرد، جایی که تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. او فردی بشاش، اجتماعی، مهربان و بی خیال بود. شخصیت خلاق خلسا در اوایل دهه 20 قرن هفدهم شکل گرفت. پرتره های گروهی افسران شرکت تفنگ سنت جورج (1627، هارلم، موزه فرانس هالس) و شرکت تفنگ سنت آدریان (1633، همانجا) محبوبیت زیادی برای او به ارمغان آورد. افراد قوی و پرانرژی که در مبارزات آزادیبخش علیه فاتحان اسپانیایی شرکت فعال داشتند در طول جشن ارائه می شوند. خلق و خوی شاد با طنز افسران شخصیت ها و رفتارهای مختلف را متحد می کند. اینجا شخصیت اصلی وجود ندارد. همه حاضران در جشن شرکت کننده برابر هستند. هالز بر ارتباط صرفاً بیرونی شخصیت های مشخصه پرتره های پیشینیان خود غلبه کرد. وحدت ترکیب نامتقارن با ارتباط پر جنب و جوش، آزادی آرام در چیدمان فیگورها، با ریتمی موج مانند به دست می آید.
قلم موی پرانرژی هنرمند حجم فرم ها را با درخشندگی و استحکام حجاری می کند. جریان ها نور خورشیدسر خوردن روی صورت، درخشش در توری و ابریشم، درخشش در عینک. پالت رنگارنگ که کت و شلوارهای مشکی و یقه‌های سفید بر آن تسلط دارند، توسط طلسم‌های افسری طلایی-زرد، بنفش، آبی و صورتی رنگارنگ جان می‌گیرد. همبرگرهای هلندی پر از عزت نفس و در عین حال آزاد و آرام، با ژست‌ها، در پرتره‌های هالز ظاهر می‌شوند و حالتی فوراً تسخیر شده را منتقل می‌کنند. افسری با کلاه لبه گشاد، با بازوهای آکیمبو، لبخند تحریک آمیزی می زند (1624، لندن، مجموعه والاس). طبیعی بودن و سرزندگی ژست ها، تیز بودن شخصیت پردازی و بالاترین مهارت در استفاده از تضاد سفید و سیاه در نقاشی گیرا است.
پرتره های هالز از نظر مضامین و تصاویر متنوع است. اما کسانی که به تصویر کشیده می شوند متحد هستند ویژگی های مشترک: یکپارچگی طبیعت، عشق به زندگی. هالز نقاش خنده، لبخندی شاد و عفونی است. این هنرمند با شادی درخشان، چهره نمایندگان مردم عادی، بازدیدکنندگان میخانه ها و جوجه های خیابانی را زنده می کند. شخصیت‌های او به درون خود فرو نمی‌روند، نگاه‌ها و حرکات خود را به سمت تماشاگر معطوف می‌کنند.
تصویر "کولی" (حدود 1630، پاریس، لوور) مملو از یک نفس آزادیخواهانه است. هالس موقعیت مغرور سرش در هاله ای از موهای کرکی، لبخند فریبنده اش، درخشش چشمانش و بیان استقلال او را تحسین می کند. طرح ارتعاشی شبح، پرتوهای کشویی نور، ابرهای جاری، که کولی در برابر آنها به تصویر کشیده شده است، تصویر را با هیجان زندگی پر می کند. پرتره Malle Babbe (اوایل دهه 1630، برلین - Dahlem، گالری هنر) ، صاحب میخانه ، که به طور تصادفی لقب "جادوگر هارلم" را ندارد ، به یک صحنه ژانر کوچک تبدیل می شود. یک پیرزن زشت با یک نگاه سوزش و حیله گر ، به شدت چرخانده و پوزخند می خورد ، گویی که به یکی از معمولی های میخانه خود پاسخ می دهد. یک جغد شوم در یک شبح تاریک روی شانه اش قرار می گیرد. وضوح ، بینایی ، قدرت تاریک و نشاط و نشاط از تصویری که او ایجاد کرده جالب است. عدم تقارن ترکیب ، پویایی و غنای سکته های زاویه ای اضطراب صحنه را تقویت می کند.
تا اواسط قرن 17 ، تغییراتی که در جامعه هلند رخ داده بود به وضوح قابل مشاهده بود. همانطور که موقعیت بورژوازی که ارتباط خود را با توده ها از دست داده است، در آن تقویت می شود، خصلت محافظه کارانه فزاینده ای پیدا می کند. نگرش مشتریان بورژوا نسبت به هنرمندان رئالیست. هالس همچنین محبوبیت خود را از دست داد ، که هنر دموکراتیک او با بورژوازی دژنراسیون بیگانه شد ، که پس از شیوه اشرافی عجله کرد.
خوش بینی تأیید کننده زندگی استاد با تفکر عمیق ، طنز ، تلخی و شک و تردید جایگزین شد. واقع گرایی او از نظر روانشناختی عمیق تر و انتقادی تر شد ، مهارت او تصفیه و کامل تر شد. رنگ خالسا نیز تغییر یافت و محدودیت بیشتری به دست آورد. در محدوده خاکستری نقره‌ای غالب، در میان سیاه و سفید، لکه‌های کوچک با دقت رنگ صورتی یا قرمز، صدای خاصی پیدا می‌کنند. احساس تلخی و ناامیدی در «پرتره مردی با لباس سیاه» (حدود 1660، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، که در آن لطیف ترین سایه های رنگارنگ چهره غنی شده و در کنار افراد مهار شده، زنده می شود، قابل لمس است. رنگ های سیاه و سفید تک رنگ.
بالاترین دستاورد هالز، آخرین پرتره گروهی او از نایب‌ها و نایب‌ها (متولیان) یک خانه سالمندان است که در سال 1664، دو سال قبل از مرگ هنرمندی که به تنهایی در پناهگاه به زندگی خود پایان داد، اعدام شد. پر از غرور، سرد و ویران، تشنه قدرت و مغرور، متولیان قدیمی روی میز نشسته از گروه "پرتره نایب السلطنه خانه ای برای سالمندان" (هارلم، موزه فرانس هالس. دست هنرمند قدیمی بدون اشتباه حرکات آزاد و سریع را با دقت اعمال می کند. ترکیب آرام و سختگیرانه شده است. پراکندگی فضا، چیدمان فیگورها، نور منتشر شده یکنواخت، که به طور یکسان همه تصاویر را روشن می کند، به تمرکز توجه بر ویژگی های هر یک از آنها کمک می کند. رنگ این طرح لاکونیک با غالب رنگهای سیاه ، سفید و خاکستری است. پرتره های اواخرهالز در کنار چشمگیرترین خلاقیت های پرتره جهان قرار دارد: آنها از نظر روانشناسی به پرتره های بزرگترین نقاشان هلندی نزدیک هستند - رامبراند که مانند هالز شهرت مادام العمر خود را با درگیری با نخبگان بورژوازی جامعه هلند تجربه کرد. .

فرانس هالس در حدود سال 1581 در آنتورپ در خانواده ای بافنده به دنیا آمد. در جوانی به هارلم آمد و تقریباً تا زمان مرگش در آنجا زندگی کرد (در سال 1616 از آنتورپ و در اواسط دهه 1630 - آمستردام بازدید کرد). اطلاعات کمی در مورد زندگی هالس وجود دارد. در سال 1610 وارد انجمن صنفی سنت لوک شد و در سال 1616 وارد اتاق بلاغت (بازیگران آماتور) شد. خیلی سریع هالس به یکی از مشهورترین نقاشان پرتره در هارلم تبدیل شد.
در قرون XV-XVI. در نقاشی هلند، سنت نقاشی پرتره فقط از نمایندگان محافل حاکم، افراد مشهور و هنرمندان وجود داشت. هنر هالز عمیقاً دموکراتیک است: در پرتره‌های او می‌توانیم یک اشراف، یک شهروند ثروتمند، یک صنعتگر و حتی یک فرد را از پایین ببینیم. این هنرمند سعی نمی کند آنچه را که به تصویر کشیده شده ایده آل کند ؛ نکته اصلی برای او طبیعی بودن و منحصر به فرد بودن آنها است. اشراف او مانند نمایندگان اقشار فرودست جامعه آرام رفتار می کنند که در نقاشی های خلص به عنوان افرادی شاد و تهی از عزت نفس به تصویر کشیده شده اند.
مکان عالیاین پرتره گروه مکانی را در کار این هنرمند اشغال می کند. بهترین آثار این ژانر پرتره های افسران شرکت Rifle St. George (1627) و شرکت تفنگ سنت هادریان (1633) بود. هر یک از شخصیت های نقاشی شخصیت خود را دارند شخصیت روشن، و در عین حال این آثار با یکپارچگی آنها متمایز می شوند.
هالز همچنین پرتره‌های سفارشی را ترسیم کرد که بورگرهای ثروتمند و خانواده‌هایشان را در حالت‌هایی آرام نشان می‌دادند ("پرتره آیزاک ماسا"، 1626؛ "پرتره هتویزن،" 1637). تصاویر هالس پر جنب و جوش و پویا است ؛ به نظر می رسد که افراد موجود در پرتره ها با یک همکار نامرئی صحبت می کنند یا به بیننده می پردازند.
نمایندگان محیط مردمی در پرتره های KHALS با بیان واضح و خودجوش بودن آنها متمایز می شوند. در تصاویر پسران خیابانی ، ماهیگیران ، نوازندگان و بازدید کنندگان میخانه ، می توان همدلی و احترام نویسنده را احساس کرد. "کولی" او قابل توجه است. به نظر می رسد زن جوان خندان به طرز شگفت آور زنده است ، نگاه حیرت انگیز او به واسطهگر خود ، برای مخاطبان نامرئی است. HALS مدل خود را ایده آل نمی کند ، اما تصویر یک کولی شاد و ناامید با جذابیت دلپذیر خود لذت می برد.
اغلب، پرتره های هالس شامل عناصر یک صحنه ژانر است. این تصاویر کودکانی است که در حال آواز خواندن یا بازی هستند آلات موسیقی("پسران آوازخوان"، 1624-1625). نمایش معروف "Malle Babbe" (اوایل دهه 1630) با همین روحیه اجرا شد که نماینده یک میخانه دار معروف در هارلم بود که بازدیدکنندگان او را جادوگر هارلم پشت سر او می نامیدند. این هنرمند تقریباً به طرز عجیبی زنی را با یک لیوان آبجو بزرگ و یک جغد روی شانه خود به تصویر کشید.
در دهه 1640. کشور نشانه هایی از یک نقطه عطف را نشان می دهد. تنها چند دهه از پیروزی انقلاب می گذرد و بورژوازی دیگر طبقه ای مترقی بر اساس سنت های دموکراتیک نیست. راستگو بودن نقاشی HALS دیگر مشتری های ثروتمندی را که می خواهند خود را در پرتره ها بهتر از آنچه واقعاً هستند ، جذب می کنند ، جذب نمی کند. اما هولس رئالیسم را رها نکرد و محبوبیت او به شدت کاهش یافت. در نقاشی این دوره ، یادداشت های غم و اندوه و ناامیدی ظاهر می شود ("پرتره یک مرد در یک کلاه پهن"). پالت او سخت تر و آرام تر می شود.
در سن 84 سالگی ، هالس دو تا از شاهکارهای خود را ایجاد کرد: پرتره های گروهی از رجنتس (معتمدان) و ریجنت های یک خانه سالمندان (1664). اینها آخرین آثارآثار استاد هلندی با احساسات و فردیت واضح تصاویر وی متمایز است. تصاویر رجنتس - پیرمردها و زنان - غم و اندوه و مرگ را برآورده می کنند. این احساس همچنین توسط طرح رنگ به رنگ سیاه ، خاکستری و سفید تأکید می شود.
هالز در سال 1666 در فقر عمیق درگذشت. هنر صادقانه و مؤید زندگی او تأثیر زیادی بر بسیاری از هنرمندان هلندی گذاشت.

نقاشی رامبراند.

Rembrandt ون ریجن را هارم می کند(هلندی رامبراند هارمنزون ون راین[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin]، 1606-1669) - هنرمند هلندی، نقشه کش و حکاکی، استاد بزرگ chiaroscuro، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. او توانست در آثارش تمام طیف تجربیات انسانی را با چنان غنای عاطفی که هنرهای زیبا قبلاً ندیده بود مجسم کند. آثار رامبراند که از نظر ژانر بسیار متنوع هستند، دنیای معنوی بی‌زمان تجربیات و احساسات انسانی را برای بیننده آشکار می‌کنند.

• 1 بیوگرافی
• 1.1 سال کارآموزی
• 1.2 تأثیر Lastman و Caravaggists
• 1.3 کارگاه آموزشی در لیدن
• 1.4 خروجی تیپ خود
• 1.5 موفقیت در آمستردام
• 1.6 گفتگو با ایتالیایی ها
• 1.7 "نگهبان شب"
• 1.8 دوره گذار
• 1.9 رامبراند متاخر
• 1.10 کارهای اخیر
• 2 مشکلات اسناد
• 3 شاگردان رامبراند
• 4 شهرت پس از مرگ
• 5 در سینما
• 6 یادداشت
• 7 پیوند

زندگینامه

سالهای کارآموزی

رامبراند هارمنزون ("پسر هارمن") ون راین در 15 ژوئیه 1606 (بر اساس برخی منابع، در سال 1607) در خانواده بزرگ صاحب آسیاب ثروتمند Harmen Gerritszoon van Rijn در لیدن متولد شد. حتی پس از انقلاب هلند، خانواده مادر به مذهب کاتولیک وفادار ماندند.

"تمثیل موسیقی" 1626 - نمونه ای از تأثیر لاستمن بر رامبراند جوان

رامبراند در لیدن به مدرسه لاتین دانشگاه رفت، اما بیشترین علاقه را به نقاشی نشان داد. در سن 13 سالگی، او برای تحصیل هنرهای زیبا نزد نقاش تاریخی لیدن، یعقوب ون سواننبرخ، یک کاتولیک با ایمان فرستاده شد. آثار رامبراند در این دوره توسط محققان شناسایی نشده است و سؤال تأثیر سواننبرخ در توسعه سبک خلاقانه او همچنان باز است: امروزه اطلاعات کمی در مورد این هنرمند لیدن وجود دارد.

در سال 1623، رامبراند در آمستردام نزد پیتر لاستمن، که در ایتالیا آموزش دیده بود و در موضوعات تاریخی، اساطیری و کتاب مقدس تخصص داشت، تحصیل کرد. رامبراند با بازگشت به لیدن در سال 1627، همراه با دوستش یان لیونز، کارگاه خود را افتتاح کرد و شروع به جذب دانشجویان کرد. در عرض چند سال او شهرت قابل توجهی به دست آورد.

النا کونکوا نماینده روشن نخبگان فکری مدرن است که روح عصر (یا اگر ترجیح می دهید Zeitgeist) آن را به اشکال پر زرق و برق درآورده است و محتوای درونی را فراموش نمی کند.

در این فیلم، او در مورد جنبه‌های عرفانی نقاشی اروپایی صحبت می‌کند، معنای مخفی رمزگذاری شده در ویژگی‌های ترسناک، خنده‌دار و ساده طبیعت بی‌جان هلندی را فاش می‌کند و با ظرافت از همه دعوت می‌کند تا شروع به جمع‌آوری این نوع هنرهای زیبا یا نقاشی به عنوان نقاشی کنند. چنین...


در زیر مطالبی وجود دارد که کمی مکمل مجموعه تصویری ایجاد شده توسط خانم کونکوا در متن چاپ شده است.

بنابراین، در سال 1581، ساکنان هلند شمالی، پس از سال ها جنگ برای رهایی از سلطه اسپانیا، جمهوری مستقل استان های متحد را اعلام کردند. در میان آنها در اقتصادی و بطور فرهنگیهلند پیشتاز بود، بنابراین به زودی کل کشور به این نام خوانده شد. ساختار اجتماعیهلند جدید در مقایسه با قرن شانزدهم کمی تغییر کرد، اما تغییرات قابل توجهی در زندگی معنوی به دنبال داشت. کالوینیسم به دین دولت تبدیل شد. این آموزه نمادها و هنر کلیسا را ​​به طور کلی به رسمیت نمی شناخت (این جنبش در پروتستانیسم به نام بنیانگذار آن، متکلم فرانسوی جان کالوین (1509-1564) نامگذاری شده است.

هنرمندان هلندی ناگزیر مجبور شدند مضامین مذهبی را کنار بگذارند و به دنبال موضوعات جدید بگردند. آنها به واقعیت اطراف خود روی آوردند، به اتفاقات روزمره ای که هر روز در اتاق کناری یا خیابان بعدی رخ می داد. و مشتریان - اغلب نه اشراف‌زاده‌ها، بلکه بورگرهایی با تحصیلات ضعیف - بیشتر به آثار هنری ارزش می‌دادند زیرا «درست مثل زندگی» بودند.

تابلوها به کالاهای بازار تبدیل شدند و رفاه نقاش کاملاً به توانایی او در جلب رضایت مشتری بستگی داشت. بنابراین، هنرمند تمام زندگی خود را صرف بهبود در یک ژانر خاص کرد. حال و هوایی که در آثار نفوذ می کند مدرسه هلندی، و حتی فرمت کوچک آنها به عنوان یک قاعده نشان می دهد که بسیاری از آنها برای کاخ ها در نظر گرفته نشده بودند، بلکه برای اتاق های نشیمن ساده و خطاب به مردم عادی بودند.

طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم. با غنای مضامین خود شگفت زده می شود. در هر مرکز هنری کشور، نقاشان ترکیب های خود را ترجیح می دادند: در اوترخت - از گل ها و میوه ها، در لاهه - از ماهی. در هارلم صبحانه‌های ساده نوشتند، در آمستردام - دسرهای مجلل، و در دانشگاه لیدن - کتاب‌ها و اشیاء دیگر برای مطالعه علم یا نمادهای سنتی غرور دنیوی - جمجمه، شمع، ساعت شنی.

در طبیعت‌های بی‌جان که به اوایل قرن هفدهم برمی‌گردد، اشیا به ترتیبی دقیق چیده می‌شوند، مانند نمایشگاه‌های موجود در ویترین موزه. در چنین نقاشی هایی جزئیات وقف شده است معنای نمادین. سیب یادآور سقوط آدم است و انگور یادآور قربانی کفاره مسیح است. صدف صدفی است که توسط موجودی که زمانی در آن زندگی می کرده به جا گذاشته است؛ گل های پژمرده نماد مرگ هستند. پروانه ای که از پیله به دنیا می آید به معنای رستاخیز است. به عنوان مثال، نقاشی های بالتاسار ون در آست (1590-1656) از این قبیل است.

برای هنرمندان نسل بعدی، چیزها دیگر آنقدر یادآور حقایق انتزاعی نیستند، بلکه بیشتر در خدمت خلق تصاویر هنری مستقل هستند. در نقاشی های خود، اشیاء آشنا زیبایی خاصی را به دست می آورند که قبلاً به آن توجه نشده بود. پیتر کلاس، نقاش هارلم (1597-1661) به طرز ماهرانه ای بر منحصر به فرد بودن هر ظرف، لیوان، قابلمه تاکید می کند و محله ایده آلی را برای هر یک از آنها پیدا می کند. طبیعت بی جان هموطنش ویلم کلاس هدا (حدود 1594 - حدود 1680) مملو از بی نظمی زیبا است. او اغلب می‌نوشت: «صبحانه‌های منقطع». یک سفره مچاله، اقلام سرو مخلوط، غذایی که به سختی لمس شده است - همه چیز در اینجا یادآور حضور اخیر یک شخص است. این نقاشی‌ها با نقاط مختلف نور و سایه‌های چند رنگ روی شیشه، فلز و بوم جان می‌بخشند ("صبحانه با خرچنگ"، 1648).

در نیمه دوم قرن هفدهم. طبیعت بی جان هلندی، مانند منظره، دیدنی تر، پیچیده تر و رنگارنگ تر شد. نقاشی های آبراهام ون بیرن (1620 یا 1621-1690) و ویلم کالف (1622-1693) اهرام عظیمی از ظروف گران قیمت و میوه های عجیب و غریب را به تصویر می کشد. در اینجا می‌توانید نقره‌ای تعقیب‌شده، سفال‌های سفید و آبی، جام‌هایی از صدف‌های دریایی، گل‌ها، خوشه‌های انگور و میوه‌های نیمه‌پوست پیدا کنید.

می‌توان گفت که زمان مانند لنز دوربین عمل می‌کند: با تغییر فاصله کانونی، مقیاس تصویر تغییر می‌کند تا جایی که فقط اشیا در کادر باقی می‌مانند و فضای داخلی و شکل‌ها از تصویر بیرون رانده می‌شوند. طبیعت بی جان "طبیعت بی جان" را می توان در بسیاری از نقاشی های هنرمندان هلندی قرن شانزدهم یافت. به راحتی می توان یک میز را تصور کرد پرتره خانواده» مارتین ون هیمسکرک (حدود 1530. موزه های دولتی، کاسل) یا گلدانی با گل از ترکیب یان بروگل بزرگ. خود یان بروگل چنین کاری کرد و در کتاب خود نوشت اوایل XVII V. اولین طبیعت بی جان مستقل گل. آنها در حدود سال 1600 ظاهر شدند - این زمان به عنوان تاریخ تولد ژانر در نظر گرفته می شود.

در آن لحظه هیچ کلمه ای برای تعریف آن وجود نداشت. اصطلاح "طبیعت بی جان" در قرن هجدهم در فرانسه به وجود آمد. و در لغت به معنای «طبیعت مرده»، «طبیعت مرده» (Nature morte) ترجمه شده است. در هلند، نقاشی هایی که اشیاء را به تصویر می کشند "stilleven" نامیده می شدند که می توان آن را هم به عنوان "طبیعت بی حرکت، مدل" و هم به عنوان "زندگی آرام" ترجمه کرد که با دقت بیشتری ویژگی های طبیعت بی جان هلندی را منتقل می کند. اما این مفهوم کلیفقط از سال 1650 مورد استفاده قرار گرفت و قبل از آن زمان نقاشی ها با توجه به موضوع تصویر نامیده می شدند: blumentopf - یک گلدان با گل، banketje - یک میز تنظیم شده، میوه - میوه ها، toebackje - زندگی بی جان با لوازم جانبی سیگار، doodshoofd - نقاشی با جمجمه از قبل از این فهرست مشخص است که تنوع اشیاء به تصویر کشیده شده چقدر زیاد بوده است. در واقع، به نظر می رسید که تمام دنیای عینی اطراف آنها بر روی نقاشی های هنرمندان هلندی ریخته شده است.

در هنر، این به معنای انقلابی کمتر از انقلابی بود که هلندی‌ها در حوزه اقتصادی و اجتماعی انجام دادند و از قدرت اسپانیای کاتولیک استقلال گرفتند و اولین دولت دموکراتیک را ایجاد کردند. در حالی که معاصران آنها در ایتالیا، فرانسه، اسپانیا بر خلق ترکیبات مذهبی عظیم برای محراب کلیساها، بوم ها و نقاشی های دیواری با موضوعات اساطیر باستان تمرکز داشتند. تالارهای کاخهلندی‌ها نقاشی‌های کوچکی با مناظر گوشه‌ای از مناظر بومی‌شان می‌کشیدند، می‌رقصیدند در جشنواره‌های روستایی یا کنسرت‌های خانگی در خانه همبرگر، صحنه‌هایی در میخانه‌های روستایی، در خیابان یا خانه‌های ملاقات، میزهایی با صبحانه یا دسر می‌گذاشتند. ، یعنی طبیعتی "کم" و بی ادعا که تحت الشعاع سنت شعری باستانی یا رنسانس نیست، به جز شعر معاصر هلندی. تضاد با بقیه اروپا فاحش بود.

نقاشی‌ها به ندرت بنا به سفارش خلق می‌شدند، اما عمدتاً آزادانه در بازارها برای همه فروخته می‌شدند و برای تزئین اتاق‌ها در خانه‌های ساکنان شهرها و حتی ساکنان روستایی - کسانی که ثروتمندتر بودند - در نظر گرفته شدند. بعداً در هجدهم و قرن XIXهنگامی که زندگی در هلند دشوارتر و کمیاب تر شد، این مجموعه های نقاشی خانگی به طور گسترده در حراج فروخته شد و مشتاقانه برای مجموعه های سلطنتی و اشرافی در سراسر اروپا خریداری شد، از جایی که در نهایت به آنجا مهاجرت کردند. بزرگترین موزه هاصلح زمانی که در اواسط 19th V. هنرمندان در همه جا به تصویر کشیدن واقعیت پیرامون خود روی آوردند، نقاشی هایی از استادان هلندی قرن هفدهم. در همه ژانرها به عنوان الگویی برای آنها عمل کرد.

یکی از ویژگی های نقاشی هلندی تخصص هنرمندان بر اساس ژانر بود. در ژانر طبیعت بی جان، حتی به تم های جداگانه تقسیم می شد و شهرهای مختلف انواع مورد علاقه خود را از طبیعت بی جان داشتند و اگر نقاش به شهر دیگری نقل مکان می کرد، اغلب به طور ناگهانی هنر خود را تغییر می داد و شروع به نقاشی آن گونه ها می کرد. از ژانری که در آن مکان محبوب بودند.

هارلم زادگاه شد ظاهر مشخصهطبیعت بی جان هلندی - "صبحانه". نقاشی های Peter Claes یک میز چیده شده با ظروف و ظروف را به تصویر می کشد. یک بشقاب حلبی، یک شاه ماهی یا ژامبون، یک نان نان، یک لیوان شراب، یک دستمال مچاله، یک لیمو یا شاخه ای از انگور، کارد و چنگال - انتخاب ناچیز و دقیق اقلام، تصور یک میز را برای یک نفر ایجاد می کند. وجود یک فرد با اختلال "خیلی" که در چیدمان اشیاء وارد شده است، و فضای یک فضای داخلی مسکونی دنج، که با انتقال یک محیط نور-هوا به دست می آید، نشان داده می شود. لحن غالب مایل به خاکستری مایل به قهوه ای اشیاء را در یک تصویر واحد متحد می کند، در حالی که طبیعت بی جان خود بازتابی از سلیقه و سبک زندگی فرد می شود.

یکی دیگر از ساکنان هارلم، ویلم هدا، به همان شیوه کلاس کار می کرد. رنگ‌آمیزی نقاشی‌های او حتی بیشتر تابع یکپارچگی تون است؛ رنگ نقره‌ای خاکستری بر آن غالب است که با تصویر ظروف نقره یا اسپند تنظیم شده است. برای این محدودیت رنگارنگ، نقاشی ها شروع به نامیدن "صبحانه های تک رنگ" کردند.

در اوترخت، طبیعت بی جان گلی سرسبز و زیبا توسعه یافت. نمایندگان اصلی آن یان داویدز د هیم، یوستوس ون هویسوم و پسرش یان ون هویسوم هستند که به دلیل دقت در نوشتن و رنگ آمیزی روشن مشهور شد.

در لاهه، مرکز ماهیگیری دریایی، پیتر دو پوتر و شاگردش آبراهام ون بیرن تصویر ماهی و دیگر ساکنان دریا را به کمال رساندند؛ رنگ نقاشی های آنها با درخشش فلس ها می درخشد، که در آن لکه های صورتی، قرمز و رنگ های آبی چشمک می زنند دانشگاه لیدن نوع زندگی بی جان فلسفی "vanitas" (بیهودگی باطل ها) را ایجاد و بهبود بخشید. در نقاشی‌های هارمن ون استین‌ویک و یان داویدز دی هیم، اشیایی که مظهر شکوه و ثروت زمینی (زره، کتاب، ویژگی‌های هنری، ظروف گرانبها) یا لذت‌های نفسانی (گل‌ها، میوه‌ها) با جمجمه یا ساعت شنی به عنوان یادآوری کنار هم قرار می‌گیرند. از گذرا بودن زندگی یک طبیعت بی جان "آشپزخانه" دموکراتیک تر در روتردام در آثار فلوریس ون شوتن و فرانسوا ریخالز به وجود آمد و بهترین دستاوردهای آن با نام برادران کورنلیس و هرمان سافتلون مرتبط است.

در اواسط قرن، مضمون «صبحانه‌های» ساده به «ضیافت‌ها» و «دسرها» مجلل در آثار ویلم ون آلست، ژوریان ون استرک و به‌ویژه ویلم کالف و آبراهام ون بیرن تبدیل شد. جام های طلاکاری شده، چینی چینی و فایانس دلفت، رومیزی فرش، میوه های جنوبی بر طعم فضل و ثروتی که در اواسط قرن در جامعه هلندی تثبیت شد، تأکید می کند. بر این اساس، صبحانه های "تک رنگ" با طعمی آبدار، رنگارنگ و طلایی-گرم جایگزین می شوند. تأثیر کیاروسکورو رامبراند باعث می شود که رنگ ها در نقاشی های کالف از درون بدرخشند و جهان عینی را شاعرانه کنند.

استادان به تصویر کشیدن "غنائم شکار" و "حیاط طیور" یان-باپتیست وینیکس، پسرش یان ونیکس و ملکیور دو هوندکوتر بودند. این نوع طبیعت بی جان به ویژه در نیمه دوم - پایان قرن در ارتباط با اشرافیت اهالی شهر گسترش یافت: ایجاد املاک و سرگرمی برای شکار. نقاشی دو هنرمند آخر نشان دهنده افزایش تزئینات، رنگ و میل به جلوه های خارجی است.

توانایی شگفت انگیز نقاشان هلندی در انتقال جهان مادی با همه غنا و تنوع آن نه تنها توسط معاصران، بلکه توسط اروپاییان در قرن 18 و 19 مورد قدردانی قرار گرفت؛ آنها در طبیعت بی جان، اول از همه و فقط این تسلط درخشان را دیدند. انتقال واقعیت با این حال، برای خود هلندی‌ها در قرن هفدهم، این نقاشی‌ها سرشار از معنا بودند؛ آنها غذا را نه تنها برای چشم، بلکه برای ذهن نیز عرضه می‌کردند. نقاشی ها با مخاطبان وارد گفت و گو می شدند و حقایق مهم اخلاقی را به آنها می گفتند، فریبکاری شادی های زمینی، بیهودگی آرزوهای انسان را به آنها یادآوری می کردند و افکار را به سمت آنها سوق می دادند. تأملات فلسفیدر مورد معنای زندگی انسان