هر کشوری قهرمانان خود را دارد هنر معاصرکه نام‌هایشان شناخته شده است، نمایشگاه‌هایش انبوهی از طرفداران و افراد کنجکاو را جمع می‌کند و آثارش در میان مجموعه‌های خصوصی توزیع می‌شود.
در این مقاله شما را با محبوب ترین ها آشنا می کنیم هنرمندان معاصرژاپن.
کیکو تانابه
کیکو که در کیوتو متولد شد، در دوران کودکی برنده مسابقات هنری متعددی شد، اما آموزش عالیاصلا در زمینه هنر دریافت نشد. در بخش کار کرد روابط بین المللیبه زبان ژاپنی سازمان تجارتخودگردانی در توکیو، یک شرکت حقوقی بزرگ در سانفرانسیسکو و یک شرکت مشاوره خصوصی در سن دیگو، سفرهای زیادی داشتند. از سال 2003، او کار خود را ترک کرد و پس از یادگیری اصول اولیه نقاشی آبرنگ در سن دیگو، خود را منحصراً وقف هنر کرد.
ایکناگا یاسوناری (Ikenaga Yasunari)
هنرمند ژاپنی ایکناگا یاسوناری پرتره می کشد زنان مدرندر عهد باستان سنت ژاپنینقاشی با استفاده از قلم مو Menso، رنگدانه های معدنی، کربن سیاه، جوهر و کتان به عنوان پایه. شخصیت های او زنان زمان ما هستند، اما به لطف سبک نیهونگا، این احساس وجود دارد که آنها از زمان های قدیم به ما رسیده اند.
آبه توشیوکی
آبه توشیوکی هنرمندی رئالیستی است که استاد شده است تکنیک آبرنگ. آبه را می توان یک هنرمند-فیلسوف نامید: او اساساً نشانه های شناخته شده را ترسیم نمی کند و ترکیبات ذهنی را ترجیح می دهد که منعکس کننده باشند. حالات داخلیشخصی که آنها را تماشا می کند
هیروکو ساکای
حرفه هنرمند هیروکو ساکای در اوایل دهه 90 در شهر فوکوکا آغاز شد. پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه Seinan Gakuin و مدرسه فرانسویطراحی داخلی نیهون در زمینه طراحی و تجسم، او "Atelier Yume-Tsumugi Ltd" را تاسیس کرد. و به مدت 5 سال موفق به مدیریت این استودیو شد. بسیاری از آثار او لابی بیمارستان ها، دفاتر شرکت های بزرگ و برخی از ساختمان های شهرداری در ژاپن را زینت می دهند. هیروکو پس از مهاجرت به ایالات متحده شروع به نقاشی با رنگ روغن کرد.
ریوسکه فوکاهوری
آثار سه بعدی ریوسوکی فوکاهوری مانند هولوگرام هستند. آنها انجام می شود رنگ آکریلیکدر چندین لایه اعمال می شود و یک مایع رزین شفاف - همه اینها بدون استثناء روش های سنتی مانند کشیدن سایه ها، نرم کردن لبه ها، کنترل شفافیت، به ریوسوکی اجازه می دهد تا ایجاد کند. نقاشی مجسمه سازیو به کار عمق و واقع گرایی می بخشد.
ناتسوکی اوتانی
ناتسوکی اوتانی یک تصویرگر با استعداد ژاپنی است که در انگلستان زندگی و کار می کند.
ماکوتو موراماتسو
ماکوتو موراماتسو یک موضوع برد-برد را به عنوان مبنای کار خود انتخاب کرد - او گربه ها را می کشد. تصاویر او در سرتاسر جهان به خصوص در قالب پازل محبوبیت دارد.
تتسویا میشیما
بیشتر نقاشی های مدرن هنرمند ژاپنیمیشیما در روغن ساخته می شود. او از دهه 90 به طور حرفه ای نقاشی می کند، چندین کار دارد نمایشگاه های شخصیو تعداد زیادی ازنمایشگاه های جمعی، ژاپنی و خارجی.
که تکنیک ها و سبک های زیادی را پوشش می دهد. در طول تاریخ خود، دستخوش تغییرات زیادی شده است. سنت ها و ژانرهای جدید اضافه شد و اصول اولیه ژاپنی باقی ماند. همراه با داستان شگفت انگیزنقاشی ژاپن نیز آماده ارائه بسیاری از حقایق منحصر به فرد و جالب است.
ژاپن باستان
اولین سبک ها در قدیمی ترین سبک ها ظاهر می شوند دوره تاریخیکشورهای قبل از قبل از میلاد ه. در آن زمان، هنر بسیار ابتدایی بود. ابتدا در 300 ق.م. e.، مختلف وجود داشت اشکال هندسیکه روی سفال با چوب ساخته می شدند. چنین یافته ای توسط باستان شناسان به عنوان زیور بر زنگ های برنزی متعلق به زمان های بعد است.
کمی بعد، در حال حاضر در 300 پس از میلاد. e.، ظاهر شود نقاشی های غارکه بسیار متنوع تر هستند. زیور هندسی. اینها قبلاً تصاویر تمام عیار با تصاویر هستند. آنها در داخل دخمه ها پیدا شده اند و احتمالاً افرادی که روی آنها نقاشی شده اند در این گورستان دفن شده اند.
در قرن هفتم ق. ه. ژاپن خطی را که از چین می آید، اتخاذ می کند. تقریباً در همان زمان، اولین نقاشی ها از آنجا می آیند. سپس نقاشی به عنوان یک حوزه هنری جداگانه ظاهر می شود.
edo
ادو با اولین و نه آخرین نقاشی فاصله دارد، اما این او بود که چیزهای جدید زیادی را به فرهنگ آورد. اولاً، این درخشندگی و درخشندگی است که به تکنیک آشنای اجرا شده در سیاه و سفید اضافه شده است. تن های خاکستری. اکثر هنرمند برجستهاین سبک سوتاسو در نظر گرفته می شود. او ساخت نقاشی های کلاسیکاما شخصیت های او بسیار رنگارنگ بودند. بعداً به طبیعت روی آورد و بیشتر مناظر با پس زمینه طلاکاری انجام شد.
ثانیاً ، در دوره ادو ، ژانر عجیب و غریب ، ژانر نامبان ظاهر شد. از تکنیک های مدرن اروپایی و چینی استفاده می کرد که با سبک های سنتی ژاپنی در هم آمیخته بود.
و سوم، مدرسه نانگ ظاهر می شود. در آن هنرمندان ابتدا آثار را به طور کامل تقلید یا حتی کپی می کنند استادان چینی. سپس یک شاخه جدید ظاهر می شود که به آن bunjing می گویند.
دوره مدرنیزاسیون
دوره ادو جایگزین میجی شد و اکنون نقاشی ژاپنی مجبور به ورود به دوره است مرحله جدیدتوسعه. در این زمان، ژانرهایی مانند وسترن و امثال آن در سراسر جهان رواج یافتند، بنابراین مدرن شدن هنر تبدیل به یک امر رایج شد. با این حال، در ژاپن، کشوری که همه مردم به سنت ها احترام می گذارند، در زمان داده شدههمه چیز با آنچه در کشورهای دیگر اتفاق افتاد بسیار متفاوت بود. در اینجا، رقابت بین تکنسین های اروپایی و محلی به شدت شعله ور می شود.
دولت در این مرحله اولویت خود را به هنرمندان جوانی می دهد که نویدبخش بهبود مهارت های خود در سبک های غربی هستند. بنابراین آنها را به مدارس اروپا و آمریکا می فرستند.
اما این فقط در ابتدای دوره بود. حقیقت این هست که منتقدان قابل توجهتقریبا مورد انتقاد قرار گرفت هنر غربی. برای جلوگیری از هیاهوی بزرگ پیرامون این موضوع، سبک‌ها و تکنیک‌های اروپایی از نمایشگاه‌ها منع شدند، نمایش آنها متوقف شد و همچنین محبوبیت آنها متوقف شد.
ظهور سبک های اروپایی
سپس دوره تایشو فرا می رسد. در این زمان هنرمندان جوانی که برای تحصیل ترک کردند مدارس خارجیبه وطن خود برگردند طبیعتا سبک های جدیدی را با خود می آورند. نقاشی ژاپنیکه شباهت زیادی به اروپایی ها دارند. امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم ظاهر می شود.
در این مرحله مدارس بسیاری در حال شکل گیری است که در آنها باستانی سبک های ژاپنی. اما رهایی کامل از گرایشات غربی ممکن نیست. بنابراین، ترکیب چندین تکنیک ضروری است تا هم دوستداران کلاسیک و هم طرفداران نقاشی مدرن اروپایی را خوشحال کند.
بودجه برخی مدارس توسط دولت تامین می شود و به لطف آن بسیاری از سنت های ملی حفظ می شوند. از طرف دیگر، تاجران خصوصی مجبور هستند از مشتریانی پیروی کنند که چیز جدیدی می خواهند، آنها از کلاسیک خسته شده اند.
نقاشی جنگ جهانی دوم
پس از شروع جنگ، نقاشی ژاپنی برای مدتی از رویدادها دور ماند. به طور جداگانه و مستقل توسعه یافته است. اما نمی‌توانست برای همیشه اینطور ادامه پیدا کند.
با گذشت زمان که اوضاع سیاسی کشور رو به وخامت می رود، چهره های بلندپایه و محترم هنرمندان بسیاری را به خود جذب می کنند. برخی از آنها، حتی در آغاز جنگ، شروع به ایجاد سبک های میهنی می کنند. بقیه فقط با دستور مقامات این روند را شروع می کنند.
بر این اساس، هنرهای زیبای ژاپن در طول جنگ جهانی دوم نتوانست به طور ویژه توسعه یابد. بنابراین، برای نقاشی می توان آن را راکد نامید.
سوئیبوکوگا ابدی
نقاشی ژاپنی sumi-e یا suibokuga به معنای "طراحی با جوهر" است. این سبک و تکنیک را مشخص می کند این هنر. از چین آمد، اما ژاپنی ها تصمیم گرفتند نام خود را به آن بدهند. و در ابتدا این تکنیک جنبه زیبایی شناختی نداشت. راهبان از آن برای بهبود خود در حین مطالعه ذن استفاده می کردند. علاوه بر این، در ابتدا نقاشی می کشیدند و بعداً هنگام مشاهده آنها تمرکز خود را آموزش می دادند. راهبان معتقد بودند که خطوط سخت، زنگ های مبهم و سایه ها به بهبود کمک می کند - همه چیزهایی که تک رنگ نامیده می شود.
نقاشی با جوهر ژاپنی با وجود تنوع بزرگنقاشی و تکنیک آنقدرها که در نگاه اول به نظر می رسد پیچیده نیست. این تنها بر اساس 4 طرح است:
- گل داودی.
- ارکیده.
- شاخه آلو.
- بامبو.
تعداد کمی از طرح ها باعث توسعه سریع فناوری نمی شود. برخی از اساتید معتقدند که یادگیری مادام العمر است.
علیرغم این واقعیت که sumi-e مدتها پیش ظاهر شد، همیشه مورد تقاضا است. علاوه بر این، امروزه می توانید با اساتید این مدرسه نه تنها در ژاپن ملاقات کنید، بلکه بسیار فراتر از مرزهای آن نیز گسترده است.
دوره مدرن
پس از پایان جنگ جهانی دوم، هنر در ژاپن تنها در این کشور شکوفا شد کلان شهرها، روستاییان و روستاییان دغدغه کافی داشتند. در بیشتر موارد، هنرمندان سعی می کردند به ضررهای دوران جنگ پشت کنند و هنر معاصر را روی بوم به تصویر بکشند. زندگی شهریبا تمام تزئینات و ویژگی هایش اروپایی و ایده های آمریکاییاما این وضعیت زیاد دوام نیاورد. بسیاری از استادان به تدریج از آنها به سمت مدارس ژاپنی دور شدند.
سبک سنتی همیشه مد بوده است. بنابراین، نقاشی مدرن ژاپنی تنها در تکنیک اجرا یا مواد مورد استفاده در این فرآیند می تواند متفاوت باشد. اما بیشتر هنرمندان نوآوری های مختلف را به خوبی درک نمی کنند.
ناگفته نماند که مد روز است خرده فرهنگ های مدرنمانند انیمه و سبک های مشابه. بسیاری از هنرمندان در تلاش هستند تا مرز بین کلاسیک و آنچه امروزه مورد تقاضا است را از بین ببرند. این وضعیت بیشتر به دلیل تجارت است. کلاسیک و ژانرهای سنتیدر واقع، آنها خرید نمی کنند، بنابراین، کار کردن به عنوان یک هنرمند در ژانر مورد علاقه خود بی سود است، شما باید با مد سازگار شوید.
نتیجه
بدون شک نقاشی ژاپنی گنجینه ای از آن است هنرهای تجسمی. شاید کشور مورد نظر تنها کشوری بود که از روندهای غربی پیروی نکرد، با مد سازگار نشد. با وجود ضربات فراوان در زمان ورود تکنیک های جدید، هنرمندان ژاپن همچنان موفق به دفاع شدند سنت های ملیدر بسیاری از ژانرها احتمالاً به همین دلیل است که در دوران مدرن، نقاشی‌های ساخته شده به سبک کلاسیک در نمایشگاه‌ها ارزش بالایی دارند.
نقاشی تک رنگ ژاپن یکی از پدیده های منحصر به فردهنر شرق آثار و مطالعات زیادی به آن اختصاص داده شده است، اما اغلب به عنوان یک چیز بسیار مشروط و گاهی اوقات حتی تزئینی تلقی می شود. اینطور نیست، دنیای معنوی هنرمند ژاپنی بسیار غنی است و او نه به مولفه زیبایی شناختی که به جنبه معنوی اهمیت می دهد. هنر شرق ترکیبی از بیرون و درون، صریح و ضمنی است.
در این پست می خواهم نه به تاریخچه نقاشی تک رنگ، بلکه به ماهیت آن توجه کنم. این مورد بحث خواهد شد.
صفحه نمایش "کاج" هاسگاوا توهاکو، 1593.
آنچه در نقاشی های تک رنگ می بینیم نتیجه تعامل هنرمند با سه گانه کاج است: کاغذ، قلم مو، جوهر. بنابراین برای درک درست اثر باید خود هنرمند و نگرش او را درک کرد.
«منظره» سشو، 1398
کاغذبرای استاد ژاپنیآسان نیست مواد بداهه، که او تابع هوی و هوس خود است، بلکه برعکس، "برادر" است، بنابراین، نگرش نسبت به او بر این اساس توسعه یافته است. کاغذ بخشی است طبیعت اطراف، که ژاپنی ها همیشه به آن احترام می گذاشتند و سعی می کردند آن را تحت سلطه خود قرار ندهند، بلکه با آن همزیستی مسالمت آمیز داشته باشند. کاغذ در گذشته درختی است که در یک منطقه خاص، برای مدت معینی می ایستد، چیزی را در اطراف خود می دید و همه آن را ذخیره می کند. اینگونه است که هنرمند ژاپنی مطالب را درک می کند. اغلب، استادان، قبل از شروع کار، برای مدت طولانی نگاه می کردند ورق خالی(به آن فکر کرد) و تنها پس از آن به نقاشی پرداخت. حتی امروزه، هنرمندان معاصر ژاپنی که Nihon-ga (نقاشی سنتی ژاپنی) را تمرین می کنند، کاغذ خود را با دقت انتخاب می کنند. آنها به سفارش از کارخانه های کاغذ می خرند. برای هر هنرمند با ضخامت، نفوذپذیری رطوبت و بافت خاص (بسیاری از هنرمندان حتی با صاحب کارخانه توافق می کنند که این کاغذ را به هنرمندان دیگر نفروشند) - بنابراین، هر نقاشی به عنوان چیزی منحصر به فرد و زنده درک می شود.
"خواندن در بیشه بامبو" شوبون، 1446.
با صحبت در مورد اهمیت این مطالب، لازم به ذکر است بناهای تاریخی معروفادبیات ژاپنی مانند «یادداشت‌های بالای سر» سی شوناگون و «جنجی مونوگوتاری» موراساکی شیکیبو: هم در «یادداشت‌ها» و هم در «جنجی» می‌توانید صحنه‌هایی را ببینید که درباریان یا عاشقان پیام‌هایی را رد و بدل می‌کنند. کاغذی که این پیام ها روی آن نوشته شده بود، فصل، سایه و نحوه نگارش متن با بافت آن مطابقت داشت.
"موراساکی شیکیبو در معبد ایشیاما" کیوسن
قلم مو- جزء دوم ادامه دست استاد است (باز هم این است مواد طبیعی). بنابراین، برس ها نیز به سفارش ساخته می شدند، اما اغلب توسط خود هنرمند. او موهای طول مورد نیاز را انتخاب کرد، اندازه قلم مو و راحت ترین دسته را انتخاب کرد. استاد فقط با قلم مو خودش می نویسد و هیچ چیز دیگری. (از جانب تجربه شخصی: در کلاس استاد هنرمند چینی جیانگ شیلون بود، از حضار خواسته شد که نشان دهند شاگردانش که در کلاس استاد حضور داشتند، چه کاری می توانند انجام دهند، و هر کدام از آنها، با برداشتن قلم مو استاد، گفتند که معلوم نمی شود. آنچه آنها انتظار داشتند، از آنجایی که قلم مو نه آنها، آنها به آن عادت ندارند و نمی دانند چگونه از آن به درستی استفاده کنند).
طرح جوهر "فوجی" توسط کاتسوشیکا هوکوسای
جوهر- سوم عنصر مهم. جوهر اتفاق می افتد انواع متفاوت: پس از خشک شدن می تواند جلوه ای براق یا مات بدهد، می توان آن را با سایه های نقره ای یا اخرایی مخلوط کرد، بنابراین انتخاب درستریمل نیز بی اهمیت نیست.
یاماموتو بایتسو، اواخر 18- قرن نوزدهم.
موضوعات اصلی نقاشی تک رنگ مناظر هستند. چرا رنگ ندارند؟
پرده دوقلو "Pines"، Hasegawa Tohaku
اولاً، هنرمند ژاپنی به خود شیء علاقه مند نیست، بلکه به ذات آن، جزء خاصی است که در همه موجودات زنده مشترک است و به هماهنگی بین انسان و طبیعت می انجامد. بنابراین، تصویر همیشه یک اشاره است، به احساسات ما می پردازد، نه به دید. کم بیانی محرکی برای گفتگو و در نتیجه ارتباط است. خطوط و نقاط در تصویر مهم هستند - آنها شکل می گیرند زبان هنری. این آزادی استاد نیست، که در جایی که او می خواست، علامت چرب را در آنجا به جا گذاشت، و در جای دیگر، برعکس، به خوبی ترسیم نکرد - در تصویر همه چیز معنا و اهمیت خاص خود را دارد و حمل نمی کند. یک شخصیت تصادفی
ثانیا، رنگ همیشه مقداری را حمل می کند رنگ آمیزی احساسیو متفاوت درک می شود. مردم مختلفبنابراین، در حالت‌های مختلف، بی‌طرفی عاطفی به بیننده این امکان را می‌دهد که به اندازه کافی وارد گفت‌وگو شود، او را برای ادراک، تعمق و تفکر قرار دهد.
ثالثاً ، این تعامل یین و یانگ است ، هر تصویر تک رنگ از نظر نسبت جوهر و ناحیه دست نخورده کاغذ در آن هماهنگ است.
چرا بیشترفضای کاغذ استفاده نشده است؟
«منظره» اثر سیوبون، اواسط قرن پانزدهم.
اول، جای خالی فضا بیننده را در تصویر غرق می کند. ثانیاً، تصویر به گونه ای ایجاد می شود که گویی برای لحظه ای روی سطح شناور است و در شرف ناپدید شدن است - این با جهان بینی و جهان بینی مرتبط است. ثالثاً، در مناطقی که جوهر وجود ندارد، بافت و سایه کاغذ برجسته می شود (این همیشه در تولید مثل قابل مشاهده نیست، اما در واقعیت همیشه تعامل دو ماده است - کاغذ و جوهر).
سشو، 1446
چرا منظره؟
"تأمل در آبشار" گایامی، 1478
بر اساس جهان بینی ژاپنی، طبیعت از انسان کامل تر است، بنابراین باید از او بیاموزد، به هر طریق ممکن از او محافظت کند و ویران یا تحت سلطه قرار ندهد. بنابراین، در بسیاری از مناظر می توانید تصاویر کوچکی از افراد ببینید، اما آنها همیشه ناچیز هستند، نسبت به خود منظره کوچک هستند، یا تصاویر کلبه هایی که در فضای اطراف آنها قرار می گیرند و حتی همیشه قابل توجه نیستند - اینها همه نمادهایی هستند جهان بینی
"فصول: پاییز و زمستان" Sesshu. «منظره» سشو، 1481
در پایان، من می خواهم بگویم که نقاشی تک رنگ ژاپنی جوهر به طور تصادفی پاشیده نمی شود، این یک هوس نفس درونی هنرمند نیست - این است. کل سیستمتصاویر و نمادها، مخزن اندیشه فلسفی و از همه مهمتر راهی برای ارتباط و هماهنگی خود و جهان پیرامون است.
من فکر می کنم در اینجا پاسخ به سوالات اصلی است که بیننده در مواجهه با نقاشی تک رنگ ژاپنی دارد. امیدوارم آنها به شما کمک کنند تا آن را به درستی درک کنید و در هنگام ملاقات آن را درک کنید.
نقاشی ژاپنی یک جهت کاملا منحصر به فرد در هنر جهان است. از زمان های قدیم وجود داشته است، اما به عنوان یک سنت محبوبیت و توانایی خود را برای شگفتی از دست نداده است.
توجه به سنت ها
شرق فقط مناظر، کوه و خورشید در حال طلوع. اینها نیز کسانی هستند که تاریخ آن را خلق کردند. این مردم هستند که سنت نقاشی ژاپنی را برای قرن ها حفظ کرده و هنر خود را توسعه و تکثیر کرده اند. کسانی که سهم بسزایی در تاریخ داشته اند هنرمندان ژاپنی. به لطف آنهاست که مدرن ها تمام قوانین نقاشی سنتی ژاپنی را حفظ کرده اند.
سبک نقاشی
برخلاف اروپا، هنرمندان ژاپنی ترجیح می‌دادند بیشتر به گرافیک نزدیک شوند تا نقاشی. در چنین نقاشی هایی، ضربات خشن و بی دقتی از روغن را نمی توانید پیدا کنید، که بسیار مشخصه امپرسیونیست ها است. ماهیت گرافیکی هنرهایی مانند درختان، صخره ها، حیوانات و پرندگان ژاپنی چیست - همه چیز در این تصاویر تا حد امکان واضح و با خطوط جوهر محکم و مطمئن ترسیم شده است. تمام اشیاء در ترکیب باید یک طرح کلی داشته باشند. پر کردن داخل کانتور معمولا با آبرنگ انجام می شود. رنگ شسته می شود، سایه های دیگر اضافه می شود و در جایی رنگ کاغذ باقی می ماند. تزئینات دقیقاً همان چیزی است که نقاشی های ژاپنی را از هنر کل جهان متمایز می کند.
تضاد در نقاشی
کنتراست یکی دیگر از تکنیک های مشخصه مورد استفاده هنرمندان ژاپنی است. این ممکن است تفاوت در تن، رنگ یا تضاد سایه های گرم و سرد باشد.
هنرمند زمانی که بخواهد برخی از عناصر موضوع را برجسته کند به تکنیکی متوسل می شود. این می تواند یک رگ روی یک گیاه، یک گلبرگ یا یک تنه درخت در برابر آسمان باشد. سپس بخش نور و نور شی و سایه زیر آن به تصویر کشیده می شود (یا برعکس).
انتقال و رنگ
هنگام کشیدن نقاشی های ژاپنی، اغلب از انتقال استفاده می شود. آنها متفاوت هستند: به عنوان مثال، از یک رنگ به رنگ دیگر. روی گلبرگ های نیلوفرهای آبی، گل صد تومانی، می توانید تغییر رنگ سایه روشن به رنگی غنی و روشن را مشاهده کنید.
انتقال نیز در تصویر استفاده می شود سطح آب، آسمان. انتقال صاف از غروب خورشید به گرگ و میش تاریک و عمیق بسیار زیبا به نظر می رسد. ابرها نیز با انتقال از سایه های مختلفو رفلکس ها
انگیزه های اصلی نقاشی ژاپنی
در هنر همه چیز با هم مرتبط است زندگی واقعی، با احساسات و عواطف دست اندرکاران آن. همانطور که در ادبیات، موسیقی و دیگر مظاهر خلاقیت، در نقاشی نیز چندین مورد وجود دارد مضامین ابدی. اینها توطئه های تاریخی، تصاویری از مردم و طبیعت هستند.
مناظر ژاپنی متنوع است. اغلب در نقاشی ها تصاویری از حوضچه ها وجود دارد - موضوع مورد علاقه داخلی ژاپنی ها. یک حوض تزئینی، چندین نیلوفر آبی و بامبو در نزدیکی - این چیزی است که یک نقاشی معمولی قرن 17-18 به نظر می رسد.
حیوانات در نقاشی ژاپنی
حیوانات نیز عنصری تکرارشونده در نقاشی آسیایی هستند. به طور سنتی، این یک ببر خمیده یا یک گربه خانگی است. به طور کلی، آسیایی ها بسیار دوست دارند و بنابراین نمایندگان آنها در تمام اشکال هنر شرقی یافت می شوند.
دنیای جانوران موضوع دیگری است که نقاشی ژاپنی دنبال می شود. پرندگان - جرثقیل ها، طوطی های تزئینی، طاووس های مجلل، پرستوها، گنجشک های نامحسوس و حتی خروس ها - همه آنها در نقاشی های استادان شرقی یافت می شوند.
ماهی - نه کمتر موضوع واقعیبرای هنرمندان ژاپنی کوی نسخه ژاپنی ماهی قرمز است. این موجودات در آسیا در تمام برکه ها، حتی پارک ها و باغ های کوچک زندگی می کنند. کپور کوی نوعی سنت است که به طور خاص متعلق به ژاپن است. این ماهی نماد مبارزه، عزم، دستیابی به هدف است. جای تعجب نیست که آنها به صورت شناور همراه با جریان، همیشه با تاج های موجی تزئینی به تصویر کشیده می شوند.
نقاشی های ژاپنی: تصویر مردم
افراد در نقاشی ژاپنی موضوع خاصی هستند. هنرمندان گیشاها، امپراتوران، جنگجویان و بزرگان را به تصویر می کشیدند.
گیشاها در احاطه گل‌ها به تصویر کشیده شده‌اند که همیشه لباس‌های استادانه‌ای با چین‌ها و عناصر فراوان به تن دارند.
مردان عاقل در حال نشستن یا توضیح چیزی برای دانش آموزان خود به تصویر کشیده می شوند. تصویر یک دانشمند قدیمی نمادی از تاریخ، فرهنگ و فلسفه آسیا است.
جنگجو به شکلی مهیب و گاهی ترسناک به تصویر کشیده شد. بلندها با جزئیات کشیده شده بودند و شبیه سیم بودند.
معمولا تمام جزئیات زره با جوهر تصفیه می شود. اغلب، جنگجویان برهنه با خالکوبی هایی تزئین می شوند که یک اژدهای شرقی را نشان می دهد. این نماد قدرت و قدرت نظامیژاپن.
حاکمان برای به تصویر کشیده شده بودند خانواده های امپراتوری. لباس های زیبا، زیور آلات در موهای مردان - که چنین آثار هنری فراوان است.
مناظر طبیعی
سنتی منظره ژاپنی- کوه ها. نقاشان آسیایی در به تصویر کشیدن مناظر مختلف موفق شده اند: آنها می توانند همان قله را در رنگهای متفاوت، با فضایی متفاوت تنها چیزی که بدون تغییر باقی می ماند وجود اجباری گل است. معمولاً هنرمند در کنار کوه ها نوعی گیاه را در پیش زمینه به تصویر می کشد و آن را با جزئیات ترسیم می کند. کوه ها زیبا به نظر می رسند و شکوفه های گیلاس. و اگر گلبرگ های در حال سقوط را بکشید - این تصویر توسط زیبایی غم انگیز تحسین می شود. تضاد در فضای نقاشی یکی دیگر از ویژگی های قابل توجه فرهنگ ژاپنی است.
هیروگلیف
اغلب ترکیب یک تصویر در نقاشی ژاپنی با حروف ترکیب می شود. هیروگلیف ها طوری چیده شده اند که از نظر ترکیب بندی زیبا به نظر می رسند. معمولاً در سمت چپ یا راست تصویر کشیده می شوند. هیروگلیف می تواند نشان دهد که چه چیزی در تصویر به تصویر کشیده شده است، نام آن یا نام هنرمند.
ژاپن یکی از غنی ترین کشورها در تاریخ و فرهنگ است. در سرتاسر جهان مرسوم است که ژاپنی ها را مردمی فضول تلقی می کنند که زیبایی شناسی را مطلقاً در همه جلوه های زندگی می یابند. بنابراین، نقاشی های ژاپنی همیشه از نظر رنگ و لحن بسیار هماهنگ هستند: اگر رنگ های روشن وجود داشته باشد، فقط در مراکز معنایی. به عنوان مثال از نقاشی های هنرمندان آسیایی می توان تئوری رنگ، انتقال صحیح فرم با استفاده از گرافیک و ترکیب بندی را مطالعه کرد. تکنیک اجرای نقاشی های ژاپنی به قدری بالاست که می تواند نمونه ای برای کار با آبرنگ و اجرای «شستشو» آثار گرافیکی باشد.