آیا عاشق نقاشی ژاپنی هستید؟ در مورد هنرمندان مشهور ژاپنی چقدر می دانید؟ بیایید در این مقاله به مشهورترین هنرمندان ژاپنی که آثار خود را به سبک ukiyo-e (浮世絵) خلق کرده اند نگاهی بیندازیم. این سبک از نقاشی از دوره ادو توسعه یافته است. هیروگلیف هایی که این سبک را می نویسند 浮世絵 در لغت به معنای "تصاویر (تصاویر) از جهان در حال تغییر هستند، می توانید در مورد این جهت از نقاشی بیشتر بخوانید.
هیسیکاوا مورونوبو(菱川師宣، 1618-1694). او بنیانگذار ژانر ukiyo-e در نظر گرفته می شود، اگرچه، در واقع، او تنها اولین استادی است که اطلاعات بیوگرافی در مورد زندگی او حفظ شده است. مورونوبو در خانواده ای از استاد رنگرزی پارچه و گلدوزی با نخ های طلا و نقره به دنیا آمد و مدت هاست که در کار خانواده بوده است، بنابراین ویژگی بارز کار او لباس های زیبا تزئین شده است که جلوه هنری شگفت انگیزی به او می دهد. .
پس از نقل مکان به ادو، ابتدا به تنهایی تکنیک های نقاشی را فرا گرفت و سپس هنرمند کامبون به تحصیل ادامه داد.
بیشتر آلبوم‌های مورونوبو به دست ما رسیده است که در آنها موضوعات تاریخی و ادبی و کتاب‌هایی را با الگوهایی برای کیمونو به تصویر می‌کشد. استاد در ژانر شونگا نیز کار می کرد و در میان آثار فردی، چندین زن زیبا به تصویر کشیده شده است. 
(鳥居清長، 1752-1815). استاد سکی (سکیگوچی) شینسوکه (ایشیبی) که در پایان قرن هجدهم به رسمیت شناخته شد، نام مستعار توری کییوناگا را داشت که پس از به ارث بردن مکتب اوکیو-ای توری از توری کیومیتسو، پس از مرگ کیومیتسو، نام مستعار خود را داشت.
کیوناگا در خانواده کتابفروش شیراکویا ایشیبی به دنیا آمد. ژانر bijinga بیشترین شهرت را برای او به ارمغان آورد، اگرچه او با yakusha-e شروع کرد. توطئه های حکاکی در ژانر bijinga از زندگی روزمره گرفته شده است: پیاده روی، راهپیمایی های جشن، بیرون رفتن در طبیعت. از میان آثار بسیار این هنرمند، سریال «مسابقه شیک پوشان محله‌های مفرح» با تصویر مینامی، یکی از «محله‌های مفرح» در جنوب ادو، «۱۲ پرتره از زیبایی‌های جنوب»، «۱۰ نوع چای‌فروشی» است. برجسته شدن ویژگی بارز استاد مطالعه دقیق نمای پس زمینه و استفاده از تکنیک هایی بود که از غرب برای به تصویر کشیدن نور و فضا آمده بود.
کییوناگا شهرت اولیه خود را با از سرگیری مجموعه‌های «مدل‌های مد: مدل‌های جدید به‌عنوان شاخ و برگ بهاری» در سال 1782 به دست آورد، که توسط کوریوسای در دهه 1770 برای ناشر نیشیمورای یوهاچی آغاز شد.
(喜多川歌麿، 1753-1806). این استاد برجسته ukiyo-e به طور قابل توجهی تحت تأثیر توری کییوناگا و ناشر Tsutai Juzaburo قرار گرفت. در نتیجه همکاری طولانی مدت با دومی، بسیاری از آلبوم ها، کتاب های با تصویرگری و یک سری حکاکی منتشر شد.
علیرغم این واقعیت که اوتامارو داستان هایی از زندگی صنعتگران ساده گرفت و تلاش کرد تا طبیعت را به تصویر بکشد ("کتاب حشرات")، شهرت او به عنوان هنرمندی از آثار اختصاص داده شده به گیشاها از محله یوشیوارا به او رسید ("سالنامه خانه های سبز یوشیوارا" ).
اوتامارو در بیان حالات ذهنی روی کاغذ به سطح بالایی رسیده است. برای اولین بار در حکاکی های چوبی ژاپنی، از ترکیبات سینه استفاده شد.
این کار اوتامارو بود که بر امپرسیونیست های فرانسوی تأثیر گذاشت و به علاقه اروپایی ها به چاپ های ژاپنی کمک کرد.
(葛飾北斎، 1760-1849). نام اصلی هوکوسای توکیتارو است. احتمالاً شناخته شده ترین استاد ukiyo-e در سراسر جهان است. او در طول کار خود از بیش از سی نام مستعار استفاده کرد. اغلب، مورخان از نام مستعار برای دوره‌بندی آثار او استفاده می‌کنند.
هوکوسای در ابتدا به عنوان یک منبت کار می کرد که به نیت هنرمند کارش محدود بود. این واقعیت بر هوکوسایی سنگینی کرد و او شروع به جستجوی خود به عنوان یک هنرمند مستقل کرد.
در سال 1778، او در استودیوی کاتسوکاوا شونشو که در چاپ یاکوشا تخصص داشت، شاگرد شد. هوکوسای هم دانش آموزی با استعداد و هم بسیار کوشا بود که همیشه به معلم احترام می گذاشت و به همین دلیل از لطف ویژه شونشو برخوردار بود. بدین ترتیب اولین آثار مستقل هوکوسای در ژانر یاکوشا به صورت دوگانه و سه تایی بود و محبوبیت دانش آموز به محبوبیت استاد رسید. در این زمان، استاد جوان استعداد خود را به قدری رشد داده بود که در یک مدرسه شلوغ شد و پس از مرگ معلم، هوکوسای استودیو را ترک کرد و دستورالعمل‌های مدارس دیگر را مطالعه کرد: کانو، سوتاتسو (در غیر این صورت کوتسو). رینپا، توسا.
در این مدت این هنرمند مشکلات مالی قابل توجهی را تجربه می کند. اما در عین حال شکل گیری او به عنوان یک استاد در حال رخ دادن است که تصویر معمولی که جامعه می خواست را رد می کند و به دنبال سبک خودش است.
در سال 1795، تصاویری برای گلچین شاعرانه Keka Edo Murasaki منتشر شد. سپس هوکوسای نقاشی های سوریمونو را کشید که بلافاصله محبوب شد و بسیاری از هنرمندان شروع به تقلید از آنها کردند.
از این دوره، توکیتارو شروع به امضای آثار خود با نام هوکوسای کرد، اگرچه برخی از آثار او با نام مستعار تاتسوماسا، توکیتارو، کاکو، سوروبکو منتشر شد.
در سال 1800، استاد شروع به نامیدن خود Gakejin Hokusai کرد که به معنای "نقاشی دیوانه هوکوسای" است.
مجموعه‌ای از تصاویر معروف عبارتند از: «36 نما از کوه فوجی» که «باد پیروز». Clear Day» یا «Red Fuji» و «The Great Wave off Kanagawa»، «100 Views of Mount Fuji»، منتشر شده در سه آلبوم «Hokusai Manga» (北斎漫画) که «دانشنامه مردم ژاپن» نامیده می شود. . این هنرمند تمام دیدگاه های خود را در زمینه خلاقیت، فلسفه روی "مانگا" سرمایه گذاری کرده است. "مانگا" مهم ترین منبع برای مطالعه زندگی ژاپن در آن زمان است، زیرا شامل بسیاری از جنبه های فرهنگی است. در مجموع دوازده شماره در طول زندگی این هنرمند منتشر شد و پس از مرگ او - سه شماره دیگر:
* 1815 - II، III
* 1817 - VI، VII
* 1849 - سیزدهم (پس از مرگ هنرمند)
هنر هوکوسای بر جنبش‌های اروپایی مانند هنر نوو و امپرسیونیسم فرانسوی تأثیر گذاشت.
(河鍋暁斎، 1831-1889). او از نام مستعار سیسی کیوسای، شورانسای، بایگا دوجین استفاده کرد، در مدرسه کانو تحصیل کرد.
بر خلاف هوکوسای، کیوسای نسبتاً گستاخ بود، که باعث شد او با هنرمند سوبویاما توزان درگیر شود. پس از مدرسه، او یک استاد مستقل شد، اگرچه گاهی اوقات پنج سال دیگر از او دیدن می کرد. در آن زمان او در حال نقاشی کیوگا، به اصطلاح "تصاویر دیوانه" بود.
در میان حکاکی های برجسته، "صد نقاشی کیوسای" متمایز است. به عنوان یک تصویرگر، کیوسای با هنرمندان دیگر برای ایجاد تصویرسازی برای داستان های کوتاه و رمان همکاری می کند.
در پایان قرن نوزدهم، اروپایی ها اغلب از ژاپن دیدن می کردند. این هنرمند با برخی از آنها آشنا بود و چند اثر او اکنون در موزه بریتانیا نگهداری می شود.
(歌川広重، 1797-1858). او با نام مستعار آندو هیروشیگه (安藤広重) کار می کرد و به دلیل ارائه ظریف خود از نقوش طبیعی و پدیده های طبیعی شناخته شده است. اولین نقاشی "کوه فوجی در برف" که اکنون در موزه سانتوری توکیو نگهداری می شود، او در ده سالگی نوشت. توطئه های آثار اولیه بر اساس رویدادهای واقعی در خیابان ها بود. چرخه های معروف او: "100 نمای ادو"، "36 منظره از کوه فوجی"، "53 ایستگاه توکایدو"، "69 ایستگاه کیموکایدو"، "100 نمای معروف ادو". مونه و هنرمند روسی بیلیبین تا حد زیادی تحت تأثیر 53 ایستگاه جاده توکایدو قرار گرفتند که پس از سفر در امتداد جاده ساحلی شرقی و همچنین 100 نمای ادو نقاشی شدند. از سری 25 حکاکی کاچو-گا، معروف ترین ورق "گنجشک ها بر فراز کاملیا پوشیده از برف" است.
(歌川 国貞، همچنین به عنوان Utagawa Toyokuni III (ژاپن. 三代歌川豊国) شناخته می شود). یکی از برجسته ترین هنرمندان ukiyo-e.
او توجه ویژه ای به بازیگران کابوکی و خود تئاتر کرد - این حدود 60٪ از همه آثار است. همچنین آثاری در ژانر bijinga و پرتره های کشتی گیران سومو شناخته شده است. مشخص است که او از 20 تا 25 هزار داستان که شامل 35-40 هزار ورق بود، خلق کرد. او به ندرت به مناظر و جنگجویان می پرداخت. اوتاگاوا کونیوشی (歌川 国芳، 1798 - 1861) در خانواده یک رنگرز ابریشم به دنیا آمد. کونیوشی در ده سالگی در حالی که در خانواده هنرمند کونینائو زندگی می کرد، شروع به یادگیری طراحی کرد. سپس نزد کاتسوکاوا شونئی به تحصیل ادامه داد و در 13 سالگی وارد کارگاه توکویونی شد. سال های اول هنرمند جوان، همه چیز خوب پیش نمی رود. اما پس از دریافت سفارش از ناشر کاگایا کیتی‌بی برای پنج چاپ برای سری 108 Suikoden Heroes، همه چیز شروع شد. او بقیه شخصیت‌های این سریال را خلق می‌کند و سپس به کارهای مختلف دیگر می‌پردازد و پس از پانزده سال هم‌تراز اوتاگاوا هیروشیگه و اوتاگاوا کونیسادا است.
پس از ممنوعیت تصاویر صحنه های تئاتر در سال 1842، بازیگران، گیشاها و اجیدان ها، کونیوشی مجموعه "گربه" خود را می نویسد، از مجموعه آموزشی برای زنان خانه دار و کودکان حکاکی می کند، قهرمانان ملی را در مجموعه "سنت ها، اخلاق و نجابت" به تصویر می کشد. تا پایان سال 1840- X - آغاز دهه 1850، پس از کاهش ممنوعیت ها، هنرمند به موضوع کابوکی بازگشت.
(渓斎英泉، 1790-1848). برای کارهایش در ژانر مناقصه شناخته شده است. بهترین آثار او شامل پرتره‌هایی از نوع okubi-e ("سرهای بزرگ") است که نمونه‌هایی از صنایع دستی دوران Bunsei (1818-1830) محسوب می‌شوند، زمانی که ژانر ukiyo-e رو به زوال بود. این هنرمند بسیاری از سوریمونوهای غنایی و اروتیک و همچنین چرخه مناظر "شصت و نه ایستگاه کیسوکایدو" را نوشت که نتوانست آنها را تکمیل کند و هیروشیگه آن را به پایان رساند.
تازگی در به تصویر کشیدن بیجینگا حسی بود که دیگر هنرمندان قبلاً نداشتند. از آثار او می توان به مد آن زمان پی برد. او همچنین بیوگرافی چهل و هفت رونین را منتشر کرد و چندین کتاب دیگر از جمله تاریخچه چاپ های Ukiyo-e (Ukiyo-e ruiko) نوشت که شامل زندگی نامه هنرمندان است. و در یادداشت های یک پیر بی نام، خود را به عنوان یک مستی فاسد و صاحب سابق فاحشه خانه نزو توصیف کرد که در دهه 1830 کاملاً سوخت.
سوزوکی هارونوبو (鈴木春信، 1724-1770) نام اصلی هنرمند حزومی جیروبی است. او پیشگام چاپ پلی کروم ukiyo-e است. در مدرسه کانو تحصیل کرد و نقاشی خواند. سپس، تحت تأثیر شیگناگا نیشیمورا و توریا کیومیتسو، چوب بری به علاقه او تبدیل شد. از اوایل قرن هجدهم چاپ دو یا سه رنگ انجام شد و هارونوبو با استفاده از سه تخته و ترکیب سه رنگ - زرد، آبی و قرمز شروع به نقاشی در ده رنگ کرد.
او در به تصویر کشیدن صحنه های خیابانی و نقاشی های ژانر شونگا برجسته بود. و از دهه 1760، او یکی از اولین کسانی بود که شروع به به تصویر کشیدن بازیگران تئاتر کابوکی کرد. کارهای او بر E. Manet و E. Degas تأثیر گذاشت.
(小原古邨، 1877 - 1945). نام اصلی او ماتائو اوهارا است. صحنه هایی از جنگ های روسیه و ژاپن و چین و ژاپن را به تصویر کشیده است. با این حال، پس از ظهور عکاسی، کار او شروع به فروش ضعیف کرد و او شروع به کسب درآمد از تدریس در مدرسه هنرهای زیبا در توکیو کرد. در سال 1926، ارنست فلوزا، متصدی هنر ژاپنی در موزه بوستون، اوهارا را متقاعد کرد که به نقاشی بازگردد و هنرمند شروع به به تصویر کشیدن پرندگان و گل ها کرد و آثارش در خارج از کشور فروش خوبی داشت. 
(伊藤若冲، 1716 - 1800). او در میان دیگر هنرمندان با عجیب و غریب بودن و سبک زندگی خود که شامل دوستی با بسیاری از شخصیت های فرهنگی و مذهبی آن زمان بود، برجسته بود. حیوانات، گل ها و پرندگان را به شیوه ای بسیار عجیب به تصویر کشیده است. او بسیار مشهور بود و سفارش نقاشی پرده ها و نقاشی های معابد را می گرفت.
(鳥居清信، 1664-1729). یکی از مهمترین نمایندگان دوره اولیه اوکیو. علیرغم تأثیر زیاد معلمش هیسیکاوا مونوروبو، او بنیانگذار ژانر یاکوشا در به تصویر کشیدن پوسترها و پوسترها شد و سبک خاص خود را ابداع کرد. بازیگران در ژست های خاص به عنوان قهرمانان شجاع به تصویر کشیده شدند و در آنها نقاشی شده بودند 
یک رنگ نارنجی نجیب، و شرورها در رنگ های آبی کشیده شده بودند. این هنرمند برای به تصویر کشیدن اشتیاق، نوع خاصی از الگوی میمیزوگاکی را اختراع کرد - این خطوط پیچ در پیچ با سکته های نازک و ضخیم متناوب است و با تصویری عجیب از عضلات اندام ترکیب شده است.
توری کیونوبو بنیانگذار سلسله هنرمندان توری است. شاگردان او توری کیوماسو، توری کیوشیگه اول، توری کیومیتسو بودند.
هنرمند محبوب ukiyo-e شما کیست؟
زبان ژاپنی از نظر ساختار با هر زبان اروپایی متفاوت است، که می تواند مشکلات خاصی را در یادگیری ایجاد کند. با این حال، نگران نباشید! به خصوص برای شما، شما یک دوره "" را ایجاد کرده اید، که می توانید همین الان در آن ثبت نام کنید!
سلام بر خوانندگان عزیز - جویندگان علم و حقیقت!
هنرمندان ژاپنی با سبک منحصر به فرد خود متمایز می شوند که توسط نسل های مختلف استادان برجسته شده است. امروز در مورد درخشان ترین نمایندگان نقاشی ژاپنی و نقاشی های آنها از دوران باستان تا دوران مدرن صحبت خواهیم کرد.
خوب، بیایید در هنر سرزمین آفتاب طلوع غوطه ور شویم.
تولد هنر
هنر باستانی نقاشی در ژاپن در درجه اول با ویژگی های نوشتن مرتبط است و بنابراین مبتنی بر اصول خوشنویسی است. اولین نمونه ها شامل قطعات زنگ، ظروف و وسایل خانه برنزی است که در حفاری ها پیدا شده است. بسیاری از آنها با رنگ های طبیعی رنگ آمیزی شده اند و تحقیقات نشان می دهد که این محصولات زودتر از 300 سال قبل از میلاد ساخته شده اند.
مرحله جدیدی در توسعه هنر با ورود به ژاپن آغاز شد. روی emakimono - طومارهای کاغذی ویژه - تصاویر خدایان پانتئون بودایی، صحنه هایی از زندگی معلم و پیروانش اعمال شد.
غلبه مضامین مذهبی در نقاشی را می توان در ژاپن قرون وسطی، یعنی از قرن 10 تا 15 جستجو کرد. اسامی هنرمندان آن عصر تا به امروز حفظ نشده است.
در دوره 15-18 قرن، زمان جدیدی آغاز می شود که با ظهور هنرمندان با سبک فردی توسعه یافته مشخص می شود. آنها بردار توسعه بیشتر هنرهای زیبا را مشخص کردند.
نمایندگان روشن گذشته
تنس شوبون (اوایل قرن پانزدهم)
Xubong برای تبدیل شدن به یک استاد برجسته، تکنیک های نگارش هنرمندان چینی سانگ و کار آنها را مطالعه کرد. پس از آن، او یکی از بنیانگذاران نقاشی در ژاپن و خالق سومی ای شد.
Sumi-e یک سبک هنری است که بر اساس طراحی جوهر به معنای یک رنگ است.
شوبون برای اینکه سبک جدید در محافل هنری جا بیفتد کارهای زیادی انجام داد.او هنر را به استعدادهای دیگر از جمله نقاشان مشهور آینده مانند سشو آموزش داد.
محبوب ترین نقاشی شوبون "خواندن در بیشه بامبو" نام دارد.
«خواندن در بیشه بامبو» نوشته تنس شوبون
هاسگاوا توهاکو (1539-1610)
او خالق مدرسه ای شد که به نام خود - هاسگاوا نامگذاری شد. او ابتدا سعی کرد از قوانین مکتب کانو پیروی کند، اما به تدریج "دست خط" فردی او در آثارش یافت می شود. توهاکو توسط گرافیک Sesshu هدایت شد.
اساس کار مناظر ساده، مختصر، اما واقع گرایانه با نام های غیر پیچیده بود:
- "کاج"؛
- "افرا"؛
- کاج و گیاهان گلدار.
کاج، هاسگاوا توهاکو
برادران اوگاتا کورین (1658-1716) و اوگاتا کنزان (1663-1743)
برادران صنعتگران عالی قرن 18 بودند. بزرگترین آنها، اوگاتا کورین، تماماً خود را وقف نقاشی کرد و ژانر ریمپا را پایه گذاری کرد. او از تصاویر کلیشه ای اجتناب می کرد و ژانر امپرسیونیستی را ترجیح می داد.
اوگاتا کورین طبیعت را به طور کلی و گل ها را در قالب انتزاعات روشن به طور خاص نقاشی کرد. قلم موهای او متعلق به نقاشی است:
- "شکوفه های آلو قرمز و سفید"؛
- "امواج ماتسوشیما"؛
- "گل داودی".
امواج ماتسوشیما اثر کورین اوگاتا
برادر کوچکتر - اوگاتا کنزان - نام مستعار زیادی داشت. حداقل به نقاشی مشغول بود، اما بیشتر به عنوان یک سرامیست فوق العاده معروف بود.
اوگاتا کنزان بر بسیاری از تکنیک های سفالگری تسلط داشت. او با یک رویکرد غیر استاندارد متمایز شد، به عنوان مثال، او صفحات را به شکل مربع ایجاد کرد.
نقاشی شخصی با شکوه متمایز نمی شد - این نیز ویژگی آن بود. او دوست داشت روی محصولاتی مانند طومار یا گزیده‌هایی از شعر خط بنویسد. گاهی هم با برادرشان کار می کردند.
کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849)
او به سبک ukiyo-e - نوعی حکاکی روی چوب و به عبارت دیگر نقاشی حکاکی کار می کرد. برای تمام مدت خلاقیت، او حدود 30 نام را تغییر داد. مشهورترین اثر، موج بزرگ کاناگاوا است که به لطف آن در خارج از سرزمین خود به شهرت رسید.
«موج بزرگ کاناگاوا» اثر هوکوسای کاتسوشیکا
به خصوص سخت هوکوسای پس از 60 سال شروع به کار کرد که نتایج خوبی به همراه داشت. ون گوگ، مونه، رنوار با آثار او آشنا بودند و تا حدی بر آثار استادان اروپایی تأثیر گذاشت.
آندو هیروشیگه (1791-1858)
یکی از بزرگترین هنرمندان قرن نوزدهم. در ادو متولد شد، زندگی کرد، کار کرد، کار هوکوسای را ادامه داد، از کارهای او الهام گرفت. شیوه ای که او طبیعت را به تصویر می کشد تقریباً به اندازه تعداد خود آثار قابل توجه است.
ادو نام سابق توکیو است.
در اینجا تعدادی از ارقام مربوط به آثار او وجود دارد که توسط یک چرخه نقاشی نشان داده شده است:
- 5.5 هزار - تعداد تمام حکاکی ها؛
- «100 بازدید از ادو;
- "36 نما از فوجی";
- "69 ایستگاه کیسوکایدو"؛
- "53 ایستگاه توکایدو".
نقاشی آندو هیروشیگه
جالب اینجاست که ون گوگ برجسته چند نسخه از حکاکی های خود نوشته است.
مدرنیته
تاکاشی موراکامی
نقاش، مجسمه ساز، طراح مد، او در اواخر قرن بیستم نامی به دست آورد. او در کار خود به روند مد با عناصر کلاسیک پایبند است و از انیمیشن ها و کارتون های مانگا الهام می گیرد.
نقاشی تاکاشی موراکامی
آثار تاکاشی موراکامی به عنوان یک خرده فرهنگ طبقه بندی می شوند، اما در عین حال فوق العاده محبوب هستند. به عنوان مثال در سال 2008 یکی از آثار او در حراجی به قیمت بیش از 15 میلیون دلار خریداری شد. در یک زمان، خالق مدرن با خانه های مد "Marc Jacobs" و "Louis Vuitton" همکاری می کرد.
تیکو آسیما
او که یکی از همکاران یک هنرمند قبلی است، نقاشی های سورئال معاصر را خلق می کند. آنها مناظری از شهرها، خیابان های کلان شهرها و موجوداتی را که گویی از جهان دیگری آمده اند - ارواح، ارواح شیطانی، دختران بیگانه را به تصویر می کشند. در پس‌زمینه نقاشی‌ها اغلب می‌توانید طبیعت بکر و حتی گاهی ترسناک را ببینید.
نقاشی های او به اندازه های بزرگ می رسد و به ندرت به کاغذ محدود می شود. آنها به چرم، مواد پلاستیکی منتقل می شوند.
در سال 2006، به عنوان بخشی از نمایشگاهی در پایتخت بریتانیا، زنی حدود 20 سازه قوسی را خلق کرد که زیبایی طبیعت روستا و شهر را در روز و شب منعکس می کرد. یکی از آنها ایستگاه مترو را تزئین کرد.
هی آراکاوا
مرد جوان را نمی توان فقط یک هنرمند به معنای کلاسیک کلمه نامید - او نصب هایی ایجاد می کند که در هنر قرن 21 بسیار محبوب هستند. موضوعات نمایشگاه های او واقعا ژاپنی است و به روابط دوستانه و همچنین کار کل تیم می پردازد.
ای آراکاوا اغلب در دوسالانه های مختلف شرکت می کند، به عنوان مثال، در ونیز، در موزه هنر مدرن در زادگاه خود به نمایش گذاشته می شود و به شایستگی جوایز مختلفی را دریافت می کند.
ایکناگا یاسوناری
نقاش مدرن ایکناگا یاسوناری موفق شد دو چیز به ظاهر ناسازگار را با هم ترکیب کند: زندگی دختران امروزی در قالب پرتره و تکنیک های سنتی ژاپن از دوران باستان. نقاش در کار خود از قلم مو های مخصوص، رنگ های پیگمنت طبیعی، جوهر و زغال استفاده می کند. به جای کتانی معمولی - پارچه کتان.
نقاشی ایکناگا یاسوناری
این تکنیک تضاد دوران تصویر شده و ظاهر قهرمانان این تصور را ایجاد می کند که آنها از گذشته به ما بازگشته اند.
مجموعه ای از نقاشی ها درباره پیچیدگی های زندگی یک کروکودیل که اخیراً در جامعه اینترنتی رایج شده است نیز توسط کاریکاتوریست ژاپنی کیگو ساخته شده است.
نتیجه
بنابراین، نقاشی ژاپنی در حدود قرن 3 قبل از میلاد آغاز شد و از آن زمان تاکنون تغییرات زیادی کرده است. اولین تصاویر روی سرامیک ها اعمال شد، سپس نقوش بودایی در هنر غالب شد، اما نام نویسندگان تا به امروز باقی نمانده است.
در عصر عصر جدید، استادان قلم مو بیشتر و بیشتر فردیت را به دست آوردند، جهت ها، مدارس مختلف را ایجاد کردند. هنرهای تجسمی امروزی به نقاشی سنتی محدود نمی شود - از چیدمان ها، کاریکاتورها، مجسمه های هنری، سازه های خاص استفاده می شود.
از توجه شما خوانندگان عزیز بسیار متشکرم! امیدواریم مقاله ما برای شما مفید واقع شده باشد و داستان های مربوط به زندگی و کار برجسته ترین نمایندگان هنر باعث شده است که با آنها بیشتر آشنا شوید.
البته به سختی می توان در یک مقاله درباره همه هنرمندان از دوران باستان تا امروز گفت. بنابراین، بگذارید این اولین قدم به سوی دانش نقاشی ژاپنی باشد.
و به ما بپیوندید - در وبلاگ مشترک شوید - ما بودیسم و فرهنگ شرق را با هم مطالعه خواهیم کرد!
هوکوسای، هنرمند ژاپنی قرن هجدهم، مجموعه ای گیج کننده از آثار هنری خلق کرد. هوکوسای تا سنین پیری به خوبی کار می کرد و همواره تاکید می کرد که "هر کاری که قبل از 70 سالگی انجام می داد ارزش نداشت و ارزش توجه نداشت."
او که احتمالاً مشهورترین هنرمند ژاپنی در جهان است، همیشه با علاقه اش به زندگی روزمره از هنرمندان معاصر خود متمایز بوده است. هوکوسای به جای به تصویر کشیدن گیشاهای پر زرق و برق و سامورایی های قهرمان، کارگران، ماهیگیران، صحنه های ژانر شهری را نقاشی می کرد که هنوز موضوع مورد توجه هنر ژاپنی نبود. او همچنین رویکرد اروپایی به آهنگسازی داشت.
در اینجا لیست کوتاهی از اصطلاحات کلیدی وجود دارد که به شما کمک می کند تا کمی در کار هوکوسای حرکت کنید.
1 Ukiyo-e چاپ‌ها و نقاشی‌هایی هستند که از سال‌های 1600 تا 1800 در ژاپن رایج بودند. گرایشی در هنرهای تجسمی ژاپن که از دوره ادو توسعه یافته است. این اصطلاح از کلمه "ukiyo" به معنای "دنیای در حال تغییر" گرفته شده است. ویکی کنایه ای از شادی های لذت طلبانه طبقه بازرگان در حال رشد است. در این مسیر هوکوسای مشهورترین هنرمند است.
هوکوسای در طول زندگی خود حداقل از سی نام مستعار استفاده کرد. علیرغم این واقعیت که استفاده از نام مستعار در بین هنرمندان ژاپنی آن زمان رایج بود، او از نظر تعداد نام مستعار به طور قابل توجهی از سایر نویسندگان اصلی پیشی گرفت. نام مستعار هوکوسای اغلب برای دوره‌بندی مراحل کار او استفاده می‌شود.
2 دوره ادو زمانی بین 1603 و 1868 در تاریخ ژاپن است که رشد اقتصادی و علاقه جدید به هنر و فرهنگ مورد توجه قرار گرفت.
3 Shunrō اولین نام مستعار هوکوسای است.
4 Shunga در لغت به معنای "تصویر بهار" است و "بهار" زبان عامیانه ژاپنی برای سکس است. بنابراین، اینها حکاکی هایی با ماهیت اروتیک هستند. آنها توسط معتبرترین هنرمندان از جمله هوکوسای خلق شدند.
5 سوریمونو. آخرین "سوریمونو" - همانطور که این چاپ های سفارشی نامیده می شد - موفقیت بزرگی بود. برخلاف چاپ های ukiyo-e که برای مخاطبان انبوه طراحی شده بودند، سوریمونو به ندرت به عموم مردم فروخته می شد.
6 کوه فوجی یک کوه متقارن است که اتفاقاً بلندترین کوه ژاپن است. در طول سال ها، او الهام بخش بسیاری از هنرمندان و شاعران، از جمله هوکوسای، سازنده سریال ukiyo-e سی و شش نما از کوه فوجی بوده است. این مجموعه شامل معروف ترین چاپ های هوکوسای است.
7 ژاپنیسم تأثیری ماندگار است که هوکوسای بر نسل های بعدی هنرمندان غربی گذاشت. ژاپنیسم سبکی است که از رنگ های روشن پرینت های ukiyo-e، فقدان پرسپکتیو و آزمایش های ترکیبی الهام گرفته شده است.
نقاشی ژاپنی یک جهت کاملا منحصر به فرد در هنر جهان است. از زمان های قدیم وجود داشته است، اما به عنوان یک سنت محبوبیت و توانایی خود را برای شگفتی از دست نداده است.
توجه به سنت ها
شرق فقط مناظر، کوه ها و طلوع خورشید نیست. اینها نیز کسانی هستند که تاریخ آن را خلق کردند. این مردم هستند که سنت نقاشی ژاپنی را برای قرن ها حفظ کرده و هنر خود را توسعه و تکثیر کرده اند. کسانی که سهم قابل توجهی در تاریخ هنرمندان ژاپنی داشتند. به لطف آنهاست که مدرن ها تمام قوانین نقاشی سنتی ژاپنی را حفظ کرده اند.
سبک نقاشی
برخلاف اروپا، هنرمندان ژاپنی ترجیح می‌دادند بیشتر به گرافیک نزدیک شوند تا نقاشی. در چنین نقاشی هایی نمی توان ضربات خشن و بی دقتی از روغن را که بسیار مشخصه امپرسیونیست ها است، یافت. ماهیت گرافیکی هنرهایی مانند درختان، صخره ها، حیوانات و پرندگان ژاپنی چیست - همه چیز در این تصاویر تا حد امکان واضح و با خطوط جوهر محکم و مطمئن ترسیم شده است. تمام اشیاء در ترکیب باید یک طرح کلی داشته باشند. پر کردن داخل کانتور معمولا با آبرنگ انجام می شود. رنگ شسته می شود، سایه های دیگر اضافه می شود و در جایی رنگ کاغذ باقی می ماند. تزئینات دقیقاً همان چیزی است که نقاشی های ژاپنی را از هنر کل جهان متمایز می کند.
تضاد در نقاشی
کنتراست یکی دیگر از تکنیک های مشخصه مورد استفاده هنرمندان ژاپنی است. این ممکن است تفاوت در تن، رنگ یا تضاد سایه های گرم و سرد باشد.
هنرمند زمانی که بخواهد برخی از عناصر موضوع را برجسته کند به تکنیکی متوسل می شود. این می تواند یک رگ روی یک گیاه، یک گلبرگ یا یک تنه درخت در برابر آسمان باشد. سپس بخش نور و نور شی و سایه زیر آن به تصویر کشیده می شود (یا برعکس).
انتقال و رنگ
هنگام کشیدن نقاشی های ژاپنی، اغلب از انتقال استفاده می شود. آنها متفاوت هستند: به عنوان مثال، از یک رنگ به رنگ دیگر. روی گلبرگ های نیلوفرهای آبی، گل صد تومانی، می توانید تغییر رنگ سایه روشن به رنگی غنی و روشن را مشاهده کنید.
همچنین، انتقال در تصویر سطح آب، آسمان استفاده می شود. انتقال صاف از غروب خورشید به گرگ و میش تاریک و عمیق بسیار زیبا به نظر می رسد. در ترسیم ابرها از گذر از سایه ها و بازتاب های مختلف نیز استفاده می شود.
انگیزه های اصلی نقاشی ژاپنی
در هنر، همه چیز با زندگی واقعی، با احساسات و عواطف کسانی که درگیر آن هستند، در ارتباط است. همانطور که در ادبیات، موسیقی و دیگر مظاهر خلاقیت، چندین مضمون ابدی در نقاشی وجود دارد. اینها توطئه های تاریخی، تصاویری از مردم و طبیعت هستند.
مناظر ژاپنی متنوع است. اغلب در نقاشی ها تصاویری از حوضچه ها وجود دارد - موضوع مورد علاقه داخلی ژاپنی ها. یک حوض تزئینی، چندین نیلوفر آبی و بامبو در نزدیکی - این چیزی است که یک نقاشی معمولی قرن 17-18 به نظر می رسد.
حیوانات در نقاشی ژاپنی
حیوانات نیز عنصری تکرارشونده در نقاشی آسیایی هستند. به طور سنتی، این یک ببر خمیده یا یک گربه خانگی است. به طور کلی، آسیایی ها بسیار دوست دارند و بنابراین نمایندگان آنها در تمام اشکال هنر شرقی یافت می شوند.
دنیای جانوران موضوع دیگری است که نقاشی ژاپنی دنبال می شود. پرندگان - جرثقیل ها، طوطی های تزئینی، طاووس های مجلل، پرستوها، گنجشک های نامحسوس و حتی خروس ها - همه آنها در نقاشی های استادان شرقی یافت می شوند.
ماهی یک موضوع داغ برای هنرمندان ژاپنی است. کوی نسخه ژاپنی ماهی قرمز است. این موجودات در آسیا در تمام برکه ها، حتی پارک ها و باغ های کوچک زندگی می کنند. کپور کوی نوعی سنت است که به طور خاص متعلق به ژاپن است. این ماهی نماد مبارزه، عزم، دستیابی به هدف است. جای تعجب نیست که آنها به صورت شناور همراه با جریان، همیشه با تاج های موجی تزئینی به تصویر کشیده می شوند.
نقاشی های ژاپنی: تصویر مردم
افراد در نقاشی ژاپنی موضوع خاصی هستند. هنرمندان گیشاها، امپراتوران، جنگجویان و بزرگان را به تصویر می کشیدند.
گیشاها در احاطه گل‌ها به تصویر کشیده شده‌اند که همیشه لباس‌های استادانه‌ای با چین‌ها و عناصر فراوان به تن دارند.
مردان عاقل در حال نشستن یا توضیح چیزی برای دانش آموزان خود به تصویر کشیده می شوند. تصویر یک دانشمند قدیمی نمادی از تاریخ، فرهنگ و فلسفه آسیا است.
جنگجو به شکلی مهیب و گاهی ترسناک به تصویر کشیده شد. بلندها با جزئیات کشیده شده بودند و شبیه سیم بودند.
معمولا تمام جزئیات زره با جوهر تصفیه می شود. اغلب، جنگجویان برهنه با خالکوبی هایی تزئین می شوند که یک اژدهای شرقی را نشان می دهد. این نماد قدرت و قدرت نظامی ژاپن است.
حاکمان برای خانواده های امپراتوری به تصویر کشیده شده بودند. لباس های زیبا، زیور آلات در موهای مردان - که چنین آثار هنری فراوان است.
مناظر طبیعی
چشم انداز سنتی ژاپنی - کوه ها. نقاشان آسیایی در به تصویر کشیدن مناظر گوناگون موفق شده اند: آنها می توانند قله یکسان را در رنگ های مختلف و با حال و هوای متفاوت به تصویر بکشند. تنها چیزی که بدون تغییر باقی می ماند وجود اجباری گل است. معمولاً هنرمند در کنار کوه ها نوعی گیاه را در پیش زمینه به تصویر می کشد و آن را با جزئیات ترسیم می کند. کوه ها و شکوفه های گیلاس زیبا به نظر می رسند. و اگر گلبرگ های در حال سقوط را بکشید - این تصویر توسط زیبایی غم انگیز تحسین می شود. تضاد در فضای نقاشی یکی دیگر از ویژگی های قابل توجه فرهنگ ژاپنی است.
هیروگلیف
اغلب ترکیب یک تصویر در نقاشی ژاپنی با حروف ترکیب می شود. هیروگلیف ها طوری چیده شده اند که از نظر ترکیب بندی زیبا به نظر می رسند. معمولاً در سمت چپ یا راست تصویر کشیده می شوند. هیروگلیف می تواند نشان دهد که چه چیزی در تصویر به تصویر کشیده شده است، نام آن یا نام هنرمند.
ژاپن یکی از غنی ترین کشورها در تاریخ و فرهنگ است. در سرتاسر جهان مرسوم است که ژاپنی ها را مردمی فضول تلقی می کنند که زیبایی شناسی را مطلقاً در همه جلوه های زندگی می یابند. بنابراین، نقاشی های ژاپنی همیشه از نظر رنگ و لحن بسیار هماهنگ هستند: اگر رنگ های روشن وجود داشته باشد، فقط در مراکز معنایی. به عنوان مثال از نقاشی های هنرمندان آسیایی می توان تئوری رنگ، انتقال صحیح فرم با استفاده از گرافیک و ترکیب بندی را مطالعه کرد. تکنیک اجرای نقاشی های ژاپنی به قدری بالاست که می تواند نمونه ای برای کار با آبرنگ و اجرای «شستشو» آثار گرافیکی باشد.
که تکنیک ها و سبک های زیادی را پوشش می دهد. در طول تاریخ خود، دستخوش تغییرات زیادی شده است. سنت ها و ژانرهای جدید اضافه شد و اصول اولیه ژاپنی باقی ماند. در کنار تاریخ شگفت انگیز ژاپن، این نقاشی نیز آماده ارائه بسیاری از حقایق منحصر به فرد و جالب است.
ژاپن باستان
اولین سبک ها در کهن ترین دوره تاریخی کشور، حتی قبل از میلاد مسیح ظاهر می شوند. ه. در آن زمان، هنر بسیار ابتدایی بود. ابتدا در 300 ق.م. ه.، اشکال هندسی مختلفی ظاهر شد که به کمک چوب بر روی سفال ساخته می شد. چنین یافته ای توسط باستان شناسان به عنوان زیور بر زنگ های برنزی متعلق به زمان های بعد است.
کمی بعد، در حال حاضر در 300 پس از میلاد. ه.، نقاشی های صخره ای ظاهر می شوند که بسیار متنوع تر از تزئینات هندسی هستند. اینها قبلاً تصاویر تمام عیار با تصاویر هستند. آنها در داخل دخمه ها پیدا شده اند و احتمالاً افرادی که روی آنها نقاشی شده اند در این گورستان دفن شده اند.
در قرن هفتم ق. ه. ژاپن خطی را که از چین می آید، اتخاذ می کند. تقریباً در همان زمان، اولین نقاشی ها از آنجا می آیند. سپس نقاشی به عنوان یک حوزه هنری جداگانه ظاهر می شود.
edo
ادو با اولین و نه آخرین نقاشی فاصله دارد، اما این او بود که چیزهای جدید زیادی را به فرهنگ آورد. اولاً، این روشنایی و درخشندگی است که به تکنیک معمولی اضافه شده است که در رنگ های سیاه و خاکستری اجرا می شود. سوتاسو را برجسته ترین هنرمند این سبک می دانند. او نقاشی های کلاسیک خلق کرد، اما شخصیت هایش بسیار رنگارنگ بودند. بعداً به طبیعت روی آورد و بیشتر مناظر با پس زمینه طلاکاری انجام شد.
ثانیاً ، در دوره ادو ، ژانر عجیب و غریب ، ژانر نامبان ظاهر شد. از تکنیک های مدرن اروپایی و چینی استفاده می کرد که با سبک های سنتی ژاپنی در هم آمیخته بود.
و سوم، مدرسه نانگ ظاهر می شود. در آن، هنرمندان ابتدا به طور کامل از آثار استادان چینی تقلید یا حتی کپی می کنند. سپس یک شاخه جدید ظاهر می شود که به آن bunjing می گویند.
دوره مدرنیزاسیون
دوره ادو جایگزین میجی شد و اکنون نقاشی ژاپنی مجبور است وارد مرحله جدیدی از پیشرفت شود. در این زمان، ژانرهایی مانند وسترن و امثال آن در سراسر جهان رواج یافتند، بنابراین مدرن شدن هنر تبدیل به یک امر رایج شد. با این حال، در ژاپن، کشوری که همه مردم در آن به سنت ها احترام می گذارند، در این زمان وضعیت به طور قابل توجهی با آنچه در کشورهای دیگر اتفاق افتاد متفاوت بود. در اینجا، رقابت بین تکنسین های اروپایی و محلی به شدت شعله ور می شود.
دولت در این مرحله اولویت خود را به هنرمندان جوانی می دهد که قول زیادی برای بهبود مهارت های خود در سبک های غربی نشان می دهند. بنابراین آنها را به مدارس اروپا و آمریکا می فرستند.
اما این فقط در ابتدای دوره بود. واقعیت این است که منتقدان مشهور هنر غرب را به شدت مورد انتقاد قرار داده اند. برای جلوگیری از هیاهوی بزرگ پیرامون این موضوع، سبک‌ها و تکنیک‌های اروپایی از نمایشگاه‌ها منع شدند، نمایش آنها متوقف شد و همچنین محبوبیت آنها متوقف شد.
ظهور سبک های اروپایی
سپس دوره تایشو فرا می رسد. در این زمان، هنرمندان جوانی که برای تحصیل در مدارس خارجی رفته بودند به وطن خود باز می گردند. طبیعتاً سبک های جدیدی از نقاشی ژاپنی را با خود می آورند که بسیار شبیه به سبک های اروپایی است. امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم ظاهر می شود.
در این مرحله مکاتب زیادی شکل می گیرد که سبک های ژاپنی باستانی در آنها احیا می شود. اما رهایی کامل از گرایشات غربی ممکن نیست. بنابراین، ترکیب چندین تکنیک ضروری است تا هم دوستداران کلاسیک و هم طرفداران نقاشی مدرن اروپایی را خوشحال کند.
بودجه برخی مدارس توسط دولت تامین می شود و به لطف آن بسیاری از سنت های ملی حفظ می شوند. از طرف دیگر، تاجران خصوصی مجبور هستند از مشتریانی پیروی کنند که چیز جدیدی می خواهند، آنها از کلاسیک خسته شده اند.
نقاشی جنگ جهانی دوم
پس از شروع جنگ، نقاشی ژاپنی برای مدتی از رویدادها دور ماند. به طور جداگانه و مستقل توسعه یافته است. اما نمی‌توانست برای همیشه اینطور ادامه پیدا کند.
با گذشت زمان که اوضاع سیاسی کشور رو به وخامت می رود، چهره های بلندپایه و محترم هنرمندان بسیاری را به خود جذب می کنند. برخی از آنها، حتی در آغاز جنگ، شروع به ایجاد سبک های میهنی می کنند. بقیه فقط با دستور مقامات این روند را شروع می کنند.
بر این اساس، هنرهای زیبای ژاپن در طول جنگ جهانی دوم نتوانست به طور ویژه توسعه یابد. بنابراین، برای نقاشی می توان آن را راکد نامید.
سوئیبوکوگا ابدی
نقاشی ژاپنی sumi-e یا suibokuga به معنای "طراحی با جوهر" است. این موضوع سبک و تکنیک این هنر را مشخص می کند. از چین آمد، اما ژاپنی ها تصمیم گرفتند نام خود را به آن بدهند. و در ابتدا این تکنیک جنبه زیبایی شناختی نداشت. راهبان از آن برای بهبود خود در حین مطالعه ذن استفاده می کردند. علاوه بر این، در ابتدا نقاشی می کشیدند و بعداً هنگام مشاهده آنها تمرکز خود را آموزش می دادند. راهبان معتقد بودند که خطوط سخت، زنگ های مبهم و سایه ها به بهبود کمک می کند - همه چیزهایی که تک رنگ نامیده می شود.
نقاشی ژاپنی با جوهر، با وجود تنوع گسترده نقاشی ها و تکنیک ها، آنقدرها که در نگاه اول به نظر می رسد پیچیده نیست. این تنها بر اساس 4 طرح است:
- گل داودی.
- ارکیده.
- شاخه آلو.
- بامبو.
تعداد کمی از طرح ها باعث توسعه سریع فناوری نمی شود. برخی از اساتید معتقدند که یادگیری مادام العمر است.
علیرغم این واقعیت که sumi-e مدتها پیش ظاهر شد، همیشه مورد تقاضا است. علاوه بر این، امروزه می توانید با اساتید این مدرسه نه تنها در ژاپن ملاقات کنید، بلکه بسیار فراتر از مرزهای آن نیز گسترده است.
دوره مدرن
در پایان جنگ جهانی دوم، هنر در ژاپن تنها در شهرهای بزرگ شکوفا شد، روستاییان و روستاییان دغدغه کافی داشتند. هنرمندان در بیشتر موارد سعی کردند به خسارات جنگ پشت کنند و زندگی مدرن شهری را با تمام تزیینات و ویژگی هایش بر روی بوم به تصویر بکشند. ایده های اروپایی و آمریکایی با موفقیت پذیرفته شد، اما این وضعیت چندان دوام نیاورد. بسیاری از استادان به تدریج از آنها به سمت مدارس ژاپنی دور شدند.
سبک سنتی همیشه مد بوده است. بنابراین، نقاشی مدرن ژاپنی تنها در تکنیک اجرا یا مواد مورد استفاده در این فرآیند می تواند متفاوت باشد. اما بیشتر هنرمندان نوآوری های مختلف را به خوبی درک نمی کنند.
غیرممکن است که از خرده فرهنگ های مدرن مد روز مانند انیمه و سبک های مشابه خودداری کنید. بسیاری از هنرمندان در تلاش هستند تا مرز بین کلاسیک و آنچه امروزه مورد تقاضا است را از بین ببرند. این وضعیت بیشتر به دلیل تجارت است. ژانرهای کلاسیک و سنتی در واقع خریداری نمی شوند، بنابراین، کار کردن به عنوان یک هنرمند در ژانر مورد علاقه خود بی سود است، شما باید با مد سازگار شوید.
نتیجه
بدون شک نقاشی ژاپنی گنجینه ای از هنرهای زیباست. شاید کشور مورد نظر تنها کشوری بود که از روندهای غربی پیروی نکرد، با مد سازگار نشد. با وجود ضربات فراوان در زمان ظهور تکنیک های جدید، هنرمندان ژاپنی هنوز هم توانستند از سنت های ملی در بسیاری از ژانرها دفاع کنند. احتمالاً به همین دلیل است که در دوران مدرن، نقاشی‌های ساخته شده به سبک کلاسیک در نمایشگاه‌ها ارزش بالایی دارند.