ศิลปินญี่ปุ่นที่ดีที่สุด ศิลปะร่วมสมัย: ญี่ปุ่น. อาชิมะและจักรวาลเหนือจริงของเธออย่างเงียบ ๆ

ทุกประเทศมีวีรบุรุษ ศิลปะร่วมสมัยซึ่งมีชื่อเป็นที่รู้จักกันดี มีนิทรรศการที่ดึงดูดแฟน ๆ และผู้คนที่อยากรู้อยากเห็นจำนวนมาก และผลงานของเขาถูกขายให้กับคอลเลกชันส่วนตัว

ในบทความนี้เราจะแนะนำคุณให้รู้จักกับความนิยมสูงสุด ศิลปินร่วมสมัยญี่ปุ่น.

เคโกะ ทานาเบะ

Keiko เกิดที่เมืองเกียวโต และได้รับรางวัลการแข่งขันศิลปะมากมายตั้งแต่ยังเป็นเด็ก อุดมศึกษาฉันไม่ได้รับมันในสาขาศิลปะเลย ทำงานในแผนก ความสัมพันธ์ระหว่างประเทศในภาษาญี่ปุ่น องค์กรการค้าการปกครองตนเองในโตเกียว สำนักงานกฎหมายขนาดใหญ่ในซานฟรานซิสโก และบริษัทที่ปรึกษาเอกชนในซานดิเอโก และเดินทางอย่างกว้างขวาง เริ่มต้นในปี 2003 เธอออกจากงานและหลังจากศึกษาพื้นฐานของการวาดภาพสีน้ำในซานดิเอโกแล้วอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยเฉพาะ

อิเคนากะ ยาสุนาริ

ศิลปินชาวญี่ปุ่น อิเคนากะ ยาสุนาริ วาดภาพบุคคล ผู้หญิงยุคใหม่ในสมัยโบราณ ประเพณีของญี่ปุ่นการทาสีโดยใช้แปรง Menso เม็ดสีแร่ คาร์บอนแบล็ค หมึก และลินินเป็นฐาน ตัวละครนี้เป็นผู้หญิงในยุคของเรา แต่ด้วยสไตล์ของ Nihonga คุณจะรู้สึกว่าพวกเธอมาหาเราตั้งแต่สมัยโบราณ

อาเบะ โทชิยูกิ

Abe Toshiyuki เป็นศิลปินแนวสัจนิยมที่เชี่ยวชาญ เทคนิคสีน้ำ. อาเบะสามารถเรียกได้ว่าเป็นศิลปิน - ปราชญ์: โดยพื้นฐานแล้วเขาไม่ได้วาดภาพสถานที่สำคัญที่มีชื่อเสียงโดยเลือกใช้องค์ประกอบเชิงอัตนัยที่สะท้อนถึง รัฐภายในคนที่เฝ้าดูพวกเขาอยู่

ฮิโรโกะ ซากาอิ

อาชีพของศิลปิน Hiroko Sakai เริ่มต้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 ในเมืองฟุกุโอกะ หลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัย Seinan Gakuin และ โรงเรียนภาษาฝรั่งเศสการออกแบบตกแต่งภายในของ Nihon ในด้านการออกแบบและการแสดงภาพ เธอก่อตั้ง "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." และบริหารสตูดิโอแห่งนี้ได้สำเร็จมาเป็นเวลา 5 ปี ผลงานหลายชิ้นของเธอตกแต่งล็อบบี้ของโรงพยาบาล สำนักงานของบริษัทขนาดใหญ่ และอาคารเทศบาลบางแห่งในญี่ปุ่น หลังจากย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา ฮิโรโกะก็เริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมัน

ริอุสุเกะ ฟุคาโฮริ

ผลงานสามมิติของ Riusuki Fukahori มีลักษณะคล้ายโฮโลแกรม พวกเขาเสร็จแล้ว ภาพวาดสีอะคิลิกทาหลายชั้น และของเหลวเรซินโปร่งใส - ทั้งหมดนี้ ไม่รวมวิธีการแบบดั้งเดิม เช่น การวาดเงา การปรับขอบให้อ่อนลง การควบคุมความโปร่งใส ทำให้ Riusuki สามารถสร้าง จิตรกรรมประติมากรรมและให้ความลึกและความสมจริงของงาน

นัตสึกิ โอทานิ

นัตสึกิ โอทานิเป็นนักวาดภาพประกอบชาวญี่ปุ่นที่มีพรสวรรค์ซึ่งอาศัยและทำงานในอังกฤษ

มาโคโตะ มุรามัตสึ

Makoto Muramatsu เลือกธีมแบบ win-win เป็นพื้นฐานสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขา - เขาวาดแมว รูปภาพของเขาโด่งดังไปทั่วโลกโดยเฉพาะในรูปแบบของปริศนา

เท็ตสึยะ มิชิมะ

ภาพวาดส่วนใหญ่เป็นภาพสมัยใหม่ ศิลปินชาวญี่ปุ่นมิชิมะทำจากน้ำมัน เธอวาดภาพอย่างมืออาชีพมาตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 90 และมีหลายภาพ นิทรรศการส่วนตัวและ จำนวนมากนิทรรศการรวมทั้งญี่ปุ่นและต่างประเทศ

ซึ่งครอบคลุมเทคนิคและสไตล์มากมาย ตลอดประวัติศาสตร์ มีการเปลี่ยนแปลงมากมาย มีการเพิ่มประเพณีและประเภทใหม่ๆ และยังคงหลักการดั้งเดิมของญี่ปุ่นไว้ พร้อมด้วย เรื่องราวที่น่าทึ่งภาพวาดญี่ปุ่นยังพร้อมนำเสนอข้อเท็จจริงอันเป็นเอกลักษณ์และน่าสนใจมากมาย

ญี่ปุ่นโบราณ

รูปแบบแรกปรากฏในสมัยโบราณที่สุด ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ประเทศต่างๆ แม้กระทั่งก่อนคริสต์ศักราช จ. จากนั้นศิลปะก็ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ ครั้งแรกใน 300 ปีก่อนคริสตกาล จ. ต่างๆ รูปทรงเรขาคณิตซึ่งดำเนินการกับเครื่องปั้นดินเผาโดยใช้ไม้ การค้นพบดังกล่าวโดยนักโบราณคดีเช่นการตกแต่งระฆังทองสัมฤทธิ์มีอายุย้อนกลับไปในเวลาต่อมา

ต่อมาอีกเล็กน้อยในคริสตศักราช 300 e. ปรากฏ ภาพวาดถ้ำซึ่งมีความหลากหลายมากกว่ามาก เครื่องประดับเรขาคณิต. ภาพเหล่านี้เป็นภาพที่มีรูปภาพครบถ้วนอยู่แล้ว พวกเขาถูกพบในห้องใต้ดิน และอาจเป็นไปได้ว่าผู้คนที่ถูกวาดบนนั้นถูกฝังอยู่ในบริเวณฝังศพเหล่านี้

ในคริสตศตวรรษที่ 7 จ. ญี่ปุ่นรับเอาการเขียนที่มาจากประเทศจีน ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดชิ้นแรกก็มาจากที่นั่น จากนั้นภาพวาดก็ปรากฏเป็นงานศิลปะที่แยกจากกัน

เอโดะ

เอโดะอยู่ไกลจากภาพวาดแรกและไม่ใช่ภาพสุดท้าย แต่ได้นำสิ่งใหม่ๆ มาสู่วัฒนธรรมมากมาย ประการแรก ความสว่างและสีสันที่ถูกเพิ่มเข้าไปในเทคนิคปกติที่ใช้สีดำและ โทนสีเทา. ที่สุด ศิลปินที่โดดเด่นลักษณะนี้ถือว่าโซทาสุ เขาสร้าง ภาพวาดคลาสสิกแต่ตัวละครของเขามีสีสันมาก ต่อมาเขาเปลี่ยนมาสู่ธรรมชาติ และภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ของเขาถูกทาสีด้วยพื้นหลังปิดทอง

ประการที่สอง ในสมัยเอโดะ ลัทธินอกรีต แนวนัมบังก็ปรากฏขึ้น ใช้เทคนิคยุโรปและจีนสมัยใหม่ที่ผสมผสานกับสไตล์ญี่ปุ่นดั้งเดิม

และประการที่สาม โรงเรียนนางาก็ปรากฏตัวขึ้น ในนั้นศิลปินจะเลียนแบบหรือคัดลอกผลงานโดยสิ้นเชิงก่อน ปรมาจารย์ชาวจีน. จากนั้นกิ่งก้านใหม่ก็ปรากฏขึ้น เรียกว่า bunjing

ระยะเวลาการปรับปรุงให้ทันสมัย

สมัยเอโดะเปิดทางให้กับเมจิ และตอนนี้ภาพวาดของญี่ปุ่นถูกบังคับให้ทำเช่นนั้น เวทีใหม่การพัฒนา. ในเวลานี้ ประเภทต่างๆ เช่น ตะวันตกและประเภทอื่นๆ กำลังได้รับความนิยมไปทั่วโลก ดังนั้นความทันสมัยของศิลปะจึงกลายเป็นเรื่องธรรมดา อย่างไรก็ตาม ในญี่ปุ่น ซึ่งเป็นประเทศที่ทุกคนเคารพประเพณี เวลาที่กำหนดสถานการณ์แตกต่างอย่างมากจากสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศอื่น การแข่งขันระหว่างช่างเทคนิคชาวยุโรปและท้องถิ่นนั้นดุเดือดที่นี่

รัฐบาลในขั้นตอนนี้ให้ความสำคัญกับศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีแนวโน้มว่าจะพัฒนาทักษะของตนเองในรูปแบบตะวันตก พวกเขาจึงส่งพวกเขาไปโรงเรียนในยุโรปและอเมริกา

แต่นี่เป็นเพียงช่วงเริ่มต้นเท่านั้น ความจริงก็คือว่า นักวิจารณ์ชื่อดังวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างมาก ศิลปะตะวันตก. เพื่อหลีกเลี่ยงไม่ให้เกิดปัญหานี้ รูปแบบและเทคนิคของยุโรปจึงเริ่มถูกห้ามในนิทรรศการ การจัดแสดงก็หยุดลง เช่นเดียวกับความนิยม

การเกิดขึ้นของสไตล์ยุโรป

ถัดมาเป็นยุคไทโช ในเวลานี้ศิลปินหนุ่มที่กำลังจะลาไปศึกษาต่อ โรงเรียนต่างประเทศกลับมายังบ้านเกิดของพวกเขา โดยธรรมชาติแล้วพวกเขาจะนำสไตล์ใหม่ๆ มาด้วย ภาพวาดญี่ปุ่นซึ่งคล้ายกับชาวยุโรปมาก อิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏขึ้น

ในระยะนี้โรงเรียนหลายแห่งกำลังก่อตัวขึ้นในสมัยโบราณ สไตล์ญี่ปุ่น. แต่มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำจัดแนวโน้มแบบตะวันตกออกไปโดยสิ้นเชิง ดังนั้นเราจึงต้องผสมผสานเทคนิคหลายอย่างเข้าด้วยกันเพื่อเอาใจทั้งผู้ชื่นชอบความคลาสสิกและผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพยุโรปสมัยใหม่

โรงเรียนบางแห่งได้รับทุนจากรัฐ ซึ่งทำให้สามารถรักษาประเพณีของชาติหลายประการไว้ได้ เจ้าของเอกชนถูกบังคับให้ปฏิบัติตามผู้นำของผู้บริโภคที่ต้องการสิ่งใหม่ ๆ พวกเขาเบื่อกับความคลาสสิก

ภาพวาดจากสงครามโลกครั้งที่สอง

หลังจากเริ่มช่วงสงคราม ภาพวาดของญี่ปุ่นยังคงห่างไกลจากเหตุการณ์ต่างๆ มาระยะหนึ่งแล้ว มันพัฒนาแยกกันและเป็นอิสระ แต่สิ่งนี้ไม่สามารถดำเนินต่อไปได้ตลอดไป

เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อสถานการณ์ทางการเมืองในประเทศแย่ลง บุคคลระดับสูงและได้รับความเคารพจะดึงดูดศิลปินจำนวนมาก บางคนเริ่มสร้างสไตล์รักชาติแม้ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม ส่วนที่เหลือจะเริ่มกระบวนการนี้ตามคำสั่งจากทางการเท่านั้น

ดังนั้นวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นจึงไม่สามารถพัฒนาได้โดยเฉพาะในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ดังนั้นสำหรับการทาสีจึงเรียกได้ว่านิ่ง

ซุยโบกุกะชั่วนิรันดร์

ภาพวาดซูมิเอะของญี่ปุ่นหรือซุยโบกุกะ แปลว่า "ภาพวาดหมึก" อย่างแท้จริง นี่เป็นตัวกำหนดสไตล์และเทคนิค ของศิลปะนี้. มันมาจากประเทศจีน แต่ญี่ปุ่นก็ตัดสินใจเรียกมันว่าเป็นของตัวเอง และในตอนแรกเทคนิคนี้ไม่มีด้านความสวยงามเลย พระสงฆ์ใช้เพื่อการพัฒนาตนเองขณะศึกษาเซน นอกจากนี้พวกเขาวาดภาพก่อนแล้วจึงฝึกสมาธิขณะชมภาพเหล่านั้น พระภิกษุเชื่อว่าเส้นที่เข้มงวด โทนสีและเงาที่พร่ามัว - ทั้งหมดที่เรียกว่าเอกรงค์ - ช่วยปรับปรุง

แม้ว่าภาพวาดหมึกของญี่ปุ่น หลากหลายมากภาพวาดและเทคนิคไม่ซับซ้อนเท่าที่ควรเมื่อมองแวบแรก มันขึ้นอยู่กับเพียง 4 แปลง:

1. ดอกเบญจมาศ.
2. กล้วยไม้.
3. สาขาบ๊วย.
4. ไม้ไผ่.

แผนการจำนวนน้อยไม่ได้ช่วยให้เชี่ยวชาญเทคนิคได้อย่างรวดเร็ว อาจารย์บางคนเชื่อว่าการเรียนรู้จะคงอยู่ตลอดชีวิต

แม้ว่า sumi-e จะปรากฏตัวเมื่อนานมาแล้ว แต่ก็ยังเป็นที่ต้องการอยู่เสมอ ยิ่งไปกว่านั้น วันนี้คุณจะได้พบกับอาจารย์ของโรงเรียนแห่งนี้ ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังแพร่หลายไปไกลเกินขอบเขตอีกด้วย

ยุคสมัยใหม่

หลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่ 2 ศิลปะในญี่ปุ่นเจริญรุ่งเรืองเฉพาะใน เมืองใหญ่ๆชาวบ้านและชาวบ้านก็มีความกังวลมากพอแล้ว ศิลปินส่วนใหญ่พยายามหันหลังให้กับการสูญเสียในช่วงสงครามและพรรณนาถึงชีวิตสมัยใหม่บนผืนผ้าใบ ชีวิตในเมืองด้วยการตกแต่งและคุณสมบัติทั้งหมด ยุโรปและ ความคิดแบบอเมริกันแต่สถานการณ์นี้อยู่ได้ไม่นาน ปรมาจารย์หลายคนเริ่มค่อยๆ ย้ายจากพวกเขาไปโรงเรียนญี่ปุ่น

สไตล์ดั้งเดิมยังคงเป็นแฟชั่นอยู่เสมอ ดังนั้นการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่จึงมีความแตกต่างกันเฉพาะในเทคนิคการดำเนินการหรือวัสดุที่ใช้ในกระบวนการเท่านั้น แต่ศิลปินส่วนใหญ่ไม่ค่อยรับรู้ถึงนวัตกรรมต่างๆ ได้ดีนัก

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงแฟชั่น วัฒนธรรมย่อยสมัยใหม่เช่นอนิเมะและสไตล์ที่คล้ายกัน ศิลปินหลายคนพยายามทำให้เส้นแบ่งระหว่างความคลาสสิกกับสิ่งที่เป็นที่ต้องการในปัจจุบันไม่ชัดเจน สถานการณ์นี้ส่วนใหญ่เกิดจากการพาณิชย์ คลาสสิกและ ประเภทดั้งเดิมที่จริงแล้วพวกเขาไม่ได้ซื้อ ดังนั้นการทำงานเป็นศิลปินในแนวที่คุณชื่นชอบจึงไม่มีประโยชน์ คุณต้องปรับตัวให้เข้ากับแฟชั่น

บทสรุป

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพวาดของญี่ปุ่นถือเป็นขุมสมบัติ ทัศนศิลป์. บางทีประเทศที่เป็นปัญหาอาจเป็นประเทศเดียวที่ไม่ตามกระแสตะวันตกและไม่ปรับตัวเข้ากับแฟชั่น แม้จะมีความพ่ายแพ้หลายครั้งในระหว่างการใช้เทคนิคใหม่ๆ แต่ศิลปินญี่ปุ่นก็ยังคงสามารถปกป้องได้ ประเพณีประจำชาติในหลายประเภท นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพวาดที่ทำในรูปแบบคลาสสิกจึงมีมูลค่าสูงในนิทรรศการในปัจจุบัน

ภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นก็เป็นหนึ่งในนั้น ปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครศิลปะแห่งตะวันออก มีการทุ่มเทงานและการวิจัยมากมาย แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ธรรมดามากและบางครั้งก็เป็นของตกแต่ง ไม่เป็นเช่นนั้น โลกแห่งจิตวิญญาณของศิลปินชาวญี่ปุ่นนั้นอุดมสมบูรณ์มากและเขาไม่สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียศาสตร์มากนักเกี่ยวกับจิตวิญญาณ ศิลปะตะวันออกเป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ชัดเจนและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ ฉันอยากจะไม่สนใจประวัติความเป็นมาของการวาดภาพเอกรงค์ แต่เป็นแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึง

จอภาพ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดเอกรงค์เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับองค์ประกอบพื้นฐานสามประการ ได้แก่ กระดาษ พู่กัน หมึก ดังนั้นเพื่อที่จะเข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องเข้าใจตัวศิลปินและทัศนคติของเขาด้วย

"ทิวทัศน์" เซะชู 1398

กระดาษสำหรับ อาจารย์ชาวญี่ปุ่นไม่ใช่เรื่องง่าย วัสดุชั่วคราวซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้าม - นี่คือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามนั้น กระดาษก็ส่วนหนึ่ง ธรรมชาติโดยรอบซึ่งคนญี่ปุ่นปฏิบัติต่อด้วยความเคารพมาโดยตลอดและพยายามไม่ปราบแต่ให้อยู่ร่วมกับมันอย่างสันติ กระดาษคือต้นไม้ในอดีตที่ยืนหยัดอยู่ในพื้นที่ใดพื้นที่หนึ่งในช่วงเวลาหนึ่ง "มองเห็น" บางสิ่งบางอย่างรอบๆ ต้นไม้ และจะเก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหานี้ บ่อยครั้งก่อนเริ่มงานช่างฝีมือมักมองดูเป็นเวลานาน แผ่นเปล่า(พวกเขาใคร่ครวญ) จากนั้นจึงเริ่มวาดภาพเท่านั้น แม้กระทั่งในปัจจุบัน ศิลปินญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่ฝึกฝนเทคนิค Nihon-ga (ภาพวาดแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม) ต่างก็เลือกกระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อมันตามสั่งจากโรงงานกระดาษ ศิลปินแต่ละคนมีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และพื้นผิวที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับทำข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้นภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"การอ่านในป่าไผ่" Xubun, 1446

เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงต่อไปนี้ อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียงวรรณกรรมญี่ปุ่น เช่น “Notes at the Bedside” โดย Sei Shonagon และ “Genji Monogotari” โดย Murasaki Shikibu: ทั้งใน “Notes” และ “Genji” คุณจะพบแผนการเมื่อข้าราชบริพารหรือคู่รักแลกเปลี่ยนข้อความกัน กระดาษที่ใช้เขียนข้อความเหล่านี้เป็นเวลาที่เหมาะสมของปี เฉดสี และลักษณะการเขียนข้อความที่สอดคล้องกับเนื้อผ้า

“มุราซากิ ชิกิบุที่ศาลเจ้าอิชิยามะ” เคียวเซ็น

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมือของอาจารย์ (อีกครั้งคือ วัสดุธรรมชาติ). ดังนั้นจึงมีการสั่งทำพู่กันด้วย แต่ส่วนใหญ่มักจะทำโดยศิลปินเอง เขาเลือกขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและด้ามจับที่สะดวกสบายที่สุด ปรมาจารย์วาดภาพด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้น ไม่ใช้อย่างอื่น (จาก ประสบการณ์ส่วนตัว: ฉันอยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทโดยศิลปินชาวจีน Jiang Shilun ผู้ชมขอให้แสดงให้เห็นว่านักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำอะไรได้บ้าง และแต่ละคนหยิบพู่กันของอาจารย์ขึ้นมาบอกว่าผลลัพธ์จะไม่เป็น สิ่งที่พวกเขาคาดหวัง เพราะแปรงไม่ใช่พวกเขา พวกเขาไม่คุ้นเคยและไม่รู้วิธีใช้อย่างถูกต้อง)

ภาพร่างด้วยหมึก "ฟูจิ" โดยคัตสึชิกะ โฮคุไซ

มาสคาร่า- ที่สาม องค์ประกอบที่สำคัญ. มาสคาร่าเกิดขึ้น ประเภทต่างๆ: สามารถให้ความมันเงาหรือด้านหลังจากการอบแห้ง อาจมีส่วนผสมของสีเงินหรือสีเหลืองสด ดังนั้น ทางเลือกที่ถูกต้องมาสคาร่าก็ไม่สำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ ไบสึ, ปลาย XVIII- ศตวรรษที่ XIX

วิชาหลักของการวาดภาพเอกรงค์คือทิวทัศน์ ทำไมพวกเขาถึงไม่มีสี?

จับคู่หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจในตัววัตถุ แต่โดยแก่นแท้แล้ว คือองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทุกชนิด และนำไปสู่ความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้น ภาพจึงเป็นคำใบ้เสมอ มันส่งถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการสนทนาและทำให้เกิดความเชื่อมโยง เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - พวกมันก่อตัวขึ้น ภาษาศิลปะ. นี่ไม่ใช่เสรีภาพของนายที่ทิ้งเครื่องหมายตัวหนาไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งตรงกันข้าม - ทุกสิ่งในภาพมีความหมายและความหมายในตัวเองและไม่ได้สุ่ม

ประการที่สอง สีมักจะมีบางอย่างอยู่เสมอ การระบายสีตามอารมณ์และถูกรับรู้แตกต่างออกไป ผู้คนที่หลากหลายดังนั้นในสภาวะต่างๆ ความเป็นกลางทางอารมณ์จึงทำให้ผู้ดูเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุด เพื่อวางตำแหน่งการรับรู้ การไตร่ตรอง และความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยางภาพวาดขาวดำใด ๆ นั้นมีความกลมกลืนกันจากมุมมองของอัตราส่วนของหมึกต่อพื้นที่กระดาษที่ไม่มีใครแตะต้อง

ทำไม ส่วนใหญ่ไม่มีพื้นที่กระดาษใช้?

“ภูมิทัศน์” ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

ประการแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับภาพ ประการที่สองภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่ผิวน้ำครู่หนึ่งและกำลังจะหายไป - สิ่งนี้เชื่อมโยงกับโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและเฉดสีของกระดาษจะปรากฏอยู่เบื้องหน้า (ซึ่งไม่สามารถมองเห็นได้ในการจำลองเสมอไป แต่ในความเป็นจริงแล้ว มันเป็นการทำงานร่วมกันของวัสดุทั้งสองเสมอ - กระดาษและหมึก)

เซะชู, 1446

ทำไมต้องเป็นแนวนอน?

“การไตร่ตรองถึงน้ำตก” กายามิ, 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ปกป้องมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และไม่ทำลายหรือพิชิตมัน ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพผู้คนเล็กๆ น้อยๆ ได้ แต่จะไม่สำคัญเสมอไป มีขนาดเล็กเมื่อเทียบกับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพกระท่อมที่พอดีกับพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ของ โลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เซสชู "ภูมิทัศน์" เซะชู 1481

โดยสรุป ฉันอยากจะบอกว่าภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นไม่ใช่หมึกที่สาดอย่างวุ่นวาย มันไม่ใช่อัตตาภายในของศิลปิน - มันคือ ทั้งระบบรูปภาพและสัญลักษณ์นี่คือแหล่งรวมความคิดเชิงปรัชญาและที่สำคัญที่สุดคือวิธีการสื่อสารและการประสานกันของตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นในตัวผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน

ภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นการเคลื่อนไหวที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในศิลปะโลก มันมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่ตามประเพณีแล้วมันไม่ได้สูญเสียความนิยมและความสามารถในการสร้างความประหลาดใจ

ให้ความสำคัญกับประเพณี

ภาคตะวันออกไม่ได้มีเพียงภูมิประเทศ ภูเขา และ พระอาทิตย์ขึ้น. คนเหล่านี้คือคนที่สร้างเรื่องราวของเขาด้วย คนเหล่านี้คือผู้ที่สนับสนุนประเพณีการวาดภาพของญี่ปุ่นมานานหลายศตวรรษ โดยพัฒนาและยกระดับงานศิลปะของพวกเขา ผู้ที่มีส่วนสำคัญต่อประวัติศาสตร์ ศิลปินญี่ปุ่น. ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้คนสมัยใหม่ยังคงรักษาหลักการของการวาดภาพญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมเอาไว้

ลักษณะการประหารชีวิตภาพเขียน

ต่างจากยุโรป ศิลปินญี่ปุ่นนิยมวาดภาพให้ใกล้เคียงกับกราฟิกมากกว่าวาดภาพ ในภาพวาดดังกล่าว คุณจะไม่พบลายเส้นน้ำมันที่หยาบและไม่ระมัดระวังซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสต์ อะไรคือลักษณะกราฟิกของงานศิลปะ เช่น ต้นไม้ หิน สัตว์ และนกของญี่ปุ่น - ทุกสิ่งในภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเส้นหมึกที่มั่นคงและมั่นใจ วัตถุทั้งหมดในองค์ประกอบจะต้องมีโครงร่าง การเติมภายในโครงร่างมักใช้สีน้ำ สีถูกชะล้างออกไป เพิ่มเฉดสีอื่น และเหลือสีของกระดาษไว้ที่ไหนสักแห่ง ความสามารถในการตกแต่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาพวาดญี่ปุ่นแตกต่างจากงานศิลปะทั่วโลกอย่างชัดเจน

ความแตกต่างในการวาดภาพ

คอนทราสต์เป็นเทคนิคลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นใช้ นี่อาจเป็นความแตกต่างในโทนสี สี หรือคอนทราสต์ของเฉดสีอบอุ่นและเฉดสีเย็น

ศิลปินใช้เทคนิคนี้เมื่อเขาต้องการเน้นองค์ประกอบบางส่วนของตัวแบบ นี่อาจเป็นเส้นเลือดบนต้นไม้ กลีบดอกที่แยกจากกัน หรือลำต้นของต้นไม้ที่ตัดกับท้องฟ้า จากนั้นจึงแสดงแสงที่ส่องสว่างของวัตถุและเงาข้างใต้ (หรือกลับกัน)

การเปลี่ยนผ่านและโซลูชันสี

เมื่อวาดภาพเขียนของญี่ปุ่น มักใช้การเปลี่ยนภาพ อาจแตกต่างกันได้: เช่นจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง บนกลีบดอกบัวและดอกโบตั๋นคุณสามารถสังเกตเห็นการเปลี่ยนจากสีอ่อนไปเป็นสีสดใส

การเปลี่ยนภาพยังใช้ในภาพด้วย ผิวน้ำ, ท้องฟ้า. การเปลี่ยนผ่านจากพระอาทิตย์ตกไปสู่ความมืดอย่างราบรื่น แสงพลบค่ำที่ลึกลงดูสวยงามมาก เมื่อวาดเมฆ พวกเขายังใช้การเปลี่ยนจาก เฉดสีที่แตกต่างกันและปฏิกิริยาตอบสนอง

แรงจูงใจพื้นฐานของการวาดภาพญี่ปุ่น

ในงานศิลปะ ทุกสิ่งเชื่อมโยงถึงกัน ชีวิตจริงด้วยความรู้สึกและอารมณ์ของผู้ที่เกี่ยวข้องด้วย เช่นเดียวกับในวรรณคดี ดนตรี และการแสดงออกถึงความคิดสร้างสรรค์อื่นๆ ในการวาดภาพก็มีอยู่หลายอย่าง ธีมนิรันดร์. สิ่งเหล่านี้คือเนื้อหาทางประวัติศาสตร์ รูปภาพของผู้คน และธรรมชาติ

ทิวทัศน์ของญี่ปุ่นมีหลากหลายรูปแบบ บ่อยครั้งในภาพวาดจะมีรูปบ่อน้ำซึ่งเป็นเฟอร์นิเจอร์ชิ้นโปรดของชาวญี่ปุ่น บ่อน้ำประดับ ดอกบัวหลายต้น และต้นไผ่อยู่ใกล้ๆ นี่คือภาพทั่วไปของศตวรรษที่ 17-18

สัตว์ในภาพวาดญี่ปุ่น

สัตว์ยังเป็นองค์ประกอบที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งในการวาดภาพเอเชีย ตามเนื้อผ้ามันเป็นเสือเดินด้อม ๆ มองๆหรือแมวบ้าน โดยทั่วไปแล้วชาวเอเชียชื่นชอบมากและตัวแทนของพวกเขาจึงพบได้ในศิลปะตะวันออกทุกรูปแบบ

โลกแห่งสัตว์เป็นอีกธีมหนึ่งที่ภาพวาดของญี่ปุ่นติดตาม นก - นกกระเรียน, นกแก้วประดับ, นกยูงที่หรูหรา, นกนางแอ่น, นกกระจอกที่ไม่เด่นและแม้กระทั่งไก่โต้ง - ทั้งหมดนี้มีอยู่ในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวตะวันออก

ราศีมีน - ไม่น้อย หัวข้อจริงสำหรับศิลปินชาวญี่ปุ่น ปลาคาร์พ Koi เป็นปลาทองเวอร์ชั่นญี่ปุ่น สิ่งมีชีวิตเหล่านี้อาศัยอยู่ในเอเชียในสระน้ำทุกแห่ง แม้แต่ในสวนสาธารณะและสวนขนาดเล็ก ปลาคาร์พเป็นประเพณีชนิดหนึ่งที่เป็นของประเทศญี่ปุ่นโดยเฉพาะ ปลาเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้ ความมุ่งมั่น และการบรรลุเป้าหมาย ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพเหล่านี้ลอยไปตามกระแสน้ำและมียอดคลื่นประดับอยู่เสมอ

ภาพวาดญี่ปุ่น: การพรรณนาถึงผู้คน

ผู้คนในภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นธีมพิเศษ ศิลปินวาดภาพเกอิชา จักรพรรดิ นักรบ และผู้อาวุโส

เกอิชาถูกล้อมรอบด้วยดอกไม้ โดยมักจะสวมเสื้อคลุมที่ประณีตซึ่งมีรอยพับและองค์ประกอบต่างๆ มากมาย

มีภาพปราชญ์กำลังนั่งหรืออธิบายบางสิ่งให้นักเรียนฟัง ภาพลักษณ์ของนักวิทยาศาสตร์รุ่นเก่าเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และปรัชญาของเอเชีย

นักรบถูกมองว่าน่าเกรงขามและบางครั้งก็น่ากลัว อันยาวถูกวาดอย่างละเอียดและดูเหมือนลวด

โดยปกติแล้วรายละเอียดทั้งหมดของชุดเกราะจะถูกทำให้กระจ่างโดยใช้หมึก นักรบเปลือยเปล่ามักตกแต่งด้วยรอยสักรูปมังกรตะวันออก เป็นสัญลักษณ์ของความแข็งแกร่งและ อำนาจทางทหารญี่ปุ่น.

ผู้ปกครองเป็นภาพสำหรับ ราชวงศ์. เสื้อผ้าและเครื่องประดับที่สวยงามบนเส้นผมของผู้ชายคือผลงานศิลปะประเภทนี้ที่มีอยู่มากมาย

ทิวทัศน์

แบบดั้งเดิม ภูมิทัศน์ของญี่ปุ่น- ภูเขา. จิตรกรชาวเอเชียประสบความสำเร็จในการวาดภาพทิวทัศน์ที่หลากหลาย โดยสามารถพรรณนาถึงยอดเขาเดียวกันได้ สีที่ต่างกัน,ด้วยบรรยากาศที่แตกต่าง. สิ่งเดียวที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือการมีดอกไม้บังคับ โดยปกติแล้วศิลปินจะพรรณนาพืชบางชนิดที่อยู่เบื้องหน้าร่วมกับภูเขาและวาดรายละเอียด ภูเขาและ ดอกซากุระ. และหากพวกเขาวาดภาพกลีบดอกไม้ที่ร่วงหล่น ภาพนั้นก็จะกระตุ้นให้เกิดความชื่นชมในความงามอันน่าเศร้าของมัน ความเปรียบต่างของบรรยากาศของภาพถือเป็นอีกหนึ่งคุณสมบัติที่ยอดเยี่ยมของวัฒนธรรมญี่ปุ่น

อักษรอียิปต์โบราณ

บ่อยครั้งที่องค์ประกอบของภาพในภาพวาดญี่ปุ่นจะรวมกับการเขียน อักษรอียิปต์โบราณถูกจัดเรียงเพื่อให้ดูมีองค์ประกอบที่สวยงาม โดยปกติแล้วจะวาดทางด้านซ้ายหรือขวาของภาพวาด อักษรอียิปต์โบราณสามารถแสดงถึงสิ่งที่ปรากฎในภาพวาด ชื่อภาพ หรือชื่อของศิลปิน

ญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเทศที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม โดยทั่วไปแล้วคนญี่ปุ่นทั่วโลกถือเป็นคนอวดรู้ที่ค้นพบสุนทรียศาสตร์ในทุกรูปแบบของชีวิต ดังนั้นภาพวาดของญี่ปุ่นจึงมีสีและโทนสีที่กลมกลืนกันมาก: หากมีการสาดสีที่สดใสก็จะอยู่ตรงกลางความหมายเท่านั้น การใช้ภาพวาดของศิลปินเอเชียเป็นตัวอย่าง คุณสามารถศึกษาทฤษฎีสี การแสดงรูปแบบที่ถูกต้องโดยใช้กราฟิก และการจัดองค์ประกอบได้ เทคนิคการวาดภาพของญี่ปุ่นนั้นสูงมากจนสามารถใช้เป็นตัวอย่างในการทำงานกับสีน้ำและทำการ "ล้าง" งานกราฟิกได้