Kobiety Mayi Ramishvili: nowe słowo w sztuce gruzińskiej

24.02.2019

Temat kobiet dominuje oczywiście w twórczości gruzińskiej artystki Mai Ramishvili (Maia Ramishvili). Z każdego jej obrazu spoglądają na nas zamyślone dziewczyny, wykwintne damy, fatalne piękności - wszystkie niesamowicie kobiece i piękne.

Jeśli mówimy o dziełach Majów, nie możemy powiedzieć o ich dekoracyjnym charakterze i kunszcie, z jakim przekazywany jest ich charakter. Tło jej obrazów przypomina kolaże tkaninowe, w których artystka dokładnie przemyślała i ucieleśniała każdy szczegół i wzór. Patrząc na płótna Mayi Ramishvili widz wędruje po obrazie, starając się dostrzec każdy szczegół, aż w końcu uświadamia sobie, że dla autorki nie są to wcale szczegóły. W tło włożono tyle energii, że trudno to nazwać tłem! Bohaterki mają wyraziste oczy, zbyt duże dłonie, czasem z nerwowo zaciśniętymi palcami – każdy element, na pierwszy rzut oka nawet nieistotny, wnosi do obrazu swoją część wyrazistości.

Obrazy Mayi Ramishvili łączą doświadczenia artystyczne Gruzji i Tradycje europejskie co otwiera nowe i ciekawe możliwości w dziedzinie sztuki. Maya to ta sama artystka, której prace nie tracą na połączeniu tych dwóch zasad i zanurzają widza w świat niesamowitej estetyki i harmonii.

„Bardzo trudno jest określić styl, w jakim tworzę swoje obrazy” – mówi Maya, „ponieważ artysta tworząc swoje prace nie myśli o tym, co tworzy. Grafika pochodzą z wnętrza i przekazują Twój nastrój, relacje, emocje…”

Maya Ramishvili urodziła się w 1969 roku w Tbilisi, stolicy Gruzji. Jej talent artystyczny pojawił się już w młodym wieku, więc nie było problemów z wyborem zawodu. Maya ukończyła dwie prestiżowe uczelnie instytucje edukacyjne: szkoła artystyczna im. Nikoladze i Państwowej Akademii Sztuk Pięknych w Tbilisi. Po ukończeniu studiów, w 1996 roku, rozpoczęła się kariera zawodowa Ramishvili. Mąż Mayi jest także zawodowym artystą – Mamuka Didebashvili.

Malarstwo swoim bogactwem zabarwienie a możliwość przedstawienia scen z licznymi uczestnikami, nawet bardziej niż rzeźba, pozwala zobaczyć życie ludu Majów i wniknąć w nie głębiej. Uchwyciła sceny z życia Majów jak w ruchu: niektóre – jak taśmy rysunkowe, inne – jak kolorowe filmy dokumentalne.

Technika

Do tej pory nie udało się dokładnie ustalić, jaką techniką malowali ściany Majowie: czy był to fresk na warstwie jeszcze mokrego tynku, czy tempera na już wyschniętej powierzchni. Możliwe, że zastosowano obydwie metody.

Analizując niektóre malowidła ścienne, można być pewnym, że na początku jakiekolwiek jasna farba(w Bonampaku - kolor czerwony) zarysowano kontury postaci i główne linie wewnętrzne; następnie nałożone różne kolory, każdy na określonym obszarze; zwykle pokrywały linie wewnętrzne, które następnie przerysowywano rozcieńczoną czarną farbą, aby podkreślić dodatkowe szczegóły. Niektóre części korpusów zostały zamalowane na ciemniejsze, inne na jaśniejsze, ale najwyraźniej różnice tonalne nie miały na celu uzyskania efektu trójwymiarowości.

Nie ma też zauważalnych prób przedstawienia perspektywy w scenach mających kilka planów. Zainteresowanie artysty skupia się na linii i rzeczywiście rysunek ukazuje wielki kunszt malarza.

Stosowano farby pochodzenia roślinnego i mineralnego. Kolory obejmują szeroką gamę: czerwony, różowy, pomarańczowy, żółty, zielony, cyjan i niebieski, fioletowy, sepia, kawa, a także biały i czarny. Mieszanie kolorów i ich większe lub mniejsze stężenie dało najbogatszą paletę.

Motywy

Niestety, bardzo niewiele malowideł ściennych przetrwało pogodę i nieubłagany czas, a tylko kilka zostało odnalezionych i skopiowanych. Część malowideł zniknęła po ich odkryciu w r ostatnie dekady. Prawdopodobnie większość świątyń posiadała malowidła o tematyce historycznej, religijnej i zdobniczej. Ograniczamy się do krótkiego przeglądu najważniejszych, odkrytych na następujących stanowiskach: dla okresu klasycznego – Vashaktun i Bonampak w strefie centralnej, Chakmultun i Mulchik na północy; dla wczesnego postklasyku, Chichen Itza i późnego postklasyku, Santa Rita i Tulum, wszystkie w strefie północnej.

Washactun

Fragment ściany z malowidłami odkryto w jednym pomieszczeniu budynku „B-XIII”, wzniesionego w okresie wczesnoklasycznym, prawdopodobnie w V wieku. N. mi. Przedstawia ceremonię o pozornie świeckim charakterze, podczas której ważne osoby podzielone są na dwa rzędy, z których niektóre mają wyższą rangę od innych, co można ocenić po ich dekoracji i rozmieszczeniu w ogólnej kompozycji. Pomieszczenie, w którym rozgrywa się akcja, pokazane jest bardzo schematycznie. W tym najstarszym jak dotąd obrazie na obszarze Majów umiejętność budowania kompozycji sceny przez artystę, pewność rysunku i umiejętność nadawania ruchu uczestnikom sceny w celu podkreślenia autentyczności ukazanego wydarzenia są już w pełni zamanifestowane. Hieroglify, być może nominalne, uzupełniają tę kreskówkową historię.

Bonampak

Odkrycie w Bonampak w 1946 roku budynku z całkowicie pomalowanymi ścianami wewnętrznymi (od poziomu ław do szczytu sklepienia) dało najlepsze wyobrażenie o tym, jak wyglądała sztuka malarska Majów w okresie klasycznym. Prawdopodobnie pod koniec VIII wieku pomalowano trzy pomieszczenia tej budowli. N. mi. Stosunkowo dobry stan obrazów pozwolił na ich kopiowanie i szczegółową analizę.

Malowidła Bonampaka, oprócz bezcennej wartości artystycznej, są bardzo ważne z historycznego punktu widzenia, ponieważ przedstawiają moment krytyczny dla cywilizacji Majów. Zaproponowano kilka interpretacji treści obrazów:

spotkanie władców Bonampaku z jakimś konkurencyjnym ośrodkiem;
najazd mieszkańców Bonampak na sąsiednią osadę w celu schwytania jeńców i złożenia ich w ofierze rytualnej;
stłumienie powstania chłopskiego.

Uważamy, że dwie pierwsze opcje można odrzucić z następujących powodów:

wrogowie, zabici, ranni lub wzięci do niewoli, nie mają broni i bogatego ubrania, to znaczy nie są dżentelmenami;
jeńcy są torturowani przed śmiercią, co zaprzecza wszystkiemu, co wiemy na temat szacunku okazywanego jeńcom przed złożeniem ich w ofierze;
napad mający na celu pojmanie ludzi przeznaczonych na ofiarę nie powinien mieć większego znaczenia i raczej nie zasługiwał na to, by zapisać go w historii.

Natomiast trzecia alternatywa wydaje nam się prawdopodobna lub przynajmniej uzasadniona samą treścią obrazów: wrogów władców Bonampaku można łatwo pokonać, są to prości ludzie i zanim zostaną zabici, karani są torturami, wyrywając sobie paznokcie, jak widać. Według czasu, malowidła ścienne powstały pod koniec okresu późnego klasycyzmu, czyli tuż przed nieoczekiwanym wtoczeniem się cywilizacji Majów do strefy centralnej i zatrzymaniem się działalność kulturalna a kapłaństwo fizycznie zniknęło. Ponadto, jeśli przyjmiemy, podobnie jak E. Thompson i niektórzy inni badacze, że bunty chłopskie rzeczywiście położyły kres tej cywilizacji, to jest całkiem oczywiste, że pierwsze próby wyzwolenia mogły zakończyć się niepowodzeniem i klasa rządząca zdecydowała się na utrwalenie masakry zbuntowanych klas niższych, aby zastraszyć wszystkich niezadowolonych.

Tematycznie obrazy te ułożone są w następującej kolejności:

We wschodniej sali, pod patronatem bóstw znajdujących się w górnej części skarbca, najpierw przygotowuje się halach-vinik, członkowie jego rodziny i jego trzej bataby, a następnie obecni są w towarzystwie najstarszych osobistości dworu Bonampak w procesji muzyków i tancerzy; na środkowym pasie - kupcy lub służba przynoszą im przedmioty wykonane ze skór jadeitu i jaguara; drugi pasek zawiera napis hieroglificzny, który powinien uzupełniać przedstawioną narrację.
W centralnej sali bogów zastępują częściowo postacie ludzkie ubrane w szaty (przypuszcza się, że mogli to być artyści), stojące wśród jeńców i zwierząt; niemal całą powierzchnię zajmuje obraz bitwy, procesu, tortur i śmierci jeńców.
Bóstwa ponownie zajmują całą górną część sklepienia, natomiast halach-vinik, jego rodzina, bataby i inni dostojnicy oglądają taniec wykonywany na stopniach platformy w podziękowaniu bogom za szczęśliwe zakończenie konfliktu społecznego *

* (Istnieją inne interpretacje wątków przedstawionych na freskach Bonampaka. - Zobacz o tym: Kinzhalov R. V. Kultura starożytnych Majów. L., 1971, s. 2. 210-214)

Oczywiste charakter historyczny wydarzenia odzwierciedlone w malowidłach ściennych w Bonampak. Styl obrazów jest realistyczny i dynamiczny. Z prawdziwą naturalnością oddaje dramatyczne napięcie, jakiego doświadczają wszyscy uczestnicy ukazanych wydarzeń – zarówno panowie, jak i chłopi, każdy w roli, jaką miał odegrać.

Palenque

W kilku budynkach w Palenque odkryto ślady malowideł ściennych, przeważnie w bardzo złym stanie. W tzw. budynku „E” pomalowano elewację od podstawy do poziomu nadproża. 75 zidentyfikowanych motywy dekoracyjne o charakterze geometrycznym, spośród łącznej szacunkowej liczby około 150, ustalonej na podstawie pozostałych śladów. Udało się ustalić, że w północno-zachodnim narożniku wewnętrznym tego samego budynku znajdował się obecnie całkowicie zniszczony obraz, na którym znajdowała się postać ludzka. W północnym wejściu zachowała się część tego, co tworzyło wewnętrzną ramę; motywy boczne mogły przedstawiać symboliczny pas wody lub ciało węża w towarzystwie ryby.

W budynku „C” współczesny artysta Villagra na podstawie kilku rozpoznawalnych elementów rzekomo odrestaurował scenę ofiarowania podobną do sceny z panelu „Pałac” i „Panel niewolników”. W galerii północnej skopiował odręcznie narysowany napis hieroglificzny na pasku tworzącym kwadrat, niestety bardzo zniszczony. Na ostatniej kondygnacji wieży odnaleziono także fragment ewentualnego napisu kalendarzowego.

Pomimo tego, że w tym zabytku dzielnicy Puuk znajduje się ponad 300 km od Petén, zachowały się malowidła ścienne, które tematycznie i stylistycznie nawiązują do tych z Washaktun, od którego chronologicznie dzielą go dwa stulecia. Widać, że tradycja malarstwa historycznego była szeroko rozpowszechniona w okresie klasycznym, zarówno w strefie centralnej, jak i północnej.

W niektórych pomieszczeniach budynków Chakmultun, zbudowanych w okresie późnego klasycyzmu, pomalowano wewnętrzne ściany i sklepienia. Było kilka scen podzielonych na sekcje, najwyraźniej o charakterze świeckim. Są wśród nich liczne postacie ukazane na tle sylwetek obiektów architektonicznych (platforma, klatka schodowa, świątynia czy mieszkanie pod palmowym dachem). Z wyjątkiem nakryć głowy, które są dość zróżnicowane, bohaterowie noszą niewiele ubrań; mają broń, parasole i inne przedmioty. Niektórzy stoją bez ruchu, inni chodzą, wspinają się po schodach, noszą broń, wydają rozkazy. Jednopłaszczyznowa kompozycja jest dobrze zorganizowana.

Rysunek z „Panelu Niewolników” w Palenque

Podobieństwo do malarstwa Majów z okresu klasycznego jest oczywiste. Ruchy są tu jednak podkreślone nieco naiwnie, a styl jest dość prowincjonalny, co jednak jest naturalne, biorąc pod uwagę miejsce tego pomnika w ramach politycznych, do których należał. Niemniej jednak te murale są dobrym przykładem klasycznej sztuki malarskiej w strefie północnej.

Mulczik

O ile obraz Chakmultuna jest dość podobny do obrazu Washaktuna, o tyle obrazy Mulchika, małego pomnika w dzielnicy Puuc niedaleko Uxmal, przypominają, choć nieznacznie, mniej więcej współczesne obrazy Bonampaka.

Tematyka jest dość podobna, ponieważ dotyczy głównie bitwy i poświęcenia jeńców. Jednak pewne różnice każą nam sądzić, że konflikt zbrojny tutaj mógł mieć inne przyczyny niż w Bonampak. W walce biorą udział wyłącznie zwykli ludzie, niemal nadzy, bez żadnych cech mogących wskazywać na ich wysokie pochodzenie społeczne. Walka pomiędzy dwiema grupami ludzi odbywa się bez użycia innej broni niż duże okrągłe kamienie. Martwi leżą na ziemi; powieszeni są przedstawieni w pobliżu. Nad walczącymi widać pomalowanego na czarno mężczyznę trzymającego nóż. Po obu stronach tej sceny znajduje się kilka postaci w dużych i bogatych nakryciach głowy obszytych piórami (jak w Uxmal), z maską, z której ust wychodzi wąż, oraz z licznymi dekoracjami i wstążkami na ramionach i nogach.

Nie wiadomo, jakie były stosunki między tymi ważnymi panami a walczącymi zwykli ludzie, ale w scenie na przeciwległej ścianie pokazano dwóch pomalowanych na czarno oprawców, uzbrojonych w duże noże, przygotowujących się do zabicia dwóch wysokich rangą osób leżących na podłodze.

Jako hipotezę możemy założyć, że nie było wydarzenia historycznego, które chcieli utrwalić powstanie chłopskie przeciwko lokalnym władcom, jak w Bonampak, ale przez działanie Batabów Mulchika przeciwko władcom Uxmal, większego ośrodka, od którego zależał Mulchik. W bitwie nie uczestniczyli władcy obu osad, natomiast poświęcono przywódców upadłego powstania.

Przed nami znowu obraz, który najwyraźniej oddaje ważny moment historyczny. użyte tutaj środki artystyczne znacznie skromniej niż w Bonampak. Niemniej jednak twórcom tej kompozycji udało się oddać cały dramatyzm wydarzeń.

Chichen Itza

Przejście od klasyki do postklasyczności oznaczało dla Jukatanu zastąpienie klasy rządzącej Majów przez obcych władców, którzy byli nosicielami kultury Tolteków znanej nam z Tuli, czyli Tollan, jak ją nazywano w starożytnych źródłach historycznych. Oprócz dominacji politycznej najeźdźcy narzucili nowe wierzenia i nowe bóstwa, swoje upodobania artystyczne i techniki, które stopniowo łączyły się z tradycjami Majów. W malarstwie zmiany te znalazły odzwierciedlenie w takim samym stopniu, jak w architekturze i rzeźbie.

Z wyjątkiem rzadkich przykładów odkrytych w „Klasztorze Żeńskim”, wszystkie pozostałe malowidła ścienne pochodzą z wczesnego okresu postklasycznego (XI-XIII w.) i wyraźnie wskazują na pochodzenie tolteckie, choć pewne szczegóły dotyczące kompozycji poszczególnych scen i umiejętności technicznych prowadzą nas do założenia, że wiele z tych obrazów zostało wykonanych przez artystów Majów. Poniżej rozważamy główne malowidła znalezione w dwóch budynkach „Świątyni Wojowników”, znajdujących się jeden nad drugim, oraz w „Świątyni Jaguarów”, która jest częścią kompleksu gier w piłkę.

Scena bitwy ze Świątyni Wojowników w Chichen Itza

Budynek znajdujący się pod „Świątynią Wojowników” otrzymał nazwę „Świątynia Chakmool”. Na pojedynczych kamieniach z zawalonych ścian odnaleziono malowidła, które zachowały swoją jasność. Te obrazy zostały skopiowane. Udało się wówczas częściowo ustalić ich pierwotną kolejność, co umożliwiło przywrócenie scen, które kiedyś z nich składały się.

Kamienie wchodziły w skład okładzin ław ustawionych wzdłuż ścian i otaczających ołtarz. Przedstawiają dwie grupy ludzi, przeważnie patrzących na ołtarz. Czternaście postaci po południowej stronie (prawdopodobnie księży) siedzi na ławkach pokrytych skórami jaguara; ich kostiumy są wystawne i obejmują wyszukane nakrycia głowy z pióropuszami, maski z wężem wychodzącym z ust, długie spódnice i krótkie płaszcze; przedstawiono tarcze, wężowe berła i ofiary leżące na naczyniach. Ludzie siedzący po przeciwnej stronie to wojownicy uzbrojeni w oszczepy i tarcze; są przedstawiani z profilu na tronach w postaci jaguara. Wojownicy i kapłani nie mają cech Majów.

Teraz dotkniemy „Świątyni Wojowników”, znajdującej się nad „Świątynią Chakmool” i zbudowanej później niż ona. Kamienie znalezione w gruzach budowlanych z zawalonych ścian zachowały ślady farby. W rezultacie kilka scen eposu i treści historyczne. W zachowanych elementach zachodniej części muru dzielącego świątynię na dwa pomieszczenia znajdują się następujące motywy:

tafla wody otoczona pasem kamieni, po której spaceruje tragarz i gdzie walczy kilku wojowników, których ciała pomalowane są poziomymi czerwonawymi liniami; przedstawiono tu także świątynię i łódź, prawdopodobnie zdobyte przez wojownika;
chaty wioski i świątynia zostają zaatakowane przez wojowników, których ciała również są pokryte liniami;
procesja nagich, pasiastych jeńców ze związanymi rękami, prowadzona przez pomalowanych na czarno wojowników; na dole tej sceny jest pierzasty wąż.

Wewnątrz sanktuarium malowane kamienie tworzą scenę podzieloną poziomo na dwie części, tworząc jeden kompleks tematyczny. Tutaj podjęto próbę wyrażenia niektórych prawdziwych wydarzeń: poniżej morze, po którym pływa kilka łodzi z dwoma wojownikami na każdej; ich ciała pomalowane są na kolor ciemnej kawy; uzbrojeni są w strzałki, miotacze włóczni i tarcze, czyli broń charakterystyczną dla Tolteków; jeden wojownik ma lekkie ciało; w górnej części sceny położona nad brzegiem morza wioska, której mieszkańcy pochłonięci są codzienną pracą; palmowe dachy kilku chat i świątyni stają w płomieniach, a ze świątyni wyłania się pierzasty wąż. Te fragmenty wskazują, że temat jest malowanie ścian wiązał się z podbojem północnego Jukatanu przez Tolteków.

Kilka kamieni przedstawia ofiary z ludzi; jasnoskóry mężczyzna, trzymany przez dwie pomalowane na czarno osoby, czeka na cios w klatkę piersiową, który powinien mu zadać nakoma, również o czarnym ciele; ofiara leży na zakręcie pierzastego węża, który służy jako kamień ofiarny. Na zewnętrznym północnym zboczu tego samego budynku przedstawiono procesję. postacie ludzkie pozbawione mięsa i niosące noże, odcięte ludzkie głowy i płonący kocioł.

Mała świątynia górująca nad platforma wschodnia kompleks gier w piłkę, nazwano „Świątynią Jaguarów” ze względu na przedstawienie procesji jaguarów w dekoracji fasady.

Świątynia składa się z dwóch pomieszczeń; wnętrze najwyraźniej zostało w całości pomalowane. Niestety obrazy są mocno zniszczone. Najbardziej zachowany i najbardziej znany przedstawia bitwę, w której bierze udział ponad 100 postaci. Górna część muralu przedstawia nam obraz spokojnego życia wioski Majów; następnie następuje scena ataku na nią przez obcych wojowników. Choć na małą skalę, w bitwie ukazani są liczni wojownicy uzbrojeni we włócznie, oszczepy, miotacze włóczni i tarcze, a zamieszanie w bitwie wyraża się na różne sposoby, np. Skrzyżowanymi włóczniami; wszystko to podane jest w bardzo dynamicznym rytmie. W innej części tego samego pomieszczenia ukazana jest scena składania ofiary z ludzi, gdzie grupa wojowników obecnych podczas tego rytualnego aktu tańczy wokół jeńca.

Na drugiej ścianie widać dużą czerwoną łódź z wojownikami. Murale w Chichen Itza mają charakter narracyjny, w którym odbijają się sceny Życie codzienne i religijno-symboliczne - gdzie przedstawiana jest śmierć lub ofiara. Artyści, czy to Toltekowie, czy Majowie, starali się, zwłaszcza w sceny walki, gloryfikują kastę wojskową zdobywców i pozostawiają potomnym opis jej wyczynów.

O twórczy sposób artystów z Chichen Itza można powiedzieć, że osiągnęli swój cel skąpymi środkami ekspresja artystyczna ograniczając się do najistotniejszych i bez wchodzenia w szczegóły.

Święta Rita

Pod koniec ubiegłego wieku w pobliżu Corozal w Belize odkryto kilka sztucznych wzgórz. W jednym z nich znajdował się budynek, na zewnętrznych ścianach którego zachowały się malowidła ścienne. Zostały skopiowane, ale wkrótce zmarły. Do tego prowadzi nas malowidło ścienne Santa Rita świat sztuki zupełnie inny niż ten, z którym mieliśmy do czynienia do tej pory. Nie było próby utrwalenia faktu historycznego ani gloryfikacji władców.

Oto mitologiczny świat opisany w wielu przedhiszpańskich kodeksach. Pod symbolicznym niebiańskim „pasem”, podobnym do „pasa” z kodeksów Mixtec, wzdłuż pasa ziemi, również warunkowego, ozdobionego strzałami, nożami ofiarnymi i płomieniami, szereg postaci spaceruje w skomplikowanych dekoracjach, w tym hełmach zwierzęcych, maski, kilka ubrań jedna na drugiej; ci ludzie dokonują działań, które trudno zinterpretować w realnym, historycznym kontekście. Są to prawdopodobnie bóstwa biorące udział w procesji; niektórzy są połączeni linami, inni siedzą i rozmawiają, ich ciała i twarze są pomalowane.

Najbardziej zrozumiała scena przedstawia dwie osoby rozdzielone bębenkiem ozdobionym ludzką czaszką, który musi śpiewać, sądząc po podwójnym strumieniu okółkowych słów wydobywających się z jego ust; na szczycie bębna znajduje się dysk słoneczny z trójkątnymi promieniami, gwiaździstymi oczami i głową gada, bardzo podobny do tego znanego nam z kodeksów meksykańskich lub Mixtec. Twarz postaci grającej na bębnie zakryta jest maską przedstawiającą czaszkę, nosi on płaskie nakrycie głowy zakończone pióropuszem i wężem; jego ciało nie jest widoczne, jak większość postaci, ze względu na niezwykle bogate szaty, oznaki mocy i ozdoby. Inna postać, również we wspaniałym stroju i wyszukanym nakryciu głowy, trzyma przed perkusistą dwie odcięte ludzkie głowy. Obrazom tym towarzyszą hieroglify kalendarza Majów, w których dominuje znak Achab wraz z cyframi w postaci kropek i pasków.

Malowidła ścienne o treści religijnej i mitologicznej z Santa Rita powstały w późnym okresie postklasycznym w stylu bardzo podobnym do stylu kodeksów Mixtec, stylu Codex Borgia, a także stylu murali Mixtec Mitli. Dla artysty ciała ludzkie nie miało znaczenia; szczególną uwagę należało zwrócić na ubiór, atrybuty mocy, malowanie twarzy, na wszystkie elementy charakteryzujące bóstwa.

W kilku budynkach tego miasta zachowały się fragmenty malowideł, które wcześniej pokrywały większość fasad i ścian wewnętrznych (są to świątynie zwane „Nurkującym Bogiem”, „Świątynią Fresków” i „Castillo”). Po raz kolejny mamy do czynienia z tematyką religijno-mitologiczną wyrażoną, niczym w Santa Rita, w stylu bardzo zbliżonym do kodeksów. Wśród motywów znajdują się sceny z udziałem od jednego do trzech bóstw, wśród których dominuje bogini roślinności i bóg deszczu; ponadto istnieje stare bóstwo, którym może być Itzamna. Bogini miele ziarna kukurydzy na metate; kapłan w masce z turkusu i masy perłowej, w nakryciu głowy ozdobionym muszlą, trzyma woreczek z kadzidłem (kopalem).

Tematem przewodnim wydaje się być zależność roślinności od deszczu i przypomnienie o obrzędach niezbędnych do zapewnienia dobrych zbiorów. Postacie są mniej statyczne i nie tak przeładowane szczegółami jak w Santa Rita. Wykorzystane kolory: biały, czarny, niebiesko-turkusowy i bardzo rzadko czerwony.

Rysunek wzorowany na „Świątyni Fresków” w Bonampak, która reprezentuje różne warstwy społeczne

Malowidła ścienne z Tulum pochodzą z okresu późnego postklasycznego (XIII – koniec XV w.). Są to prawdziwe strony kodeksów reprodukowane na ścianach. I choć zauważalne są w nich wpływy obcych (Tolteków, Azteków, Mixteków), to jednak bliżej im do kultury Majów.

interaktywne muzeum- oceanarium posiadające jednocześnie funkcjonalność edukacyjną i rozrywkową, działające w jednym pakiecie (Rozrywka edukacyjna – Edutainment).

Praca brała udział w konkursie FUTUWAWA 2014.
Źródło obrazu: futuwawa.pl

Temat mojej pracy magisterskiej to „Wypoczynek i edukacja w architekturze – Akwarium Warszawskie”. Architektura jest odzwierciedleniem procesów zachodzących w społeczeństwie. Ważnym elementem życia społecznego są zajęcia łączące wypoczynek i edukację. Autorka wybrała ten temat ze względu na fenomen muzeów interaktywnych, które nieustannie przyciągają rzesze zwiedzających. Warszawa to największe polskie miasto, liczące 2 miliony mieszkańców, ale nie posiadające centrum rekreacji i rozrywki. Miasto jest oddzielone z rzeka, nad którą znajdują się duże, niezabudowane tereny. Jednym z miejsc łączących wypoczynek i edukację w Warszawie jest Ogród Zoologiczny i Centrum Nauki Kopernik. ZOO jest miejscem bardzo popularnym, ale najatrakcyjniejszym w ciepłe dni, kiedy ludzie chętnie wybierają się na spacery z dziećmi, a Centrum Nauki Kopernik cieszy się niezmiennie dużą popularnością niezależnie od warunków pogodowych. W dobie nowych mediów, zwłaszcza wśród młodych ludzi, dużą popularnością cieszą się filmy o zwierzętach. W części teoretycznej pracy autorka bada, w jaki sposób ludzie wybierają formy spędzania czasu wolnego, co wpływa na tę zmianę obyczajów i kultury społeczeństwa. Autorka wyjaśnia pojęcia czasu wolnego, pokrótce przedstawia teorie związane z tym zagadnieniem oraz przedstawić różne aspekty tego zjawiska nad wieki. Wykorzystując CBOS „Polacy Wypoczynku” w artykule przedstawiono problemy czasu wolnego istniejące obecnie w Polsce. Część teoretyczna skupia się na aspektach kulturalno-oświatowych związanych z rekreacją oraz opisuje rodzaje obiektów rozrywkowo-edukacyjnych. Idea projektu opiera się na stworzeniu oceanicznego edukatorium – atrakcyjnego miejsca łączącego edukację i rozrywkę. Budynek zlokalizowany jest w Warszawie nad Wisłą – na działce sąsiadującej z Centrum Nauki Kopernik i Biblioteką Uniwersytecką. Budynek posiada na dachu kładkę łączącą oba brzegi Wisły. I może stanowić element nowo projektowanej ścieżki kulturalno-edukacyjnej, będącej alternatywą dla ścieżki muzeów historycznych rozciągającej się wzdłuż historycznego Traktu Królewskiego. Budynek łączy funkcje edukacyjne i rozrywkowe w postaci Akwarium Miejskiego. Dodatkowo projekt przewiduje możliwość wynajęcia części budynku w celu organizacji zajęć dla dzieci i dorosłych, dzięki czemu budynek może pełnić również funkcję centrum kulturalnego. Salę publiczną można wynajmować na imprezy, a częścią ekspozycji może być księgarnia, miejsce, w którym można czytać książki bez konieczności ich kupowania. Budynek ma opowiadać zwiedzającym pełną historię o oceanach i zwierzętach żyjących w wodzie, będą w nim wyświetlane filmy i wykłady o zwierzętach. Wnętrze budynku zaprojektowano w formie tematycznie zorganizowanej wycieczki rozpoczynającej się od najwyższego piętra (dostępne z holu głównego z ruchomymi podjazdami) lub bezpośrednio z kładki. Celem projektu było stworzenie ciągłej historii, wspartej prezentowanymi zwierzętami, interaktywną wystawą i aranżacją wnętrz. Akwarium Miejskie jest otwarte dla osób w każdym wieku, a jego głównym celem jest w atrakcyjny sposób podnoszenie świadomości zwiedzających na temat oceanów oraz zapewnienie dobrej rozrywki.

"Góry miejskie na terenie FSO (Fabryka Samochodów Osobowych S.A. - Fabryka Samochodów)" | Góra miejska na terenie fabryki samochodów FSO

Zespół trzech gór miejskich na terenie dawnego poligonu testowego FSO. Wolnostojące budynki mieszkalne z ogrodami zlokalizowane są na szczytach gór.

Autorzy: Maja Wrońska, Anna Majewska.
Praca brała udział w konkursie FUTUWAWA 2013.
Źródło obrazu: futuwawa.pl

Projekt zakłada utworzenie zespołu trzech gór miejskich na dawnym torze testowym FSO. Domy jednorodzinne z ogrodami projektowane są na zboczu najwyższej góry. Dostęp do budynków możliwy jest po spiralnej rampie wokół wzgórza. Na drugim wzgórzu zlokalizowane są usługi, na trzecim znajduje się przedszkole, szkoła i ośrodek sportowy z klubem piłkarskim dla młodzieży z Pragi. Podniesiona zabudowa umożliwiła zaprojektowanie w okolicy parku rekreacyjnego. Duża ilość trawników generuje biomasę, która odpowiednio przetworzona mogłaby zostać spalona w spalarni zlokalizowanej wewnątrz najwyższej góry.

CITY MOUNTAIN wygenerowałby nowy:

JAKOŚĆ ŻYCIA SPOŁECZNEGO – góra: nagromadzenie budynków – dostępność wielu różnych funkcji na małej powierzchni – domy z ogrodami – więcej mieszkań – uwolnienie gruntów – park – duża przestrzeń publiczna – przestrzeń do sportu i rekreacji dla mieszkańców Warszawa – edukacja przez sport dla młodzieży z Pragi.
SZACUNEK DLA ŚRODOWISKA – budynki podniesione – oszczędność przestrzeni – kumulacja funkcji – biogaz – zielona energia – wykorzystanie do produkcji energii łatwo dostępnego, a obecnie zmarnowanego materiału (trawa z parku i okolicznych terenów zielonych Warszawy) – park – naturalny park krajobrazowy nad brzegiem Wisły – brak zniszczenia ekosystemu – duża przestrzeń biologicznie czynna, paliwo biogazowe.
JAKOŚĆ ARCHITEKTURY – przywrócenie wielopoziomowego życia społecznego na terenie poprzemysłowym, zdegradowanym – domy z ogródkami 15 minut od centrum miasta – zachowanie naturalnego brzegu rzeki Wisły.

„Zielona produkcja – hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Warszawskich Zakładów Metalurgicznych” | Zielona produkcja – hiperstruktura dla 15 000 mieszkańców na terenie Huty Warszawskiej

Studencki projekt zabudowy miejskiej o pojemności 15 000 mieszkańców na terenie opuszczonych Warszawskich Zakładów Metalurgicznych. Projekt zakłada utworzenie w tej części miasta centrum przemysłu tekstylnego. Hiperstruktura podzielona jest na mniejsze obiekty, składające się z 7 elementów w kształcie kwiatów, wśród których znajdują się budynki mieszkalne, tereny przemysłowe, tereny rolne, szkoły, przedszkola, uczelnie, parki, kościół i cmentarz. Planuje się przeniesienie ruchu samochodowego do poziomu podziemnego, powierzchnia ziemi przeznaczona jest wyłącznie dla ruchu pieszego i komunikacji miejskiej.

Praca brała udział w konkursie FUTUWAWA 2012.
Źródło obrazu: futuwawa.pl

Projekt studencki obiektu zlokalizowanego na zdegradowanym terenie przemysłowym Huty Warszawskiej, mający na celu uatrakcyjnienie go i przywrócenie go do tkanki miejskiej, wykonany w Samodzielnej Pracowni Projektowania Przemysłowego i Wielkoprzestrzennego Wydziału Architektury w Warszawie Uniwersytet Technologiczny. Zaprojektowanie centrum tkackiego spowoduje migrację ludności do tej części miasta. Wzrost intensywności rozwoju, a co za tym idzie wzrost zapotrzebowania na energię został zaspokojony poprzez uprawę roślin energetycznych i alg. Całość podzielona jest na mniejsze układy składające się z siedmiu jednostek, widocznych z góry w formie „kwiatka” i obejmuje zespół mieszkaniowy, przemysłowy, uprawny oraz szkoły, przedszkola, uczelnię, parkingi, tereny rekreacyjne, kościół i cmentarz. Drogi dla samochodów zlokalizowane są pod ziemią, nawierzchnia przeznaczona jest dla ruchu pieszego i transportu publicznego (autobusy). Obiekt może pomieścić 15 000 osób.

Maya Myakila (Mia Mäkilä) to znana szwedzka artystka cierpiąca na schizofrenię. Ona sama nauczyła się rysować i ogólnie uważa się za osobę słabo wykształconą. Urodziła się 21 marca 1979 roku w mieście Norrköping, obecnie mieszka w Sztokholmie, gdzie aktywnie zajmuje się kreatywnością. Oprócz otaczającej rzeczywistości Maya inspiruje się twórczością reżyserów. Jej ulubieńcami są David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam i Tim Burton. Wśród artystów: Hieronima Boscha, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat i mistrzowie Disney Studio. Jeśli przyjrzeć się bliżej jej twórczości, można wyraźnie prześledzić ich wpływy.

Jej twórczość można potraktować jako wołanie o pomoc, chorej i nieszczęśliwej dziewczyny. Ale kim ty i ja jesteśmy, żeby potępiać i uczyć „chorych” i być może genialnym autorem? Może gdyby nie choroba, tych dzieł by nie było? Pamiętacie, jak David Lynch odmówił pomocy psychoterapeutycznej, podejrzewając, że w rezultacie nie będzie mógł nakręcić swojego dziwnego filmu.

Najczęstszymi motywami obrazów i kolaży Maji są rodzina, samotność, duchowa deformacja i śmierć. zdjęcia grupowe zniekształcone i zepsute twarze na tle utopijnego lub pustego świata. Ale czy są zepsute? Artysta zdaje się odsłaniać pędzlem jasne twarze. Ujawnianie potworów ukrytych pod maską. Na tych rysunkach zwykli ludzie, którzy są źli, kłamią i niszczą. I czują strach.

Każdy z nas jest chory na poziomie podświadomości i każdy przelewa swoje myśli, swoją energię - w zupełnie inny sposób. Samotność i tęsknota są przytłaczające, toniemy w niej, gdy wokół nie ma nikogo poza nami i naszymi myślami. Które się rozpryskują: dla kogoś w formie samobójstwa i dla kogoś w formie kreatywności. To niekończący się łańcuch pod głośną nazwą – system – który trwa wiecznie. Kręci się jak koło, ale jeśli system jest wieczny, to życie niestety nie jest. Maja, nie bojąc się, tnie ciała ostrymi nożyczkami i skleja z kawałków i skrawków historii – naszego świata, który przedstawia nas z punktu widzenia szaleńca. Z punktu widzenia normalności, ale odwrotnie, bo kto wie, może na tych zdjęciach jesteśmy teraz z Wami.

Sama artystka krótko opowiada o sobie:

(Zawalić się)

Maya Myakila – szwedzka artystka, schizofreniczka. Znana z psychodelicznych i przerażających obrazów. Urodzona 21 marca 1979 w Norrköping w Szwecji. Obecnie mieszka i pracuje w Sztokholmie w Szwecji. Jest szwedzką artystką znaną z braku wykształcenia.

Sama artystka krótko opowiada o sobie:
„Myślę, że nazywają mnie „Malarzem Strachu”, ponieważ radzę sobie z trudnymi emocjami, a tematy takie jak strach, tęsknota, szaleństwo, złość i żal są obecne w mojej sztuce. Ale inspirują mnie głównie filmy i reżyserzy tacy jak David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam i Tim Burton oraz artyści – Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat i mistrzowie Disney Studio w latach 30. i 40. XX wieku.

Według autora tak strasznych zdjęć, główna rzecz w życiu dla niej - prawda. „No cóż, jest jeszcze miłość i sztuka, i może są one ważniejsze, ale jeśli nie żyjemy zgodnie z prawdą, nie możemy naprawdę kochać człowieka, a jeśli nie mówimy prawdy o dziełach sztuki, to o żadnej sztuce i to nie może być mowa” – mówi artysta.

Prawdą jest, że uważa ona za główny cel swoich strasznych obrazów. Nawet jeśli to wystarczy straszna prawda. Mia Makila porusza wiele tematów: politykę, miłość, ludzi, życie w ogóle. Sądząc po obrazach Mii, nie ma na świecie prawdy, która kryjełaby coś dobrego. Zastanawiam się, skąd sama Mia wie, że to wszystko prawda? Tak czy inaczej odnajduje w swoich obrazach ucieleśnienie swoich demonów i koszmarów, swoich lęków i smutków, maluje je, aby się ich pozbyć. W jej obrazach naprawdę jest wiele rzeczy z koszmarów: przerażające, niepasujące do siebie obrazy. Zebrane według jakiejś niewytłumaczalnej logiki w jednym miejscu.