Chłopiec Amedeo Modigliani w niebieskiej koszuli. Artysta Modiglianiego. Biografia i obrazy Amedeo Modiglianiego, włoskiego artysty impresjonistycznego. Amadeo Modiglianiego. Dwie główne kobiety, oprócz matki

Pamięć o włoskim artyście Amadeo Modiglianim odciska się w jego dziwnym pseudonimie Modi (od francuskiego maudit – „przeklęty”), który jest jednocześnie zdrobniały i proroczy. Tego wszystkiego, co Modigliani otrzymał po tragicznej śmierci, brakowało za jego życia: sukcesu, sławy, akceptacji krytyków.

W dniu jego urodzin, 12 lipca, postaramy się opowiedzieć historię artysty, pamiętając jednak, że ostatnią kartę jego biografii zamknęła tragiczna i przedwczesna śmierć.

Urodził się Amadeo Modigliani Włoskie miasto Livorno w 1884 r. Dziś na domu należącym niegdyś do rodziny Modiglianich znajduje się tablica pamiątkowa.

Ważną rolę w życiu Amadeo odegrała jego matka Eugenia Garcin. Wspomina, że ​​jej syn po raz pierwszy wyraził chęć zostania artystą w wieku 14 lat, będąc na granicy życia i śmierci, w niebezpiecznym ataku duru brzusznego: „I nagle - podświadome pragnienie, wyrażone w delirium. Nigdy wcześniej nie mówił o czymś, co mogło mu się wydawać mrzonką. (Na zdjęciu matka artysty Evgenia Garsen.)

Poważna choroba była impulsem do przebudzenia cudownego prezent artystyczny. Evgenia obiecała synowi, że gdy tylko wyzdrowieje, zaprosi nauczyciela plastyki. I co dziwne, pacjent zaczął bardzo szybko wracać do zdrowia.

„On nic nie robi, tylko maluje, z niezwykłym zapałem, który mnie zaskakuje i zachwyca... Jego nauczyciel jest z niego bardzo zadowolony” – pisze Eugenia kilka miesięcy po tym, jak Amadeo zaczął brać lekcje malarstwa.

W wieku 17 lat Amadeo Modigliani zapisał się do Wolnej Akademii Rysunku Aktu we Florencji. Dla pełnych dobrych intencji zwykłych ludzi tamtej epoki akademia wydawała się ostoją lenistwa i bezczynności, ale przyszłego artysty niewiele obchodziły opinie innych ludzi. (Zdjęcie przedstawia widok na katedrę Santa Maria del Fiore we Florencji.)

Rok później Modi wyjechał do Wenecji, gdzie kontynuował studia malarskie. Spotyka tu chilijskiego artystę Manuela Ortiza de Zarate, który do ostatnich dni pozostał wśród oddanych przyjaciół Amadeo. (Na zdjęciu ołówkowy portret Manuela Ortiza de Zarate autorstwa Amadeo Modiglianiego.)

Przed przyjazdem do Wenecji Manuel przez długi czas mieszkał w Paryżu. To on opowiedział Amadeo o pokusach stolicy Francji, o niezwykłej swobodzie tutejszej społeczności, atmosferze Montmartre, nowych ruchy artystyczne, pełen wdzięku wdzięk ulic, przytulność kawiarni i iluzoryczna lekkość paryskiego życia.

Amadeo Modigliani wyjechał do Paryża w chłodne styczniowe popołudnie 1906 roku. Ta podróż była dla niego bolesna i pełna sprzeczności: z jednej strony słodka chwila spełnienia pragnienia, a z drugiej poczucie załamania i rozstania z przeszłością.

Modi doskonale mówił po francusku, języku, którego nauczyła go matka w dzieciństwie. Ubrany był z elegancją, może nawet nieco pompatyczną i wyraźnie dysharmonijną z wizerunkiem artysty. Amadeo zagłosował, zadzwonił po taksówkę, załadował bagaże i podał adres hotelu w samym centrum. Początkowo nosił szykowny, czarny garnitur, starannie dopasowany do jego sylwetki, a pod marynarką białą koszulę i krawat. Strój uzupełniała laska, która stale przeszkadzała; Modigliani niezdarnie kręcił ją w dłoniach lub nosił pod pachą.

Przez pierwsze dwa tygodnie pobytu w Paryżu Modigliani nieustannie zmieniał hotele, przemieszczając się z miejsca na miejsce (co zdawało się być oznaką głębokiego niepokoju), aż w końcu osiadł na wzgórzu Montmartre, słynnym miejscu spotkań artystów. Wzgórze było zielone od ogrodów warzywnych i winnic, szare od koszar i wiatraków, panował tu wiejski tryb życia. (Na zdjęciu – Montmartre, 1907.)

Jeśli prawdziwe jest stwierdzenie, że „tak naprawdę posiadasz tylko te pieniądze, które wydasz”, to Modigliani, nawet żyjący w biedzie, był bogatym człowiekiem. Od razu przepuścił wszystko, co miał. Tak bezmyślne wydawanie środków wywołało pogłoski o jego zamożności, ale rozmowy te szybko ucichły. Rzekomym bogactwem okazały się jedynie niewielkie oszczędności jego matki.

Zgodnie z ówczesnym zwyczajem prawie wszyscy artyści Montmartre żyli w biedzie. Wiedli bezładne i chaotyczne życie, ale Amadeo wyróżniał się nawet na ich tle: nieustannie wpadał w tarapaty i tarapaty, a jego postać zaczęła nabierać aury legend już za jego życia. W ciągu kilku miesięcy paryskiego życia od skromny młody człowiek Modigliani stał się jednym z najsłynniejszych alkoholików Montmartre.

Opowiadali na przykład, jak pewnego wieczoru Modigliani pojawił się pijany w kabarecie „Zwinny Królik” (jedno z ulubionych miejsc spotkań ówczesnej bohemy artystycznej) i wywołał ogólną bójkę, podczas której naczynia roztrzaskały się w drobny mak. Od tego momentu właściciel lokalu nie wpuszczał już Modiego do drzwi. (Na zdjęciu - kabaret Agile Rabbit.)

Styl picia Amadeo Modiglianiego zaprzeczał wszelkim rytuałom, pił pośpiesznie, dużymi łykami, nie odczuwając żadnej przyjemności z tego, co wypił. W krótkim czasie uzależnił się. Wydaje się, że alkohol pomógł artyście pokonać wrodzoną nieśmiałość, którą pijany Amadeo próbował ukryć pod maską bezczelnej bezczelności.

Wzajemne uzależnienie od alkoholu i wspólne picie przyczyniło się do powstania relacji opartej na zaufaniu pomiędzy Amadeo Modiglianim i jego przyjacielem artystą. „Smutno było patrzeć, jak obejmują się w niestabilnej równowadze. Jeden ledwo mógł ustać na nogach, a drugi też miał się przewrócić” – wspomina krytyk sztuki Andre Varno. Picasso pewnego razu, widząc dwóch przyjaciół, sucho zauważył: „Obok Utrillo Modigliani jest już pijany”. (Na zdjęciu Maurice Utrillo.)

Pod koniec 1907 roku Amadeo Modigliani poznał swojego pierwszego prawdziwego filantropa, Paula Alexandre’a, młodego lekarza, który był tylko o trzy lata starszy od niego. Paweł sprawił, że artysta poczuł, że docenia jego talent, uspokoił go, zmiękczył Negatywne konsekwencje W wielu swoich wybrykach bardzo pomógł, zapewniając Modiglianiemu miejsce do pracy, kupując obrazy i rysunki oraz negocjując z modelkami. (Na zdjęciu portret Paula Alexandre'a pędzla Amadeo Modiglianiego.)

Wraz z wybuchem I wojny światowej życie w Paryżu uległo zmianie, wielu artystów nie pozostało obojętnych na powszechną mobilizację. Amadeo Modigliani, który ogłaszał się socjalistą i przeciwnikiem wojny, pragnął iść na front, został jednak odrzucony przez lekarza wojskowego, który ze względu na zły stan zdrowia odmówił uznania go za zdolnego do służby. Włoska duma Modiglianiego została zraniona, a on zareagował w swój charakterystyczny sposób – zaczął spożywać jeszcze więcej alkoholu i haszyszu. (Na zdjęciu – Paryż, 1915 r.)

Modigliani rozumiał, że uczuciem, które najczęściej wzbudzał w ludziach, było w najlepszym przypadku współczucie, a w najgorszym odrzucenie i wrogość, ale nie mógł się powstrzymać. Ludzie wokół niego byli już tak przyzwyczajeni do jego wizerunku pijaka, ledwo stojącego na nogach i gotowego zamienić swoje rysunki na kieliszek wina, że ​​Amadeo właśnie to zrobił, demonstrując to, co w psychologii nazywa się „zachowaniem oczekiwanym” .”

W lutym 1917 roku Modigliani poznał Jeanne Hebuterne, kobietę, która na krótki czas podzieliła jego los, pozostając blisko końca. Artystka miała wtedy trzydzieści trzy lata, Żanna dziewiętnaście. (Na zdjęciu Jeanne Hebuterne.)

Pewne światło na naturę relacji Jeanne i Amadeo rzucają wspomnienia współczesnych: „Odurzony, siedzi na ławce, nie wiedząc, co robić, dokąd iść. Jeanne pojawia się na Boulevard Montparnasse. Ma na sobie płaszcz i trzyma w rękach ciepły szalik. Rozglądając się z niepokojem, w końcu go zauważyła, usiadła obok i zawiązała mu szalik na szyi – przecież miał kaszel i wysoką temperaturę. Modi milczy, obejmuje ją ramieniem i przez długi czas zamierają w tej pozycji, przytuleni do siebie i nie mówiąc ani słowa. Potem, wciąż przytuleni, idą razem do domu. (Na zdjęciu portret Jeanne Hebuterne autorstwa Amadeo Modiglianiego.)

Leopold Zborovsky, będący wówczas mecenasem sztuki Amadeo Modiglianiego, był bardzo zadowolony z pojawienia się Joanny w życiu Modiego i miał nadzieję, że wywrze ona na niego wpływ pozytywny wpływ, sprawi, że zadbasz o swoje zdrowie i porzucisz złe nawyki. Nadzieja ta okazała się jednak płonna. (Na zdjęciu portret Leopolda Zborowskiego autorstwa Amadeo Modiglianiego.)

Późną jesienią 1917 roku właścicielka prestiżowej galerii Bertha Weil ogłosiła, że ​​organizuje pierwszą indywidualną wystawę Modiglianiego. Chcąc przyciągnąć zwiedzających, Leopold Zborowski wystawił na wystawę kilka aktów, co dało natychmiastowy efekt, który przeszedł najśmielsze oczekiwania mecenasa. Wokół okna tłoczyło się mnóstwo ludzi, słychać było oburzone krzyki, a ktoś zaczął komentować to, co zobaczył, sprośnymi żartami.

Galeria, w której odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Modiglianiego, niestety znajdowała się niedaleko komisariatu policji. Zamieszanie zwróciło uwagę komisarza, który wysłał na miejsce sprawdzenia, co się dzieje, i w wyniku nalotu nakazał właścicielowi galerii natychmiastowe zamknięcie wystawy.

Niemniej jednak ta pierwsza i ostatnia życiowa wystawa Modiglianiego dobrze służyła Amadeo. Skandal towarzyszący jego zamknięciu odbił się szerokim echem w Paryżu, a nazwisko artysty było na ustach wszystkich. Lata wojny nie przyczyniły się do rozwoju rynku sztuki, więc mimowolna reklama zrobiła swoje – ludzie zaczęli kupować obrazy Modiglianiego.

29 listopada 1918 roku Jeanne Hebuterne urodziła córkę, która podobnie jak jej matka otrzymała imię Jeanne. Amadeo był tak szczęśliwy, że po wyjściu ze szpitala opowiadał o noworodku każdemu, kto stawał mu na drodze. Potem postanowił uczcić to wydarzenie w bistro, a kiedy przyszedł do urzędu, aby zarejestrować narodziny dziewczynki, jego drzwi były zamknięte. (Na zdjęciu Jeanne, córka Amadeo Modiglianiego.)

Więc, ostatni akt dramaty. 1 stycznia 1920 roku Leopold Zborowski zaniepokojony stanem zdrowia Modiglianiego zamknął go w domu i trzymał w łóżku. Artysta głośno domagał się wypuszczenia i ostatecznie zbiegł po schodach przeciwpożarowych. Ale musiało się tak zdarzyć, że Maurice Utrillo został zwolniony Szpital psychiatryczny. Radość, uściski, burzliwa uczta, która rozpoczęła się w bistro i trwała w domu Amadeo, gdzie w międzyczasie przybyła Żanna, będąca w ciąży z drugim dzieckiem.

Następnego dnia Modigliani znowu pił i do późnej nocy włóczył się po zimnych, pustych ulicach. Grupa przyjaciół próbowała namówić Amadeo, aby wrócił do domu, do Joanny, ten jednak nie chciał niczego słuchać, po czym zaczął wyzywać otaczających go ludzi, przeklinając, krzycząc, że nie ma i nigdy nie miał przyjaciół. Potem nagle usiadł na lodowej ławce i zaprosił wszystkich, aby poszli za jego przykładem. Modi zobaczył wówczas molo w porcie Livorno. Wyczerpany artysta majaczył.

W Ostatnio Modigliani coraz częściej doświadczał chmur rozsądku: w swoim delirium rozmawiał z wyimaginowanymi ludźmi i widział chińskie smoki w oświetlonych samochodach pędzących bulwarem.

25 stycznia Jeanne Hebuterne w towarzystwie ojca przybyła do szpitala, aby pożegnać się z Modiglianim i jeszcze tej samej nocy popełniła samobójstwo, wychodząc przez okno sypialni w domu rodziców. Żanna była w dziewiątym miesiącu ciąży.

O ile pogrzeb Amadeo był bardzo uroczysty, o tyle nie można tego samego powiedzieć o pochówku Joanny. Daremnie przyjaciele namawiali rodziców dziewczynki, aby pochowali młodych ludzi w tym samym grobie. Propozycja ta została całkowicie odrzucona przez Hebuternes.

Jednak zaledwie dwa lata później szczątki Jeanne przeniesiono do grobu Modiego na cmentarzu Père Lachaise w Paryżu. Na nagrobku znajduje się ostatni wpis w księdze ich życia, sporządzony w języku włoskim: „Amadeo Modigliani. Artysta. Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno. Zmarł 24 stycznia 1920 w Paryżu. Śmierć dopadła go w przededniu sławy.
Joanna Hebuterne. Urodzona w Paryżu 6 kwietnia 1898 r. Zmarła w Paryżu 25 stycznia 1920 r. Wierna towarzyszka Amadeo Modiglianiego, który oddał mu życie.”

Modigliani, który żył i zmarł na Montparnasse, obcy, który stracił kontakt z ojczyzną i znalazł we Francji prawdziwy dom swojej sztuki, jest bodaj najnowocześniejszym z naszych współczesnych artystów. Udało mu się wyrazić nie tylko żywe poczucie czasu, ale także niezależną od czasu prawdę o człowieczeństwie. Być współczesnym artystą oznacza zasadniczo twórcze przekazywanie zachwytu nad swoją epoką, wyrażanie jej żywej i głębokiej psychologii. Aby to zrobić, nie wystarczy rozwodzić się nad zewnętrznym wyglądem rzeczy, w tym celu trzeba umieć odsłonić ich duszę. To właśnie potrafił znakomicie zrobić Modigliani, artysta z Montparnasse, artysta należący do całego świata”1.

1 (Cytat z tekstu opublikowanego w czasopiśmie „Monparnasse”. Paryż, 1928, nr 50.)

Cóż można dodać do tych pięknych słów wrażliwego, uczciwego współczesnego Modiglianiego? Czy po prostu jego twórczość pozostaje dziś dla nas taka sama, dla wszystkich, którzy cenią w sztuce prawdziwe człowieczeństwo, uchwycone w obrazach wysokiej i namiętnej poezji?

Amedeo Modiglianiego

„Czy powinienem powiedzieć, jakie cechy, moim zdaniem, definiują prawdziwą sztukę?” – zapytał kiedyś bardzo stary Renoir jednego ze swoich przyszłych biografów, Waltera Pacha. „Powinna być nie do opisania i niepowtarzalna... Dzieło sztuki powinno spadać na widz, objęcie „To poprzez dzieło sztuki artysta przekazuje swoją pasję, jest to nurt, który emituje i którym wciąga widza w swoją obsesję”. Wydaje mi się, że w każdym razie taka definicja odnosi się do niektórych dzieł dojrzałego Modiglianiego.

Autoportret - 1919 - Malarstwo - olej na płótnie

włoski malarz, rzeźbiarz; należał do „szkoły paryskiej”. Wdzięk linearnych sylwetek, subtelne relacje kolorystyczne, podwyższona ekspresja stanów emocjonalnych tworzą szczególny świat obrazów portretowych.

Miłość Amedeo Modiglianiego i Jeanne Hebuterne jest godna podziwu. Żanna kochała swojego Modiego całym sercem i wspierała ją we wszystkim. Nawet gdy godzinami malował nagie modelki, nie miała nic przeciwko temu. Modigliani, uparty i porywczy, był oczarowany łagodnym spokojem swojej ukochanej. Wygląda na to, że jeszcze niedawno rozbijał naczynia podczas hałaśliwych kłótni z Beatrice Hastings, niedawno porzucił Simone Thiroux i jej dziecko, a potem... Był zakochany. Los biednego, chorego na gruźlicę, nieznanego artysty postanowił sprawić mu pożegnalny prezent. Dała mu prawdziwą miłość.

Jeanne Hebuterne - 1917-1918 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - fresk

Kawa (Portret Jeanne Hébuterne) - 1919 - Fundacja Barnesa, Lincoln University, Merion, PA, USA - Malarstwo - olej na płótnie

Jeanne Hebuterne - 1919 - Muzeum Izraela - Malarstwo - olej na płótnie

Jeanne Hebuterne (znana również jako Przed drzwiami) - 1919 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - olej na płótnie - Wysokość 129,54 cm (51 cali), szerokość 81,6 cm (32,13 cala)

Jeanne Hebuterne w kapeluszu - 1919 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - olej na płótnie

Jeanne Hebuterne w dużym kapeluszu (znana również jako Portret kobiety w kapeluszu) - 1918 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - olej na płótnie Wysokość 55 cm (21,65 cala), szerokość 38 cm (14,96 cala)

Jeanne Hebuterne w szaliku - 1919 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne - 1917 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne - 1918 - Metropolitan Museum of Art - Nowy Jork, NY - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne - 1918 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne - 1919 PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne siedzącej w fotelu - 1918 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Jeanne Hebuterne siedzącej w profilu - 1918 - Fundacja Barnesa - Malarstwo - olej na c

Portret Jeanne Hebutern - 1918 - Galeria Sztuki Uniwersytetu Yale - New Haven, Connecticut - Malarstwo - olej na płótnie

Jeanne Hebuterne – Miłość Amedeo Modiglianiego. Zgadza się, Miłość przez dużą literę. Dzień po śmierci Amedeo ona, nie mogąc znieść żalu, wyskoczyła przez okno.

Jego życie twórcze było w zasadzie chwilowe, wszystko zmieściło się w dziesięciu, dwunastu latach wściekle intensywnej pracy, a ten „okres”, przesiąknięty niedokończonymi poszukiwaniami, okazał się tragicznie wyjątkowy.

Na końcu swojej biografii zwyczajowo umieszcza się odważny punkt: w końcu Modigliani odnalazł się i wyraził się do końca. I spłonął w pół zdania, jego twórczy lot został katastrofalnie przerwany, on także okazał się jednym z tych, którzy „nie dorastali do swoich na świecie, nie kochali swoich na ziemi” i, co najważniejsze, co ważne, niczego nie osiągnął. Nawet na podstawie tego, co niezaprzeczalnie absolutnie dokonał w tym jedynym swoim „okresie”, który dla nas żyje do dziś, któż może powiedzieć, gdzie, w jakim nowym i być może zupełnie nieoczekiwanym kierunku, w jakim nieznanym ten namiętny talent, tęskniący za jakąś ostateczną, wyczerpującą prawdą, pędzi do głębi? Jednego możemy być pewni: że nie poprzestanie na tym, co już osiągnął.

Przyjrzyjmy się temu bliżej, spróbujmy dostrzec nieuchronną niedoskonałość wszelkich reprodukcji książkowych. Powoli, jeden po drugim, odkrywajmy przed nami te portrety i rysunki, tak niezwykłe, dziwne i na pierwszy rzut oka monotonne, a potem coraz bardziej przyciągające nas jakąś znaczącą różnorodnością wewnętrzną, jakimś głębokim, nie zawsze od razu ujawniającym się wewnętrznym znaczeniem. Prawdopodobnie będziesz zdumiony, a może nawet oczarowany żarliwym naciskiem tego poetyckiego języka i niełatwo ci będzie pozbyć się tego, co sugeruje, szepcze lub sugeruje.

Jeśli przyjrzysz się uważnie, pierwsze wrażenie jednostronności i monotonii tych obrazów łatwo zostanie zniszczone. Im częściej wpatrujesz się w te twarze i sylwetki, tym bardziej ogarnia cię uczucie wciągającej głębi, która kryje się albo pod przezroczyście przejrzystą, albo pod przemieszczoną, zmiętą i jakby celowo zamgloną powierzchnią obrazu. Już w powtarzaniu technik (przy bliższym przyjrzeniu się będzie ich całkiem sporo) odczujemy intensywne dążenie artysty do czegoś dla niego najważniejszego, a może i najbardziej tajemniczego w tych wszystkich ludziach. Poczujesz, że nie zostali wybrani przez przypadek, że zdaje się, że przyciąga ich ten sam magnes. A może wyda się Wam, że wszyscy, pozostając sobą, znaleźli się w tym samym lirycznym świecie wewnętrznym – świecie niespokojnym, nieporządnym, wrażliwym, pełnym nierozwiązanych pytań i tajemniczej melancholii.

Modigliani pisze i rysuje niemal wyłącznie portrety. Od dawna mówi się, że nawet jego słynne akty i akty są na swój sposób psychologicznym „portretem”. W niektórych podręcznikach i encyklopediach nazywany jest „malarzem portretowym” przede wszystkim i z powołania. Ale co to za dziwny portrecista, który sam wybiera tylko swoje modele i nie przyjmuje żadnych zamówień, chyba że od własnego brata, wolnego artysty, lub od sympatycznego miłośnika sztuki? A kto zleci mu wykonanie portretu, jeśli najpierw nie porzuci wszelkiej nadziei na bezpośrednie podobieństwo?

Akt blondynki - 1917 - Malarstwo olejne na płótnie

To urodzony, niepoprawny zniekształcacz tego, co oczywiste i znane, ekscentryk, który skazał się na wieczne poszukiwanie nieoczekiwanych prawd. I rzecz dziwna: za z grubsza zaakcentowaną konwencją możemy nagle odkryć w jego obrazach coś absolutnie realnego, a za celowym uproszczeniem – coś niezwykle złożonego i poetycko wzniosłego.

Tutaj na jakimś portrecie jest niesamowity nos w kształcie strzały i nienaturalnie długa szyja i z jakiegoś powodu nie ma oczu ani źrenic, zamiast nich są małe owale, jakby rozpieszczone dziecko, zacienione lub zamalowane coś niebiesko-zielonkawego. Ale jest spojrzenie, czasem bardzo uważne; jest też charakter, nastrój, życie wewnętrzne i stosunek do otaczającego życia. A czasem nawet coś więcej: coś, co skrycie podnieca, co wypełnia duszę samego artysty, w jakiś nieprzenikniony sposób łącząc go z modelem i dyktując mu niezmienność, konieczność, niepowtarzalność tego, a nie innego środka wyrazu artystycznego .

Lunia Czechovska - 1919 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Na innym portrecie obok oczy będą szeroko otwarte i niezwykle wyraziste w najdrobniejszych szczegółach. Być może jednak jeszcze wyraźniej odzwierciedli się prostota palety, „nadmierna” określoność lub odwrotnie „rozmyte” linie LUB inna „konwencjonalność”. Samo w sobie nie oznacza to nic dla Modiglianiego – w obu przypadkach. Ma to znaczenie tylko w ogóle, w poetyckim odkrywaniu obrazu.

Jeanne Hebuterne z kapeluszem i naszyjnikiem - 1917 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - olej na płótnie

Ale oto rysunek, w którym, jak się wydaje, nie ma nic kompletnego, w którym nie ma tego, co znane naszym oczom, i z jakiegoś powodu najważniejsze staje się nieoczekiwane i opcjonalne. Rysunek, który zdawał się pojawiać „z niczego”, z nieuchwytności, z powietrza. Ale ten niesamowicie swobodny rysunek Modiglianiego nie jest ani kaprysem, ani niejasną, nieostrożną wskazówką. Jest najsubtelniejszy, ale jest też najbardziej zdefiniowany. W jego gramatycznym niedopowiedzeniu kryje się niemal namacalna kompletność poetycko wyrażonego, wylanego obrazu. I tu, na rysunkach, jak i na malowanych portretach Modiglianiego, znowu jest tylko coś w rodzaju zewnętrznego podobieństwa do modela, a tutaj jest to wątpliwy „portretarz”, a tutaj natura zostaje przekształcona przez władczą wolę artystę niezwiązanego z nią bezpośrednio, poprzez swoje skryte i niecierpliwe poszukiwania, delikatne lub porywcze dotknięcia. Jakby przyjrzał się z bliska temu, który jest teraz przed nim, za jednym zamachem, rozprawiwszy się z nim niemalże do karykatury lub wynosząc go niemal do rangi symbolu, natychmiast rzuci ten swój model na nieodwracalnie niedokończone płótno, na na wpół zmiętej kartce papieru, a jakaś siła pociągnie go dalej, do innego, do innych, do nowych poszukiwań Człowieka.

Modigliani potrzebuje własnej nowej formy, własnych technik pisarskich ze względu na swoją bezpośredniość i szczerość. Lecz tylko. Ze swej duchowej natury jest antyformalistą i zaskakujące jest, jak rzadko sobie w tym sensie zaprzecza, żyjąc w Paryżu w epoce szalonego entuzjazmu dla formy jako takiej – formy dla formy. Nigdy świadomie nie stawia jej pomiędzy sobą a otaczającym go życiem. Dlatego jest tak niechętny wszelkiemu abstrakcjonizmowi. Jean Cocteau jako jeden z pierwszych dostrzegł to przenikliwie: 1 „Modigliani nie wydłuża twarzy, nie podkreśla ich asymetrii, z jakiegoś powodu nie wyłupia komuś oka, nie wydłuża szyi. Wszystko to łączy się w sposób naturalny w duszy. Tak nas malował przy stołach w „Rotonde”, rysował bez końca, tak nas postrzegał, tak nas oceniał, kochał lub odrzucał. Jego rysunek był cichą rozmową. Był dialogiem jego wypowiedzi z naszą linie.”2

1(Tłumaczenie tego tekstu oraz wszystkich cytowanych w dalszej części tekstów francuskich, angielskich i niemieckich dokonuje autor.)
2(Jean Cocteau. Modigliani. Paryż, Hazan, 1951.)

Świat, który tworzy, jest niesamowicie realny. Poprzez niezwykłość, a czasem nawet wyrafinowanie niektórych jego technik, ujawnia się niezmienność realnego istnienia jego obrazów. Osadził ich na ziemi i od tego czasu żyją wśród nas, łatwo rozpoznawalni od wewnątrz, chociaż nigdy nie widzieliśmy tych, którzy byli dla niego wzorem. Odnalazł swoją drogę, swoją szczególną umiejętność przedstawiania ludzi tym, których wybrał, wyciągnął z tłumu, z otoczenia, ze swoich czasów, czy ich kochał, czy nie. Sprawił, że chcieliśmy zrozumieć ich tęsknoty i marzenia, ich ukryty ból lub pogardę, ucisk lub dumę, wyzwanie lub pokorę. Nawet najbardziej „konwencjonalne” i „uproszczone” jego portrety są nam niezwykle bliskie, kierowane do nas przez artystę. To jest ich szczególny wpływ. Zwykle nikt nikomu nie przedstawia nikogo w ten sposób: jest to bardzo bezpośrednie i bardzo intymne.

Oczywiście nie jest rewolucjonistą – ani w życiu, ani w sztuce. A to, co społeczne w jego twórczości, wcale nie jest równoznaczne z rewolucyjnym. W jego twórczości rzadko można spotkać otwarte, bezpośrednie wyzwanie wobec wrogich, sprzecznych z jego naturą zjawisk otaczającego życia. A jednak Cocteau ma rację, gdy mówi, że temu artyście nigdy nie było obojętne na to, co go otaczało, że zawsze „oceniał, kochał lub odrzucał”. Nie tylko w słynnej, sarkastycznej, niemal plakatowej „Para małżeńska”, ale także na innych płótnach i licznych rysunkach nie można oprzeć się wrażeniu, jak Modigliani nienawidził sytego samozadowolenia, taniego snobizmu, rzucającej się w oczy lub umiejętnie ukrywanej wulgarności, i wszelkiego rodzaju burżuazja.

Państwo młodzi (znani również jako Nowożeńcy) - 1915-1916 - olej na płótnie

Jednak w jego twórczości zrozumienie i współczucie wyraźnie przeważają nad osądem i obaleniem. Miłość zwycięża. Z jaką wzmożoną, subtelną wrażliwością wychwytuje i przekazuje nam ludzkie dramaty, z jaką staranną niejasnością przenika w głąb ukrytej melancholii, nieuniknionej i uparcie ukrywanej przed obojętnymi spojrzeniami. Jak on umie wysłuchiwać cichych, niewypowiedzianych wyrzutów urażonego, pokrzywdzonego dzieciństwa, oszukanej i nieudanej młodości. Tego wszystkiego jest sporo, jak na kolejnego miłośnika bezmyślnego optymizmu, może nawet za dużo w galerii osób najbliższych Modiglianiemu. Ale co zrobić, jeśli widzi to przede wszystkim i najczęściej u „zwykłych” ludzi, u ludzi spoza „społeczeństwa”, do których zawsze tak go pociąga: w młodzieży niższych klas miejskich i wiejskich, pokojówek i portierki, modelki i modystki, dostawcy i praktykanci, a czasem wśród kobiet z paryskich chodników. Nie znaczy to bynajmniej, że Modigliani jest przykuty łańcuchem do samego cierpienia, że ​​jest artystą beznadziejnie zrezygnowanego żalu. Nie, on zachłannie łapie i wie, jak przebłysnąć prawdziwa siła ludzkiej godności, aktywna, wrażliwa ludzka dobroć i wytrwała duchowa integralność. Szczególnie – u artystów i poetów, a wśród nich – szczególnie u tych, którzy z cichym uporem, zaciskając zęby, kroczyli trudną drogą odrzuconego, ale nie stłumionego talentu. I nic dziwnego. Przecież to była także jego droga – droga „życia krótkiego do pełni”, którą kiedyś sobie przepowiedział.

Ładna gospodyni domowa - 1915 - Fundacja Barnesa - Malarstwo - olej na płótnie
Ładna gospodyni domowa, 1915

Służąca (znana również jako La Fantesca) - 1915 - PC - Malarstwo - olej na płótnie
Pokojówka (La Frantesca)

Jednak nawet w tych latach i później Modigliani woli malować nie dobrze odżywioną paryską burżuazję, „mistrzów życia”, ale tych, którzy są mu bliscy duchowo - Maxa Jacoba, Picassa, Cendrarsa, Zborowskiego, Lipchitza, Diego Rivera , Kisliig, rzeźbiarze Laurent i Meshchaninov, dobry lekarz Devraigne w wojskowej kurtce, aktor Gaston Modot na wakacjach, w koszuli z rozpiętym kołnierzykiem, jakiś uroczy prowincjonalny notariusz z siwą brodą z fajką w dłoni, jakiś młody wieśniak o ciężkich rękach, nieprzyzwyczajony do spoczywania na kolanach, niezliczona ilość jego przyjaciele z niższych klas Paryża. .

Portret Maxa Jacoba - 1916 - Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen - Dusseldorf - Malarstwo - olej na płótnie

W 1897 Max Jacob przeniósł się do Paryża. Długo szukał siebie, jedno zajęcie szybko zostało zastąpione innym. Jacob pracował jako reporter, magik uliczny, urzędnik, a nawet cieśla. Miał szczególny talent artystyczny: dobrze orientował się w malarstwie i pisał artykuły krytyczne. Max Jacob często bywał na wystawach, gdzie poznał Pabla Picassa, a później Modiglianiego.
Przyjaciele Jacoba uważali go za osobę dwuznaczną, wynalazcę i marzyciela, miłośnika mistycyzmu.
Wielu artystów przedstawiało Jakuba na swoich obrazach, ale najbardziej znany stał się portret Modiglianiego.

Portret Pabla Picassa - 1915 - PC - Malarstwo - olej na tekturze

Modigliani po raz pierwszy spotkał Picassa, kiedy przybył do Paryża w 1906 roku. Ich ścieżki często się krzyżowały podczas I wojny światowej: kiedy większość ich wspólnych znajomych poszła na front z armią francuską, pozostali w Paryżu. Modigliani, choć nie Francuz jak Picasso, chciał iść na front, ale odmówiono mu ze względów zdrowotnych.
Typowym miejscem spotkań Picassa i Modiglianiego była kawiarnia Rotunda, jedna z najpopularniejszych lokali wśród bohemy. Artyści spędzali tam godziny na intymnych rozmowach. Picasso podziwiał wyczucie stylu nieodłącznie związane z Modiglianim i nawet kiedyś powiedział, że Modigliani był prawie jedyną znaną mu osobą, która dużo wiedziała o modzie.
Obaj artyści mieli słabość do sztuki afrykańskiej, co później wpłynęło na ich twórczość.

Scenarzyści filmu „Modigliani” wskazują na rzekomo silną konkurencję między artystami, jednak wspomnienia przyjaciół tego nie potwierdzają. Picasso i Modigliani nie byli najlepszymi przyjaciółmi, ale pomysł ich rywalizacji został wymyślony, aby zapewnić kontrast z fabułą.

Portret de Blaise’a Cendrarsa z 1917 r. 61x50 cm Rzym, kolekcja Gualino

Portret Leopolda Zborowskiego - 1917-18 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Amedeo Modigliani poznał Zborowskiego w trudnym momencie. Był rok 1916, wojna i niewiele osób kupowało obrazy nawet znanych artystów. Nikt nie dbał o młode talenty, Modigliani nic nie zarabiał i praktycznie umierał z głodu.
Polski poeta Leopold Zborowski zainspirował się twórczością Modiglianiego od razu, gdy po raz pierwszy zobaczył obrazy. Zostali bliskimi przyjaciółmi. Zborovsky tak bardzo wierzył w wspaniałą przyszłość Modiglianiego, że poprzysiągł za wszelką cenę uczynić go sławnym artystą. Przydzielając artyście największy pokój w swoim domu na pracownię, wędrował niestrudzenie po całym Paryżu w nadziei, że przynajmniej coś sprzeda. Ale niestety obrazy były rzadko sprzedawane. Żona Zborowskiego, Hanka, cierpliwie opiekowała się Amedeo, przymykając oko na jego trudny charakter.
Wysiłki Zborowskiego ostatecznie nie poszły na marne i w 1917 roku udało mu się zorganizować wystawę dla Modiglianiego w małej galerii Berthy Weil, która od dawna lubiła jego obrazy.
Wystawy niestety nie można nazwać sukcesem.

Leopold Zborowski - 1919 - Museu de Arte Moderna de Sao Paulo. Malarstwo - olej na płótnie

Modigliani umie poetyzować wygląd osoby, którą kocha i szanuje, umie ją wynieść ponad prozę codzienności: jest coś majestatycznego w wewnętrznym spokoju, w godności i prostocie, w samej kobiecości jego „Anny Zborowskiej” ” z kolekcji Rzymskiej Galerii Sztuki Nowoczesnej. Puszysty biały kołnierzyk, wysoko podniesiony z prawej i tyłu, jakby lekko podtrzymujący głowę modelki na ciemnoczerwonym tle, nie bez powodu był przez niektórych krytyków sztuki uważany za niemal atrybut hiszpańskich królowych.

Anna (Hanka) Zborowska - Galleria Nazionale d'Arte Moderna - Rzym (Włochy)

Anna (Hanka) Zabrowska - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Anny Zborowskiej - 1917 - Muzeum Sztuki Nowoczesnej - Nowy Jork - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Anny Zborowskiej - 1919 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

1917 Jacques Lipchitz et sa femme 81x54 cm Chicago, Instytut Sztuki

Portret Diego Rivery - 1914 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Pod koniec czerwca 1911 roku do Paryża przybył meksykański malarz i polityk Diego Rivera. Wkrótce poznał Modiglianiego. Często widywano ich razem w kawiarniach: pili, czasem awanturowali się, obrzucając przechodniów wulgarnymi zwrotami.
W tym okresie Rivera napisał „Kataloński krajobraz”, który wyznaczył nowy kierunek w jego twórczości: odkrył zupełnie nową technikę.

Portret Diego Rivery – 1914 – Huile sur Toile. Kolekcja Particulière o wymiarach 100x81 cm

1915 Portret de Moise Kisling Mediolan, kolekcja Emilio Jesi

Portret Henri Laurenta, 1915, ekspresjonizm, zbiory prywatne, olej na płótnie

Portret Oscara Meistchaninowa - 1916 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret doktora Devaraigne - 1917 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret de Chaïm Soutine - 1916 - 100x65 cm Paryż, kolekcja Particulière

Po ukończeniu Szkoły Sztuk Pięknych w Wilnie w 1913 roku Chaim Soutine przeniósł się do Paryża. Żyd białoruskiego pochodzenia, dziesiąte dziecko w 11-osobowej rodzinie, mógł liczyć tylko na siebie. Przez pierwsze lata żył w głodzie i biedzie, pracując w „Ulu”, schronisku dla biednych artystów, gdzie poznał Amedeo Modiglianiego. Nawiązała się między nimi bardzo silna, choć niestety krótkotrwała przyjaźń z powodu przedwczesnej śmierci Modiglianiego.
Haim szybko wypracował własną technikę i styl malarski, a jego twórczość stała się znaczącym wkładem w rozwój ekspresjonizmu.
Z powodu ciągłego głodu u Chaima rozwinął się wrzód. Jego twarz, otoczona potarganymi włosami, nieustannie wiła się z bólu. Jednak rysowanie było jego wybawieniem, przenosiło go w inny, magiczny świat, w którym zapomniał o pustym, bolącym brzuchu.

1916 Portret de Chaïm Soutine Huile sur Toile 92x60 cm wngoa

Tak pisał do swoich znajomych. Ale żadna przyjaźń nie jest w stanie przyćmić czujności jego oczu (Vlaminck pamięta autorytet w swoim spojrzeniu na modelkę podczas pracy). Nie przebacza przyjacielowi tego, czego nie akceptuje, co zawsze pozostaje mu obce lub wręcz budzi jego wrogość. W takich przypadkach Modigliani staje się ironiczny, jeśli nie zły. Oto Beatrice Hastings z pewnym siebie, kapryśnym i aroganckim wyrazem twarzy.
Beatrice Hastings miała romans z Amedeo, który trwał około 2 lat.

Portret Beatrice Hastings - 1915 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Beatrice Hastings - 1916 - Fundacja Barnesa - Malarstwo - olej na płótnie

Portret Beatrice Hastings - 1915 - PC - Malarstwo - olej na płótnie 2

Beatrice Hastings oparta na łokciu

Beatrice Hastings stojąca przy drzwiach

Beatrice Hastings, Siedząca - 1915 - Kolekcja prywatna

Beatrice Hastings

Ale znudzony, jakby patrzył na ludzi, pretensjonalny Paul Guillaume celowo od niechcenia oparł się o oparcie krzesła.

1916 Portret de Paul Guillaume 81x54 cm Milan Civicca Galeria d"Arte Moderna

Modigliani znał Jeana Cocteau bardzo dobrze jako osobę niezwykle utalentowaną. Znał jego bystry, bystry umysł, wielostronny talent jako poety, artysty, krytyka, kompozytora słynnych baletów, powieściopisarza i dramaturga. Ale jednocześnie Cocteau był uważany za twórcę stylu „eleganckiej bohemy”, „wynalazcy mody i pomysłów”, uosobienia „skrzydlatej przebiegłości”, „akrobaty słów”, niezrównanego mistrza rozmów salonowych o wszystkim i o niczym. Jest też coś z tego Cocteau na portrecie Modiglianiego, gdzie wydaje się mieć on proporcjonalne proporcje, z przesadnie wysokim oparciem i wygodnymi podłokietnikami stylowego krzesła, wszystkimi prostymi liniami i ostrymi kątami – ramionami, łokciami, brwiami, a nawet czubkiem głowy. nos: zimny dandyzm emanuje z przyjętej pozy, z najbardziej eleganckiego niebieskiego garnituru i nienagannego „motylka” krawata.

Portret Jeana Cocteau - 1917 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Nie mam dostępu do wyczerpującej obiektywnej analizy stylu Modiglianiego. Ale jest w nim trochę rzeczy główne cechy, które zapewne przykują uwagę każdego uważnego widza. Nie sposób na przykład nie zauważyć, jak wiele ma on, zwłaszcza wśród swoich wcześniejszych dzieł, tego, co jest niedokończone – a raczej coś, co wielu innych artystów zapewne uznałoby za niedokończone. Czasami może się to wydawać szkicem, którego z jakiegoś powodu nie chce rozwijać i ulepszać, być może dlatego, że za bardzo ceni pierwsze wrażenie. Niektórzy ludzie uważają to za denerwujące; mówią o nieuzasadnionych konwencjach, wręcz o malarstwie „nietrafnym”. Juan Gris ma aforyzm: „W ogóle należy dążyć do dobrego malarstwa, które jest zawsze warunkowe i precyzyjne, w przeciwieństwie do złego malarstwa, bezwarunkowego, ale nieprecyzyjnego” („C”est, somme toute, faire une peinture inexacte et precyzyjny, lout le contraire de la mauvaise peinlure qui est exacle el imprecise”)1.

1 (Cyt. z książki: Pierre Courthion. Paris de temps nouveaux. Geneve, Skira, 1957.)

A może to niedopowiedzenie w połączeniu z autorytetem jego rzemiosła jest dla nas główną siłą przyciągającą Modiglianiego?

Lionello Venturi i wielu innych badaczy jego pracy jest przekonanych, że jest ona oparta oryginalność stylistyczna- linia, która wydaje się prowadzić kolor. I rzeczywiście: gładki, miękki lub wręcz przeciwnie twardy, szorstki, przesadzony, pogrubiony, co jakiś czas narusza rzeczywistość, a jednocześnie ożywia ją w nieoczekiwanej, uderzającej jakości. Swobodnie rejestrując nałożone na siebie płaszczyzny, tworzy wrażenie głębi, objętości, „widoczności niewidzialnego”. Wydaje się ukazywać tę piękną „fizyczność” Modiglianiego, grę najdrobniejszych niuansów i odcieni kolorów, sprawiając, że oddychają, pulsują i wypełniają się ciepłym światłem od wewnątrz.

Portret Jeanne Nébuterne z 1918 r. 46x29cm. Kolekcja Paryża Particulière

Elvire au col blanc - 1918 - 92x65 cm - Kolekcja Paryża - Particulière

Etiuda do portretu Francka Burty'ego Havillanda - 1914 - Huile sur Toile. Muzeum hrabstwa Los Angeles

Frans Hellens - 1919 - PC - olej na płótnie

Giovanotto dai Capelli Rosse - 1919 - olej na płótnie

Dziewczyna na krześle (znana również jako Mademoiselle Huguette) – 1918 – PC – olej na płótnie – Wysokość 91,4 cm (35,98 cala) Szerokość 60,3 cm (23,74 cala)

Jacques i Berthe Lipchitz - 1917 - The Art Institute of Chicago (USA) - olej na płótnie

Joseph Levi - 1910 - Kolekcja prywatna - Malarstwo - olej na płótnie

Dziewczynka w czarnym fartuchu - 1918 - Kunstmuseum Basel - Malarstwo - olej na płótnie

Wiosną 1919 roku Modigliani ponownie spędził trochę czasu w Capie. Wysyłając stamtąd pocztówkę z widokiem do matki, 12 kwietnia napisał do niej: „Jak tylko się zadomowię, prześlę ci dokładny adres”. Wkrótce jednak ponownie wrócił do Nicei, gdzie przez cały czas jego pracę utrudniały kłopoty z uzupełnieniem brakujących dokumentów. Ponadto złapał tam także „hiszpańską grypę” - niebezpieczną chorobę zakaźną, która szalała wówczas w całej Europie. Gdy tylko wstał z łóżka, wrócił do pracy.

Intensywność jego twórczości w tym i kolejnych, paryskich okresach jest naprawdę zdumiewająca, zwłaszcza jeśli weźmie się pod uwagę fakt, że przez cały ten czas był już śmiertelnie chory, jak się później okazało. Ile portretów samej Joanny namalował wtedy i ile jej rysunków! I słynna „Dziewczyna w błękicie”, i wspaniałe portrety Germaine Survage i Madame Osterlind, i „Pielęgniarka z dzieckiem”, zwana potocznie „Cyganką”, i cała seria jego coraz doskonalszych aktów... Wszystko to powstawało przez jakieś półtora roku.

Dziewczynka w błękicie - 1918 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Ładny sprzedawca warzyw (znany również jako La Belle Epiciere) - 1918 - PC - Malarstwo - olej na płótnie

Różowa bluzka - 1919 - Musee Angladon - Awinion - Malarstwo - olej na płótnie

Portrait de Madame L - 1917 - Malarstwo - olej na płótnie

Portret dziewczynki (znanej również jako Victoria) – 1917 Tate Modern – Londyn – Malarstwo – olej na płótnie

Ilja Erenburg, rosyjski poeta, prozaik i fotograf, wyemigrował do Francji w 1909 roku. W Paryżu zajmując się działalnością literacką i poruszając się w środowisku młodych artystów poznał Modiglianiego. Podobnie jak Modigliani, Cocteau i inni artyści wieczory spędzał w kawiarni Rotunda. Długo zajęło Ehrenburgowi rozwikłanie tajemnicy niespokojnego charakteru Modiglianiego, którą opisał w „Wierszach o Ewach” z 1915 roku:

Siedziałeś na niskich schodach,
Modiglianiego.
Twoje krzyki przypominają petrela i sztuczki małpy.
I oleiste światło opuszczonej lampy,
A gorące włosy są niebieskie!..
I nagle usłyszałem strasznego Dantego -
Mroczne słowa zaczęły nucić i wypływać.
Rzuciłeś książkę
Upadłeś i skoczyłeś
Skakałaś po sali
A latające świece cię otulały.
O szaleńcu bez imienia!
Krzyknąłeś: „Dam sobie radę!” Mogę!"
I trochę czystych sosen
Dorastałem w płonącym mózgu.
Wielkie stworzenie -
Wyszłaś, zapłakałaś i położyłaś się pod latarnią.
http://www.a-modigliani.ru/okruzhenie/druzya.html

Dziękuję za uwagę! Ciąg dalszy nastąpi...

Tekst na podstawie książki Witalij Jakowlew Vilenkin „Amadeo Modigliani”

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Dobra robota do serwisu">

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Ministerstwo Edukacji i Nauki Ukrainy

Uniwersytet Państwowy w Mariupolu

Dział historii

Temat: Amedeo Modigliani

Wykonane:

uczennica Soliewa M.

Nauczyciel:

Mariupol2013

Wstęp

1. Życie i czasy

2. Kreatywność

3. Słynne dzieła

Wniosek

Bibliografia

Wstęp

Na początku 1906 roku wśród młodych artystów, pisarzy, aktorów, którzy żyli na Montmartre jako swego rodzaju kolonia, w której wszyscy w taki czy inny sposób się znali, pojawili się i od razu przyciągnęli uwagę. nowa postać. Był to Amedeo Modigliani, który właśnie przyjechał z Włoch i osiedlił się na ulicy Caulaincourt, w małej stodole-warsztacie pośrodku nieużytków porośniętych krzakami, które nazywano „makami” i właśnie wtedy zaczęto budować nowe domy . Miał dwadzieścia dwa lata. Był olśniewająco przystojny, ale najwyraźniej przyciągał ludzi czymś jeszcze bardziej niezwykłym. Wielu z tych, którzy spotkali go po raz pierwszy, pamiętało przede wszystkim gorączkowy blask jego dużych, czarnych oczu, wpatrzonych prosto w niego, w matowo-śniadą twarz. Cichy głos wydawał się „gorący”, chód wydawał się latający, a cały wygląd wydawał się mocny i harmonijny.

Ostatni z czeskich Mohikanów, Amedeo Modigliani, prowadził całkowicie bohemy. Bieda, choroba, alkohol, narkotyki, nieprzespane noce, rozwiązłe związki były jego stałymi towarzyszami. Nie przeszkodziło mu to jednak stać się największym nowatorskim artystą, który stworzył niepowtarzalny „świat Modiglianiego”1

Nie mamy Modiglianiego ani w muzeach, ani w kolekcjach prywatnych (nieliczne zachowane rysunki oczywiście w żaden sposób nie wypełniają tej luki). Na początku lat dwudziestych, kiedy miała miejsce spontaniczna i głównie spekulacyjna „dystrybucja” jego obrazów na światowym rynku sztuki, nasz kraj żył tak ciężko, że nie miał czasu martwić się o zdobycie najnowszego zachodniego malarstwa2. Reprezentowany był Modigliani. tu po raz pierwszy w 1928 roku tolu na jednej z wystaw sztuki zagranicznej. Po dłuższej przerwie kilka jego portretów pojawiło się jeszcze kilkukrotnie na wystawach dzieł z kolekcji muzealnych i prywatnych w USA, Francji i Japonii.

Charakterystyczne jest, że pomimo tak dużej różnorodności prac na temat Modiglianiego, w zachodniej krytyce artystycznej coraz częściej pojawia się pogląd, że jego twórczość wymaga jeszcze głębszych badań, że nie jest jeszcze w pełni poznana i niedostatecznie obiektywnie oceniona. Naprawdę nie można przestać o tym myśleć, zapoznając się z jego twórczością i jednocześnie czytając przynajmniej wszystko, co najlepsze, co o nim napisano. Trudno nie zauważyć, że nawet najpoważniejsza, wnikliwa zawodowo analiza jego twórczości na Zachodzie ogranicza się wciąż przede wszystkim do problemów „czystej formy”. Jest on badany abstrakcyjnie i skrupulatnie w celu ustalenia tradycji lub oryginalności technik jego rzemiosła. Rozważane jakby w pozbawionej powietrza przestrzeni, w zamkniętej na siłę kuli, te techniki mistrzostwa albo zostają skompresowane w bezduszny protokół, przypominający „historię przypadku”, albo konsekwentnie dają podstawę do nieskrępowanych porównań, czasem mniej lub bardziej uzasadnionych, czasem arbitralnych . Z którym nie jest powiązany tylko Modigliani, którego jedyne wpływy nie są na niego narzucane! Imiona i szkoły są przywiązane do jego twórczości w takiej obfitości, że komuś może się już wydawać albo uniwersalnym naśladowcą, albo eklektycznym uczniem - w każdym razie, dopóki po przejściu różnych „etapów” nie rozwinie się w końcu na żądanie innego badacza, jego własny, niepowtarzalny i niepowtarzalny styl. I w tym kalejdoskopie „wpływów” i „zbieżności” trudno jest określić te prawdziwe źródła i pasje, które tak naprawdę oświetliły jego drogę i pomogły mu, gdy był jeszcze bardzo młody, stać się sobą w sztuce. Nie jest jasne, dlaczego jego twórczość zostaje na siłę pozbawiona treści społecznych i filozoficznych. Podziwiają go, chwalą piękno jego malarstwa i wdzięk rysunku, ignorując jego duchowe wpływy.

Celem tej pracy jest więc prześledzenie życia i ścieżki twórczej Amedeo Modiglianiego i do tego konieczne jest:

zarysować główne etapy krótkiego, ale bogatego w wydarzenia życia artysty;

podkreślić twórczość Modiglianiego;

przeanalizuj główne dzieło mistrza.

Pracując z literaturą na ten temat, autor zauważa ich ograniczoną liczbę, można jednak zauważyć wzmożone zainteresowanie twórczością Modiglianiego w ciągu ostatnich 10–20 lat w rodzimej krytyce artystycznej. Najsłynniejsze radzieckie studium twórczości tego mistrza można nazwać monografią Vilenkina V.Ya. „Amedeo Modiglianiego”. Autor książki szczegółowo wprowadza czytelnika w życie i twórczość, dokonuje głębokiej, choć może nie do końca obiektywnej analizy twórczości autora. Dzieło Wernera „Amedeo Modigliani” jest bardziej obiektywne, zawiera też wiele interesujące fakty o życiu Modiglianiego, analiza dzieł, ale bardziej zwięzła, ale w przeciwieństwie do dzieła Vilenkina zawiera duża liczba ilustracje kolorowe i czarno-białe. Bardzo pełne spotkanie reprodukcje dzieł Modiglianiego znajdują się naszym zdaniem w książce „Świat arcydzieł. 100 światowych nazwisk w sztuce.” Oprócz reprodukcji książka zawiera obszerny artykuł wprowadzający z szczegółowy życiorys Amedeo Modiglianiego i krótka analiza jego twórczości.

1. Życie i czasy

Amedeo Modigliani urodził się 12 lipca 1884 roku w Livorno, na zachodnim wybrzeżu Włoch. Jego rodzice pochodzili z zamożnych rodzin żydowskich (jeden z dziadków przyszłego artysty był kiedyś zamożnym bankierem). Ale świat przyjął nowo narodzone dziecko niemiło – w roku narodzin Amedeo jego ojciec, Flaminio, zbankrutował, a rodzina znalazła się na skraju biedy. W tej sytuacji matka przyszłej artystki, Evgenia, która miała niezniszczalny charakter, stała się prawdziwą głową rodziny. Otrzymała bardzo dobre wykształcenie, próbowała swoich sił w literaturze, pracowała na pół etatu jako tłumaczka, uczyła dzieci angielskiego i francuskiego.

Amedeo był najmłodszym i najpiękniejszym z czwórki dzieci Modiglianiego. Matka też go lubiła, bo chłopiec wyrósł na słabego. W 1895 roku poważnie zachorował na zapalenie opłucnej. Według rodzinnej legendy Amedeo zaczął malować dopiero po ciężkiej chorobie na dur brzuszny w 1898 roku. Matka opowiadała, że ​​synowi przydarzyła się jakaś niezwykle malownicza, straszna wędrówka, podczas której Amedeo opisywał obrazy, których nigdy wcześniej nie widział, i że podobno to właśnie w czasie choroby odkryła w sobie pasję do rysowania. Mniej więcej w tym czasie Amedeo poważnie zainteresował się rysunkiem. Nauka była mu całkowicie obojętna i już w wieku czternastu lat jako uczeń wstąpił do warsztatu miejscowego artysty i rzeźbiarza G. Micheli.

„Dedo (tak miał na imię chłopiec w rodzinie) całkowicie porzucił wszystkie swoje sprawy” – napisała jego matka w swoim pamiętniku, „i nie zajmuje się niczym innym, jak tylko rysuje… Rysuje całymi dniami, zadziwia mnie i myli mnie ze swoją pasją. Jego nauczyciel jest z niego bardzo zadowolony. Mówi, że Dedo rysuje bardzo dobrze, jak na studenta, który uczy się malarstwa zaledwie trzy miesiące.

W 1900 roku, gdy Amedeo ponownie zachorował na zapalenie opłucnej, w lewym płucu wykryto ogniska gruźlicy, co później stało się jedną z przyczyn przedwczesnej śmierci artysty. Matka zabrała syna, aby poprawić jego zdrowie na wyspę Capri. W drodze powrotnej nastolatka odwiedziła Rzym, Florencję i Wenecję. Z tej podróży zachowały się listy wysyłane przez niego do przyjaciela - z żarliwymi deklaracjami miłości do sztuki i wzmiankami o pięknych obrazach, które „niepokoją wyobraźnię”. Miały jednak w sobie coś jeszcze. W jednym z listów z Capri młody podróżnik opowiada o „spacerze księżycowa noc z Norweżką, bardzo atrakcyjny dla oka.”

W 1902 roku Modigliani udał się do Florencji, gdzie wstąpił do szkoły malarskiej. Po przeprowadzce do Wenecji w marcu 1903 roku kontynuował naukę w tamtejszej Akademii. Do nas dotarło bardzo niewiele rysunków i listów artysty z tego okresu. Wenecja była kolorowa skład narodowy miasto o bogatych tradycjach kulturowych. Ale Modiglianiego, jak wszystkich młodych artystów jego pokolenia, pociągał Paryż. W styczniu 1906 roku 21-letni artysta postawił stopę w ziemi obiecanej, Paryżu. Rok wcześniej zmarł jego ukochany wujek Amedeo Garcin, który mu wcześniej pomagał, i teraz Modigliani otrzymał od matki jedynie skromne „stypendium”.

Swoją wędrówkę rozpoczynał w tanich, umeblowanych pokojach – najpierw na Montmartrze, a od 1909 roku – na Montparnasse, w dzielnicy artystów. Amedeo doskonale władał językiem francuskim, dlatego łatwo nawiązywał kontakty z paryżanami, z którymi cieszył się urokami wielkomiejskiego życia, nie stroniąc od barów i burdeli (il. 1).

W listopadzie 1907 roku Modigliani poznał młodego lekarza i miłośnika sztuki Paula Alexandre’a, pierwszego kolekcjonera jego dzieł. Rozdzieliła ich dopiero wojna światowa (dr Aleksander został wówczas zmobilizowany do pracy w szpitalu wojskowym). To właśnie Aleksander w 1909 roku połączył Modiglianiego z wybitnym rumuńskim rzeźbiarzem Constantinem Brancusim. Pod wpływem Brancusiego Amedeo zainteresował się rzeźbą, porzucając na kilka lat malarstwo (il. 2,3). Jednak kurz działa na jego słabą pierś tak szkodliwie, że zmuszony jest chwilowo porzucić swoją ulubioną rzeźbę. Przez pewien czas odwiedzał nawet Akademię Colarossi, a tę wizytę zawdzięczamy być może jego ostatnim rysunkom nagich modelek, wykonanym w sposób akademicki. Wtedy zaczyna się poszukiwanie czegoś nowego.

Poza tym próbuje rozwiązać dwa główne zadania, jakie przed nim stoją: pierwsze to zarabianie pieniędzy, a drugie to to, o czym pisał z Rzymu – „dotarcie do własnej prawdy o życiu, pięknie i sztuce”, czyli , aby znaleźć swój temat i własny język. Pierwszego zadania nie ukończył do końca życia. Jego młodzieńczo romantyczne zdanie, że „filistyny ​​nas nigdy nie zrozumieją”, niestety, nabrało tutaj surowej konkretności. Żaden paryski handlarz nie zgodził się kupić nikomu obrazów znany malarz- to zbyt ryzykowna inwestycja.

Życie artystyczne dało się odczuć. Stan zdrowia artysty uległ pogorszeniu. W latach 1909 i 1912 Modigliani udał się do krewnych we Włoszech, aby poprawić swoje zdrowie, ale po powrocie do Paryża znów wolał żyć jak poprzednio. Modigliani pił dużo i często; gdy był pijany, stawał się nie do zniesienia. W stanie „mglistym” mógł obrazić kobietę, wdać się w skandal, wszcząć bójkę, a nawet występować nago w miejscach publicznych. Co więcej, prawie wszyscy, którzy go dobrze znali, zauważają, że trzeźwy artysta był zwykłym człowiekiem, niczym nie różniącym się od większości ludzi tamtych czasów.

Przed I wojną światową Modigliani osiadł w słynnym „Ulu”, czyli inaczej „Rotundzie”, nie wspominając, czego nie zdziałałaby żadna opowieść o życiu legendarnych artystów z Montparnasse. Niezręczną, dziwną konstrukcję, jaką był pawilon wina na Wystawie Światowej w 1900 roku, jakiś ekscentryczny dobroczyńca zaciągnął na kupioną za grosze ziemię niemal na obrzeżach Paryża i urządził w niej schronisko dla bezdomnych i beznadziejnych biedaków artyści. Wiele celebrytów widziało jego brudne małe warsztaty, bardziej przypominające trumny z półkami nad drzwiami zamiast łóżek. Mieszkali tu Fernand Léger, Marc Chagall, francuski poeta Blaise Cendrars, a nawet nasz Lunacharsky odwiedził kiedyś Modiglianiego. Modigliani zawdzięcza temu niesamowitemu „Ulowi” znajomość z człowiekiem, którego bardzo kochał i uważał za jednego z największych artystów swoich czasów. To Chaim Soutine, małomiasteczkowy Żyd, który uciekł z prowincjonalnych Smilowicz, gdzie współwyznawcy jednogłośnie bili go za obrazy i jakimś cudem poleciał do genialnego Paryża. Soutine okazał się oryginalnym artystą z wielką przyszłością. Modigliani namalował jego dwa portrety, z których jeden, na którym Soutine ma otwartą, dziarską twarz szelmowskiego faceta, jest bardzo piękny w malarstwie.

Wraz z wybuchem I wojny światowej życie Modiglianiego stało się jeszcze bardziej mroczne. Wielu jego przyjaciół zostało powołanych do wojska, a wśród nich pojawiła się samotność. Ponadto ceny poszybowały w górę; kamień i marmur stały się niedostępnym luksusem, a Modigliani musiał zapomnieć o rzeźbie. Wkrótce poznał pisarkę Beatrice Hastings. Znajomość przerodziła się w burzliwy romans, który trwał dwa lata. O rodzaju relacji między kochankami można świadczyć po tym, że raz Modigliani przyznał, że wyrzucił Beatrice przez okno, a innym razem rumieniąc się ze wstydu, powiedział Jacques’owi Lipchitzowi, że Beatrice pobiła go szmatą.

To właśnie w latach wojny Modigliani odniósł pewien sukces. W 1914 roku Paul Guillaume zaczął skupować dzieła artysty. W 1916 roku miejsce tego „handlarza dziełami sztuki” zajął rodowity Polak Leopold Zborowski. W grudniu 1917 r. Zborowski zgodził się z właścicielką galerii sztuki Berthą Weil na zorganizowanie osobistej wystawy Modiglianiego (była to jego jedyna „personel” za życia). Wydawało się, że mur nieuznania zaraz się zawali. Pomysł wystawy zamienił się jednak w farsę. Galeria znajdowała się naprzeciwko komisariatu policji, a kiedy pod oknem galerii, w której wystawiono akty Modiglianiego, aby przyciągnąć publiczność, zebrał się niewielki tłumek, jeden z policjantów postanowił sprawdzić, co się tam dzieje. Pół godziny później Madame Weil nakazano usunąć „ohydę” z okna, a wystawę przed oficjalnym otwarciem trzeba było zamknąć.

Na kilka miesięcy przed feralną wystawą Modigliani spotkał się z 19-letnią studentką Jeanne Hebuterne (zdjęcie 4). Dziewczyna zakochała się w artyście i pozostała z nim aż do jego śmierci. Jednak jego zachowanie nie uległo poprawie. Modigliani był strasznie niegrzeczny wobec Jeanne. Poeta André Salmon tak opisał jeden z wielu publicznych skandalów Modiglianiego: „Pociągnął ją (Jeanne) za rękę. Złapał ją za włosy, pociągnął mocno i zachował się jak szaleniec, jak dzikus.”

W marcu 1918 roku Zborowski przeniósł się na południe Francji, z dala od pogrążonej w wojennej zgiełku stolicy. Zaprosił do towarzystwa kilku artystów – wśród nich był Modigliani. Trafił więc do Cannes, a następnie do Nicei, gdzie w listopadzie 1918 roku urodziła się córka Joanny (także Joanna). Pod koniec 1919 roku Modigliani (il. 5) wrócił z obydwoma Jeannes do Paryża, a kilka miesięcy później zachorował na gruźlicze zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych.

Zmarł 12 lipca 1920 r. Tragicznym postscriptum do życia Modiglianiego było samobójstwo Jeanne Hebuterne. Następnego ranka po pogrzebie ona, będąca w ósmym miesiącu ciąży, wyskoczyła przez okno.

Na końcu swojej biografii zwyczajowo umieszcza się odważny punkt: Modigliani w końcu odnalazł się i wyraził się do końca. I spłonął w połowie zdania, jego twórczy lot został katastrofalnie przerwany, on także okazał się jednym z tych, którzy „nie dorastali do swoich na świecie, nie kochali swoich na ziemi” i, najważniejsze, że nic nie osiągnął. Nawet na podstawie tego, co niezaprzeczalnie doskonale zrobił w tym swoim jedynym „okresie”, który żyje dla nas nawet dzisiaj - kto może powiedzieć gdzie, w jakim nowym i być może zupełnie nieoczekiwanym kierunku, w jakich nieznanych głębinach Czy ten pełen pasji talent, tęskniący za jakąś ostateczną, wyczerpującą prawdą, pośpieszyłby? Jednego możemy być pewni: że nie poprzestanie na tym, co już osiągnął.1

2. Kreatywność

W latach 1898-1900 Amedeo Modigliani pracował w warsztacie Guglielmo Micheli, dlatego można powiedzieć, że początkowy etap jego twórczości przebiegał pod znakiem sztuki włoskiej XIX wieku. Ponieważ to stulecie w kraju o chwalebnej przeszłości artystycznej nie jest bogate w wybitne osiągnięcia, wielu ma tendencję do niedoceniania mistrzów tego czasu i ich twórczości. Tymczasem są one niekwestionowanym źródłem inspiracji dla początkującego artysty, a temu faktowi nie zaprzecza fakt, że z wczesnych dzieł Modiglianiego, powstałych przed przeprowadzką do Paryża, dotarło do nas niewiele. Być może nieznane dzieła Modiglianiego z lat 1898-1906 zostaną jeszcze odkryte w Livorno, Florencji czy Wenecji, co pomoże rzucić światło na początkowy etap twórcza biografia artysta. Ponadto możemy czerpać z pewnych informacji zwrotnych na temat wczesnych dzieł Modiglianiego. I w ogóle trudno sobie wyobrazić, że minął sztukę współczesną swojego rodzinnego kraju: oczywiste jest, że sztuka włoska XIX wieku wywarła na młodym Modiglianim nie mniejsze wrażenie niż dzieła renesansu i Boldiniego jest tak samo odczuwalne we wczesnych paryskich dziełach Modiglianiego, jak i Toulouse-Lautrec.

Podczas pobytu w Rzymie w 1901 roku Modigliani podziwiał malarstwo Domenico Morelli (1826-1901) i jego szkołę. Sentymentalne obrazy Morellego tematy biblijne, jego historyczne obrazy i płótna oparte na scenach z dzieł Tassa, Szekspira i Byrona są dziś całkowicie zapomniane. Odważny krok, wyprzedzający Morellego, podjęła grupa bardzo młodych artystów „macchiaioli” (od macchia – kolorowa plama). Tę szkołę młodych innowatorów jednoczyło odrzucenie panujących w sztuce mieszczańskich gustów, których byli apologetami. artyści akademiccy malarze gatunkowi. Artyści z grupy Macchiaioli pod względem tematycznym byli bliscy impresjonistom: uwielbiali także przedstawiać chłopskie domy, wiejskie drogi, nasłonecznioną ziemię i odbicia słońca na wodzie, nie wyróżniali się jednak odważnymi decyzjami artystycznymi właściwymi dla Zwolennicy Moneta.

Najwyraźniej Modigliani w czasie swojej praktyki był przez pewien czas zwolennikiem założeń artystycznych „Macchiaioli”. Micheli, jego nauczyciel, sam był ulubionym uczniem jednego z założycieli tej szkoły, Giovanniego Fattori (1828-1905) z Livorno. Micheli był dość znanym pejzażystą, a popularność wśród lokalnych miłośników sztuki zyskał dzięki swoim pejzażom morskim, przepełnionym uczuciem świeżości i światła.

Modigliani pracował z taką pasją, jak żył. Alkohol i haszysz nigdy nie osłabiły jego niestrudzonej chęci do pracy. Musiały być okresy, kiedy z powodu braku powszechnego uznania popadał w rozpacz i poddawał się. Któregoś razu odpowiadając przyjacielowi, który zarzucał mu bezczynność, powiedział: „Tworzę w głowie co najmniej trzy obrazy dziennie. Jaki jest sens psuć płótno, skoro i tak nikt go nie kupi?” Z kolei Arthur Pfannstiel, autor książki Modigliani and His Work, podaje, że młody artysta nieustannie szkicował, gorączkowo zapełniając swoje oprawione w niebieską okładkę zeszyty rysunkami, aż do stu dziennie.

Należy pamiętać, że w tym okresie Modigliani wciąż marzył o zostaniu rzeźbiarzem i znaczną część, jeśli nie lwią część swoich wysiłków, poświęcił rzeźbie. Człowiek o krytycznym umyśle, okresowo niszczył to, co wydawało mu się nieskuteczne. Ale stracił też wiele prac podczas pośpiesznych przeprowadzek z miejsca na miejsce, prawie zawsze w tajemnicy i nie płacąc właścicielowi za wynajęty lokal. Wściekli właściciele domów zniszczyli „szalone” obrazy, które zostawił im w zamian za zapłatę; Właściciele bistro, z którymi częściej wymieniał swoje dzieła na napoje niż na jedzenie, nie cenili jego dzieł zbytnio. Bezmyślnie rozdawał wiele dzieł swoim licznym przypadkowym koleżankom, które się nimi nie opiekowały. Modigliani nigdy nie prowadził zapisów swoich dzieł.

Warto zauważyć, że na młodego malarza tak niewielki wpływ miały fowizm i kubizm. Fauves uznali kolor za podstawę wszystkiego, ale dla Modiglianiego najważniejsza jest linia. Początkowo narzekał, że jego „cholerne włoskie oczy” nie mogą przyzwyczaić się do specjalnego paryskiego oświetlenia. Jego paleta nie była zbyt urozmaicona i tylko raz czy dwa razy sięgał po eksperymenty kolorystyczne w duchu neoimpresjonistów czy Fauvesa. Z reguły duże powierzchnie o równej kolorystyce zamykał w cienkich, ale wyraźnie zarysowanych liniowych konturach. Kubizm, ze swoją tendencją do dehumanizacji, był dla Modiglianiego zbyt racjonalny, który w swojej twórczości szukał możliwości wyrażenia silnych emocji.

Jeśli wczesne obrazy Modiglianiego, pomimo ich znakomitych umiejętności technicznych i sporadycznych przebłysków szczególnego uroku i liryzmu, nie są jeszcze naprawdę wybitne dzieła, to jego rysunki z lat 1906-1909 antycypują już dojrzałego mistrza lat 1915-1920.

Lato 1909 roku spędził z rodziną w Livorno i namalował tam szereg obrazów, między innymi płótno zatytułowane „Żebrak”. To płótno, a także dwie wersje Wiolonczelisty, znalazły się wśród sześciu dzieł, które wystawił na Salonie Niezależnych w 1910 roku. W tym czasie zyskał już uznanie wielu krytyków, poetów i innych artystów, jednak poza oddanym doktorem Paulem Alexandre nikt nie chciał kupować jego dzieł. Przenosił się z miejsca na miejsce, bo nigdy nie miał pieniędzy na porządny warsztat. Kiedyś mieszkał w tzw. „Ulu” – dziwnym, zniszczonym domu przy ulicy Gdańskiej, w którym Chagall, Kisling, Soutine i wielu innych zagranicznych artystów również wynajmowało maleńkie pracownie.

W latach 1909-1915 uważał się za rzeźbiarza i bardzo niewiele zajmował się olejami. W tym okresie Modigliani zawarł wiele interesujących i niezbędnych znajomości. W 1913 roku poznał Chaima Soutine’a, szorstkiego imigranta z Litwy, a następnie, jako bliski przyjaciel, próbował go nauczyć dobrych manier. Soutine był dziesięć lat młodszy, a jego żywiołowe malowanie z charakterystycznymi „eksplozjami” uderzeń impasto z pewnością nie mogło zadowolić przyjaciela z Włoch. W 1914 roku Max Jacob przedstawił Modiglianiego Paulowi Guillaume’owi, pierwszemu marchandowi, któremu udało się wzbudzić zainteresowanie klientów twórczością artysty. Ale Modiglianiego łączyły znacznie bliższe relacje z innym Marchandem, Leopoldem Zborowskim, którego poznał w 1916 roku. Znaczna część dzieł artysty powstałych w ciągu ostatnich trzech–czterech lat powstała dzięki wsparciu Zborowskiego i jego żony. Zborowski był niezwykłym zjawiskiem wśród ówczesnych marszałków: żywił fanatyczną sympatię do swojego podopiecznego, pomimo wszystkich niedociągnięć artysty - przede wszystkim lekkomyślności i porywczego temperamentu - które zraziłyby mniej oddaną osobę.

W grudniu 1917 roku odbyła się jedyna w swoim rodzaju indywidualna wystawa Modiglianiego, zorganizowana przez Zborowskiego w Galerii Bertha Weil. Zamiast oczekiwanego sukcesu wybuchł głośny skandal. Tłum zebrał się przed oknem prezentującym akt. Policja nalegała, aby to płótno i cztery inne akty zostały usunięte z wystawy. Żaden z obrazów nie został sprzedany.

W maju 1919 roku Modigliani wrócił do Paryża, a Jeanne przybyła tam nieco później. Pojawiły się pierwsze oznaki sukcesu. O artyście zaczęły pisać gazety. Kilka jego płócien zostało zaprezentowanych na wystawie sztuki francuskiej w Londynie. Jego prace zaczęły cieszyć się popytem wśród kupujących. Modigliani wreszcie miał powód do ożywienia – gdyby nie nowe pogorszenie stanu zdrowia. Modigliani zdołał jednocześnie ugruntować swoją pozycję zarówno jako realisty, jak i nieprzedmiotowego materialisty. Ten natchniony eklektyk – arystokrata, socjalista i sensualista w jednej osobie – sięga po techniki zarówno mistrzów Wybrzeża Kości Słoniowej (których posągi zadziwiają wyobraźnię, nie wywołując poczucia przynależności), jak i malarzy ikon Bizancjum i wczesnego renesansu (które dotykają nami, ale nie może nami wstrząsnąć do głębi). Z tego wszystkiego wynika pełen szacunku, ekscytujący - jednym słowem wyjątkowy - Modigliani!

3. Słynne dzieła

Artysta kreatywny Amedeo Modigliani

Niesamowity styl Modiglianiego był szczególnie widoczny w jego aktach i portretach. To przede wszystkim te dzieła wyniosły go na wiodącą pozycję w sztuce XX wieku.

Droga twórcza Modiglianiego okazała się tragicznie krótka. Dano mu bardzo mało czasu – większość jego najlepszych dzieł powstała w ciągu ostatnich pięciu lat jego życia. Wyjaśnia to zarówno stosunkowo skromny rozmiar jego spuścizny, jak i pewną wąskość w wyborze tematów - w zasadzie Modigliani pracował tylko w dwóch gatunkach (akt i portret). Niemniej jednak nawet w epoce tak obfitującej w talenty, jak początek ubiegłego wieku, udało mu się nie zgubić w ogólnej masie „artystycznej” i ogłosił się jednym z najbardziej oryginalnych i poetyckich współczesnych malarzy. A stworzony przez niego styl do dziś nie daje spokoju wielu artystom, prowokując ich (często nieświadomie) do naśladownictwa i powtarzania.

Wydłużone formy Modiglianiego zawsze budziły duże zainteresowanie. Ich pochodzenie było różnie wyjaśniane przez krytyków. Niektóre z tych wyjaśnień mają charakter dość anegdotyczny – na przykład, mówiąc relatywnie, „alkohol”. Twierdzono, że wydłużone formy wynikają z alkoholowego nałogu artysty, patrzenia na kobiety przez dno szklanki lub zakrzywioną szyjkę butelki. Tymczasem podobne formy odnajdujemy u mistrzów renesansu, których podziwiał Modigliani, oraz na jego ulubionych afrykańskich maskach. Jego zainteresowania artystyczne nie ograniczały się do masek afrykańskich. Pociągała go także sztuka starożytnego Egiptu, zafascynowany posągami wysp Oceanii i nie tylko. Nie było tu jednak mowy o pożyczaniu bezpośrednim; jeśli starożytne rzeźby miały wpływ na styl Modiglianiego, to tylko pośrednio. Modigliani zaakceptował tylko to, co odpowiadało jego własnym poszukiwaniom.

W swoją „rzeźbiarską” piątą rocznicę artysta namalował zaledwie około dwudziestu obrazów, a łączna liczba zachowanych obrazów wynosi blisko 350. Później porzucił rzeźbę. Być może zajęcia z rzeźby stały się dla niego po prostu za dużo. Rzeźbienie w kamieniu to ciężka praca fizyczna, a unoszącemu się w powietrzu kamiennemu pyłowi przeciwwskazane były płuca artysty, które zostały zniszczone przez gruźlicę. Tak czy inaczej, stworzone przez autora prace rzeźbiarskie- integralna część pracy Amedeo. Wszystkie istniejące rzeźby Modiglianiego powstały w latach 1909-1914. Są to 23 kamienne głowy i dwie postacie ( stojąca kobieta i kariatyda). Modigliani wielokrotnie wykonywał szkice kariatyd, z zamiarem stworzenia całej serii głów i postaci dla wymyślonej przez siebie świątyni piękna. Ten plan nie miał się spełnić. Co prawda na Salonie Jesiennym w 1912 roku pokazał siedem bramek (również coś w rodzaju serii). Przyjaciel artysty, słynny rzeźbiarz Jacob Epstein, zanotował w swojej autobiografii, że Modigliani zapalał w nocy świece umieszczone na kamiennych główkach i oświetlał nimi warsztat, starając się „imitować oświetlenie starożytnej pogańskiej świątyni.

Modigliani był rzeźbiarzem samoukiem, dlatego jego wczesne rzeźby wyglądają szorstko (a nawet niezgrabnie). Ale pracując intensywnie, wkrótce znalazł swoje własny styl, elegancki i mocny. Kamienne głowy Modiglianiego mają przyciągającą, niemal magnetyczną siłę. Można sobie wyobrazić, jak majestatyczna mogła być Świątynia Piękna artysty.

Twórczość Modiglianiego widz najczęściej kojarzy z jego aktami. Modigliani zawsze interesował się aktem, ale na poważnie zajął się tym tematem dopiero w 1916 roku. Wspaniałe akty namalowane przez artystę w ciągu ostatnich trzech, czterech lat jego życia bardzo różnią się od wszystkiego, co stworzył wcześniej. Kobiece wizerunki zmarłego Modiglianiego stały się bardziej zmysłowe i spontaniczne, tracąc dawny smutek i kontemplację. Pracując w tym gatunku, artysta rzadko korzystał z pomocy swoich dziewczyn czy kochanek – wyjątkami jest jeden akt z Beatrice Hastings w roli modelki i kilka podobnych rzeczy, do których pozowała Jeanne Hebuterne. Zazwyczaj modelami artysty były płatne modelki lub przypadkowe znajomości. Modigliani wolał leżące akty (choć nie była to dla niego ekskluzywna poza). Zawsze przedstawiał kobiece ciało duże, soczyste, z rękami zarzuconymi za głowę lub zgiętymi nogami.

W czasach Modiglianiego naga kobieca natura nie była jeszcze powszechna w malarstwie. Martwiła się, a nawet była zszokowana. Za szczególnie obsceniczny uznano wizerunek włosów łonowych. Jednak stworzenie erotycznej atmosfery nie było celem samym w sobie Modiglianiego; to oczywiście widać na jego płótnach, ale poza tym są one eleganckie pod względem kompozycji i wyrafinowane kolorystycznie. Są to przede wszystkim dzieła sztuki. Przykłady obejmują Akt na białej poduszce (1917–1918), Siedzący akt (zdjęcie 6) bez daty i Młoda siedząca kobieta (1918). Doskonałym przykładem gatunku, łączącym w sobie czystość i elegancję linii, prostotę kompozycji, ekspresję i głęboką erotyzm – „Akt siedzący” (1916). To jeden z pierwszych aktów Modiglianiego z okresu dojrzałości. W swojej książce (1984 r.) poświęcony kreatywności artysta Douglas Heasle nazywa to zdjęcie „być może najpiękniejszym z aktów Modiglianiego”1. Twarz kobiety jest stylizowana, jednak można doszukać się w niej podobieństw do Beatrice Hastings. W momencie powstania płótna nadal mieszkali razem. Jest jednak mało prawdopodobne, aby Beatrice pozowała artyście; najprawdopodobniej Modigliani jak zwykle zaprosił do tego profesjonalną modelkę. Ale gdy pracował, Beatrice z pewnością stała mu przed oczami. Wydłużona, rzeźbiona twarz przedstawionej kobiety przywodzi na myśl afrykańskie maski, które tak podziwiał Modigliani, a przechylenie głowy i opuszczone rzęsy nawiązują do obrazów wystawianych zwykle w Salonie. Niemniej jednak to dzieło Modiglianiego jest całkowicie oryginalne i słusznie uważane jest za jedną z pereł serii aktów, które później rozsławiły artystę.

„Leżący akt” (1917-1918) twórczość Modiglianiego najczęściej kojarzona jest z aktem widza, a to arcydzieło jest doskonałym przykładem tego gatunku, łączącego czystość i wdzięk linii, prostotę kompozycji, ekspresję i głęboki erotyzm.

Modigliani był wybitnym rysownikiem, dlatego też główny urok obrazu nadaje linia delikatnie opisująca kontury kobiecego ciała, szyi i owalu twarzy. Gładkie kontury postaci podkreślają eleganckie tło obrazu, z wdziękiem dobranym tonem. Poza i rysy twarzy modelki są bardzo intymne, ale jednocześnie celowo stylizowane, przez co wizerunek traci swoją indywidualność i staje się kolektywny. Ramiona i nogi bohaterki tej pracy, odcięte krawędzią płótna, wizualnie przybliżają ją do widza, dodatkowo wzmacniając erotyczny wydźwięk obrazu.

Oprócz aktów powszechnie znane są portrety Modiglianiego. Powiedział: „Interesuje mnie człowiek. Ludzka twarz jest najwyższym dziełem natury. Dla mnie jest to źródło niewyczerpane.”1 Najczęściej Modiglianiego pozowali bliscy przyjaciele, dzięki czemu wiele płócien artysty wygląda jak ciekawa galeria przedstawicieli ówczesnego świata artystycznego, w których obrazach odcisnął się „złoty wiek” sztuki paryskiej. Modigliani pozostawił nam portrety artystów Diego Rivery, Juana Grisa, Pabla Picassa i Chaima Soutine’a, rzeźbiarzy Henri Laurensa i Jacques’a Lipchitza, pisarzy Guillaume’a Apollinaire’a i Maxa Jacoba. Dotarł także do nas jedyny autoportret Modiglianiego (ryc. 7), namalowany przez niego w 1919 roku, na kilka miesięcy przed śmiercią.

Akty i portrety namalowane przez artystę pod koniec jego życia stanowią ważny kamień milowy w historii współczesnego malarstwa. Choć ostatnie portrety Modiglianiego noszą ślady emocjonalnego upadku (co nie jest zaskakujące, jeśli nie zapomnimy o tym, jak żył w tamtym czasie), to jednak zachowują przejrzystość i majestat właściwy mistrzom renesansu.

Ale to nie przyniosło Modiglianiemu sławy za jego życia. Znany był jedynie wąskiemu kręgowi artystów – tak samo jak on, bezinteresownie zakochany w sztuce. A to z reguły nie przynosi pieniędzy przez całe życie. Tak, Modigliani (podobnie jak wielu jego przyjaciół) wciąż czekał na bezwarunkowe uznanie, ale stało się to po jego śmierci. Za jego obrazy, które rozdawał za chleb i wino, teraz płacą zapierające dech w piersiach pieniądze; w galeriach sztuki zajmują najbardziej zaszczytne miejsca, a o samym artyście napisano setki książek. Zwykła historia.

Wniosek

Styl malarski Modiglianiego, charakteryzujący się dekoracyjną płaskością, ostrą zwięzłością kompozycji, muzykalnością rytmów liniowo-sylwetkowych i nasyceniem koloru, został ustalony na początku lat 1910-tych. W swoich z reguły jednofigurowych obrazach – portretach i aktach – Modigliani stworzył szczególny świat obrazów, na wskroś indywidualny, a jednocześnie przypominający ogólne melancholijne zaabsorbowanie sobą; ich osobliwy, subtelnie zniuansowany psychologizm, oświecona poezja łączą się z ciągłym, czasem tragicznym poczuciem niepewności człowieka w świecie.

Modigliani zdołał jednocześnie ugruntować swoją pozycję zarówno jako realisty, jak i nieprzedmiotowego materialisty. Jego sztuka wychodzi naprzeciw wymaganiom purystów, którzy twierdzili, że obraz jest jedynie płaszczyzną, na którą w określonej kolejności nakładane są farby; ale jednocześnie umieścił w swoich płótnach bogatą treść ludzką, seksualną i społeczną. Odsłania i ukrywa, selekcjonuje i przynosi, uwodzi i uspokaja. Ten natchniony eklektyk – arystokrata, socjalista i sensualista w jednej osobie – sięga po techniki zarówno mistrzów Wybrzeża Kości Słoniowej (których posągi zadziwiają wyobraźnię, nie wywołując poczucia przynależności), jak i malarzy ikon Bizancjum i wczesnego renesansu (które dotykają nami, ale nie może nami wstrząsnąć do głębi). Z tego wszystkiego wynika pełen szacunku, ekscytujący - jednym słowem wyjątkowy - Modigliani!

Co pozostało z Modiglianiego siedemdziesiąt lat po jego śmierci? Po pierwsze, oczywiście, dziedzictwo twórcze, która wciąż jest przedmiotem szczegółowych badań, a po drugie, legenda, która stała się własnością milionów.

Legenda zrodziła się ze wspomnień osób, które znały artystę podczas jego tragicznego życia w Paryżu, a jeszcze bardziej z książek, które opierały się na niesamowitych, choć nie zawsze wiarygodnych informacjach z drugiej, a nawet trzeciej ręki. Przygodom Modiglianiego poświęconych jest kilka przeciętnych powieści i film.1

Alkohol i narkotyki mogły być konieczne dla słabego fizycznie, nieudanego i samotnego obcokrajowca w Paryżu, cierpiącego z powodu niepewności i gorzkich rozczarowań, ale w żaden sposób nie stworzyły ani nie uwolniły jego geniuszu. Modigliani był niemal zawsze rozpaczliwie biedny, i to bardziej ze względu na swój „straszny charakter”, który odpychał ewentualnych mecenasów, niż z powodu całkowitej obojętności kolekcjonerów wobec niego. Obalamy „romantyczną legendę o śmierci z głodu, alkoholu i Bóg wie jakich metafizycznych męek”2, córka artysty Jeanne Modigliani za wszystko obwinia przede wszystkim gruźlicę, na którą chorował przez całe życie.

Bez względu na to, jak odrażający i nieodpowiedzialny mógł się czasem wydawać artysta, w zasadzie był on – i wszyscy jego przyjaciele są co do tego zgodni – człowiekiem o arystokratycznym zachowaniu, błyskotliwym umyśle, wszechstronnie wykształconym, zdolnym do dobre przeczucie i współczucie. Biorąc pod uwagę ograniczony czas – trzynaście lat – jego działalności twórczej oraz wszelkie okoliczności życiowe, jego osiągnięcia są zadziwiające nie tylko pod względem ilościowym, ale także jakościowym. W książce Modigliani and His Work (1956) Arthur Pfannstiel wymienia i opisuje 372 obrazy artysty, które powstały po przybyciu do Paryża w 1906 roku. We wstępie do albumu „Amedeo Modigliani. Rysunki i rzeźba (1965) Ambrogio Ceroni przekonuje, że ilość autentyczne obrazy Modiglianiego – 222, co wskazuje na bardzo rygorystyczne podejście do ich oceny. W ostatnich latach odkryto już kilka wczesnych obrazów Modiglianiego, a nie tak dawno temu wystawiono na sprzedaż szereg bardzo przekonujących autentycznych płócien z okresu paryskiego, o których nie wspominał ani Pfannstiel, ani Ceroni.3 Niestety, rynek został zalany. z podróbkami pod Modiglianim, a niektóre z nich z taką umiejętnością, że potrafią wprowadzić w błąd zarówno specjalistę, jak i kolekcjonera. Nic dziwnego, że mistrzowie fałszerstwa tak bardzo zintensyfikowali swoje działania – cena za pierwszorzędne dzieło Modiglianiego wzrosła do stu tysięcy dolarów. W rezultacie pojawiło się wielu „Modiglianich”, którzy próbują sprowadzić oryginalne techniki opracowane przez mistrza do trywialnych formuł.

Nigdy nie dowiemy się, ile dzieł do nas nie dotarło – ile z nich zniszczył sam artysta, a ile zaginęło.

Bibliografia

Wernera Alfreda. Amedeo Modigliani (tłum. Fateeva). - St. Petersburg: ICAR, 1994. - 126 s., il.

Vilenkin V.Ya. Amedeo Modiglianiego. - wyd. 2, wyd. i dodatkowe - M.: Sztuka, 1989. - 175 s., l. chory. - (Życie w sztuce).

europejski obraz XIII- XX wieki Słownik encyklopedyczny. - M.: Sztuka, 1999. - 526 s., chory.

Modiglianiego. - M.: Centrum Wydawnicze „Klasyka”, 2001. - 64 s., il. „Świat arcydzieł. 100 światowych nazwisk w sztuce.”

Galeria sztuki: Modigliani. -Nr 26. - M., 2005. - 31 s.

Encyklopedia malarstwa światowego / Comp. T.G. Petrovets, Yu.V. Sadomnikowa. - M.: OLMA - PRESS, 2000. - 431 s.: il.

Opublikowano na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Pochodzenie i główne etapy życia Włoski artysta. Dzieło Modiglianiego: wczesne prace, wpływ fowizmu i kubizmu na technikę malarza, doświadczenia rzeźbiarza, znajomość z Soutine'em i Zborowskim. Analiza cech głównych dzieł mistrza.

test, dodano 01.03.2011


Kluczowe daty z życia Amedeo Modiglianiego, przyczyny śmierci. Etapy powstawania obrazu „Leżący akt”, paleta i elementy tła. Cechy stylu: stylizowane rysy twarzy, formę rzeźbiarską, teksturowany ton. Talent kompozytorski artysty.

prezentacja, dodano 14.03.2011


Istota zjawiska „Achmatowa-Modiglianiego”. Kanon obrazkowy w „portrecie” Modiglianiego. „Ślad” Modiglianiego w twórczości Achmatowej. „Okres Achmatowej” w twórczości Modiglianiego. Tajne znaki w twórczości Amedeo. Temat „diabła” w twórczości Achmatowej i Modiglianiego.

streszczenie, dodano 13.11.2010


Studiując twórczość pisarza, rzeźbiarza i artysty Ernsta Barlacha, którego postać jest niemiecka kultura artystyczna XX wiek wyróżnia się. Postawa, poetyka, styl Barlacha. Doukhobor w kościele św. Mikołaja to jedno z najważniejszych dzieł mistrza.

streszczenie, dodano 03.04.2013


Początek dzieciństwa i młodości artysty ścieżka twórcza. Praca nad obrazami. Przegląd twórczości Surikowa, pracy nad wieloma obrazami, ich charakterystyki i roli stosowanych przez niego środków wyrazu. Podróżować zagranicę artysta, ostatnie lata jego życia.

praca semestralna, dodana 15.02.2011


Początek drogi twórczej włoskiego archeologa, architekta i grafika Giovanniego Piranesiego. Rola graficznej twórczości architektonicznej a fantazje architektoniczno-przestrzenne mistrza. Arkusz „Świątynia Sybilli w Tivoli”. Dziedzictwo wielkiego mistrza.

praca semestralna, dodano 13.10.2014


Sztuka wielkiego artysty Caravaggia. Przegląd wybitnych obrazów mistrza różnych okresów twórczości. Cechy charakterystyczne stylu malarskiego, cechy wyróżniające styl dzieł, równowaga dramatycznego patosu i naturalistycznych detali.

prezentacja, dodano 16.04.2010


Historia życia i twórczości wielkiego włoskiego artysty, malarza, rzeźbiarza, architekta i naukowca, jednego z największych przedstawicieli sztuki Wysoki renesans Leonardo da Vinci, który przerósł swojego nauczyciela. Ostatnie lata życia mistrza.

prezentacja, dodano 03.04.2012


Początek ścieżki twórczej włoskiego artysty renesansu Sandro Botticellego. Studia w warsztacie Fra Filippo Lippiego, wpływ Andrei Verrocchio i pierwsze dzieła. Tematyka obrazów artysty: „Wiosna”, „Narodziny Wenus”, „Madonna z granatem”.

streszczenie, dodano 05.06.2009


Krótki szkic życia, etapów rozwoju osobistego i twórczego Pabla Picassa jako słynnego włoskiego artysty impresjonistycznego. Okresy w twórczości mistrza, ich osiągnięcia i kierunki pracy. Odbicie życia i doświadczeń artysty w jego obrazach.

Ten nierozpoznany geniusz zmarł w strasznej biedzie, a teraz za jego obrazy płacą fortunę na aukcjach. Nazwisko skandalicznego artysty, o którym jeden z jego kolegów powiedział, że „pierwotnym malarzem był gwiazdor, a dla niego rzeczywistość nie istniała”, owiane jest legendami. Dzieła wielkiego twórcy, który nie zrobił nic na pokaz, nie można wpisywać w ramy jednego ruchu artystycznego.

Amedeo Modigliani: krótka biografia

Włoski malarz i rzeźbiarz Amedeo Modigliani urodził się w mieście Livorno w 1884 roku w rodzinie żydowskiej. Ojciec ogłasza bankructwo, a matka chłopca, która otrzymała doskonałe wykształcenie, w trudnych czasach staje się głową rodziny. Posiadając silny charakter i nieugiętą wolę, kobieta, która dobrze zna kilka języków, zarabia na tłumaczeniach. Młodszy syn Amedeo jest bardzo pięknym i chorowitym dzieckiem, a Eugenia Modigliani jest nim zafascynowana.

Chłopiec jest mocno przywiązany do matki, która szybko rozpoznaje w nim umiejętność rysowania. Wysyła swojego 14-letniego syna do szkoły lokalnego artysty Micheli. Nastolatek, który w tym czasie otrzymał wszechstronne wykształcenie, zapomina o wszystkim, całymi dniami jedynie rysuje, całkowicie oddając się swojej pasji.

Zapoznanie się z arcydziełami sztuki światowej

Często chory chłopiec, u którego również zdiagnozowano gruźlicę, został w 1900 roku zabrany przez matkę na wyspę Capri, aby poprawić jego zdrowie. Amedeo Modigliani, który odwiedził Rzym, Wenecję, Florencję, zapoznaje się z największymi arcydziełami sztuki światowej i w swoich listach wspomina, że ​​„ piękne zdjęcia Od tego czasu niepokoją jego wyobraźnię.” Nauczycielami młodego malarza zostali uznani włoscy mistrzowie, w tym Botticelli. Później artysta, marzący o poświęceniu życia sztuce, w swoich pracach wskrzesi wyrafinowanie i liryzm ich obrazów.

Dwa lata później młody człowiek przeprowadził się do Florencji i wstąpił do szkoły malarskiej, a później kontynuował naukę w Wenecji, gdzie – jak uważają badacze twórczości geniusza – uzależnił się od haszyszu. Młody człowiek rozwija indywidualny styl pisania, który radykalnie różni się od istniejących ruchów artystycznych.

Życie artystyczne w Paryżu

Kilka lat później Amedeo Modigliani, straciwszy inspirację we Włoszech, myśli o życiu bohemy we Francji. Tęskni za wolnością, a jego matka pomaga ukochanemu synowi przenieść się do Paryża na Montmartre i wspiera wszystko, co robi. kreatywne poszukiwania. Od 1906 roku Modi, jak nazywają go nowi przyjaciele artysty (swoją drogą słowo maudit z francuskiego tłumaczone jest jako „przeklęty”), cieszy się szczególnym duchem miasta. Przystojnemu malarzowi, który nie ma końca swoim fanom, brakuje pieniędzy.

Błąka się po najtańszych umeblowanych pokojach, dużo pije i próbuje narkotyków. Wszyscy jednak zauważają, że uzależniony od alkoholu artysta szczególnie kocha czystość i codziennie pierze swoją jedyną koszulę. Nikt nie mógł konkurować elegancją z nieodpartym Amedeo Modiglianim. Zachowane do dziś fotografie artysty doskonale oddają jego niezwykłą urodę i wyrafinowanie. Wszystkie panie szaleją na widok wysokiego malarza ubranego w welurowy garnitur, spacerującego ulicą ze szkicownikiem w pogotowiu. I żaden z nich nie był w stanie oprzeć się urokowi biednego mistrza.

Wiele osób bierze go za Włocha, ale sprzeciwiający się antysemitom Modigliani nie ukrywa, że ​​jest Żydem. Osoba niezależna, która uważa się za wyrzutka społeczeństwa, nikogo nie wprowadza w błąd.

Nierozpoznany geniusz

We Francji Amedeo szuka własnego stylu, maluje obrazy, a za pieniądze zebrane ze sprzedaży częstuje nowych przyjaciół w barach. W ciągu trzech lat spędzonych w Paryżu Modigliani nie zyskał uznania widzów i krytyków, choć przyjaciele artysty uważają go za nierozpoznany geniusz.

W 1909 roku Amedeo Modigliani, którego biografia jest pełna dramatycznych wydarzeń, spotyka bardzo ekscentrycznego rzeźbiarza Brancusiego i zaczyna interesować się pracą w kamieniu. Pieniądze na drewno lub piaskowiec na przyszłe arcydzieła młody człowiek nie wystarczy, a nocą kradnie niezbędny materiał z placu budowy miejskiego metra. Później rezygnuje z rzeźbienia z powodu chorych płuc.

Platoniczny romans z Achmatową

Nowy okres w twórczości mistrza rozpoczyna się po spotkaniu z A. Achmatową, która przyjechała do Paryża wraz z mężem N. Gumilowem. Amedeo jest zafascynowany poetką, nazywa ją królową Egiptu i bez przerwy podziwia jej talent. Jak później Anna przyznaje, połączył ich jedynie związek platoniczny, a ten niezwykły romans podsycił energię dwojga kreatywnych ludzi. Zainspirowany nowym uczuciem, żarliwy mężczyzna maluje portrety Achmatowej, które nie zachowały się do dziś.

Większość dzieł wysłanych do Rosji zaginęła w czasie rewolucji. Annie pozostał jeden portret, który niezwykle ceniła i uważała za swoje główne bogactwo. Niedawno odnaleziono trzy zachowane szkice nagiej poetki, choć sama Achmatowa twierdziła, że ​​nigdy nie pozowała bez ubrania, a wszystkie rysunki Modiego to tylko jego fantazja.

Nowe relacje

W 1914 roku artysta Amedeo Modigliani spotkał angielskiego podróżnika, poetkę, dziennikarkę B. Hastings i cały Paryż obserwował burzliwe starcie między dwojgiem ludzi. Wyemancypowana muza geniuszu dorównała ukochanemu, a po gwałtownych kłótniach, obelgach i skandalach, które wstrząsnęły miastem, następują rozejmy. Malarz emocjonalny jest zazdrosny o swoją dziewczynę i bije ją, podejrzewając ją o flirt i zdradę. Ciągnie ją za włosy, a nawet wyrzuca kobietę przez okno. Beatrice próbuje uwolnić swojego kochanka od nałogów, ale nie udaje jej się to. Zmęczony niekończącymi się kłótniami dziennikarz dwa lata później opuszcza Modiglianiego, który napisał jego najlepsze prace. Nigdy więcej się nie zobaczyli.

Główna miłość życia malarza

W 1917 roku skandaliczny artysta poznał 19-letnią studentkę Żannę, która stała się jego ulubioną modelką, muzą i najbardziej oddanym przyjacielem. Kochankowie zamieszkają razem, mimo protestów rodziców dziewczynki, którzy nie chcą, aby ich zięciem był Żyd prowadzący rozwiązły tryb życia. W 1918 roku para przeniosła się do Nicei, gdzie komfortowy klimat korzystnie wpłynął na zdrowie pana, nadwątlone alkoholem i narkotykami, lecz zaawansowanej gruźlicy nie dało się już leczyć. Jesienią szczęśliwi Amedeo Modigliani i Jeanne Hebuterne zostają rodzicami, a kochający malarz zaprasza przyjaciela do zarejestrowania ich małżeństwa, jednak szybko rozwijająca się choroba pokrzyżuje wszystkie plany.

W tym czasie agent artysty organizuje wystawy i sprzedaje obrazy, a zainteresowanie twórczością genialnego twórcy rośnie wraz z cenami dzieł sztuki. W maju 1919 roku młodzi rodzice wrócili do Paryża. Modi jest całkowicie osłabiony, a siedem miesięcy później umiera w szpitalu dla bezdomnych w absolutnej biedzie. Dowiedziawszy się o śmierci ukochanego, oczekująca drugiego dziecka Żanna rzuca się z szóstego piętra. Życie bez Amedeo wydaje się jej pozbawione sensu, a Hebuterne marzy o dołączeniu do niego, by cieszyć się wieczną błogością w innym świecie. Dziewczyna niosła swą miłość do ostatniego tchnienia, a w najtrudniejszych chwilach to właśnie ona była dla ukochanego buntownika jedynym oparciem i jego wiernym aniołem stróżem.

W ostatniej podróży artyście towarzyszył cały Paryż, a jego ukochana, którą środowisko bohemy uznało za żonę, następnego dnia została skromnie pochowana. Dziesięć lat później rodzina Jeanne zgodziła się przenieść jej prochy na grób Amedeo Modiglianiego, aby dusze kochanków mogły w końcu zaznać spokoju.

Córka Żanna, nazwana na cześć matki, zmarła w 1984 r. Poświęciła swoje życie badaniu kreatywności swoich rodziców.

Człowiek jest całym światem

Artysta nie chce znać niczego poza samym człowiekiem, którego osobowość jest dla niego jedynym źródłem inspiracji. Nie maluje martwych natur i pejzaży, lecz portretuje. Oderwany od realiów życia twórca pracuje dzień i noc, za co otrzymuje przydomek „lunatyk”. Żyjąc we własnym świecie, nie zauważa tego, co dzieje się za oknem i nie śledzi upływu czasu. Amedeo Modigliani, który podziwia piękno fizyczne, widzi ludzi zupełnie inaczej niż pozostali. Potwierdzają to dzieła mistrza: na jego płótnach wszystkie postacie są jak starożytni bogowie. Artysta stwierdza, że ​​„człowiek to cały świat, który jest wart wielu światów”.

Na jego płótnach żyją nie tylko bohaterowie pogrążeni w cichym smutku, ale także ich jasno określone postacie. Artysta, który często płaci za jedzenie szkicami ołówkiem, pozwala swoim modelom zajrzeć w oczy twórcy, jak w obiektyw aparatu. Maluje znajomych ludzi, dzieci na ulicy, modele, przyroda go zupełnie nie interesuje. To właśnie w gatunku portretu autor wypracowuje indywidualny styl malarski, swój własny kanon malarstwa. A kiedy już to znajdzie, już tego nie zmieni.

Wyjątkowy talent

Stwórca podziwia nagość kobiece ciało i odnajduje harmonię między nim a drżącą duszą bohaterek. Pełen wdzięku sylwetki, zdaniem badaczy jego twórczości, wyglądają jak „fragmenty fresku, malowane nie z konkretnych modeli, ale jakby zsyntetyzowane z innych modeli”. Amedeo Modigliani widzi w nich przede wszystkim swój ideał kobiecości, a jego płótna żyją w przestrzeni według własnych praw. Świętujemy piękno Ludzkie ciało dzieła zyskały sławę po śmierci mistrza, a kolekcjonerzy z całego świata zaczynają polować na jego płótna, na których ludzie mają niesamowicie wydłużone głowy i długie, idealnie ukształtowane szyje.

Według historyków sztuki takie wydłużone twarze pojawiły się w rzeźbach afrykańskich.

Własna wizja bohaterów obrazów

Amedeo Modigliani, którego prac nie można przeglądać pobieżnie, zwraca szczególną uwagę na charakterystyczne twarze, które na pierwszy rzut oka przypominają płaską maskę. Im więcej patrzysz na obrazy mistrza, tym wyraźniej rozumiesz, że wszystkie jego modele są indywidualne.

Wiele portretów geniusza tworzącego własny świat ma charakter rzeźbiarski, widać, że mistrz starannie projektuje sylwetkę. W późniejszych pracach malarz dodaje wydłużonym twarzom okrągłości i zabarwia różem policzki bohaterek. To typowy ruch prawdziwego rzeźbiarza.

Nierozpoznany za życia Amedeo Modigliani, którego fotografie do obrazów oddają jego wyjątkowy talent, maluje portrety, które w niczym nie przypominają odbicia w lustrze. Przekazują wewnętrzne odczucia mistrza, który nie bawi się przestrzenią. Autor znakomicie stylizuje naturę, jednak uchwycił coś nieuchwytnego. Utalentowany mistrz nie tylko szkicuje cechy modeli, ale porównuje je ze swoim wewnętrznym instynktem. Malarz widzi obrazy przesiąknięte smutkiem i stosuje wyrafinowaną stylizację. Rzeźbiarska integralność łączy się z harmonią linii i koloru, a przestrzeń wciśnięta jest w płaszczyznę płótna.

Amedeo Modigliani: działa

Obrazy, powstałe bez najmniejszej korekty i zachwycające precyzją formy, dyktowane są przez naturę. Swojego przyjaciela-poetę zatopionego w snach („Portret Zborowskiego”) postrzega jako osobę impulsywną i otwartą na wszystkich ludzi („Portret Soutine’a”).

Na płótnie „Alicja” widzimy dziewczynę o twarzy przypominającej afrykańską maskę. Modigliani, który uwielbia wydłużone formy, rysuje wydłużoną sylwetkę i widać, że proporcje bohaterki odbiegają od klasycznych. Autorka oddaje stan wewnętrzny młodego stworzenia, w którego oczach można odczytać dystans i chłód. Widać, że mistrz sympatyzuje z poważną dziewczyną ponad jej wiek, a widz odczuwa ciepły stosunek malarza do niej. Często maluje dzieci i młodzież, a jego bohaterowie przypominają twórczość Dostojewskiego, którą pochłonął Amedeo Modigliani.

Obrazy o tytułach „Akt”, „Portret dziewczynki”, „Dama z czarnym krawatem”, „Dziewczyna w błękicie”, „Żółty sweterek”, „Mały chłop” znane są nie tylko we Włoszech, ale także w innych krajach . Współczują człowiekowi, a każdy obraz kryje w sobie szczególną tajemnicę i niezwykłe piękno. Żadnego obrazu nie można nazwać bezdusznym.

„Jeanne Hebuterne w czerwonym szaliku” to jedno z ostatnich dzieł autorki. Kobieta spodziewająca się drugiego dziecka ukazana jest z wielką miłością. Modigliani, będący idolem swojej ukochanej, współczuje jej pragnieniu odizolowania się od nieprzyjaznego świata zewnętrznego, a duchowość obrazu w tym dziele sięga niespotykane dotąd wysokości. Amedeo Modigliani, którego twórczość została podkreślona w artykule, wnika w samą istotę ludzkich przeżyć, a jego Joanna, pozornie bezbronna i skazana na zagładę, z pokorą przyjmuje wszelkie ciosy losu.

Niezwykle samotny geniusz zasłynął niestety dopiero po śmierci, a jego bezcenne dzieła, które często rozdawał przechodniom, zyskały światową sławę.

Późnym wieczorem Modigliani i Jeanne Hebuterne przeszli wzdłuż płotu Ogrodu Luksemburskiego. Nagle z jego piersi wydobył się nieludzki krzyk, przypominający ryk rannego zwierzęcia. Rzucił się na Żannę i krzyknął: „Chcę żyć! Czy słyszysz? Chcę żyć!" zaczął ją bić. Potem chwycił mnie za włosy i z całej siły pchnął na żelazną kratę ogrodu. Żanna nie wydała ani jednego dźwięku. Lekko otrząsnąwszy się po uderzeniu, wstała, podeszła do Modiglianiego i wzięła go za rękę. Jego nagła wściekłość rozpłynęła się już jak śnieg w słońcu, a po twarzy płynęły strumienie łez. „Nie chcę umierać” – powiedział Jeanne. „Nie wierzę, że coś tam jest”.

Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920)

„Maudie” – powiedziała Zhanna czule i bardzo cicho tonem, jakim można przekonać uparte dziecko – „mówiłam ci o tym tyle razy. Dlaczego wciąż w to wątpisz?” Z ufnością przytulił się do niej i po kilku minutach dziwna para zniknęła za zakrętem drogi.

Modigliani tracił siły. Ostatnio zmienił się nie do poznania i stał się jak duch: kościsty jak szkielet, z niebieskawą cerą i drżącymi rękami. Nie było oczywiście tajemnicą – na Montparnasse nie ma tajemnic – że Modi chorował na gruźlicę, ale ta choroba prześladowała go od wczesnej młodości i wiedział, jak sobie z nią poradzić w znacznie gorszych okolicznościach. Po Paryżu rozeszły się pogłoski, że odkąd Modi związał się z Jeanne Hebuterne, ona niczym wampir wysysa z Modiglianiego jego potężną siłę życiową.

Gdyby nie ta siła, trzynaście lat temu zginąłby w jednym z paryskich rowów. Następnie jesienią 1906 roku do Paryża przybył rozpieszczony dandys Amedeo, czyli w domu Dedo, potomek niegdyś zamożnej, a obecnie zubożałej rodziny żydowskiej z włoskiego miasteczka Livorno. Przystojny młody mężczyzna o kręconych czarnych włosach, ubrany w surowy ciemny garnitur z twardym kołnierzem, kamizelkę zapinaną na guziki i śnieżnobiałą koszulę z wykrochmalonymi mankietami, na Montparnasse w pierwszej chwili wzięto za maklera giełdowego. Amedeo bardzo się tym obraził, bo pośrednikiem był tak naprawdę jego ojciec Flaminio Modigliani, o czym młody człowiek nie chciał rozmawiać. Wolał przedstawiać się jako syn bogatego rzymskiego bankiera i prawnuk Benedykta Spinozy. (Nazwisko panieńskie jednej z prababć najwyraźniej brzmiało w rzeczywistości Spinoza. Co z kolei dało powód do przypuszczenia obecności powiązań rodzinnych z wielkim filozofem. Nic więcej.)

1906

Od wczesnej młodości Amedeo uważał się za artystę - studiował trochę malarstwo we Florencji i Wenecji, ale przyjechał do Paryża, aby zapoznać się z nową sztuką i oczywiście zdobyć sławę. Rzadko który początkujący artysta był tak pewny swojego talentu jak ten przystojny Włoch. Jednak na Montparnasse roiło się od nierozpoznanych geniuszy takich jak on, którzy przybyli tu z całego świata.

Okazało się, że aby być artystą w Paryżu, trzeba nie tyle umieć rysować, ile prowadzić wyjątkowe życie. Nędzna szopa z desek i arkuszy blachy – to był pierwszy dom Amedeo. Ściany pokryte są rysunkami i szkicami, meble stanowią dwa wiklinowe krzesła z połamanymi nogami, znalezione na ulicy. Łóżko było szmatą rzuconą w kąt, a stołem było przewrócone pudło. Amedeo entuzjastycznie się zadomowił nowe mieszkanie w końcu najważniejsze, że jest teraz w Paryżu i już niedługo stanie się sławny, a potem znajdzie dla siebie coś przyzwoitszego, a ta chata zostanie zamieniona w muzeum. Amedeo wiedział, że na pomoc rodziny nie ma już co liczyć – ojciec opuścił ich dawno temu, a pieniądze, które przesyłała mu matka, wystarczały ledwo na płótna i farby. Ponadto warunki życia Modiglianiego były na ogół zwyczajne dla Montparnasse. Na przykład pobliskie studio Picassa nie było dużo bardziej luksusowe.

Eugenia Garcin i Flaminio Modigliani, rok urodzenia Amedeo, 1884
Amadeo z matką Eugenią Garsen, 1886

Eugenia Garsen 1925

W Livorno Amedeo był przyzwyczajony do komunikowania się z czystymi, dobrze wychowanymi młodymi mężczyznami z dobrych rodzin, ale od razu musiał zaznajomić się z bardzo dziwną publicznością: paryska bohemia artystyczna składała się głównie z homoseksualistów, narkomanów, gigolos, fanatyków religijnych wszystkich kierunkach, kabaliści, mistycy i po prostu szaleńcy. Zacięte dyskusje o sztuce, które zwykle rozpoczynały się w pracowni Picassa, przeniosły się do słynnej kawiarni Rotunda, gdzie entuzjazm dyskutantów podsycały duże dawki alkoholu i haszyszu.

Pewnego razu w Wigilię Modigliani przebrał się za Świętego Mikołaja i przy wejściu do kawiarni Rotunda rozdawał darmowe pastylki z haszyszem. Nieświadomi obecności „tajnego nadzienia” goście kawiarni chętnie je połykali. Tego wieczoru pijani bohemy prawie zniszczyli Rotundę: przedstawiciele najwyższych kręgów twórczych Paryża rozbili lampy, a sufit i ściany oblali rumem.

Słynna Rotunda, w której regularnie bywał Amedeo Modigliani

Wkrótce Modigliani po prostu zmienił się w Modiego i każdy pies w okolicy go już znał. (Modi, jak często go nazywali przyjaciele i współpracownicy, fonetycznie jest tym samym, co francuskie słowo maudit, które oznacza „przeklęty”). Ponieważ nikt nie chciał zapłacić ani centa za jego rysunki, Modi wkrótce nie miał już z czego zapłacić nawet za chatę. Czasem spędzał noce pod stołem w tawernie, czasem na ławce w parku, a potem osiedlał się w opuszczonym klasztorze za Place Blanche, gdzie uwielbiał pracować nocą przy wtórnym akompaniamencie wiejącego wiatru przez oczodoły okien.

Modi miał swoje dziwactwa, za które, nawiasem mówiąc, wielu na Montparnasse go szanowało: na przykład wolał głodować, ale w przeciwieństwie do innych stanowczo odmawiał wykonywania pracy tylko ze względu na pieniądze - na przykład malowania oznaki. Był wielkim maksymalistą i nie chciał marnować swojego talentu. Niejednokrotnie towarzysze namawiali go, aby w prosty i niezawodny sposób napełnił żołądek już wcześnie rano, pod drzwiami zamożnych mieszczan handlarze zostawiali swój towar – bułki, bekon, mleko, kawę. Trochę zręczności i umiejętności - i masz gwarancję pysznego śniadania. Jednak dumny i skrupulatny Modigliani nigdy nie zgodził się na udział w tym.

Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Głowa kobiety z plamką piękna” 1906

Dlaczego zniósł taką potrzebę? Jego obrazy uznawano wśród artystów za „kimaki”, nikt nie traktował ich poważnie. Obrażony taką postawą Modigliani przestał chodzić do Picassa i stopniowo oddalał się od jego kręgu, zwłaszcza że sztuka awangardowa prawie go nie interesowała. W doskonałej izolacji próbował nadać formę na płótnie lub papierze temu, co niejasno odczuwał, ale nie wiedział jeszcze, jak to wyrazić.

Zamiast upragnionej chwały malowniczości, ten włoski Żyd, przystojny jak starożytny bóg, bardzo szybko zyskał sławę pierwszego kochanka na Montparnasse. Paradoks polegał na tym, że biedny Modi w ogóle nie interesował się kobietami. W żadnym wypadku nie był homoseksualistą. ale patrzył na młode damy tylko jako na natury mniej lub bardziej udane.

Każda z jego modelek zostawała w jego łóżku – prostytutki, pokojówki, kwiaciarnie, praczki. Zaproszenie modelki do wspólnego łóżka po sesji pozowania było dla Modiglianiego takim samym aktem grzeczności, jak w przypadku mieszczanina częstującego gości herbatą i oznaczało dokładnie to samo – ani więcej, ani mniej. Nie chciał się cieszyć, ale ucieleśniać. Szukał materiału do malowania. Jednak kobiety nie rozumiały wszystkich tych subtelności i brały jego waleczność za dobrą monetę. To znaczy z miłości, a przynajmniej z powodu bycia zakochanym.

Latem 1910 roku do Paryża przybyli nowożeńcy Anna Achmatowa i Nikołaj Gumilow. Od pierwszego wejrzenia Achmatowa była urzeczona „widokiem Montparnasse”. Modigliani wydawał jej się najbardziej malowniczym mężczyzną, jakiego kiedykolwiek widziała: tego dnia ubrany był w żółte sztruksowe spodnie i luźną marynarkę w tym samym kolorze. Zamiast krawata jasnopomarańczowa jedwabna kokardka, a wokół paska ognistoczerwona chusta. Przebiegając obok ze swoim zwykłym niebieskim teczką z rysunkami, Modigliani również zatrzymał wzrok na eleganckim Rosjaninie. „Bardzo, bardzo ciekawa natura” – pomyślał i uśmiechnął się szeroko, mrugnął konspiracyjnie do dziewczyny, po czym zerwał kwiat z kwietnika i rzucił jej pod stopy. Gumilow stanął obok Anny, ale tylko wzruszył ramionami: wiedział, że tutaj, na Montparnasse, zniesione są ogólnie przyjęte prawa moralne.

Anna Achmatowa na rysunku Modiglianiego 1911

Modi nigdy nie wiązał się z kobietami, weszły one w jego życie i opuściły je, pozostawiając nietknięte jego serce: Madeleine, Natalie, Elvira, Anna, Marie – niekończący się ciąg piękności, których wdzięki uwiecznił na swoich płótnach. Modiglianiowi udało się mieszkać z jedną z nich, angielską dziennikarką Beatrice Hastings, przez całe dwa burzliwe lata, ale postrzegał ją bardziej jako „swojego chłopaka” niż kochankę. Razem pili, awanturowali się, bili i wyrywali sobie włosy z głowy. A kiedy Beatrice powiedziała, że ​​ma dość „całej tej egzotyki”, Modi nie był bardzo zdenerwowany.

Beatrice Hastings
Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Portret Beatrice Hastings”

Modigliani wyznał kiedyś swojemu serdecznemu przyjacielowi, rzeźbiarzowi Brancusiemu, że „czeka na jedną jedyną kobietę, która stanie się jego wieczną prawdziwa miłość i który często przychodzi mu do głowy we śnie.” A potem na brudnej serwetce, która wpadła mi w ręce, naszkicowałam portret tego „jedynego”. Brancusi pamiętał tylko, że miała proste, długie włosy.

Mimo burzliwego życia i słabego zdrowia energia Modiglianiego tryskała pełną parą: czasami udawało mu się namalować kilka obrazów dziennie, spożywał tak wybuchowe mieszanki haszyszu i alkoholu, że nokautowały kilku dużych facetów, brał udział we wszelkiego rodzaju karnawałach, zabawach, wygłupy - jednym słowem, przeżywane pełnią. Nigdy nie zabrakło mu entuzjazmu i nadziei, że wkrótce zostanie zauważony, doceniony, odkryty... Przecież w końcu nawet arogancki Picasso przyznał, że Modi ma talent. Z biegiem czasu Modigliani pozyskał nawet własnego agenta, Polaka Zborowskiego, który zaczął znajdować nabywców na jego obrazy. I nagle, w nocy, wydawało się, że w Modim coś się przełamało: na horyzoncie pojawiła się dziewczyna z długimi, prostymi włosami...

Po raz pierwszy zobaczył ją w tej samej „Rotundzie”, do której 19-letnia Jeanne Hebuterne, studentka Akademii Sztuk Pięknych Colarossi, przyszła kiedyś z przyjaciółką na aperitif. Modigliani, który jak zwykle zajął swoje ulubione miejsce przy ladzie, zauważył nową twarz, utkwił w nim wzrok i patrzył na niego przez dłuższą chwilę.

Tak siebie widziała przed spotkaniem z Amadeo
(autoportret namalowany przez Joannę w 1916 r.)

A tak widziałem Amadeo:

„Usiądź tak” – zwrócił się po kilku minutach do Jeanne i natychmiast zaczął szkicować jej portret na kartce papieru. Tej samej nocy wyszli z restauracji przytuleni – tak zaczęła się jedna z najdziwniejszych historii miłosnych na Montparnasse. Następnego dnia po spotkaniu, gdziekolwiek Modi zdążył zawędrować w ciągu dnia na kieliszek – w Rotundzie, u Rozalii, w Zwinnym Króliku – sprawiał wrażenie całkowicie szalonego człowieka. Oczy mu błyszczały z podniecenia, nie mógł usiedzieć w miejscu, co jakiś czas podskakiwał z krzesła i krzyczał: „Nie, słuchaj!”. Przyjaciele spojrzeli po sobie ze zdziwieniem: co się stało z Modim? „Spotkałem kobietę z moich snów! To na pewno ona! – powtarzał co jakiś czas artysta, jakby ktoś mu się sprzeciwiał. „Mogę ci udowodnić: mam jej portrety - niesamowite podobieństwo!” Przyjaciele reagowali na te przemówienia wesołym śmiechem – oczywiście nikt nie wątpił, że Modi zrobi taki żart. Na Montparnasse nie ma zwyczaju mówić poważnie o wiecznej miłości. To niesmaczne, burżuazyjne i od tego wszyscy chorują.

Jednak Jeanne naprawdę okazała się kobietą Modiglianiego, jego idealnym typem. I on oczywiście zrozumiał to od pierwszego wejrzenia. Nie musiała sztucznie wydłużać szyi i kształtu twarzy, jak to robiła malując portrety innych kobiet. Cała jej sylwetka zdawała się piąć w górę, wydłużona i szczupła, niczym gotycki posąg. Długie, sięgające do pasa włosy splecione w dwa warkocze, niebieskie oczy w kształcie migdałów zdawały się patrzeć gdzieś ponad ten śmiertelny świat i widzieć coś niedostępnego dla innych. Nikt nie nazwałby Joanny pięknością, ale było w niej coś urzekającego – wszyscy to zauważyli.

Ale co młoda dziewczyna znalazła w trzydziestodwuletnim, wychudzonym pół-włóczędze z płonącymi oczami chorego na gruźlicę? Kiedy w 1917 roku się poznali, Modi nie był już romantycznym przystojnym mężczyzną, który kiedyś przyciągał uwagę Achmatowej. Dzikie czarne loki przerzedziły się, zęby – a raczej to, co z nich zostało – stały się czarne. Kiedy Madame i Monsieur Hebuterne, szanowani katoliccy filistrzy, dowiedzieli się, z kim związała się ich córka, natychmiast zagrozili jej rodzicielską klątwą, jeśli natychmiast nie opuści tego brudnego, kudłatego Żyda. Ojciec rodziny, Achille-Casimir Hebuterne, zajmował niezwykle szanowane z jego punktu widzenia stanowisko starszego kasjera w sklepie z galanterią. Nosił twarde kołnierzyki, czarny surdut i był całkowicie pozbawiony poczucia humoru. Hebuternowie pielęgnowali marzenie o wychowaniu swoich dzieci – syna Andre i córki Jeanne – na tych samych szanowanych ludzi, za jakich siebie uważali.

...Teraz Modigliani pojawiał się codziennie w Rotundzie lub u Rozalii w towarzystwie Joanny. Jak zwykle najpierw przyciągał gości, którzy w jakiś sposób przyciągnęli jego uwagę, proponował swoje rysunki obcokrajowcom, którzy wędrowali, by podziwiać miejscowe barwne towarzystwo (Modi zawsze prosił o skromną zapłatę, a jeśli to nie odpowiadało potencjalnemu nabywcy, natychmiast podarł rysunek na małe kawałki, zanim jego oczy pozostały strzępkami). O zmroku, mocno się upijając, z pewnością zaczął kogoś znęcać się. Ale nawet jeśli Modi wdał się w pijacką bójkę, Zhanna nie wykonała ani jednego gestu, aby go powstrzymać, i patrzyła na to z zadziwiającą beznamiętnością. W jej niebieskich oczach nie było strachu ani zmartwienia. Około drugiej w nocy Modi został dosłownie wyrzucony z lokalu za kark, jak niegrzeczny pies. Po odczekaniu minuty Zhanna wstała i poszła za nim niczym cichy cień.

Często do rana siedzieli na ławce w całkowitej ciszy, wdychając zimne nocne powietrze i obserwując, jak gwiazdy stopniowo bledną i ustępują miejsca świtowi. Modi zaczął drzemać, po czym obudził się ponownie, aż Zhanna pociągnęła go za rękaw - oznaczało to, że nadszedł czas, aby odprowadzić ją do domu. Modi posłusznie poszedł za Joanną rozbrzmiewającymi echem i opustoszałymi bulwarami Paryża do Rue Amio, gdzie mieszkali jej rodzice, a następnie stał przez długi czas pod oknami, słuchając, jak w ciszy przed świtem słychać krzyki spotykającej ją Matki Hebuterne pechowa córka na progu, rozbrzmiewała echem w całej okolicy – ​​„dziwka, prostytutka i żydowska dziwka”.

Natychmiast zabrałby ją od tych pompatycznych kretynów z Hebuternes, ale dokąd Maudie mogła zabrać Joannę? W tanich pokojach hotelowych z pluskwami ​​i karaluchami? Na ławkach w parku?

Wkrótce jednak problem został rozwiązany – przyjaciel i agent Modiglianiego, pan Zborowski, wykonał szeroki gest, proponując opłacenie mu mieszkania w domu, w którym mieszkał, za co artysta zobowiązał się dostarczyć mu co najmniej dwa obrazy lub rysunki tydzień. Zbo nie miał żadnych wątpliwości, że Modigliani to talent, który należy wspierać na wszelkie możliwe sposoby i że pewnego dnia ci idioci kolekcjonerzy zrozumieją, kogo należało kupić w Paryżu.

1917 Żanna pozuje w warsztacie

Na początku 1917 roku Modi i Jeanne przenieśli się na Rue de la Grande Chaumière. A następnego dnia Modi wydał wielką ucztę w restauracji Rosalie: z okazji parapetówki Zborovsky pożyczył Modiglianiemu pieniądze. Nagle w drzwiach pojawiła się Simone Thiru, artystka i modelka, była dziewczyna Modiego, otoczona grupą przyjaciół. Wszyscy się martwili. Rudowłosa Simone zbliżała się prosto do Jeanne, z wyciągniętym do przodu ogromnym brzuchem. „Czy wiesz, laleczko, że oto on” – wskazując na Modiego i klepiąc się po brzuchu – „ojciec tego nieszczęsnego dziecka?” „Spałeś ze mną dokładnie tak samo, jak ze wszystkimi tutaj! Spraw więc radość swojemu dziecku komuś innemu! – krzyknął Modi, zrywając się z krzesła. - Poznaję dziecko tylko od niej! Modi wskazał na Jeanne. „Tylko ona sama będzie nosić moje dzieci!” Ludzie wokół mnie patrzyli po sobie ze zdziwieniem – Modi zachował się zupełnie niewłaściwie. Po pierwsze, wszyscy wiedzieli, że mieszkał z Simone przez długi czas i jest bardzo prawdopodobne, że dziecko, które nosi, jest od niego; poza tym taka historia była bardzo zwyczajna na Montparnasse - tutaj często nie można było zrozumieć, kto kogo rodzi. Gdyby Modi rozpoznał dziecko z takim spokojem, z jakim wypił kieliszek brandy, wydawałoby się to normalne.

Wszyscy wokół, łącznie z Simone, doskonale wiedzieli, że nie można mu absolutnie nic odebrać, więc przyznałby się do tego i byłby to koniec. Najprawdopodobniej Simone spodziewała się czegoś takiego, ale Modigliani zaczął krzyczeć, a Jeanne spojrzała na nią i milczała. Simone dostrzegła jej obojętne, tajemnicze spojrzenie i nagle poczuła strach. „Jesteś czarownicą! Syknęła niczym kot do rywalki. - Albo szalony! dodała szybko: „Bóg przeklnie zarówno ciebie, jak i twoje dzieci”. „A ty, przystojniaku” – powiedziała Simone, zwracając się do Modiego – „twoja bogini szybko zaprowadzi cię do grobu. Do zobaczenia w następnym świecie!” A Simone rozpaczliwie kaszlała - podobnie jak Modigliani cierpiała na gruźlicę.

Gerard Modigliani, jedyny syn Amadeo

Na stronie 99 książki „Modigliani: Man and Myth” córki Amedeo Modiglianiego znajduje się ciekawy przypis, w którym podano, że Simone Thiroux zmarła w Paryżu. Simone pozowała Modiglianiemu. Zakochała się w nim, lecz uczucia te były nieodwzajemnione. Kiedy dziewczynka zaszła w ciążę, Amedeo odmówił uznania się za ojca dziecka. Urodziła chłopca, o którym Modigliani nawet nie chciała słyszeć. Po śmierci Simone chłopiec został adoptowany przez francuską rodzinę.

Wraz z pojawieniem się Joanny życie Modiglianiego nie tylko nie wróciło do spokojnego kierunku, ale wręcz przeciwnie, całkowicie poszło nie tak. Teraz zamiast rano sięgnąć po pędzel, Modi próbował szybko uciec od przerwy, zostawiając swoją Jeanne na cały dzień zupełnie samą. Wędrował od kawiarni do kawiarni, sprzedając komuś swoje pospiesznie wykonane rysunki i kupując sobie drinka za te żałosne centamy. Modi wkrótce stracił zdolność do pracy na trzeźwo. Po północy Żanna szukała go w którymś z lokali gastronomicznych, a często na komisariacie i odprowadzała do domu. Rozebrała go, umyła, położyła do łóżka, nie wypowiadając ani jednego wyrzutu. W ogóle dziwnie mało ze sobą rozmawiali.

W kawiarni. Modigliani drugi od prawej

To nie Żanna, którą Modi nazywał swoją żoną, ale Zborowski od wczesnego ranka, zanim Modi zdążył się wymknąć, zaczął go błagać, żeby „trochę popracował”. Modi był kapryśny, krzyczał, że nie może pisać w pokoju „lodowym jak stepy Syberii”! Zbo przyniósł drewno na opał, zrobiło się gorąco jak cholera i wtedy Modi „przypomniał sobie”, że nie ma farb. Zbo pobiegł po farby. W tym czasie wszystko to cierpliwie obserwowała jakaś naga modelka, siedząca w rogu twardej, niewygodnej sofy. Przybiegła Hanka, żona Zba, zaniepokojona, że ​​jej mąż za długo wpatruje się w nagą dziewczynę (poza tym była wściekła, że ​​Modigliani maluje „wszelkiego rodzaju głupie owce”, a nie ją). Pośród tego zamieszania, krzyków, wrzasków i perswazji tylko Joanna zachowała całkowity spokój. Albo po cichu gotowała coś w innym pokoju, albo rysowała. Jej twarz, jak zwykle, pozostała całkowicie czysta i pogodna.

Zwykle kończyło się to tym, że Zbo własnoręcznie przynosił butelkę rumu z pobliskiego sklepu. Rozumiał, że jeśli Modi całkowicie przestanie pracować, to jutro on i Zhanna nie będą mieli co jeść. Zbo nie ma już prawie żadnych rysunków Modiego, które mógłby szybko sprzedać, więc będzie musiał ponownie pobiec do lombardu i zastawić swój ostatni letni garnitur. W przeciwnym razie jego szalone gołąbki umrą z głodu.

Opróżniwszy szklankę, Modi chwycił pędzel z przekleństwami. Co pięć minut dostawał ataku kaszlu i pluł krwią, jakby chciał wypluć wnętrzności. Ale nawet te rozdzierające serce dźwięki nie wzbudziły u Zhanny żadnych oznak niepokoju.

Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Portret polskiego poety i handlarza dziełami sztuki Leopolda Zborowska”
Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Anna (Hanka) Zabrowska” 1916-17

Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Portret Leopolda Zborowskiego” 1916-17
Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Anna (Hanka) Zabrowska”

Któregoś dnia, gdy Modi jak zwykle gdzieś zniknął, Zborowski z żoną niemal siłą zaciągnęli Żannę do siebie. Dwoma głosami, zmartwionymi i przerywając sobie nawzajem, zaczęli jej tłumaczyć, że Modiego trzeba ratować, że umiera: z pijaństwa, postępującej gruźlicy, a co najważniejsze, traci wiarę w swój talent. Żanna grzecznie ich wysłuchała, upiła łyk herbaty, podniosła swoje niebieskie oczy, pokryte jakąś mistyczną ciemnością, na Zborowskich i powiedziała z lekką pewnością siebie: „Po prostu nie rozumiesz - Modi zdecydowanie musi umierać." Patrzyli na nią zszokowani. „To geniusz i anioł” – kontynuowała spokojnie Żanna. „Kiedy on umrze, wszyscy natychmiast to zrozumieją”. Zborowscy spojrzeli po sobie ze strachem i pośpieszyli przenieść rozmowę na inny temat.

Trwała pierwsza wojna światowa. Rozpoczęło się bombardowanie Paryża. Montparnasse było puste – wszyscy, którzy mogli, szli na front. Modigliani też był chętny, ale do wojska nie przyjmowano cudzoziemców, zwłaszcza chorych na gruźlicę. Podczas nalotów na miasto Modiego i Żannę często można było spotkać na ulicy – ​​spokojnie przechodzili pod wybuchającymi pociskami i nie spieszyli się, by schronić się w schronie przeciwbombowym…

Zaraz po zakończeniu wojny gwałtownie wzrosło zapotrzebowanie na obrazy Modiglianiego; Nie ostatnia rola odegrała w tym rolę duża wystawa malarstwo francuskie, który został otwarty latem 1919 roku w Londynie. Po raz pierwszy krytycy zwrócili uwagę nie tylko na obrazy Picassa i Matisse'a, ale także na obrazy Modiglianiego. Teraz Zborowski dawał Modiemu 600 franków miesięcznie (dla porównania: bardzo przyzwoity obiad składający się z zupy, dania mięsnego, warzyw, sera i litra wina kosztował około jednego franka dwadzieścia pięć centymów)! Dzięki tej kwocie umiarkowany człowiek mógłby prowadzić całkowicie dostatnie życie, ale Modi, który przez całe życie marzył o bogactwie, był teraz całkowicie obojętny na pieniądze.

To samo tyczyło się jego ukochanej – mimo że ich córka urodziła się w listopadzie 1918 roku, Żanna nie potrzebowała nowych mebli, porządnych ubrań ani zabawek dla dziecka. A Modi, otrzymawszy od Zborowskiego kolejną sumę, natychmiast poszedł z jednym ze swoich niezliczonych przyjaciół do restauracji. Teraz wystarczył już jeden drink, aby Amedeo popadł w stan obłąkania i zaczął niszczyć stoły i naczynia. Kiedy opuścił go agresywny nastrój, rozpoczął nowe przedstawienie: wyciągnął z kieszeni spodni pozostałe banknoty i rozrzucił je niczym fajerwerki na głowach gości.

Modigliani miał coraz większą obsesję na punkcie tego pomysłu własną śmierć. Jego stan zdrowia pogarszał się z dnia na dzień, ale nie chciał słyszeć o lekarzach i leczeniu. Całkowicie porzuciłem pracę. Modi niczym duch błąkał się po ulicach Paryża i dręczył wszystkich niekończącym się marudzeniem: „Dość tego, mam dość! Czy wiesz, że już definitywnie skończyłem?” Żanna szukała go w nocy i nieraz znajdowała go leżącego w rowie, czasem w objęciach z tymi samymi pijanymi prostytutkami.

1919, jedna z ostatnich fotografii Modiglianiego

Na początku zimy 1920 roku Modigliani przyszedł do Rozalii, nalał sobie trochę brandy, uroczyście mówiąc: „Za spokój duszy Modiglianiego”, wypił jednym haustem i nagle rozpoczął pogrzebową modlitwę żydowską, którą słyszał jako dziecko w Livorno. Zborowski, który przybył na czas, z trudem wyciągnął niechętnego Modiglianiego z restauracji, przywiózł go do domu i siłą położył do łóżka. Żanna gdzieś poszła, Zbo po coś poszedł do sąsiedniego pokoju i... zamarł z przerażenia: na krzesłach stały dwa niedokończone płótna przedstawiające Żannę - na jednym leżała martwa; z drugiej popełniła samobójstwo...

Kiedy Zbo wrócił do pokoju Modiego, Żanna siedziała już przy łóżku pacjenta: spokojnie o czymś rozmawiali. Godzinę później Modi zaczął majaczyć, a Zbo, nie tracąc czasu, postanowił zabrać go do szpitala dla biednych.

Tam u Modiglianiego zdiagnozowano zapalenie opon mózgowo-rdzeniowych spowodowane gruźlicą. Strasznie cierpiał, dostał zastrzyk, po którym Modi już nigdy nie wyzdrowiał. Kiedy lekarze wyszli, aby ogłosić śmierć Modiglianiego, Jeanne spokojnie się uśmiechnęła, skinęła głową i powiedziała: „Wiem”. Wchodząc do pokoju (Jeanne znów miała rodzić i chodziła kołysząc się jak kaczka), przez dłuższą chwilę przycisnęła się do ust zmarłego kochanka. Następnego dnia w kostnicy Jeanne spotkała Simone Thiroux, nagle zatrzymała się i dwukrotnie uderzyła ją w twarz, mówiąc cicho: „To dla ciebie, dla moich przeklętych dzieci”.

Maska pośmiertna Modiglianiego

W dniu śmierci Modiglianiego, 24 stycznia 1920 r., przyjaciele nie pozwolili ciężarnej Joannie pozostać samej i niemal siłą odprowadzili ją do rodziców. Dla Hebuternów wszystko, co się wydarzyło, było po prostu straszliwą, niezatartą plamą wstydu. Żanna leżała na kanapie w swoim pokoju, odwrócona twarzą do ściany, a jej rodzice w salonie głośno się o nią kłócili przyszły los. Ojciec Hebuterne nalegał, aby upadła córka opuściła jego dom na zawsze. Tymczasem brat Jeanne, Andre, spokojnie podszedł do swojej siostry. „Nie martw się o mnie, wszystko będzie dobrze” – szepnęła do niego. A potem opowiedziała Andre o wizjach, które nawiedzały ją niejeden raz, że Modi jest aniołem i geniuszem, który będzie miał wieczne szczęście w niebie, a tu na ziemi zostanie rozpoznany dopiero po śmierci; i że ona, Żanna, została wysłana na ten świat tylko po to, by towarzyszyć Modiemu tam, gdzie nikt nie powstrzyma ich przed wzajemną miłością...

Nagle Żanna zamknęła oczy i zamilkła, jakby zasnęła w połowie zdania. Wkrótce Andre zapadł w drzemkę, ale natychmiast obudziło go głośne pukanie w framugę okna. Żanny nie było w pokoju. A w dole, na ulicy, zbierał się już tłum gapiów, wpatrujących się w rozłożone, okaleczone ciało kobiety w ciąży...
tekst częściowo E. Golovina

Zgodnie z przewidywaniami Jeanne dzieła Modiglianiego stały się sławne i poszukiwane zaraz po jego śmierci – zaczęto je wykupywać
już podczas jego pogrzebu. Za życia, w przeciwieństwie do Picassa czy Chagalla, był zupełnie nieznany, ale minie kilka lat
dziesięcioleci, a na aukcji Christie's portret Jeanne Hebuterne, namalowany niegdyś przez jej zubożałego kochanka, zostanie sprzedany za 42,5 miliona dolarów:

Amedeo Clemente Modigliani (Włoch, 1884-1920) „Jeanne Hebuterne (Au chapeau)” 1919