Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook I W kontakcie z
„Monet to tylko oko, ale, mój Boże, ale jakie!” Paula Cezanne’a
14 listopada 1840 W Paryżu urodził się Oscar Claude Monet, francuski malarz, jeden z twórców impresjonizmu. Słynne lilie wodne, pola maków, budynek parlamentu należą do najdroższych i najbardziej szanowanych obrazów na świecie.
Monet zapisał się w historii świata przede wszystkim jako rewolucjonista w sztuce. Był pierwszym, który opracował nowe techniki pisania, pierwszym, który zastosował nową teorię kolorów, pierwszym, który przedstawił przedmiot kilka razy w różnym oświetleniu i warunkach pogodowych.
Obraz „Wrażenie. Wschód słońca „stał się punktem wyjścia dla twórczości wszystkich impresjonistów.
Jednak, jak większość innowatorów, życie artysty nie było łatwe. Już w wieku dorosłym zaczął mieć problemy ze wzrokiem, a pod koniec życia był całkowicie ślepy z powodu podwójnej zaćmy. Ale dziedzictwo pozostawione przez Claude'a Moneta jest uważane za prawdziwe dziedzictwo całej ludzkości i jest rozproszone po najlepszych muzeach i galeriach na świecie.
W tym dniu redakcja strona internetowa postanowił opowiedzieć Państwu historię powstania najlepszych obrazów artysty i podał jego najsłynniejsze cytaty.
Taras w Sainte-Adresse, 1867
Metropolitan Museum w Nowym Jorku
To jedno z wczesnych arcydzieł Moneta ma wartość nie tylko artystyczną, ale także biograficzną. Powstał w czasie, gdy cierpiący na brak pieniędzy artysta zmuszony był opuścić Paryż i wrócić do domu ojca. Dwie postacie siedzące w fotelach to ojciec Moneta i prawdopodobnie ciotka. Przed nimi stoi kuzyn artysty z nieznaną osobą. W tym okresie Monet nadal dążył do ścisłej konstrukcji obrazu: jest on wyraźnie zapisany, starannie skalibrowany pod względem kompozycji i niewiele przypomina miękkich, rozmytych tonów dzieł późniejszego okresu.
Izby parlamentu w Londynie, 1904
Musee d'Orsay w Paryżu
Claude Monet namalował serię obrazów przedstawiających Pałac Westminsterski, budynek brytyjskiego parlamentu, podczas swojego pobytu w Londynie w latach 1900–1905. Obrazy mają tę samą wielkość i ten sam punkt widzenia – okno Moneta w szpitalu św. Tomasza z widokiem na Tamizę. Barwi się je jednak o różnych porach dnia i w różnych okolicznościach naturalnych. W tym okresie porzucił wczesną praktykę roboczą polegającą na wykańczaniu obrazów na miejscu przed obiektem.
Pole maków w Argenteuil, 1873
Musee d'Orsay w Paryżu
Obraz powstał, gdy Monet mieszkał w małym miasteczku pod Paryżem – Argenteuil. Piękny ogród i mały dom - wszystko, o czym artysta mógł tylko marzyć. Na zdjęciu żona i syn Moneta. Chcąc oddać wrażenie ruchu, Monet dodał drugą parę postaci na szczycie wzgórza. Z postaciami na pierwszym planie łączy je ledwie zauważalna ścieżka biegnąca przez trawę. Wydaje się, że postacie kobiety i chłopca wyrastają wprost z pola.
Śniadanie na trawie, 1866
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina w Moskwie
W 1865 roku Claude Monet pracował pod Paryżem nad dużym obrazem zatytułowanym Obiad na trawie. Gotowe płótno nie zadowoliło artysty, dlatego wyjechał do Paryża, zostawiając je w zastawie właścicielowi domu w Chailly. Po powrocie Monet zastał płótno poważnie zniszczone przez wilgoć i ratując obraz, pociął je na trzy części. Potem postanowił namalować jeszcze obraz na ten temat i będąc ponownie w Chailly w 1866 roku, tworzy mniejszą wersję dużej kompozycji.
Dama z parasolem skręcająca w lewo, 1866
Musee d'Orsay w Paryżu
Claude Monet został nazwany „człowiekiem słońca” ze względu na jasne światło, które wyróżnia większość jego krajobrazów. Wzorem dla „Pani” była Suzanne Goshede, która została adoptowaną córką Moneta po tym, jak poślubił jej matkę. „Lady” wyróżnia się efektowną pozą, wyrazistym wizerunkiem i energicznym ruchem pędzla. Jednym słowem, to prawdziwy Monet w najlepszym wydaniu.
Kobiety w ogrodzie, 1866
Pomimo tego, że „Kobiety w ogrodzie” to jeden z największych obrazów, jakie kiedykolwiek namalowali impresjoniści (jego wymiary to 255 × 201 cm), Monet pracował nad nim w plenerze, dla czego musiał kopać rów w ogrodzie i podnieś lub opuść płótno za pomocą bramy. Wzorem dla wszystkich czterech postaci kobiecych była jego przyszła żona Camilla.
Mannport, 1883
Metropolitan Museum w Nowym Jorku
Imponujące klify kredowe w pobliżu Etretat na wybrzeżu Normandii przyciągają artystów od XVIII wieku. Monet odwiedzał to miejsce co roku od 1883 do 1886 roku i namalował tu ponad 60 obrazów, z których sześć przedstawia ten sam widok największego łuku, znanego jako Mannport.
Lilie wodne, 1916
Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej w Tokio
Od około 1905 roku aż do końca swoich dni Monet skupiał się wyłącznie na liliach wodnych. Te obrazy, na których kielichy lilii wodnych dosłownie materializują się na powierzchni wody, która nie ma linii horyzontu. Tak naprawdę te cykle obrazów, jak każde genialne dzieło sztuki, nie dają się wytłumaczyć. To dzieła poety, który subtelnie wyczuwa naturę i potrafi w swoim malarstwie przekazać jej piękno.
Sztuka i projektowanie
15151
23.01.15 11:24
Surowy ojciec (nic dziwnego, że stał na czele departamentu francuskiego Ministerstwa Sprawiedliwości) Auguste Manet zabronił synowi malować – chciał, aby syn kontynuował pracę i został prawnikiem. Jednak wbrew życzeniom rodzinnego despoty Edward stał się znanym artystą, jednym z najwybitniejszych przedstawicieli impresjonizmu. Najsłynniejsze obrazy Maneta zdobią Luwr, muzea w Berlinie i inne znane kolekcje obrazów.
Martwe natury mistrza
W Luwrze znajduje się jedno z tych arcydzieł pod prostą nazwą „Białe piwonie”. Już w tej pracy przejawia się charakterystyczny sposób bycia Francuza - szerokie pociągnięcia, powściągliwa paleta. Para bujnych kwiatów na ciemnym tle - i nic więcej, ale jakże żywe!
Na początku swojej kariery, po podróży do Brazylii, która wzbogaciła wewnętrzny świat przyszłego geniusza pędzla, Edouard Manet malował głównie pejzaże i martwe natury. Wrócił do nich pod koniec życia. „Martwa natura z łososiem” nawiązuje do roku 1969. Malarz był znanym smakoszem – jak wielu jego rodaków. Patrzysz na takie prace - i ślina leci!
Te kuszące kobiece obrazy
Mistrza przyciągała nie tylko „martwa natura”, ale także portrety. Jedna z nich to Madame Manet na niebieskiej sofie. Holenderka Susanna Leenhof była nauczycielką muzyki młodszych braci artysty. Mówią, że głowa rodziny, August, została porwana przez dziewczynę. Sam Edward też miał bzika na punkcie Suzanne, ich romans trwał prawie dekadę. Po śmierci księdza Manetowi udało się poślubić wybranego. Jest mamą jego syna Leona i jego ulubionego modela.
Lola z Walencji to kolejny z najsłynniejszych obrazów Maneta. Przysadzisty Hiszpan przedstawiony jest przez Maneta za kulisami. Tutaj bardzo dokładnie zapisuje wszystkie szczegóły - zarówno wygląd najbardziej pozującej kobiety, jak i jej misterny strój. Każda fałda ubrania, wzorzysta krzywa i blask biżuterii – wszystko na tym portrecie odgrywa swoją szczególną rolę.
Zupełnie inny nastrój oddaje obraz ubierającej się półświatka - „Nana”. Poranek przedstawicielki najstarszego zawodu zaczyna się od zwykłej toalety, nadal jest w negliżu (w gorsecie i koszuli). Hałaśliwy wieczór jest jeszcze daleko, a na twarzy diabła błąka się niewyraźny uśmiech. Artystce pozowała niejaka Henrietta, która zasłynęła z romansów.
Ulubione miejsca w Paryżu
Sceny rodzajowe stopniowo zastępowały dawne upodobania artystyczne paryżanki. Inspiracje czerpał z różnych miejsc w swoim ukochanym mieście. Jednym z takich miejsc był Ogród Tuileries – bohemy lubili spacerować po nim w niedziele. Obraz „Muzyka w ogrodzie Tuileries” przedstawia wiele postaci, ale twarze są rozmyte - na to płótno należy patrzeć z dość dużej odległości, w przeciwnym razie zobaczysz tylko rozmyte plamy.
Przy słowach „Kolej” prawdopodobnie wyobrażasz sobie sapiącą potężną lokomotywę parową lub szybki, nowoczesny pociąg pędzący po szynach w dal. Ale Edouard Manet nie jest taki prosty! Obrazy mistrza są czasami bardzo warunkowe. Tutaj, na słynnym dziele Francuza „Kolej”, domyśla się tylko stalowej linii - tam, za ciężką żelazną kratą, do której przylgnęło dziecko. A jej matka (a może guwernantka?) siedzi obok, trzymając w rękach książkę i psa.
Wśród kwiatów i przy stole
Także inne sceny rodzajowe zdawały się zostać uchwycone przez czujną kamerę – oto para rozkoszująca się zapachem kwitnących roślin („W szklarni”).
A oto kolejna para - prowadzą spokojną rozmowę przy zastawionym stole, a w tle przygląda się tej dwójce kelner, niosąc komuś zamówienie. Obraz nosi tytuł „W tawernie Papa Lathuille”.
Arcydzieła Maneta – obrazy, które wywołały kontrowersje
Cały ten sam Quiz Myoran (kobieta z obrazu „Kolej”), zupełnie naga, pojawia się przed widzami niesławnego „Śniadania na trawie”. Autorowi zarzucano dekadencję i bezwstydność. Zastanawiam się, co miał na myśli artysta, przedstawiając nagą kobietę patrzącą prosto na ciebie, w towarzystwie mężczyzn (którzy w przeciwieństwie do towarzysza są ubrani)? Nawiasem mówiąc, brat malarza i przyszły szwagier pozowali dla krewnej.
Olimpia wywołała w swoim czasie jeszcze więcej kontrowersji (1863). Francuz namalował go na Salon Paryski, gdzie obraz został wygwizdany przez publiczność. Jakby Manet był pierwszym autorem, który popisywał się kobiecym ciałem! Renesans słynie z arcydzieł w stylu aktu, ale co z „Danaë” Rembrandta?… Obecnie arcydzieło znajduje się w zbiorach Musée d'Orsay w Paryżu.
Łabędzi śpiew mistrza
Przed przedwczesną śmiercią maestro stworzył swoje ostatnie płótno – „Bar w Folies Bergère”. Stał się eksponatem kolejnego Salonu Paryskiego (1882). Scena obrazu to bar znajdujący się na pierwszym piętrze popularnego, metropolitalnego programu rozrywkowego. Od tego momentu malarz rozpoczął pracę nad swoim dziełem. Centralną postacią jest barmanka stojąca za ladą, patrząca na widza tęsknym spojrzeniem, a w tle biegający pstrokaty tłum. Mistrzowi udało się oddać tę „samotność w tłumie” po prostu genialnie! Ostatniego kwietnia 1883 roku zmarł Edouard Manet, ale jego obrazy są nieśmiertelne.
Claude Monet to jeden ze znanych i popularnych artystów w historii sztuki światowej. Malarz ten jest twórcą i wybitnym przedstawicielem nowego kierunku początku XX wieku – impresjonizmu. Dziś obrazy Moneta są bliskie i zrozumiałe dla każdego wykształconego człowieka i miłośnika sztuki, z których nazwiskami i krótkim opisem będziemy musieli się zapoznać.
Urodzony w Paryżu w 1840 roku, Claude Monet przeniósł się do Normandii 5 lat później. Od dzieciństwa młody człowiek wykazywał chęć rysowania, ale wybrał gatunek karykatury.
W wieku 17 lat Monet poznał Eugene'a Boudina, który nauczył go sztuki szkicowania krajobrazu. Przed spotkaniem z nim, czerpiąc z natury, Claude Monet nie uważał pejzaży morskich za wartościowe, a nawet traktował je z pogardą. 1859 - rok powrotu młodego artysty do ojczyzny, do Paryża. Tam kontynuował malowanie w pracowni biednych artystów.
Za punkt zwrotny w losach i twórczości Moneta uważa się przyjęcie na Wydział Sztuki Uniwersytetu Paryskiego. Tam poznał O. Renoira, A. Sisleya i F. Basila – utalentowanych młodych artystów, z którymi miał zmienić historię światowego malarstwa.
Jak pojawił się ruch „impresjonizm”?
Claude Monet stopniowo próbuje zmienić tradycyjny sposób czerpania z życia, stosując albo nowe rozwiązania oświetleniowe, albo zmieniając kąt patrzenia i pozycję artysty podczas malowania. Woli plenery od pracy w studiu, poszukuje piękna w otaczającym go świecie, starając się uchwycić chwilę i swój odbiór tego, co zobaczył.
Jedną z głównych różnic rodzącego się impresjonizmu jest nowa praca z cieniem i kolorem. Monet wybrał treść kolorystyczną obrazów, którą widzi i czuje w określonym momencie. Malując cienie jasnymi, a nie czarnymi, jak jego poprzednicy, wypełniał swoje płótna wewnętrznym światłem.
Ciągła bieda i niedostatek w latach 70-80-tych, początek wojny francusko-pruskiej zmusił go do przeprowadzki do Anglii. Tutaj Monet spotyka kupca Paula Duranda-Ruela, który kupuje jego obrazy. Umożliwiło to po powrocie do ojczyzny zakup małego domu w Argenteuil.
Za oficjalny punkt wyjścia kierunku „impresjonizmu” uważa się rok 1874, kiedy lekką ręką jednego z krytyków obraz nazwano „impresją, impresjonizmem” - impresjonizm. W 1883 roku Claude Monet przeprowadził się z rodziną do Giverny, gdzie za zgromadzone pieniądze mógł już sobie pozwolić na zakup domu z gruntem i ogrodem. W tej samej małej wiosce w 1926 roku miał zakończyć swoją ziemską podróż.
Monet od najmłodszych lat miał problemy ze wzrokiem, a w 1912 roku usunięto mu nawet soczewkę z jednego oka. Uważa się, że choroba ta przyczyniła się do wrodzonego talentu artysty do widzenia i odzwierciedlania niezwykłych kolorów i odcieni natury.
Popularności Moneta nie można dziś przecenić: do dziś jest jednym z trzech najdroższych artystów na świecie.
- Jednym z najbardziej znanych i wczesnych dzieł Claude'a Moneta jest obraz „Kobiety w ogrodzie”, powstały w 1866 roku. Aby go napisać, wykopał rów, aby lepiej wybrać kąt, prawidłowo ustawić sztalugi i sam wstać. Fabuła obrazu jest prosta: cztery młode damy przechadzają się po letnim ogrodzie, zrywają kwiaty i prowadzą miłą rozmowę. Jedna z nich – młoda modelka Camille Donsier – została później żoną Moneta.
- Rok 1866 to także czas powstania obrazu „Dama z parasolką zwróconą w lewo”. Obiektem obrazu była młoda dziewczyna, adoptowana córka Moneta, Suzanne. Artystka przygląda się modelce od dołu do góry, rejestrując oprócz sylwetki dziewczyny zbliżenie trawy i kwiatów oraz duży kawałek nieba. Jednym z głównych bohaterów obrazu jest wiatr, który kontroluje ruch obiektów, tworząc poczucie energii i ruchu fabuły.
- Obraz „Lilie wodne” z 1905 roku, po zakupie przez nieznanego miłośnika sztuki, przez ponad 70 lat był ukryty przed wścibskimi oczami. Przedstawia staw, znajdujące się w nim lilie i chmury odbite w tafli wody. Uważa się, że artysta skopiował tę historię ze zbiornika w Giverny. To płótno miało stać się najdroższym na aukcji w Londynie: oszacowano je na 54 miliony dolarów.
- „Mannport” (1883) znajduje się obecnie w Nowym Jorku, w Metropolitan Museum of Art. Tematem tego zdjęcia są skały Normandii. Monet często podróżował do tego kraju, tworząc ponad 60 obrazów o jego potężnej i surowej naturze.
- Obraz Dama z parasolką (1886) przedstawia żonę Moneta Camille Donsier. Płótno przypisuje się wczesnemu okresowi twórczości: linie są rozmyte i niedokładne, główny nacisk położony jest na kolory i uczucia samego artysty.
- Słynnym płótnem, które nadało nazwę całemu kierunkowi „impresjonizmu”, jest „Impresja. Wschód słońca” rzadko pozostawia nikogo obojętnym. Port w Le Havre, wczesny poranek, łodzie na powierzchni wody, ledwo widoczne w porannej mgle, ponure i ciemne kolory z kontrastującym na ich tle jasnym słońcem - obraz powstał, aby odwrócić ideę technika i cel malowania. Jednak pierwsi widzowie zareagowali chłodno na innowację, nie doceniając jej ukrytej siły i perspektyw.
- Ciekawostką z punktu widzenia kreacji fabuły jest obraz „Śniadanie na trawie” z 1866 roku. Sam styl płótna nie jest charakterystyczny dla impresjonistycznego stylu pisania Moneta. To obraz przejścia, poszukiwania siebie. Inspiracją ideową był Edouard Manet (nie mylić tych różnych dzieł sztuki), który kilka lat wcześniej stworzył obraz o tym samym tytule. Wywołało to ostrą reakcję i skandal ze względu na realistycznie przedstawione na nim nagie kobiety. Claude Monet był zachwycony tym zdjęciem. Postanowił powtórzyć sukces tego płótna i zaszokować opinię publiczną. W tej chwili to, co widzimy na zdjęciu, to jedna z trzech części ogromnego płótna, które pozostało niedokończone, choć było wystawiane na Salonie Paryskim.
- Lilie wodne z 1916 roku są kontynuacją tematu wody i linii wodnych w twórczości Moneta i częścią cyklu pejzaży wodnych. Ma ciekawe rozwiązanie kompozycyjne: fabuła sprawia wrażenie wyrwanej z ogromnego, niekończącego się obrazu. Artysta przyciął duże centralne kwiaty, aby pokazać nieskończoność naturalnej przestrzeni. Dzięki jasnym kolorom i niezwykłej kompozycji wydawałoby się, że zwykły staw urzeka widza.
- „Taras w Sainte-Adresse” to jedna z wczesnych realizacji artysty, powstała w 1867 roku. Obraz przedstawia letni taras, na którym na fotelach siedzą mężczyźni oraz dziewczyna stojąca przy balustradzie ze swoją towarzyszką. Surowe linie, brak rozmycia i rozwiązań kompozycyjnych nie są charakterystyczne dla stylu impresjonistycznego.
- „Pole maków w Argenteuil”, 1873. Bohaterami obrazu są syn i żona artysty. Przedostają się przez wysoką trawę i jaskrawoczerwone maki. W tle widoczne są postacie dwóch kolejnych, a w oddali mały biały dom.
Krytycy sztuki doszli do wniosku, że w ostatnich latach życia artysta wyszedł poza impresjonizm, antycypując dalsze zmiany w malarstwie i wyznaczając perspektywy. Wchodząc do historii sztuki światowej i zyskując wielu zwolenników i naśladowców, obrazy Moneta, których nazwiska i krótki opis poznaliśmy, pozostają nie tylko w pamięci widzów, ale także w ich sercach, wywołując prawdziwe i trochę tęsknoty za odchodzącym i chwilowym pięknem tego świata.
Claude Monet (Claude Monet) 1840-1926 Jeden z założycieli i czołowych artystów okresu impresjonizmu. Biografia i zdjęcia.
Już w wieku 16 lat Claude Monet uznał, że prawdziwa sztuka rodzi się w plenerze, odrzucając klasyczne zasady. Jego życie było bogate w wydarzenia - kochał i cierpiał, przezwyciężał nieporozumienia i kąpał się w falach sukcesu. Pozostawił po sobie bogatą spuściznę, próbując wielu tematów, aby pod koniec życia bez końca rysować na płótnie lilie wodne ze swojego ulubionego stawu.
Nigdy wcześniej w sztuce pięknej nie było twórcy bardziej subtelnego i odważnego, uważnie wpatrującego się w naturę, co pozwoliło mu stworzyć szereg obrazów tak zmysłowych i szczerych w swoim pięknie, że stanowiło to swego rodzaju objawienie dla kolejnych pokoleń, które za swój kierunek przewodni wybrały impresjonizm gwiazda.
Ruch do sukcesu, droga impresjonizmu.
Claude Monet przybył do Paryża w wieku 19 lat. W stolicy studiował najpierw w Akademii Suissa, a następnie kontynuował naukę w pracowni Charlesa Gleyre’a. Nie jest tak ważne, jak silny wpływ tego popularnego wówczas artysty miał na rozwój techniczny i stylistyczny młodego Moneta, ale fakt, że skupiał wokół siebie więcej niż niezwykłych ludzi, jest faktem. Na warsztatach Claude Monet poznał Sisleya, Renoira, Basila, z którymi wkrótce miał wykuć nowy styl w sztuce.
W 1863 roku wybuchł ogromny skandal w związku z niezwykle odważnym i szczerym obrazem „Obiad na trawie” Edouarda Maneta. Claude zainspirowany tym dziełem postanowił napisać własną wersję. „Śniadanie na trawie” Claude’a Moneta wyraźnie ukazuje poszukiwania stylu młodego mistrza – odrzucenie konturu, zaniedbanie linii poprzez modelowanie form za pomocą plam barwnych, eksperymenty z transmisją naturalnego światła na płótno. Do wielofigurowej kompozycji mistrz użył tylko dwóch natur - wszystkie kobiety są namalowane od jego ukochanej Camilli, a mężczyźni od jego przyjaciela Bazylego. Warto zauważyć, że w tej pracy Monet przedstawił kilka postaci tyłem do widza, burząc w ten sposób jeden z głównych kanonów malarstwa klasycznego - taki obraz był dotychczas nie do przyjęcia.
Ale młody Monet ruszył dalej, smakując kolory, fabułę, plastyczność i kompozycję. Tą samą innowacją wyróżnia się także praca „Kobiety w ogrodzie”, której wzór wykonała także jej ukochana Camilla, „powielona” czterokrotnie na płótnie.
Wczesne prace Moneta są w przeważającej mierze poświęcone Camille. „Pani w ogrodzie”, „Kobieta w zielonej sukience” – na wszystkich tych płótnach widz zobaczy Camille, a ostatnie dzieło przyniosło sławę Claude’owi. Następnie Monet będzie miał inny ulubiony model - swojego syna Jeana.
Praca stylowa.
Lata 60. naznaczone były trudną sytuacją finansową Moneta. Istnieją dowody na to, że malarz myślał nawet o samobójstwie. Jednak Claude'a uratowała przed tą desperacką pracą krok po kroku - Renoir przybywa do swojej posiadłości w Bougival, a jego przyjaciele dużo pracują na łonie natury, doskonaląc swoje umiejętności, poszukując nowych środków wyrazu. Głównym celem ich poszukiwań była chwila – artyści starali się uchwycić chwilę, mieć czas na uchwycenie tego samego krajobrazu w różnych okresach czasu, udowadniając wszystkim światu, że pojedyncza chwila nie jest taka sama jak poprzednia czy następna, to jest wyjątkowy i piękny swoim niepowtarzalnym pięknem.
Monet zaczął praktykować nową technikę nakładania kolorów na płótno – nie miesza kolorów na palecie, jak to robili artyści minionych lat, woląc stosować czyste kolory, pozwalając oku widza na samodzielne mieszanie kolorów, patrząc na skończona praca.
W 1872 roku Claude Monet stworzył legendarny obraz „Impresja. Wschód słońca". Jego wyjątkowość polega nie tylko na technice i kolorystyce, ale także na tym, że to płótno nadało nazwę całemu kierunkowi. Od tego momentu cały świat będzie wiedział, czy na płótnie dominują drobne pociągnięcia lokalnych kolorów, nie ma linii, a przestrzeń jest wypełniona światłem - to impresjonizm, z francuskiego „impresja”.
Legendarne dzieło było początkiem sukcesu artysty, a po nim przyszły jego najlepsze dzieła – „Pole maków w Argenteuil”, „Bulwar Kapucynów”, „Stacja Saint-Lazare” itp. Praca przyniosła satysfakcję, choć publiczność nie zawsze z zachwytem poznawać obrazy mistrza.
Rok 1879 dał kolejny powód do uchwycenia przemijającej chwili Moneta - jego ukochana Camille umierała, a artysta z bolesną uwagą zamalował jej twarz, tracąc kolory.
Uznanie i pokój.
Straciwszy ukochaną kobietę, Monet w końcu zyskuje uznanie – krytycy piszą pochwalne recenzje, opinia publiczna sympatyzuje z jego twórczością, a jego sytuacja finansowa znacznie się poprawia.
Monet zaczyna pisać cykle – serie prac poświęconych tej samej fabule, wykonanych w różnym otoczeniu, różniących się charakterystyką czasową: artysta maluje pejzaż o różnych porach roku i dnia, czy też warunkach pogodowych. Przykładami takich prac są cykle „Katedra w Rouen”, „Topole na Epte”, „Topole”, „Budynek parlamentu w Londynie” itp.
W 1892 roku Monet ożenił się po raz drugi i dużo podróżował, wzbogacając swoją galerię o zachwycające przystanie.
A o zachodzie słońca mistrz przyjeżdża do Żiwarnego, gdzie zakłada ogród ze stawem i mostem, uważając cały ten naturalny blask za swoje najlepsze dzieło sztuki. Czerpiąc inspirację ze swojego ogrodu, mistrz stworzył niejedną serię obrazów, z których jego ulubioną była ta poświęcona liliom wodnym.
Końca życia Moneta nie można nazwać szczęśliwym - zmarła jego druga żona, a następnie jego syn Jean, artysta zachorował na zaćmę, która doprowadziła do faktycznej ślepoty. Jednak tak jak ogłuszony Beethoven nie przestał komponować, tak Monet nie porzucił pędzli, malując dalej aż do śmierci w swoim ukochanym Żiwarni. W grudniu 1926 roku Monet zmarł. Skończywszy życie, rozpoczął dopiero epokę artystyczną – jego obrazy stały się inspiracją dla wielu artystów, zarówno tych, którzy byli bezpośrednimi zwolennikami impresjonizmu, jak i tych, dla których stał się punktem wyjścia, dając początek wielu nowym „izmom” stylistycznym .
Oscar Claude Monet (1840-1926) – malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu.
Augusta Renoira. Portret Claude'a Moneta. 1875.
W swoich obrazach artysta Monet za pomocą pleneru starał się przekazać zmienność środowiska światła i powietrza, bogactwo barw świata, zachowując przy tym świeżość pierwszego wizualnego wrażenia natury.
Claude Monet dużo pracował w naturze, ważne było dla niego nie tylko uchwycenie krajobrazu, codziennej sceny, ale przekazanie świeżości bezpośredniego wrażenia kontemplacji natury, gdzie w każdej chwili coś się dzieje, gdzie kolor przedmiotów jest ciągły zmienia się w zależności od oświetlenia, stanu atmosfery, pogody, od bliskości innych obiektów, które rzucają kolorowe refleksy - odruchy. Aby odtworzyć życie w jego nieustannych zmianach, artysta pracował w plenerze, wykonując w plenerze nie tylko szkice, ale także uzupełniając obrazy.
Jego twórczość nie przypomina żadnej innej w historii malarstwa. Mógłby pozostawić potomnym prawdziwy obraz współczesnego świata, gdyby nadal malował ludzi. Zostawił to, aby uchwycić bardziej złożone, magiczne i zapadające w pamięć widoki natury w aureoli światła. Jego twórczość jest jednocześnie objawieniem i poematem otwierającym cały świat, dotąd przez nikogo nie widziany.
Autoportret w berecie, 1886
Chopina – klasyka
MONET, Claude Oscar (Monet, Claude Oscar) (1840-1926), malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu. Urodzony 14 listopada 1840 w Paryżu w rodzinie kupca spożywczego. Pięć lat później jego rodzina przeniosła się do Le Havre.
Około 1856 roku pod kierunkiem Louisa Eugène’a Boudina zaczął malować pejzaże w plenerze.
W 1859 roku Monet przybył do Paryża, gdzie poznał C. Pissarro.
W 1860 został powołany do służby wojskowej w Algierii, w 1862 z powodu choroby wrócił do Le Havre i ponownie zaczął malować widoki wybrzeża wraz z Boudinem.
Wkrótce poznał duńskiego artystę Jana Bartholda Jongkinda, również malarza pejzaży. Jongkind został jego drugim nauczycielem.
W listopadzie Monet wrócił do Paryża, gdzie pracował w pracowni Charlesa Gleyre’a i spotkał się z Augustem Renoirem, Alfredem Sisleyem i Fredericiem Bazille’em
Jego wczesne obrazy - „Róg pracowni” (1861) i „Trofea myśliwskie” (1862) - pozwalają mówić o niewątpliwym talencie kolorystycznym malarza, umiejętności komponowania obrazu i zamiłowaniu do efektów iluzjonistycznych.
Narożnik pracowni, 1861
Claude Monet - Trofeum myśliwskie (1862)
Później Claude tworzy kilka widoków Rue de la Bavol w Honfleur (1864).
Malownicze walory tych krajobrazów zostały później wysoko ocenione przez A.N. Benois: „Czarności w duchu Courbeta nie widać już, ale czerń w duchu Velasqueza jest ewidentna. Każde pociągnięcie pędzla, nawet najciemniejsze, w jakiś sposób jaśnieje od wewnątrz i pozostaje jasne, a całość jako całość jest cudownie zharmonizowana i pełna czarującej powściągliwości.
Ulica Bavolle w Honfleur, 1864 02
W 1865 roku, kiedy rodzice przestali pomagać Monetowi, wynajął pracownię z Renoirem i Bazylim. W tym samym roku Monet rozpoczął pracę nad kompozycją „Śniadanie na trawie”, wielkoformatowym obrazem - płótnem o szerokości ponad sześciu metrów.
O wiele ważniejsze niż wszystko inne jest tutaj natura i światło słoneczne przebijające się przez zielone liście, skupiające się na białej plamie obrusu, a także przezroczyste, niebieskawe cienie. To płótno zdaje się przepowiadać przyszłość w kierunku i rozwoju twórczości Claude'a Moneta, szefa nowo powstającej szkoły impresjonistycznej.
Obiad na trawie, 1865
Śniadanie na trawie
Obiad na trawie, panel środkowy, 1865
Dwa pejzaże morskie artysty (Przylądek Ewy w czasie odpływu i Ujście Sekwany w pobliżu Honfleur) zostały przyjęte do Salonu w 1865 roku i przyciągnęły uwagę krytyków broniących realizmu.
Tytuł oryginalny: The Headland of the Hive at Low Tide 1865
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 90 cm.
Szerokość: 150 cm.
Lokalizacja: Muzeum Sztuki, Teksas
Cape de la Eve podczas odpływu, 1865.
Ujście Sekwany w pobliżu Honfleur, 1865
Los ponownie uśmiechnął się do artysty w 1865 roku. Claude poznał siedemnastoletnią Camille Leonie Donsier, córkę bogatego mieszczanina. Historia ich miłości stała się podstawą fabuły powieści Zoli Twórczość. Na razie Monet ukrywa przed rodziną istnienie Camille.
Urocza żona często była wzorem dla artysty. Jej cechy można odgadnąć we wszystkich czterech postaciach kobiecych, które Monet przedstawił na swoim słynnym obrazie „Kobiety w ogrodzie”. Portret Camille – „Kobieta w zielonej sukience” – Zoli bardzo przypadł do gustu.
Camille, czyli Kobieta w zielonej sukience, 1866
Pani Godibert 1868
Tytuł oryginalny: Kobieta z parasolką 1875
Alternatywny tytuł: Madame Monet z synem
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 100 cm.
Szerokość: 81 cm.
Obiad na trawie (gabinet), 1865
Adolphe Monet Czytanie w ogrodzie, 1866
Kamil z małym psem, 1866
Stanowisko Moneta było krytyczne. Nie był w stanie spłacić wierzycieli, a potrzebował tak bardzo, że musiał zeskrobać warstwę farby ze swoich starych obrazów, aby móc dalej pracować na tych samych płótnach.
Rodzice zgodzili się przyjąć go do domu ciotki w Sainte-Adresse, ale zażądali przerwy z Camille.
Nie znajdując innego wyjścia, Monet odchodzi, tymczasowo pozostawiając żonę, która wkrótce miała urodzić dziecko, prawie bez środków do życia. Pracuje nad pejzażami morskimi, a następnie wraca do Paryża, gdzie przez całą zimę żyje w biedzie w nieogrzewanym mieszkaniu, bez pieniędzy. W końcu zostaje wyrzucony na ulicę i wraz z rodziną przeprowadza się na wieś. Artysta był bliski samobójstwa. Dopiero nieoczekiwana pomoc jednego z patronów w Le Havre pozwoliła mu tymczasowo osiedlić się z rodziną w Fécamp i kontynuować pracę.
Tytuł oryginalny: Terrace at St Adresse 1867
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 98,1 cm.
Szerokość: 129,9 cm.
Miejsce powstania: Saint-Adrese
Ogród w Sainte-Adrese
Tytuł oryginalny: La Grenouillere 1869
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 74,6 cm.
Szerokość: 99,7 cm.
Miejsce pochodzenia: Saint-Michel
Miejsce: Metropolitan Museum, Nowy Jork
Promenada w Trouville, 1870
W 1867 roku Monet namalował obraz „Kobiety w ogrodzie”. Na metodykę pracy artysty rzuca światło historia I. Taiandie: „Obraz przedstawiał cztery kobiety w lekkich sukniach pod baldachimem drzew.
Tytuł oryginalny: Kobiety w ogrodzie 1867
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 255 cm.
Szerokość: 205 cm.
Miejsce pochodzenia: Ville d'Avray
Miejsce: Musee d'Orsay, Paryż
Pojawił się Courbet. Monet, nic nie robiąc, siedzi nieruchomo przed swoim płótnem. „Co robisz? Czy nie można pracować, zamiast bezużytecznie siedzieć? Masz jeszcze tyle do napisania”. Monet w odpowiedzi potrząsnął głową: „Nie mogę. Czekam na słońce”. I rzeczywiście słońce zniknęło za chmurą i zgasły refleksy świetlne. Wszystko poszarzało jak w ponury dzień. Sukienka jednej z kobiet pogrążyła się w cieniu, a druga kobieta z parasolką w rękach zniknęła zupełnie. Trzeba było poczekać, aż słońce dokładnie dostrzeże kontury. Później Berthe Morisot w jednej z rozmów powie o Moniecie: „Przed jego zdjęciem zawsze wiem, po której stronie trzymać parasolkę”. I tak naprawdę w jego pracach W kierunku cienia, w tysiącu innych szczegółów można zobaczyć, skąd pochodzi światło, dowiedzieć się, gdzie jest słońce i jaka jest pora dnia.
Kobieta z parasolką. Studium 1886
Kobieta z parasolką zwróconą w prawo, 1886
Obraz „Kobieta w ogrodzie”, z którym artysta pokładał nadzieje, spotkał się z ostrą krytyką jury Salonu z 1867 roku.
Tytuł oryginalny: Jeanne-Marguerite Lecadre in the Garden 1866
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 82 cm.
Szerokość: 101 cm.
Miejsce powstania: Saint-Adrese
Lokalizacja: Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Monet przerywa pracę więcej niż raz, nie mając pieniędzy na zakup farb. 9 sierpnia 1869 roku napisał do swojego przyjaciela artysty Bazylego: „Renoir przynosi nam chleb z domu, abyśmy nie umarli z głodu. Tydzień bez chleba, bez ognia w kominku, bez światła jest okropny.” Jury Salonu bezlitośnie odrzuca wszystkie jego obrazy w latach 1869 i 1870.
Kwiaty i owoce, 1869
Camille na plaży w Trouville, 1870
W czerwcu 1870 roku Monet opuścił Francję w związku z wybuchem wojny francusko-pruskiej, odwiedzając Anglię i Holandię.
W Londynie on i Pissarro spotkali handlarza dziełami sztuki Paula Duranda-Ruela, który rozsławił grupę impresjonistów. W latach 1871–1872 Monet pracował w Holandii.
Tulipany, Holandia
Do ojczyzny wrócił pod koniec 1871 r., 
Tamiza poniżej Westminster
Amsterdam w śniegu, 1874
Kanał w Amsterdamie, 1874
Medytacja, Madame Monet siedząca na sofie, 1870-71
Kwitnące jabłonie, 1873
Obiad, 1873
Obiad, 1873
Maki w pobliżu Argenteuil, 1873
Maki W Pobliżu Argenteuil
W latach 1872-1876 Monet mieszkał z rodziną w Argenteuil, małym miasteczku nad Sekwaną, dwadzieścia mil od Paryża.
Artysta często współpracował z Renoirem, Sisleyem i Manetem, tworząc swoje słynne sceny żeglarskie, epizody z życia wsi. Często malował swój dom i ogród.
Jego dwa główne motywy w Argenteuil to żaglówki płynące po rzece i widoki na most kolejowy na Sekwanie: „Regaty w Argenteuil pod zachmurzonym niebem”, „Warsztaty żeglarskie w Argenteuil”, „Most w Argenteuil” (kilka opcji). „Łodzie w Argenteuil” (kilka opcji), „Regaty w Argenteuil”.
Regaty łodzi w Argenteuil, 1874
Most w Argenteuil, Szara pogoda, 1874
Most w Argenteuil, pochmurno, 1874
Łódź studyjna, 1874
Łódź studyjna, 1874
Most w Argenteuil, 1884
Regaty w Argenteuil, 1872
Regaty w Argenteuil
Żeglarze w Argenteuil, 1874
Sekwana w Argenteuil, 1874
Sekwana w Argenteuil, 1874.
W 1873 roku Monet tworzy swoje arcydzieło – krajobraz „Bulwar Kapucynów w Paryżu”. „Można go słusznie nazwać jednym z najlepszych krajobrazów miejskich ubiegłego wieku” – mówi E.B. Georgiewska. – Obraz zdaje się być utkany z drobnych, pastowatych, luźno ułożonych kresek, odtwarzających wrażenie poruszających się bulwarami powozów i przechodniów, lekkiego wiatru, unoszących się po niebie chmur, płynących promieni słońca, a wszystko to spowijającej mgłę powietrza. Oświetlona słońcem lewa strona bulwaru została zaprojektowana w jasnych, złotych barwach, natomiast prawa, zacieniona, w zimnej, srebrno-szarej kolorystyce. Pociągnięcia jaskrawych czerwonych i niebieskich kolorów brzmią bogato. Rozwiązanie kompozycyjne obrazu jest takie, że budynki i postacie na balkonie po prawej stronie są odcięte krawędziami płótna, co niejako czyni widza uczestnikiem tego, co się dzieje. Tylko nielicznym malarzom ubiegłego stulecia udało się tak umiejętnie oddać atmosferę życia w wielkim mieście.
pierwotna nazwa: Boulevard des Capucines
Alternatywna nazwa: Boulevard des Capucines w Paryżu
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 79,4 cm.
Szerokość: 59 cm.
Miejsce pochodzenia: Paryż
Lokalizacja: Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa, Kansas City
Boulevard des Capucines, 1873 02.
Claude Monet
1873-74
80,3 cm × 60,3 cm (31,6 cala × 23,75 cala)
Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa, Kansas City, Missouri
Informacje: Praca napisana w 1873 roku, ukazała się rok później na Pierwszej Wystawie impresjonistów w Paryżu, zorganizowanej w pracowni ich przyjaciela, fotografa Nadara. To właśnie na tej wystawie grupa artystów otrzymała miano „impresjonistów”, nadane im przez krytyka Louisa Leroya, od tytułu pokazanego tam obrazu Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”). Najważniejszą rzeczą dla artysty w tym pejzażu malowanym z życia w naturalnym świetle, którego główny efekt opiera się na kontraście oświetlonych i zacienionych części ulicy, jest utrwalenie natychmiastowych wrażeń wizualnych z tego, co zobaczył.
Monet opracował oryginalną technikę: użył jasnych, czystych i wystarczająco odważnych małych oddzielnych pociągnięć, które bez mieszania pojawiały się na płótnie. Odzwierciedlały bezpośrednią percepcję autora. Oto jego pejzaż, który uznawany jest za programowy: „Impresja. Wschodzące słońce (1872). Obraz ten dał nazwę całemu ruchowi impresjonizmu (impresja - wrażenie).
Wrażenie. Wschodzące słońce, 1872
tytuł oryginalny: Impression, Sunrise
48x63cm.
Le Havre, Musée Marmottan, Paryż
Camille Monet w ogrodzie, 1873
Camille Monet na ławce w ogrodzie, 1873
Camille i Jean Monet w ogrodzie w Argenteuil, 1873
Camille Monet w oknie, Argentuile, 1873
Na pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku, oprócz „Impresjów”, Monet wystawił jeszcze jedenaście obrazów. Jak wiadomo, artyści byli wykluczeni.
W latach 1876–1877 Monet ukończył pierwszą serię obrazów przedstawiających stację kolejową Saint-Lazare przy różnej pogodzie, później napisze słynną serię ze stogami siana, dwadzieścia obrazów poświęconych jest katedrze w Rouen. Pogoń za nieuchwytnymi efektami światła słonecznego, poszukiwanie „chwilowości” kryje się za każdym płótnem ze słynnego cyklu Moneta.
Tytuł oryginalny: Gare St.-Lazare 1877
Baza: płótno
Technika: olej
Lokalizacja: Muzeum Sztuki, Harvard
Gare Saint-Lazare w Paryżu
Stacja Saint-Lazare, na zewnątrz, 1876
Gare Saint-Lazare w Paryżu, przyjazd pociągu
Brzeg rzeki w Petit Gennevilliers,
Pani Monet
Alternatywny tytuł: Czerwony Przylądek
płótno, olej
Camille Haftowanie, 1875
Narożnik mieszkania, 1875
Baza: płótno
Technika: olej
Camille Monet w stroju japońskim, 1876
Baza: płótno
Technika: olej
Lokalizacja: Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie
Camille z zieloną parasolką, 1876
Na łące, 1876
Na łące
Strzelanina, 1876
Parc Monceau, Paryż, 1876.jpeg
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 82,6 cm.
Szerokość: 59,7 cm.
Miejsce pochodzenia: Paryż
Dom Artysty w Argenteuil, 1876
Dom Artysty w Argenteuil, 1876
Aleja, 1878
Camille Monet na łożu śmierci
Ogród artysty w Vetheuil, 1880
Tytuł oryginalny: The Artist's Garden 1880
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 151,5 cm.
Szerokość: 121 cm.
Miejsce pochodzenia: Vetheuil
Lokalizacja: Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
Ogród artysty w Veteil 1880-81
Alicja Hoschede w ogrodzie, 1881
Powódź Sekwany w Vetheuil, 1881
Widok na Vetheuil, 1881
Ozor Vetheuil, 1881
Łodzie na plaży w Pourville, odpływ, 1882
Łodzie na plaży w Etretat, 1883
Małe ramię Jeufosse, jesień 1884
Mała dłoń Jeufosse, jesień 1884
Od 1883 roku życie i twórczość Moneta są ściśle związane z wioską Giverny w Normandii, gdzie artysta niemal nieprzerwanie do końca życia mieszkał w domu ze wspaniałym ogrodem. Giverny był źródłem inspiracji dla artysty. Tutaj powstały dwa słynne cykle obrazów Moneta „Stogi siana” i „Wody”.
Wypłynięcie łodzi, Etretat, 1885
płótno, olej
Instytut Sztuki w Chicago
Łodzie odpływają
Drzewa zimą, widok na Bennecourt, 1887
Drzewa zimą, widok na Bennecourt, 1887.
Sekwana w pobliżu Giverny, 1888
Sekwana niedaleko Giverny, 1888
Widok Antibes z płaskowyżu Notre-Dame, 1888
Widok Antibes z płaskowyżu Notre Dame, 1888.
Stogi siana - Biały mróz, wschód słońca, 1889
Stogi siana - Biały Mróz, Wschód Słońca,
stogi zbożowe, 1891
Stogi siana w Giverny, 1895
Lilie wodne, 1904 04
Lilie wodne, 1907 08
Tytuł oryginalny: The Waterlily Pond 1899
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 88,3 cm.
Szerokość: 93,1 cm.
Miejsce pochodzenia: Giverny
Miejsce: Galeria Narodowa, Londyn
Staw z liliami wodnymi
O tym, jak artysta pracował nad cyklem Stogi siana, dowiadujemy się z listu Moneta z 7 października 1890 roku, skierowanego do Gustave'a Geffroya: siada tak szybko, że nie mogę za nim dotrzymać... Pracuję powoli, co prowadzi popadam w rozpacz, a im dalej idę, tym bardziej widzę, że potrzeba dużo pracy, aby móc przekazać to, czego szukam: natychmiastową…”
Rosyjski artysta V. Kandinsky pozostawił swoje wrażenia ze stogów siana: „Wcześniej nie znałem żadnej sztuki innej niż realistyczna, a w dodatku tylko rosyjska. I nagle zobaczyłem to zdjęcie. Z katalogu dowiedziałem się, że był to stog siana. Nie mogłam go rozpoznać na zdjęciu. I było to dla mnie nie do zniesienia. Stwierdziłem też, że artysta nie miał prawa tak niewyraźnie rysować. Niejasno miałem wrażenie, że obiekt zniknął z obrazu. I ze zdziwieniem i niepokojem zauważyłem, że obraz ten nie tylko mnie urzekł, ale także utkwił mi w pamięci i czasami przemykał mi przed oczami ze wszystkimi najdrobniejszymi szczegółami.
Autoportret w Pracowni (fragment), 1885
Po upadku ruchu impresjonistycznego w 1886 roku artysta zaczął wystawiać samodzielnie. Monet zaczyna pracować od reliefu, który oddaje drżenie liści, połysk blasku słońca na wodzie, cienie chmur przesuwające się po niebie: „Skały w Etretat” (1886), „Łąki w Giverny” (1888) , „Pole maków” (lata 80. XIX w.).
Młoda dziewczyna w ogrodzie w Giverny, 1888
Topole na Epte, 1891
Topole na Epte, 1891
Od lat dziewięćdziesiątych Monet tworzy cykle, podejmujące ten sam motyw: Topole (1892), Katedra w Rouen (1895), Nimfea, pejzaże wodne (1900), widoki Londynu (1904), widoki Wenecji (1912).
Najlepszym z serii jest Katedra w Rouen. Monet napisał w jednym ze swoich listów: „Jestem tu już od dawna, ale to nie znaczy, że wkrótce skończę moje katedry. Niestety! Mogę tylko jeszcze raz powiedzieć, że im dalej idę, tym trudniej jest mi przekazać to, co czuję. I mówię sobie: tylko osoba bardzo pewna siebie może twierdzić, że ukończyła swój obraz. Doprowadzenie tego do końca oznacza uczynienie obrazu idealnym, a ja tak ciężko pracuję, szukam i próbuję wszystkiego, prawie nie posuwając się do przodu i tylko się męcząc…”
Oto, co K. Malewicz napisał o „Katedrach” w 1919 r.: „...w rzeczywistości wszystkie wysiłki Moneta miały na celu kultywowanie malarstwa, które wyrasta na ścianach katedry. To nie światło i cień jest jego głównym zainteresowaniem, ale malowanie w cieniu i świetle. Picasso i Monet wydobywali malownicze obrazy, tak jak wydobywa się perły z muszli. Nie potrzebujemy katedry, ale potrzebujemy malarstwa, niezależnie od tego, skąd ono pochodzi, tak samo nie dbamy o to, z której muszli zostaną wydobyte perły. Vétheuil o zachodzie słońca, 1901 01
Przeniesienie na płótno zmienności światła, różnorodności zjawisk atmosferycznych i zmian natury w różnych porach roku przyniosło Monetowi światową sławę i dobrobyt już w 1890 roku. W tym czasie zaczął pracować na kilku płótnach jednocześnie, przekazując na każdym oświetlenie i stan widoku w pewnym dość krótkim czasie, pracując na jednym płótnie często nie dłużej niż pół godziny. Przez kolejne dni malował w tej samej kolejności, aż do ukończenia wszystkich płócien. Należą do nich cykl Stog (1890–1891); Topole (1890–1892); Katedra w Rouen (1894), Widoki na Tamizę (1899–1904) i Wenecję (rozpoczęto 1908).
Kanał Grande w Wenecji, 1908 01
Kwitnące jabłonie w Giverny, 1900-01
Kwitnące jabłonie w Giverny
Od 1883 roku Monet mieszka w swoim domu w Giverny. Pisze swoje ulubione zakątki ogrodu, mosty, stawy, rabaty kwiatowe. Na początku lata 1909 roku Monet ukończył cykl Lilie wodne, składający się z czterdziestu ośmiu płócien.
W 1883 roku Monet przeprowadził się do Giverny (miejscowości położonej 80 km na północ od Paryża), gdzie mieszkał przez 43 lata, aż do swojej śmierci. Artysta wynajął dom od normańskiego właściciela ziemskiego, kupił sąsiednią działkę ze stawem i założył dwa ogrody: jeden w tradycyjnym stylu francuskim, drugi - egzotyczny, tzw. „Ogród na wodzie”. Ogród stał się ulubionym pomysłem Moneta; duże miejsce w twórczości artysty zajmują motywy „Ogrodu w Giverny”. Od 1899 r. aż do swojej śmierci w 1926 r. (lata te przyćmił pogorszenie wzroku) Monet tworzył ogromne płótna przedstawiające staw w ogrodzie o różnych porach dnia. 14 paneli z cyklu Lilie wodne znajduje się w Paryżu i zgodnie z zamysłem artysty wystawionych jest w dwóch owalnych salach Oranżerii Tuileries.
Lilie wodne, Chmury, 1903
Baza: płótno
Technika: olej
Wysokość: 105,3 cm.
Szerokość: 74,6 cm.
Miejsce pochodzenia: Giverny
Lokalizacja: zbiory prywatne
Lilie wodne, 1903 03
Lilie wodne, 1905 03
Jednakże według Yu.G. Shapiro: „Techniki impresjonistyczne, zrodzone ze studiowania natury, stopniowo zamieniają się w stempel i służą do tworzenia wartości obrazowych, które nie wynikają z rzeczywistych obserwacji.
Zubożenie tematu, wycofanie się w dekoracyjność, zredukowanie technik impresjonizmu do rozwiązania wąskiego problemu oddania lekkiego wyglądu przedmiotu w określonych warunkach, z całą wirtuozerią Moneta, prowadzi go w ślepy zaułek. Jednak sam artysta, zdobywszy wówczas uznanie i sukces, swoje późniejsze prace uważał za logiczną kontynuację i uzupełnienie swoich poszukiwań.
Kompozycje Moneta stają się niemal dekoracyjne, kontury konkretnych obiektów wyznaczają jedynie kolorowe plamy. Tym samym widoki stawu w Giverny stopniowo przekształcały się w abstrakcyjne kompozycje kolorystyczne.
the="the" pond="staw" at="at" alt="Staw z liliami wodnymi w Giverny" border="0"> !}
Staw z liliami wodnymi w Giverny
Ogród ze stawem w Giverny
Wierzba płacząca, Giverny, 1920-22
Wierzba płacząca, Giverny, 1920-22
Takie są jego słynne Lilie wodne, nad którymi artysta pracował od 1914 do 1922 roku. 
Autoportret, 1917
http://gallerix.ru/album/Claude-Monet
http://ohudognikah.ru/content/mone
http://www.artfrance.ru/art/m/mone/main2.htm