Olga Danilkina, Ivan Isaev, Elena Ishchenko e Boris Klyushnikov - sulla solitudine dell'oggetto e il diktat dello spettatore, l'interpassività e il suo potere politico, il mercato dell'arte e la sua autonomia
" Nel profondo". Il progetto principale della V Moscow Biennale for Young Art, 2016
I preparativi per la quinta biennale dell'arte giovane si sono svolti in un'atmosfera tesa - accanto agli invariabili loghi dei due organizzatori, l'NCCA e l'MMMA, ne è apparso un terzo - ROSIZO. La Biennale ha nominato un commissario - come la Biennale "senior" di Mosca - Ekaterina Kibovskaya, il cui ruolo principale, a quanto pare, nonostante avesse già tre organizzatori statali, era quello di trovare partner e sponsor privati. Nadim Samman è stato scelto come curatore del progetto principale, che è stato incluso nella top ten dei giovani e promettenti curatori secondo Artsy.net.
Il risultato del suo lavoro è stata la mostra "Deep Inside", che ha riunito, come si suol dire, 87 artisti provenienti da 36 paesi. Il progetto principale (così come l'intera biennale nel suo insieme) ha suscitato opinioni polari, che si sono riflesse, tra l'altro, in una tavola rotonda organizzata dal portale Artguide. Redattori di riviste aroundart.ru Olga Danilkina ed Elena Ishchenko hanno deciso di continuare la discussione e hanno chiamato due giovani curatori, Ivan Isaev e Boris Klyushnikov, per approfondire la disputa - sul progetto principale e sul marchio della giovane biennale, la solitudine dell'oggetto e i dettami dello spettatore, l'interpassività e il suo potere politico, mercato dell'arte e la sua autonomia.
Foto: Olga Danilkina
Ivan Isaev: La tavola rotonda in Artguide, dedicata alla biennale dei giovani, alla quale siamo stati invitati anche noi con Borya, è passata con un predominio tangibile delle dichiarazioni di Victor Misiano, in cui i problemi del progetto principale sono stati toccati un po' di sfuggita. Invito a parlare per la pubblicazione su aroundart.ru sembrava buona occasione per discutere più in dettaglio il progetto principale, per sviluppare ed espandere l'argomentazione critica in relazione alla mostra presso la manifattura di Trekhgornaya. Prima del colloquio era già evidente che la mia posizione sarebbe stata piuttosto accusatoria, mentre Borya intendeva difendere proprio questo modus della Biennale, giustificando quanto esposto.
Boris Klyushnikov: Sì, in quel momento abbiamo discusso in dettaglio i fondamenti stessi della Biennale come formato, con la sua natura problematica generale. Tuttavia, se si è veramente coerenti nelle critiche, allora si possono mediare all'infinito affermazioni, dubitando della loro legittimità. Dopo aver criticato la Biennale, ci si può interrogare sull'esistenza dell'istituzione dell'arte e, alla fine, valutare criticamente la vita stessa sulla Terra. In questo tipo di critica ciò che sfugge è il contenuto dell'affermazione, l'analisi di ciò che è stato fatto, non ciò che si può fare in una situazione ideale nel vuoto. Quindi abbiamo il formato che abbiamo. E ora penso che possiamo riflettere su come leggere la bozza principale.
In primo piano: Yuri Shust. Exo oblio. 2015. Sullo sfondo: Claire Pugham. Tentativo di abbraccio #25. 2015
IA: Inizierò con le affermazioni principali del progetto. Penso che la mostra di Samman sia l'epitome del lavoro hack a tutti i livelli: dall'approccio alla mostra alla selezione delle opere e all'installazione. Stiamo parlando della Biennale, un evento internazionale progettato per rilanciare la scena locale, per presentare le tendenze nel campo della arte contemporanea. Ma vediamo in esso un mostruoso isolamento dal contesto: dal socio-politico di Mosca, dalla manifattura Tryokhgornaya. Quando è stato annunciato il luogo, hanno sottolineato che era storico: questo è Krasnaya Presnya, uno dei luoghi centrali rivoluzioni del 1905 e del 1917, la fabbrica stessa è vecchia. Ma non ho notato alcun lavoro all'interno del progetto principale che avrebbe funzionato con questo contesto. Ho avuto l'impressione che la maggior parte L'opera è stata semplicemente trasferita da un White Cube, in cui era esposta da qualche parte in Europa, a un altro White Cube. Penso che sarebbe bello capire l'ambiente in cui sei stato invitato a lavorare. Comprendere i processi che si svolgono qui. Il lavoro non dovrebbe essere nel vuoto.
Elena Ischenko: La maggior parte delle opere non sono state realizzate appositamente per la Biennale, ad eccezione di alcuni progetti di artisti russi.
IA: Questa è un'osservazione molto vera, che conferma che le opere sono state semplicemente selezionate dal curatore e trasportate da un "cubo bianco" all'altro. Erano alienati dagli artisti stessi.
Forse sono caduto vittima di grandi aspettative. Samman ha co-curato una mostra molto interessante e di alta qualità terra rara al Museo Thyssen-Bormenissa. Inoltre la Biennale Antartica, alla quale partecipa Samman. È coinvolto in un numero sufficiente di progetti interessanti e innovativi. Mi aspettavo che sperimentasse anche questa volta. Qui vedo anche una propensione per gli oggetti digitali, post-digitali, post-scientifici, pseudo-interattivi, l'arte post-Internet, l'arte nell'era digitale, fantasticherie sui flussi di informazioni, la rete globale, la comunicazione universale, il linguaggio digitale - il feticizzazione dei tecnologismi. Un esempio di ciò è, ad esempio, l'opera ingenua di Jeremy Santiago-Horsman, che romanticizza l'estetica del codice binario: un muro con intonaco fatiscente. L'artista vede il fatto e lo visualizza in modo evidente. O la specie di scatola interattiva di fili e lampadine di Eddie Wagenknecht, che, secondo la descrizione del catalogo, è "circuiti stampati e cavi di rete… (che) simboleggiano la “nuvola”, i social network, i dati, le fughe di notizie”; inoltre, questa casella “intercetta e registra i dati anonimi ricevuti dalle reti che operano nelle vicinanze Wifi". E anche molte altre opere sono visualizzazioni estremamente primitive della metafora, così tante da superare seriamente un certo numero critico di opere "di sfondo" per una grande mostra, facendo pensare all'approccio troppo disinvolto del curatore alla selezione delle opere.
Jeremy Santiago-Hosman. Santuario (ab). 2016
AVANTI CRISTO: Al contrario, mi sembra di sì miglior progetto la biennale più giovane che abbia mai visto. E l'abbondanza di giudizi critici, infatti, deriva dal fatto che ci avviciniamo alla sua valutazione dal punto di vista di idee date, e non dai compiti che questa biennale ci ha posto. Ogni critica è collegata ad alcuni requisiti: criticità, lavorare con un contesto locale, che diventano una massima.
IA: Non esattamente una massima, ma piuttosto uno degli aspetti della qualità della Biennale.
AVANTI CRISTO: Sì, ma bisogna considerare non loro, ma le domande poste dalla Biennale stessa, peraltro, secondo la forma di interazione: tema - opera, spettatore - opera, spettatore - decisione curatoriale, e così via. In questo contesto, diventa chiaro che il curatore ha scelto una forma molto audace. Cosa hanno fatto le biennali che si sono diffuse negli anni '90 e 2000? Erano solo molto contestualizzati e dediti alle relazioni, alla comunicazione. Prima l'estetica dell'interazione, poi l'attivismo politico. Questi progetti hanno coinvolto lo spettatore in interazione, hanno cercato di trasformare lo spettatore in un cittadino, spostandolo in una posizione. E l'attuale Samman Biennale mostra chiaramente che questa posizione, quando devi necessariamente sedurre lo spettatore all'azione, a qualche tipo di risposta, è già riconosciuta dai giovani artisti come violenta. Mi attrae la mancanza di questa civetteria civica, l'esigenza di fare qualcosa, di pensare al contesto, di partecipare a qualcosa. E se guardi da questo punto di vista, diventa chiaro che le opere sono selezionate in modo molto accurato. Ci sono molti video in mostra, per esempio, e questo è un mezzo così narcisistico, chiuso in se stesso, un oggetto molto contemplativo. E la maggior parte degli oggetti, al contrario, non sono interattivi, al contrario, sono solitari e autonomi.
I lavori che ricordo sono per lo più video dedicati a un gesto solitario nel vuoto, come l'uomo con le api nell'opera di Mark Johnson. O la videoinstallazione "Ascension" di Petr Davydchenko con un tuffo nel fango. Sono molte le opere in mostra che vengono percepite in modo interpassivo, creando comunicazione senza comunicazione, comunicazione senza comunicazione. Il curatore rompe la connessione tra lo spettatore e l'opera. Come in questa sala con gli specchi - l'estetica del narcisismo, capisci di essere chiuso in te stesso, come la giovane arte. Essenzialmente, questo caratteristica distintiva giovani. Mark Fisher l'ha definita edonia depressiva - quando non puoi fare altro che divertirti. Ma questo narcisismo è paradossale: quando dimostriamo isolamento su noi stessi, troviamo solo punti di interazione, capiamo che siamo in qualche modo connessi.
Un altro punto importante tematico. Qui il tema è la comunicazione, la comunicazione è la circolazione delle immagini. Sembrerebbe che tutto, abbiamo già sentito tutto: la teoria dell'attore-rete, la teoria della comunicazione e che il mondo non esiste affatto al di fuori della comunicazione. E questa mostra in effetti afferma il tema della comunicazione, della sovrappopolazione di immagini, ma allo stesso tempo presenta opere assolutamente non comunicative. C'è stata questa ideologia della superficie per molto tempo, lo scorrimento guidato digitalmente, e Deep Within offre una modalità diversa.
Oggi sono popolari varie conferenze performative e programmi paralleli e sembra che la mostra non sia più necessaria. Molti hanno criticato questa Biennale per questo. Ma mostra ciò che può essere espresso in una forma biennale: l'isolamento e la solitudine associati agli oggetti. Non è un caso che non ci siano performance in questa mostra: non puoi esprimere questa idea in una performance. Questa Biennale è un anello di congiunzione tra tante solitudini. Penso che molte persone si sentano come se fossero fuori dalla comunità, quindi questa biennale è contestuale - risuona davvero con me.
IA: Mi sembra solo che questa mostra sia stata realizzata secondo gli schemi di una biennale di dieci anni, quando un insieme di qualità appariva per mostre così convenzionali. Un miscuglio di opere portate da angoli diversi luce per evidenziare alcune questioni astratte. Alla discussione di "Artguide" abbiamo ricordato la Biennale luminarie, - questo è un buon esempio di una mostra del genere: opere che sembrano essere correlate all'argomento, sebbene qualsiasi cosa possa essere correlata ad esso. Questo è esattamente ciò che definisce l'isolamento dal contesto locale, che è presente nel progetto principale della Biennale.
AVANTI CRISTO: La Biennale di cui parli è Earth Magicians di Jean Hubert Martin. Ma l'attuale biennale dei giovani si fa in modo completamente diverso.
IA: No, sto parlando di questa forma studentesca delle biennali, nata grazie al loro boom, quando quasi ogni punto del mondo che pretende di avere una certa importanza nell'arte contemporanea ha il suo. Di conseguenza, sono realizzati secondo un'unica ricetta: una problematica viene presa dal nulla, formulata nel modo più generale possibile, artisti producono vari articoli su questo argomento e tutto è combinato in un unico spazio.
Olga Danilkina: Mi sembra che questa Biennale sia fatta diversamente. Mi è piaciuto molto il fatto che dia una comprensione molto sobria del fatto che non possiamo permetterci di pensare in modo davvero produttivo a nient'altro che al globale. Se ci spostiamo nel locale, ci immergiamo inevitabilmente nel campo dei mass media e nel suo riflesso dei processi politici e sociali, e un tentativo di comprenderlo oggettivamente è piuttosto disperato: questo gesto non farà che moltiplicare il rumore delle informazioni ed è improbabile che andare oltre la manipolazione usata dagli stessi mass media. Mi è piaciuta molto questa rimozione da tali argomenti.
AVANTI CRISTO: Anch'io, perché il provinciale è quando non puoi rivendicare la tua universalità, che puoi pensare universalmente. E questo è particolarmente importante per la Biennale dei giovani. Durante la discussione su Artguide, molti hanno espresso l'idea che non dovrebbe esserci una biennale dei giovani, che questo è ageism. Ed è stato suggerito che quando la biennale è stata chiamata “Stop! chi viene?", allora era un festival, funk, divertente, e ora la biennale e devi sforzarti in qualche modo. Ma mi sono reso conto che in realtà le biennali giovanili danno ai giovani l'opportunità di essere seri e di essere presi sul serio, senza questo armamentario della "gioventù": arte leggera, feste, divertimento. E questa mostra lo contrasta: è tesa, oscura, pre-apocalittica, senza speranza. Vanya parla del post-Internet, ma usa spesso colori vivaci, ma questa mostra non è brillante, monocromatica. Non farai una mostra del genere nell'ambito del festival Farsh.
EI:È un'idea interessante, ma mi sembra che il vettore dato dalla frase "biennale dell'arte giovane" non sia molto corretto. Provoca l'autoriflessione - cos'è la giovinezza, cosa significa essere giovani - che, forse, non è del tutto necessaria.
OD: Sì, non posso guardare le mostre pensando se gli artisti sono giovani o no. Sembra che la “biennale dell'arte giovane” sia un concetto che ha perso il suo significato.
AVANTI CRISTO: Si hai ragione. I sociologi, ad esempio Pascal Gielen, affermano giustamente che in Europa non esiste più una divisione in generazioni nell'arte contemporanea. Ma in Russia, mi sembra, c'è un tale contesto che qui ha senso il concetto di "giovane artista". 89esimo anno, la caduta del blocco socialista, l'URSS ha portato a un grave divario generazionale. La logica dei decenni incombe ancora nel nostro Paese, e non perché siamo alla periferia, ma proprio per il contesto del 1989. La disputa tra concettualisti e azionisti o artisti degli anni 2000 con gli azionisti è una disputa edipica.
EI: Sì, certo, ci sono artisti che vivono nello spazio post-sovietico, ci sono quelli che hanno vissuto in Unione Sovietica. Ma dopotutto, coloro che vivono nello spazio post-sovietico attraverseranno presto questo traguardo di 35 anni, che è una qualifica così onnipresente per un giovane artista.
AVANTI CRISTO: Ovviamente non sto parlando del limite di età. Anche se Massimiliano Gioni ha fatto una mostra Più giovane di Gesù e nessuno ha davvero obiettato. Ma ecco cosa voglio dire. Tutti sono preoccupati che la glorificazione della gioventù sia il fascismo. Ma stranamente immagini i giovani come se fossero ragazzi pompati che scoppiano di salute, energia e sciovinismo. No, la gioventù è diversa, e questa biennale lo dimostra. Questi sono bambini deboli che non riescono a ritrovarsi nella vita.
EI: Mi sembra che questo sia esattamente ciò di cui parlava l'ultima biennale - "Time to Dream": sulle infinite frustrazioni, sull'insoddisfazione e sull'impossibilità dell'azione. Questa Biennale, se ne parla, è molto indiretta.
In generale, concordo sul fatto che questa biennale riguardi la solitudine dell'oggetto e l'interruzione della comunicazione. Le opere in mostra, infatti, spiazzano lo spettatore: all'ultimo piano, tutto è coperto dal suono del video di Andrew Norman Wilson, una stupida canzone pop che si mescola al suono di altre opere, le sovrappone e crea un spazio in cui è impossibile stare, a disagio in esso. E nella stanza dello specchio ti dividi e non riesci a concentrarti, fissa la tua attenzione su qualche oggetto. Non puoi metterti in contatto con lui. Questo diventa una tale metafora per lo spostamento dello spettatore dallo spazio espositivo e la solitudine di un oggetto separato. Mi sembra che questo si manifesti bene nell'architettura della mostra, nelle soluzioni espositive: da un lato, tutto è esposto con alta qualità e magnificamente, tutte le composizioni sono equilibrate, ma più vai avanti e inizi a guardare le opere , questa sensazione di integrità e armonia originali comincia a sgretolarsi. L'intera mostra sta cadendo a pezzi: non c'è integrità, quasi tutte le opere sono chiuse su se stesse. Questa è un'idea allettante, ma si basa ancora su una sorta di produzione di oggetti, sul mercato - la maggior parte degli oggetti in mostra sembrano lavori da galleria ben fatti. E nel nostro contesto russo, questa solitudine è rafforzata anche dalla sensazione che questi oggetti sembrino cercare il loro acquirente, proprietario, ma non riescono a trovarlo.
AVANTI CRISTO: Il sistema non è stato organizzato in questo modo da molto tempo e questi oggetti non cercano il loro acquirente.
EI: Non dovrebbe essere così.
IA: Nel mondo, ci sono due modi principali per monetizzare il nome dell'artista: o l'artista vende attivismo sociale e riceve sovvenzioni, oppure produce e vende oggetti - singoli elementi di cui è piena questa Biennale. Alla Biennale partecipa un numero sufficiente di galleristi di discreto successo. Ma mi sembra che questa mostra non possa essere considerata come una nuova apologia di un oggetto isolato autonomo, perché non abbiamo motivo di credere che ciò sia stato fatto consapevolmente. È molto più facile fare una mostra se si considerano le opere d'arte come oggetti autonomi al di fuori della loro contestualizzazione, una mostra come un insieme di oggetti in un cubo bianco.
AVANTI CRISTO: No non sono d'accordo. Innanzitutto perché è una mostra programmatica, dove il tema e la forma sono strettamente correlati. Inoltre, forse sono troppo cinico, ma non vedo niente di sbagliato nelle persone che fanno cose per la vendita. È brutto quando diventa un criterio per valutare il lavoro. Ma non si giudica Dostoevskij dal numero di simboli che voleva riempire per riconquistare un debito. E sono stati fatti molti lavori belli e importanti, che poi sono stati venduti bene.
In secondo luogo, ora è molto più facile organizzare in modo convenzionale una sorta di raccolta. È interessante considerare questa Biennale dei giovani nel contesto dell'ultima Biennale di Mosca: si tratta di due risposte diverse alle stesse condizioni: mancanza di fondi. E la Biennale di Mosca ha creato una piattaforma di discussione...
IA:… una calda lampada biennale. Come in un'incubatrice.
OD: Sono d'accordo che gli oggetti sono chiusi, ma allo stesso tempo, in molte opere mi sono riconosciuto. Non credo che la Biennale ignori il contesto locale, no, vi fa riferimento, ma non direttamente, questo contesto non grida ad ogni angolo “io sono tutto!” (perché non è tutto), come spesso accade.
AVANTI CRISTO: Sì, questa non è una connessione diretta, ma risonante. Tutte le persone in un mondo globalizzato si sentono uguali in un certo senso, ma questa coincidenza diventa possibile solo quando sei solo nella stanza a fare qualcosa. Tutti sono collegati a questo. Questo distacco.
OD: Mi è piaciuto che molte opere ti incoraggino a guardare non a ciò che sta accadendo intorno a te, ma prima di tutto a come lo percepisci, a come generalmente pensiamo. Interessante in questo senso il lavoro di Daria Koltsova con pattern su finestre, in cui si manifesta bene questo grado di interazione con il contesto locale.
Questo distacco ha risuonato in me molto con la sensazione dello stato della nostra comunità artistica. Nessun video in mostra ha sottotitoli in russo, la stanza non è stata rinnovata. A poco a poco, seduti nel nostro piccolo mondo, iniziamo a capire quanto sia piccolo e quanto sia limitato tutto. Per quanto ci riguarda nell'insieme nessuno ha bisogno. E questo momento è molto sentito in questa Biennale.
IA: La Biennale dimostra sostanzialmente che nessuno ha bisogno di noi. L'assenza di sottotitoli è un indicatore, non hanno affatto bisogno di un grande budget. Dal mio punto di vista, questa è un'altra prova di negligenza e trascuratezza nell'approccio alla mostra.
OD: La situazione con i sottotitoli mi sembra politica per un progetto così vasto.
IA: Questo è un indicatore molto importante dell'ignorare il visualizzatore locale.
Eli Maria Lundgor. Centinaia di spiegazioni per la stessa cosa. 2015
AVANTI CRISTO: A me questi problemi sembrano meno importanti, poiché lo spettatore dovrebbe essere escluso da questa mostra. La dittatura degli spettatori esiste da molto tempo e deve essere rimossa.
IA: Non proponi di rimuovere questa dittatura con l'arte per il bene dell'arte e delle forme autonome di espressione di sé?
AVANTI CRISTO: NO. In primo luogo, questa non è solo una concept art fine a se stessa Arte XIX secolo. Il contesto è diverso, un'altra forma di relazione tra questi oggetti. In generale, questa idea non riguarda tanto l'arte autonoma, ma una certa politica di relazioni che si stabilisce oggi tra le persone, tra gli oggetti, tra qualsiasi cosa. Questa politica non viene attuata direttamente, ma tramite intermediari. Comunichiamo in modo interpassivo, non attivo. Oggi la gente non si tiene più per mano e non va in piazza. Oggi ci sono altri metodi di risposta politica. Oggi puoi essere apolitico, e sarà una dichiarazione politica.
IA: Ma questa dichiarazione politica favorisce lo status quo. Non si può negare che ora è vantaggioso per le autorità mettere le persone in isolamento.
AVANTI CRISTO: NO. È vantaggioso appendere alla barra orizzontale e guardare l'arte pubblica. Cosa ha causato la crisi del 2008? Perché le persone semplicemente non potevano pagare i loro prestiti. Sono stanchi. Il capitalismo non ha tenuto conto di questo momento in cui le persone possono semplicemente bloccarsi.
EI: Ma allo stesso tempo, le opere in mostra indicano che sono state prodotte, che per questo sono stati spesi sforzi e denaro. Anche il video non lo è filmato trovato o documentari grezzi, che richiedono un minimo di costi e possono essere creati da soli. No, i video in mostra mostrano che il processo della loro produzione era costoso e richiedeva il coinvolgimento di un team. Se si tratta di oggetti, spesso vengono realizzati con il coinvolgimento di nuove tecnologie o realizzati con abilità. Cioè, la fatica e la passività di cui parla la mostra nel suo insieme contraddice il modo in cui vengono prodotte, contraddice, appunto, le strategie artistiche dei partecipanti.
AVANTI CRISTO: Nel caso di questa mostra, non si tratta di persone in generale. Le opere producono un effetto, ma non richiedono alcuna azione.
EI: Quindi gli artisti che creano attivamente lavoro e promuovono se stessi producono un lavoro che ci dice di essere passivi? L'altro giorno ho ricevuto una lettera da una donna PR di uno degli espositori dalla Russia con la richiesta di scrivere su di lei aroundart o fare un'intervista, perché è bella, giovane e uno dei pochi artisti russi che sono stati portati al progetto principale. Tale strategia - farsi conoscere e vendere - è contraria alla passività di cui stiamo parlando.
IA: Non capisco la reazione di Boris, che non vede questo come una contraddizione. Siamo abituati a criticare una posizione quando lo stimolo per il lavoro dell'artista è suo carriera. Siamo abituati a criticare la corruzione della scelta.
AVANTI CRISTO: Di quale corruzione della scelta parli quando si tratta di una mostra curatoriale?
IA: Lo vedo perché molte delle opere in mostra sono molto primitive e di scarsa qualità. Inoltre non riesco a spiegare la scelta di alcuni artisti russi nient'altro se non il fatto che sono stati letteralmente spinti fino a Samman.
EI: E come valuti in generale la scelta degli artisti russi? Da un lato vediamo artisti stranieri, che sono più o meno conosciuti, che collaborano con gallerie, dall'altro - russi, metà dei quali non sappiamo nemmeno.
IA: Ho due sensazioni su questa scelta. Da un lato, ho imparato alcuni nuovi nomi che mi sono sembrati molto interessanti, che terrò d'occhio. Molte opere sono potenti: un video estremamente appropriato e memorabile con un subacqueo Pyotr Davydchenko, i modelli sopra menzionati sulle finestre di Daria Koltsova, "Balloons" di Daria Pravda, un muro semplice ma accurato "Non una parola sulla guerra" di Natasha Tichonova. D'altra parte, ci sono alcune opere completamente strane, la cui scelta mi è sembrata semplicemente corrotta: ogni sorta di borscht, collage e odiatori di concetti. Non riesco a immaginare che il curatore abbia attratto queste opere di sua spontanea volontà.
AVANTI CRISTO: Considero questa scelta eccellente! È fantastico che ce ne siano così tanti artisti sconosciuti. E non sono d'accordo con le parole di Vanya secondo cui si tratta di corruzione. Samman ha scelto gli artisti su richiesta. E la situazione ideale, quando il curatore ha una visione d'insieme di tutto in generale, è semplicemente impossibile. Questa è una visione utopica. Inoltre, non vedo nulla di sbagliato nelle persone impegnate professionalmente nella loro promozione e nell'assunzione di addetti alle pubbliche relazioni.
Sul lavoro. Non ho visto tanto lavori brutti quanto una certa struttura: la mostra ha opere centrali, ben strutturate e ci sono opere di seconda fila, fatte nemmeno da artisti, ma da designer. A quanto pare, hanno esaminato l'applicazione. Ma questi lavori non sembrano terribili. Ogni opera gioca il proprio ruolo nell'idea generale.
EI: Quali opere ritieni siano le più importanti?
AVANTI CRISTO: Ad esempio, con il subacqueo Peter Davydchenko. Molteplici riflessioni, paranoia. Si tuffa costantemente in questo fango, come una fogna che fa il lavoro di Sisifo. Questo lavoro riecheggia la sala degli specchi. Ricordo le bandiere degli stati falliti di Andrew Renville, "Balloons". Anche Felix Kissling. Non posso dire che questo sia un lavoro incredibile, ma è fatto su misura in modo molto preciso.
IA: Oltre alle opere intitolate Boreas, noterò "Jericho" di Lee Nevo, "Military Halls" di Katarina Grutsay. Lavora con il materiale - di Ekaterina Burlyga o di Revital Cohen e Thor van Balen. Il video di Eli Maria Lundgor "A Hundred Explanations of the Same" mi sembra uno di quelli centrali per una biennale con questo nome. Bandiere, ovviamente; Li chiamerò anche una seconda volta! Questa è una delle poche opere che dovevano essere esposte proprio qui, a Mosca, e proprio ora. E l'"Anti-Sole" che hai citato è proprio il selfie che dovrebbe esserci ad ogni biennale!
AVANTI CRISTO: Questo è buono! I selfie sono un fenomeno molto importante che parla di solitudine. Ricorda il lavoro di Bruce Nauman quadrato di depressione? Naumann fece una tale busta, andando in profondità, e la chiamò l'abisso della disperazione. Ma i pattinatori hanno iniziato a usarlo come rampa e hanno iniziato a scattare selfie lì. Scatta un selfie nell'abisso della disperazione! Scatti selfie perché sei rinchiuso in un mondo di auto-valorizzazione. Così è qui: fai un selfie sullo sfondo di un abisso nero.
OD: Non capisco davvero la critica dell'arte come industria nel contesto di un grande evento internazionale. Cos'altro puoi aspettarti da lui? Perché ci infastidisce così tanto che un artista abbia un PR?
EI: L'industria deve essere criticata proprio nell'ambito della Biennale. Il nostro sistema è organizzato in modo tale che nell'ambito della Biennale si svolga una raffica di eventi: tutti vogliono entrare nel catalogo della Biennale. Di per sé, questo non è male, se questo sistema ha funzionato senza problemi. Ma dopotutto, su quali eventi sono ancora scelti per il programma parallelo, i loro organizzatori lo scoprono quasi prima dell'apertura e iniziano freneticamente a prepararli, anche se altre volte avrebbero potuto farli meglio e in modo più ponderato, anche se senza questo segno di partecipazione a il programma speciale della Biennale. La galleria "Triumph" inizia a collaborare con un nuovo parco d'arte presso un complesso residenziale in costruzione.
IA: A Donstroj.
EI: E così scopriremo da dove arriveranno i soldi per la Biennale di Arte Contemporanea di Mosca.
OD: In un briefing sul suo futuro, hanno detto chiaramente che molto probabilmente non avrebbe avuto soldi dal bilancio statale nel prossimo futuro.
EI: Bene, abbiamo iniziato a cercare sponsor.
IA: La Biennale è una scusa per i funzionari per sborsare, per esibirsi sotto una certa etichetta radicata nell'arte stessa. La Biennale è un genere di mega-mostra, che, ovviamente, serve a determinati scopi. Ma un tale evento ha buone qualità che giacciono nel campo degli esperimenti, temporalità e fragilità delle opere (la loro diversa temporalità), dialogo con il contesto locale. La domanda è: dovremmo cercare di sbarazzarcene e trasformare la Biennale in un'altra rassegna di opere autonome. O viceversa: dobbiamo conservarli e trasformarli in un canone biennale. Si tratta di due posizioni completamente diverse, ma reciprocamente vulnerabili.
Il 12 maggio 2017, presso l'Università Ca' Foscari di Venezia, Ekaterina Kibovskaya, commissario della 6a Biennale Internazionale d'Arte Giovane di Mosca, ha presentato il curatore del progetto principale della biennale, che si terrà a Mosca nell'estate 2018 Lucrezia Calabro Visconti, una giovane curatrice indipendente italiana, ne è diventata la curatrice.
Il tema per la Biennale 2018 proposto da Lucrezia Calabro Visconti è "Abracadabra".
Lucrezia Calabro Visconti, curatore del progetto principale:
“La Moscow International Biennale for Young Art è nota per la sua capacità di aprire nuovi orizzonti e prospettive per il mondo dell'arte. Sono grato agli organizzatori per la loro fiducia e per l'opportunità di realizzare la mostra nel contesto stimolante di Mosca. Il progetto principale della Biennale “Abracadabra” sarà dedicato alla vita moderna, in cui i confini tra privato, professionale e sfere pubbliche. Il nome "Abracadabra" è un riferimento ad un antico incantesimo e all'omonima hit disco di Steve Miller, in voga negli anni Ottanta. Descriverei il progetto come una metafora della pista da ballo, dove i partecipanti si divertono e seguono determinate regole, interagendo nei modi più inaspettati. Ecco perché, nella scelta degli artisti, darò la preferenza a coloro che lavorano con pratiche performative, video e suono”.
Ekaterina Kibovskaya, Commissario della Biennale:
“La Moscow International Biennale for Young Art non è solo il progetto principale, che il prossimo anno sarà curato da Lucrezia Calabro Visconti, ma anche progetti strategici, speciali, paralleli e programmi educativi. Nel 2016 si sono tenute a Mosca più di 60 mostre nell'ambito della Biennale, alcuni progetti sono stati aperti a Ekaterinburg e Nizhny Novgorod. Questo è molto, ma sono sicuro che nel 2018 saremo in grado di attirare ospiti stranieri nella nostra grande festa internazionale Di più più artisti, curatori e istituzioni delle regioni della Russia. Allargherà sicuramente i nostri orizzonti”.
Vasily Tsereteli, Direttore Esecutivo del Museo di Arte Moderna di Mosca (MMOMA): “La Biennale Internazionale di Arte Giovane di Mosca è una delle biennali più giovani al mondo, ma ha già un'esperienza impressionante e risultati di cui essere orgogliosa. È un grande onore per noi, ROSIZO e MMOMA, gli organizzatori di questa iniziativa culturale, annunciare il curatore e il tema della nostra biennale tra le mura dell'Università Ca' Foscari. E mi auguro che tra qualche anno gli artisti che partecipano alla Young Art Biennale possano prendere parte alla Biennale di Venezia”.
Nell'autunno 2017 sul sito www.youngart.ru inizierà ad accettare candidature di artisti e curatori di età inferiore ai 35 anni per partecipare al progetto principale e strategico della Biennale.
Biennale Internazionale di Mosca per l'Arte Giovane
- uno dei progetti più ambiziosi nel campo dell'arte contemporanea in Russia - è in corso dal 2008. I compiti della Biennale sono scoprire nuovi nomi, sostenere e stimolare le iniziative creative di artisti e curatori di una nuova generazione, creare le condizioni per la loro espressione pubblica e, di conseguenza, sviluppare l'ambiente dell'arte contemporanea.
Lucrezia Calabro Visconti
(Lucrezia Calabrò Visconti, n. 1990, Torino) - curatrice indipendente, co-fondatrice del progetto di ricerca no-profit CLOG. Laureato in Arti Visive e dello Spettacolo presso l'Istituto di Architettura di Venezia. Laurea Magistrale in Filosofia presso l'Università Ca' Foscari (Venezia) Ha partecipato al programma curatoriale CAMPO12 della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, si è formata nell'ambito del programma "Curatorial" presso Artists Space (New York) Sta studiando nell'ambito del programma curatoriale del De Appel Center (Amsterdam).In qualità di assistente e coordinatrice, ha preso parte ai lavori sui progetti Tuttovero al Castello di Rivoli (Torino) (a cura di Francesco Bonami) e Shit and Die a Palazzo Cavour (Torino) (a cura di di Maurizio Cattelan, Miriam Ben Salah e Marta Papini) Ha collaborato con le riviste TOILETPAPER e Le Dictateur Autore di articoli su varie pubblicazioni d'arte, ideatore di progetti online Curatorshit, shitndie e Ketchup Drool Tra i recenti progetti curatoriali di Lucrezia ricordiamo "Perché tutti sono così carini?" (Why Is Everybody Being So Nice, 2017, De Appel, Amsterdam), Good Luck, See You After the Revolution (2017, UvA, Amsterdam) e Dear Betty: Run Fast, Bite Hard (Dear Betty: Run Fast Bite Hard!, 2016, Galleria d'Arte Contemporanea e Contemporanea, Bergamo).
Artisti da tutto il mondo sono venuti nella capitale russa
Dall'8 giugno al 31 luglio si terrà nella capitale la sesta Biennale Internazionale di Arte Giovane di Mosca. Più di 50 giovani artisti provenienti da tutto il mondo presenteranno le loro opere, i vincitori del concorso aperto. L'età dei partecipanti e dei curatori è fino a 35 anni inclusi.
L'unica biennale al mondo, a cui prendono parte solo giovani artisti, coprirà più sedi contemporaneamente: il quartiere degli affari Rassvet su Krasnaya Presnya, il Museo di arte moderna di Mosca (MMOMA), il Centro nazionale per l'arte contemporanea nell'ambito di ROSIZO , il Museo AZ e un'area speciale a TSUM. Lo spazio totale dei progetti biennali è di dimensioni paragonabili alla Piazza Rossa. Ci sono 5 blocchi nel programma: il progetto principale, progetti strategici, progetti speciali, programmi paralleli ed educativi. In appena un mese e mezzo si svolgeranno 55 eventi.
Il compito della Biennale è mostrare lavoro attuale giovani artisti di talento. Tra loro, infatti, ci sono quelli che tra 20-30 anni diventeranno noti in tutto il mondo, le cui opere adorneranno le collezioni dei migliori musei, - afferma Ekaterina Kibovskaya, Commissario della Biennale. - Spesso non ci rendiamo conto che molte delle opere d'arte riconosciute sono state create da giovani. Vereshchagin ha scritto "The Apotheosis of War" all'età di 29 anni, "The Girl on the Ball" di Picasso - a 24, Duchamp ha scioccato il mondo con "Fountain" a 30.
Il progetto principale della Biennale sarà la mostra Abracadabra. Su 1.500 candidature, la curatrice del progetto Lucrezia Calabro Visconti (Italia) ha scelto 58 opere e le ha combinate tema comune, riferendosi contemporaneamente a un antico incantesimo magico e al successo delle discoteche sovietiche - la canzone "Abracadabra" di Steve Miller.
Il concorso aperto di questa biennale mi ha dato un'opportunità unica di esplorare le pratiche di giovani artisti provenienti da tutto il mondo. Lo stesso processo di selezione degli artisti per il progetto Abracadabra è stato molto entusiasmante, afferma Lucrezia Calabro Visconti. - "Abracadabra" ha molti significati, è una delle parole più universali che suona allo stesso modo in molte lingue. La storia delle discoteche sovietiche, dove suonava "Abracadabra" di Steve Miller, e diventarono pratiche esoteriche Punto di partenza per una narrazione che tocca una varietà di argomenti: scioperi, metabolismo, ipocondria, attenzione, intimità, sonno, understatement.
Abracadabra si svolgerà nel quartiere Rassvet a Krasnaya Presnya. Rassvet si distingue per un'atmosfera creativa unica creata da vecchia architettura abbinato a moderne soluzioni di design. Il complesso unisce ex edifici fabbrica di mobili "Mur e Maryliz", che forniva merci per la corte imperiale. Ora questi edifici vengono ricostruiti utilizzando tecnologie ingegneristiche avanzate e preservando attentamente l'aspetto architettonico.
Dopo aver ispezionato il progetto principale, vale la pena fermarsi alla mostra Thank You, Please Excuse presso il National Center for Contemporary Art come parte di ROSIZO. "Grazie, scusami, sono tre" parole magiche- afferma il curatore della mostra Zhenya Chaika. Si è offerta propria visione temi: una casa, una casa qualunque con i suoi problemi, le conversazioni, i fruscii e la quotidianità. Gioco con emozioni. L'esposizione ricrea lo spazio della casa, che, come in ogni casa, ha una camera da letto, un soggiorno, una cucina, un corridoio, una soffitta. Muovendosi in cerchio, lo spettatore deve determinare autonomamente il punto di partenza, basandosi sui propri sentimenti e intuito.
Seguendo la logica della casa, salirà al secondo piano, il secondo ordine condizionale del letto, dove puoi letteralmente leggere i sogni. In mostra, lo spettatore è invitato a leggere i sogni di altre persone ea scrivere i propri, offrendoli per la lettura. Tutto nell'esposizione assume le azioni indipendenti del visitatore: anche le spiegazioni esistono nel formato Print-on-demand - print-on-demand; lo spettatore leggerà la spiegazione del testo solo se ne ha davvero bisogno.
Ekaterina Kibovskaya.
All'esperienza di crisi dell'età in mondo moderno e la comprensione di questo fenomeno in russo arte XX-XXI secoli. Si compone di due parti autosufficienti e allo stesso tempo complementari, che vengono presentate in sedi diverse: al Centro Educativo MMOMA e al Museo AZ.
Al MMOMA l'esposizione, che strutturalmente gioca sul topos classico delle "tre età", si baserà su opere della collezione del museo, oltre che su progetti di alcuni artisti invitati nuove generazioni. Verranno toccati entrambi i temi socio-psicologici più generali: il culto della giovinezza, l'industria della bellezza, la frustrazione della crescita e dell'invecchiamento, l'età e gli aspetti legati all'età creatività artistica, il formato di "arte giovane".
A sua volta, tre installazioni saranno realizzate per il Museo AZ, che sarà collocato in aree inaspettate e segrete: nel cortile e sulla facciata posteriore dell'edificio del museo, in spazio virtuale"Realtà aumentata".
La mostra personale di Alexander Shchurenkov "Zugzwang" nella Fragment Gallery si distingue dal programma parallelo della Biennale. pratica artistica l'autore si basa sullo studio dei processi psicologici associati all'autoconoscenza, all'autodeterminazione, all'autocomprensione e, in definitiva, all'autoidentificazione di una persona. L'artista è principalmente interessato alla dipendenza di questi processi da una vasta gamma di trappole della vita, la cui natura contraddittoria, l'interazione con la visione, la conoscenza, il tempo, la fissazione delle informazioni, l'oblio, così come il cambiamento subconscio, rivela nelle sue opere .
Il materiale principale per Shchurenkov sono oggetti, oggetti e fenomeni quotidiani. Vita di ogni giorno, che sono segni che hanno fissato un cambiamento nell'essere, rendendo presente l'assente, cioè correlato simultaneamente al passato, al presente e al futuro.
Lucrezia Visconti. Foto: Nikolaj Zverkov.
L'esposizione della mostra si basa sull'evoluzione della comprensione della memoria come categoria filosofica - dalla sua percezione platonica come "impronta sulla cera" fisica, all'interpretazione della memoria come traccia, che, secondo Jacques Derrida, significa "tracciamento iniziale e cancellazione". Le tracce indicano ciò che era - secondo Martin Heidegger, appartengono alla categoria che chiama "Das Dagewesene", cioè "essere non più esistente", che "non è passato, ma era qui". Le impronte sono anche segni che senza alcuna intenzione sono diventati tali, Mark Block li chiama "testimoni inconsapevoli".
La stagione espositiva estiva a Mosca è iniziata con l'apertura della Biennale Internazionale dell'Arte Giovane. Tradizionalmente, le biennali - mostre che si svolgono ogni due anni - sono state create come luoghi per mostrare l'arte contemporanea e scambiare esperienze internazionali tra curatori e artisti. L'età dei partecipanti alla Biennale di Mosca non deve superare i 35 anni, il suo obiettivo è consentire a giovani artisti e curatori di entrare in un ambiente artistico professionale.
Il tema del progetto principale della Biennale di quest'anno è "Abracadabra", una parola universale conosciuta in tutte le lingue come un incantesimo, una descrizione di una totale assurdità o il titolo di un successo di Steve Miller degli anni '80. Ora dovrebbe unire l'arte di oltre 60 artisti provenienti da tutto il mondo (nove di loro sono russi). Secondo la curatrice Lucrezia Calabro Visconti, ora solo queste sciocchezze, comprensibili a tutti, in cui è diventata la nostra vita, possono diventare argomento per unire paesi diversi. Perché - lo dirà la mostra.
Oltre al progetto principale, la Biennale ha un ampio programma parallelo, strategico ed educativo. Sebbene abracadabra sia solo il tema del progetto principale, tutti sollevano domande generali su come possiamo vivere insieme in un mondo in cui tutto è stato capovolto, cosa aspettarci dal futuro, dal presente e da noi stessi. Il Village ha selezionato sette delle mostre più interessanti dei programmi principali e paralleli, oltre a progetti strategici che si possono vedere a Mosca fino alla fine dell'estate.
Maria Evdokimova
Progetto principale - "Abracadabra"
Dove: Quartiere Rassvet su Krasnaya Presnya
Stolyarny per., 3, edificio. 1
Il progetto principale, realizzato sotto la guida della giovane curatrice italiana Lucrezia Calabro Visconti, si trova in uno spazio presumibilmente creato appositamente per lui: l'ex fabbrica del quartiere Rassvet. Lo stabilimento, precedentemente chiuso ai visitatori, ha conservato non solo l'atmosfera industriale con luci soffuse e una buona acustica, ma anche un'insolita suddivisione in zone: vi sono sia grandi stanze aperte e piccole stanze, ognuna delle quali ha un solo lavoro video: ce ne sono molte e ti consigliamo di guardarle tutte, soprattutto perché nulla in queste piccole stanze interferirà con l'immersione.
Il tema del progetto principale era la parola "Abracadabra" - un antico incantesimo, che qui è diventato simbolo di un fenomeno inspiegabile e intraducibile, ma comprensibile a tutti. Non essendo stato fissato nessun altro quadro tematico, l'esposizione ha incluso opere molto diverse: in uno spazio, artisti provenienti da Russia, Europa, Stati Uniti e Asia, a modo loro, parlano dell'“abracadabra” della modernità, in cui il confine tra opera e l'intrattenimento è da tempo cancellato, privato e pubblico, la vita online e offline. Abracadabra è sia il mondo in cui viviamo sia un incantesimo che trasforma la realtà - qualcosa che l'arte sta cercando di fare.
A cosa prestare attenzione
Alcune delle opere possono (e devono) essere toccate: le sculture in marmo di Elena Artemenko sono chiamate tattili, e il tappeto-giardino dell'artista tedesco-americano David Bernstein può essere calpestato senza scarpe e ottenere una nuova esperienza tattile toccando diversi oggetti.
"Grazie, scusatemi"
Dove: NCCA, st. Zoologico, 13, edificio 2
Se puoi toccare con mano le mostre del progetto principale della Biennale, allora puoi vivere nello spazio della mostra curata da Zhenya Chaika: un soggiorno, una cucina, un corridoio, una camera da letto e persino una doccia: tutto è come in vita. È difficile capire cosa c'è che non va qui, perché in soggiorno puoi sederti a tavola, in camera da letto puoi sdraiarti sul letto, sederti al computer e guardare un video, camminare per l'appartamento in tondo mentre la mamma lava i piatti in cucina, e qualcuno sta facendo la doccia in bagno . Tutto cambia quando inizi a notare che le stoviglie non diminuiscono, il servizio di porcellana in soggiorno non è per il tè, e nella doccia, nonostante il rumore, non c'è acqua. Attraverso tale immagini semplici routine vita domestica gli artisti stanno cercando di parlare di un problema più serio e globale dell'ossessione e dell'incoscienza delle nostre azioni quotidiane. A poco a poco, l'automatismo inizia a svilupparsi nella comunicazione: molte emozioni (e più spesso la loro assenza) possono essere sostituite per abitudine con un adesivo / immagine, che non significa più nulla. In questo effetto di sostituzione che accade di continuo, puoi davvero essere d'accordo solo con le parole che abbiamo usato come magia fin dall'infanzia: “grazie”, “per favore”, “scusa”.
A cosa prestare attenzione
Sulla forma riuscita di presentare il testo - non è affatto sui muri. Invece, nello spazio sono posizionate stampanti con numeri, ognuna delle quali corrisponde al numero dell'opera: su di esse puoi stampare informazioni sull'opera che ti piace e sull'artista stesso. Così lo spettatore può scegliere da solo ciò di cui vuole saperne di più, pur non sentendo la pressione del testo dal muro, che (visto che è qui) deve essere letto. In definitiva, questo è un altro chiaro esempio di azione cosciente invece della solita lettura di tutto.
"אדם קדמון" / "Adam Kadmon"
Dove: GALLERIA CHI SONO, Stolyarny lane, 3/13
Una galleria poco conosciuta dall'altra parte della strada rispetto al progetto principale della Biennale ospita una mostra del fondatore della galleria, Jacob Yakubov, alias Adam Kadmon. Di tutti i progetti della Biennale, questo segue più chiaramente la sua idea principale, che si basa sul "Mito dell'uomo primordiale" (l'artista ha cambiato il suo nome in "Adam Kadmon" - tradotto dall'ebraico, "il primo uomo" ). Secondo il mito, ogni entità è un tutto, disintegrato in tanti piccoli oggetti. L'intera mostra è un'installazione totale di oggetti che potrebbero costituire la personalità della prima persona. Nonostante la base biblica, la mostra si è rivelata profonda e ironica allo stesso tempo: il pubblico viene accolto da una kippah ebraica delle dimensioni di un muro, e al locale Muro del Pianto si può porre una domanda e ottenere una risposta su un pezzo di carta, come da un biscotto della fortuna cinese.
A cosa prestare attenzione
L'installazione è immersiva, quasi tutte le opere richiedono la partecipazione dello spettatore. Tutti possono provare il ruolo di Adam Kadmon: sedersi sotto una balla e meditare, toccare gli elementi originali: terra, erba, ceci, lasciare una domanda nel Muro del Pianto e così via.
Esibizione del Young Girl Reading Group (Dorota Gaveda e Egle Kulbokaite), partecipanti al progetto "Revolutionary work in progress" presso MMOMA su Gogolevsky Boulevard
"Età perfetta"
Dove: Centro educativo MMOMA, Ermolaevsky per., 17
Il Centro Educativo MMOMA di recente apertura, oltre a una nuova biblioteca e area studio, ospita tre piani per mostre, alcune delle quali fanno parte del programma parallelo della biennale.
IN vita ordinaria il tema dell'età riguarda tutti, e nell'ambito della Biennale Giovani - l'unica mostra con un limite di età per i partecipanti - diventa particolarmente rilevante e doloroso per gli stessi artisti. In una società ossessionata dagli argomenti eterna giovinezza, bellezza e produttività, la paura di crescere e invecchiare si intensifica - quest'ultima è equiparata a una malattia a cui preferiscono non pensare. Sia i giovani artisti che coloro che hanno raggiunto i 35 anni e si trovano nel mezzo della strada stanno cercando di comprendere questa nevrosi sociale generale attraverso immagini di tre età - infanzia, maturità e vecchiaia - nel tentativo di rispondere alla domanda: cosa è l'età ideale?
A cosa prestare attenzione
Il progetto Ideal Age si svolge in due siti contemporaneamente. La seconda parte (più fantastica e poetica) si trova nel Museo AZ, sopra l'edificio di cui si libra il mitico uccello eternamente giovane Sirin - una scultura virtuale invisibile di Maxim Svishchev, che può essere visto come un Pokemon solo scaricando l'applicazione di lo stesso nome.
"Britanka COOP", "Incontro di classe", "L'affetto dell'osservatore"
Dove: Centro per l'arte contemporanea "Winzavod" (grande deposito di vini, laboratorio bianco).
4 ° Syromyatnichesky per., 1/8, edificio 6 e 8
Winzavod ospita diversi progetti speciali nell'ambito della Biennale. Si tratta di tre mostre di opere di studenti di Mosca istituzioni educative, programmi di insegnamento del moderno arte visiva: British Higher School of Design, Rodchenko School of Photography e (più recentemente) Higher School of Economics. Puoi visitare tutte le mostre contemporaneamente e confrontare gli approcci all'educazione all'arte contemporanea: il britannico ha preparato una mostra in tre parti sul rituale, il tempo e la teoria della relatività di Einstein; La Scuola Rodchenko, guidata dall'artista Sergey Bratkov, mostra i risultati di nove dei suoi workshop, e la mostra di debutto per HSE è una riflessione sul rapporto tra l'osservatore (spettatore) e l'osservato (oggetto d'arte).
A cosa prestare attenzione
Se vuoi ancora vedere il lavoro degli studenti Britanka, prima del 19 luglio dovresti andare alla galleria Electrozavod, dove si terranno mostra congiunta con l'artista Alexander Plyus, dedicata al tema di un uomo perso in un labirinto di tecnologie, popolare alla Biennale. Ciò è particolarmente vero nella galleria, dove non c'è connessione telefonica e Internet.
Il 9 settembre 2017 a Mosca, nel Nuovo Spazio del Teatro delle Nazioni, si è tenuto un colloquio pubblico tra la curatrice del progetto principale della 6a Biennale Internazionale di Mosca per la Giovane Arte, Lucrezia Calabro Visconti, e la curatrice del Nuovo Spazio del Teatro delle Nazioni, Vera Martynov.
Durante la conversazione è stato annunciato l'inizio dell'accettazione delle candidature di artisti e curatori per la partecipazione ai progetti principali e strategici6a Biennale Internazionale di Mosca per l'Arte Giovane.I partecipanti all'incontro hanno anche discusso il concetto del progetto principale della Biennale per l'arte giovane 2018, chiamato "Abracadabra", hanno parlato delle pratiche curatoriali e del lavoro in progetti interdisciplinari. Lucrezia Calabro Visconti ha parlato del ruolo che i giovani curatori svolgono oggi nei grandi progetti internazionali come la Biennale, del suo desiderio di lavorare con i contesti locali e dell'esperienza di lavorare con artista famoso Maurizio Cattelan.
Lucrezia Calabro Visconti, curatrice del progetto principale della Biennale:
« Nel 1999, William Mitchell, professore di architettura e pianificazione al Massachusetts Institute of Technology, formulò la teoria della "presence economy", che, in pochi ultimi decenni ha offuscato i confini tra professionale, privato e sfere sociali vita umana. Sempre più nel mondo, la merce più preziosa non sono le merci, ma l'informazione, la conoscenza e l'esperienza, creando modelli di un'economia distopica basata sul piacere. L'efficienza personale, la realizzazione ideale di tutte le possibilità dell'individuo e un bene stato d'animo emotivo sono diventati la valuta principale oggi e, nella nostra modalità operativa 24 ore su 24, 7 giorni su 7, è sempre più poco chiaro se scegliamo consapevolmente questo stile di vita o semplicemente non sappiamo più come agire in modo diverso. Come esercitare il diritto di possedere il proprio tempo? Quale poteri nascosti possiamo disegnare per resistere al burnout?
Alla parola "Abracadabra" erano già attribuite proprietà magiche in tempi antichi. Dicendo “Abracadabra!”, iniziamo il processo di trasformazione della realtà. Oggi questa parola imperativa porta molte associazioni, in parte dovute al fatto che la cultura pop se ne è appropriata (si pensi al successo disco di Steve Miller che ha fatto a pezzi la pista da ballo negli anni '80 negli anni '80). Il termine "Abracadabra!" lega ciò che cresce dentro cultura moderna attenzione alle pratiche esoteriche e segrete con suggestioni moderne e interesse per feste imprevedibili per tutta la notte, che prima erano una forma di protesta e un mezzo di fuga dalla realtà. I nostri onnipresenti transumanisti oggi rendono inaccettabile forme tradizionali protesta - ad esempio, uno sciopero come assenza. “Abracadabra” è alla ricerca di modi alternativi per interagire con lo spazio e il tempo in narrazioni che possano diventare una fonte energia potente. È la fantastica energia trasformativa di queste narrazioni secondarie e talvolta nascoste che costituisce il fulcro del progetto "Abracadabra", basato sulla carica della sottocultura della pista da ballo del passato come scena in cui vengono create nuove forme di interazione e nuove, inaspettate si acquisiscono esperienze. Pertanto, ci concentriamo su pratiche performative, video e ricerca interdisciplinare, e tra i partecipanti al progetto vorremmo vedere artisti che creano o rivelano nuove forme e possibilità del rapporto odierno con lo spazio e il tempo» .
Durante il suo primo viaggio in Russia, Lucrezia Calabro Visconti ha visitato la Fiera Cosmoscow, le mostre della Fondazione V-A-C al Museo di Arte Moderna di Mosca e la Biennale Industriale degli Urali. Lucretia ha anche incontrato più di 50 giovani artisti nell'ambito di una revisione del portfolio presso il Krasny Center di Mosca, ha visitato la scuola MMOMA Free Workshops e gli studi di artisti privati.
SELEZIONE DEI PARTECIPANTI
Dal 21 settembre al 20 novembre 2017Il sito www.youngart.ru accetta candidature di artisti di età non superiore a 35 anni per partecipare al progetto principale della Biennale.
I curatori di età non superiore ai 35 anni possono candidarsi con concetti per la partecipazione a due progetti strategici della Biennale, che si terranno in due sedi: il Centro Nazionale per l'Arte Contemporanea (NCCA) e il Museo di Arte Moderna di Mosca (MMOMA).
Illustrazioni e Materiali aggiuntivi per la stampa disponibile al link: https://goo.gl/IDPv3F
SUL PROGETTO
La Biennale Internazionale di Arte Giovane di Mosca è uno dei progetti di arte contemporanea più ambiziosi in Russia. Gli obiettivi della Biennale sono scoprire nuovi nomi, sostenere e stimolare le iniziative creative di artisti e curatori di una nuova generazione, creare le condizioni per la loro espressione pubblica e, di conseguenza, sviluppare l'ambiente dell'arte contemporanea. I partecipanti al progetto hanno avuto la possibilità di stabilire connessioni e stabilire un'interazione creativa con professionisti ambiente artistico. La Biennale offre uno spazio per mostrare le attuali strategie di una nuova generazione di artisti e curatori.
La Biennale internazionale di arte giovane di Mosca si tiene dal 2008. Il progetto è stato avviato dal festival annuale della giovane arte “Stop! Chi và?" (condotto dal National Center for Contemporary Art (NCCA) ogni anno dal 2002 al 2006 in collaborazione con la Free Workshops School of Contemporary Art del Moscow Museum of Modern Art (MMOMA)). Il progetto acquisito nuovo stato in connessione con il crescente interesse di giovani artisti, curatori e critici. Attraverso gli sforzi congiunti di NCCA e MMOMA, è stato sviluppato il concetto di Young Art Biennale. Se prima i curatori della Biennale erano noti specialisti internazionali scelti dagli organizzatori del progetto (Daria Pyrkina, Daria Kamyshnikova, Catherine Becker, David Elliott), indipendentemente dalla loro età, allora dal 2015 il curatore della Biennale, come i suoi partecipanti, è un rappresentante di una nuova generazione. I partner della Biennale sono istituzioni culturali interessate allo sviluppo dell'arte giovane.