"Giocatori di carte"

Autore

Paolo Cézanne

Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo

L'artista è nato nel sud della Francia nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Il vero successo gli arriva dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti chiamavano i viaggi da lui "un pellegrinaggio ad Aix".

130x97 cm
1895
prezzo
250 milioni di dollari
venduto nel 2012
all'asta privata

Il lavoro di Cezanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non provocano sconcerto nello spettatore. Cézanne ha combinato nella sua arte due principali tradizioni francesi: il classicismo e il romanticismo. Con l'aiuto della trama colorata, ha conferito alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.

Una serie di cinque dipinti "Giocatori di carte" fu scritta nel 1890-1895. La loro trama è la stessa: diverse persone giocano a poker con entusiasmo. Le opere differiscono solo per il numero di attori e per le dimensioni della tela.

Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (il Musée d'Orsay, il Metropolitan Museum of Art, la Barnes Foundation e il Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a poco tempo fa, era un ornamento della collezione privata del L'armatore miliardario greco George Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell'opera "gratuita" di Cezanne erano il mercante d'arte William Aquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che gli offrirono circa 220 milioni di dollari. Di conseguenza, il dipinto è andato alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni e nel febbraio 2012 è stato chiuso il più grande affare d'arte nella storia della pittura. Lo ha riferito a Vanity Fair la giornalista Alexandra Pierce. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.

Nel 2010 sono stati aperti in Qatar il Museo Arabo di Arte Moderna e il Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players è stata acquistata dallo sceicco per questo scopo.

Piùimmagine costosanel mondo

Proprietario
Sceicco Hamad
bin Khalifa al Thani

La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui sono state scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che hanno reso immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha registrato il più alto PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani ha preso il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia di sviluppo del Paese, creando un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro, e le donne hanno ottenuto il diritto di voto alle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto

Jack the Sprinkler - un tale soprannome è stato dato a Pollock dal pubblico americano per la sua speciale tecnica pittorica. L'artista ha abbandonato il pennello e il cavalletto e ha versato la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo intorno e dentro di essi. Fin da piccolo amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera "effusione".

122x244 cm
1948
prezzo
140 milioni di dollari
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's

Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. L'autore non ha chiamato a caso la sua arte "pittura d'azione". Con la sua mano leggera, è diventata la risorsa principale dell'America. Jackson Pollock ha mescolato vernice con sabbia, vetri rotti e ha scritto con un pezzo di cartone, una spatola, un coltello, una pala. L'artista era così popolare che negli anni '50 c'erano persino imitatori in URSS. Il dipinto "Numero 5" è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori di DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette da Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano ha infatti recentemente collezionato opere d'arte contemporanea. È improbabile che si sarebbe perso un "pesce grosso" come il "Numero 5" di Pollock.

3

"Donna III"

Autore

Willem de Kooning

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto

Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo una mostra personale dell'artista. I critici d'arte hanno apprezzato le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Per la maggior parte della sua vita ha sofferto di alcolismo, ma la gioia di creare nuova arte si fa sentire in ogni opera. De Kooning si distingue per l'impulsività della pittura, i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.

121x171 cm
1953
prezzo
137 milioni di dollari
venduto nel 2006
all'asta privata

Negli anni '50, nei dipinti di de Kooning compaiono donne con occhi vuoti, seni enormi e lineamenti brutti. "Woman III" è stata l'ultima opera di questa serie a partecipare all'asta.

Dagli anni '70 il dipinto è conservato nel Museo di arte moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, si è cercato di liberarsene. Nel 1994, l'opera è stata portata fuori dall'Iran e 12 anni dopo, il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che ha venduto "Numero 5" di Jackson Pollock) ha venduto il dipinto al milionario Stephen Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante che in un anno Geffen abbia iniziato a vendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore ha deciso di acquistare il Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di "Donna III" con il dipinto di Leonardo da Vinci "Dama con l'ermellino". Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore della pittura ha scorto la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona scarsamente tracciata che incorona la testa di una donna.

4

"Ritratto di AdeleBloch Bauer I"

Autore

Gustav Klimt

Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti e solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso la maggior parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo momento che Klimt sviluppò il suo stile. Davanti ai suoi dipinti, ogni spettatore si blocca: sotto i sottili tratti d'oro è chiaramente visibile l'erotismo franco.

138x136 cm
1907
prezzo
135 milioni di dollari
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's

Il destino del dipinto, che si chiama "La Gioconda austriaca", potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell'artista è diventato la causa del conflitto dell'intero stato e di una signora anziana.

Quindi, il "Ritratto di Adele Bloch-Bauer I" raffigura un'aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà fu quella di trasferire il dipinto alla Galleria di Stato austriaca. Tuttavia, Bloch annullò la donazione nel suo testamento ei nazisti espropriarono il dipinto. Successivamente, la galleria ha appena acquistato l'Adele d'oro, ma poi è apparsa l'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altman contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale la foto "è partita" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: sono stati negoziati prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai vinto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del processo aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer in favore di interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.

5

"Grido"

Autore

Edvard Munch

Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

Il primo dipinto di Munch, diventato famoso in tutto il mondo, "The Sick Girl" (esiste in cinque copie) è dedicato alla sorella dell'artista, morta di tubercolosi all'età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale provocò persino uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame deprimenti, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno "Scream".

73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto dentro 2012
sull'asta Sotheby's

Il nome completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come "il grido della natura"). Il volto di una persona o di un alieno esprime disperazione e panico: lo spettatore prova le stesse emozioni guardando l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista l'ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la vita.

Il dipinto è stato rubato due volte da diversi musei, ma è stato restituito. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'urlo è stato restaurato ed era pronto per essere nuovamente esposto al Munch Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato una fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue stampe-copie e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.

Per una trama, Munch ha scritto quattro versioni dell'opera: quella in una collezione privata è realizzata a pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente è stato Leon Black, che non ha risparmiato una cifra record per "Scream". Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art, del Lincoln Art Center e del Metropolitan Museum of Art. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti contemporanei e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"

Autore

Pablo Picasso

Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Di origine è spagnolo, ma nello spirito e nel luogo di residenza è un vero francese. Picasso ha aperto il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e vi trascorse la maggior parte della sua vita. Ecco perché c'è un doppio stress nel suo cognome. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'opinione che l'oggetto raffigurato sulla tela possa essere visto da un solo angolo.

130x162 cm
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Christie's

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha messo fine al vagabondaggio, si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato un eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi al mondo è stato creato quasi per caso, per un grande amore che, come sempre con Picasso, ebbe vita breve. Nel 1927 si interessa alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Segretamente dalla moglie, partì con la sua amante per una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto raffigurante Marie-Therese nell'immagine di Daphne. Il dipinto fu acquistato dal commerciante di New York Paul Rosenberg e venduto nel 1951 a Sidney F. Brody. I Brody hanno mostrato il dipinto al mondo solo una volta, e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. In sei decenni, il prezzo è aumentato di oltre 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo ha acquistato per $ 106,5 milioni. Nel 2011 si è tenuta in Gran Bretagna una “mostra di un dipinto”, dove ha visto la luce per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Il sesso e le feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire di persona", ha detto l'artista pop di culto, regista e uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, disegnato copertine di dischi e disegnato scarpe per I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti i simboli dell'America: la zuppa Campbell e la Coca-Cola, Presley e Monroe - che lo resero una leggenda.

358x208 cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata

Gli anni '60 di Warhol: la cosiddetta era della pop art in America. Nel 1962 lavora a Manhattan al Factory Studio, dove si riunisce tutta la bohémien di New York. I suoi rappresentanti più brillanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnica della serigrafia: più ripetizioni di un'immagine. Ha usato questo metodo anche durante la creazione di "Otto Elvis": allo spettatore sembra di vedere i fotogrammi di un film in cui la star prende vita. Tutto ciò che l'artista amava così tanto è qui: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.

Sono due i mercanti d'arte che oggi promuovono l'opera di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo nel 2008 ha speso 200 milioni di dollari per acquistare più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non furono loro, ma l'umile consulente d'arte francese Philippe Segalo che aiutò l'intenditore d'arte romano Annibale Berlinghieri a vendere gli Otto Elvis a un acquirente sconosciuto per la cifra record di Warhol di 100 milioni di dollari.

8

"Arancia,Rosso Giallo"

Autore

Marco Rothko

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto

Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, Lettonia), in una numerosa famiglia di un farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko ha studiato al dipartimento artistico della Yale University, ha ottenuto una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte hanno idolatrato l'artista ei musei lo hanno perseguitato per tutta la vita.

206x236 cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Christie's

I primi esperimenti artistici di Rothko erano di orientamento surrealista, ma nel tempo semplificò la trama in macchie di colore, privandole di ogni obiettività. All'inizio avevano tonalità luminose, e negli anni '60 erano piene di marrone, viola, che si ispessiva fino al nero al momento della morte dell'artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo il colore che si dissolve nell'aria, e niente di più. Ha raccomandato di guardare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore sia "trascinato" nel colore, come in un imbuto. Attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè arriva gradualmente la consapevolezza dell'infinito, la completa immersione in se stessi, il rilassamento, la purificazione. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (a volte si dice che sia curativo). L'artista ha detto: "Lo spettatore dovrebbe piangere guardandoli" - e ci sono stati davvero casi del genere. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale che ha avuto mentre lavorava all'immagine. Se sei riuscito a capirlo a un livello così sottile, non sorprenderti se queste opere di astrattismo vengono spesso confrontate dai critici con le icone.

L'opera "Orange, Red, Yellow" esprime l'essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo costo iniziale all'asta di Christie's a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto alla stima. Il nome del felice possessore del dipinto, come spesso accade, non è stato reso noto.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Bacon, omonimo completo e, per di più, lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando il padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confondono in tutta Europa. Anche durante la sua vita, le sue opere sono state esposte nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
86,2 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

Prestigiosi musei si sforzavano di possedere dipinti di Bacon, ma il primitivo pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher ha detto di lui: "L'uomo che dipinge questi quadri orribili".

Il periodo iniziale nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il dopoguerra. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò i principali capolavori. Prima della partecipazione all'asta di "Triptic, 1976", l'opera più costosa di Bacon era "Studio per un ritratto di Papa Innocenzo X" (52,7 milioni di dollari). Nel "Trittico, 1976" l'artista ha raffigurato la trama mitica della persecuzione di Oreste da parte delle furie. Certo, Oreste è Bacon stesso, e le furie sono i suoi tormenti. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, ne aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, e anche generoso in russo? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, in questo è stato notevolmente influenzato dalla sua ragazza Dasha Zhukova, che è diventata una gallerista alla moda nella Russia moderna. Secondo dati non ufficiali, l'imprenditore possiede opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori ai 100 milioni di dollari. Nel 2008 diventa proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste affermano che Roman Arkadievich è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Laghetto con ninfee"

Autore

Claude Monet

Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto come il fondatore dell'impressionismo, che ha "brevettato" questo metodo nelle sue tele. La prima opera significativa è stata il dipinto "Colazione sull'erba" (la versione originale dell'opera di Edouard Manet). In gioventù disegnava caricature e si dedicava alla pittura vera e propria durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aria aperta. A Parigi conduceva uno stile di vita bohémien e non lo lasciò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919
prezzo
80,5 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Christie's

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, era anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, adorava la fauna selvatica e i fiori. Nei suoi paesaggi lo stato di natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è esaltata da grandi tratti, da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nel dipinto del defunto Monet, un posto speciale è occupato dal tema dell'acqua e della vita in essa. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee da semi portati appositamente dal Giappone. Quando i loro fiori sbocciarono, iniziò a dipingere. La serie Water Lilies è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto in quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, della stagione e del tempo, la vista dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un attento lavoro, gli è arrivata una comprensione dell'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Parigi). La versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.

11

Falsa Stella T

Autore

Jasper John

Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Presidential Medal of Freedom, il più alto riconoscimento civile negli Stati Uniti.

137,2x170,8 cm
1959
prezzo
80 milioni di dollari
venduto nel 2006
all'asta privata

Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura in piena conformità con l'originale. Per le sue opere utilizzava oggetti semplici e comprensibili a tutti: una bottiglia di birra, una bandiera o mappe. Non c'è una composizione chiara nell'immagine False Start. L'artista sembra giocare con lo spettatore, firmando spesso “erroneamente” i colori nell'immagine, capovolgendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato da qualche altro metodo." Il suo dipinto più esplosivo e "insicuro", secondo i critici, è stato acquisito da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutinudosul divano"

Autore

Amedeo Modigliani

Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Modigliani era spesso malato fin dall'infanzia, durante un delirio febbrile, riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 partì per Parigi, dove fiorì la sua arte.

65x100 cm
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Sotheby's

Nel 1917 Modigliani conobbe la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e in seguito sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di Seated Nude on a Sofa nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto al prezzo massimo per Modigliani al momento. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in povertà, affetto da tubercolosi, e il giorno dopo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.

13

"Aquila su un pino"

Autore

Qi Baishi

Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile guohua

L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi a dipingere. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura della Cina gli ha conferito il titolo di "Grande Artista del Popolo Cinese", nel 1956 ha ricevuto il Premio Internazionale per la Pace.

10x26 cm
1946
prezzo
65,4 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Guardiano della Cina

Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione è diventato un professore e un eccezionale creatore della storia. Pablo Picasso ha detto di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché c'è Qi Baishi in Cina". La composizione "Aquila su un pino" è riconosciuta come l'opera più grande dell'artista. Oltre alla tela, comprende due cartigli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale è stato acquistato il prodotto è un record: 425,5 milioni di yuan. Solo il rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni di dollari.

14

"1949-A-#1"

Autore

Clifford ancora

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto

All'età di 20 anni visitò il Metropolitan Museum of Art di New York e ne rimase deluso. Successivamente, si è iscritto a un corso della lega artistica studentesca, ma se n'è andato 45 minuti dopo l'inizio della lezione - si è scoperto che "non era suo". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa riconoscimento

79x93 cm
1949
prezzo
61,7 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Tutte le sue opere, che sono più di 800 tele e 1600 opere su carta, sono ancora lasciate in eredità alla città americana, dove sarà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità e quattro opere furono messe all'asta per completarla. È improbabile che le opere di Still vengano mai più messe all'asta, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-No.1" è stato venduto per un importo record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto una vendita di un massimo di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematista"

Autore

Kazimir Malevich

Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo

Malevich ha studiato pittura alla Kyiv Art School, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere dipinti geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino "dominio").

71x88,5 cm
1916
prezzo
60 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

Il dipinto è stato conservato nel museo cittadino di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo ha ceduto. L'artista ha dipinto quest'opera nello stesso anno di The Manifesto of Suprematism, quindi Sotheby`s, anche prima dell'asta, ha annunciato che non sarebbe andata in una collezione privata per meno di $ 60 milioni. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. A proposito, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra "composizione suprematista" dal Museo MoMA per venderla a Phillips per 17 milioni di dollari.

16

"Bagnanti"

Autore

Paolo Gauguin

Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo

Fino all'età di sette anni l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la sua famiglia, ma i ricordi dell'infanzia lo hanno costantemente spinto a viaggiare. In Francia, ha iniziato a dipingere, era amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non si tagliò l'orecchio durante una lite.

93,4x60,4 cm
1902
prezzo
55 milioni di dollari
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's

Nel 1891, Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare i proventi per andare in profondità nell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui si può sentire la sottile connessione tra natura e uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era una tahitiana Tehura di 13 anni, il che non ha impedito all'artista di impegnarsi nella promiscuità. Dopo aver contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, Gauguin era angusto lì e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano" - fu allora che fu dipinto il dipinto "Bathers", uno dei più lussuosi del suo lavoro.

17

"Narcisi e una tovaglia blu e rosa"

Autore

Enrico Matisse

Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo

Nel 1889, Henri Matisse ebbe un attacco di appendicite. Quando si è ripreso dall'operazione, sua madre gli ha comprato dei colori. Prima, per noia, Matisse ha copiato cartoline colorate, poi - le opere di grandi pittori che ha visto al Louvre, e all'inizio del XX secolo ha inventato uno stile: il fauvismo.

65,2x81 cm
1911
prezzo
46,4 milioni di dollari
venduto nel 2009
sull'asta Christie's

Il dipinto "Narcisi e una tovaglia in blu e rosa" è appartenuto a Yves Saint Laurent per molto tempo. Dopo la morte del couturier, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta è stata il dipinto "Narcisi e una tovaglia in blu e rosa", dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della nota serie di dipinti su tovaglia, quest'opera è oggi l'unica che si trova in una collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

RoyLee

chtenstein

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949, il Liechtenstein ha conseguito il Master in Belle Arti. L'interesse per i fumetti e la capacità di essere ironici lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's

Una volta, la gomma da masticare è caduta nelle mani del Liechtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto sulla tela ed è diventato famoso. Questa trama della sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio, e non c'è meno bellezza in un involucro di gomma che in Monna Lisa. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, disegnato raster, utilizzato serigrafia e serigrafia. Il dipinto "La ragazza addormentata" è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Piet Mondrian

Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo

Il suo vero nome - Cornelis - l'artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg, ha fondato il movimento neoplastico. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.

27x127 cm
1944
prezzo
40 milioni di dollari
venduto nel 1998
sull'asta Sotheby's

Il più "musicale" degli artisti del Novecento si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e vi trascorse il resto della sua vita. Jazz e New York: ecco cosa lo ha ispirato di più! Dipinto "Vittoria. Boogie Woogie ne è il miglior esempio. I quadrati ordinati "marchiati" sono stati ottenuti attraverso l'uso del nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America, è stato chiamato "l'immigrato più famoso". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent produce i famosissimi abiti "Mondrian" con una stampa a quadri colorati di grandi dimensioni.

20

"Composizione n. 5"

Autore

BasilicoKandinsky

Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione cercò di collaborare con le autorità sovietiche, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui ed emigrò in Germania non senza difficoltà.

275x190 cm
1911
prezzo
40 milioni di dollari
venduto nel 2007
sull'asta Sotheby's

Kandinsky è stato uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come "arte degenerata" e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese, a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi dipinti “suonano” come fughe, motivo per cui molti sono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). "Composizione n. 5" è una delle opere chiave di questo genere: "La parola "composizione" mi suonava come una preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti seguaci, ha pianificato ciò che avrebbe raffigurato su un'enorme tela, come se scrivesse appunti.

21

"Studio di una donna in blu"

Autore

Fernand Leger

Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo

Leger ha ricevuto un'educazione architettonica e poi è stato studente alla School of Fine Arts di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologeta del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.

96,5x129,5 cm
1912-1913
prezzo
39,2 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

David Normann, presidente di Sotheby's International Impressionism and Modernism, ritiene che l'enorme somma pagata per The Lady in Blue sia del tutto giustificata. Il dipinto appartiene alla famosa collezione Leger (l'artista ha dipinto tre dipinti su una trama, l'ultimo dei quali è oggi in mani private. - Ed.), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente ignoto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst LudovicoKirchner

Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner divenne una persona di riferimento. Tuttavia, le autorità locali lo accusarono di adesione all '"arte degenerata", che colpì tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell'artista, che si suicidò nel 1938.

95x121 cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
sull'asta Christie's

Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, l'ansia dell'artista è particolarmente acuta: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziati e pericolosi. Era l'ultima opera della famosa serie, venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono brutalmente Kirchner: 639 delle sue opere furono sequestrate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.

23

"Riposoballerino"

Autore

Edgar Degas

Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di Degas come artista è iniziata con il fatto che ha lavorato come copista al Louvre. Sognava di diventare "famoso e sconosciuto", e alla fine ci è riuscito. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas ha continuato a frequentare mostre e aste.

64x59 cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Le scene della vita delle danzatrici sembrano essere sbirciate: le ragazze non posano per l'artista, ma semplicemente diventano parte dell'atmosfera colta dallo sguardo di Degas. Resting Dancer è stata venduta per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo è stata acquistata per 37 milioni di dollari: oggi è l'opera più costosa dell'artista mai messa all'asta. Degas prestava molta attenzione alle montature, le disegnava lui stesso e vietava di cambiarle. Mi chiedo quale cornice sia installata sul dipinto venduto?

24

"Pittura"

Autore

Juan Mirò

Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile spagnola, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937 fugge dal potere fascista a Parigi, dove vive in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro dipinge il dipinto "Aiuta la Spagna!", Attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's

Il secondo nome del dipinto è "Blue Star". L'artista lo scrisse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e derideva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume alla tela, coprendo l'opera con la spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma, avendo affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: un'astrazione surreale. La sua "Pittura" si riferisce al ciclo delle "immagini-sogni". Quattro acquirenti hanno combattuto per questo all'asta, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e "Painting" è diventato il dipinto più costoso dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein

Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocromatica

L'artista è nato in una famiglia di pittori, ma ha studiato le lingue orientali, la navigazione, il mestiere di doratore di cornici, il buddismo zen e molto altro. La sua personalità e le sue buffonate sfacciate erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's

La prima mostra di opere solide gialle, arancioni, rosa non ha suscitato interesse pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con blu oltremare mescolato a una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come "International Klein Blue". L'artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe di un corpo umano su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare la "Rosa Blu" ho usato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo

Lo stesso Sir Lawrence aggiunse al suo cognome il prefisso "alma" per comparire per primo nei cataloghi d'arte. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così richiesti che l'artista fu insignito del titolo di cavaliere.

213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti ha cercato di rappresentare nei minimi dettagli l'era dell'Impero Romano, per questo si è anche impegnato in scavi archeologici nella penisola appenninica, e nella sua casa londinese ha riprodotto gli interni storici di quegli anni. Le storie mitologiche sono diventate un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era molto richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu rapidamente dimenticato. Ora l'interesse sta rinascendo, come dimostra il costo del dipinto "Alla ricerca di Mosè", sette volte superiore alla stima di prevendita.

27

"Ritratto di un funzionario nudo addormentato"

Autore

LucianoFreud

Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa

L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud sono nella Wallace Collection di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto.

219,1x151,4 cm
1995
prezzo
33,6 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Christie's

Mentre gli artisti alla moda del XX secolo creavano "macchie di colore sul muro" positive e le vendevano a milioni, Freud dipingeva quadri estremamente naturalistici e li vendeva ancora di più. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che appassisce", ha detto. I critici ritengono che tutto questo sia "l'eredità" di Sigmund Freud. I dipinti sono stati così attivamente esposti e venduti con successo che gli esperti hanno avuto un dubbio: hanno proprietà ipnotiche? Venduto all'asta, "Ritratto di un funzionario nudo addormentato", secondo il Sun, è stato acquistato dall'intenditore di bellezza e miliardario Roman Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

Xuno grigio

Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferisce a Parigi ed entra nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, lavora anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Christie's

Gris, secondo le sue stesse parole, era impegnato in "un'architettura planare e colorata". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto accidentale, il che rende la creatività legata alla geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, sebbene nutrisse un grande rispetto per Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò persino la sua prima opera cubista, Omaggio a Picasso. Il dipinto "Violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la sua vita, Gris era conosciuto, favorito da critici e critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.

29

"RitrattoCampi di Eluard»

Autore

Salvador Dalì

Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo sono io", ha detto Dali quando è stato espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione per Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
prezzo
20,6 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Il dipinto "Ritratto di Paul Eluard" è stato dipinto proprio durante questa storica visita. "Ho sentito che mi era stato affidato il compito di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Il triangolo amoroso è esistito fino alla morte di Eluard, dopodiché è diventato il duetto Dali-Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Marco Chagall

Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia

Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, quando i nazisti presero il potere, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto di un console americano. Tornò in Francia solo nel 1948.

80x103 cm
1923
prezzo
14,85 milioni di dollari
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's

Il dipinto "Jubilee" è riconosciuto come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita piccolo-borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non ha disegnato le persone dalla natura, ma solo dalla memoria o dalla fantasia. Il dipinto "Giubileo" raffigura l'artista stesso con sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non è stato più oggetto di offerte. È interessante notare che il MoMA Museum of Modern Art di New York mantiene esattamente lo stesso, solo sotto il nome di "Birthday". A proposito, è stato scritto prima - nel 1915.

bozza preparata
Tatiana Palasova
valutazione compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn №13 (maggio-giugno 2013)

L'arte della pittura moderna sono opere create nel presente o nel recente passato. Passeranno un certo numero di anni e questi dipinti entreranno a far parte della storia. I dipinti realizzati nel periodo che va dagli anni '60 del secolo scorso ai giorni nostri riflettono diverse aree dell'arte contemporanea che possono essere classificate come postmodernismo. Ai tempi dell'Art Nouveau, il lavoro dei pittori era più ampiamente rappresentato e negli anni '70 del XX secolo si verificò un cambiamento nell'orientamento sociale dell'arte della pittura.

Arte vera e propria

Gli artisti della pittura moderna rappresentano, prima di tutto, le nuove tendenze nelle belle arti. Nella terminologia culturale esiste il concetto di "arte contemporanea", che è in qualche modo correlato al concetto di "pittura contemporanea". Per arte contemporanea, gli artisti spesso intendono innovazione, quando il pittore si rivolge a temi ultramoderni, indipendentemente dal loro orientamento. L'immagine può essere dipinta e raffigurare qualsiasi impresa industriale. Oppure sulla tela c'è un paesaggio paesaggistico con un campo di grano, prato, bosco, ma allo stesso tempo verrà sicuramente disegnata una mietitrebbia in lontananza. Lo stile della pittura moderna implica un orientamento sociale dell'immagine. Allo stesso tempo, i paesaggi di artisti contemporanei senza sfumature sociali sono valutati molto più in alto.

Scelta della direzione

Dalla fine degli anni '90, gli artisti contemporanei hanno abbandonato i temi della produzione e trasferito il loro lavoro nel mainstream della pura arte. Ci sono maestri di ritratti raffinati, scene di paesaggi, nature morte nello stile del disegno fiammingo. E gradualmente, nella pittura moderna, iniziò ad apparire un'arte genuina, per nulla inferiore ai dipinti creati da artisti eccezionali del XVIII e XIX secolo, e per certi versi addirittura superiore a loro. I maestri del pennello di oggi sono aiutati da una base tecnica sviluppata, un'abbondanza di nuovi strumenti che consentono loro di riflettere pienamente i loro piani su tela. Così, gli artisti della pittura contemporanea possono creare al meglio delle loro capacità. Certo, la qualità delle vernici o dei pennelli è importante nel processo di pittura, ma la cosa principale è comunque il talento.

espressionismo astratto

Gli artisti moderni aderiscono a metodi pittorici che consentono l'uso di tratti non geometrici applicati in gran numero su una tela di grandi dimensioni. Vengono utilizzati pennelli grandi, a volte pennelli. Tale pittura difficilmente può essere definita arte nel senso classico del termine, tuttavia l'astrazione è una continuazione del surrealismo, che apparve nel 1920 grazie alle idee di Andre Breton e trovò subito molti seguaci, come Salvator Dalì, Hans Hofmann, Adolf Gottlieb. Allo stesso tempo, gli artisti contemporanei comprendono l'espressionismo a modo loro. Oggi questo genere si differenzia dal suo predecessore per le dimensioni dei dipinti, che possono raggiungere i tre metri di lunghezza.

Pop Art

Il contrappeso all'astrattismo era la nuova avanguardia concettuale, che promuove valori estetici. Gli artisti moderni hanno iniziato a includere immagini di personaggi famosi come Mao Zedong o Marilyn Monroe nei loro dipinti. Questa arte era chiamata "pop art" - una tendenza popolare e generalmente riconosciuta nella pittura. La cultura di massa ha sostituito l'astrattismo e ha dato origine a un tipo speciale di estetica, che in modo colorato e spettacolare presentava al pubblico ciò che era sulla bocca di tutti, alcuni eventi recenti o immagini di personaggi famosi in diverse situazioni della vita.

I fondatori e seguaci della pop art furono Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealismo

L'arte moderna è poliedrica, spesso in essa appare una nuova direzione, che combina due o più tipi di belle arti. Il fotorealismo è diventato una tale forma di autoespressione dell'artista. Questa direzione nella pittura è apparsa negli Stati Uniti nel 1968. È stato inventato dall'artista d'avanguardia Louis Meisel e il genere è stato introdotto due anni dopo al Whitney Museum durante la mostra Twenty-Two Realists.

La pittura nello stile del fotorealismo è associata alla fotografia, il movimento dell'oggetto sembra essere congelato nel tempo. L'artista fotorealista raccoglie la sua immagine, che verrà catturata nella foto, con l'aiuto di fotografie. Da un negativo o da una diapositiva, l'immagine viene trasferita sulla tela mediante proiezione o utilizzando una griglia di scala. Quindi viene creata un'immagine completa utilizzando le tecnologie di pittura.

Il periodo di massimo splendore del fotorealismo arrivò a metà degli anni '70, poi ci fu un calo di popolarità e all'inizio degli anni '90 il genere fu ripreso di nuovo. I venerabili artisti hanno lavorato principalmente negli Stati Uniti, tra loro c'erano molti scultori che hanno anche creato le loro opere utilizzando la proiezione di immagini. I maestri più famosi della pittura basata sul fotorealismo sono Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artisti fotorealisti della generazione più giovane - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Artisti moderni della Russia

• Serge Fedulov (nato nel 1958), originario di Nevinnomyssk, territorio di Stavropol. Ha partecipato a numerose mostre in America Latina e in Europa. I suoi dipinti si distinguono per realismo e combinazioni di colori contrastanti.
• Mikhail Golubev (nato nel 1981), si è diplomato al corso d'arte della Scuola di pittura di Omsk. Attualmente vive in San Pietroburgo. Si distingue per un modo insolito di creatività, tutte le sue opere sono dipinti di riflessione con profonde sfumature filosofiche.
• Dmitry Annenkov (nato nel 1965) a Mosca. Diplomato allo Stroganov Art Institute. Popolare all'estero, ma preferisce le mostre russe. L'arte di Annenkov è realistica, l'artista è un maestro riconosciuto della natura morta.

impressionisti russi

• Alexei Chernigin, pittore impressionista russo (nato nel 1975), è il figlio del famoso pittore Alexander Chernigin. Ha studiato pittura e grafica alla scuola d'arte di Nizhny Novgorod. Laureato presso l'Istituto di architettura di Nizhny Novgorod con una laurea in Design nell'industria. Membro dell'Unione degli artisti della Russia dal 1998. Dal 2001 è docente presso NGASU presso il Dipartimento di Interior Design.
• Konstantin Lupanov, artista di Krasnodar (nato nel 1977). Laureato presso l'Accademia Industriale presso l'Università Statale di Cultura e Arti con una laurea in pittura monumentale. Partecipante a numerose mostre d'arte a e San Pietroburgo. Distinto da un raro stile di pittura a olio con tratti vorticosi. I dipinti di Lupanov sono completamente privi di combinazioni di colori contrastanti, le immagini sembrano fluire l'una nell'altra. L'artista stesso definisce le sue opere "una macchia allegra e irresponsabile", ma questa affermazione contiene una parte di civetteria: i dipinti sono in realtà scritti in modo abbastanza professionale.

Artisti russi che dipingono in stile nudo

• Sergei Marshennikov (nato nel 1971), uno dei più famosi artisti russi contemporanei. Laureato presso l'Ufa College of Arts. I suoi dipinti sono un esempio di palese realismo. Le opere danno l'impressione di una fotografia artistica, la composizione è così accurata e ogni tratto è verificato. La moglie del pittore Natalya funge più spesso da modella e questo lo aiuta a creare un'immagine sensuale.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (nata nel 1964), nipote del famoso cantante lirico Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Il rappresentante più brillante della moderna pittura russa. Disegna nello stile del soggetto nudo. Nella tavolozza creativa dell'artista puoi trovare bellezze dell'harem orientale e ragazze nude del villaggio sulla riva del fiume la notte della vacanza di Ivan Kupala, uno stabilimento balneare russo con donne calde che escono nella neve e nuotano nella buca. L'artista disegna molto e con talento.

Gli artisti russi contemporanei e il loro lavoro sono di crescente interesse per gli intenditori di belle arti di tutto il mondo.

La pittura moderna come arte mondiale

Oggi le arti visive hanno assunto forme diverse da quelle richieste nel XVIII e XIX secolo. Gli artisti moderni del mondo si sono rivolti all'avanguardia in un'interpretazione più ristretta, le tele hanno acquisito raffinatezza e sono diventate più significative. La società oggi ha bisogno di un'arte rinnovata, il bisogno si estende a tutti i tipi di creatività, compresa la pittura. I dipinti di artisti contemporanei, se realizzati a un livello sufficientemente alto, vengono acquistati, diventano oggetto di contrattazione o scambio. Alcune tele sono incluse negli elenchi di opere d'arte di particolare pregio. I dipinti del passato, dipinti da grandi pittori, sono ancora richiesti, ma gli artisti contemporanei stanno guadagnando sempre più popolarità. Olio, tempera, acquerello e altri colori li aiutano nella loro creatività e nell'attuazione di successo dei loro piani. I pittori, di regola, aderiscono a qualsiasi stile. Può essere paesaggio, ritratto, scene di battaglia o un altro genere. Di conseguenza, per il suo lavoro, l'artista sceglie un certo tipo di vernice.

Artisti contemporanei del mondo

Gli artisti moderni più famosi si differenziano per il modo di scrivere, il loro pennello è riconoscibile, a volte non serve nemmeno guardare la firma in fondo alla tela. Famosi maestri della pittura moderna: Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

) nelle sue opere espressive e ampie ha saputo conservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela, il dolce dondolio della nave sulle onde.

I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da loro.

Calda semplicità Valentina Gubareva

Artista primitivo di Minsk Valentin Gubarev non inseguendo la fama e facendo solo ciò che ama. Il suo lavoro è follemente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi compatrioti. A metà degli anni '90, il francese si innamorò dei suoi schizzi quotidiani e firmò un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo a noi, portatori del "fascino modesto del socialismo sottosviluppato", piacquero al pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di ritrattistica realistica. Le eroine dei suoi dipinti sono tenere e indifese nelle loro donne seminude. Molti dei dipinti più famosi raffigurano la musa e moglie dell'artista, Natalia.

Il mondo miope di Philip Barlow

Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è necessario un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare sagome sfocate e punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone che soffrono di miopia vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.

Sunny Bunnies di Laurent Parcelier

Il dipinto di Laurent Parcelier è un mondo fantastico in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai immagini cupe e piovose in lui. C'è molta luce, aria e colori vivaci sulle sue tele, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano tessuti da migliaia di raggi di sole.

Dinamiche urbane nelle opere di Jeremy Mann

Olio su pannelli di legno dell'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che deriva dalla contemplazione della quieta bellezza", afferma il artista.

Il mondo illusorio di Neil Simon

Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone (Neil Simone) tutto non è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo intorno a me è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono spazzati via e le storie confluiscono l'una nell'altra.

Il dramma amoroso di Giuseppe Lorasso

L'artista americano contemporaneo di origine italiana Joseph Lorusso trasferisce su tela scene che ha visto nella vita quotidiana della gente comune. Baci e abbracci, slanci appassionati, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.

La vita del villaggio di Dmitry Levin

Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è l'attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e di cui si sente parte.

Bright East Valery Blokhin

Nella foto è un dipinto del famoso artista italiano contemporaneo Aurelio Bruni. Vive e lavora in Umbria. L'artista dipinge nello stile dell'iperrealismo e del simbolismo, ha organizzato 25 mostre personali, ha partecipato a 53 mostre collettive, ha 10 diversi premi e riconoscimenti.

The Road to York via Sledmir è un dipinto del famoso artista britannico contemporaneo David Hockney. Il 21 giugno 2006, Hockney's Splash è stato venduto per 2,6 milioni di sterline. Il suo dipinto "Grand Canyon", composto da 60 piccoli dipinti combinati per riprodurre un enorme dipinto, è stato acquistato dalla National Gallery of Australia per 4,6 milioni di dollari. Il dipinto "Casalinga di Beverly Hills" è stato venduto per 7,9 milioni di dollari da Christie's, a New York.Nel 2016, il suo paesaggio "Waldgate Forest" è stato venduto da Sotheby's per 9,4 milioni di sterline.Questo prezzo è diventato un nuovo record per David Hockney.

Nella foto è un dipinto del famoso artista americano contemporaneo Warren Chang. Grazie alla magistrale trasmissione della luce e dei toni tenui, i suoi dipinti sembrano molto realistici, trasmettono perfettamente emozioni e stati d'animo. La maggior parte dei suoi dipinti raffigura persone impegnate nelle loro attività professionali o attività quotidiane. Dipinge anche quadri d'interni. Warren Chang ha molti titoli e premi diversi. Vive e lavora a Monterey, in California.

Il dipinto è un'astrazione del famoso artista tedesco moderno Gerhard Richter, che è uno degli artisti più ricchi del mondo. Il dipinto mostrato in questa foto è stato venduto a Londra da Sotheby's per 44,52 milioni di dollari (30,4 milioni).

Nella foto è un dipinto del famoso artista francese contemporaneo Martial Rice. Nel 1993 una sua opera fu acquistata dal miliardario Francois Pinault. Nel 2011, il dipinto di Rice "L'anno scorso a Capri" è stato venduto per 6,58 milioni di dollari all'asta di Christie's (al prezzo più alto tra tutte le opere vendute in precedenza da altri artisti francesi viventi) Nel 2013 è entrato nella Top 50 degli artisti viventi più costosi.

Dipinto del famoso artista canadese contemporaneo Albini Leblanc, maestro di paesaggi urbani in miniatura con una spatola. L'artista vive e lavora in Quebec. Il suo lavoro può essere visto nelle gallerie d'arte di Montreal, Toronto, Vancouver e Quebec. Albini Leblanc ha organizzato 15 mostre personali, ha partecipato a 7 mostre collettive, ha 8 diversi premi e riconoscimenti.

Nella foto è un dipinto del famoso artista giapponese contemporaneo Tomoko Kashiki. L'artista ha organizzato mostre personali a Singapore, Francia e Giappone, ha partecipato a mostre collettive in Cina, Stati Uniti, Australia, Giappone, Indonesia, Gran Bretagna, Emirati Arabi Uniti e Singapore. Il suo lavoro può essere visto in collezioni pubbliche presso la Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia; in una delle più grandi compagnie assicurative giapponesi - Dai-ichi Life Insurance Limited; al Museum of Old and New Art, Tasmania, Australia; nella collezione d'arte Toyota.

Dipinto "Coloring" del famoso artista ucraino contemporaneo Oleg Tistol. Questo dipinto è stato venduto da Phillips per $ 53.900. Secondo Forbes, Oleg Tistol è uno dei tre artisti di maggior successo in Ucraina. È nato a Vradievka, nella regione di Mykolaiv, vive e lavora a Kiev, è membro dell'Unione degli Artisti dell'Ucraina, ha partecipato a numerose mostre in Ucraina, Russia, Estonia, Polonia, Stati Uniti, Islanda, Slovenia, Paesi Bassi, Svizzera , Gran Bretagna, Danimarca, Brasile, Germania, Norvegia, Francia e Italia. Oleg Tistol ha partecipato alla biennale: nel 1994 - "17 settembre", la 22a Biennale di San Paolo; nel 2001 - "Il primo progetto ucraino", 49a Biennale di Venezia. I suoi dipinti sono in collezioni: al PinchukArtCentre, Kiev, Ucraina; nella collezione Norton Dodge, USA; allo Stedelijk Museum di Amsterdam, Paesi Bassi; alla Fondazione Christoph Merian Stiftung, a Basilea, Svizzera; presso il Ministero della Cultura della Turchia, ad Ankara; al Museo di Storia di Mosca, Russia.

Nella foto è raffigurato un dipinto del famoso artista polacco contemporaneo Wojciech Babski. L'artista vive e lavora a Katowice. È popolare non solo in Polonia, ma anche all'estero. Wojciech Babski ha ricevuto i seguenti premi: 1° posto nella nomination "The 2016 American Art Awards" nella categoria dei dipinti pop art; 1° posto nella nomination "The 2016 American Art Awards" nella categoria dei dipinti che commentano la politica; 3° posto nella nomination "The 2016 American Art Awards" nella categoria dei dipinti acrilici; 4° e 5° posto nella nomination "The 2016 American Art Awards" nella categoria espressionismo.

La foto mostra un dipinto della famosa artista bielorussa contemporanea Anna Silivonchik. L'artista è nata a Gomel, oggi vive e lavora a Minsk. Silivonchik Anna è membro dell'Unione bielorussa degli artisti, è stata insignita della medaglia "Talento e vocazione" dell'alleanza internazionale "Peacemaker", le sue opere si trovano nel Museo Nazionale della Repubblica di Bielorussia, nel Museo di Arte Moderna di Minsk, il Museum of Contemporary Russian Art di Jersey City (USA), finanzia Gomel Palace and Park Ensemble, Yelabuga State Museum-Reserve in Russia, collezioni private in Bielorussia, Russia, Francia, USA, Giappone, Israele, Italia, Germania e Polonia. Nel periodo dal 2001 al 2016, l'artista ha organizzato molte mostre personali in Bielorussia, Russia, Germania e Ucraina, e ha anche partecipato a mostre collettive in Bielorussia, Stati Uniti, Russia, Estonia, Ucraina, Lettonia, Repubblica Ceca, Polonia, Germania, Ungheria. , Paesi Bassi e Kazakistan.

Dipinto del famoso artista turco contemporaneo Gurbuz Dogan Ekshioglu. Il fumettista e artista grafico turco famoso in tutto il mondo, originario di Ordu, ha oltre 70 premi, di cui circa un terzo internazionali. Grbz Doan Ekiolu ha partecipato a numerose mostre collettive sia in Turchia che all'estero, ha tenuto più di 20 mostre personali, una delle quali si è tenuta a New York. Il suo lavoro è apparso su The Atlantic, The New York Times e ha abbellito le copertine delle riviste New Yorker e Forbes.

Dipinto del famoso artista egiziano contemporaneo Hossam Dirar. L'artista è nato, vive e lavora al Cairo. Hossam Dirar ha tenuto numerose mostre personali in paesi come Bahrain, Regno Unito, Slovacchia, Italia, Francia, Austria, Repubblica Ceca, Ungheria, Slovenia ed Egitto. Ha inoltre partecipato a mostre collettive in Germania, Egitto e Sud Africa.

La foto mostra un dipinto del famoso artista cinese contemporaneo Zeng Fanzhi "L'ultima cena". Questo dipinto nell'ottobre 2013 a Hong Kong da Sotheby's è stato venduto per 23,3 milioni di dollari USA, stabilendo un nuovo record per l'arte asiatica contemporanea.In precedenza, nel maggio 2008, quando la vendita di arte contemporanea asiatica si è tenuta a Hong Kong da Christie's per la prima tempo , il suo dipinto n. 6 della serie Mask è stato venduto per HK $ 75.367.500. Era il record mondiale di quell'anno per la vendita di valore tra tutti gli artisti.

Nella foto è un dipinto del famoso artista greco contemporaneo Nikos Giftakis. L'artista è nato, vive e lavora ad Atene. È molto popolare non solo in Grecia, ha organizzato mostre personali e ha partecipato a numerose mostre collettive in paesi come Svizzera, Cipro, Germania, Italia, Belgio, Svezia, Brasile, Russia e Grecia.

Dipinto del famoso artista georgiano contemporaneo David Popiashvili. L'artista è originario di Tbilisi, è membro dell'Unione degli artisti della Georgia, ha partecipato a mostre in Francia, Germania, Bulgaria, Russia e Georgia. Molte delle sue opere si trovano in musei e collezioni private in Georgia e all'estero.

Il dipinto è stato dipinto dal famoso artista contemporaneo degli Emirati Arabi Uniti Abdul Qader Al-Rais. L'artista è membro fondatore della Emirates Fine Arts Society ed è considerato uno dei pionieri dell'arte contemporanea negli Emirati. Il suo lavoro si trova nell'Emirates Palace (l'hotel presidenziale di Abu Dhabi), negli uffici governativi e nelle collezioni d'arte personali della famiglia reale a Dubai. L'artista ha partecipato a diverse mostre collettive, e ha anche organizzato mostre personali in diversi paesi (Repubblica Ceca, Libano, USA, Germania, Kuwait, Qatar, Oman, Arabia Saudita, Siria ed Emirati Arabi Uniti), ricevendo numerosi riconoscimenti.

La foto mostra un dipinto del famoso artista olandese contemporaneo Tjalf Sparnaay. L'artista è originario dei Paesi Bassi, vive e lavora nella città di Hilversum, ha organizzato 14 mostre personali e ha partecipato a numerose mostre collettive in diversi paesi (USA, Regno Unito, Belgio, Estonia, Germania, Canada, Austria e Paesi Bassi). Le sue opere sono in collezioni private e pubbliche in molti paesi.

Dipinto del famoso artista spagnolo contemporaneo Miguel Barcelo. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Principe delle Asturie per le Arti, uno dei premi più importanti in Spagna. Nel 2004 espone al Louvre gli acquerelli che ha creato per illustrare La Divina Commedia, diventando il primo artista contemporaneo vivente ad esporre al museo. L'artista è tra i primi 30 artisti più ricchi del mondo. I suoi dipinti sono costosi. Ad esempio, questo, la cui foto è presentata sopra, costa 244.398 USD.

Il dipinto è stato dipinto dal famoso artista svizzero contemporaneo Urs Fischer. L'artista zurighese è tra i primi 50 artisti più ricchi del mondo. È diventato famoso per il suo approccio provocatorio all'arte, ma ne obbedisce alle leggi; si oppone alla presentazione dell'arte come merce commerciale, sebbene venda le sue opere a caro prezzo, interagendo abilmente con il mercato dell'arte e con i collezionisti.

Nella foto è raffigurato un dipinto della famosa artista israeliana contemporanea Orna Ben-Shoshan. Vive e lavora nella città di Raanana, ha tenuto numerose mostre personali e partecipato a mostre collettive in paesi come USA, Italia, Gran Bretagna, Cipro, Francia e Israele. Guardando le opere dell'artista, rimarrai affascinato dal fantastico mondo in cui tutto è possibile. Approfittane per arricchire la tua immaginazione, espandere i tuoi orizzonti e incontrare un artista di talento in rapida crescita.

La foto ritrae un dipinto del famoso artista thailandese contemporaneo Direk Kingnock, acquarellista originario della cittadina di Nakhon Ratchasima. Ora vive e lavora nella città di Khon Kaen. Già all'età di 9 anni, Direk ha vinto la medaglia d'oro dell'International Children's Art Competition in Giappone. Ha partecipato a mostre in Vietnam, Cina, Turchia, Italia, Russia, Corea del Sud, Malesia, Grecia, Albania e Thailandia.

Dipinto del famoso artista norvegese contemporaneo Christer Karlstad. Vive e lavora a Drammen, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive negli USA, Svezia, Norvegia.

Nella foto è raffigurato un dipinto dell'artista contemporaneo danese Jan Esmann. L'artista è nato, vive e lavora in Danimarca, ha partecipato a mostre in paesi come: Germania, Stati Uniti, Danimarca.

Il dipinto è stato dipinto dal famoso artista svedese contemporaneo Nisse Nydej Ottenhag. L'artista, originario della cittadina di Lilla Edet, ha partecipato a numerose mostre in diversi paesi (USA, Francia, Monaco, Namibia e Svezia).

La foto mostra un dipinto della famosa artista australiana contemporanea Elizabeth Barsham. È nata, vive e lavora in Tasmania e ha molti riconoscimenti. Il suo lavoro si trova spesso sulle copertine di riviste o come illustrazioni per articoli. Se ne parla spesso anche sulla stampa. L'artista ha partecipato a un gran numero di mostre e ha organizzato mostre personali in diversi paesi (Regno Unito, Singapore, Italia, Australia).

L'arte è in continua evoluzione, così come tutto il mondo che ci circonda. Gli artisti moderni del 21 ° secolo ei loro dipinti non sono affatto come quelli che esistevano nel Medioevo, nel Rinascimento. Compaiono nuovi nomi, materiali, generi, modi di esprimere i talenti. In questa classifica faremo conoscenza con dieci artisti innovativi del nostro tempo.

10. Pedro Campos. Al decimo posto c'è lo spagnolo, il cui pennello può facilmente competere con la macchina fotografica, dipinge tele così realistiche. Per la maggior parte, crea nature morte, ma non sono tanto i temi dei suoi dipinti a suscitare un'incredibile ammirazione, quanto la magistrale incarnazione. Trame, bagliore, profondità, prospettiva, volume: tutto questo Pedro Campos ha subordinato il suo pennello, in modo che la realtà, e non la finzione, guardasse lo spettatore dalla tela. Senza abbellimento, senza romanticismo, solo realtà, questo è il significato del genere del fotorealismo. A proposito, l'artista ha acquisito la sua attenzione ai dettagli e scrupolosità nel lavoro di restauratore.

9. Riccardo Estes. Un altro ammiratore del genere del fotorealismo, Richard Estes, iniziò con la pittura ordinaria, ma in seguito passò alla pittura di paesaggi urbani. Gli artisti di oggi e le loro creazioni non hanno bisogno di adattarsi a nessuno, ed è fantastico, ognuno può esprimersi come vuole in ciò che vuole. Come nel caso di Pedro Campos, le opere di questo maestro possono essere facilmente confuse con le fotografie, tanto la città è simile a quella reale. Raramente vedi persone nei dipinti di Estes, ma quasi sempre ci sono riflessi, bagliori, linee parallele e una composizione perfetta e ideale. Pertanto, non si limita a copiare il paesaggio urbano, ma vi trova la perfezione e cerca di mostrarlo.

8.Kevin Sloan C'è un numero incredibile di artisti contemporanei del 21° secolo e dei loro dipinti, ma non tutti meritano attenzione. Ne vale la pena l'americano Kevin Sloan, perché le sue opere sembrano trasportare lo spettatore in un'altra dimensione, un mondo pieno di allegorie, significati nascosti, misteri metaforici. L'artista ama dipingere animali, perché, a suo avviso, ottiene più libertà in questo modo che con le persone per raccontare la storia. Sloane crea la sua "truck reality" con gli oli da quasi 40 anni. Molto spesso sulle tele compaiono degli orologi: li guardano o un elefante o un polpo, questa immagine può essere interpretata come il tempo che passa o come i limiti della vita. Ogni immagine di Sloan è fantastica, voglio svelare ciò che l'autore voleva trasmetterle.

7. Laurent Parcélier. Questo pittore appartiene a quegli artisti contemporanei del XXI secolo, i cui dipinti sono stati riconosciuti presto, anche durante i loro studi. Il talento di Laurent si è manifestato negli album pubblicati con il titolo generale "Strange World". Dipinge ad olio, il suo stile è leggero, gravita verso il realismo. Un tratto caratteristico delle opere dell'artista è l'abbondanza di luce che sembra provenire dalle tele. Di norma, raffigura paesaggi, alcuni luoghi riconoscibili. Tutte le opere sono insolitamente leggere e ariose, piene di sole, freschezza, respiro.

6. Jeremy Mann Un nativo di San Francisco amava la sua città, spesso raffigurata nei suoi dipinti. Gli artisti contemporanei del 21° secolo possono trarre ispirazione per i loro dipinti ovunque: sotto la pioggia, il marciapiede bagnato, le insegne al neon, le luci della città. Jeremy Mann infonde paesaggi semplici con atmosfera, storia, sperimentazione di tecniche e scelte cromatiche. Il materiale principale di Mann è il petrolio.

5. Hans Rudolf Giger. Al quinto posto c'è l'unico, unico Hans Giger, il creatore di Alien dell'omonimo film. Gli artisti di oggi e le loro opere sono diversi, ma ognuno è brillante a modo suo. Questo cupo svizzero non dipinge la natura e gli animali, preferisce la pittura "biomeccanica", in cui è riuscito. Alcuni paragonano l'artista a Bosch per l'oscurità, la fantasia delle sue tele. Sebbene i dipinti di Giger odorano di qualcosa di ultraterreno, pericoloso, non puoi rifiutarlo in tecnica, abilità: è attento ai dettagli, seleziona correttamente le sfumature, pensa a tutto nei minimi dettagli.

4. Sarà Barnet Questo artista ha il suo stile d'autore unico, quindi le sue opere sono prontamente accettate dai grandi musei del mondo: il Metropolitan Museum of Art, la National Gallery of Art, il British Museum, l'Ashmolean Museum, i Musei Vaticani. Gli artisti contemporanei del XXI secolo e le loro opere, per essere riconosciuti, devono in qualche modo distinguersi dal resto della massa. E Will Barnett può farlo. Le sue opere sono grafiche e contrastanti, raffigura spesso gatti, uccelli, donne. A prima vista, i dipinti di Barnett sono semplici, ma dopo un ulteriore esame, ti rendi conto che questa semplicità è proprio il loro genio.

3. Neil Simone. Questo è uno degli artisti contemporanei del 21 ° secolo, le cui opere non sono così semplici come sembrano a prima vista. Tra le trame e le opere di Neil Simon, i confini sembrano essere spazzati via, scorrono dall'uno all'altro, coinvolgono lo spettatore, lo trascinano nel mondo illusorio dell'artista. Le creazioni di Simon sono caratterizzate da colori brillanti e saturi, che danno loro energia e forza, ed evocano una risposta emotiva. Il maestro ama giocare con la prospettiva, la dimensione degli oggetti, con accostamenti insoliti e forme inaspettate. C'è molta geometria nelle opere dell'artista, che si combina con paesaggi naturali, come se si precipitassero dentro, ma non distruggessero, ma si completassero armoniosamente.

2. Igor Morsky. L'artista del 21° secolo di oggi ei suoi dipinti sono spesso paragonati al grande genio Salvador Dalì. Le opere del maestro polacco sono imprevedibili, misteriose, emozionanti, evocano una vivida risposta emotiva e in alcuni punti sono folli. Come ogni altro surrealista, non cerca di mostrare la realtà così com'è, ma mostra sfaccettature che non vedremo mai nella vita. Molto spesso, il protagonista delle opere di Morsky è un uomo con tutte le sue paure, passioni e difetti. Inoltre, le metafore delle opere di questo surrealista riguardano spesso il potere. Certo, questo non è l'artista il cui lavoro appendi sopra il letto, ma quello la cui mostra vale sicuramente la pena visitare.

1. Yayoi Kusama. Quindi, al primo posto della nostra classifica c'è un'artista giapponese che ha ottenuto un incredibile successo in tutto il mondo, nonostante soffra di alcune malattie mentali. La "caratteristica" principale dell'artista sono i pois. Copre tutto ciò che vede con cerchi di varie forme e dimensioni, chiamandolo tutte le reti dell'infinito. Le mostre e le installazioni interattive di Kusama sono un successo, perché a volte tutti vogliono (anche se non lo ammettono) essere all'interno del mondo psichedelico di allucinazioni, spontaneità infantile, fantasie e cerchi colorati. Tra gli artisti contemporanei del 21° secolo e i loro dipinti, Yayoi Kusama è il più venduto.