ข้อความในหัวข้อ ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส เครื่องสาย: คำอธิบายของกลุ่ม

เชลโลเป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับซึ่งเป็นผู้เข้าร่วมบังคับ วงซิมโฟนีออร์เคสตราและวงดนตรีเครื่องสายพร้อมเทคนิคการแสดงอันเข้มข้น เนื่องจากมีเสียงที่ไพเราะและไพเราะ จึงมักใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เชลโลถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเมื่อจำเป็นต้องแสดงความโศกเศร้า ความสิ้นหวัง หรือเนื้อเพลงที่ลึกซึ้งในดนตรี และในกรณีนี้ เชลโลก็ไม่เท่าเทียมกัน

ไม่เหมือน ไวโอลินและ วิโอลาซึ่งมีลักษณะคล้ายกันมาก เชลโลไม่ได้ถืออยู่ในมือ แต่วางในแนวตั้ง ที่น่าสนใจครั้งหนึ่งมีการเล่นโดยยืนวางบนเก้าอี้พิเศษจากนั้นพวกเขาก็เกิดยอดแหลมที่วางอยู่บนพื้นเพื่อรองรับเครื่องดนตรี

น่าทึ่งมากว่าความคิดสร้างสรรค์คืออะไร แอล.วี. เบโธเฟนผู้แต่งไม่ได้ให้ความสำคัญกับความไพเราะของเครื่องดนตรีนี้มากนัก อย่างไรก็ตามเมื่อได้รับการยอมรับในผลงานของเขาเชลโลก็รับไป สถานที่สำคัญในงานโรแมนติกและนักแต่งเพลงอื่น ๆ

เสียง

มีเสียงที่หนักแน่น เข้มข้น ไพเราะ และเต็มไปด้วยอารมณ์ เชลโลมักมีลักษณะคล้ายกับเสียงร้อง เสียงของมนุษย์. บางครั้งระหว่างการแสดงเดี่ยวดูเหมือนว่าเธอกำลังพูดและพูดคุยกับคุณด้วยเสียงร้องเพลง เกี่ยวกับบุคคลเราจะบอกว่าเขามีเสียงหน้าอกนั่นคือมาจากส่วนลึกของหน้าอกและอาจมาจากจิตวิญญาณด้วย เสียงทุ้มลึกที่น่าหลงใหลนี้เองที่ทำให้เชลโลประหลาดใจ

• Count Villegorsky เป็นเจ้าของเชลโล Stradivari ที่สวยงามสองตัว หนึ่งในนั้นคือ K.Yu ในเวลาต่อมา Davydov ซึ่งในขณะนั้นคือ Jacqueline du Pré ซึ่งปัจจุบันรับบทโดยนักเล่นเชลโลและนักแต่งเพลงชื่อดัง Yo-Yo Ma
• กาลครั้งหนึ่งในปารีสมี การแข่งขันแบบเดิม. Casals นักเล่นเชลโลผู้ยิ่งใหญ่เข้ามามีส่วนร่วมด้วย มีการศึกษาเรื่องเสียง เครื่องดนตรีโบราณสร้างสรรค์โดยปรมาจารย์แห่ง Guarneri และ Stradivari ตลอดจนเสียงเชลโลสมัยใหม่ที่ผลิตในโรงงาน มีเครื่องมือทั้งหมด 12 ชิ้นเข้าร่วมในการทดลอง ปิดไฟเพื่อความบริสุทธิ์ของการทดลอง ลองนึกภาพความประหลาดใจของคณะลูกขุนและ Casals เองเมื่อหลังจากฟังเสียงแล้ว ผู้ตัดสินให้คะแนนความสวยงามของเสียงแก่โมเดลสมัยใหม่มากกว่ารุ่นเก่าถึง 2 เท่า จากนั้น Casals ก็พูดว่า: “ฉันชอบเล่นเครื่องดนตรีเก่าๆ มากกว่า พวกเขาอาจจะสูญเสียความสวยงามของเสียงไป แต่พวกเขาก็มีจิตวิญญาณ และในปัจจุบันก็มีความงามที่ปราศจากจิตวิญญาณ”
• นักเล่นเชลโล Pablo Casals รักและปรนเปรอเครื่องดนตรีของเขา เขาสอดแซฟไฟร์ซึ่งราชินีแห่งสเปนมอบให้เขาเข้าไปในคันธนูของเชลโลตัวหนึ่ง
• Apocalyptika กลุ่มชาวฟินแลนด์ได้รับความนิยมอย่างมาก เพลงของเธอรวมถึงฮาร์ดร็อค สิ่งที่น่าทึ่งคือนักดนตรีเล่นเชลโลและกลอง 4 ตัว การใช้เครื่องดนตรีโค้งคำนับนี้ถือว่าเต็มไปด้วยจิตวิญญาณ, นุ่มนวล, เต็มไปด้วยอารมณ์, โคลงสั้น ๆ ทำให้กลุ่มมีชื่อเสียงไปทั่วโลก ในนามของกลุ่ม นักแสดงได้รวมคำสองคำ Apocalypse และ Metallica เข้าด้วยกัน
• Julia Borden ศิลปินแนวนามธรรมชื่อดังวาดภาพเธอ ภาพวาดที่น่าทึ่งไม่ใช่บนผืนผ้าใบหรือกระดาษ แต่บนไวโอลินและเชลโล เมื่อต้องการทำเช่นนี้ เธอถอดเชือกออก ทำความสะอาดพื้นผิว ลงสีพื้น แล้วจึงทาสีการออกแบบ เหตุใดเธอจึงเลือกตำแหน่งที่ไม่ธรรมดาสำหรับภาพวาด Julia ไม่สามารถอธิบายให้ตัวเองฟังได้ เธอบอกว่าเครื่องดนตรีเหล่านี้ดูเหมือนจะดึงเธอเข้าหามัน และเป็นแรงบันดาลใจให้เธอสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นหนึ่ง
• นักดนตรี Roldugin ซื้อเชลโล Stuart ซึ่งผลิตโดย Stradivarius ในปี 1732 ในราคา 12 ล้านเหรียญ เจ้าของคนแรกคือกษัตริย์แห่งปรัสเซีย เฟรดเดอริกมหาราช
• ราคาของเครื่องดนตรีของ Antonio Stradivari นั้นสูงที่สุด โดยรวมแล้วอาจารย์ทำเชลโลได้ 80 อัน ในปัจจุบัน ตามที่ผู้เชี่ยวชาญระบุว่า มีตราสาร 60 ตัวที่รอดมาได้
• Berlin Philharmonic Orchestra มีนักเล่นเชลโล 12 คน พวกเขามีชื่อเสียงจากการนำการเรียบเรียงเพลงสมัยใหม่ยอดนิยมหลายเพลงมาใช้ในละครของพวกเขา
• เครื่องดนตรีประเภทคลาสสิกทำจากไม้ อย่างไรก็ตาม ปรมาจารย์สมัยใหม่บางคนตัดสินใจที่จะทำลายแบบแผน ตัวอย่างเช่น หลุยส์และคลาร์กผลิตเชลโลจากคาร์บอนไฟเบอร์ และอัลโคผลิตเชลโลอะลูมิเนียมมาตั้งแต่ปี 1930 Pfretzschner ปรมาจารย์ชาวเยอรมันก็สนใจเรื่องนี้เช่นกัน
• วงดนตรีเชลโลจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กภายใต้การดูแลของ Olga Rudneva มีองค์ประกอบที่ค่อนข้างหายาก วงดนตรีประกอบด้วยเชลโล 8 ตัวและเปียโน 1 ตัว
• ในเดือนธันวาคม 2014 Karel Henn ชาวแอฟริกาใต้ได้สร้างสถิติการเล่นเชลโลที่ยาวนานที่สุด เขาเล่นต่อเนื่องเป็นเวลา 26 ชั่วโมงและเข้าสู่ Guinness Book of Records
• Mstislav Rostropovich นักเล่นเชลโลฝีมือดีแห่งศตวรรษที่ 20 มีส่วนสำคัญในการพัฒนาและส่งเสริมรายการเชลโล เขาแสดงผลงานใหม่ให้กับเชลโลมากกว่าร้อยชิ้นเป็นครั้งแรก
• เชลโลที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งหนึ่งคือ “King” ซึ่งทำโดย Andre Amati ระหว่างปี 1538 ถึง 1560 เป็นหนึ่งในเชลโลที่เก่าแก่ที่สุดและตั้งอยู่ใน National พิพิธภัณฑ์ดนตรีเซาท์ดาโคตา
• เครื่องดนตรีนี้ไม่ได้มี 4 สายเสมอไป ในศตวรรษที่ 17 และ 18 มีเชลโล 5 สายในเยอรมนีและเนเธอร์แลนด์
• ในตอนแรก สายทำจากเครื่องในแกะ แต่ต่อมาก็ถูกแทนที่ด้วยสายโลหะ

ละคร

เชลโลมีผลงานคอนแชร์โต โซนาตา และผลงานอื่นๆ มากมาย บางทีห้องที่มีชื่อเสียงที่สุดอาจเป็นห้องสวีททั้งหกห้อง เป็น. บาคสำหรับโซโลเชลโล รูปแบบต่างๆ ในธีมโรโคโค พี.ไอ. ไชคอฟสกี้และ "The Swan" โดย Saint-Saëns J.S. Bach - ชุดที่ 1 ใน G major (ฟัง)

พี.ไอ. ไชคอฟสกี. - การเปลี่ยนแปลงในธีม Rococo สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา (ฟัง)

A. Dvorak - คอนแชร์โต้สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา (ฟัง)

C. Saint-Saens - "หงส์" (ฟัง)

J. Brahms - ดับเบิลคอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและเชลโล (ฟัง)

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย (ภาษาอิตาลี ยูนิตวิโอลา) เป็นกลุ่มเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่ใช้กันแพร่หลายมานานหลายศตวรรษ ในโลกตะวันตก ยุโรป. รูปร่างคล้ายกัน ต่างกันที่ขนาด สัดส่วน เทสซิทูรา การปรับเสียง และจำนวนสาย ไวโอลินโซปราโนและอัลโต รวมถึงไวโอลิน d'amour (ภาษาฝรั่งเศส viole d'amour) ถูกจัดขึ้นในแนวนอนที่ไหล่เมื่อเล่น (ชื่อสามัญ viola da braccio, ภาษาอิตาลี da braccio), เทเนอร์และเบสถูกจัดขึ้นในแนวตั้ง วิโอลา ดา กัมบา (ภาษาอิตาลี: da gamba) ที่พบมากที่สุด มีขนาดใกล้เคียงกับเชลโล วี ไอ โอ แอล วาย

เครื่องสายแบบโค้งคำนับ 4 สาย เครื่องดนตรี. ทะเบียนที่สูงที่สุดในตระกูลไวโอลินซึ่งเป็นพื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกและวงเครื่องสาย ประเภทคลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยชาวอิตาลีตอนเหนือที่ใหญ่ที่สุด ผู้ผลิตไวโอลินศตวรรษของโรงเรียน Brescian (Gasparo da Salo, G. Magini) และ Cremonese (A. และ N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari) ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีเดี่ยวหลักชิ้นหนึ่ง เอส เค อาร์ ไอ พี เค เอ

เครื่องสายแบบโค้งถือเป็นเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลิน ใหญ่กว่าไวโอลินเล็กน้อย ตัวอย่างแรกของเครื่องมือนี้มีอายุย้อนกลับไปได้ ศตวรรษที่สิบหก. ในการค้นหาการออกแบบวิโอลาที่ดีที่สุด A. Stradivari ปรมาจารย์ชาวอิตาลีผู้โดดเด่นมีบทบาทสำคัญในการค้นหา เครื่องดนตรี 4 สายได้รับการปรับในห้า (หนึ่งในห้าต่ำกว่าไวโอลิน): C-G-D-A เอ แอล ที

เครื่องสายโค้งคำนับ (ไวโอลินของอิตาลี) เครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลินในตระกูลเบสเทเนอร์ ปรากฏในศตวรรษที่ 1516 การออกแบบคลาสสิกที่สร้างขึ้น ผู้เชี่ยวชาญชาวอิตาลีศตวรรษที่ 1718: A. และ N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari V I O L O N C H E L

เครื่องสายแบบโค้งเป็นเครื่องดนตรีที่มีขนาดที่ใหญ่ที่สุดและให้เสียงต่ำที่สุดในตระกูลเครื่องสายแบบโค้ง “บรรพบุรุษ” ของดับเบิ้ลเบสนั้นเป็นไวโอลินเบสแบบโบราณ ซึ่งได้ยืมเอาคุณลักษณะหลายประการของการออกแบบมาใช้ ในลักษณะที่ปรากฏ ดับเบิ้ลเบสสมัยใหม่จะคล้ายกับเชลโล แต่มีขนาดใหญ่กว่าอย่างเห็นได้ชัด ความยาวเครื่องมือ - ประมาณ 2 ม. พวกเขาเล่นดับเบิ้ลเบสขณะนั่งบนเก้าอี้สูงหรือยืน (เนื่องจากนักแสดงมักจะต้องพิง "ไหล่ลาด" ของเครื่องดนตรีเพื่อตีโน้ตเสียงสูง) ตามกฎแล้วดับเบิ้ลเบสจะมีสี่สายที่ปรับในสี่: G-D-LA คอนทราเบส

ทำด้วยไม้ เครื่องมือลมดนตรี เครื่องดนตรีซึ่งมีต้นกำเนิดที่เก่าแก่ที่สุดชนิดหนึ่ง “ บรรพบุรุษ” ของขลุ่ยคือ ท่อกก ท่อ... ในทะเบียนด้านล่างขลุ่ยฟังดูทื่อจมูกเล็กน้อยในทะเบียนกลางมีความไพเราะและเข้มข้นในทะเบียนด้านบนเสียงของมันจะผิวปากเย็นชาเกือบไม่มีเสียง . ฟลุตเป็นเครื่องดนตรีที่เคลื่อนไหวได้ มักจะได้รับความไว้วางใจในการแสดงวลีอันไพเราะที่ "คดเคี้ยว" อย่างรวดเร็ว แสงและข้อความที่ไพเราะงดงาม ขลุ่ย

เครื่องเป่าลมไม้ บรรพบุรุษของมันถือเป็น zurna ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่พบได้ทั่วไปในคอเคซัสและเอเชียกลาง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 เป็นต้นมา โอโบเป็นผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในวงดนตรีทหาร เช่นเดียวกับวงดนตรีที่ประกอบการแสดงโอเปร่าและ การแสดงบัลเล่ต์; ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 โอโบมีบทบาทสำคัญในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา การสร้างโอโบนั้นไม่ซับซ้อน นี่คือท่อขนาดเล็ก (ยาวประมาณ 60 ซม.) ที่ขยายออกไปจนสุด โอโบติดตั้งระบบวาล์วด้านข้างซึ่งจะช่วยปรับระดับเสียง อากาศถูกเป่าเข้าไปในท่อผ่านลิ้นซึ่งอยู่ที่ปลายด้านบน (แคบ) ของเครื่องมือ เสียงของโอโบแตกต่างจาก "เพื่อนบ้าน" มากในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - ฟลุต, คลาริเน็ต, บาสซูน เมื่อครอบคลุมช่วงกว้าง เสียงจึงแตกต่างกันในรีจิสเตอร์ที่ต่างกัน เสียงบนนั้นแหลมและดัง เสียงล่างนั้นรุนแรงและหยาบคาย ทะเบียนกลางนั้นดูชุ่มฉ่ำและแสดงออกได้มาก (แม้ว่าจะมีสีค่อนข้าง "จมูก") ท่วงทำนองโคลงสั้น ๆ ที่เอ้อระเหยให้เสียงที่ยอดเยี่ยมกับโอโบ ทางเดินหรือการกระโดดที่แหลมคมมีลักษณะเฉพาะน้อยกว่า ช่วงของโอโบคือ B minor - F อ็อกเทฟที่ 2 ไปกันเลย

เครื่องเป่าลมไม้ (อัลโตโอโบ) มีต้นกำเนิดในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 จากโอโบล่าสัตว์ซึ่งมีรูปทรงเขาสัตว์ แตรภาษาอังกฤษได้ชื่อมาโดยบังเอิญ: คำภาษาฝรั่งเศส anglais แปลว่า "งอเป็นมุม"; คุณลักษณะภายนอกที่เป็นลักษณะเฉพาะของอุปกรณ์นี้คือบุชโลหะที่ทำมุมสำหรับอ้อย เขาอังกฤษมีขนาดใหญ่กว่าโอโบ ตัวเครื่องติดตั้งระบบวาล์ว ปิดท้ายด้วยกระดิ่งรูปลูกแพร์ เสียงแตรของอังกฤษนั้นเผ็ดร้อนและเศร้าหมอง ตามที่ N. Rimsky-Korsakov ให้คำจำกัดความไว้ว่า "ขี้เกียจและชวนฝัน" นักแต่งเพลงหลายคนใช้เครื่องมือนี้เพื่อถ่ายทอดรสชาติ "ตะวันออก" ในดนตรี (ภาพไพเราะของ A. Borodin "ในเอเชียกลาง" การเต้นรำของชาวเปอร์เซียในโอเปร่าของ M. Mussorgsky "Khovanshchina" การเต้นรำแบบตะวันออกในโอเปร่าของ M. Glinka เรื่อง "Ruslan and Lyudmila" ฯลฯ ) ช่วงของแตรภาษาอังกฤษคือ: B ของอ็อกเทฟเล็ก - F ของอ็อกเทฟที่ 3 แตรภาษาอังกฤษ

เครื่องเป่าลมไม้ “บรรพบุรุษ” ของเขาถือได้ว่าเป็นเครื่องดนตรี อียิปต์โบราณ. ใน รูปแบบที่ทันสมัยคลาริเน็ตปรากฏในวงออเคสตราในกลางศตวรรษที่ 18 คลาริเน็ตเป็นหลอดไม้ (ยาวประมาณ 70 ซม.) มีกระดิ่งขนาดเล็ก อากาศจะถูกเป่าผ่านปากเป่ารูปทรงจะงอยปากแบบพิเศษซึ่งมีกกบางๆ ติดอยู่ (เป็นชิ้นเดียวซึ่งต่างจากโอโบ) เครื่องมือนี้ติดตั้งระบบวาล์วและรูที่ซับซ้อน ช่วงมีมากกว่าสามอ็อกเทฟ: E ของอ็อกเทฟขนาดใหญ่ - F ของอ็อกเทฟที่ 3 เสียงที่ต่ำลงค่อนข้างมืดมน แต่เมื่อคุณเลื่อนไปที่เสียงที่สูงกว่า เสียงจะอุ่นขึ้น ชัดเจนขึ้น และในรีจิสเตอร์บนสุด - แหลมคม คลาริเน็ตเป็นเพียงตัวแทนของกลุ่มไม้ของวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่สามารถเพิ่มและลดความแรงของเสียงได้อย่างมาก ค ลา อาร์ เน็ต อี ที

เครื่องเป่าลมไม้เป็นเครื่องดนตรีเสียงต่ำที่ประดิษฐ์ขึ้นในศตวรรษที่ 16 มันเป็นท่อยาว (ความยาวของช่องคือ 2.5 ม.) พับหลายครั้ง: fagotto ของอิตาลีหมายถึง fagotto ซึ่งเป็นมัด ตัวเครื่องมีรูด้านข้างประมาณ 30 รู โดย 5-6 รูใช้นิ้วปิด ที่เหลือมีวาล์ว ช่วงบาสซูน: B แบนเคาน์เตอร์อ็อกเทฟ – E อ็อกเทฟที่ 2 เสียงต่ำในทะเบียนด้านล่างค่อนข้างมืดมนในทะเบียนกลางมีความไพเราะนุ่มนวลแสดงออก (ตามธรรมชาติของอวัยวะ) ในทะเบียนด้านบนจะตึงเครียดเล็กน้อยคมและแหบเล็กน้อย ข้อความที่รวดเร็วบนบาสซูนมักสร้างเอฟเฟกต์การ์ตูน เอฟ เอ โก ที

เครื่องดนตรีทองเหลืองเป็นที่รู้จักมานานก่อนยุคของเรา ในยุคกลาง การเล่นแตรจะมาพร้อมกับการแข่งขันของอัศวิน พิธีทางศาสนา และพิธีการทางทหาร ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ทรัมเป็ตเริ่มถูกนำมาใช้ในวงออเคสตรา J. S. Bach และ G. Handel ใช้กันอย่างแพร่หลายในงานของพวกเขา การประดิษฐ์กลไกวาล์ว (ต้นศตวรรษที่ 19) ได้ขยายความสามารถด้านเสียงของเครื่องดนตรีอย่างมีนัยสำคัญ: สเกลของมันกลายเป็นสี ท่อสมัยใหม่คือการงอท่อหลายครั้งและสิ้นสุดด้วยกระดิ่งเล็ก ๆ ปลายแคบมีปากเป่า ช่วงของเครื่องดนตรีค่อนข้างสำคัญ: E ของอ็อกเทฟขนาดเล็ก - จนถึงอ็อกเทฟที่ 2 เสียงที่ต่ำกว่ามีสีที่ "ลึกลับ" เสียงสูงมีสีที่สดใส "รื่นเริง" มือขวาของทรัมเป็ตที่อยู่ในตำแหน่งเสียงสูงสามารถตัดผ่านเสียงออเคสตราที่ทรงพลังที่สุดได้

เครื่องดนตรีทองเหลือง - มีต้นกำเนิดมาจากเขาล่าสัตว์โบราณ (German Waldhorn - เขาป่า) เครื่องดนตรีมีลักษณะเป็นท่อแคบยาวขดเป็นเกลียวปลายเป็นระฆังกว้าง เสียงแตรมีความนุ่ม ไพเราะ สีสันสดใส ผสมผสานกับเสียงร้องของสายและไม้ได้อย่างลงตัว ความสามารถแบบไดนามิกของเครื่องดนตรียังยอดเยี่ยมอีกด้วย ตั้งแต่เปียโนที่ละเอียดอ่อนที่สุดไปจนถึงมือขวาที่ทรงพลัง (มีเทคนิคพิเศษในการเล่นแบบ "ยกระฆัง" ซึ่งจะทำให้ได้เสียงที่ดังที่สุด) บทบาทของใบ้มักจะเล่นโดยอิสระ มือขวานักแสดง: เสียงเครื่องดนตรีเปลี่ยนไปอย่างมากจนได้สีที่ลึกลับและเป็นลางร้าย ช่วงของแตรประมาณ 3 1/2 อ็อกเทฟ แตรฝรั่งเศส

เครื่องดนตรีทองเหลือง เครื่องดนตรีที่รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 (ทรอมโบน ขยายจากท่อทรอมบา โพเซาน์ ในภาษาเยอรมัน) เครื่องดนตรีโลหะที่มีลักษณะคล้ายท่อโลหะขนาดใหญ่งอเป็นรูปวงรี ส่วนบนมีปากเป่า กล่าวคือ ถ้วยในรูปของ ซีกโลกที่นักแสดงเป่าลม ส่วนโค้งล่างของตัว T ถูกตัดออกและสามารถเคลื่อนขึ้นลงท่อหลักได้อย่างอิสระ ส่วนที่เคลื่อนไหวของ T. เรียกว่าหลังเวที เมื่อดึงสไลด์ออก เสียงจะลดลง และเมื่อเลื่อนเข้าไป เสียงจะเพิ่มขึ้น T. มีขนาดต่างกัน ดังนั้นระดับเสียงจึงต่างกัน: alto T. ใน es, เทเนอร์ใน b, เบสใน f หรือ es ทรอมโบน

เครื่องดนตรีทองเหลืองเป็นเครื่องดนตรีทองเหลืองที่ให้เสียงต่ำที่สุด ดีไซน์คล้ายท่อขนาดใหญ่ ลำตัวของทูบา (ทำจากดีบุกทองเหลือง) มีความยาวพับหลาย ๆ ครั้งแล้วค่อย ๆ ขยายท่อ: ความยาวเมื่อกางออกถึง 4 ม. ทูบาทำหน้าที่เหมือนดับเบิลเบสในกลุ่มโค้งคำนับหรือบาสซูนในกลุ่มไม้ เป็นเสียงเบสที่สนับสนุนระหว่าง เครื่องดนตรีทองเหลือง(บ่อยครั้งที่เธอเพิ่มทรอมโบนตัวที่ 3 เป็นสองเท่าและต่ำกว่าระดับแปดเสียง) ช่วงทูบา: B เคาน์เตอร์อ็อกเทฟ - F อ็อกเทฟที่ 1 คุณเป็น

เครื่องเพอร์คัชชันคือกลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงเฉพาะ กลองทิมปานีแต่ละอันประกอบด้วยซีกโลกทองแดงซึ่งติดตั้งอยู่บนขาตั้งแบบพิเศษโดยมีหนังขึงอยู่ด้านบน เสียงเกิดจากการตีค้อนขนาดเล็กที่มีปลายสักหลาดรูปลูกบอล ระดับเสียงของกลองทิมปานีซึ่งปรับให้เข้ากับเสียงเฉพาะเสมอ สามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยแรงตึงที่มากขึ้น (หรือน้อยลง) บนผิว การปรับนี้ (ด้วยสกรู) ดำเนินการโดยนักตีกลองโดยใช้การหยุดชั่วคราวระหว่างเกม ในกรณีนี้ ตามกฎแล้วระดับเสียงของแต่ละกลองจะต้องไม่เกินหนึ่งในหก ทิมปานี

เครื่องเพอร์คัชชัน - เครื่องเพอร์คัชชันด้วยระดับเสียงที่แน่นอน (โดยปกติจะปรับเป็นเสียงบางอย่างภายในอ็อกเทฟขนาดเล็ก) บ้านเกิดของฆ้องคือเกาะชวา ซึ่งยังคงพบวงออร์เคสตร้าฆ้องอยู่จนทุกวันนี้ ฆ้องเป็นแผ่นทองสัมฤทธิ์ขนาดใหญ่มีขอบโค้ง แขวนไว้อย่างอิสระบนโครงโลหะ เมื่อเล่นตรงกลางฆ้องจะตีด้วยค้อนขนาดใหญ่ที่หุ้มด้วยผ้าสักหลาด หากจำเป็น คุณสามารถขัดจังหวะเสียงได้ด้วยการแตะฝ่ามือเบาๆ กงสื่อถึงอารมณ์ลึกลับ สยองขวัญ และวิตกกังวล ฆ้อง

เครื่องเพอร์คัชชัน - เครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงเฉพาะ ซึ่งประกอบด้วยชุดแผ่นโลหะที่รองรับอย่างหลวมๆ เสียงเกิดขึ้นจากไม้ตีหรือใช้กลไกของคีย์บอร์ดที่คล้ายกับเปียโนจิ๋ว (คีย์เบลล์) เสียงของเครื่องดนตรีมีความชัดเจน เสียงดัง ไพเราะ Bluebells ถูกนำไปยังยุโรปโดยชาวอาณานิคมชาวดัตช์จากเกาะต่างๆ เอเชียตะวันออกเฉียงใต้ในศตวรรษที่ 17 เดิมทีมันเป็นระฆังขนาดเล็กชุดหนึ่งที่มีระดับเสียงต่างกัน อย่างไรก็ตามใน กลางวันที่ 19ศตวรรษ ระฆังถูกแทนที่ด้วยแผ่นเหล็กชุดหนึ่ง และในรูปแบบนี้ เครื่องดนตรีนี้ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ โดยไม่ต้องเปลี่ยนชื่อ (แต่บางครั้งเรียกว่าเมทัลโลโฟน) ระฆัง

เครื่องเพอร์คัชชัน - เครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงสูงต่ำซึ่งใช้ในการเลียนแบบ ระฆังดังขึ้น. เป็นชุดท่อหรือแผ่นโลหะที่แขวนไว้บนคานอย่างอิสระ กระดิ่งชนิดนี้เริ่มถูกนำมาใช้ในวงโอเปร่าและวงซิมโฟนีออเคสตร้าในสมัยนั้น การปฏิวัติฝรั่งเศส(เป็นครั้งแรกกับแอล. เชรูบินี) เสียงเกิดขึ้นโดยใช้เครื่องตีซึ่งส่วนหัวหุ้มด้วยหนัง ช่วงของเครื่องดนตรีคือประมาณ 1 1/2 อ็อกเทฟ (เริ่มจากอ็อกเทฟหลัก F) ระฆัง

เครื่องเพอร์คัชชันเป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงไม่แน่นอน เมื่อเจาะเข้าไปในสมัยโบราณจากเอเชียไปยังยุโรปด้วยคณะนักดนตรีที่เดินทางกลองก็แพร่หลายในอิตาลีและสเปนซึ่งต่อมาได้กลายมาเป็น เครื่องดนตรีพื้นบ้าน. กับ ต้น XIXหลายศตวรรษ กลองถูกนำมาใช้ในกองทัพ และต่อมาในวงซิมโฟนีออเคสตร้า แทมบูรีนถูกนำมาใช้ในการเต้นรำหรือร้องเพลงประกอบเป็นจังหวะมานานแล้ว ในบรรดาผู้คนจำนวนมากในเอเชียกลาง ศิลปะการเล่นกลองเดี่ยวแพร่หลาย ในส่วนของแทมบูรีนเช่นเดียวกับเครื่องเพอร์คัชชันอื่น ๆ ที่มีระดับเสียงไม่ จำกัด มีเพียงรูปแบบจังหวะเท่านั้นที่ถูกบันทึกบนไม้บรรทัดเดียว (ด้าย) บูเบน

เครื่องเพอร์คัชชันเป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงเฉพาะ เป็นชุดบล็อกไม้ขนาดต่างๆ (ในภาษากรีก ไซลอน - ไม้ ไม้ และโทรศัพท์ - เสียง) แท่งจะถูกจัดเรียงเป็นรูปสี่เหลี่ยมคางหมูบนลูกกลิ้งฟางหรือเสื่อนุ่มพิเศษพร้อมแผ่นยาง เสียงเกิดขึ้นโดยใช้แท่งไม้รูปช้อนสองอัน เมื่อเปิดเสียงดังเสียงจะแหบ กริ๊ก และคม; เมื่อเงียบ - นุ่มนวล "กึกก้อง" ระดับเสียงของระนาดขึ้นอยู่กับจำนวนแท่ง (บางครั้งจำนวนเกิน 40) ช่วงทั่วไปที่สุด: จนถึงอ็อกเทฟที่ 1 - E ถึงอ็อกเทฟที่ 3 เนื่องจากเป็นเครื่องดนตรีที่มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ ระนาดจึงเข้ามาในยุโรปจากเอเชียในยุคกลาง และยังคงเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านจนถึงศตวรรษที่ 19 ระนาด

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีลักษณะคล้ายเปียโนขนาดเล็ก ประดิษฐ์ขึ้นในกรุงปารีสในปี พ.ศ ปลาย XIXศตวรรษ. ติดตั้งกลไกแบบเปียโน: เมื่อคุณกดปุ่ม ค้อนจะหุ้มด้วยแผ่นโลหะสักหลาด เสียงของเซเลสต้านั้นอ่อนโยน "สีเงิน" ใกล้เคียงกับเสียงพิณ (เซเลสต้าของอิตาลีแปลว่าสวรรค์) ช่วงครอบคลุมสี่อ็อกเทฟ (ตั้งแต่ 1 ถึง 1 อ็อกเทฟ) คีตกวีชาวฝรั่งเศสเป็นคนแรกที่แนะนำเซเลสต้าเข้าสู่วงออเคสตรา พี. ไชคอฟสกีใช้เครื่องดนตรีนี้ในผลงานสองชิ้นที่เขียนในปี พ.ศ. 2434 - เพลงบัลลาดไพเราะ "The Voevoda" และบัลเล่ต์ "The Nutcracker" เชเลสต้า

เครื่องเพอร์คัชชัน - เครื่องเพอร์คัชชันที่มีระดับเสียงไม่แน่นอน ประกอบด้วยถ้วยไม้กลวง 2 ใบคล้ายเปลือกหอย เชื่อมต่อกันด้วยเชือกและติดตั้งบนด้ามจับ เมื่อเขย่า ถ้วยจะกระแทกกันทำให้เกิดเสียงคลิกแห้ง คาสทาเน็ตประเภทนี้เรียกว่าออเคสตรา นอกจากนี้ยังมีคาสทาเน็ตที่ไม่มีที่จับ - ที่เรียกว่าบัลเลต์ นักเต้นจะสวมมันไว้บนข้อมือและขยับนิ้วระหว่างการเต้นรำ คาสทาเน็ตเป็นเครื่องมือที่มีต้นกำเนิดมาแต่โบราณ พวกเขาเข้าสู่ยุโรปด้วย อาหรับตะวันออกและแพร่หลายโดยเฉพาะในสเปนและในประเทศต่างๆ ละตินอเมริกา. เป็นคุณลักษณะดั้งเดิมของสเปน การเต้นรำพื้นบ้าน(เซกิดิลลา โบเลโร ฯลฯ) คาสตาเนตยังใช้ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราเพื่อสร้างรสชาติแบบ "สเปน" อีกด้วย

แถวที่กว้างขวางแห่งหนึ่งมีชื่อมากมายซึ่งมือของเขาสร้างขึ้น ผลงานชิ้นเอกที่เป็นเอกลักษณ์ท่ามกลางเครื่องดนตรี ผลงานของปรมาจารย์เหล่านี้เป็นความฝันของนักดนตรีทุกคน อย่างไรก็ตาม วันนี้เราจะไม่พูดถึงอาจารย์ วันนี้เราจะมาพูดถึงเครื่องสายหรือค่อนข้างเกี่ยวกับ ไวโอลิน เชลโล วิโอลา ดับเบิลเบส และคันธนูแตกต่างกันอย่างไร?.

เด็กยุคใหม่รู้ดีว่าตนเองแตกต่างตามหลักการอะไร โทรศัพท์มือถือแต่สิ่งที่อยู่ในประเภทของไวโอลินนั้น แม้แต่ Google ผู้รอบรู้ก็อาจถึงทางตันได้ เว็บไซต์ของ Violin Maker จะพยายามชดเชยการละเลยที่โชคร้ายนี้

เครื่องดนตรีโค้งคำนับมีหลายประเภท:

คุณรู้ไหมว่าปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แบ่งเครื่องดนตรีตามจุดประสงค์การใช้งานของพวกเขา? ตัวอย่างเช่น, ไวโอลินสำหรับทุกคนหรือ "มวล"ตามทฤษฎีแล้ว มันควรจะมีเสียงที่ดี แต่ในการผลิตไวโอลินดังกล่าว ไม่ได้ให้ความสำคัญกับการเลือกไม้และการดูแลงานมากเกินไป ไม่จำเป็นต้องพูดถึงคุณภาพของการประกอบชิ้นส่วนและเสียงขั้นสุดท้าย เกือบทุกครั้งหลังจากซื้อเครื่องดนตรีประเภทนี้ จะต้องไปเยี่ยมชมช่างทำไวโอลินด้วย ไม้ทางเลือกถูกนำมาใช้ในการผลิตคันธนูที่ผลิตเป็นจำนวนมาก เบิร์ช, ฮอร์นบีม, มะฮอกกานีพันธุ์ราคาถูกรวมทั้งพลาสติกสำหรับบล็อก บางครั้งคันธนูที่ผลิตจำนวนมากก็มีผมปลอมสอดเข้าไป

รองลงมาคือคุณภาพเสียงและคุณภาพการผลิตก็ตามมาด้วย ไวโอลินที่มีไว้สำหรับเล่นออร์เคสตรา. เสียงของไวโอลินดังกล่าวควรนุ่มนวลเพื่อไม่ให้โดดเด่นจากวงดนตรีและมีความแข็งแกร่งและสีที่ได้มาตรฐานเพียงพอเพื่อไม่ให้หลงไปกับเสียงโดยรวม สำหรับไวโอลินทั้งสองประเภทนี้ ปรมาจารย์ใช้ไม้เมเปิ้ลเพื่อทำส่วนก้น เปลือก คอ และส่วนยืน ไม้สปรูซที่เตรียมไว้เป็นพิเศษ สะท้อนเสียงได้ดีกับไม้เมเปิ้ล ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงทำซาวด์บอร์ดขึ้นมา สำหรับส่วนท้ายและหมุด จะใช้ไม้มะเกลือหรือไม้เนื้อแข็งราคาถูกทาสีดำ ไม้บนตัวเครื่องดนตรีถูกเลือกตามพื้นผิวและสี และเคลือบเงาด้วยสีเดียวหรือรีทัชแบบ "โบราณ" ด้วยน้ำยาเคลือบเงาคุณภาพสูง ข้อกำหนดสำหรับคันชักออเคสตราก็แตกต่างกันบ้างเช่นกัน ด้วยคันธนูดังกล่าวจึงจำเป็นต้องเล่นจังหวะต่างๆ ดังนั้น ในการผลิตจึงมีการใช้ต้นไม้ที่เหมาะสมกว่าในแง่ของลักษณะการเล่น เช่น ไม้บราซิล

ต่อไปมา ไวโอลินและเชลโลสำหรับการแสดงเดี่ยวและวงดนตรี. นี่คือจุดที่เสียงถูกจัดให้เป็นสถานที่พิเศษ และพวกเขาก็ทำงานเกี่ยวกับมันมาเป็นเวลานานและพิถีพิถัน เครื่องดนตรีดังกล่าวเหมาะสมที่จะใช้ในแชมเบอร์ออร์เคสตร้า ควอเต็ต และวงดนตรีประเภทต่างๆ โดยที่เสียงของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นจะสังเกตเห็นได้ชัดเจนใน ในระดับที่มากขึ้นยิ่งกว่าในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา คันชักสำหรับประเภทเดี่ยวทำจากเฟอร์นัมบูโค เป็นไม้ชนิดพิเศษที่ปลูกในอเมริกาใต้ ในอดีต Fernambuco เหมาะสมที่สุดสำหรับการผลิตคันชักเดี่ยว

และตัวสุดท้ายในหมวดนี้ก็คือ ไวโอลินศิลปะซึ่งชื่อนี้บ่งบอกความเป็นตัวมันเองอยู่แล้ว นี่คือคอนเสิร์ตไวโอลินที่มีเสียงเป็นเอกลักษณ์ รูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ และการค้นพบที่พิเศษและประณีตของปรมาจารย์ หากความงามของไม้ไม่ได้มีบทบาทในเครื่องดนตรีสองประเภทแรก ดังนั้นสำหรับเครื่องดนตรี "เดี่ยว" และ "เชิงศิลปะ" ปรมาจารย์ไม่ได้มองหาเพียงไม้ที่เหมาะสมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงไม้ที่มีพื้นผิวที่สดใสด้วย ส่วนคอ ส่วนท้าย และหมุดทำจากไม้อีโบนี คุณภาพสูง ไม้โรสวูด และบ็อกซ์วูด นอกจากนี้ยังมีข้อกำหนดพิเศษสำหรับคันชักคอนเสิร์ตอีกด้วย ส่วนใหญ่ทำจากเฟอร์นัมบูโก แม้ว่าจะมีการทดลองที่น่าสนใจและน่าสังเกตด้วยวัสดุสมัยใหม่ก็ตาม เหมือนคาร์บอน

โดยสรุป ไวโอลินและเชลโลสามารถจำแนกตามวัตถุประสงค์การใช้งานได้:

* มโหฬาร;

* วงออเคสตรา;

* เดี่ยว;

* ศิลปะ

เราเข้าใกล้จุดที่สองของการจำแนกประเภท - ขนาดอย่างราบรื่นและมองไม่เห็น

ทุกคนที่เคยเรียนเล่นไวโอลินจะรู้เกี่ยวกับขนาด และคุณจะพบบทความแยกต่างหากเกี่ยวกับวิธีเลือกไวโอลิน "ตามขนาด" บนเว็บไซต์ของเรา อย่างไรก็ตาม เราจะขอย้ำและเตือนคุณว่าไวโอลินและเชลโลมีหลายขนาด:

* 1/32

* 1/16

* 1/8

* 1/4

* 1/2

* 3/4

* 4/4

ขนาดเป็นตัวบ่งชี้ที่เน้นไปที่ข้อมูลส่วนบุคคลของนักเรียนและนักแสดง นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมมาตราส่วนนี้จึงใหญ่มาก แต่... น้อยคนนักที่จะรู้ว่ามีสองขนาดเพิ่มเติม - 1/10 และ 7/8 แต่ละขนาดมาพร้อมกับความยาวโบว์ที่สอดคล้องกัน

การแบ่งอัลโตสตามขนาดจะแตกต่างกันเล็กน้อย วิโอลาเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างใหม่ และในที่สุดก็เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น วิโอลาเล่นโดยวัยรุ่นและผู้ใหญ่เป็นหลัก แม้ว่าจะมีวิโอลานักเรียนขนาด 3/4 ที่มีความยาวลำตัวเหมือนไวโอลิน แต่เป็นอัลโตแอคชั่น วิโอลาทั้งหมดมีความยาวตั้งแต่ 38 ถึง 45 เซนติเมตรหรือมากกว่านั้น วัดความยาวของชั้นล่างโดยไม่มีส่วนส้นเท้า เครื่องดนตรีที่พบบ่อยที่สุดคือ 40-41 ซม. บางครั้งขนาดจะแสดงเป็นนิ้ว

ดับเบิ้ลเบสมีหลายขนาด รวมถึงขนาดสำหรับเด็กด้วย น่าแปลกที่นักดนตรีผู้ใหญ่เล่นดับเบิ้ลเบสบ่อยที่สุดคือ 3/4 ดับเบิ้ลเบส 4/4 เล่นในวงออเคสตราเป็นหลัก นอกจากนี้ การทราบว่าดับเบิลเบสมีการปรับจูนที่แตกต่างกันก็มีประโยชน์เช่นกัน เดี่ยวและวงออเคสตรา และจำนวนสาย: 4 และ 5

มีความเห็นว่าเครื่องดนตรีทุกชนิดโดยเฉพาะไวโอลิน มือที่แตกต่างกันฟังดูใหม่ สม่ำเสมอ เครื่องมือที่ดีในมือของนักดนตรีธรรมดาๆ มันก็สามารถหยุดได้ ในทางกลับกัน นักไวโอลินและนักเล่นเชลโลที่มีพรสวรรค์ก็สามารถสกัดออกมาได้ เสียงที่สวยงามจากเครื่องมือที่ง่ายที่สุดและไร้รากที่สุด สิ่งนี้มีตรรกะมหัศจรรย์ของตัวเองในเรื่องความมหัศจรรย์ของเสียงและความเป็นเอกลักษณ์ของพรสวรรค์ของนักแสดง และนี่คือความลับที่อาจารย์ทุกคนใส่เข้าไปในเครื่องดนตรีของเขาทุกลมหายใจและทุกสัมผัส

วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส

เมื่อถูกถามว่าวิโอลาคืออะไร เกือบทุกคนตอบว่า “มันเป็นไวโอลิน แต่ใหญ่กว่าเท่านั้น”

คำตอบนี้ถูกต้องหากเราพิจารณาเฉพาะรูปร่างของเครื่องดนตรีเท่านั้น รูปร่าง. แต่วิโอลาก็มีลักษณะเสียงร้องของตัวเองไม่เหมือนกับเสียงของเครื่องดนตรีอื่น ๆ ดังนั้นจึงไม่สามารถถือเป็นไวโอลินขนาดใหญ่ได้

ประวัติความเป็นมาของวิโอลานั้นน่าทึ่งมาก เขาไม่โชคดีและถึงตอนนี้เขาก็ยังไม่โชคดีมากนัก

ความจริงก็คือตัววิโอลาหากทำตามการคำนวณทางเสียงตามการปรับจูนของเครื่องดนตรีก็ควรมีขนาดค่อนข้างใหญ่ - ยาวประมาณ 46 เซนติเมตร แน่นอนว่าความยาวของคอก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน และเพื่อที่จะเล่นเครื่องดนตรีประเภทนี้ได้ นักดนตรีต้องมีนิ้วที่ยาวและแข็งแรง และสิ่งนี้เกิดขึ้นน้อยมาก

คุณอาจถามว่า: แล้วพวกเขาเล่นเชลโลได้อย่างไร และโดยเฉพาะอย่างยิ่งดับเบิลเบส ท้ายที่สุดแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้มีขนาดใหญ่กว่าวิโอลามาก?

มีความแตกต่างที่สำคัญที่นี่ มือซ้ายนักไวโอลินและนักไวโอลินทำสองสิ่งพร้อมกัน: กดสายไปที่ฟิงเกอร์บอร์ดและรองรับเครื่องดนตรี มือซ้ายของนักเล่นเชลโลและดับเบิลเบสหลุดพ้นจากภารกิจที่สองนี้ - เครื่องดนตรีของพวกเขาได้รับการรองรับที่แตกต่างกัน หากนักไวโอลินสามารถจับมือของเขาเหนือเฟรตบอร์ดได้อย่างอิสระ ก็ไม่มีปัญหา แต่เขา นิ้วหัวแม่มือจะต้องห้อยลงตลอดเวลาใต้ฟิงเกอร์บอร์ด และต้องดึงนิ้วที่เหลือ โดยเฉพาะเมื่อเล่นในส่วนนั้นของฟิงเกอร์บอร์ดที่อยู่เหนือตัวเครื่องดนตรี การทำสิ่งนี้กับอัลโตคอยาวไม่ใช่เรื่องง่าย ดังนั้นจึงมีความปรารถนาตามธรรมชาติในหมู่นักไวโอลินที่จะลดขนาดเครื่องดนตรีของตน

ช่างฝีมือของ Cremonese ทำวิโอลาขนาดใหญ่ที่มีเสียงถูกต้อง และฟังดูน่าทึ่งมาก แต่สิ่งที่ขัดแย้งกันก็เกิดขึ้น: หากนักไวโอลินใฝ่ฝันถึงไวโอลินดีๆ และมองหามันอยู่เสมอ ในทางกลับกัน วิโอลากลับมองหานักดนตรีด้วยตัวเองและไม่พบเขาเสมอไป นักดนตรีปฏิเสธคนสำคัญก็ได้ เสียงวิโอลาและสั่งเครื่องดนตรีเล็กๆ ให้กับพวกเราเอง ความคิดเห็นค่อยๆ พัฒนาขึ้นว่าโดยทั่วไปแล้วเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่นวิโอลาตัวใหญ่ ปรมาจารย์ตอบสนองต่อความต้องการของนักดนตรีเริ่มผลิตวิโอลาขนาดเล็กที่มีเสียงจมูกและอู้อี้ ในที่สุด แม้แต่ Antonio Stradivari ก็ยอมประนีประนอมทักษะของตัวเองและเริ่มทำวิโอลาขนาดเล็ก ซึ่งไม่ใหญ่ไปกว่าไวโอลินมากนัก แน่นอนว่าฟังดูแย่กว่าทั้งไวโอลินและวิโอลาตัวใหญ่ของเขาเสียอีก

ด้วยเหตุนี้ชื่อเสียงของวิโอลาจึงสั่นคลอนอย่างเห็นได้ชัดในศตวรรษที่ 18 นักไวโอลินที่ไม่ประสบความสำเร็จส่วนใหญ่มักเริ่มเล่นและนักแต่งเพลงก็ระวังที่จะมอบความไว้วางใจให้วิโอลามีบทบาทจริงจังในงานออเคสตรา

แต่บางคนก็ไม่อยากทนกับสถานการณ์นี้ ตัวอย่างเช่น ปรมาจารย์ Jean Villaume (คนเดียวกับที่ทำไวโอลินกล่องโดย Felix Savard) เป็นคนสร้าง เครื่องมือขนาดใหญ่ในช่วงเวลาที่เกือบทุกคนเชื่อว่าวิโอลาตัวจริงเป็นเพียงอดีตและจะไม่มีวันกลับมาอีก เครื่องดนตรีออกมาสวยงาม แต่... ขอย้ำอีกครั้งว่าไม่มีใครอยากเล่นมัน Viola Villoma จบลงที่พิพิธภัณฑ์โดยไม่เคยรู้จักชีวิตทางดนตรีเลย

อย่างไรก็ตาม ผู้แต่งเริ่มพิจารณาทัศนคติของตนที่มีต่อวิโอลาทีละน้อย จุดเริ่มต้นจัดทำโดย Christoph Gluck โดยมอบความไว้วางใจให้วิโอลาทำทำนองหลักในตอนหนึ่งของโอเปร่า Alceste ของเขาจากนั้นค่อยๆ วิโอลาเข้ามารับตำแหน่งในวงออเคสตราที่ Cremonese มอบหมายให้เขา วาทยกรเลิกยอมรับนักไวโอลินที่ไม่ประสบความสำเร็จในฐานะนักไวโอลิน และเริ่มเรียกร้องดนตรีที่เต็มเปี่ยมจากนักแสดงวิโอลา

ในวงออเคสตราบางแห่ง นอกเหนือจากข้อกำหนดปกติสำหรับนักดนตรีที่เล่นวิโอลาแล้ว ยังมีสิ่งนี้อีกด้วย ตัวเครื่องดนตรีของเขาต้องไม่สั้นกว่า 42 เซนติเมตร ซึ่งใกล้กับ Alt ที่คำนวณไว้แล้ว แต่ยังไม่สมบูรณ์ จึงยังคงมีการประนีประนอมอยู่บ้าง

วิโอลาไม่ได้รับความนิยมเท่ากับไวโอลินหรือเชลโล ใช่ เขาเป็นสมาชิกเต็มตัวของวงซิมโฟนีและแชมเบอร์ออร์เคสตร้า ซึ่งรวมอยู่ในนั้นอย่างสม่ำเสมอ วงเครื่องสายแต่การแสดงเดี่ยวของนักไวโอลินไม่ได้จัดขึ้นบ่อยนัก แต่ถ้าหากท่านใดได้ไปชมคอนเสิร์ตดังกล่าวและถึงแม้ว่านักดนตรีจะมีตัวตนจริงก็ตาม วิโอลาใหญ่ความประทับใจจะไม่มีวันลืมเลือน

เครื่องดนตรีลำดับต่อไปในตระกูลไวโอลินคือเชลโล ที่นี่อาจจะไม่มีใครบอกว่าเชลโลเป็นไวโอลินตัวใหญ่ เชลโลมีเสียงต่ำที่พิเศษมากและมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง เมื่อคุณต้องการแสดงความโศกเศร้า เศร้า โศกเศร้า สิ้นหวัง ในรูปแบบดนตรี เชลโลไม่เท่ากัน มันถ่ายทอดความรู้สึกเหล่านี้ได้อย่างลึกซึ้ง

เชลโลถูกสร้างขึ้นโดยช่างทำไวโอลินกลุ่มแรกๆ ได้แก่ Bertolotti, Magini, Amati แต่เช่นเดียวกับไวโอลิน เชลโลก็ถูกทำให้สมบูรณ์แบบโดย Antonio Stradivari Carlo Bergonzi หนึ่งในนักเรียนคนโปรดของ Stradivari ได้ทำเชลโลมากมาย เครื่องดนตรีของเขาถือว่าดีที่สุด

เช่นเดียวกับวิโอลา เชลโลไม่ได้ครองตำแหน่งสำคัญทางดนตรีในทันที เป็นเวลานานมาแล้วที่เธอได้รับมอบหมายให้เล่นดนตรีร่วมกับวงออเคสตราเท่านั้น และแม้กระทั่งเมื่ออยู่ร่วมด้วยเธอก็มักจะไม่ได้เป็นอิสระ แต่เพียงทำซ้ำส่วนของเครื่องดนตรีอื่น ๆ เท่านั้น แต่ในที่สุดคุณสมบัติพิเศษของเธอก็ถูกสังเกตเห็น นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ได้พัฒนาเทคนิคการเล่นของพวกเขา นักแต่งเพลงเริ่มมอบหมายแต่ละส่วนของเธอในวงออเคสตรา จากนั้นก็จำเธอเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวได้ ปัจจุบันนักเล่นเชลโลมีส่วนร่วมมากมาย การแข่งขันระดับนานาชาติทัดเทียมกับนักไวโอลินและนักเปียโน และผลงานที่เขียนขึ้นสำหรับเชลโลโดยเฉพาะนั้นแยกไม่ออกจากความมั่งคั่งทางดนตรีส่วนที่เหลือ

ตระกูลไวโอลินเสร็จสมบูรณ์โดยตัวแทนอีกคน - ดับเบิลเบส

ต้องกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับรูปแบบของมัน พยายามขยายไวโอลินให้มีขนาดเท่าดับเบิลเบสทางจิตใจ - และจะไม่มีเหตุบังเอิญ ดับเบิ้ลเบสมีไหล่ลาด - ส่วนของร่างกายที่อยู่ติดกับคอ ชั้นล่างมันแบนกว่าไวโอลินและช่องเจาะด้านข้างก็มีรูปร่างไม่เหมือนกัน เชื่อกันว่าดับเบิลเบสยังไม่ "เกิดขึ้น" - ยังไม่เสร็จสิ้นการเปลี่ยนจากการละเมิดเป็นไวโอลิน แม้แต่ขนาดก็ไม่ได้รับการแก้ไข - ในเวิร์กช็อปต่าง ๆ พวกเขาสร้างดับเบิลเบสที่มีขนาดต่างกันโดยมีความยาวตั้งแต่ 180 ถึง 200 เซนติเมตร ดังนั้นบางครั้งนักเล่นดับเบิลเบสจึงมีช่วงเวลาที่ยากลำบาก: เป็นการยากที่จะนำเครื่องดนตรีขนาดใหญ่เช่นนี้ติดตัวไปทัวร์ และในเมืองอื่น คุณอาจเจอดับเบิลเบสที่มีขนาดไม่ธรรมดา

เครื่องดนตรีนี้มีข้อเสียเปรียบที่ยังไม่สามารถเอาชนะได้ - สิ่งที่เรียกว่าคอนทราเบสฮัมที่มาพร้อมกับเสียงของมัน แต่ถึงกระนั้น ดับเบิ้ลเบสก็เป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้ในวงออเคสตรา มีเพียงเครื่องดนตรีเสียงต่ำเท่านั้นที่มีเสียงที่หนาและแน่นขนาดนี้ ปรมาจารย์ในสมัยก่อนสร้างเครื่องดนตรีเบสขนาดเล็กที่ให้เสียงใสไร้เสียงฮัม แต่มีเครื่องดนตรีประเภทนี้เพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้

เครื่องดนตรีทุกชนิดในตระกูลไวโอลินถูกนำมาใช้ในวงออเคสตร้าแจ๊สและวงดนตรีแจ๊สในเวลาที่ต่างกัน แต่มีเพียงดับเบิลเบสเท่านั้นที่เป็นที่ยอมรับในเครื่องดนตรีเหล่านั้น มีและเป็นหนึ่งในมือเบสแจ๊สที่มีพรสวรรค์และเป็นดาวเด่นของพวกเขา และแม้จะมีการเกิดขึ้นของเครื่องดนตรีดังกล่าวที่เหมาะกับดนตรีแจ๊สมากขึ้นก็ตาม กีตาร์ไฟฟ้าเบสไม่ใช่วงดนตรีแจ๊สทุกวงที่จะละทิ้งดับเบิลเบสอย่างรวดเร็ว

ดูเหมือนว่าดับเบิ้ลเบสจะไม่เหมาะกับมันเลย การแสดงเดี่ยวธุรกิจของเขาคือการคุ้มกัน แต่นั่นไม่เป็นความจริง มีนักดนตรีที่เอาชนะลักษณะเฉพาะของเครื่องดนตรีและพิสูจน์ว่ามีความเป็นไปได้ที่ยังไม่ถูกค้นพบ บางทีคุณอาจจะได้ดูคอนเสิร์ตเดี่ยวของนักดับเบิลเบสหรืออย่างน้อยก็ซื้อแผ่นเสียงของคอนเสิร์ตนั้นแล้วคุณจะเห็นเอง

ดังนั้นเราจึงได้พบกับญาติสี่คนจากตระกูลไวโอลิน - ไวโอลิน, วิโอลา, เชลโล, ดับเบิลเบส บทบาทของพวกเขาใน ดนตรีสมัยใหม่มีขนาดใหญ่มาก ไม่สามารถไว้วางใจกับเครื่องมืออื่นใดได้อีกต่อไป หากไม่มีพวกเขาก็ไม่มีทั้งซิมโฟนิกหรือ แชมเบอร์ออร์เคสตราไม่มีเครื่องสายทรีโอ ควอร์เตต ควินเท็ต มีไม่มาก วงดนตรีพื้นบ้าน. และในขณะเดียวกันพวกเขาแต่ละคนก็เป็นศิลปินเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม

เครื่องดนตรีเครื่องสายเป็นเครื่องดนตรีที่แหล่งกำเนิดเสียง (เครื่องสั่น) คือการสั่นสะเทือนของสาย ในระบบ Hornbostel-Sachs เรียกว่า คอร์ดโฟน ตัวแทนทั่วไปของเครื่องสาย ได้แก่ kobyz, dombyra, ไวโอลิน, เชลโล, วิโอลา, ดับเบิลเบส, พิณและกีตาร์, gusli, balalaika และ domra เป็นต้น ประเภทของเครื่องสาย[แก้ไข | แก้ไขข้อความต้นฉบับ]

ดูเต็มๆ เช่นกัน รายการเครื่องสาย.

เครื่องสายทั้งหมดส่งแรงสั่นสะเทือนจากสายตั้งแต่หนึ่งสายขึ้นไปขึ้นไปในอากาศผ่านร่างกายของมัน (หรือผ่านปิ๊กอัพในกรณีของเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์) โดยปกติจะแบ่งตามเทคนิคการ "ปล่อย" การสั่นสะเทือนในสาย เทคนิคที่พบบ่อยที่สุดสามประการคือการถอน การโค้งคำนับ และการตี

โค้งคำนับ (โค้งคำนับ)เครื่องดนตรี - กลุ่มเครื่องดนตรีที่มีการผลิตเสียง ดำเนินการส่วนใหญ่ในกระบวนการจับคันธนูตามสายที่ยืดออก มีอยู่ จำนวนมากเครื่องดนตรีโค้งคำนับพื้นบ้าน ในการเล่นดนตรีวิชาการสมัยใหม่ มีการใช้เครื่องสาย 4 ชนิด ได้แก่

กลุ่มเครื่องสายถือเป็นพื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราและแบ่งออกเป็นห้าส่วน:

ไวโอลินตัวแรก

ไวโอลินตัวที่สอง

เชลโล

ดับเบิ้ลเบส.

ในบางครั้ง จะมีการเขียนส่วนหนึ่งสำหรับเครื่องสายที่มีสายต่ำที่สุด นั่นคือออคโตเบส

ช่วงของทั้งหมด กลุ่มโบว์ครอบคลุมเกือบเจ็ดอ็อกเทฟจากอ็อกเทฟที่เคาน์เตอร์ C ถึงอ็อกเทฟที่ห้าของ C

เครื่องดนตรีโค้งคำนับถูกสร้างขึ้นและขัดเกลาโดยรอบ ปลาย XVIIมีเพียงคันธนูในรูปแบบสมัยใหม่เท่านั้นที่ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 แม้จะมีความแตกต่างของเสียงระหว่างเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นในกลุ่ม แต่ก็ให้เสียงที่เป็นเนื้อเดียวกันโดยรวม สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยความสามัคคีของการออกแบบและหลักการทั่วไปของการผลิตเสียง

แหล่งกำเนิดเสียงสำหรับเครื่องดนตรีทุกชนิดคือเครื่องสาย ซึ่งสะท้อนกับตัวเครื่องดนตรีและส่งแรงสั่นสะเทือนผ่านอากาศไปยังผู้ฟัง การผลิตเสียงทำด้วยธนู ( อาร์โก้) หรือนิ้ว ( พิซซ่า)

ช่างฝีมือที่สร้างและซ่อมแซมเครื่องดนตรีเครื่องสายแบบโค้งเรียกว่าช่างทำไวโอลินหรือ ปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรีโค้งคำนับ.

ไวโอลิน - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบโค้งคำนับ ทะเบียนสูง. มันมี ต้นกำเนิดพื้นบ้านมีรูปลักษณ์ทันสมัยในศตวรรษที่ 16 และแพร่หลายในศตวรรษที่ 17 มีสี่สายปรับในห้า: ก, ง 1 ,ก 1 ,จ 2 (อ็อกเทฟเล็ก G, D, A ของอ็อกเทฟแรก, E ของอ็อกเทฟที่สอง) มีตั้งแต่ ก(โซลอ็อกเทฟเล็ก) ถึง ก 4 (อ็อกเทฟที่สี่) และสูงกว่า โทนเสียงของไวโอลินมีความหนาในช่วงเสียงต่ำ นุ่มนวลในเสียงกลาง และสดใสในเสียงด้านบน นอกจากนี้ยังมีไวโอลินห้าสาย โดยเพิ่มสายอัลโตล่าง "c" หรือ C (จนถึงอ็อกเทฟเล็ก) กำเนิดและประวัติศาสตร์[แก้ไข | แก้ไขข้อความต้นฉบับ]

ฟิเดล. รายละเอียดของแท่นบูชาของโบสถ์ St. Zacharias, Venice, Giovanni Bellini, 1505

ภาพย่อ “David the Psalmist” (ชิ้นส่วน) โกดูนอฟ สดุดี, 1594

“แผนภูมิต้นไม้ครอบครัว” ต้นกำเนิดของไวโอลินสมัยใหม่ สารานุกรมบริแทนนิกา ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 11

ต้นกำเนิดของไวโอลินคือ rebarab ภาษาอาหรับ, fidel ของสเปน, crotta ของอังกฤษ, การหลอมรวมที่ก่อให้เกิดการละเมิดจึงเป็นชื่อภาษาอิตาลีสำหรับไวโอลินไวโอลินเช่นเดียวกับเครื่องดนตรีสี่สายสลาฟของการปรับจูนที่ห้า zh และ g a (จึงเป็นชื่อภาษาเยอรมันของไวโอลิน - geige) ในฐานะเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ไวโอลินเริ่มแพร่หลายในโปแลนด์ ยูเครน โรมาเนีย อิสเตรีย และดัลเมเชีย (ปัจจุบันคือยูโกสลาเวีย) การต่อสู้ระหว่างการละเมิดของชนชั้นสูงและไวโอลินพื้นบ้านซึ่งดำเนินไปเป็นเวลาหลายศตวรรษสิ้นสุดลงด้วยชัยชนะในยุคหลัง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 การออกแบบไวโอลินสมัยใหม่พัฒนาขึ้นทางตอนเหนือของอิตาลี Gaspar Bartolometti da Salo (ประมาณ ค.ศ. 1542-1609) - ผู้ก่อตั้งโรงเรียนของอาจารย์แห่ง Brescia และ Andrea Amati (1535-c. 1611) - ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Cremona] . รูปแบบของไวโอลินก่อตั้งขึ้นเมื่อศตวรรษที่ 16; ช่างทำไวโอลินชื่อดัง - ตระกูล Amati - มีอายุย้อนกลับไปในศตวรรษนี้และต้นศตวรรษที่ 17 เครื่องดนตรีของพวกเขามีรูปทรงสวยงามและทำจากวัสดุที่ดีเยี่ยม โดยทั่วไปแล้ว ประเทศอิตาลีมีชื่อเสียงในด้านการผลิตไวโอลิน ซึ่งในปัจจุบันไวโอลินของ Stradivarius และ Guarneri มีมูลค่าสูงมาก

ไวโอลินนั่นเอง เครื่องดนตรีเดี่ยวตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ผลงานชิ้นแรกสำหรับไวโอลินได้รับการพิจารณาว่าเป็น: “Romanesca per Violino Solo e Basso” โดย Biagio Marini (1620) และ “Capriccio Stravagante” โดย Carlo Farina ร่วมสมัยของเขา ผู้สร้าง เกมศิลปะบนไวโอลินถือว่า Arcangelo Corelli; ตามมาด้วย Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764) ลูกศิษย์ของ Corelli ผู้พัฒนาเทคนิคการเล่นไวโอลินแบบ Bravura

ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป็นต้นมาแพร่หลายในหมู่พวกตาตาร์ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 มันถูกพบในชีวิตทางดนตรีของบาชเชอร์

อัลโต(ภาษาอังกฤษและอิตาลี) วิโอลา, อัลโต, เยอรมัน บราทเช่) หรือ วิโอลาไวโอลิน- เครื่องดนตรีที่มีเครื่องสายซึ่งมีโครงสร้างเดียวกับไวโอลิน แต่มีขนาดค่อนข้างใหญ่กว่า ด้วยเหตุนี้จึงให้เสียงที่ต่ำลง สายวิโอลาถูกปรับให้อยู่ต่ำกว่าสายไวโอลินหนึ่งในห้า และสายไวโอลินอยู่เหนือสายเชลโลหนึ่งอ็อกเทฟ - ค, ก, ง 1 ,ก 1 (ทำ, G ของอ็อกเทฟเล็ก, D, A ของอ็อกเทฟแรก) ช่วงที่พบบ่อยที่สุดคือจาก ค(ถึงอ็อกเทฟเล็ก) ถึง จ 3 (ไมล์ของอ็อกเทฟที่สาม) ในงานเดี่ยวคุณสามารถใช้เสียงที่สูงกว่าได้ โน้ตเขียนด้วยโน๊ตอัลโตและโน๊ตแหลม วิโอลาถือเป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งที่เก่าแก่ที่สุดที่มีอยู่ ช่วงเวลาที่ปรากฏนั้นย้อนกลับไปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 15-16 เทคนิคการเล่นวิโอลาแตกต่างจากการเล่นไวโอลินเล็กน้อยในแง่ของการผลิตเสียงและเทคนิค แต่เทคนิคการเล่นนั้นมีข้อจำกัดมากกว่าเล็กน้อยเนื่องจากขนาดที่ใหญ่กว่า และด้วยเหตุนี้ ความจำเป็นในการยืดสายไวโอลินให้มากขึ้น นิ้วมือซ้าย เสียงของวิโอลามีความสดใสน้อยกว่าไวโอลิน แต่มีความหนา เนื้อด้าน นุ่มนวลในแนวเสียงด้านล่าง และค่อนข้างจมูกในแนวเสียงด้านบน เสียงต่ำของวิโอลานี้เป็นผลมาจากขนาดของร่างกาย (“กล่องเสียงสะท้อน”) ไม่สอดคล้องกับการปรับแต่ง: ด้วยความยาวที่เหมาะสมที่สุด 46–47 เซนติเมตร (วิโอลาดังกล่าวทำโดยปรมาจารย์เก่าของโรงเรียนภาษาอิตาลี) เครื่องดนตรีสมัยใหม่มีความยาว 38 ถึง 43 เซนติเมตร [ ไม่ระบุแหล่งที่มา 1220 วัน] . วิโอลาขนาดใหญ่ที่ใกล้เคียงกับคลาสสิกส่วนใหญ่จะเล่นโดยนักแสดงเดี่ยวที่มีมือที่แข็งแกร่งกว่าและมีเทคนิคที่ได้รับการพัฒนามากขึ้น

จนถึงขณะนี้ วิโอลาไม่ค่อยถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เนื่องจากมีเพลงประกอบเพียงเล็กน้อย อย่างไรก็ตามในยุคของเรามีนักไวโอลินที่เก่งๆ จำนวนมากปรากฏตัวขึ้นในหมู่พวกเขา ได้แก่ Yuri Bashmet, Kim Kashkashyan, Yuri Kramarov และคนอื่น ๆ อย่างไรก็ตามพื้นที่หลักของการสมัครสำหรับวิโอลาคือวงซิมโฟนีและวงออเคสตราเครื่องสายซึ่งตามกฎแล้วพวกเขาจะได้รับมอบหมายให้เป็นเสียงกลาง แต่ยังรวมถึงตอนเดี่ยวด้วย วิโอลาเป็นสมาชิกบังคับของวงเครื่องสาย และมักใช้ในการประพันธ์เพลงอื่นๆ เช่น วงเครื่องสาย วงเปียโน วงดนตรีเปียโน quintet เป็นต้น

ตามเนื้อผ้า ผู้คนไม่ได้กลายเป็นนักไวโอลินตั้งแต่วัยเด็ก โดยเปลี่ยนมาใช้เครื่องดนตรีนี้เมื่ออายุมากขึ้น (เมื่อเรียนจบโรงเรียนดนตรี เมื่อเข้าวิทยาลัยหรือเรือนกระจก) ส่วนใหญ่เป็นนักไวโอลินที่มีลำตัวใหญ่ด้วย มือใหญ่และแรงสั่นสะเทือนในวงกว้าง บาง นักดนตรีชื่อดังประสบความสำเร็จในการผสมผสานการแสดงไวโอลินและวิโอลาเช่น Niccolo Paganini และ David Oistrakh

เชลโล(อิตาลี ไวโอลิน,คำย่อ เชลโล, เยอรมัน ไวโอลิน, วิโอลอนเซล,ภาษาอังกฤษ เชลโล) - เครื่องดนตรีสายโค้งคำนับของเบสและเทเนอร์ที่รู้จักกันมาตั้งแต่ครั้งแรก ครึ่งเจ้าพระยาศตวรรษ โครงสร้างเดียวกับไวโอลินหรือวิโอลา แต่มีขนาดใหญ่กว่ามาก เชลโลมีความสามารถในการแสดงออกอย่างกว้างขวางและมีเทคนิคการแสดงที่ได้รับการพัฒนาอย่างระมัดระวัง มันถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว วงดนตรี และวงดนตรีออเคสตรา การปรากฏตัวของเชลโลนั้นมีมาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 เดิมทีมันถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเบสเพื่อร้องเพลงหรือเล่นเครื่องดนตรีที่มีระดับสูงกว่า มีเชลโลหลายประเภท ซึ่งแตกต่างกันทั้งขนาด จำนวนสาย และการปรับเสียง (ส่วนใหญ่มักจะปรับโทนเสียงให้ต่ำกว่าเชลโลสมัยใหม่)

ในศตวรรษที่ 17-18 ด้วยความพยายามของปรมาจารย์ด้านดนตรีที่โดดเด่นของโรงเรียนในอิตาลี (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana ฯลฯ ) จึงได้สร้างแบบจำลองเชลโลคลาสสิกที่มีขนาดลำตัวที่มั่นคง ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ผลงานเดี่ยวชิ้นแรกสำหรับเชลโลปรากฏขึ้น - โซนาตาและไรเซอร์คาร์โดย Giovanni Gabrieli ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เชลโลเริ่มถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ต เนื่องจากเสียงที่สว่างกว่า เต็มอิ่มกว่า และเทคนิคการแสดงที่ได้รับการปรับปรุง ในที่สุดก็เข้ามาแทนที่วิโอลา ดา กัมบา จากการฝึกฝนดนตรี เชลโลยังเป็นส่วนหนึ่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตราและวงดนตรีแชมเบอร์ การก่อตั้งเชลโลครั้งสุดท้ายในฐานะเครื่องดนตรีชั้นนำชิ้นหนึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ผ่านความพยายามของนักดนตรีที่โดดเด่นอย่าง Pablo Casals การพัฒนาโรงเรียนสำหรับการแสดงเครื่องดนตรีนี้ได้นำไปสู่การเกิดขึ้นของนักเล่นเชลโลฝีมือดีจำนวนมากที่ทำการแสดงเดี่ยวเป็นประจำ

บทเพลงของเชลโลนั้นกว้างมากและประกอบด้วยคอนแชร์โต โซนาตา และผลงานที่เดินทางคนเดียวจำนวนมาก

วิโอลา ดา กัมบา(อิตาลี วิโอลา ดา กัมบา - วิโอลาเท้า) เป็นเครื่องดนตรีเครื่องสายโบราณในตระกูลไวโอลิน มีขนาดและช่วงใกล้เคียงกับเชลโลสมัยใหม่ มีการเล่นวิโอลา ดา กัมบา โดยนั่ง โดยถือเครื่องดนตรีไว้ระหว่างขาหรือวางไว้ด้านข้างต้นขา จึงเป็นที่มาของชื่อ

ในบรรดาไวโอลินตระกูลวิโอลทั้งหมด วิโอลา ดา กัมบา ยังคงรักษาความสำคัญของไวโอลินไว้ ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ยาวที่สุดในบรรดาเครื่องดนตรีทั้งหมด ผลงานหลายชิ้นของนักเขียนคนสำคัญที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ได้รับการเขียนขึ้นสำหรับไวโอลินชนิดนี้ อย่างไรก็ตาม เมื่อถึงปลายศตวรรษนี้ ชิ้นส่วนเหล่านี้ได้ถูกนำมาแสดงด้วยเชลโล เกอเธ่เรียกคาร์ล ฟรีดริช อาเบลว่าเป็นนักกัมบาคนสุดท้าย ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 นักแสดงที่แท้จริงได้ฟื้นฟูวิโอลาดากัมบา: นักเล่นแกมโบคนแรกในยุคปัจจุบันคือ Christian Döbereiner ซึ่งเปิดตัวในฐานะนี้ในปี 1905 ด้วยการแสดงโซนาตา Abel

ดับเบิ้ลเบส(อิตาลี ตรงกันข้ามหรือ ss))) - ขนาดที่ใหญ่ที่สุด (สูงประมาณสองเมตร) และเสียงต่ำสุดของเครื่องดนตรีเครื่องสายที่ใช้กันอย่างแพร่หลายผสมผสานคุณสมบัติของตระกูลไวโอลินและตระกูลไวโอลิน (ตระกูล Viola da GAMBA, Viola da GAMBA) .. มีสี่สายที่ปรับในสี่: E 1, A 1, D, G (E, A เคาน์เตอร์อ็อกเทฟ, D, G อ็อกเทฟ) มีตั้งแต่ E 1 (E เคาน์เตอร์อ็อกเทฟ) ถึง G 1 (G อ็อกเทฟแรก ) และสูงกว่า ดับเบิลเบสที่แท้จริงถูกกล่าวถึงครั้งแรกในหนังสือในปี 1566 ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้วาดไวโอลินโดยไม่ได้ตั้งใจ จากนั้นเขาก็มีแนวคิดว่าสามารถสร้างเครื่องมือดังกล่าวได้ ผู้เขียนหนังสือเล่มนี้ไม่เป็นที่รู้จัก คนสมัยใหม่แต่ทราบมาว่าหนังสือเล่มนี้เขียนขึ้นใน เอเชียกลางเมื่อยุโรปได้รับการแนะนำให้รู้จักกับผู้อยู่อาศัยในดินแดนเหล่านั้น ในไม่ช้าแนวคิดเรื่องเครื่องดนตรีใหม่ก็ถูกนำเสนอต่อยุโรป ในเวลานั้นยุโรปเป็นสถานที่ที่ยากจนที่สุดในโลก ดับเบิลเบสรุ่นก่อนถือเป็นการละเมิดดับเบิลเบส มันมีห้าสายที่ปรับให้เข้ากับ ดี 1 , อี 1 , ก 1 , ดี, จี(D, E, A Major, D, G อ็อกเทฟเล็ก) และเช่นเดียวกับไวโอลินส่วนใหญ่ โดยมีเฟรตบนเฟรตบอร์ด ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 Michele Todini ปรมาจารย์ชาวอิตาลีได้ออกแบบเครื่องดนตรีใหม่ซึ่งไม่มีสายและเฟรตที่ห้า (ต่ำสุด) แต่รูปร่างของร่างกายยังคงอยู่ ("ไหล่" - ชิ้นส่วน) ของร่างกายที่ติดกับคอ - ดับเบิ้ลเบสยังคงมีความลาดเอียงมากกว่าเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลิน) และการปรับควอร์ต (ในบรรดาเครื่องดนตรีโค้งสมัยใหม่ ดับเบิ้ลเบสเป็นเพียงตัวเดียวที่มี)

เครื่องดนตรีชนิดใหม่นี้ถูกใช้ครั้งแรกในวงออเคสตราในปี ค.ศ. 1699 ในโอเปร่า Caesar of Alexandria ของ Giuseppe Aldrovandini แต่ไม่ได้ถูกนำมาใช้เป็นเวลานาน (เสียงเบสแสดงโดยเชลโลและการละเมิดการปรับจูนเสียงต่ำ) เท่านั้นด้วย กลางศตวรรษที่ 18ศตวรรษ ดับเบิ้ลเบสกลายเป็นสมาชิกที่ขาดไม่ได้ของวงออเคสตรา โดยแทนที่การละเมิดเบสจากมัน ในเวลาเดียวกันนักดับเบิลเบสอัจฉริยะคนแรกก็ปรากฏตัวขึ้นโดยแสดงในคอนเสิร์ตเดี่ยวโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Domenico Dragonetti ได้รับชื่อเสียงในยุโรปอย่างมาก เพื่อความสะดวกในการแสดงเดี่ยวปรมาจารย์ได้ออกแบบดับเบิลเบสสามสายซึ่งมีการปรับสายในห้า ( ช 1 ,ดี,เอ- G counteroctave, D, A ของอ็อกเทฟขนาดใหญ่ นั่นคือ อ็อกเทฟที่ต่ำกว่าเชลโล แต่ไม่มีสาย ก่อน) หรือตามควอร์ต ( ก 1 , ดี, จี- อ็อกเทฟเคาน์เตอร์, D, G อ็อกเทฟขนาดใหญ่) ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีการแสดงทำให้สามารถแสดงผลงานอัจฉริยะกับเครื่องดนตรีสี่สายออร์เคสตราธรรมดาได้และดับเบิ้ลเบสสามสายก็เลิกใช้งาน เพื่อให้ได้เสียงที่สดใสยิ่งขึ้นในการทำงานเดี่ยว บางครั้งการปรับจูนดับเบิ้ลเบสจะเพิ่มขึ้นหนึ่งโทนเสียง (นี่คือ "การปรับจูนเดี่ยว")

ในศตวรรษที่ 19 เพื่อค้นหาโอกาสในการได้รับเสียงที่ต่ำลง Jean Baptiste Vuillaume ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสได้สร้างดับเบิ้ลเบสสูงสี่เมตรซึ่งเขาเรียกว่า "ออคโตเบส" แต่เนื่องจากขนาดที่ใหญ่โต เครื่องดนตรีนี้จึงไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลาย . ดับเบิ้ลเบสสมัยใหม่สามารถปรับสายที่ห้าได้ ค 1 (จนถึงเคาน์เตอร์-อ็อกเทฟ) หรือโดยกลไกพิเศษที่ "ขยาย" สายต่ำสุดและช่วยให้คุณได้รับเสียงต่ำเพิ่มเติม

พัฒนาการของการเล่นโซโลดับเบิ้ลเบสในยุคปัจจุบันมีความเกี่ยวพันกับผลงานของ Giovanni Bottesini และ Franz Zimandl ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เป็นหลัก ความพยายามของพวกเขาถูกยกระดับขึ้นอีกระดับโดยอัจฉริยะแห่งต้นศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะ Sergei Koussevitzky และ Adolf Mischek